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Renaissance - aus dem Französischen übersetzt bedeutet "Renaissance". So nannten sie die ganze Ära, die die intellektuelle und künstlerische Blüte der europäischen Kultur symbolisierte. Die Renaissance entstand Anfang des 14. Jahrhunderts in Italien, läutete den Niedergang der auf Barbarei und Unwissenheit beruhenden Ära des kulturellen Niedergangs und des Mittelalters ein und erreichte in ihrer Entwicklung im 16. Jahrhundert ihren Höhepunkt.

Zum ersten Mal schrieb ein Historiograph italienischer Herkunft, Maler und Autor von Werken über das Leben berühmter Künstler, Bildhauer und Architekten zu Beginn des 16. Jahrhunderts über die Renaissance.

Ursprünglich bezeichnete der Begriff "Renaissance" eine bestimmte Periode (Anfang des 14. Jahrhunderts) der Entstehung einer neuen Kunstwelle. Aber nach einer Weile erhielt dieser Begriff eine breitere Interpretation und begann, eine ganze Ära der Entwicklung und Formung einer dem Feudalismus entgegengesetzten Kultur zu bezeichnen.

Die Renaissancezeit ist eng mit der Entstehung neuer Malstile und -techniken in Italien verbunden. Es besteht ein Interesse an antiken Bildern. Säkularismus und Anthropozentrismus sind integrale Merkmale, die die Skulpturen dieser Zeit und die Malerei füllen. Die Renaissance ersetzt die Askese, die das Mittelalter prägte. Es entsteht ein Interesse an allem Alltäglichen, der grenzenlosen Schönheit der Natur und natürlich dem Menschen. Renaissance-Künstler nähern sich der Vision des menschlichen Körpers aus wissenschaftlicher Sicht und versuchen, alles bis ins kleinste Detail auszuarbeiten. Bilder werden realistisch. Malerei ist voll von einzigartigem Stil. Sie begründete die Grundkanone des Geschmacks in der Kunst. Weit verbreitet ist ein neues Weltbild namens „Humanismus“, nach dem der Mensch als höchster Wert gilt.

Renaissancezeit

Der Geist des Aufblühens kommt in den Gemälden dieser Zeit weit zum Ausdruck und erfüllt die Malerei mit einer besonderen Sinnlichkeit. Die Renaissance verbindet Kultur mit Wissenschaft. Künstler begannen, Kunst als einen Wissenszweig zu betrachten und die Physiologie des Menschen und der ihn umgebenden Welt im Detail zu studieren. Dies geschah, um die Wahrheit über Gottes Schöpfung und die Ereignisse, die auf ihren Leinwänden stattfinden, realistischer wiederzugeben. Viel Aufmerksamkeit wurde der Darstellung religiöser Themen geschenkt, die dank des Könnens von Genies wie Leonardo da Vinci einen irdischen Inhalt erhielten.

Es gibt fünf Stufen in der Entwicklung der italienischen Renaissancekunst.

Internationale (Gerichts-)Gotik

Die zu Beginn des 13. Jahrhunderts entstandene Hofgotik (ducento) zeichnet sich durch übertriebenen Glanz, Prunk und Protzigkeit aus. Die Hauptart der Gemälde ist eine Miniatur, die Altarszenen darstellt. Künstler verwenden Temperafarben, um ihre Bilder zu erstellen. Die Renaissance ist reich an berühmten Vertretern dieser Zeit, wie den italienischen Malern Vittore Carpaccio und Sandro Botticelli.

Zeit vor der Renaissance (Proto-Renaissance)

Die nächste Phase, von der man annimmt, dass sie die Renaissance vorweggenommen hat, wird als Proto-Renaissance (Trecento) bezeichnet und fällt auf das Ende des 13. - Anfang des 14. Jahrhunderts. In Verbindung mit der rasanten Entwicklung des humanistischen Weltbildes offenbart die Malerei dieser historischen Periode die innere Welt eines Menschen, seine Seele, hat eine tiefe psychologische Bedeutung, hat aber gleichzeitig eine einfache und klare Struktur. Religiöse Plots treten in den Hintergrund, weltliche werden führend, und ein Mensch mit seinen Gefühlen, Mimik und Gestik fungiert als Hauptfigur. An die Stelle von Ikonen treten die ersten Porträts der italienischen Renaissance. Berühmte Künstler dieser Zeit sind Giotto, Pietro Lorenzetti.

Frührenaissance

Am Anfang beginnt die Phase der Frührenaissance (Quattrocento), die die Blüte der Malerei ohne religiöse Sujets symbolisiert. Die Gesichter auf den Ikonen nehmen menschliche Gestalt an, und die Landschaft als Gattung der Malerei nimmt eine eigene Nische ein. Begründer der künstlerischen Kultur der Frührenaissance ist Mosaccio, dessen Konzept auf Intellektualität basiert. Seine Bilder sind sehr realistisch. Die großen Meister erforschten die Linear- und Luftperspektive, die Anatomie und nutzten das Wissen in ihren Kreationen, die im richtigen dreidimensionalen Raum zu sehen sind. Vertreter der Frührenaissance sind Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Hochrenaissance oder "Goldenes Zeitalter"

Ab dem Ende des 15. Jahrhunderts begann die Phase der Hochrenaissance (Cinquecento), die nicht lange bis Anfang des 16. Jahrhunderts andauerte. Venedig und Rom wurden zu seinem Zentrum. Künstler erweitern ihren ideologischen Horizont und interessieren sich für den Raum. Eine Person erscheint im Bild eines Helden, der sowohl geistig als auch körperlich perfekt ist. Die Figuren dieser Ära sind Leonardo da Vinci, Raffael, Tizian Vecellio, Michelangelo Buonarroti und andere. Der große Künstler Leonardo da Vinci war ein „universeller Mensch“ und war ständig auf der Suche nach der Wahrheit. Indem er sich mit Bildhauerei, Dramaturgie und verschiedenen wissenschaftlichen Experimenten beschäftigte, gelang es ihm, Zeit für die Malerei zu finden. Die Kreation „Madonna in the Rocks“ spiegelt deutlich den vom Maler geschaffenen Hell-Dunkel-Stil wider, bei dem die Kombination von Licht und Schatten einen dreidimensionalen Effekt erzeugt, und die berühmte „La Gioconda“ wird mit der „Smuffato“-Technik hergestellt, die erzeugt die Illusion von Dunst.

Spätrenaissance

Während der Spätrenaissance, die auf den Beginn des 16. Jahrhunderts fällt, wurde die Stadt Rom von deutschen Truppen erobert und geplündert. Dieses Ereignis markierte den Beginn der Ära des Aussterbens. Das römische Kulturzentrum hörte auf, der Patron der berühmtesten Persönlichkeiten zu sein, und sie mussten sich in andere Städte in Europa zerstreuen. Als Folge des wachsenden Widerspruchs zwischen christlichem Glauben und Humanismus am Ende des 15. Jahrhunderts wird der Manierismus zum vorherrschenden Stil, der die Malerei prägt. Die Renaissance geht allmählich zu Ende, da die Grundlage dieses Stils als schöne Art gilt, die Vorstellungen von der Harmonie der Welt, der Wahrheit und der Allmacht des Geistes überschattet. Kreativität wird komplex und nimmt die Züge der Konfrontation verschiedener Richtungen an. Brillante Werke gehören so berühmten Künstlern wie Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Italien wurde zum kulturellen Zentrum der Malerei und beschenkte die Welt mit brillanten Künstlern dieser Zeit, deren Bilder bis heute emotionale Freude hervorrufen.

Neben Italien nahm die Entwicklung von Kunst und Malerei auch in anderen europäischen Ländern einen wichtigen Platz ein. Dieser Trend wurde benannt.Besonders hervorzuheben ist die Malerei des Renaissance-Frankreichs, die auf eigenem Boden gewachsen ist. Das Ende des Hundertjährigen Krieges verursachte das Wachstum des universellen Bewusstseins und die Entwicklung des Humanismus. Darin steckt Realismus, eine Verbindung mit wissenschaftlichen Erkenntnissen, eine Anziehung zu den Bildern der Antike. Alle oben genannten Merkmale bringen es dem Italienischen näher, aber das Vorhandensein einer tragischen Note in den Leinwänden ist ein wesentlicher Unterschied. Berühmte Renaissance-Künstler in Frankreich - Anguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet the Elder.

Die Renaissance war eine bedeutende Etappe in der Entwicklung der französischen Kultur. Zu dieser Zeit entwickeln sich die bürgerlichen Beziehungen im Land schnell und die monarchische Macht wird gestärkt. Die religiöse Ideologie des Mittelalters wird durch ein humanistisches Weltbild allmählich in den Hintergrund gedrängt. Weltliche Kunst beginnt eine wichtige Rolle im kulturellen Leben Frankreichs zu spielen. Der Realismus der französischen Kunst, die Verbindung mit wissenschaftlichen Erkenntnissen, die Berufung auf die Ideen und Bilder der Antike bringen sie dem Italienischen näher. Gleichzeitig hat die Renaissance in Frankreich ein eigentümliches Erscheinungsbild, in dem sich der Renaissance-Humanismus mit tragischen Elementen verbindet, die aus den Widersprüchen der aktuellen Situation im Land entstanden sind.

Infolge der vielen Niederlagen Frankreichs während des Hundertjährigen Krieges mit England, der von 1337 bis 1453 dauerte, herrschte im Land feudale Anarchie. Die Bauernschaft, niedergeschlagen durch unerträgliche Steuern und die Gräueltaten der Invasoren, erhob sich, um gegen ihre Unterdrücker zu kämpfen. Mit besonderer Wucht entbrannte die Befreiungsbewegung in dem Moment, als die britischen Truppen, die Nordfrankreich erobert hatten, auf Orléans zusteuerten. Patriotische Gefühle führten dazu, dass die französischen Bauern und Ritter, angeführt von Jeanne d'Arc, gegen die englischen Truppen auftraten. Die Rebellen errangen mehrere glänzende Siege. Die Bewegung hörte auch nicht auf, als Jeanne d'Arc gefangen genommen und mit stillschweigendem Einverständnis des französischen Königs Karl VII. von Kirchenmännern auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde.

Als Ergebnis des langen Kampfes des Volkes gegen ausländische Invasoren wurde Frankreich befreit. Die Monarchie nutzte diesen Sieg für ihre Zwecke, während die Lage des siegreichen Volkes immer noch schwierig blieb.

In der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. Dank der Bemühungen Ludwigs XI. wurde Frankreich politisch geeint. Die Wirtschaft des Landes entwickelte sich, Wissenschaft und Bildung verbesserten sich, Handelsbeziehungen wurden mit anderen Staaten, insbesondere mit Italien, geknüpft, von wo aus die Kultur nach Frankreich eindrang. 1470 wurde in Paris eine Druckerei eröffnet, in der neben anderen Büchern auch die Werke italienischer Humanisten gedruckt wurden.

Die Kunst der Buchminiatur entwickelt sich, in der mystische und religiöse Bilder durch realistische Vorstellungen von der umgebenden Welt ersetzt wurden. Am Hof ​​des Herzogs von Burgund arbeiten die oben erwähnten begabten Künstler, die Brüder Limburg. In Burgund arbeiteten berühmte niederländische Meister (Maler Gebrüder van Eyck, Bildhauer Sluter), so dass in dieser Provinz der Einfluss der niederländischen Renaissance in der Kunst französischer Meister spürbar ist, während in anderen Provinzen, zum Beispiel in der Provence, der Einfluss der Italiener spürbar ist Renaissance nahm zu.

Einer der größten Vertreter der französischen Renaissance war der in der Provence tätige Künstler Anguerrand Charonton, der monumentale und kompositorisch komplexe Leinwände malte, in denen trotz der religiösen Themen das Interesse am Menschen und der ihn umgebenden Wirklichkeit lebendig zum Ausdruck kam („Madonna der Barmherzigkeit“, „Krönung Mariens“, 1453). Charontons Gemälde zeichneten sich zwar durch ihre dekorative Wirkung aus (feine Linien, kombiniert zu einem bizarren Ornament, Symmetrie der Komposition), aber einen wichtigen Platz in ihnen nahmen detaillierte Alltagsszenen, Landschaften und menschliche Figuren ein. Auf den Gesichtern der Heiligen und Marias kann der Betrachter die Gefühle und Gedanken ablesen, die sie besitzen, erfährt viel über den Charakter der Figuren.

Das gleiche Interesse an der Landschaft, an der sorgfältigen Übertragung aller Details der Komposition, zeichnet die Altarbilder eines anderen Künstlers aus der Provence aus - Nicolas Froment ("Die Auferstehung des Lazarus", "Der brennende Dornbusch", 1476).

Die Merkmale des Neuen in der französischen Kunst zeigten sich besonders deutlich in der Arbeit der Künstler der Loire-Schule, die im zentralen Teil Frankreichs (im Tal der Loire) arbeiteten. Viele Vertreter dieser Schule lebten in der Stadt Tours, in der im 15. Jahrhundert. war die Residenz des französischen Königs. Ein Bewohner von Tours war einer der bedeutendsten Maler dieser Zeit, Jean Fouquet.

Jean Fouquet

Jean Fouquet wurde um 1420 in Tours in der Familie eines Priesters geboren. Er studierte Malerei in Paris und möglicherweise in Nantes. Er arbeitete in Tours als Hofmaler von König Karl VII., dann Ludwig XI. Er hatte eine große Werkstatt, in der die Befehle des königlichen Hofes ausgeführt wurden.

Fouquet lebte mehrere Jahre in Italien, in Rom, wo er die Arbeit italienischer Meister kennenlernte. Doch trotz der Tatsache, dass in seinen Werken, insbesondere frühen, der Einfluss italienischer und niederländischer Kunst spürbar ist, entwickelte der Künstler schnell seinen eigenen, unverwechselbaren Stil.

Fouquets Kunst manifestierte sich am deutlichsten im Porträtgenre. Die vom Künstler geschaffenen Porträts Karls VII. und seiner Minister sind realistisch und wahrheitsgetreu, sie enthalten weder Schmeichelei noch Idealisierung. Obwohl die Ausführung dieser Werke in vielerlei Hinsicht den Gemälden der niederländischen Maler ähnelt, sind die Porträts von Fouquet monumentaler und bedeutender.

Meistens porträtierte Fouquet seine Modelle in Momenten des Gebets, sodass die Helden seiner Werke in ihre eigenen Gedanken versunken zu sein scheinen, sie scheinen weder zu bemerken, was um sie herum noch das Publikum passiert. Seine Porträts zeichnen sich nicht durch zeremoniellen Prunk und Luxus von Accessoires aus, die Bilder darauf sind üppig, prosaisch und auf gotische Weise statisch.

Auf dem Porträt Karls VII. (um 1445) steht eine Inschrift: „Der siegreichste König von Frankreich“. Aber Fouquet hat den König so zuverlässig und wahrheitsgetreu dargestellt, dass es absolut keine Hinweise auf seine Siegerschaft gibt: Das Bild zeigt einen gebrechlichen und hässlichen Mann, in dessen Erscheinung nichts Heldenhaftes ist. Der Betrachter sieht vor sich einen lebenssatten und unterhaltungsmüden Egoisten mit kleinen Augen, großer Nase und fleischigen Lippen.

Genauso wahr und sogar gnadenlos ist das Porträt eines der einflussreichsten Höflinge des Königs – Juvenel des Urzen
(um 1460). Das Gemälde zeigt einen dicken Mann mit geschwollenem Gesicht und selbstgefälligem Blick. Auch das Porträt Ludwigs XI. ist realistisch. Der Künstler versuchte nicht, seine Modelle irgendwie zu verschönern, er stellte sie genau so dar, wie sie im Leben waren.

Dies belegen die zahlreichen Bleistiftzeichnungen, die den Bildporträts vorausgingen.

Fouquets Meisterwerk war ein um 1450 geschriebenes Diptychon, von dem ein Teil Etienne Chevalier mit St. Stephanus, und auf der anderen - die Madonna mit dem Jesuskind. Maria besticht durch ihre Anmut und ruhige Schönheit. Die blassen Körper der Madonna mit Kind, das graublaue Kleid und das Hermelingewand Mariens stehen in scharfem Kontrast zu den leuchtend roten Figuren der Engelchen, die den Thron umgeben. Klare Linien, lakonische und strenge Farbgebung des Bildes verleihen dem Bild Feierlichkeit und Ausdruckskraft.

Die Bilder des zweiten Teils des Diptychons zeichnen sich durch die gleiche strenge Klarheit und innere Tiefe aus. Seine Charaktere sind nachdenklich und ruhig, ihre Blicke spiegeln strahlende Charakterzüge wider. Stefan steht frei und einfach da, dargestellt als reale Person, nicht als Heiliger. Seine Hand ruht gönnerhaft auf der Schulter des leicht gefesselten Etienne Chevalier, der vom Künstler im Moment des Gebets dargestellt wird.

Chevalier ist ein Mann mittleren Alters mit einem faltigen Gesicht, einer Hakennase und einem strengen Blick in kleinen Augen. So sah er wahrscheinlich im wirklichen Leben aus. Wie das Bild mit der Madonna zeichnet sich dieser Teil des Diptychons durch die Integrität der Komposition, den Reichtum und die Klangfülle der Farben aus, die auf roten, goldenen und violetten Farbtönen basieren.

Einen großen Platz im Werk von Fouquet nehmen Miniaturen ein. Diese Werke des Künstlers sind den Werken der Brüder Limburg sehr ähnlich, stellen aber die Welt um sie herum realistischer dar.

Fouquet schuf wunderbare Illustrationen für die „Großen Französischen Chroniken“ (Ende der 1450er Jahre), Etienne Chevaliers Stundenbuch (1452-1460), Boccaccios „Romane“ (um 1460), „Jüdische Altertümer“ von Josephus Flavius ​​​​(um 1470). ). In Miniaturen, die religiöse, antike Szenen oder das italienische Leben darstellen, werden zeitgenössische französische Städte mit ruhigen Straßen und großen Plätzen, Wiesen, Hügeln, Flussufern der schönen Heimat des Malers, wunderbare architektonische Denkmäler Frankreichs erraten, darunter die Kathedrale Notre Dame, Saint- Kapelle.

Miniaturen zeigen fast immer menschliche Figuren. Fouquet stellte gerne Szenen aus dem bäuerlichen, städtischen und höfischen Leben dar, Episoden der Schlachten des kürzlich beendeten Krieges. Auf einigen Miniaturen sind Porträts von Zeitgenossen des Künstlers zu sehen („Darstellung Unserer Lieben Frau von Etienne Chevalier“).

Fouquet ist ein talentierter Chronist, seine Werke beschreiben historische Ereignisse mit erstaunlicher Genauigkeit, Detailtreue und Wahrheit. So auch die Miniatur „Der Prozess des Herzogs von Alençon im Jahr 1458“, die mehr als zweihundert Zeichen auf einem Blatt darstellt. Trotz der großen Anzahl von Figuren verschmilzt das Bild nicht und die Komposition bleibt klar und klar. Die Figuren im Vordergrund wirken besonders lebendig und natürlich – die Stadtbewohner, die den Hof anstarren, die Wachen, die den Druck der Menge zurückhalten. Die Farblösung ist sehr erfolgreich: Der zentrale Teil der Komposition wird durch den blauen Hintergrund des Teppichs hervorgehoben, der den Gerichtsplatz bedeckt. Andere Teppiche mit wunderschönen Ornamenten, Gobelins und Pflanzen unterstreichen die Ausdruckskraft der Miniatur und verleihen ihr eine besondere Schönheit.

Fouquets Werke zeugen von der Fähigkeit ihres Autors, Raum meisterhaft zu vermitteln. Beispielsweise seine Miniatur „St. Martin“ (Etienne Chevaliers Stundenbuch) stellt Brücke, Damm, Häuser und Brücken so genau und zuverlässig dar, dass es leicht ist, das Erscheinungsbild von Paris zur Zeit Karls VII. wiederherzustellen.

Viele von Fouquets Miniaturen zeichnen sich durch subtile Lyrik aus, die dank der poetischen und ruhigen Landschaft entsteht (das Blatt „David erfährt vom Tod Sauls“ aus „Jüdische Altertümer“).

Fouquet starb zwischen 1477-1481. Zu Lebzeiten sehr beliebt, geriet der Künstler schnell in Vergessenheit bei seinen Landsleuten. Seine Kunst fand erst viele Jahre später, Ende des 19. Jahrhunderts, eine würdige Würdigung.

Einer der berühmtesten Künstler des späten 15. Jahrhunderts. war Jean Clouet der Ältere, auch bekannt als der Meister von Moulin. Bis 1475 arbeitete er in Brüssel und zog dann nach Moulin. Um 1498-1499 Jean Clouet der Ältere führte sein bedeutendstes Werk auf – ein Triptychon für die Kathedrale von Moulin, auf dessen Mittelflügel die Szene „Unsere Liebe Frau in Herrlichkeit“ dargestellt ist, und auf der Seite – Porträts von Kunden mit Schutzheiligen.

Der mittlere Teil zeigt die Madonna mit Kind, über deren Haupt Engel eine Krone halten. Wahrscheinlich wurde Clouet für das Bild von Mary von einem französischen Mädchen modelliert, zerbrechlich und hübsch. Gleichzeitig verleihen die Abstraktheit der Absicht des Autors, dekorative Effekte (konzentrische Kreise um Maria, Engel, die eine Girlande an den Rändern der Leinwand bilden) dem Werk eine gewisse Ähnlichkeit mit gotischer Kunst.

Von großem Interesse sind die wunderschönen Landschaften, die Jean Clouet der Ältere in Kompositionen mit religiösen Themen einfügt. Neben den Heiligenfiguren in diesen Werken befinden sich Porträtbilder von Kunden. Auf dem Gemälde „Geburt Christi“ (1480) zum Beispiel ist rechts neben Maria der Kanzler Rolen zu sehen, der gebeterfüllt die Hände gefaltet hat.

In der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. Simon Marmion arbeitete auch in Frankreich, der eine Reihe von Altarkompositionen und Miniaturen aufführte, unter denen sein berühmtestes Werk Illustrationen für die Great French Chronicles sind, und Jean Bourdichon, ein Porträtmaler und Miniaturist, der wunderbare Miniaturen für Anna of Bretons Book of schuf Std.

Der größte Künstler dieser Zeit war Jean Perreal, der die Lyoner Malschule leitete. Er war nicht nur Künstler, sondern auch Schriftsteller, Architekt und Mathematiker. Sein Ruhm ging über Frankreich hinaus und breitete sich nach England, Deutschland und Italien aus. Perreal diente bei König Karl VIII. und Franz I., in Lyon bekleidete er die Stelle eines Bausachverständigen. Eine Reihe seiner Porträtarbeiten sind erhalten geblieben, darunter ein Porträt von Mary Tudor (1514), Louis XII, Charles VIII. Eines der besten Werke von Perreal ist das charmante und poetische Mädchen mit einer Blume. Interessant sind auch seine Gemälde der Kathedrale von Puy, auf denen der Künstler neben religiösen und antiken Bildern Porträts französischer Humanisten platzierte, unter denen das Bild von Erasmus von Rotterdam hervorsticht.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Frankreich war der größte (nach Fläche und Bevölkerung) Staat in Westeuropa. Zu dieser Zeit hatte sich die Lage der Bauern etwas gemildert, und die ersten kapitalistischen Produktionsformen waren entstanden. Aber die französische Bourgeoisie hat noch nicht das Niveau erreicht, um Machtpositionen im Land einzunehmen, wie es in den italienischen Städten im XIV-XV Jahrhundert der Fall war.

Diese Ära war nicht nur durch Veränderungen in der Wirtschaft und Politik Frankreichs gekennzeichnet, sondern auch durch die weite Verbreitung humanistischer Ideen der Renaissance, die in der Literatur am umfassendsten in den Schriften von Ronsard, Rabelais, Montaigne und Du Bellay vertreten waren. Montaigne zum Beispiel betrachtete die Kunst als das wichtigste Mittel zur Erziehung eines Menschen.

Wie in Deutschland war die Entwicklung der Kunst eng mit der Reformbewegung gegen die katholische Kirche verbunden. An dieser Bewegung nahmen die mit ihrer Stellung unzufriedenen Bauern, die städtische Unterschicht und die Bourgeoisie teil. Nach langem Kampf wurde er unterdrückt, der Katholizismus behielt seine Stellung. Obwohl die Reformation nur einen geringen Einfluss auf die Kunst hatte, drangen ihre Ideen in das Umfeld humanistischer Künstler ein. Viele französische Maler und Bildhauer waren Protestanten.

Die Zentren der Renaissancekultur waren Städte wie Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, Lyon. König Franz I. spielte eine wichtige Rolle bei der Verbreitung von Renaissance-Ideen und lud französische Künstler, Dichter und Wissenschaftler an seinen Hof ein. Mehrere Jahre arbeiteten Leonardo da Vinci und Andrea del Sarto am Königshof. Um die Schwester von Franziskus, Margherita von Navarra, die sich mit literarischen Aktivitäten beschäftigte, schlossen sich Dichter und humanistische Schriftsteller zusammen, um neue Ansichten über Kunst und Weltordnung zu fördern. In den 1530er Jahren in Fontainebleau gründeten die italienischen Manieristen eine Schule weltlicher Malerei, die die Entwicklung der französischen bildenden Kunst maßgeblich beeinflusste.

Ein wichtiger Ort in der Malerei Frankreichs in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. beschäftigte die Kunst der Künstler Giovanni Battista Rosso, Niccolò del Abbate und Francesco Primaticcio, die aus Italien eingeladen wurden, um den königlichen Palast in Fontainebleau zu malen. Den zentralen Platz in ihren Fresken nahmen mythologische, allegorische und historische Themen ein, darunter Bilder nackter weiblicher Figuren, die in den Gemälden der französischen Meister dieser Zeit nicht zu finden waren. Die raffinierte und elegante, wenn auch etwas gesittete Kunst der Italiener hatte einen großen Einfluss auf viele französische Künstler, die die Schule von Fontainebleau hervorbrachten.

Von großem Interesse ist die Porträtkunst dieser Zeit. Französische Porträtmaler führten die besten Traditionen der Meister des 15. Jahrhunderts fort, allen voran Jean Fouquet und Jean Clouet d. Ä.

Porträts waren nicht nur am Hof ​​weit verbreitet, Bleistiftbilder dienten in vielen französischen Familien als moderne Fotografien. Diese Zeichnungen zeichneten sich oft durch ihre Virtuosität der Leistung und Zuverlässigkeit in der Übertragung menschlicher Charaktereigenschaften aus.

Bleistiftporträts waren in anderen europäischen Ländern beliebt, zum Beispiel in Deutschland und den Niederlanden, aber dort spielten sie die Rolle einer Skizze, die dem Bildporträt vorausging, und in Frankreich wurden solche Arbeiten zu einer eigenständigen Gattung.

Der größte französische Porträtist dieser Zeit war Jean Clouet der Jüngere.

Jean Clouet der Jüngere

Jean Clouet der Jüngere, Sohn von Jean Clouet dem Älteren, wurde c geboren. 1485 Vater wurde sein erster Mallehrer. Über das Leben des Künstlers gibt es nur wenige Informationen, es ist nur bekannt, dass Jean Clouet der Jüngere ab 1516 in Tours und ab 1529 in Paris arbeitete, wo er die Position eines Hofmalers innehatte.

Die Porträts von Jean Clouet dem Jüngeren sind erstaunlich authentisch und wahrheitsgetreu. Dies sind die Bleistiftbilder der Höflinge: Diane Poitiers, Guillaume Goufier, Anna Montmorency. Der Künstler malte wiederholt für einige Mitarbeiter des Königs: Drei Porträts von Gaio de Genuillac, einem Teilnehmer an der Schlacht von Marignano, entstanden 1516, 1525 und 1526, zwei Porträts von Marschall Brissac, die auf die Jahre 1531 und 1537 zurückgehen, sind erhalten geblieben dieser Tag. Eines seiner besten Bleistiftporträts ist das Bild des Grafen d'Etan (um 1519), in dem der Wunsch des Meisters, in die Tiefe vorzudringen, spürbar ist.
die innere Welt des Menschen. Bemerkenswert ist auch das Porträt von Erasmus von Rotterdam (1520), überraschend vital und spirituell.

Jean Clouet der Jüngere beherrschte nicht nur den Bleistift, sondern auch den Pinsel. Dies belegen einige bis heute erhaltene Leinwände. Unter ihnen - ein Porträt des Dauphin Francis (ca. 1519), Herzog Claude von Guise (ca. 1525), Louis de Cleves (1530).

Die Bilder sind in den feierlichen Zeremonienporträts der kleinen Charlotte von Frankreich (um 1520) und Franz I. zu Pferd (1540) etwas idealisiert. Von großem Interesse ist das intime Porträt von Madame
Canapel (um 1523), das eine sinnlich schöne Frau mit einem schlauen Lächeln auf ihren zarten Lippen darstellt, und ein einfaches und strenges Porträt einer unbekannten Person mit einem Petrarca-Band in der Hand.

Einige Forscher glauben, dass das Porträt von Franz I., das derzeit im Louvre aufbewahrt wird, dem Pinsel von Jean Clouet dem Jüngeren gehört. Diese Version wird durch eine Zeichnung des Künstlers bestätigt, obwohl es möglich ist, dass er einem der Schüler von Jean Clouet dem Jüngeren (z. B. seinem Sohn Francois Clouet) als Modell diente, um ein malerisches Porträt des Königs zu schaffen.

Das Louvre-Porträt von Franz I. verband Feierlichkeit, Zierlichkeit und den Wunsch, die individuellen Züge des Vorbildes – des Königsritters, wie Franz von seinen Zeitgenossen genannt wurde – widerzuspiegeln. Die Pracht des Hintergrunds und die reiche Ausstattung des Königs, die Brillanz der Accessoires – all das verleiht dem Bild Glanz, überschattet aber nicht die vielfältige Bandbreite menschlicher Gefühle und Charakterzüge, die sich in den Augen des Franziskus ablesen lassen: Betrug, Eitelkeit, Ehrgeiz, Mut. Das Porträt zeigte die Beobachtungsfähigkeit des Künstlers, seine Fähigkeit, genau und wahrheitsgemäß jenes Einzigartige wahrzunehmen, das eine Person von einer anderen unterscheidet.

Jean Clouet der Jüngere starb 1541. Sein Werk (insbesondere seine Zeichnungen) hatte großen Einfluss auf zahlreiche Schüler und Anhänger, unter denen vielleicht der begabteste sein Sohn Francois Clouet war, den Ronsard in seiner „Elegie an Jean“ (Jeans Zeitgenossen nannten alle Vertreter der Familie Clouet) als "die Ehre unseres Frankreichs" bezeichnet.

François Clouet

François Clouet wurde um 1516 in Tours geboren. Er studierte bei seinem Vater Jean Clouet dem Jüngeren und half ihm bei der Erfüllung von Aufträgen. Nach dem Tod seines Vaters vererbte er seine Position als Hofmaler an den König.

Obwohl der Einfluss von Jean Clouet dem Jüngeren sowie italienischen Meistern im Werk von Francois Clouet spürbar ist, zeichnet sich sein künstlerischer Stil durch seine Originalität und seine strahlende Persönlichkeit aus.

Eines der besten Werke von Francois Clouet ist das Gemälde „Die Badende“ (um 1571), das in der Ausführungsweise ein wenig dem Gemälde der Schule von Fontainebleau ähnelt. Gleichzeitig tendiert es im Gegensatz zu den mythologischen Kompositionen dieser Schule zum Porträtgenre. Einige Kunsthistoriker glauben, dass das Gemälde Diana Poitier darstellt, während andere glauben, dass dies die Geliebte von Karl IX., Marie Touchet, ist. Die Komposition enthält Genreelemente: Das Gemälde zeigt eine Frau in einer Badewanne, daneben ein Kind und eine Krankenschwester mit einem Baby im Arm; im hintergrund ist ein mädchen, das wasser zum baden erhitzt. Gleichzeitig erweckt die Leinwand dank einer besonderen kompositorischen Konstruktion und einer klaren Porträtierung in der Interpretation des Bildes einer jungen Frau, die den Betrachter mit einem kalten Lächeln einer brillanten weltlichen Dame ansieht, nicht den Eindruck eines gewöhnlichen Alltags Szene.

Das bemerkenswerte Können von François Clouet manifestierte sich in seiner Porträtarbeit. Seine frühen Porträts erinnern in vielerlei Hinsicht an die Werke seines Vaters Jean Clouet d. In reiferen Werken ist die ursprüngliche Manier des französischen Meisters zu spüren. Obwohl sich diese Porträts größtenteils durch Erhabenheit und Feierlichkeit auszeichnen, hindern die Brillanz der Accessoires und der Luxus von Kostümen und Vorhängen den Künstler nicht daran, dem Betrachter die lebendige Individualität seiner Modelle zu präsentieren.

Mehrere Porträts von Charles IX von François Clouet sind erhalten. In einem frühen Bleistiftporträt von 1559 stellte der Künstler einen selbstzufriedenen Teenager dar, der den Betrachter wichtigtuerisch anblickte. Die Zeichnung von 1561 stellt einen geschlossenen, leicht gehemmten jungen Mann dar, der in ein volles Kleid gekleidet ist. Ein malerisches Porträt, ausgeführt im Jahr 1566, zeigt dem Betrachter Karl IX. in vollem Wachstum. In einer zerbrechlichen Figur und einem blassen Gesicht bemerkte der Künstler die Hauptmerkmale seines Charakters: Unentschlossenheit, Willenslosigkeit, Reizbarkeit, egoistische Sturheit.

Eines der bemerkenswertesten Werke der französischen Kunst des 16. Jahrhunderts. wurde zu einem malerischen Porträt von Elisabeth von Österreich, das um 1571 von François Clouet geschrieben wurde. Das Gemälde zeigt eine junge Frau in einem prächtigen Kleid, das mit funkelnden Juwelen geschmückt ist. Ihr schönes Gesicht ist dem Betrachter zugewandt, und ihre ausdrucksstarken dunklen Augen schauen misstrauisch und ungläubig. Der Reichtum und die Harmonie der Farben machen die Leinwand zu einem wahren Meisterwerk der französischen Malerei.

Auf andere Weise entsteht ein intimes Porträt, in dem Francois Clouet seinen Freund, den Apotheker Pierre Kute, porträtiert
(1562). Der Künstler platzierte den Helden in seiner üblichen Büroumgebung, in der Nähe des Tisches, auf dem das Herbarium liegt. Gegenüber dem Vorgängerwerk zeichnet sich das Bild durch eine zurückhaltendere Farbgebung aus, die auf einer Kombination von Gold-, Grün- und Schwarztönen aufbaut.

Von großem Interesse sind die Bleistiftporträts von Francois Clouet, unter denen das Porträt von Jeanne d'Albret hervorsticht, das ein elegantes junges Mädchen darstellt, in dessen Augen der Betrachter einen starken und entschlossenen Charakter annehmen kann.

Zwischen 1550 und 1560 schuf Francois Clouet viele grafische Porträts, darunter wunderschöne Zeichnungen, die den kleinen Franz II., das lebhafte und charmante Mädchen Margarete von Valois, Maria Stuart,
Gaspard Coligny, Heinrich II. Obwohl einige Bilder etwas idealisiert sind, ist das Hauptmerkmal der Porträts ihr Realismus und ihre Wahrhaftigkeit. Der Künstler verwendet eine Vielzahl von Techniken: Rötel, Aquarell, kleine und leichte Striche.

Francois Clouet starb 1572 in Paris. Seine Kunst hatte einen großen Einfluss auf zeitgenössische Künstler und Grafiker sowie französische Meister der nächsten Generationen.

Der in Lyon tätige Cornel de Lyon war ein ausgezeichneter Porträtmaler, der subtile und vergeistigte Frauenbilder malte („Portrait of Beatrice Pacheco“, 1545; „Portrait of Queen Claude“), die sich durch ihre fast miniaturistische Ausführung und feine Glasur auszeichneten und klangvolle Farben.

Einfache und aufrichtige Kinder- und Männerporträts von Corneille de Lyon zeichnen sich durch die Fähigkeit aus, die Tiefe der inneren Welt des Modells, die Wahrhaftigkeit und Natürlichkeit von Posen und Gesten zu offenbaren („Portrait of a Boy“, „Portrait of an Unknown Mann mit schwarzem Bart“).

Ab Mitte des 16. Jahrhunderts. In Frankreich arbeiteten talentierte Meister der Bleistiftporträts: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, die die Traditionen des berühmten Francois Clouet fortsetzten. Hervorragende Porträtmaler, die in grafischer Technik arbeiteten, waren die Brüder Etienne und Pierre Dumoustier.

Der Beginn der französischen Renaissance geht auf die Mitte des 15. Jahrhunderts zurück. Ihm ging der Prozess der Bildung der französischen Nation und der Bildung eines Nationalstaates voraus. Auf dem königlichen Thron der Vertreter der neuen Dynastie - Valois. Die Feldzüge der französischen Könige in Italien führten die Künstler in die Errungenschaften der italienischen Kunst ein. Gotische Traditionen und niederländische Kunsttendenzen werden von der italienischen Renaissance verdrängt. Die französische Renaissance hatte den Charakter einer höfischen Kultur, deren Grundsteine ​​von Königen und Gönnern gelegt wurden, beginnend mit Karl V.

Jean Fouquet (1420-1481), der Hofmaler Karls VII. und Ludwigs XI., gilt als der größte Schöpfer der Frührenaissance. Er wird auch der große Meister der französischen Renaissance genannt. Er war der erste in Frankreich, der konsequent die ästhetischen Prinzipien des italienischen Quattrocento verkörperte, die vor allem eine klare, rationale Sicht der realen Welt und ein Verständnis der Natur der Dinge durch die Kenntnis ihrer inneren Gesetze voraussetzten. Der größte Teil von Fouquets kreativem Vermächtnis besteht aus Miniaturen aus den Stundenbüchern. Darüber hinaus malte er Landschaften, Porträts, Gemälde zu historischen Themen. Fouquet war der einzige Künstler seiner Zeit, der eine epische Vision der Geschichte hatte, deren Größe der Bibel und der Antike entspricht.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts entwickelte sich Frankreich zum größten absolutistischen Staat Westeuropas. Der königliche Hof wird zum Zentrum des kulturellen Lebens, und die ersten Kenner und Kenner der Schönheit sind die Höflinge und das königliche Gefolge. Unter Franz I., einem Bewunderer des großen Leonardo da Vinci, wird die italienische Kunst zur offiziellen Mode. Die italienischen Manieristen Rosso und Primaticcio gründeten 1530 auf Einladung von Margherita von Navarra, der Schwester von Franz I., die Schule von Fontainebleau. Mit diesem Begriff wird üblicherweise die Richtung in der französischen Malerei bezeichnet, die im 16. Jahrhundert im Schloss von Fontainebleau entstand. Darüber hinaus wird es in Bezug auf Werke zu mythologischen Themen verwendet, die manchmal üppig sind, und in komplizierten Allegorien, die von unbekannten Künstlern geschaffen wurden und auch auf Manierismus zurückgehen. Die Fontainebleau-Schule wurde berühmt für die Schaffung majestätischer dekorativer Gemälde der Schlossensembles.

Im 16. Jahrhundert wurden die Grundlagen der französischen Literatursprache und des Hochstils gelegt. Der französische Dichter Joashen du Bellay (ca. 1522-1560) veröffentlichte 1549 ein Programmmanifest „Schutz und Verherrlichung der französischen Sprache“. Er und der Dichter Pierre de Ronsard (1524–1585) waren die prominentesten Vertreter der französischen Dichterschule der Renaissance – der Plejaden, die ihr Ziel darin sahen, die französische Sprache auf eine Stufe mit den klassischen Sprachen zu heben \u200bGriechisch und Latein. Die Dichter der Plejaden konzentrierten sich auf die antike Literatur.

Zu den prominenten Vertretern der französischen Renaissance gehörte auch der französische humanistische Schriftsteller Francois Rabelais (1494-1553). Sein satirischer Roman „Gargantua und Pantagruel“ ist ein enzyklopädisches Monument der französischen Renaissancekultur. Die Arbeit basierte auf Volksbüchern über Riesen, die im 16. Jahrhundert verbreitet waren (die Riesen Gargantua, Pantagruel, der Wahrheitssucher Panurge). Rabelais lehnt mittelalterliche Askese, Einschränkung der geistigen Freiheit, Heuchelei und Vorurteile ab und offenbart in den grotesken Bildern seiner Helden die humanistischen Ideale seiner Zeit.

Der große humanistische Philosoph Michel de Montaigne (1533-1592) setzte der kulturellen Entwicklung Frankreichs im 16. Jahrhundert ein Ende. Das von freiem Denken und einer Art skeptischem Humanismus geprägte Essaybuch stellt eine Reihe von Urteilen über alltägliche Sitten und Prinzipien menschlichen Verhaltens unter verschiedenen Umständen dar. Montaigne teilt die Idee des Vergnügens als Ziel der menschlichen Existenz und interpretiert sie im epikureischen Geist – indem er alles akzeptiert, was dem Menschen von der Natur freigesetzt wird.

Französische Kunst des XVI-XVII Jahrhunderts. basierend auf den Traditionen der französischen und italienischen Renaissance. Fouquets Gemälde und Zeichnungen, Goujons Skulpturen, Schlösser aus der Zeit Franz I., das Schloss Fontainebleau und der Louvre, Ronsards Poesie und Rabelais’ Prosa, Montaignes philosophische Experimente – alles trägt die Prägung eines klassischen Formverständnisses, strenger Logik, Rationalismus und ein entwickeltes Gefühl der Anmut.

Französische Renaissance des 16. Jahrhunderts