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Die elektronische wissenschaftliche Publikation „Analytics of Cultural Studies“ ist die konzeptionellen Grundlagen der Cultural Studies (Kulturtheorie, Kulturphilosophie, Kultursoziologie, Kulturgeschichte), ihrer Methodik, Axiologie und Analytik. Das ist ein neues Wort in der Kultur des wissenschaftlichen und sozialwissenschaftlichen Dialogs.

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Über die Zeitschrift

Die elektronische wissenschaftliche Publikation „Analytics of Cultural Studies“ ist eine elektronische Netzwerkpublikation und erscheint seit 2004. Es veröffentlicht wissenschaftliche Artikel und Kurzberichte, die Leistungen auf dem Gebiet der Kulturwissenschaften und verwandter Wissenschaften widerspiegeln.

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Die Schaffung einer idealen Stadt quälte Wissenschaftler und Architekten aus verschiedenen Ländern und Epochen, aber die ersten Versuche, eine solche Stadt zu entwerfen, entstanden in der Renaissance. Obwohl am Hof ​​der Pharaonen und römischen Kaiser Wissenschaftler arbeiteten, deren Arbeiten darauf abzielten, eine Art ideale Siedlung zu schaffen, in der nicht nur alles eindeutig der Hierarchie gehorchte, sondern auch sowohl für den Herrscher als auch für die einfacher Handwerker zu leben. Erinnern Sie sich zumindest an Achetaton, Mohenjo-Daro oder ein fantastisches Projekt, das Alexander dem Großen von Stasicrates vorgeschlagen wurde, wonach er vorschlug, eine Statue eines Kommandanten vom Berg Athos mit einer Stadt auf seinem Arm zu schnitzen. Das einzige Problem war, dass diese Siedlungen entweder auf dem Papier blieben oder zerstört wurden. Die Idee, eine ideale Stadt zu entwerfen, kam nicht nur Architekten, sondern auch vielen Künstlern. Es gibt Hinweise darauf, dass Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana und viele andere daran beteiligt waren.

Piero della Francesco war seinen Zeitgenossen vor allem als Verfasser von Abhandlungen über Kunst bekannt. Nur drei davon sind uns überliefert: „Abhandlung über den Abakus“, „Perspektive in der Malerei“, „Fünf regelmäßige Körper“. Er war es, der als erster die Frage aufwarf, eine ideale Stadt zu schaffen, in der alles mathematischen Berechnungen unterworfen wäre, was Konstruktionen von klarer Symmetrie versprach. Aus diesem Grund schreiben viele Gelehrte Pierrot das Bild "Ansicht einer idealen Stadt" zu, das sich perfekt in die Prinzipien der Renaissance einfügt.

Leon Battista Alberti kam der Umsetzung eines solchen Großprojekts am nächsten. Er verwirklichte seine Idee zwar nicht vollständig, hinterließ jedoch eine Vielzahl von Zeichnungen und Notizen, denen zufolge andere Künstler in Zukunft das erreichen konnten, was Leon nicht gelang. Insbesondere Bernardo Rosselino fungierte als Ausführender vieler seiner Projekte. Aber Leon setzte seine Prinzipien nicht nur schriftlich um, sondern auch am Beispiel vieler von ihm gebauter Gebäude. Im Grunde sind dies zahlreiche Paläste, die für Adelsfamilien entworfen wurden. Der Architekt offenbart sein eigenes Beispiel einer idealen Stadt in seiner Abhandlung über die Architektur. Der Wissenschaftler schrieb diese Arbeit bis zu seinem Lebensende. Es wurde posthum veröffentlicht und war das erste gedruckte Buch, das die Probleme der Architektur offenlegte. Laut Leon musste die ideale Stadt alle Bedürfnisse eines Menschen widerspiegeln, auf alle seine humanistischen Bedürfnisse eingehen. Und das ist kein Zufall, denn der führende philosophische Gedanke in der Renaissance war der anthropozentrische Humanismus. Die Stadt sollte in Quartiere aufgeteilt werden, die nach einem hierarchischen Prinzip oder nach Art der Beschäftigung aufgeteilt würden. In der Mitte, auf dem Hauptplatz, befindet sich ein Gebäude, in dem die Stadtmacht konzentriert werden sollte, sowie die Hauptkathedrale und die Häuser von Adelsfamilien und Stadtverwaltern. Näher am Stadtrand lagen die Häuser von Kaufleuten und Handwerkern, und die Armen lebten direkt an der Grenze. Eine solche Anordnung von Gebäuden war laut dem Architekten ein Hindernis für die Entstehung verschiedener sozialer Unruhen, da die Häuser der Reichen von den Wohnungen der armen Bürger getrennt würden. Ein weiteres wichtiges Planungsprinzip war, dass es den Bedürfnissen aller Bürgerkategorien gerecht werden musste, damit sowohl der Herrscher als auch der Geistliche in dieser Stadt bequem leben konnten. Es sollte alle Gebäude enthalten, von Schulen und Bibliotheken bis hin zu Märkten und Thermalbädern. Wichtig ist auch die öffentliche Zugänglichkeit solcher Gebäude. Auch wenn wir alle ethischen und sozialen Prinzipien einer idealen Stadt ignorieren, bleiben äußere, künstlerische Werte bestehen. Der Grundriss musste regelmäßig sein, wonach die Stadt durch gerade Straßen in übersichtliche Viertel geteilt wurde. Im Allgemeinen sollten alle architektonischen Strukturen geometrischen Formen unterliegen und entlang eines Lineals gezeichnet werden. Die Quadrate waren entweder rund oder rechteckig. Nach diesen Grundsätzen wurden die alten Städte wie Rom, Genua, Neapel einem teilweisen Abriss der alten mittelalterlichen Straßen und dem Bau neuer geräumiger Viertel unterzogen.

In einigen Abhandlungen wurde eine ähnliche Bemerkung über die Freizeit der Menschen gefunden. Es betraf hauptsächlich Jungen. Es wurde vorgeschlagen, Spielplätze und Kreuzungen in den Städten so zu bauen, dass die spielenden Jugendlichen unter ständiger Aufsicht von Erwachsenen stehen, die sie ungehindert beobachten können. Diese Vorsichtsmaßnahmen zielten darauf ab, junge Menschen zur Vorsicht zu erziehen.

Die Kultur der Renaissance lieferte in vielerlei Hinsicht Stoff für weitere Überlegungen zur Struktur der idealen Stadt. Dies galt insbesondere für die Humanisten. Nach ihrer Weltanschauung sollte alles für einen Menschen geschaffen werden, für sein angenehmes Dasein. Wenn all diese Bedingungen erfüllt sind, wird eine Person sozialen Frieden und spirituelles Glück erlangen. Daher in solchen
Die Gesellschaft kann einfach a priori keine Kriege oder Unruhen haben. Die Menschheit hat sich während ihrer gesamten Existenz auf ein solches Ergebnis zubewegt. Erinnern Sie sich zumindest an das berühmte „Utopia“ von Thomas More oder „1984“ von George Orwell. Arbeiten dieser Art berührten nicht nur funktionale Merkmale, sondern dachten auch über die Beziehungen, die Ordnung und die Struktur der Gemeinschaft nach, die an diesem Ort lebte, nicht unbedingt einer Stadt, vielleicht sogar der Welt. Aber diese Grundlagen wurden bereits im 15. Jahrhundert gelegt, sodass wir mit Sicherheit sagen können, dass die Wissenschaftler der Renaissance umfassend gebildete Menschen ihrer Zeit waren.

Das Zeitalter der Stadt hat seine glanzvolle Blütezeit erreicht, aber es gibt bereits Anzeichen dafür, dass es stirbt. Das Jahrhundert war stürmisch und grausam, aber inspirierend. Es entstand aus den Stadtstaaten des antiken Griechenlands (3000 Jahre vor der Renaissance), die das Ideal eines freien Mannes hervorbrachten, der sich selbst regiert. Denn tatsächlich bestand eine solche Stadt aus einer Gruppe von Menschen, die nach vielen Generationen von Streitigkeiten und Bürgerkriegen ein effektives System der Selbstverwaltung entwickelten. Dieses System war von Stadt zu Stadt unterschiedlich. In jedem von ihnen war die Zahl der Personen, die die volle Staatsbürgerschaft beanspruchen konnten, immer gering. Die Masse der Einwohner blieb in einer mehr oder weniger sklavischen Stellung und übte ihre Rechte nur durch gewalttätige und grausame Aufstände gegen die höheren Schichten aus. Dennoch gab es in ganz Europa, insbesondere in Italien, Deutschland und den Niederlanden, eine gewisse soziale Übereinstimmung über die Ziele, wenn nicht die Methoden der Regierung, nämlich die Struktur der Gesellschaft, in der die Herrscher von einigen der Beherrschten gewählt wurden. Aus diesem bürgerlichen Konzept begannen endlose blutige Kriege. Der Preis, den die Bürger für ihre Freiheit zahlten, wurde an ihrer Bereitschaft gemessen, zur Verteidigung ihrer Stadt gegen ihre Rivalen zu den Waffen zu greifen.

Die wahre Stimme der Stadt war die große Glocke am Rathaus oder Dom, die beim Herannahen der bewaffneten Bewohner einer feindlichen Stadt Alarm schlug. Er rief alle auf, die in der Lage waren, Waffen an die Mauern und Tore zu halten. Die Italiener verwandelten die Glocke in eine Art mobilen Tempel, eine Art weltliche Arche, die die Armeen in die Schlacht führte. In einem Kampf mit Nachbarstädten um den Besitz eines Ackerlandes, in einem Kampf gegen einen Kaiser oder König um Bürgerrechte, in einem Kampf gegen Horden umherziehender Soldaten ... Während dieser Kämpfe erstarrte das Leben in der Stadt. Alle arbeitsfähigen Männer, ausnahmslos zwischen fünfzehn und siebzig Jahren, brachen ihre normalen Aktivitäten ab, um zu kämpfen. Um des wirtschaftlichen Überlebens willen fingen sie schließlich an, Profis einzustellen, die wussten, wie man kämpft, während sich die zivile Macht in der Zwischenzeit in den Händen eines der prominenten Bürger konzentrierte. Da er Geld und Waffen kontrollierte, wurde dieser Bürger allmählich zum Herrscher einer einst freien Stadt. In den Ländern, die die Zentralmonarchie anerkannten, wurde die Stadt (einfach aus Erschöpfung) mit dem Thron versöhnt. Einige Städte wie London behielten eine größere Autonomie. Andere fanden sich vollständig in die Struktur der Monarchie vertieft. Trotzdem existierten die Städte während der gesamten Renaissance weiterhin als lebendige Einheiten und erfüllten die meisten Funktionen, die in der modernen Gesellschaft in die Zuständigkeit der Zentralregierung fallen. Sie waren weder Industrie-, Schlafviertel oder Vergnügungsparks, was viele von ihnen später wurden, sondern organische Strukturen, die menschliches Fleisch und Bausteine ​​zu ihrem eigenen erkennbaren Lebensrhythmus verbanden.

Die Städte, mit denen Europa wie Prunkkleider mit Edelsteinen besetzt war, waren schon in der Renaissance uralt. Sie gingen von Jahrhundert zu Jahrhundert und behielten eine überraschend regelmäßige Form und konstante Größe bei. Nur in England fühlten sie sich nicht symmetrisch an, denn englische Städte wurden bis auf seltene Ausnahmen nicht nach einem vorgegebenen Plan gebaut, sondern wuchsen aus bescheidenen Siedlungen, und ihre Struktur war formlos, da das Gebäude am ungeordnetsten an das Gebäude angefügt war Weg. Auf dem Kontinent setzte sich der Trend fort, neue Städte zu gründen, anstatt alte zu unüberschaubaren Ausmaßen auszubauen. Allein in Deutschland wurden in 400 Jahren 2.400 Städte gegründet. Allerdings ist es nach heutigen Maßstäben schwer zu sagen, ob es sich um kleine Städte oder große Dörfer handelte. Orange in Frankreich hatte bis zum 19. Jahrhundert nur 6.000 Einwohner. Und eine Stadt mit einer Viertelmillion Einwohnern galt einfach als Riese, und es gab nur wenige. Die Bevölkerung von Mailand, der Hauptstadt des Herzogtums, betrug 200.000 Menschen, das heißt, doppelt so viele wie ihr Hauptkonkurrent Florenz (siehe Abb. 53, Foto 17), so dass Größe überhaupt kein Maß für Macht war.

Reis. 53. Florenz Ende des 15. Jahrhunderts Aus einem modernen Holzschnitt

Reims, der Ort der Krönungen, ein großes Einkaufszentrum, hatte 100.000 Einwohner und Paris etwa 250.000. Die Bevölkerung der meisten europäischen Städte kann auf 10-50.000 Menschen geschätzt werden. Auch die Verluste durch die Pest machten der Bevölkerung lange nichts aus. Die Zahl der Opfer der Pest wurde immer übertrieben, obwohl sie vielleicht in wenigen Monaten etwa ein Viertel der Einwohner dahinraffte. Nach einer Generation kehrte die Stadt jedoch zu ihrer üblichen Bevölkerungszahl zurück. Der Überschuss an Einwohnern floss in neue Städte. Das italienische Modell, bei dem mehrere Städte, die durch militärische oder kommerzielle Bindungen verbunden sind, zu einer großen Stadt gehören, lässt sich bis zu einem gewissen Grad in ganz Europa verfolgen. In einer solchen Föderation wurden das Regierungssystem und die lokalen Bräuche, die jeder Stadt eigen sind, eifrig eingehalten, aber die Erhebung von Steuern und Schutz wurde von der Innenstadt aus kontrolliert.

Die Stadt wuchs wie ein Baum, behielt ihre Form, wurde aber immer größer, und die Stadtmauern markierten wie geschnittene Ringe die Meilensteine ​​ihres Wachstums. Direkt außerhalb der Stadtmauern lebten die Armen, Bettler, Ausgestoßene aller Art, die ihre Hütten um die Mauern bauten und ein ekelhaftes Durcheinander von elenden Straßen schufen. Manchmal wurden sie von der energischen Gemeinde vertrieben, aber häufiger durften sie bleiben, wo sie waren, bis sich ein Plan abzeichnete. Wohlhabende Bewohner ließen sich außerhalb der Stadt in Villen inmitten großer Anwesen nieder, geschützt durch eigene Mauern. Als schließlich wirtschaftliche Notwendigkeiten oder Bürgerstolz den Ausbau der Stadt erforderten, wurde ein weiterer Mauerring um sie herum errichtet. Sie eroberten neues Land und ließen zusätzlichen Raum für Entwicklung. Und die alten Mauern standen noch mehrere Jahrhunderte, wenn sie nicht für den Bau neuer Gebäude räuberisch abgetragen wurden. Die Städte nahmen ihre Form wieder auf, verfolgten jedoch keine neuen Baumaterialien, so dass das gleiche Stück Ziegel oder behauener Stein in tausend Jahren in einem halben Dutzend verschiedener Gebäude stehen konnte. Sie können noch Spuren der verschwundenen alten Mauern sehen, denn später wurden sie zu Ringstraßen oder seltener zu Boulevards.

Die Festungsmauern bestimmten die Form und die Größe der Stadt. Im Mittelalter dienten sie als mächtiger Schutz für die Bewohner, die über Wasser- und Nahrungsvorräte verfügten. Ein militärischer Anführer, der dabei war, eine Stadt zu belagern, hätte sich darauf einstellen müssen, viele Monate zu warten, bis dem Feind die Vorräte ausgehen. Die Mauern wurden auf öffentliche Kosten in Ordnung gehalten, und was sonst noch baufällig wurde, wurde zuerst in Ordnung gebracht. Die eingestürzte Mauer war ein Zeichen für eine zerstörte Stadt, und die erste Aufgabe des siegreichen Eindringlings bestand darin, sie vom Erdboden zu fegen. Es sei denn, er würde dort wohnen. Allmählich verloren die Festungsmauern jedoch an Bedeutung, was sich in der Art und Weise widerspiegelte, wie Städte dargestellt wurden. Im 16. Jahrhundert war die Draufsicht weit verbreitet, der Plan, wobei den Straßen besondere Bedeutung beigemessen wurde. Sie wurden in die Umrandung von Häusern gemalt. Wichtige Gebäude wurden hervorgehoben. Aber nach und nach wurde alles formalisiert, verflacht und der Plan wurde genauer, wenn auch weniger spektakulär und malerisch. Aber bevor der Plan zur Anwendung kam, wurde die Stadt so dargestellt, als ob ein sich nähernder Reisender sie aus der Ferne sehen würde. Es war vielmehr ein Kunstwerk, auf dem die Stadt wie im Leben erschien, mit Mauern, Türmen, Kirchen, eng aneinander gepresst, wie eine riesige Burg (siehe Abb. 54).

Reis. 54. Stadtmauer als Militärbauwerk. Nürnberg 1493. Von einem modernen Stich

Solche Städte gibt es bis heute, wie zum Beispiel Verona, das auf einem Hügel liegt. In ihrem Plan ist die von den Bauherren festgelegte Zeichnung gut sichtbar. Im Süden, vor allem in Italien, dominierten große, turmartige Häuser, die der Stadtlandschaft das Aussehen eines versteinerten Waldes verliehen. Diese Häuser waren Überbleibsel aus einer gewalttätigeren Zeit, als Fehden zwischen Familien und Fraktionen die Städte auseinander rissen. Dann gewannen diejenigen, die höher, höher, noch höher bauen konnten, einen Vorteil gegenüber ihren Nachbarn. Einer geschickten Stadtverwaltung gelang es, ihre Zahl zu reduzieren, aber viele versuchten immer noch, sich auf diese Weise zu erheben, gefährdeten die innere Sicherheit der Stadt und raubten den engen Gassen gierig Luft und Licht.

Reis. 55. Stadttor, wo Zölle auf alle in der Stadt ankommenden Waren erhoben werden

Die Stadttore, die die Mauern durchschnitten (siehe Abb. 55), spielten eine doppelte Rolle. Sie erfüllten nicht nur eine Verteidigungsfunktion, sondern trugen auch zum Einkommen der Stadt bei. Um sie herum wurden Wachen aufgestellt, die für alles, was in die Stadt gebracht wurde, eine Gebühr erhoben. Manchmal waren dies landwirtschaftliche Produkte, Ernten aus den umliegenden Feldern, Obstgärten und Obstgärten. Und manchmal - exotische Gewürze, die von Tausenden von Kilometern gebracht wurden - wurde alles am Tor der Zollkontrolle und Zöllen unterzogen. Zu einer Zeit, als der Florentiner Zoll gefährlich tief gesunken war, schlug einer der Beamten vor, die Zahl der Tore zu verdoppeln und damit ihre Rentabilität zu verdoppeln. Bei einer Sitzung im Stadtrat wurde er verspottet, aber dieser gedankenlose Vorschlag beruhte auf der Überzeugung, dass die Stadt eine unabhängige Einheit sei. Die Dorfbewohner hassten diese Erpressungen und erhielten nur zweifelhafte Versprechungen von bewaffnetem Schutz für sie. Sie gingen zu allen möglichen Tricks, nur um nicht bezahlen zu müssen. Sacchetti hat eine sehr wahr klingende Geschichte über einen Bauern, der Hühnereier in seiner ausgebeulten Hose versteckte, um die Wachen zu täuschen. Aber diejenigen, die vom Feind des Bauern gewarnt wurden, zwangen ihn, sich hinzusetzen, während sie die Ladung untersuchten. Das Ergebnis ist eindeutig.

In Städten spielten Tore die Rolle von Augen und Ohren. Sie waren der einzige Kontaktpunkt zur Außenwelt. Von außen kam die Bedrohung, und die Wachen am Tor meldeten dem Herrscher akribisch die Ankunft und Abreise von Ausländern und allerlei Fremden im Allgemeinen. In freien Städten waren geschlossene Tore ein Symbol der Unabhängigkeit. Der späte Reisende, der nach Sonnenuntergang ankam, musste die Nacht außerhalb der Stadtmauern verbringen. Daher der Brauch, Hotels draußen am Haupttor zu bauen. Das Tor selbst war wie eine kleine Festung. Sie beherbergten eine Garnison, die die Stadt bewachte. Riesige Burgen, die mittelalterliche Städte überragten, waren in der Tat eine einfache Fortsetzung der Torhäuser der Hauptfestung.

Das Fehlen eines Bauplans in mittelalterlichen Städten war jedoch eher scheinbar als real. Es ist wahr: Die Straßen wanden sich ziellos, kreisten, machten Schleifen, lösten sich sogar in einige Höfe auf, aber sie sollten schließlich keinen direkten Übergang von einem Punkt der Stadt zum anderen bieten, sondern einen Rahmen, eine Kulisse dafür schaffen öffentliches Leben. Der Fremde, der durch die Stadttore gegangen war, konnte leicht den Weg ins Zentrum der Stadt finden, da die Hauptstraßen strahlenförmig vom zentralen Platz ausgingen. „Piazza“, „Platz“, „Platz“, „Quadrat“, wie auch immer es in der Landessprache hieß, war der direkte Erbe des Forum Romanum, ein Ort, an dem sich in Kriegstagen ängstliche Menschen versammelten und wo sie umherwanderten, habend Spaß, in Friedenszeiten. . Wiederum hatte nur England keinen solchen Versammlungsort. Die Briten zogen es vor, die Hauptstraße zu einem Markt auszubauen. Es diente dem gleichen Zweck, aber es fehlte an Zusammenhalt und Einheit, und mit zunehmendem Verkehr verlor es seine Bedeutung als zentraler Treffpunkt. Auf dem Kontinent existierte dieses Echo des antiken Roms jedoch weiter.

Reis. 56. Piazza (Platz) San Marco, Venedig

Es hätte ein bescheidenes, unbefestigtes Gelände sein können, im Schatten von Bäumen, vielleicht umgeben von schäbigen Häusern. Und er konnte riesig, erstaunlich sein, wie die Hauptplätze in Siena oder Venedig (siehe Abb. 56), er konnte so geplant werden, dass er wie eine riesige Halle ohne Dach wirkte. Aber egal, wie es aussah, es blieb das Gesicht der Stadt, der Ort, an dem sich die Einwohner versammelten und sich die lebenswichtigen Organe der Stadt, die Zentren der Regierung und der Justiz, um ihn herum reihten. Woanders könnte es ein weiteres, natürlich geformtes Zentrum geben: zum Beispiel eine Kathedrale mit Nebengebäuden, meist auf einem kleinen Platz errichtet. Vom Haupttor führte eine ziemlich breite, gerade und saubere Straße zum Platz und dann zur Kathedrale. Gleichzeitig wurden die Straßen abseits des Zentrums zu peripheren Adern, die den lokalen Bedürfnissen dienten. Sie wurden bewusst schmal ausgeführt – sowohl um Passanten vor Sonne und Regen zu schützen, als auch um Platz zu sparen. Manchmal waren die obersten Stockwerke von Gebäuden nur wenige Meter voneinander entfernt. Die Enge der Straßen diente auch als Schutz während Kriegen, denn die erste Aktion der Angreifer bestand darin, durch sie zu galoppieren, bevor die Einwohner Zeit hatten, Sperren zu errichten. Truppen konnten die militärische Ordnung nicht aufrechterhalten, indem sie auf sie marschierten. Unter solchen Umständen konnte ein feindlicher Mob, der mit einfachen Felsbrocken bewaffnet war, den Durchgang von Berufssoldaten erfolgreich verhindern. In Italien wurden Straßen bereits im 13. Jahrhundert gepflastert, und im 16. Jahrhundert waren alle Hauptstraßen der meisten europäischen Städte gepflastert. Es gab keine Trennung zwischen Bürgersteig und Bürgersteig, weil alle entweder fuhren oder gingen. Besatzungen tauchten erst im 16. Jahrhundert auf. Allmählich nahm der Radverkehr zu, die Straßen wurden begradigt, um ihm das Passieren zu erleichtern, und dann wurde für Fußgänger gesorgt, was den Unterschied zwischen Arm und Reich weiter betonte.

Die Städte der Renaissance hatten eines gemeinsam: Sie wuchsen und entwickelten sich spontan, je nach Bedarf. Nur die Stadtmauern wurden geplant, die als Ganzes gelegt und gebaut wurden, und innerhalb der Stadt bestimmte nur die Größe eines bestimmten Gebäudes die Anordnung des angrenzenden Territoriums. Die Kathedrale bestimmte die Struktur des ganzen Viertels mit angrenzenden Straßen und Plätzen, aber an anderen Stellen entstanden Häuser nach Bedarf oder wurden aus bestehenden wieder aufgebaut. Sogar das eigentliche Konzept der Stadtplanung fehlte bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Ideen des römischen Architekten Vitruvius Polio wiederbelebt wurden. Vitruv war der Architekt von August Rome, und sein Werk On Architecture stammt aus dem Jahr 30 v. Er war keiner der berühmten Architekten, aber sein Buch war das einzige zu diesem Thema, und es erfreute die Welt, die von der Antike besessen war. Entdeckungen in der Architektur wurden auf die gleiche Weise gemacht wie in der Geographie: Der antike Autor gab Köpfen Impulse, die zu ihrer eigenen Kreativität und Forschung fähig waren. Menschen, die glauben, Vitruv zu folgen, haben tatsächlich seinen Namen verwendet, um ihre eigenen Theorien zu formulieren. Vitruv betrachtete die Stadt als eine autarke Einheit, die wie ein Haus geplant werden sollte, dessen Teile dem Ganzen untergeordnet sind. Kanalisation, Straßen, Plätze, öffentliche Gebäude, die Proportionen von Baugrundstücken – alles hat seinen Platz in diesem Plan. Die erste Abhandlung, die auf dem Konzept von Vitruv basiert, wurde von dem Florentiner Leon Battista Alberti geschrieben. Es wurde 1485 veröffentlicht, nur dreizehn Jahre nach seinem Tod, und führte eine lange Reihe von Werken an, die sich bis ins 19. Jahrhundert erstreckten und einen großen Einfluss auf die Stadtplanung hatten. Die meisten dieser Werke waren erstaunlich, sogar zu exquisit, illustriert. Angesichts der mathematischen Grundlage dieses Kultes ist es nicht verwunderlich, dass die Anhänger alles auf die Spitze trieben. Die Stadt wurde erfunden, genau wie ein Problem in der Geometrie, ohne Rücksicht auf menschliche und geografische Faktoren. Theoretische Perfektion führte in der Praxis zu lebloser Trockenheit.

Reis. 57. Palma Nova, Italien: ein strenger Stadtplan

Nur ein Glück, dass nur wenige Städte nach den Prinzipien von Vitruv gebaut wurden. Hin und wieder gab es in einer neuen Stadt Bedarf, häufiger einen militärischen. Zeitweise konnte es nach dieser neuen Theorie gebaut werden (z. B. Palma Nova (siehe Abb. 57) im venezianischen Staat). Meistens mussten sich die Architekten jedoch mit einer Teilerschließung begnügen, da sie selten die Möglichkeit hatten, die alten Gebäude komplett abzureißen und an ihrer Stelle neu zu errichten. Der Architekt stieß auf passiven Widerstand, es genügt, sich daran zu erinnern, wie Leonardo da Vincis Vorschlag, Satellitensiedlungen um Mailand herum zu bauen, erfüllt wurde. Die schreckliche Pest von 1484 forderte 50.000 Einwohner, und Leonardo wollte zehn neue Städte mit 5.000 Häusern bauen und dort 30.000 Menschen ansiedeln, "um zu viel Menschenansammlungen zu entschärfen, die sich wie Ziegen in Herden zusammengekauert haben ... jeden Winkel füllen Raum mit Gestank und Aussaat von Infektion und Tod. Aber nichts dergleichen geschah, weil weder monetäre Gewinne noch militärische Vorteile darin vorgesehen waren. Und der Herrscher von Mailand entschied sich dafür, das Gold für die Dekoration seines eigenen Hofes auszugeben. Dies war in ganz Europa der Fall. Städte haben bereits Gestalt angenommen und für groß angelegte Planungen ist kein Platz mehr. Rom war die einzige Ausnahme von dieser Regel.

Die erste Stadt des Christentums im Mittelalter verfiel. Der Höhepunkt seines Unglücks war die Verlegung des Papsttums nach Avignon im Jahr 1305. Seit mehr als hundert Jahren gab es in der Ewigen Stadt keine Macht, die stark genug war, um die Ambitionen der großen Familien und die brutale Wildheit der Menge zu bändigen. Andere Städte Italiens wurden schöner und gediehen, während Rom mit Schimmel bedeckt war und zusammenbrach. Die Stadt Augusta war fest gebaut, sie überlebte und erlag nicht den Angriffen der Zeit und den Überfällen der Barbaren, sondern starb durch die Hand ihrer eigenen Bürger. Die Kriege waren teilweise schuld, aber hauptsächlich die Tatsache, dass massive antike Gebäude eine Quelle für fertiges Baumaterial waren. 1443 endete das große Schisma und das Papsttum wurde in Rom wieder gegründet. Zum ersten Mal machte Papst Nikolaus V. auf den beklagenswerten Zustand der Ewigen Stadt aufmerksam und verstand, dass Rom wieder aufgebaut werden muss, um es als Hauptstadt der Welt anzuerkennen (siehe Abb. 58). Eine enorme Aufgabe! Einst beherbergte die Stadt rund eine Million Menschen – die größte Einwohnerzahl bis ins 19. Jahrhundert. Vor der industriellen Revolution, die zu einer Ausweitung des Bauwesens führte, konnte sich keine europäische Stadt an Größe mit dem Rom des Augustus messen. Und 1377 hatte es nur etwa 20.000 Einwohner. Sieben seiner Hügel waren verlassen, die Bevölkerung zog es vor, an den sumpfigen Ufern des Tibers zu leben. Vieh durchstreifte die verlassenen Straßen, die von zerstörten Häusern gesäumt waren. Das Forum verlor seinen einstigen Glanz und trug den Spitznamen „Campo Vacchino“, also „Kuhfeld“. Tote Tiere wurden nie gesäubert, und sie verrotteten dort, wo sie starben, und fügten dem schmutzigen Matsch unter den Füßen den Geruch von Schwelen und Fäulnis hinzu. Es gab keine Stadt in Europa, die aus so großer Höhe so tief gesunken ist.

Reis. 58. Panorama von Rom 1493 mit Petersdom (oben). Aus einem modernen Stich in Schedels Buch "The Chronicle of the World"

Mehr als 160 Jahre sind vergangen, seit Papst Nikolaus V. seinen Wiederaufbau konzipierte, und bis Bernini die Kolonnade am Petersdom vollendete, sind mehr als 160 Jahre vergangen. Und alle Päpste, die in diesen anderthalb Jahrhunderten regierten, vom Tugendhaften bis zum Bösen, vom gelehrtesten Nikolaus bis zum verderbten Alexander Borgia, teilten eine Leidenschaft, die der ersten aller Städte der Renaissance neues Leben einhauchte, eine Liebe zur Kunst und Architektur, der Wunsch, die antike Stadt in eine würdige Hauptstadt eines christlichen Friedens zu verwandeln.

Die Namensliste der Architekten und Künstler, die dort wirkten, klingt wie ein Appell des Ruhms: Alberti, der erste der Vitruvianer, Bramante, Sangallo, Bernini, Raffael, Michelangelo und viele andere, die in den Schatten der Großen gerieten, aber können den Hof jedes Herrschers schmücken. Einiges von dem, was getan wurde, ist bedauerlich: Beispielsweise löste die Zerstörung des alten Petersdoms, um an seiner Stelle einen neuen Bramante-Tempel zu errichten, einen Proteststurm aus. Aber die absolute päpstliche Autorität reichte aus, um eines der größten städtischen Projekte der Geschichte abzuschließen. Das Ergebnis war nicht nur ein prächtiges Denkmal für irgendeinen Herrscher. Eine Reihe von Vorteilen kam den einfachen Bürgern zugute: Die Wasserversorgung wurde verbessert, das alte Kanalisationssystem wurde wiederhergestellt, die Gefahr von Bränden und Pest ging stark zurück.

Die Stadt war eine Bühne, auf der sich vor allen ehrlichen Menschen abspielte, was jetzt in der Stille der Ämter geschah. Auffallend in ihrer Variabilität waren Details: die Unregelmäßigkeit der Gebäude, der exzentrische Stil und die Vielfältigkeit der Trachten, die unzähligen Waren, die direkt auf der Straße produziert wurden – all dies gab der Renaissancestadt eine Helligkeit, die in der monotonen Monotonie moderner Städte fehlt . Aber es gab auch eine gewisse Homogenität, eine Verschmelzung von Gruppen, die die innere Einheit der Stadt proklamierten. Im 20. Jahrhundert hat sich das Auge an die durch Zersiedelung entstandenen Trennungen gewöhnt: Fußgänger- und Autoverkehr finden in unterschiedlichen Welten statt, Industrie ist vom Gewerbe getrennt, und beide sind räumlich von Wohngebieten getrennt, die es wiederum sind unterteilt nach dem Vermögen ihrer Einwohner. Ein Städter kann sein ganzes Leben lang leben, ohne zu sehen, wie das Brot gebacken wird, das er isst, oder wie die Toten begraben werden. Je größer die Stadt wurde, desto mehr entfernte sich der Mensch von seinen Mitbürgern, bis das Paradoxon der Einsamkeit inmitten einer Menschenmenge zu einem alltäglichen Phänomen wurde.

In einer ummauerten Stadt mit, sagen wir, 50.000 Einwohnern, in der die meisten Häuser kümmerliche Hütten waren, ermutigte der Platzmangel die Menschen dazu, mehr Zeit in der Öffentlichkeit zu verbringen. Der Ladenbesitzer verkaufte Waren fast vom Stand aus durch ein kleines Fenster. Die Fensterläden der ersten Stockwerke wurden an Scharnieren hergestellt, um sich schnell zurücklehnen zu können und ein Regal oder einen Tisch zu bilden, dh eine Theke (siehe Abb. 60). Er lebte mit seiner Familie in den oberen Räumen des Hauses und konnte, erst erheblich reicher geworden, ein eigenes Geschäft mit Angestellten führen und in einer Gartenvorstadt wohnen.

Reis. 60. Stadthändler, darunter: ein Bekleidungs- und Textilhändler (links), ein Barbier (Mitte) und ein Konditor (rechts)

Ein geschickter Handwerker nutzte die untere Etage des Hauses auch als Werkstatt und bot seine Produkte manchmal direkt vor Ort zum Verkauf an. Handwerker und Kaufleute neigten sehr zum Herdenverhalten: Jede Stadt hatte ihre eigene Tkatskaya-Straße, Myasnitsky Ryad und ihre eigene Rybnikov-Gasse. Und wenn in kleinen überfüllten Räumen oder auch nur bei schönem Wetter der Platz nicht ausreichte, verlagerte sich der Handel auf die Straße, die vom Markt nicht mehr zu unterscheiden war. Unehrliche wurden öffentlich bestraft, auf dem Platz, dort, wo sie ihren Lebensunterhalt verdienten, also in der Öffentlichkeit. Sie wurden an einen Pranger gebunden und wertlose Waren wurden ihnen zu Füßen verbrannt oder um ihre Hälse gehängt. Ein Winzer, der schlechten Wein verkaufte, wurde gezwungen, eine große Menge davon zu trinken, und der Rest wurde über seinen Kopf gegossen. Rybnik wurde gezwungen, an faulem Fisch zu schnüffeln oder sich sogar Gesicht und Haare damit einzuschmieren.

Nachts wurde die Stadt in völlige Stille und Dunkelheit getaucht. Auch dort, wo es keine obligatorische „Feuerlöschstunde“ gab, versuchte der weise Mann, nicht zu spät auszugehen und saß nach Einbruch der Dunkelheit sicher hinter starken Türen mit Riegeln. Ein Passant, der nachts von den Wachen erwischt wurde, musste sich darauf vorbereiten, den Grund für seinen verdächtigen Gang überzeugend zu erklären. Solche Versuchungen, die eine ehrliche Person nachts aus dem Haus locken könnten, gab es nicht, denn die öffentlichen Vergnügungen endeten bei Sonnenuntergang, und die Stadtbewohner hielten an der hortenden Gewohnheit fest, bei Sonnenuntergang zu Bett zu gehen. Talgkerzen waren erhältlich, aber immer noch ziemlich teuer. Auch übel riechende Dochte, die mit Fettfetzen getränkt waren, wurden sparsam verwendet, denn Fett kostete mehr als Fleisch. Der Arbeitstag, der von morgens bis abends dauerte, ließ wenig Kraft für eine stürmische Nacht voller Spaß. Mit der weit verbreiteten Entwicklung des Buchdrucks wurde es in vielen Haushalten zur Gewohnheit, die Bibel zu lesen. Eine weitere häusliche Unterhaltung war das Musizieren für diejenigen, die es sich leisten konnten, ein Musikinstrument zu kaufen: eine Laute oder eine Gambe oder eine Flöte, sowie das Singen für diejenigen, die kein Geld dafür hatten. Die meisten Menschen verbrachten die kurzen Mußestunden zwischen Abendessen und Schlafenszeit mit Gesprächen. Der Mangel an Abend- und Nachtunterhaltung wurde jedoch tagsüber auf Kosten der öffentlichen Hand mehr als wettgemacht. Häufige kirchliche Feiertage reduzierten die Zahl der Arbeitstage pro Jahr auf eine Zahl, die vielleicht niedriger war als heute.

Reis. 61. Religiöse Prozession

Fastentage wurden streng eingehalten und mit der Kraft des Gesetzes unterstützt, aber Feiertage wurden wörtlich verstanden. Sie schlossen nicht nur die Liturgie ein, sondern verwandelten sich in wilden Spaß. In diesen Tagen zeigte sich die Solidarität der Stadtbewohner deutlich in überfüllten religiösen Prozessionen und religiösen Prozessionen (siehe Abb. 61). Damals gab es wenige Beobachter, weil alle daran teilnehmen wollten. Albrecht Dürer erlebte einen ähnlichen Umzug in Antwerpen, und sein Künstlerauge blickte entzückt auf die endlose Prozession von Farben und Formen. Es war am Tag der Himmelfahrt der Jungfrau Maria „... und die ganze Stadt, unabhängig von Rang und Beruf, versammelte sich dort, jeder in die seinem Rang entsprechende beste Kleidung gekleidet. Alle Zünfte und Stände hatten ihre eigenen Kennzeichen, an denen sie zu erkennen waren. In den Pausen trugen sie riesige teure Kerzen und drei lange alte fränkische Trompeten aus Silber. Es gab auch Trommeln und Pfeifen nach deutscher Art. Sie bliesen und schlugen laut und lärmend ... Es gab Goldschmiede und Sticker, Maler, Maurer und Bildhauer, Tischler und Zimmerleute, Seeleute und Fischer, Weber und Schneider, Bäcker und Gerber ... wirklich Arbeiter aller Art und viele Handwerker und andere Menschen, die ihren eigenen Lebensunterhalt verdienen. Ihnen folgten Bogenschützen mit Gewehren und Armbrüsten, Reiter und Fußsoldaten. Aber vor allen standen Ordensleute ... An dieser Prozession nahm auch eine große Menge von Witwen teil. Sie ernährten sich von ihrer Arbeit und beachteten besondere Regeln. Sie waren von Kopf bis Fuß in weiße, extra für diesen Anlass genähte Kleider gekleidet, es war traurig, sie anzusehen ... Zwanzig Personen trugen das Bild der Jungfrau Maria mit unserem Herrn Jesus, luxuriös gekleidet. Im Zuge der Prozession wurden viele wunderbare Dinge gezeigt, prächtig präsentiert. Es wurden Waggons gezogen, auf denen Schiffe und andere Strukturen voller maskierter Menschen standen. Ihnen folgte eine Truppe, die der Reihe nach die Propheten und Szenen aus dem Neuen Testament darstellte ... Von Anfang bis Ende dauerte die Prozession mehr als zwei Stunden, bis sie unser Haus erreichte.

Die Wunder, die Dürer in Antwerpen so begeisterten, hätten ihn in Venedig und Florenz fasziniert, denn die Italiener behandelten religiöse Feiertage als Kunstform. Beim Fronleichnamsfest in Viterbo im Jahr 1482 wurde die gesamte Prozession in Sektionen unterteilt, von denen jede für einen Kardinal oder den höchsten Würdenträger der Kirche verantwortlich war. Und jeder bemühte sich, den anderen zu übertrumpfen, indem er sein Grundstück mit teuren Vorhängen schmückte und ihm eine Bühne gab, auf der die Mysterien gespielt wurden, so dass sich das Ganze zu einer Reihe von Theaterstücken über den Tod und die Auferstehung Christi formte. Die Bühne, die in Italien für die Aufführung der Mysterien verwendet wurde, war die gleiche wie in ganz Europa: ein dreistöckiges Gebäude, in dem das obere und das untere Stockwerk als Himmel bzw. Hölle dienten und die mittlere Hauptplattform die Erde darstellte (siehe Abb 62).

Reis. 62. Szene für die Präsentation von Mysterien

Am meisten Aufmerksamkeit erregte die komplexe Bühnenmechanik, die es den Schauspielern ermöglichte, in der Luft zu schweben und zu schwimmen. Es gab eine Szene in Florenz, die aus einer hängenden Kugel bestand, die von Engeln umgeben war, aus der im richtigen Moment ein Streitwagen erschien und zur Erde hinabstieg. Leonardo da Vinci baute für die Herzöge von Sforza eine noch komplexere Maschine, die die Bewegung von Himmelskörpern zeigte, von denen jeder seinen eigenen Schutzengel trug.

Weltliche Prozessionen in Italien stellten die großen Triumphe des klassischen Roms nach und wurden nach ihnen benannt. Manchmal wurden sie zu Ehren der Ankunft eines souveränen oder berühmten Militärführers arrangiert, manchmal nur wegen eines Feiertags. Die glorreichen Namen der großen Römer wurden in Erinnerung gerufen, sie wurden in Togen und Lorbeerkränzen dargestellt und in Streitwagen durch die Stadt transportiert. Sie stellten besonders gerne Allegorien dar: Der Glaube besiegte den Götzendienst, die Tugend vernichtete das Laster. Eine weitere beliebte Darstellung sind die drei Lebensalter des Menschen. Jedes irdische oder übernatürliche Ereignis wurde bis ins kleinste Detail durchgespielt. Die Italiener arbeiteten nicht am literarischen Inhalt dieser Szenen, sondern gaben lieber Geld für den Pomp des Spektakels aus, so dass alle allegorischen Figuren einfache und oberflächliche Wesen waren und ohne jede Überzeugung nur hochtönende Floskeln verkündeten und so von der Aufführung abgingen etwas leisten. Aber die Pracht der Kulissen und Kostüme entzückte das Auge, und das genügte. In keiner anderen Stadt Europas zeigte sich Bürgerstolz so hell und strahlend wie im jährlichen Ritual der Hochzeit mit dem Meer, das der Herrscher von Venedig vollzog, eine seltsame Mischung aus kommerzieller Arroganz, christlicher Dankbarkeit und östlicher Symbolik . Dieses rituelle Fest beginnt 997 nach der Geburt Christi, als der Doge von Venedig vor der Schlacht ein Trankopfer aus Wein machte und ihn ins Meer goss. Und nach dem Sieg wurde am nächsten Himmelfahrtstag gefeiert. Ein riesiger Staatskahn namens Bucentaur wurde zu derselben Stelle in der Bucht gerudert, und dort warf der Dogen einen Ring ins Meer und erklärte, dass die Stadt durch diese Aktion mit dem Meer, dh mit den Elementen, verheiratet sei machte es toll (vgl. Abb. 63).

Reis. 63. "Bucentaur" Venezianer

"Bucentaur" nahm majestätisch an allen standesamtlichen Zeremonien teil. Feierliche Prozessionen in anderen Städten bewegten sich im Staub in der Hitze, und die Venezianer glitten über die glatte Oberfläche ihrer großen Seestraße. Die Bucentaur wurde aus einer Kampfgaleere umgerüstet, die alle Feinde Venedigs von der Adria fegte. Sie behielt den mächtigen und bösartigen Rammbug eines Kriegsschiffs, aber jetzt war das Oberdeck mit scharlachrotem und goldenem Brokat verziert, und eine Girlande aus goldenen Blättern, die sich entlang der Seite erstreckte, funkelte blendend in der Sonne. Am Bug befand sich eine menschengroße Figur der Gerechtigkeit mit einem Schwert in der einen und einer Waage in der anderen Hand. Die zu Besuch kommenden Fürsten wurden auf diesem Schiff in die Inselstadt eskortiert, umgeben von unzähligen kleinen Booten, die ebenfalls mit reichen Stoffen und Girlanden geschmückt waren. Der Gast wurde bis vor die Tür der ihm zugeteilten Residenz gebracht. Kein Wunder, dass der venezianische Karneval, mit der gleichen prunkvollen Sparsamkeit und dem gleichen sinnlichen, fast wilden Geschmack für leuchtende Farben, Gäste aus ganz Europa anzog. In diesen Tagen verdoppelte sich die Bevölkerung der Stadt. Anscheinend ging die Mode für Maskeraden von Venedig aus, die sich dann auf alle Höfe Europas ausbreitete. Andere italienische Städte führten maskierte Schauspieler in die Mysterien ein, aber es waren die Unterhaltung liebenden Venezianer mit ihrem Geschäftssinn, die die Maske als pikante Ergänzung zum Karneval schätzten.

Die militärischen Wettkämpfe des Mittelalters setzten sich fast unverändert bis in die Renaissance fort, obwohl der Stellenwert ihrer Teilnehmer etwas abnahm. So veranstalteten beispielsweise die Nürnberger Fischhändler ein eigenes Turnier. Bogenschießwettbewerbe waren sehr beliebt, obwohl der Bogen als Waffe vom Schlachtfeld verschwand. Am beliebtesten waren jedoch die Feiertage, deren Wurzeln bis ins vorchristliche Europa zurückreichen. Unfähig, sie auszurotten, hat die Kirche einige von ihnen sozusagen getauft, das heißt angeeignet, während andere unverändert weiterlebten, sowohl in katholischen als auch in protestantischen Ländern. Der größte davon war der 1. Mai, das heidnische Frühjahrstreffen (siehe Abb. 64).

Reis. 64. Feier zum 1. Mai

An diesem Tag reisten sowohl die Armen als auch die Reichen und verließen die Stadt, um Blumen zu pflücken, zu tanzen und zu feiern. May Lord zu werden, war eine große Ehre, aber auch ein teures Vergnügen, denn alle festlichen Ausgaben fielen auf ihn: Es kam vor, dass einige Männer für eine Weile aus der Stadt verschwanden, um sich dieser Ehrenrolle zu entziehen. Der Urlaub brachte ein Stück Landleben in die Stadt, das Leben in der Natur, so nah und so fern. In ganz Europa wurde der Wechsel der Jahreszeiten mit Festlichkeiten gefeiert. Sie unterschieden sich in Details und Namen voneinander, aber die Ähnlichkeiten waren stärker als die Unterschiede. Wie zuvor regierte an einem der Wintertage der Lord of Disorder – der direkte Erbe der römischen Saturnalien, die wiederum ein Relikt des prähistorischen Wintersonnenwendefestes waren. Immer wieder versuchten sie, es auszurotten, aber es wurde in lokalen Karnevalen mit Narren, Kriegern und verkleideten Tänzern wiederbelebt, die der Welt erstmals in Höhlenzeichnungen erschienen. Es ist soweit, und die Feiertage vor tausend Jahren passen problemlos in das Leben der Städte, in denen das Dröhnen der Druckerpressen und der Lärm der Rollwagen den Beginn einer neuen Welt markierten.

Die wichtigsten Städte Europas waren durch ein sehr effizientes Postsystem verbunden. Ein einfacher Laie könnte es frei verwenden ... wenn er keine Angst hätte, dass seine Briefe gelesen würden. Die Behörden, die die Post organisierten, waren an Spionage fast ebenso interessiert wie an der Herstellung einer Kommunikation zwischen Städten und Ländern. Trotz des schlechten Zustands der Straßen nahm die Zahl der Fahrzeuge zu. Die Pilgerwelle erreichte eine beispiellose Höhe, und als der Pilgerstrom nachließ, nahmen Kaufleute ihren Platz ein, weil sich der Handel aktiv entwickelte. Staatsbeamte waren allgegenwärtig, das Getrampel der Soldatenstiefel auf dem Marsch ließ keine Minute nach. Reisende, die ihren Geschäften nachgehen, sind keine Seltenheit mehr. Menschen wie der rastlose Erasmus zogen auf der Suche nach einem Ort und einer Existenzgrundlage von einem Wissenschaftszentrum zum anderen. Einige sahen das Reisen sogar als ein Mittel der Bildung, verbunden mit Vergnügen. In Italien entstand eine neue Schule lokaler Geschichtsschreiber, die den Wissbegierigen empfahlen, interessante Orte zu besuchen. Viele reisten zu Pferd, aber es tauchten bereits Kutschen auf (siehe Abb. 65), die angeblich zuerst in Kotz oder Kosice (Ungarn) erfunden wurden.

Reis. 65. Deutsche Kutsche 1563. Fernreisen erforderten mindestens 4 Pferde

Die meisten dieser Kutschen wurden für Showzwecke hergestellt - sie waren äußerst unbequem. Der Körper wurde an Gurten aufgehängt, die theoretisch als Federn dienen sollten, aber in der Praxis die Fahrt in eine Reihe von ekelerregenden Sprüngen und Schaukeln verwandelten. Die Durchschnittsgeschwindigkeit betrug zwanzig Meilen pro Tag, abhängig von der Qualität der Straßen. Es brauchte mindestens sechs Pferde, um die Kutsche durch den dicken Winterschlamm zu ziehen. Sie reagierten sehr empfindlich auf die Unebenheiten, denen sie unterwegs oft begegneten. Einmal in Deutschland bildete sich ein solches Schlagloch, dass drei Kutschen gleichzeitig hineinfielen, und dies kostete einem unglücklichen Bauern das Leben.

Römerstraßen waren immer noch die Hauptverkehrsadern Europas, aber selbst ihre Pracht konnte den Plünderungen der Bauern nicht widerstehen. Wenn Material benötigt wurde, um eine Scheune oder Scheune oder sogar ein Haus zu bauen, wandten sich die Dorfbewohner mit ihrer üblichen Bereitschaft an große Vorräte an bereits behauenen Steinen, die eigentlich die Straße waren. Sobald die oberen Schichten des Straßenbelags abgetragen waren, erledigten Witterung und Transport den Rest. In einigen Regionen gab es Anordnungen, Straßen außerhalb der Städte zu erhalten und zu unterhalten. In England grub ein Müller, der plötzlich Ton für Reparaturen benötigte, ein Loch mit einem Durchmesser von 10 Fuß und einer Tiefe von 2,40 m und warf es dann weg. Die Grube füllte sich mit Regenwasser, ein Reisender fiel hinein und ertrank. Zur Rechenschaft gezogen, sagte der Müller, er habe nicht die Absicht, jemanden zu töten, Ton sei einfach nirgendwo anders zu bekommen. Er wurde aus der Haft entlassen. Der alte Brauch schrieb jedoch vor, Straßen mit minimaler Breite zu bauen: An einer Stelle sollten zwei Karren aneinander vorbeifahren können, an einer anderen - um einen Ritter mit einem Speer im Anschlag zu passieren. In Frankreich, wo römische Straßen durch Wälder verliefen, wurde ihre Breite von 20 Fuß auf etwa 78 Fuß erhöht, als Vorsichtsmaßnahme gegen Räuber, die mit zunehmendem teuren Güterverkehr immer zahlreicher wurden. Ein weiser Mann reiste immer in Gesellschaft, und jeder war bewaffnet. Der einsame Reisende wurde mit Argwohn betrachtet, und er konnte gut in einem örtlichen Gefängnis landen, wenn er keine würdigen Gründe für seinen Aufenthalt in dieser Region nannte.

Reisen durch Europa könnten selbst unter günstigen Umständen mehrere Wochen dauern. Daher haben Straßenhotels - Gasthäuser (siehe Abb. 66) eine solche Bedeutung erlangt.

Reis. 66. Hauptgemeinschaftsraum eines Hotels am Straßenrand

Es könnte ein großes Etablissement sein, wie das berühmte Bull Hotel in Padua, wo bis zu 200 Pferde in den Ställen untergebracht waren, oder es könnte eine winzige, stinkende Taverne für Sorglose und Naive sein. In Österreich wurde ein Wirt gefangen genommen, der nachweislich im Laufe der Jahre mehr als 185 Gäste umgebracht und dadurch beträchtlichen Reichtum angehäuft hat. Die meisten Zeitgenossen zeichnen jedoch ein recht freundliches Bild. Die nette Dame, dargestellt von William Caxton im ersten Reiseführer, sollte Reisenden nach einem anstrengenden Tag unterwegs einen angenehmen Eindruck hinterlassen. Caxton ließ sein Buch 1483 drucken.

Unter anderem lieferte sie seinen einsprachigen Landsleuten genügend französische Phrasen, um zu fragen, wie man aus der Stadt herauskommt, ein Pferd mietet und eine Unterkunft für die Nacht bekommt. Das dort zitierte Gespräch im Hotel ist eher höflich als lehrreich, aber es zeigt uns, welche Situationen sich allabendlich in allen Städten Europas wiederholten.

„Gott segne Sie, Frau.

- Willkommen, Junge.

– Kann ich hier ein Bett bekommen?

- Ja, gut und sauber, [auch wenn] es ein Dutzend von Ihnen gibt.

Nein, wir sind zu dritt. Kannst du hier essen?

- Ja, in Hülle und Fülle, Gott sei Dank.

„Bring uns Essen und gib den Pferden Heu und trockne sie gut mit Stroh.“

Reisende aßen, überprüften vorsichtig die Rechnung für das Essen und baten darum, die Kosten zur morgendlichen Berechnung hinzuzufügen. Dann folgt:

„Bring uns ins Bett, wir sind müde.

„Jeanette, zünde eine Kerze an und führe sie nach oben in diesen Raum. Und bringe ihnen heißes Wasser, um ihre Füße zu waschen, und decke sie mit einem Federbett zu.“

Dem Gespräch nach zu urteilen, ist dies ein erstklassiges Hotel. Reisenden wird das Abendessen auf dem Tisch serviert, sie haben offensichtlich kein Essen mitgebracht, obwohl dies der Brauch war. Sie werden mit einer Kerze ins Bett gebracht und mit warmem Wasser versorgt. Vielleicht konnten sie, wenn sie Glück hatten, für jeden ein Bett bekommen und es nicht mit einem Fremden teilen. Aber ob es sich um ein luxuriöses Hotel handelte, in dem den Gästen auch Unterhaltung geboten wurde, oder eine einfache Hütte in der Nähe der Stadtmauer, der Reisende konnte sich darin für mehrere Stunden ausruhen, geschützt nicht nur vor schlechtem Wetter und wilden Tieren, sondern auch vor seinen Artgenossen Menschen.

Nach Abschluss der Hauptbauarbeiten in Versailles, an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, begann Andre Lenotre eine aktive Arbeit an der Neugestaltung von Paris. Er führte die Aufteilung des Tuilerienparks durch und legte die Mittelachse eindeutig auf die Fortsetzung der Längsachse des Louvre-Ensembles fest. Nach Le Nôtre wurde der Louvre endgültig wieder aufgebaut, die Place de la Concorde entstand. Die große Achse von Paris vermittelte eine völlig andere Interpretation der Stadt, die den Anforderungen an Erhabenheit, Grandiosität und Pracht entsprach. Die Gestaltung städtischer Freiräume, das System architektonisch gestalteter Straßen und Plätze wurde zum bestimmenden Faktor in der Planung von Paris. Die Klarheit des geometrischen Musters der zu einem Ganzen verbundenen Straßen und Plätze wird für viele Jahre ein Kriterium für die Beurteilung der Perfektion des Stadtplans und des Könnens des Stadtplaners sein. Viele Städte auf der ganzen Welt werden in der Folge den Einfluss des klassischen Pariser Modells erfahren.

Ein neues Verständnis der Stadt als Objekt architektonischer Beeinflussung des Menschen findet in der Arbeit an urbanen Ensembles deutlichen Ausdruck. Während ihres Baus wurden die Haupt- und Grundprinzipien der Stadtplanung des Klassizismus umrissen - freie Entwicklung im Raum und organische Verbindung mit der Umgebung. Um das städtebauliche Chaos zu überwinden, suchten die Architekten Ensembles zu schaffen, die für eine freie und ungehinderte Sicht ausgelegt sind.

Renaissance-Träume von der Schaffung einer „idealen Stadt“ verkörperten sich in der Bildung eines neuen Platztyps, dessen Grenzen nicht mehr die Fassaden bestimmter Gebäude waren, sondern der Raum der angrenzenden Straßen und Viertel, Parks oder Gärten, u Flussufer. Architektur sucht nicht nur direkt benachbarte Gebäude, sondern auch sehr abgelegene Punkte der Stadt in einer bestimmten Ensembleeinheit zu verbinden.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts und dem ersten Drittel des 19. Jahrhunderts. in Frankreich markieren eine neue Etappe in der Entwicklung des Klassizismus und seiner Verbreitung in Europa - Neoklassizismus. Nach der Großen Französischen Revolution und dem Vaterländischen Krieg von 1812 traten im Einklang mit dem Zeitgeist neue Prioritäten in der Stadtplanung auf. Den markantesten Ausdruck fanden sie im Empire-Stil. Es zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: zeremonielles Pathos imperialer Größe, Monumentalität, Berufung auf die Kunst des kaiserlichen Roms und des alten Ägypten, Verwendung von Attributen der römischen Militärgeschichte als Hauptdekorationsmotive.

Die Essenz des neuen künstlerischen Stils wurde sehr genau in den bedeutenden Worten von Napoleon Bonaparte ausgedrückt:

„Ich liebe Kraft, aber als Künstler … liebe ich es, Klänge, Akkorde und Harmonien daraus zu extrahieren.“

Empire-Stil wurde zur Personifikation der politischen Macht und des militärischen Ruhms Napoleons und diente als eine Art Manifestation seines Kultes. Die neue Ideologie entsprach voll und ganz den politischen Interessen und dem künstlerischen Geschmack der neuen Zeit. Überall wurden große architektonische Ensembles aus offenen Plätzen, breiten Straßen und Alleen geschaffen, Brücken, Denkmäler und öffentliche Gebäude errichtet, die imperiale Größe und Macht demonstrierten.

So erinnerte beispielsweise die Austerlitzer Brücke an die große Schlacht Napoleons und wurde aus den Steinen der Bastille erbaut. Am Place Carruzel erbaut wurde Triumphbogen zu Ehren des Sieges bei Austerlitz. Zwei weit voneinander entfernte Plätze (Consent und Stars) wurden durch architektonische Perspektiven verbunden.

Kirche der Heiligen Genoveva, errichtet von J. J. Soufflot, wurde zum Pantheon – der Ruhestätte der großen Persönlichkeiten Frankreichs. Eines der spektakulärsten Denkmäler dieser Zeit ist die Säule der Großen Armee auf dem Place Vendôme. Ähnlich wie die antike römische Trajanssäule sollte sie nach dem Plan der Architekten J. Gonduin und J. B. Leper den Geist des Neuen Reiches und Napoleons Durst nach Größe ausdrücken.

Feierlichkeit und majestätischer Pomp wurden besonders in der hellen Innenausstattung von Palästen und öffentlichen Gebäuden hoch geschätzt, deren Ausstattung oft mit militärischem Utensilien überladen war. Die dominierenden Motive waren kontrastierende Farbkombinationen, Elemente römischer und ägyptischer Ornamente: Adler, Greifen, Urnen, Kränze, Fackeln, Grotesken. Der Empire-Stil manifestierte sich am deutlichsten in den Innenräumen der kaiserlichen Residenzen des Louvre und des Malmaison.

Die Ära von Napoleon Bonaparte endete 1815, und sehr bald begannen sie, seine Ideologie und seinen Geschmack aktiv auszurotten. Aus dem „wie ein Traum verschwundenen“ Reich gab es Kunstwerke im Empire-Stil, die deutlich von seiner einstigen Größe zeugen.

Fragen und Aufgaben

1. Warum kann Versailles auf herausragende Werke zurückgeführt werden?

Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des XVIII Jahrhunderts. ihre praktische Verkörperung in den architektonischen Ensembles von Paris wie der Place de la Concorde gefunden? Was unterscheidet sie von den Plätzen des italienischen Barock im Rom des 17. Jahrhunderts wie der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?

2. Wie kam die Verbindung von Barock und Klassizismus zum Ausdruck? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?

3. Was sind die historischen Hintergründe für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Auf welchen künstlerischen Prinzipien beruht sie?

kreative Werkstatt

1. Geben Sie Ihren Klassenkameraden eine Führung durch Versailles. Zur Vorbereitung können Sie Videomaterial aus dem Internet verwenden. Die Parks von Versailles und Peterhof werden oft verglichen. Was ist Ihrer Meinung nach die Grundlage für solche Vergleiche?

2. Versuchen Sie, das Bild der "idealen Stadt" der Renaissance mit den klassischen Ensembles von Paris (St. Petersburg oder seinen Vororten) zu vergleichen.

3. Vergleichen Sie die Gestaltung der Innenausstattung (Interieurs) der Galerie Franz I. in Fontainebleau und der Spiegelgalerie von Versailles.

4. Lernen Sie die Gemälde des russischen Künstlers A. N. Benois (1870-1960) aus dem Zyklus „Versailles. Gang des Königs“ (siehe S. 74). Wie vermitteln sie die allgemeine Atmosphäre des Hoflebens des französischen Königs Ludwig XIV.? Warum können sie als eigentümliche Bildsymbole betrachtet werden?

Themen von Projekten, Abstracts oder Botschaften

"Die Bildung des Klassizismus in der französischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts"; "Versailles als Modell der Harmonie und Schönheit der Welt"; "Ein Spaziergang durch Versailles: die Verbindung zwischen der Zusammensetzung des Schlosses und der Anlage des Parks"; „Meisterwerke der Architektur des westeuropäischen Klassizismus“; "Napoleonisches Reich in der Architektur Frankreichs"; "Versailles und Peterhof: Erfahrung vergleichender Merkmale"; "Künstlerische Entdeckungen in den architektonischen Ensembles von Paris"; "Die Plätze von Paris und die Entwicklung der Prinzipien der regelmäßigen Planung der Stadt"; "Klarheit der Komposition und Ausgewogenheit der Volumina der Kathedrale des Invalides in Paris"; "Concorde Square - eine neue Etappe in der Entwicklung städtebaulicher Ideen des Klassizismus"; „Die schroffe Ausdruckskraft der Bände und der Geiz des Dekors der Kirche St. Genevieve (Pantheon) von J. Soufflot“; "Merkmale des Klassizismus in der Architektur westeuropäischer Länder"; "Herausragende Architekten des westeuropäischen Klassizismus".

Bücher zum Nachlesen

Arkin D. E. Bilder der Architektur und Bilder der Skulptur. M., 1990. Kantor A. M. und andere, Kunst des 18. Jahrhunderts. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).

Klassizismus und Romantik: Architektur. Skulptur. Bild. Zeichnung / Hrsg. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Kunst Frankreichs des 18. Jahrhunderts. L., 1971.

LenotrJ. Alltag von Versailles unter den Königen. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Kultur der Aufklärung. M., 1996.

Watkin D. Geschichte der westeuropäischen Architektur. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonisches Reich. M., 2008.

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies ist die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die wichtigste unter ihnen, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte, die bildende Kunst.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass Künstler sich nicht mehr mit dem Rahmen des vorherrschenden "byzantinischen" Stils zufriedengaben und sich auf der Suche nach Modellen für ihre Arbeit als erste an sie wandten zur Antike. Der Begriff "Renaissance" (Renaissance) wurde vom Denker und Künstler der Epoche selbst, Giorgio Vasari ("Biographie berühmter Maler, Bildhauer und Architekten"), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike in idealer Weise.

In der Zukunft hat sich der Inhalt des Begriffs weiterentwickelt. Die Wiederbelebung bedeutete die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung zur christlichen Ethik, die Geburt nationaler Literaturen, den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(Französische Renaissance - Wiedergeburt) - eine der größten Epochen, ein Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst die XIV-XVI Jahrhunderte. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Diese Periode der Kulturentwicklung erhielt ihren Namen - Renaissance (oder Renaissance) im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an antiker Kunst. Die damaligen Künstler kopierten jedoch nicht nur alte Muster, sondern gaben ihnen auch einen qualitativ neuen Inhalt. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder Richtung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Trends und Strömungen gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance wurde auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung - des Humanismus - geformt. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Die Rolle der kreativen Person hat besonders zugenommen.

Das humanistische Pathos der Zeit verkörperte sich am besten in der Kunst, die wie in früheren Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass sie versuchten, das Materielle und das Geistige zu einem Ganzen zu vereinen. Es war schwierig, eine Person zu finden, die der Kunst gleichgültig gegenüberstand, aber der bildenden Kunst und der Architektur wurde der Vorzug gegeben.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am ehesten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Auf der Grundlage des Naturstudiums entsteht ein neues visuelles System. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung eines Verständnisses von Volumen, seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Die Entdeckung und wissenschaftliche Fundierung der Gesetzmäßigkeiten der Längs- und Luftperspektive beeinflusste maßgeblich das weitere Schicksal der europäischen Malerei. Eine neue plastische Sprache der Skulptur entsteht, ihr Begründer war Donatello. Er belebte die freistehende runde Statue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur von David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen geformt (Stadtschloss, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt werden. Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und zu einer neuen figurativen Spiritualität der Architektur gelangte, die den Alten unbekannt war. Während der Hochrenaissance wurde das neue Weltbild am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts als Spätrenaissance bezeichnet. Zu diesem Zeitpunkt erfasst die Krise die Kunst. Es wird geregelt, höfisch, verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einzelne große Künstler - Tizian, Tintoretto - schaffen jedoch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte einen großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg in der Entwicklung der Kunst der Niederlande, Frankreichs und Deutschlands (XV-XVI Jahrhunderte) wird als Nordrenaissance bezeichnet. Das Werk der Maler Jan van Eyck, P. Brueghel d. Ä. ist der Höhepunkt dieser Periode der Kunstentwicklung. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die Entdeckungen der Renaissance auf dem Gebiet der spirituellen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält bis heute an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zum Geburtsort der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden von dem Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der erste, der Gemälde anstelle von Ikonen schuf, war der größte Meister der Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung realer menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, wobei er die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und bestimmter Objekte ersetzte. Auf den berühmten Fresken von Giotto in Arena-Kapelle in Padua neben den Heiligen sieht man ganz ungewöhnliche Gestalten: Hirten oder einen Spinner. Jede einzelne Person in Giotto bringt ganz bestimmte Erfahrungen, einen bestimmten Charakter zum Ausdruck.

In der Ära der frühen Renaissance in der Kunst findet die Entwicklung des alten künstlerischen Erbes statt, neue ethische Ideale werden gebildet, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung der ideologischen und stilistischen Prinzipien der Kunst der Frührenaissance wird von gespielt Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio dominiert die Reiterstatue des Condottiere Gattamelata David von Donatello die heroischen und patriotischen Prinzipien ("St. George" und "David" von Donatello und "David" von Verrocchio).

Masaccio war der Begründer der Renaissance-Malerei.(Wandmalereien in der Brancacci-Kapelle, „Dreifaltigkeit“) gelang es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, Figur und Landschaft mit einer einzigen kompositorischen Idee zu verbinden und den einzelnen Porträts Ausdruckskraft zu verleihen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des bildlichen Porträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, sind mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance hervor Sandro Botticelli. Seine Bilder sind vergeistigt und poetisch. Die Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen ("Frühling", "Die Geburt der Venus"). Einer von Botticellis Biografen sagte, dass seine Madonnen und Venusen den Eindruck erwecken des Verlustes, was uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit verursacht... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere - die Erde.

"Frühling" "Geburt der Venus"

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Leonardo da Vinci, ein großer Künstler und Wissenschaftler, gilt als Begründer der Kunst der Hochrenaissance.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht der Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und das später aus den Werken nicht mehr wegzudenken ist der Leonardo-Schule ist darin kaum zu spüren. Doch in dem sanft schmelzenden Schleier, der Gesicht und Figur umhüllt, gelang es Leonardo, die grenzenlose Variabilität der menschlichen Mimik fühlbar zu machen. Obwohl die Augen von Gioconda den Betrachter aufmerksam und ruhig anblicken, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber kaum wahrnehmbare Schatten zeichnen sich in der Nähe ihrer Ecken ab, was Sie glauben lässt, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln, sprechen werden. Schon der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt erahnen, wie widersprüchlich ihre Erfahrungen sind. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Model mit langen Sessions. Wie keinem anderen gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl von zitterndem Leben entstehen lassen. Kein Wunder, dass Vasari dachte, dass man am Hals der Mona Lisa sehen kann, wie eine Ader schlägt.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die ihn umgebende Luftumgebung perfekt inszeniert. Er hat auch ein Verständnis dafür eingebracht, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck macht, weshalb alles so aussieht, als wären die Formen natürlich aus dem anderen entstanden, wie es in der Musik geschieht, wenn eine gespannte Dissonanz aufgelöst wird durch einen harmonischen Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet etwas Ganzes, gefaltete Hände geben ihrem Bild Vollständigkeit. Jetzt konnte natürlich von den bizarren Locken der frühen Verkündigung keine Rede sein. Doch so weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarsträhne der Gioconda harmoniert mit dem transparenten Schleier, und der über die Schulter geworfene hängende Stoff findet ein Echo in den glatten Windungen der fernen Straße. In all dem zeigt Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „In technischer Hinsicht galt Mona Lisa immer als etwas Unerklärliches. Jetzt glaube ich, kann ich dieses Rätsel lösen“, sagt Frank. Ihm zufolge verwendete Leonardo die von ihm entwickelte Technik "sfumato" (italienisch "sfumato", wörtlich - "verschwand wie Rauch"). Der Trick besteht darin, dass die Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte reibungslos ineinander übergehen, die Umrisse von Objekten werden mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Schleiers weicher. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in den kleinsten Strichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen einer Erkennung zugänglich sind. So dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um ein da Vinci-Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast transparenter Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so mühsamen Technik die lange Arbeit an dem Porträt - fast 4 Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand, als ob sie sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und majestätischen Visionen entführen würde, entfaltet sich das uralte Gospel-Drama des betrogenen Vertrauens. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet - einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich hinnimmt. Christus hatte gerade zu seinen Jüngern gesagt: "Einer von euch wird mich verraten." Der Verräter sitzt bei den anderen; Die alten Meister stellten Judas separat sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zur Geltung, indem er seine Züge mit einem Schatten verhüllte. Christus unterwirft sich seinem Schicksal, voller Bewusstsein des Opfers seiner Leistung. Sein geneigter Kopf mit gesenkten Augen, die Geste seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine bezaubernde Landschaft. Christus ist das Zentrum der ganzen Komposition, all dieses Wirbels von Leidenschaften, die herumtoben. Seine Traurigkeit und Ruhe sind sozusagen ewig, natürlich - und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas.Er suchte die Quellen perfekter Kunstformen in der Natur, aber N. Berdyaev sieht ihn für den kommenden Prozess verantwortlich der Mechanisierung und Mechanisierung des menschlichen Lebens, die den Menschen aus der Natur gerissen hat.

Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raffael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühlen umbrischen Madonnenbildern (Madonna Conestabile) zur Welt des „glücklichen Christentums“ der florentinischen und römischen Werke. „Madonna mit Stieglitz“ und „Madonna im Sessel“ sind weich, menschlich und sogar gewöhnlich in ihrer Menschlichkeit.

Aber das Bild der "Sixtinischen Madonna" ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raphael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch das Drama historischer Ereignisse. Die Sixtinische Madonna (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspirierendsten Werke des Künstlers. Geschrieben als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza unterscheidet sich dieses Gemälde in Gestaltung, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den Madonnen der Florentiner Zeit. Anstelle eines intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Babys folgt, haben wir hier eine wunderbare Vision, die plötzlich am Himmel auftauchte, weil jemand einen Vorhang zurückgezogen hatte. Umgeben von goldenem Glanz, feierlich und majestätisch schreitet Maria durch die Wolken, das Christkind vor sich haltend. Links und rechts knien vor ihrem St. Sixtus und St. Barbara. Die symmetrische, streng ausbalancierte Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der Sixtinischen Madonna eine besondere Erhabenheit.

In diesem Bild gelang es Raffael vielleicht mehr als anderswo, die lebensechte Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die berührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbindet sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum lässt das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus in Verbindung stehen. Die Kombination von Ideal und Wirklichkeit in diesem Bild erinnert an die bekannten Worte Rafaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich werde Ihnen sagen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu schreiben, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund des Mangels … an schönen Frauen verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt . Ob es irgendeine Perfektion hat, weiß ich nicht, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen. Diese Worte beleuchten die kreative Methode des Künstlers. Ausgehend von der Realität und sich auf sie verlassend, strebt er zugleich danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) - zweifellos einer der inspirierendsten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo einen enormen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur sehr und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte die meisten seiner reifen Jahre in Rom und arbeitete für die Päpste; er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beerdigt wurde.

Michelangelo vollendete die Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), die sich noch an ihrem ursprünglichen Standort - im Petersdom - befindet. Dies ist eines der berühmtesten Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria ist mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marys Blick ist weniger traurig als ernst. Dies ist der Höhepunkt des Schaffens des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Akademie, Florenz), hingerichtet zwischen 1501 und 1504, nach Rückkehr nach Florenz. Der Held des Alten Testaments wird von Michelangelo in Form eines gutaussehenden, muskulösen, nackten jungen Mannes dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind abschätzen - Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, angespannte Ausdruck von Davids Gesicht ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seiner individuellen skulpturalen Art. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, ist zu einem Symbol von Florenz geworden und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Florentiner Rathaus, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertroffen hat.

Malerei auf dem Gewölbe der Sixtinischen Kapelle 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Aufträge zu erfüllen. Das wichtigste war die Freskenmalerei des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle. Auf hohen Gerüsten direkt unter der Decke liegend schuf Michelangelo zwischen 1508 und 1512 die schönsten Illustrationen zu einigen biblischen Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit und einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls von Adam und Eva und der Sintflut . Um die Hauptgemälde herum wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorfahren Christi ab.

Zur Vorbereitung dieser großartigen Arbeit fertigte Michelangelo eine Vielzahl von Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in unterschiedlichen Posen darstellte. Diese königlichen, kraftvollen Bilder beweisen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das der westeuropäischen Kunst eine neue Richtung gab.

Zwei weitere ausgezeichnete Statuen, Gebundener Gefangener und Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre, Paris. Sie demonstrieren Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach im Marmorblock eingeschlossen, und es ist die Aufgabe des Künstlers, sie zu befreien, indem er den überschüssigen Stein entfernt. Oft ließ Michelangelo Skulpturen unvollendet, entweder weil sie nicht mehr benötigt wurden oder weil sie einfach das Interesse für den Künstler verloren hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt des Grabes von Julius II erforderte eine Architekturstudie, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit im architektonischen Bereich begann erst 1519, als er die Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz bestellte, wohin der Künstler zurückkehrte wieder (dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Strukturen wurden nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm in den Jahren 1527-29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörten der Bau und Wiederaufbau der Befestigungsanlagen von Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem er längere Zeit in Florenz gelebt hatte, vollendete Michelangelo zwischen 1519 und 1534 den Auftrag der Familie Medici, zwei Gräber in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zu errichten. In einer Halle mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler zwei prächtige Gräber in der Nähe der Mauern, bestimmt für Lorenzo De Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De Medici, Herzog von Nemours. Zwei komplexe Gräber wurden als Darstellungen gegensätzlicher Typen konzipiert: Lorenzo – ein in sich eingeschlossener, nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv, offen. Über dem Grab von Lorenzo platzierte der Bildhauer allegorische Skulpturen von Morgen und Abend und über dem Grab von Giuliano - Allegorien von Tag und Nacht. Die Arbeit an den Medici-Gräbern wurde fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance stellt den Tag des Jüngsten Gerichts dar. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in der Hand alle Bewohner der Erde unaufhaltsam in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und die hinabsteigenden Sünder Dantes Hölle (linke Seite des Freskos). Strikt seiner eigenen Tradition folgend malte Michelangelo ursprünglich alle Figuren nackt, aber ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie an, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ sein eigenes Selbstporträt auf dem Fresko – sein Gesicht ist leicht auf der abgerissenen Haut des heiligen Märtyrer-Apostels Bartholomäus zu erahnen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit andere Malaufträge hatte, wie zum Beispiel die Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Kraft der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des im Bau befindlichen Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante gebaut, aber Michelangelo wurde letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Lösung für die Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Vollendung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo de Medici bis Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Lebensstellung ist durch seine Werke schwer eindeutig zu erfassen – so vielfältig sind sie. Außer vielleicht in der Poesie wandte sich Michelangelo in seinen eigenen Gedichten häufiger und intensiver Fragen der Kreativität und seines Platzes in der Kunst zu. Einen großen Platz in seinen Gedichten nehmen die Probleme und Schwierigkeiten ein, mit denen er sich bei seiner Arbeit auseinandersetzen musste, sowie die persönlichen Beziehungen zu den prominentesten Vertretern dieser Epoche, für die einer der berühmtesten Dichter der Renaissance, Lodovico Ariosto, ein Epitaph verfasste dieser berühmte Künstler: "Michele ist mehr als ein Sterblicher. Er ist ein göttlicher Engel."