7 ausländische Komponisten. Große Komponisten der Welt

Die Welt der klassischen Musik ist ohne die Werke russischer Komponisten undenkbar. Russland, ein großartiges Land mit talentierten Menschen und seinem eigenen kulturellen Erbe, war schon immer eine der führenden Lokomotiven des weltweiten Fortschritts und der Kunst, einschließlich der Musik. Die russische Komponistenschule, deren Traditionen von der sowjetischen und der heutigen russischen Schule fortgeführt wurden, begann im 19. Jahrhundert mit Komponisten, die europäische Musikkunst mit russischen Volksmelodien verbanden und die europäische Form mit dem russischen Geist verbanden.

Über jeden dieser berühmten Menschen kann viel gesagt werden, sie alle haben nicht einfache und manchmal tragische Schicksale, aber in dieser Rezension haben wir versucht, nur eine kurze Beschreibung des Lebens und Werks von Komponisten zu geben.

1.Michail Iwanowitsch GLINKA (1804—1857)

Mikhail Ivanovich Glinka ist der Begründer der russischen klassischen Musik und der erste inländische klassische Komponist, der Weltruhm erlangte. Seine Werke, die auf den jahrhundertealten Traditionen der russischen Volksmusik basieren, waren ein neues Wort in der Musikkunst unseres Landes.
Geboren in der Provinz Smolensk, ausgebildet in St. Petersburg. Die Bildung des Weltbildes und der Hauptidee von Mikhail Glinkas Arbeit wurde durch die direkte Kommunikation mit Persönlichkeiten wie A. S. Puschkin, V. A. Zhukovsky, A. S. Griboyedov, A. A. Delvig erleichtert. Den kreativen Anstoß zu seinem Schaffen gab eine längere Europareise in den frühen 1830er Jahren und Begegnungen mit den führenden Komponisten der Zeit – V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn und später mit G. Berlioz, J. Meyerbeer. Der Erfolg gelang M. I. Glinka nach der Aufführung der von allen begeistert aufgenommenen Oper „Iwan Susanin“ („Leben für den Zaren“) (1836), erstmals in der Weltmusik, der russischen Chorkunst und der europäischen Symphonie und Oper Die Praxis wurde organisch kombiniert, und es erschien ein Held, ähnlich wie Susanin, dessen Bild die besten Eigenschaften des nationalen Charakters zusammenfasst. VF Odoevsky beschrieb die Oper als "ein neues Element in der Kunst, und eine neue Periode beginnt in ihrer Geschichte - die Periode der russischen Musik".
Die zweite Oper - das Epos "Ruslan und Lyudmila" (1842), dessen Arbeit vor dem Hintergrund von Puschkins Tod und in den schwierigen Lebensbedingungen des Komponisten aufgrund des zutiefst innovativen Charakters der Arbeit durchgeführt wurde, war mehrdeutig wurde vom Publikum und den Behörden empfangen und brachte M. I. Glinka harte Gefühle. Danach reiste er viel, lebte abwechselnd in Russland und im Ausland, ohne mit dem Komponieren aufzuhören. Romanzen, symphonische und kammermusikalische Werke blieben in seinem Vermächtnis. In den 1990er Jahren war Mikhail Glinkas „Patriotisches Lied“ die offizielle Hymne der Russischen Föderation.

Zitat von M. I. Glinka: "Um Schönheit zu erschaffen, muss man rein in der Seele sein."

Zitat über M. I. Glinka: „Die gesamte russische symphonische Schule, wie die ganze Eiche in einer Eichel, ist in der symphonischen Fantasie „Kamarinskaja“ enthalten. P. I. Tschaikowsky

Eine interessante Tatsache: Mikhail Ivanovich Glinka unterschied sich nicht in guter Gesundheit, trotzdem war er sehr gelassen und kannte sich sehr gut mit Geographie aus, vielleicht wäre er ein Reisender geworden, wenn er kein Komponist geworden wäre. Er beherrschte sechs Fremdsprachen, darunter Persisch.

2. Alexander Porfirjewitsch BORODIN (1833—1887)

Alexander Porfirievich Borodin, einer der führenden russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, war neben seinem Talent als Komponist Chemiker, Arzt, Lehrer, Kritiker und hatte ein literarisches Talent.
Seit seiner Kindheit in St. Petersburg geboren, bemerkte jeder um ihn herum seine ungewöhnliche Aktivität, Begeisterung und Fähigkeiten in verschiedenen Richtungen, vor allem in Musik und Chemie. A. P. Borodin ist ein russischer Nugget-Komponist, er hatte keine professionellen Musikerlehrer, alle seine Errungenschaften in der Musik sind auf die unabhängige Arbeit an der Beherrschung der Kompositionstechnik zurückzuführen. Die Gründung von A.P. Borodin wurde durch die Arbeit von M.I. Glinka (wie alle russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts), und zwei Ereignisse gaben Anfang der 1860er Jahre den Anstoß zu einer dichten Beschäftigung mit Komposition - erstens die Bekanntschaft und Heirat mit der talentierten Pianistin E.S. Protopopova und zweitens die Begegnung mit M.A. Balakirev und trat der kreativen Gemeinschaft russischer Komponisten bei, die als "Mighty Handful" bekannt ist. In den späten 1870er und 1880er Jahren reiste und tourte A. P. Borodin ausgiebig durch Europa und Amerika, traf sich mit den führenden Komponisten seiner Zeit, sein Ruhm wuchs, er wurde Ende des 19. Jahrhunderts einer der berühmtesten und beliebtesten russischen Komponisten in Europa Jahrhundert. Jahrhundert.
Den zentralen Platz in der Arbeit von A. P. Borodin nimmt die Oper "Prince Igor" (1869-1890) ein, die ein Beispiel für das nationale Heldenepos in der Musik ist und für deren Fertigstellung er selbst keine Zeit hatte (sie wurde fertiggestellt von seine Freunde A. A. Glazunov und N. A. Rimsky-Korsakov). In "Prince Igor" spiegelte sich vor dem Hintergrund majestätischer Bilder historischer Ereignisse die Hauptidee des gesamten Schaffens des Komponisten wider - Mut, ruhige Erhabenheit, spiritueller Adel des besten russischen Volkes und die mächtige Stärke des ganzes russisches Volk, manifestiert in der Verteidigung des Mutterlandes. Trotz der Tatsache, dass A. P. Borodin nur eine relativ kleine Anzahl von Werken hinterlassen hat, ist sein Werk sehr vielfältig und er gilt als einer der Väter der russischen Sinfoniemusik, der viele Generationen russischer und ausländischer Komponisten beeinflusst hat.

Zitat über A. P. Borodin: "Borodins Talent ist gleichermaßen kraftvoll und erstaunlich sowohl in der Symphonie als auch in Oper und Romanze. Seine Hauptqualitäten sind enorme Kraft und Breite, kolossale Reichweite, Schnelligkeit und Ungestüm, kombiniert mit erstaunlicher Leidenschaft, Zärtlichkeit und Schönheit." V. V. Stasov

Interessant: Die von ihm 1861 erstmals untersuchte chemische Reaktion von Silbersalzen von Carbonsäuren mit Halogenen zu halogensubstituierten Kohlenwasserstoffen ist nach Borodin benannt.

3. Modest Petrowitsch Mussorgsky (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky - einer der brillantesten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts, Mitglied der "Mighty Handful". Mussorgskys innovative Arbeit war seiner Zeit weit voraus.
Geboren in der Provinz Pskow. Wie viele talentierte Menschen zeigte er von Kindheit an Talent in der Musik, studierte in St. Petersburg und war nach Familientradition ein Soldat. Das entscheidende Ereignis, das dazu führte, dass Mussorgsky nicht für den Militärdienst, sondern für die Musik geboren wurde, war sein Treffen mit M. A. Balakirev und sein Beitritt zur „Mighty Handful“. Mussorgsky ist großartig, weil er in seinen grandiosen Werken – den Opern Boris Godunov und Chowanschtschina – die dramatischen Meilensteine der russischen Geschichte mit einer radikalen Neuheit musikalisch eingefangen hat, die die russische Musik vor ihm nicht kannte, indem er in ihnen eine Kombination aus Volksmassenszenen und a vielfältiger Artenreichtum, der einzigartige Charakter des russischen Volkes. Diese Opern in zahlreichen Ausgaben sowohl des Autors als auch anderer Komponisten gehören zu den beliebtesten russischen Opern der Welt. Ein weiteres herausragendes Werk Mussorgskys ist der Zyklus von Klavierstücken „Bilder einer Ausstellung“, farbenfrohe und einfallsreiche Miniaturen sind vom russischen Refrain-Thema und dem orthodoxen Glauben durchdrungen.

Es gab alles in Mussorgskys Leben – sowohl Größe als auch Tragödie, aber er zeichnete sich immer durch echte geistige Reinheit und Selbstlosigkeit aus. Seine letzten Jahre waren schwierig – Lebenswirren, Nichtanerkennen der Kreativität, Einsamkeit, Alkoholsucht, all dies bestimmte seinen frühen Tod mit 42, er hinterließ relativ wenige Kompositionen, die teilweise von anderen Komponisten vollendet wurden. Die spezifische Melodie und innovative Harmonie von Mussorgsky nahmen einige Merkmale der musikalischen Entwicklung des 20. Jahrhunderts vorweg und spielten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Stile vieler Weltkomponisten.

Zitat von MP Mussorgsky: "Die Klänge der menschlichen Sprache als äußere Manifestationen des Denkens und Fühlens müssen ohne Übertreibung und Vergewaltigung wahrhaftige, genaue Musik werden, aber künstlerisch, hochkünstlerisch."

Zitat über M. P. Mussorgsky: „In allem, was Mussorgsky tat, klingt Ur-Russisch“ N. K. Roerich

Eine interessante Tatsache: Am Ende seines Lebens verzichtete Mussorgsky auf Druck seiner „Freunde“ Stasov und Rimsky-Korsakov auf das Urheberrecht an seinen Werken und übergab sie Tertiy Filippov

4. Peter Iljitsch Tschaikowsky (1840—1893)

Pjotr Iljitsch Tschaikowsky, vielleicht der größte russische Komponist des 19. Jahrhunderts, hat die russische Musikkunst zu beispiellosen Höhen geführt. Er ist einer der bedeutendsten Komponisten der klassischen Weltmusik.
Tschaikowsky stammt aus der Provinz Wjatka, obwohl seine väterlichen Wurzeln in der Ukraine liegen, zeigte Tschaikowsky von Kindheit an musikalische Fähigkeiten, aber seine erste Ausbildung und Arbeit lag im Bereich des Rechts. Tschaikowsky ist einer der ersten russischen „professionellen“ Komponisten – er studierte Musiktheorie und Komposition am neuen St. Petersburger Konservatorium. Tschaikowsky galt als „westlicher“ Komponist, im Gegensatz zu den volkstümlichen Gestalten der „Mächtigen Handvoll“, zu denen er gute kreative und freundschaftliche Beziehungen pflegte, ist sein Werk jedoch nicht weniger vom russischen Geist durchdrungen, den er auf einzigartige Weise zu vereinen vermochte das westliche symphonische Erbe von Mozart, Beethoven und Schumann mit russischen Traditionen, die von Mikhail Glinka geerbt wurden.
Der Komponist führte ein aktives Leben - er war Lehrer, Dirigent, Kritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, arbeitete in zwei Hauptstädten, tourte durch Europa und Amerika. Tschaikowsky war ein emotional eher instabiler Mensch, Begeisterung, Niedergeschlagenheit, Teilnahmslosigkeit, Jähzorn, heftige Wut – all diese Stimmungen wechselten in ihm oft, da er ein sehr geselliger Mensch war, strebte er immer nach Einsamkeit.
Es ist eine schwierige Aufgabe, das Beste aus Tschaikowskys Werk herauszugreifen, er hat mehrere Werke von gleicher Größe in fast allen Musikgenres - Oper, Ballett, Symphonie, Kammermusik. Der Inhalt von Tschaikowskys Musik ist universell: Mit unnachahmlicher Melodik umfasst sie die Bilder von Leben und Tod, Liebe, Natur, Kindheit, offenbart Werke der russischen und Weltliteratur auf neue Weise und spiegelt die tiefen Prozesse des spirituellen Lebens wider.

Komponist Zitat:
„Ich bin ein Künstler, der seinem Vaterland Ehre machen kann und muss. Ich spüre eine große künstlerische Kraft in mir, ich habe noch nicht einmal ein Zehntel von dem geschafft, was ich kann. Und ich will es mit all meiner Kraft tun.“ Seele."
"Das Leben hat nur dann Reiz, wenn es aus dem Wechsel von Freude und Leid, aus dem Kampf zwischen Gut und Böse, aus Licht und Schatten, mit einem Wort, aus Vielfalt in Einheit besteht."
"Großes Talent erfordert große harte Arbeit."

Zitat über den Komponisten: "Ich bin Tag und Nacht bereit, auf der Veranda des Hauses, in dem Pjotr Iljitsch wohnt, Ehrenwache zu stehen - so sehr respektiere ich ihn" A. P. Tschechow

Eine interessante Tatsache: Die Universität Cambridge verlieh Tschaikowsky in Abwesenheit und ohne Verteidigung einer Dissertation den Titel eines Doktors der Musik, und die Pariser Akademie der Schönen Künste wählte ihn zum korrespondierenden Mitglied.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ist ein talentierter russischer Komponist, eine der wichtigsten Persönlichkeiten bei der Schaffung eines unschätzbaren einheimischen musikalischen Erbes. Seine eigentümliche Welt und Verehrung der ewigen, allumfassenden Schönheit des Universums, Bewunderung für das Wunder des Lebens, Einheit mit der Natur haben keine Entsprechungen in der Musikgeschichte.
Geboren in der Provinz Novgorod, wurde er nach Familientradition Marineoffizier, auf einem Kriegsschiff bereiste er viele Länder in Europa und zwei Amerikas. Seine musikalische Ausbildung erhielt er zunächst von seiner Mutter, dann nahm er Privatunterricht bei dem Pianisten F. Canille. Und wieder, dank M.A. Balakirev, dem Organisator von The Mighty Handful, der Rimsky-Korsakov in die musikalische Gemeinschaft eingeführt und seine Arbeit beeinflusst hat, hat die Welt keinen talentierten Komponisten verloren.
Den zentralen Platz im Erbe von Rimsky-Korsakov nehmen Opern ein - 15 Werke, die eine Vielfalt von Genres, stilistischen, dramatischen, kompositorischen Entscheidungen des Komponisten demonstrieren und dennoch einen besonderen Stil haben - mit all dem Reichtum der Orchesterkomponente, melodischen Gesangslinien die wichtigsten. Zwei Hauptrichtungen zeichnen die Arbeit des Komponisten aus: Die erste ist die russische Geschichte, die zweite die Welt der Märchen und Epos, für die er den Spitznamen "Geschichtenerzähler" erhielt.
Neben der direkten unabhängigen kreativen Tätigkeit ist N. A. Rimsky-Korsakov als Publizist, Verfasser von Volksliedsammlungen bekannt, an denen er großes Interesse zeigte, und auch als Finalist der Werke seiner Freunde - Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin. Rimsky-Korsakov war der Gründer der Komponistenschule, als Lehrer und Leiter des St. Petersburger Konservatoriums brachte er etwa zweihundert Komponisten, Dirigenten, Musikwissenschaftler hervor, darunter Prokofjew und Strawinsky.

Zitat über den Komponisten: "Rimsky-Korsakov war ein sehr russischer Mensch und ein sehr russischer Komponist. Ich glaube, dass diese ursprünglich russische Essenz von ihm, seine tiefe folkloristisch-russische Basis, heute besonders geschätzt werden sollte." Mstislaw Rostropowitsch

Das Werk russischer Komponisten des späten 19. - ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist eine ganzheitliche Fortsetzung der Traditionen der russischen Schule. Gleichzeitig wurde das Konzept einer Annäherung an die "nationale" Zugehörigkeit dieser oder jener Musik benannt, es gibt praktisch kein direktes Zitat von Volksmelodien, aber die russische Intonationsbasis, die russische Seele, blieb.

6. Alexander Nikolajewitsch SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin ist ein russischer Komponist und Pianist, eine der hellsten Persönlichkeiten der russischen und weltweiten Musikkultur. Das originelle und zutiefst poetische Werk von Skrjabin zeichnete sich durch seine Innovation aus, auch vor dem Hintergrund der Geburt vieler neuer Kunstrichtungen, die mit den Veränderungen des öffentlichen Lebens um die Wende des 20. Jahrhunderts verbunden waren.
Geboren in Moskau, seine Mutter starb früh, sein Vater konnte sich nicht um seinen Sohn kümmern, da er als Botschafter in Persien diente. Scriabin wurde von seiner Tante und seinem Großvater erzogen, von Kindheit an zeigte er musikalische Fähigkeiten. Zuerst studierte er im Kadettenkorps, nahm privaten Klavierunterricht, nach dem Abschluss des Korps trat er in das Moskauer Konservatorium ein, sein Klassenkamerad war S. V. Rakhmaninov. Nach seinem Abschluss am Konservatorium widmete sich Skrjabin ganz der Musik – als Konzertpianist und Komponist tourte er durch Europa und Russland und verbrachte die meiste Zeit im Ausland.
Der Höhepunkt von Skrjabins kompositorischem Schaffen waren die Jahre 1903–1908, als die Dritte Sinfonie („Göttliches Gedicht“), die Symphonie „Gedicht der Ekstase“, „Tragische“ und „Satanische“ Klaviergedichte, 4. und 5. Sonaten und andere Werke entstanden veröffentlicht. "The Poem of Ecstasy", bestehend aus mehreren Themenbildern, konzentrierte Sryabins kreative Ideen und ist sein helles Meisterwerk. Es verband auf harmonische Weise die Liebe des Komponisten für die Kraft eines großen Orchesters und den lyrischen, luftigen Klang von Soloinstrumenten. Die kolossale Lebensenergie, feurige Leidenschaft, starke Willenskraft, die das „Poem of Ecstasy“ verkörpert, hinterlässt einen unwiderstehlichen Eindruck auf den Zuhörer und behält bis heute die Kraft seiner Wirkung.
Ein weiteres Meisterwerk von Skrjabin ist "Prometheus" ("Gedicht des Feuers"), in dem der Autor seine harmonische Sprache völlig aktualisiert hat, indem er vom traditionellen Tonsystem abweicht, und zum ersten Mal in der Geschichte sollte dieses Werk von Farbe begleitet werden Musik, aber die Premiere hat aus technischen Gründen keine Lichteffekte bestanden.
Das letzte unvollendete „Mysterium“ war die Idee von Skrjabin, einem Träumer, Romantiker und Philosophen, die gesamte Menschheit anzusprechen und ihn zu inspirieren, eine neue fantastische Weltordnung zu schaffen, die Vereinigung des universellen Geistes mit der Materie.

Zitat von A. N. Skrjabin: „Ich werde ihnen (den Menschen) sagen, dass sie ... nichts vom Leben erwarten, außer dem, was sie für sich selbst erschaffen können ... Ich werde ihnen sagen, dass es nichts zu trauern gibt darüber, dass es keinen Verlust gibt, damit sie keine Angst vor der Verzweiflung haben, die allein zu einem wahren Triumph führen kann. Stark und mächtig ist, wer die Verzweiflung erlebt und sie überwunden hat.

Ein Zitat über A.N. Skrjabin: "Skrjabins Werk war seine Zeit, ausgedrückt in Klängen. Aber wenn das Temporäre, das Vergängliche im Werk eines großen Künstlers seinen Ausdruck findet, bekommt es eine dauerhafte Bedeutung und wird dauerhaft." G. W. Plechanow

7. Sergej Wassiljewitsch Rahmaninow (1873 - 1943)

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow ist der größte Weltkomponist des frühen 20. Jahrhunderts, ein talentierter Pianist und Dirigent. Das kreative Bild von Rachmaninoff als Komponist wird oft mit dem Beinamen "der russischste Komponist" definiert, der in dieser kurzen Formulierung seine Verdienste um die Vereinigung der musikalischen Traditionen der Moskauer und St. Petersburger Komponistenschulen und um die Schaffung seines eigenen einzigartigen Stils hervorhebt. die isoliert in der weltweiten Musikkultur hervorsticht.
Geboren in der Provinz Nowgorod, begann er im Alter von vier Jahren unter der Anleitung seiner Mutter Musik zu studieren. Er studierte am St. Petersburger Konservatorium, nach 3 Jahren wechselte er an das Moskauer Konservatorium und schloss sein Studium mit einer großen Goldmedaille ab. Er wurde schnell als Dirigent und Pianist bekannt und komponierte Musik. Die katastrophale Uraufführung der bahnbrechenden Ersten Symphonie (1897) in St. Petersburg verursachte eine kreative Komponistenkrise, aus der Rachmaninoff Anfang des 20. Jahrhunderts mit einem Stil hervorging, der russisches Kirchenliederschreiben, verblassende europäische Romantik, modernen Impressionismus und Neoklassizismus kombinierte, alles gesättigt mit komplexe Symbolik. In dieser Schaffensperiode entstanden seine besten Werke, darunter 2 und 3 Klavierkonzerte, die Zweite Sinfonie und sein Lieblingswerk – das Gedicht „Die Glocken“ für Chor, Solisten und Orchester.
1917 wurden Rachmaninov und seine Familie gezwungen, unser Land zu verlassen und sich in den Vereinigten Staaten niederzulassen. Fast zehn Jahre lang nach seiner Abreise komponierte er nichts, tourte jedoch ausgiebig durch Amerika und Europa und wurde als einer der größten Pianisten seiner Zeit und als größter Dirigent anerkannt. Bei all der stürmischen Aktivität blieb Rachmaninoff eine verletzliche und unsichere Person, die nach Einsamkeit und sogar Einsamkeit strebte und die aufdringliche Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit vermied. Er liebte und sehnte sich aufrichtig nach seiner Heimat und fragte sich, ob er einen Fehler gemacht hatte, als er sie verlassen hatte. Er interessierte sich ständig für alle Ereignisse in Russland, las Bücher, Zeitungen und Zeitschriften und half finanziell. Seine letzten Kompositionen – Sinfonie Nr. 3 (1937) und „Symphonische Tänze“ (1940) wurden das Ergebnis seines kreativen Weges, der das Beste aus seinem einzigartigen Stil und dem traurigen Gefühl von irreparablem Verlust und Heimweh aufnahm.

Zitat von S. V. Rachmaninov:
„Ich fühle mich wie ein Gespenst, das allein in einer Welt umherirrt, die ihm fremd ist.“
"Die höchste Qualität jeder Kunst ist ihre Aufrichtigkeit."
„Große Komponisten haben immer und vor allem auf die Melodie als Leitprinzip in der Musik geachtet. Melodie ist Musik, die Hauptgrundlage aller Musik … Melodischer Einfallsreichtum im höchsten Sinne des Wortes ist das wichtigste Lebensziel des Komponisten. ... By Aus diesem Grund zeigten die großen Komponisten der Vergangenheit so viel Interesse an den Volksmelodien ihrer Länder.

Zitat über S. V. Rachmaninov:
„Rachmaninow wurde aus Stahl und Gold geschaffen: Stahl in seinen Händen, Gold in seinem Herzen. Ich kann nicht ohne Tränen an ihn denken. Ich habe mich nicht nur vor dem großen Künstler verneigt, sondern ich habe den Mann in ihm geliebt.“ I. Hoffmann
"Rakhmaninovs Musik ist der Ozean. Seine Wellen - musikalisch - beginnen so weit hinter dem Horizont und heben dich so hoch und senken dich so langsam ... dass du diese Kraft und diesen Atem spürst." A. Konchalovsky

Eine interessante Tatsache: Während des Großen Vaterländischen Krieges gab Rachmaninow mehrere Wohltätigkeitskonzerte, von denen er das gesammelte Geld an den Fonds der Roten Armee schickte, um die Nazi-Invasoren zu bekämpfen.

8. Igor Fjodorowitsch Strawinsky (1882-1971)

Igor Fjodorowitsch Strawinsky ist einer der einflussreichsten Weltkomponisten des 20. Jahrhunderts, der Anführer des Neoklassizismus. Strawinsky wurde zum „Spiegel“ der musikalischen Ära, sein Werk spiegelt die Pluralität der Stile wider, die sich ständig überschneiden und schwer einzuordnen sind. Frei kombiniert er Genres, Formen, Stile, wählt sie aus Jahrhunderten der Musikgeschichte aus und ordnet sie seinen eigenen Regeln unter.
Geboren in der Nähe von St. Petersburg, Studium an der Juristischen Fakultät der Universität St. Petersburg, selbstständiges Studium der Musikdisziplinen, Privatunterricht bei N. A. Rimsky-Korsakov, dies war Strawinskys einzige Kompositionsschule, dank derer er die Kompositionstechnik perfekt beherrschte. Relativ spät begann er professionell zu komponieren, doch der Aufstieg war schnell – eine Serie von drei Balletten: Der Feuervogel (1910), Petruschka (1911) und Das Frühlingsopfer (1913) brachten ihn sofort in die Reihe der Komponisten ersten Ranges .
1914 verließ er Russland, wie sich fast für immer herausstellte (1962 gab es Tourneen in die UdSSR). Strawinsky ist ein Kosmopolit, der mehrere Länder wechseln musste – Russland, die Schweiz, Frankreich – und schließlich in den USA lebte. Seine Arbeit ist in drei Perioden unterteilt - "russisch", "neoklassisch", amerikanische "Serienproduktion". Die Perioden sind nicht nach der Lebenszeit in verschiedenen Ländern, sondern nach der "Handschrift" des Autors unterteilt.
Strawinsky war ein sehr gebildeter, geselliger Mensch mit einem wunderbaren Sinn für Humor. Der Kreis seiner Bekannten und Korrespondenten umfasste Musiker, Dichter, Künstler, Wissenschaftler, Geschäftsleute, Staatsmänner.
Die letzte höchste Errungenschaft von Strawinsky - "Requiem" (Gesänge für die Toten) (1966) absorbierte und kombinierte die bisherige künstlerische Erfahrung des Komponisten und wurde zu einer wahren Apotheose des Werks des Meisters.
Ein einzigartiges Merkmal sticht in Stawinskys Werk hervor - "Einzigartigkeit", nicht umsonst wurde er "der Komponist von tausend und einem Stil" genannt, der ständige Wechsel von Genre, Stil, Handlungsrichtung - jedes seiner Werke ist einzigartig , aber er kehrte immer wieder zu Entwürfen zurück, in denen russische Herkunft sichtbar ist, hörte russische Wurzeln.

Zitat von I. F. Strawinsky: "Ich habe mein ganzes Leben lang Russisch gesprochen, ich habe einen russischen Stil. Vielleicht ist das in meiner Musik nicht sofort sichtbar, aber es ist ihr inhärent, es liegt in ihrer verborgenen Natur."

Zitat über I.F. Strawinsky: "Strawinsky ist ein wahrhaft russischer Komponist ... Der russische Geist ist unzerstörbar im Herzen dieses wahrhaft großen, facettenreichen Talents, das aus dem russischen Land geboren und mit ihm lebendig verbunden ist ... " D. Schostakowitsch

Interessante Tatsache (Fahrrad):
In New York angekommen, nahm Strawinsky ein Taxi und war überrascht, seinen Namen auf dem Schild zu lesen.
- Sie sind kein Verwandter des Komponisten? fragte er den Fahrer.
- Gibt es einen Komponisten mit einem solchen Nachnamen? - Der Fahrer war überrascht. - Hören Sie es zum ersten Mal. Strawinsky ist jedoch der Name des Taxibesitzers. Ich habe nichts mit Musik zu tun - mein Name ist Rossini ...

9. Sergej Sergejewitsch PROKOFIEV (1891—1953)

Sergej Sergejewitsch Prokofjew - einer der größten russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Pianist, Dirigent.
Geboren in der Region Donezk, trat er von Kindheit an der Musik bei. Prokofjew kann als eines der wenigen (wenn nicht das einzige) russische musikalische "Wunderkind" angesehen werden, ab seinem 5. Lebensjahr war er mit dem Komponieren beschäftigt, im Alter von 9 Jahren schrieb er zwei Opern (natürlich sind diese Werke noch unreif, aber sie zeigen einen Wunsch nach Schöpfung), im Alter von 13 Jahren bestand er Prüfungen am St. Petersburger Konservatorium, unter seinen Lehrern war N. A. Rimsky-Korsakov. Der Beginn seiner beruflichen Laufbahn löste einen Sturm der Kritik und ein Missverständnis seines individuellen, grundlegend antiromantischen und äußerst modernistischen Stils aus, das Paradoxe ist, dass die Struktur seiner Kompositionen trotz der Zerstörung akademischer Kanone klassischen Prinzipien treu blieb und in der Folge zu einem wurde hemmende Kraft modernistischer alles verneinender Skepsis. Von Beginn seiner Karriere an trat Prokofjew auf und tourte viel. 1918 unternahm er eine internationale Tournee, darunter einen Besuch in der UdSSR, und kehrte schließlich 1936 in seine Heimat zurück.
Das Land hat sich verändert und Prokofjews „freie“ Kreativität wurde gezwungen, den Realitäten der neuen Forderungen Platz zu machen. Prokofjews Talent blühte mit neuer Kraft auf – er schreibt Opern, Ballette, Musik für Filme – scharfe, willensstarke, äußerst präzise Musik mit neuen Bildern und Ideen legte den Grundstein für die sowjetische klassische Musik und Oper. 1948 ereigneten sich fast gleichzeitig drei tragische Ereignisse: Unter dem Verdacht der Spionage wurde seine erste spanische Frau verhaftet und in Lager verbannt; das Dekret des Polbüros des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki wurde herausgegeben, in dem Prokofjew, Schostakowitsch und andere angegriffen und des „Formalismus“ und der Gefahren ihrer Musik beschuldigt wurden; Der Gesundheitszustand des Komponisten verschlechterte sich stark, er zog sich aufs Land zurück und verließ es praktisch nicht, sondern komponierte weiter.
Einige der hellsten Werke der Sowjetzeit waren die Opern „Krieg und Frieden“, „Die Geschichte eines echten Mannes“; die Ballette „Romeo und Julia“, „Cinderella“, die zu einem neuen Standard der Weltballettmusik geworden sind; Oratorium „Auf der Hut der Welt“; Musik für die Filme „Alexander Newski“ und „Iwan der Schreckliche“; Sinfonien Nr. 5,6,7; Klavierwerk.
Prokofjews Werk besticht durch seine Vielseitigkeit und Themenbreite, die Originalität seines musikalischen Denkens, seine Frische und Originalität machten eine ganze Ära in der Weltmusikkultur des 20. Jahrhunderts aus und hatten einen starken Einfluss auf viele sowjetische und ausländische Komponisten.

Zitat von S. S. Prokofjew:
"Kann ein Künstler dem Leben fernstehen? ... Ich bin der Überzeugung, dass ein Komponist wie ein Dichter, Bildhauer, Maler dazu berufen ist, den Menschen und den Menschen zu dienen ... Er muss vor allem ein Bürger sein seine Kunst besingt das menschliche Leben und führt den Menschen in eine bessere Zukunft ...
"Ich bin eine Manifestation des Lebens, die mir die Kraft gibt, allem Nicht-Spirituellen zu widerstehen"

Zitat über S.S. Prokofjew: „... alle Facetten seiner Musik sind schön. Aber hier gibt es eine völlig ungewöhnliche Sache. Anscheinend haben wir alle irgendwelche Misserfolge, Zweifel, einfach schlechte Laune. Und in solchen Momenten, auch wenn Ich spiele und höre Prokofjew nicht, aber denke nur an ihn, ich bekomme einen unglaublichen Energieschub, ich verspüre eine große Lust zu leben, zu spielen.“ E. Kissin

Eine interessante Tatsache: Prokofjew liebte Schach sehr und bereicherte das Spiel mit seinen Ideen und Errungenschaften, einschließlich des von ihm erfundenen "Neun" -Schachs - ein 24x24-Brett mit neun darauf platzierten Figurensätzen.

10. Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch ist einer der bedeutendsten und meistgespielten Komponisten der Welt, sein Einfluss auf die moderne klassische Musik ist unermesslich. Seine Kreationen sind wahrer Ausdruck des inneren menschlichen Dramas und der Annalen der schwierigen Ereignisse des 20. Jahrhunderts, wo das zutiefst Persönliche mit der Tragödie des Menschen und der Menschheit, mit dem Schicksal seines Heimatlandes verflochten ist.
In St. Petersburg geboren, erhielt er seinen ersten Musikunterricht von seiner Mutter, absolvierte das St. Petersburger Konservatorium, bei dessen Eintritt Rektor Alexander Glasunow ihn mit Mozart verglich - er beeindruckte alle mit seinem hervorragenden musikalischen Gedächtnis, seinem scharfen Ohr und seiner kompositorischen Begabung . Bereits in den frühen 1920er Jahren, am Ende des Konservatoriums, hatte Schostakowitsch ein Gepäck an eigenen Werken und wurde einer der besten Komponisten des Landes. Weltruhm erlangte Schostakowitsch durch den Gewinn des 1. Internationalen Chopin-Wettbewerbs 1927.
Bis zu einer gewissen Zeit, nämlich vor der Produktion der Oper „Lady Macbeth von Mzensk“, arbeitete Schostakowitsch als freischaffender Künstler – „Avantgarde“, experimentierte mit Stilen und Genres. Die schroffe Anprangerung dieser Oper im Jahr 1936 und die Repressionen im Jahr 1937 legten den Grundstein für den anschließenden ständigen inneren Kampf Schostakowitschs um den Wunsch, seine Ansichten angesichts der staatlichen Aufzwängung von Trends in der Kunst zum Ausdruck zu bringen. In seinem Leben sind Politik und Kreativität sehr eng miteinander verflochten, er wurde von den Behörden gelobt und von ihnen verfolgt, bekleidete hohe Ämter und wurde von ihnen entfernt, wurde ausgezeichnet und stand selbst und seine Angehörigen kurz vor der Verhaftung.
Als weicher, intelligenter, feinfühliger Mensch fand er seine Ausdrucksform schöpferischer Prinzipien in Symphonien, wo er möglichst offen die Wahrheit über die Zeit sagen konnte. Von allen umfangreichen Werken von Schostakowitsch in allen Genres nehmen die Symphonien (15 Werke) einen zentralen Platz ein, die dramatischsten sind die Symphonien 5,7,8,10,15, die zum Höhepunkt der sowjetischen Symphoniemusik wurden. Ein ganz anderer Schostakowitsch tut sich in der Kammermusik auf.
Trotz der Tatsache, dass Schostakowitsch selbst ein „heimischer“ Komponist war und praktisch nicht ins Ausland reiste, verbreitete sich seine Musik, humanistisch im Wesen und wahrhaft künstlerisch in der Form, schnell und weit in der ganzen Welt, aufgeführt von den besten Dirigenten. Das Ausmaß von Schostakowitschs Talent ist so immens, dass das vollständige Verständnis dieses einzigartigen Phänomens der Weltkunst noch aussteht.

Zitat von D.D. Schostakowitsch: „Echte Musik kann nur menschliche Gefühle ausdrücken, nur fortgeschrittene menschliche Ideen.“

Unter diesen Melodien gibt es für jede Stimmung ein Motiv: romantisch, positiv oder trist, um sich zu entspannen und an nichts zu denken, oder umgekehrt, um seine Gedanken zu sammeln.

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Der italienische Komponist und Pianist arbeitet in Richtung Minimalismus, wendet sich oft dem Ambient zu und verbindet gekonnt klassische Musik mit anderen Musikstilen. Er ist einem breiten Kreis bekannt für atmosphärische Kompositionen, die zu Filmmusiken geworden sind. Zum Beispiel werden Sie sicherlich die Musik von der französischen Kassette "1 + 1" von Einaudi wiedererkennen.

themagger.net

Glas ist eine der umstrittensten Persönlichkeiten in der Welt der modernen Klassiker, die entweder in den Himmel gelobt oder bis ins Mark kritisiert wird. Er spielt seit einem halben Jahrhundert mit seinem eigenen Philip Glass Ensemble und hat Musik für über 50 Filme geschrieben, darunter The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life und The Fantastic Four. Die Melodien des amerikanischen Minimalisten verwischen die Grenze zwischen Klassik und Popmusik.

latimes.com

Autor vieler Soundtracks, bester Filmkomponist 2008 laut European Film Academy und Post-Minimalist. Die Kritiker fesselten das erste Album „Memoryhouse“, in dem Richters Musik Gedichtlesungen überlagerte, und nachfolgende Alben verwendeten auch fiktive Prosa. Er schreibt nicht nur eigene Ambient-Kompositionen, sondern arrangiert auch klassische Werke: Vivaldis „Die vier Jahreszeiten“ führte mit seinem Arrangement die iTunes-Klassik-Charts an.

Der Instrumentalmusiker aus Italien wird nicht mit Sensationskino in Verbindung gebracht, sondern ist bereits als Komponist, Virtuose und erfahrener Klavierpädagoge bekannt. Wenn Sie Marradis Musik in zwei Worten beschreiben, dann sind dies die Worte „sinnlich“ und „magisch“. Liebhaber von Retro-Klassikern werden seine Kreationen und Cover mögen: In den Motiven finden sich Noten des letzten Jahrhunderts wieder.

twitter.com/coslive

Der berühmte Filmkomponist hat viele Filme und Zeichentrickfilme mit hohem Einspielergebnis musikalisch untermalt, darunter Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Sein Stern prangt auf dem Hollywood Walk of Fame und in seinem Regal stehen Oscars, Grammys und Golden Globes. Zimmers Musik ist so vielfältig wie diese Filme, aber egal in welchem Ton, sie trifft einen Nerv.

musicaludi.fr

Hisaishi ist einer der berühmtesten japanischen Komponisten, der vier japanische Academy Film Awards für die beste Filmmusik gewonnen hat. Berühmt wurde er durch das Schreiben des Soundtracks für Hayao Miyazakis Anime Nausicaä of the Valley of the Wind. Wenn Sie ein Fan der Bänder von Studio Ghibli oder Takeshi Kitano sind, werden Sie Hisaishis Musik sicher bewundern. Es ist meistens hell und leicht.

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Dieser isländische Multiinstrumentalist ist im Vergleich zu den aufgeführten Meistern nur ein Junge, aber mit seinen 30ern hat er es geschafft, ein anerkannter Neoklassiker zu werden. Er nahm eine Ballettbegleitung auf, gewann einen BAFTA-Preis für den Soundtrack zur britischen TV-Serie „Murder on the Beach“ und veröffentlichte 10 Studioalben. Arnalds' Musik erinnert an einen rauen Wind an einer menschenleeren Küste.

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Die bekanntesten Werke von Lee Ru Ma sind Kiss the Rain und River Flows in You. Der koreanische New-Age-Komponist und Pianist schreibt populäre Klassiker, die für Zuhörer auf jedem Kontinent, mit jedem Musikgeschmack und jeder Ausbildung verständlich sind. Seine leichten und sinnlichen Melodien wurden für viele zum Beginn der Liebe zur Klaviermusik.

Dustin O’Halloran

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Der amerikanische Komponist ist insofern interessant, als er keine musikalische Ausbildung hat, aber gleichzeitig die angenehmste und durchaus populärste Musik schreibt. O'Hallorans Melodien wurden in Top Gear und mehreren Filmen verwendet. Das vielleicht erfolgreichste Soundtrack-Album war das Melodram Like Crazy, ein Komponist und Pianist, der viel über die Kunst des Dirigierens und das Schaffen elektronischer Musik weiß. Aber sein Hauptgebiet sind moderne Klassiker. Cacchapalla hat viele Alben aufgenommen, drei davon mit dem Royal Philharmonic Orchestra. Seine Musik fließt wie Wasser, es ist großartig, sich darunter zu entspannen.

Welche anderen modernen Komponisten es wert sind, gehört zu werden

Wenn Sie Epik lieben, fügen Sie Ihrer Playlist Klaus Badelt hinzu, der mit Zimmer an Fluch der Karibik gearbeitet hat. Auch Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore und John Williams sollten nicht fehlen - Sie müssen einen separaten Artikel schreiben, um alle ihre Werke, Verdienste und Auszeichnungen aufzulisten.

Wenn Sie mehr köstlichen Neoklassizismus wollen, achten Sie auf Niels Fram und Sylvain Chauveau.

Wer nicht genug bekommt, erinnert sich an den Schöpfer des Soundtracks zu „Amelie“ Jan Tiersen oder entdeckt den japanischen Komponisten Tammon: Er schreibt luftige, traumhafte Melodien.

Welche Komponistenmusik magst du und welche nicht? Wen würden Sie dieser Liste noch hinzufügen?

Franz Schubert schrieb Musik im Übergang von der Wiener Klassik zur Romantik. Seine Werke sind sehr ausdrucksstark, emotional, in den Idiomen der Wiener Klassik geschrieben. Schubert hatte gerade die 30-Jahres-Marke überschritten, als er starb, aber es gelang ihm, ein riesiges musikalisches Erbe für zukünftige Generationen zu hinterlassen. Heute ist klassische Musik ohne die Werke Schuberts nicht mehr möglich. Warum Schubert starb, ist bis heute unbekannt – Anfang des 20. Jahrhunderts waren sich deutsche Ärzte sicher, dass er an Typhus, einer Armenkrankheit, starb. Heute glauben einige Ärzte, dass er an fortgeschrittener Syphilis gestorben ist. Man kann argumentieren, dass Schubert selbst bereits 1823 von seiner unheilbaren Krankheit wusste. Außerdem litt er in den letzten Tagen auch noch an Fieber, aber heute ist die Meinung zur Syphilis eher bestärkt.

Wir persönlich finden, dass man berücksichtigen muss, dass Schubert in unhygienischen Verhältnissen lebte und in seinen letzten Tagen sehr wenig gegessen und getrunken hat – und das ist typisch für Magen-Darm-Erkrankungen.

Frederic Chopin Das Interesse dafür, wie und welche Art von Kompositionen Chopin geschrieben hat, ist natürlich geweckt – seine Kreationen sind nicht nur aus ästhetischer, sondern auch aus technischer Sicht gut. Ein Blick auf die Notizen, die Chopin geschrieben hat, erklärt sofort all seine Exzentrizität – die Manuskripte seiner Werke wimmeln von Durchstreichungen, Einfügungen usw. Es ist selten, dass mehrere Versionen eines Werkes identisch sind. Notenblätter, die in verschiedenen Ländern "gleichzeitig" veröffentlicht wurden, variieren - selbst nachdem das Werk veröffentlicht wurde, fand Chopin einen Weg, es zu korrigieren. Im Allgemeinen glaubte Chopin, dass das Werk eines Komponisten kreativ sein sollte, unbegrenzt weder durch die Grenzen der Veröffentlichung noch aus anderen Gründen. Vielleicht hat dies dazu geführt, dass Chopins Musik in einer großen Liste namens "klassische Musik" aufgeführt ist.

Wolfgang Amadeus Mozart einer der interessantesten Komponisten, ein Wunderkind, ein einzigartiges Kind, das unglaubliche musikalische Talente zeigte. Mozart spielte bereits im Alter von 3-4 Jahren gut Cembalo und entwickelte eigene Kompositionen. Viele schrieben ihm magische Fähigkeiten zu – und laut einer bekannten Geschichte konnte sein Rivale Salieri Neid nicht ertragen und vergiftete Wolfgang. Mozart hatte ein perfektes Gehör, ein großartiges Gespür für Musik und schuf mit Leichtigkeit die komplexesten Partituren. Die meisten Werke Mozarts wurden zur Unterhaltung von Höflingen geschrieben, daher sind sie leicht und luftig, obwohl sie aus der Sicht des Pianisten ziemlich ernst sind. Vielleicht ist Mozart klassische Musik.

Georg Friedrich Händel(geboren am 23. Februar 1685 in Hull, gestorben am 14. April 1759 in London) war ein Barockkomponist. Berühmt wurde er vor allem durch seine zahlreichen Opern. Etwa 40 Opern und 25 Oratorien gehören zu seinem Schaffen. Händel hinterließ Kompositionen in allen damals existierenden Musikgattungen. Händels Vater Georg (1622-1697) war Barbier und Wundarzt lutherischen Glaubens und diente als Hofarzt des Herzogs von Weißenfels von Sachsen.

Georg Händel nahm seinen Sohn noch vor seinem 8. Lebensjahr mit nach Weißenfels. So traf das Baby auf die Hofmusikanten und spielte im Beisein des Herzogs die Orgel. Er erkannte sofort das Talent des Jungen und führte ein ernsthaftes Gespräch mit seinem Vater, der sich seine Argumente anhörte, obwohl er selbst kein Interesse an Musik hatte.

Nach seiner Rückkehr wurde Händel Schüler von Friedrich Wilhelm Zachow, dem Organisten der Madonnenkirche. Bei ihm studierte er Komposition, lernte neben Tasteninstrumenten auch Oboe und Geige spielen. Auch Motetten mussten jede Woche komponiert werden. Händel wird dann im Alter von zwölf Jahren an den Hof nach Berlin geschickt, wo er mit seinem musikalischen Können großen Eindruck hinterlässt. Der brandenburgische Kurfürst (später preußischer König Friedrich I.) schlägt vor, den Jungen zur Ausbildung nach Italien zu schicken und ihn dann am Hof in Berlin zu bestimmen.

Im Oktober 1712 kehrte Händel nach London zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Er lebte zunächst ein Jahr lang bei einem wohlhabenden Musikliebhaber, Barn Elmes, in Surrey. Die nächsten 3 Jahre lebte er bei Earl Burlington in der Nähe von London.

Franz Liszt wurde am 22.10.1811 in Raiding, damals Königreich Ungarn, heute - Österreich (Burgenland) geboren. Er war einer der berühmtesten und erfolgreichsten Pianisten des 19. Jahrhunderts und ein brillanter Komponist. Jeder, der an einer Musikschule studiert hat, muss seinen Namen und seine Werke kennengelernt haben. Er wurde in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts im Oktober geboren. Seit seiner Kindheit begann der Komponist, Musik zu schreiben und Konzerte zu geben. F. Liszt schrieb Skizzen, kommunizierte mit Komponisten wie Chopin, Salieri und Paganini. Er verwandelte Klavierwerke in Popmusik und veränderte die Wahrnehmung des Klaviers von einem Kammer- und Saloninstrument zu einem Instrument für ein breites Publikum. Franz Liszt arrangierte andere Musikwerke und gab ihnen einen neuen Klang. Er schuf Variationen und Fantasien zu bekannten Motiven. Franz Liszt besuchte auch Russland und kommunizierte mit russischen Komponisten und Musikern, insbesondere mit Glinka.

Er beschäftigte sich mit symphonischer Arbeit und schrieb oft Theaterstücke, die auf historischen oder fiktiven Ereignissen basierten. In seinen Werken findet man auch Bilder berühmter Schriftsteller, insbesondere von Faust und Mephistopheles.

Franz Liszt spielte eine große Rolle bei der Entwicklung des Musikgenres in seiner Heimat – in Ungarn.

F. Liszt starb 1886 im Alter von 75 Jahren. Sein Todesort war die Stadt Bayreuth.

Johann Sebastian Bach(* 21. März 1685 in Eisenach, † 28. Juli 1750 in Leipzig) ist ein deutscher Komponist des Barock. Heute gilt er als einer der größten Musikschaffenden aller Zeiten, der die spätere Musik maßgeblich beeinflusst hat und dessen Werke sowohl im Original als auch in unzähligen Bearbeitungen weltweit aufgeführt werden.

Unmittelbar nach seinem Eintritt in den Gottesdienst begann Bach, Kantaten für entsprechende Aufführungen zu komponieren oder umzuarbeiten. Während dieser systematischen Arbeit entstand in den ersten Jahren durchschnittlich etwa eine Arbeit pro Woche, dann verlangsamte sich das Tempo. Anfang 1725 traf Bach mit dem Dichter Christian Friedrich Heinrich Aliens Picander zusammen, der schließlich den Text zur Matthäuspassion lieferte, die 1727 oder 1729 erstmals gezeigt wurde. 1729 übernahm Bach die Leitung der von Telemann 1701 gegründeten Musikhochschule, die er bis 1741, wahrscheinlich sogar bis 1746 leitete. Neben der Lehrtätigkeit vertrat er deutsche und italienische Instrumental- und Vokalmusik, daneben schrieb er einiges davon die seine weltlichen Kantaten wie Hercules at the Crossroads, die er „Dramma per la Musica“ oder „Dramma per Musica“ nannte und die in ihrer Struktur der Oper ähneln. In der Bauern- und Kaffeekantate zeigt sich, dass er auch im humoristischen Genre schreiben konnte. Letzteres wurde aller Wahrscheinlichkeit nach im Zimerman Coffee House aufgeführt, als er mit einem Musikkollegium Konzerte gab.

Ludwig van Beethoven(* 16. Dezember 1770 in Bonn, Deutschland; † 26. März 1827 in Wien) war ein Wiener klassischer Komponist. Er gilt als der Komponist, der die Musik jener Epoche zu ihrer höchsten Entfaltung gebracht hat. Ludwig van Beethoven wurde in eine Musikerfamilie hineingeboren. Beethovens Vater war beeindruckt von dem kleinen Wolfgang Mozart, der bereits mit 6 Jahren als Komponist auftrat und als Wunderkind galt. Mit dem Ziel, aus seinem Sohn ein Wunderkind zu machen, begann er ihm Klavierunterricht zu geben. Der junge Beethoven lernte auch Orgel und Klarinette zu spielen. Die strenge Haltung seines Vaters behinderte jedoch die Entwicklung des Jungen, der mitten in der Nacht aus dem Bett gehoben wurde, um den Freunden seines Vaters sein Klavierspiel zu demonstrieren. Dies führte dazu, dass Beethoven in der Schule oft müde wurde und unter Konzentrationsschwäche litt. Mit 11 Jahren musste er die Schule verlassen, ansonsten verlief Beethovens Kindheit nicht ohne Probleme. Sein Vater war Alkoholiker, seine Mutter war sehr krank und von seinen 6 Geschwistern überlebten nur zwei. Ja, als er im Alter von 5 Jahren auch an einer Mittelohrentzündung erkrankte, bemerkten seine Eltern dies nicht, und dies gilt als eine der Ursachen der später aufgetretenen Taubheit. Während Beethoven seinem Vater gegenüber eine angespannte und zurückhaltende Haltung einnahm, liebte er seine Mutter sehr. Die Kollegen von Beethovens Vater am Bonner Hof erkannten Ludwigs Begabung und sorgten dafür, dass sich sein Vater schließlich entschied, die weitere musikalische Ausbildung seines Sohnes in die Hände anderer Musiker zu legen. Zu Beethovens bekanntesten Förderern und Lehrern in Bonn in den folgenden Jahren gehörten Christian Gottlob Näfe (Klavier, Orgel und Komposition) und Franz Anton Ries (Violine). 9 Sinfonien, 5 Klavierkonzerte, Ouvertüren (Prometheus, Coriolanus, Eleanor), Vokalwerke, Fidelios Oper, Klavierwerke, 32 Klaviersonaten, Ballette und Bühnenmusik, Kammermusik, Quartette, Cellosonaten.

Nicolo Poganini, geboren am 27. Oktober 1782 in Genua, war ein italienischer Geiger, Gitarrist und Komponist. Er war damals der führende und virtuosste Geiger. Sein Aussehen (er war dünn, hatte pechschwarze Haare und braune Augen) und seine brillante Spieltechnik machten ihn schon zu Lebzeiten zur Legende. Paganini erhielt schon früh seinen ersten Geigenunterricht, unter anderem von seinem Vater (Antonio Paganini), der ihn zwang, regelmäßig Unterricht zu nehmen. Wenn er nach Meinung seines Vaters nicht fleißig genug war, bekam der kleine Nicolò kein Essen und es kam oft zu Schlägen. Er verdiente seinen Lebensunterhalt, indem er als virtuoser Geiger durch Italien reiste. Zwischen 1805 und 1809 hatte er eine feste Anstellung bei Prinzessin Elisa Baciotti Lucca, der Schwester Napoleons. Dies war seine einzige Festanstellung. Seit 1813 war Paganini ständig auf Konzertreisen, wo er seine Zuhörer mit der „Zauberkunst des Geigers“ verzauberte. Wien, London, Paris, wieder Wien und so endlos In Paris lernte er 1833 Hector Berlioz kennen, bei dem er Kompositionsunterricht nahm. Er starb 1840 in Nizza während eines Urlaubs.

Q Von seinen 8 Violinkonzerten sind heute noch 6 erhalten.

· Heute gehören seine 24 Capriccios zum Standardrepertoire der besten Geiger. Sie sind so schwierig, dass sie erst 50 Jahre nach seinem Tod ohne Vereinfachungen gespielt werden konnten.

· 12 Sonaten für Cello und Gitarre.

· 6 Quartette für Cello, Violine und Gitarre.

· 60 Etüden in Variationen für Cello und Gitarre.

Unter diesen Melodien gibt es für jede Stimmung ein Motiv: romantisch, positiv oder trist, um sich zu entspannen und an nichts zu denken, oder umgekehrt, um seine Gedanken zu sammeln.

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Welche anderen modernen Komponisten es wert sind, gehört zu werden

Wenn Sie mehr köstlichen Neoklassizismus wollen, achten Sie auf Niels Fram und Sylvain Chauveau.

Wer nicht genug bekommt, erinnert sich an den Schöpfer des Soundtracks zu „Amelie“ Jan Tiersen oder entdeckt den japanischen Komponisten Tammon: Er schreibt luftige, traumhafte Melodien.

Welche Komponistenmusik magst du und welche nicht? Wen würden Sie dieser Liste noch hinzufügen?

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven- Der größte Komponist des frühen 19. Jahrhunderts. Requiem und Moonlight Sonata sind für jeden sofort erkennbar. Die unsterblichen Werke des Komponisten waren und sind wegen des einzigartigen Stils Beethovens immer beliebt.

- Deutscher Komponist des 18. Jahrhunderts. Ohne Zweifel der Begründer der modernen Musik. Seine Werke basierten auf der Vielseitigkeit der Harmonien verschiedener Instrumente. Er schuf den Rhythmus der Musik, sodass seine Werke der modernen instrumentalen Verarbeitung leicht zugänglich sind.

- Der beliebteste und verständlichste österreichische Komponist des späten 18. Jahrhunderts. Alle seine Werke sind einfach und genial. Sie sind sehr melodisch und angenehm. Ein kleines Ständchen, ein Gewitter und viele andere Kompositionen im Rockarrangement werden einen besonderen Platz in Ihrer Sammlung einnehmen.

- Österreichischer Komponist des späten 18., frühen 19. Jahrhunderts. Ein echter klassischer Komponist. Die Geige für Haydn stand an einem besonderen Ort. In fast allen Werken des Komponisten ist sie Solistin. Sehr schöne und fesselnde Musik.

- Italienischer Komponist der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts Nr. 1. Nationales Temperament und ein neuer Umgang mit Arrangements sprengten Europa Mitte des 18. Jahrhunderts buchstäblich in die Luft. Die Symphonien „Die Jahreszeiten“ sind das Markenzeichen des Komponisten.

- Polnischer Komponist des 19. Jahrhunderts. Nach einigen Angaben der Begründer der kombinierten Gattung Konzert- und Volksmusik. Seine Polonaisen und Mazurkas fügen sich nahtlos in die Orchestermusik ein. Der einzige Nachteil in der Arbeit des Komponisten wurde als zu weicher Stil angesehen (Mangel an starken und aufrührerischen Motiven).

- Deutscher Komponist des späten 19. Jahrhunderts. Er galt als der große Romantiker seiner Zeit, und sein „Deutsches Requiem“ stellte mit seiner Popularität andere Werke seiner Zeitgenossen in den Schatten. Der Stil in Brahms' Musik unterscheidet sich qualitativ von den Stilen anderer Klassiker.

- Österreichischer Komponist des frühen 19. Jahrhunderts. Einer der größten Komponisten, der zu seinen Lebzeiten nicht anerkannt wurde. Ein sehr früher Tod im Alter von 31 Jahren verhinderte die volle Entfaltung von Schuberts Potenzial. Die von ihm geschriebenen Lieder waren die Haupteinnahmequelle, als die größten Symphonien in den Regalen verstaubten. Erst nach dem Tod des Komponisten wurden die Werke von der Kritik hoch gelobt.

- Österreichischer Komponist des späten 19. Jahrhunderts. Vorfahr der Walzer und Märsche. Wir sagen Strauss - wir meinen Walzer, wir sagen Walzer - wir meinen Strauss. Johann Jr. wuchs in der Familie seines Vaters, eines Komponisten, auf. Strauss senior behandelte die Werke seines Sohnes mit Geringschätzung. Er glaubte, dass sein Sohn mit Unsinn beschäftigt war und demütigte ihn daher auf jede erdenkliche Weise. Aber Johann Jr. machte hartnäckig weiter, was er liebte, und die Revolution und der Marsch, den Strauss ihr zu Ehren schrieb, bewiesen das Genie seines Sohnes in den Augen der europäischen High Society.

- Einer der größten Komponisten des 19. Jahrhunderts. Meister der Opernkunst. „Aida“ und „Otello“ von Verdi sind heute dank des wahren Talents des italienischen Komponisten äußerst beliebt. Der tragische Verlust seiner Familie im Alter von 27 Jahren lähmte den Komponisten, aber er gab nicht auf und vertiefte sich in die Kreativität, indem er in kurzer Zeit mehrere Opern auf einmal schrieb. Die High Society schätzte Verdis Talent sehr und seine Opern wurden in den renommiertesten Theatern Europas aufgeführt.

- Bereits im Alter von 18 Jahren schrieb dieser talentierte italienische Komponist mehrere Opern, die sehr populär wurden. Die Krönung seines Schaffens war das revidierte Theaterstück „Der Barbier von Sevilla“. Nach seiner Präsentation vor der Öffentlichkeit wurde Gioachino buchstäblich in seinen Armen getragen. Der Erfolg war berauschend. Danach wurde Rossini ein gern gesehener Gast in der High Society und erwarb sich einen soliden Ruf.

- Deutscher Komponist des frühen 18. Jahrhunderts. Einer der Begründer der Opernkunst und Instrumentalmusik. Neben Opern schrieb Händel auch Musik für das „Volk“, die damals sehr beliebt war. Hunderte von Liedern und Tanzmelodien des Komponisten donnerten in jenen fernen Zeiten auf den Straßen und Plätzen.

- Polnischer Prinz und Komponist - Autodidakt. Ohne musikalische Ausbildung wurde er ein berühmter Komponist. Seine berühmte Polonaise ist auf der ganzen Welt bekannt. Zur Zeit des Komponisten fand in Polen eine Revolution statt, und die von ihm geschriebenen Märsche wurden zu Hymnen der Rebellen.

- Jüdischer Komponist, geboren in Deutschland. Sein Hochzeitsmarsch und „Ein Sommernachtstraum“ sind seit Jahrhunderten beliebt. Die von ihm geschriebenen Sinfonien und Kompositionen werden weltweit erfolgreich wahrgenommen.

- Deutscher Komponist des 19. Jahrhunderts. Seine mystisch-antisemitische Vorstellung von der Überlegenheit der arischen Rasse gegenüber anderen Rassen wurde von den Nazis übernommen. Wagners Musik unterscheidet sich stark von der Musik seiner Vorgänger. Es zielt vor allem darauf ab, Mensch und Natur mit einer Beimischung von Mystik zu verbinden. Seine berühmten Opern „Die Ringe der Nibelungen“ und „Tristan und Isolde“ bestätigen den revolutionären Geist des Komponisten.

- Französischer Komponist der Mitte des 19. Jahrhunderts. Schöpfer von Carmen. Von Geburt an war er ein brillantes Kind und trat bereits im Alter von 10 Jahren in das Konservatorium ein. Während seines kurzen Lebens (er starb vor seinem 37. Lebensjahr) schrieb er Dutzende von Opern und Operetten, verschiedene Orchesterwerke und Odensymphonien.

- Norwegischer Komponist - Texter. Seine Werke sind einfach von Melodie durchdrungen. Im Laufe seines Lebens schrieb er eine Vielzahl von Liedern, Romanzen, Suiten und Skizzen. Seine Komposition "Die Höhle des Bergkönigs" wird sehr oft im Kino und auf der modernen Bühne verwendet.

- Ein amerikanischer Komponist des frühen 20. Jahrhunderts - der Autor von "Rhapsody in Blues", das bis heute besonders beliebt ist. Mit 26 war er bereits der erste Komponist am Broadway. Dank zahlreicher Songs und populärer Shows verbreitete sich Gershwins Popularität schnell in ganz Amerika.

- Russischer Komponist. Seine Oper „Boris Godunov“ ist das Markenzeichen vieler Theater auf der ganzen Welt. Der Komponist stützte sich in seinen Werken auf Folklore und betrachtete Volksmusik als Musik der Seele. „Night on Bald Mountain“ von Modest Petrovich ist eine der zehn beliebtesten symphonischen Skizzen der Welt.

Der beliebteste und größte Komponist Russlands ist natürlich. „Schwanensee“ und „Dornröschen“, „Slawischer Marsch“ und „Der Nussknacker“, „Eugen Onegin“ und „Pique Dame“. Diese und viele weitere Meisterwerke der Musikkunst wurden von unserem russischen Komponisten geschaffen. Tschaikowsky ist der Stolz Russlands. Auf der ganzen Welt kennt man "Balalaika", "Matroschka", "Tchaikovsky"...

- Sowjetischer Komponist. Stalins Liebling. Mikhail Zadornov wurde dringend empfohlen, die Oper "The Tale of a Real Man" zu hören. Aber meistens hat Sergey Sergeyevich ernsthafte und tiefgründige Werke. "Krieg und Frieden", "Aschenputtel", "Romeo und Julia", viele brillante Symphonien und Werke für Orchester.

- Russischer Komponist, der seinen eigenen unnachahmlichen Musikstil geschaffen hat. Er war ein zutiefst religiöser Mensch und ein besonderer Platz in seiner Arbeit war dem Schreiben religiöser Musik. Rachmaninov schrieb auch viel Konzertmusik und mehrere Symphonien. Sein letztes Werk „Symphonic Dances“ gilt als das größte Werk des Komponisten.