Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

35. Gedicht von Li-si Li-si, die 30 Jahre lang auf dem Berg Tsu-hu diente, schrieb ein Gedicht: Dreißig Jahre lang lebte ich auf dem Berg Tsu-hu. Zweimal am Tag nahm ich einfache Nahrung zu mir, um meinen Körper zu ernähren , Ich bestieg Berge und kehrte zurück, um seinen Körper zu trainieren, Keiner meiner Zeitgenossen

Unterschiedliche Kunstarten existieren nicht in absoluter Isolation – sie leihen sich nicht nur Themen und Handlungsstränge, sondern auch Konzepte. In der Musik hat sich ein Begriff etabliert, der aus der Literatur stammt – ein Gedicht. Was sind musikalische Gedichte und wann ist diese Gattung entstanden?

Gedichte in der Musik sind anders - und das erste in der Zeit des Auftretens ist ein symphonisches Gedicht. Ihr „Vater“ gilt als ungarischer Komponist der Romantik, aber natürlich hat er kein neues Genre von Grund auf geschaffen. Als unmittelbarer Vorläufer der symphonischen Dichtung kann die Ouvertüre gelten, die im 19. Jahrhundert einen wichtigen Schritt in ihrer Entwicklung machte, indem sie sich von der Aufführung löste. Natürlich entstanden noch Ouvertüren zu Opern- und Schauspielaufführungen, aber daneben entstanden - mit der leichten Hand von Felix Mendelssohn-Bartholdy - Konzertouvertüren, von denen es wirklich nur einen Schritt bis zur symphonischen Dichtung gab, und dieser Schritt wurde getan Franz Liszt ... Wie es dazu kam? Es ist ganz einfach – er nannte die 1849 geschriebene Tasso-Ouvertüre eine symphonische Dichtung und nannte anschließend alle seine einsätzigen symphonischen Werke, von denen er eine ganze Reihe schuf – nur dreizehn Werke.

Die symphonischen Dichtungen von Franz Liszt werden uns helfen zu verstehen, wie sich ein Gedicht von einer Ouvertüre unterscheidet und was Liszt davon abgehalten hat, seine Kompositionen weiterhin Ouvertüren zu nennen. Beide gehören zum Bereich der Programmmusik, also solcher Musik, deren Inhalt sich in verbaler Form konkretisiert. Aber schon das Konzept der Ouvertüre spiegelt ihre "Vergangenheit" wider - ihre Verbindung mit dem Bühnenwerk, das sie öffnen kann (oder im Prinzip könnte) - schließlich schuf Liszt auch "Tasso" ursprünglich als Orchestereinleitung zur Inszenierung der Tragödie „Torquato Tasso“ von Johann Wolfgang Goethe. Aber schauen wir uns andere Liszt-Gedichte genauer an: „Preludes“ nach einem Gedicht des französischen Dichters Alphonse de Lamartine, „Mazepa“ nach einem Gedicht von Victor Hugo – diese literarischen Werke sind nicht inszeniert, sie werden nur gelesen, und sie können sicher nicht durch eine Orchestereinleitung „eröffnet“ werden! Darüber hinaus ist dies unmöglich für das Fresko, das Liszt dazu inspirierte, die Schlacht der Hunnen zu schaffen. So nahm die symphonische Dichtung, die ein literarisches Programm hat, von Anfang an nur eine konzertante Aufführung an. Gleichzeitig war das Vorhandensein eines Programms Pflicht – List entlehnte den Begriff nicht zufällig dem Arsenal der Literatur.

Die charakteristischen Merkmale einer symphonischen Dichtung sind also programmatische, einstimmige und konzertante Aufführung (außerhalb des Theaters). Aber sie hat sich – beginnend mit den Gedichten – auch spezifische Züge der Form angeeignet. Wir können sagen, dass in ihrer Form die Merkmale von Sonate und Zyklizität miteinander verschmolzen sind – als ob die Sonatenform „gewachsen“ wäre und andere Teile des Sonaten-Symphonie-Zyklus (langsamer Satz, Scherzo, Finale) „aufgesogen“ hätte. Das Verhältnis der Abschnitte einer symphonischen Dichtung ähnelt einem Vergleich von Themen und Abschnitten einer Sonatenform - aber jedes von ihnen ist vollständiger und eigenständiger, was die Abschnitte den Teilen einer Symphonie näher bringt. Wenn es in der Sonatenform immer drei Abschnitte gibt - Exposition, Durchführung und Reprise -, dann kann es in einer symphonischen Dichtung mehr Abschnitte geben, und in dieser Hinsicht ist der Komponist freier, und diese Form ist viel bequemer für die Verkörperung einer bestimmten Handlung .

Liszt legte den Grundstein für die Gattung der symphonischen Dichtung, die Initiative wurde von anderen romantischen Komponisten ergriffen. schuf die Gedichte "Richard III", "Camp Wallenstein", verherrlichte aber insbesondere seinen Gedichtzyklus "Meine Heimat". Symphonische Gedichte wurden von Camille Saint-Saëns geschaffen: „Der Spinnrocken von Omala“, „Phaeton“, „Jugend des Herkules“ und der berühmteste – „Tanz des Todes“. Einen wichtigen Platz nimmt in seinem Schaffen die Gattung der symphonischen Dichtung ein: „Don Juan“, „Also sprach Zarathustra“, „Til Ulenspiegel“ – dies sind nur einige seiner Gedichte. Bemerkenswert ist, dass wir bei Strauss jene Formzeichen nicht mehr finden werden, die seit Liszt mit dem Gedicht in Verbindung gebracht werden – der Komponist wählt die Form, die für die entsprechende Handlung am besten geeignet ist: Sonaten-Allegro in Don Giovanni, Variationen in Don Quijote, Kombination aus Rondo und Variationen in „Thiel Ulenspiegel“.

Russische Komponisten schufen auch symphonische Gedichte, und vor allem an Alexander Nikolaevich Scriabin wird mit seinem "Gedicht der Ekstase" und "Prometheus" ("Gedicht des Feuers") erinnert. Scriabin hat jedoch auch andere Gedichte - Pianoforte ("The Satanic Poem", das Gedicht "To the Flame"). Das Gedicht für das Soloinstrument kann als direkter Nachfahre der symphonischen Dichtung angesehen werden.

Schließlich wurde die Definition von „Gedicht“ im zwanzigsten Jahrhundert auf einige Chorwerke angewendet – wie zum Beispiel „Zehn Chorgedichte“ oder das Chorgedicht „Ladoga“. Es ist bemerkenswert, dass eine seiner Kantaten Sviridov den Titel "Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin" gab.

Alle Rechte vorbehalten. Kopieren ist verboten.

(Literatur und Malerei, seltener - Philosophie oder Geschichte; Naturbilder). Eine symphonische Dichtung zeichnet sich durch die freie Entwicklung des musikalischen Materials aus und kombiniert verschiedene Gestaltungsprinzipien, meistens Sonate und Monothematismus mit Zyklizität und Variation.

Die Entstehung der symphonischen Dichtung als Gattung ist vor allem mit dem Namen Franz Liszt verbunden, der in - Jahren 12 Werke dieser Form geschaffen hat. Einige Forscher verweisen jedoch auf die Arbeit von Cesar Franck in Bezug auf die Stadt „Was auf dem Berg gehört wird“ (fr. Ce qu "on entend sur la montagne ), basierend auf einem Gedicht von Victor Hugo und vorangegangen Liszts auf der gleichen Grundlage; Franks Gedicht blieb jedoch unvollendet und unveröffentlicht, und der Komponist wandte sich erst viel später wieder dieser Gattung zu. Liszts unmittelbarer Vorgänger ist Felix Mendelssohn, insbesondere seine Hebriden-Ouvertüre (-).

Nach Liszt arbeiteten viele andere Komponisten in diesem Genre - M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glazunov, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov, S. S. Prokofjew, P. I. Tschaikowsky, M. K. Chiurlionis, A. Schönberg, E. Shosson, D. D. Schostakowitsch, R. Strauss, J. Enescu und andere.

Auch andere Gattungen – Symphonie, Konzert, Gedicht, Sonate – wurden von der symphonischen Dichtung beeinflusst.

Schreiben Sie eine Rezension zum Artikel "Sinfonische Dichtung"

Ein Auszug, der die Sinfonische Dichtung charakterisiert

Symphonisches Gedicht(deutsche symphonische Dichtung, französisches poete symphonique, englisches symphonisches Gedicht, italienisches poeta sinfonica) ist eine einteilige Software-Symphonie. Arbeit. Die Gattung S. p. wurde im Werk von F. Liszt vollständig entwickelt. Der Name selbst stammt von ihm. "S. p." Zum ersten Mal gab Liszt es 1854 mit seiner 1849 geschriebenen Tasso-Ouvertüre, nach der er bekannt wurde als. S. p. all ihre einstimmigen Programmsymphonien. Aufsätze. Name "S. p." zeigt eine Verbindung in dieser Art von Produkt an. Musik und Poesie - wie im Sinne der Umsetzung der Handlung des einen oder anderen lit. Kompositionen, und im Sinne der Ähnlichkeit von S. p. mit dem gleichen Namen. Genre der Poesie. Klage. S. p. ist die wichtigste. Art Symbol. Programmmusik. Werke wie S. p. bekommen manchmal andere Namen - symphonische Fantasie, Symphonie. Legenden, Balladen usw. Schließen Sie S. p., aber mit einem bestimmten. Merkmale der Vielfalt der Programmmusik - Ouvertüre und symphonisches Bild. DR. die wichtigste Art von Sinfonie. Programmmusik ist eine Programmsymphonie, die ein Zyklus aus 4 (und manchmal 5 oder mehr) Teilen ist.

13 S. p. sind auf einem Blatt notiert, die bekanntesten davon sind Preludes (nach A. Lamartine, um 1848, letzte Ausgabe 1854), Tasso (nach I. V. Goethe), Orpheus (1854), „Battle of die Hunnen“ (nach dem Gemälde von W. Kaulbach, 1857), „Ideale“ (nach F. Schiller, 1857), „Hamlet“ (nach W. Shakespeare, 1858). In Lisztian S. werden Gegenstände frei kombiniert dekomp. Strukturen, Merkmale dekomp. Instr. Genres. Besonders charakteristisch für sie ist die Kombination in einstimmigen Zügen von Sonaten-Allegro und Sonatensymphonie. Kreislauf. Hauptsächlich Teil des Symbols Ein Gedicht besteht normalerweise aus einer Reihe verschiedener Episoden, To-Rye entspricht vom Standpunkt des Sonatenallegros aus Ch. Teil, Seitenteil und Durchführung, und aus der Sicht des Zyklus - der erste (schnelle), zweite (lyrische) und dritte (Scherzo) Teil. Schließt die Produktion ab. die Wiederkehr in komprimierter und bildlich transformierter Form der vorherigen Episoden, ähnlich in ihrer Ausdruckskraft, die der Reprise aus der Sicht des Sonatenallegros und dem Finale aus der Sicht des Zyklus entspricht. Im Vergleich zum üblichen Sonaten-Allegro sind die Episoden von S. p. eigenständiger und innerlich abgeschlossen. Die komprimierte Rückführung am Ende des gleichen Materials erweist sich als starkes Formfixierungsmittel. In S. p. kann der Kontrast zwischen den Episoden schärfer sein als in Sonata Allegro, und es kann selbst mehr als drei Episoden geben. Dies gibt dem Komponisten mehr Freiheit, Programmideen umzusetzen, verschiedene darzustellen Arten von Geschichten. In Verbindung mit dieser Art von "synthetisch". Strukturen List oft angewandt das Prinzip der Monothematik - alles DOS. Themen entpuppen sich in diesen Fällen als freie Varianten desselben Leitthemas oder derselben Thematik. Ausbildung. Das Prinzip des Monothematismus bietet ergänzend. Befestigung der Form, jedoch nacheinander. Anwendung kann zu Intonation führen. Verarmung des Ganzen, da die Transformation primär rhythmisch ist. Zeichnung, Harmonisierung, Textur der Begleitstimmen, aber nicht Intonation. Themenskizzen.

Die Voraussetzungen für die Entstehung der Gattung S. p. lassen sich über viele Jahrzehnte zurückverfolgen. Versuche, die Teile der Sonatensymphonie strukturell zusammenzufügen. Zyklen wurden bereits vor Liszt durchgeführt, obwohl sie oft auf "externe" Methoden der Vereinigung zurückgriffen (z. B. die Einführung von Verbindungskonstruktionen zwischen getrennten Teilen des Zyklus oder den Übergang von Attaca von einem Teil zum nächsten). Der eigentliche Anreiz für eine solche Vereinigung ist mit der Entwicklung von Programmmusik verbunden, mit der Offenlegung in der Produktion. einzelnes Grundstück. Lange vor Liszt erschienen auch Sonaten und Symphonien. Zyklen, die zum Beispiel Merkmale des Monothematismus aufwiesen. Sinfonien, os. die themen aller teile to-rykh enthüllten intonational, rhythmisch. usw. Einheit. Eines der frühesten Beispiele einer solchen Symphonie war Beethovens 5. Symphonie. Die Gattung, auf deren Grundlage die Entstehung von S. p. erfolgte, ist die Ouvertüre. Erweiterung des Anwendungsbereichs, verbunden mit Programmideen, App. thematisch Enrichment machte aus der Ouvertüre nach und nach eine S. p. Wichtige Meilensteine ​​auf diesem Weg gibt es viele. Ouvertüren von F. Mendelssohn. Es ist bezeichnend, dass Liszt auch seine frühen S. p. als Ouvertüre zu c.-l. zündete. prod., und anfangs trugen sie sogar den Namen. Ouvertüren ("Tasso", "Prometheus").

Nach Liszt wenden sich auch andere westeuropäische Künstler dem Genre S. p. Komponisten, Vertreter verschiedener Nat. Schulen. Unter ihnen - B. Smetana ("Richard III", 1858; "Camp Wallenstein", 1859; "Gekon Jarl", 1861; bestehend aus 6 S. p. Zyklus "My Motherland", 1874-70), K. Sen - Sans („Omphalas Spinnrocken“, 1871; „Phaeton“, 1873; „Totentanz“, 1874; „Jugend des Herkules“, 1877), S. Frank („Zolides“, 1876; „Genies“, 1885; „Psyche " , 1886, mit Chor), X. Wolf ("Pentesilea", 1883-85).

Die wichtigste Etappe in der Entwicklung des Genres S. p. in Westeuropa. Die Kunst ist mit dem Werk von R. Strauss verbunden, dem Autor von 7 S. p. Die bedeutendsten von ihnen sind Don Juan (1888), Tod und Erleuchtung (1889), Til Ulenspiegel (1895), Also sprach Zarathustra "( 1896), "Don Quijote" (1897). Neben Kunst. S.-Zeichen und. habe auch seine Sinfonie. Fantasien „Aus Italien“ (1886), „Heimsinfonie“ (1903) und „Alpensymphonie“ (1915). Erstellt von R. Strauss S. und. zeichnet die Helligkeit, "Prunkhaftigkeit" von Bildern, den meisterhaften Umgang mit den Möglichkeiten des Orchesters aus - sowohl expressiv als auch bildhaft. R. Strauss hält sich nicht immer an das typische Strukturschema von Liszts musikalischen Kompositionen, so liegt seinem Don Giovanni das Sonaten-Allegro-Schema zugrunde, der Untertitel des Werks lautet „symphonische Variationen über ein Thema ritterlichen Charakters“).

Nach R. Strauss, Vertretern anderer nat. Schulen. J. Sibelius schuf eine Reihe von S. p., aber die Motive von Nar. Flosse. Epos "Kalevala" ("Saga", 1892; "Kullervo", 1892; das letzte - "Tapiola" bezieht sich auf 1925). 5 S. p. wurde 1896 von A. Dvorak geschrieben (Water, Noon, Golden Spinning Wheel, Dove, Heroic Song).

Im 20. Jahrhundert Ausland, zusätzlich zu J. Sibelius, Prod. Nur wenige Komponisten haben das Genre der musikalischen Komposition geschaffen: B. Bartok (Kossuth, 1903), A. Schönberg (Pelléas et Melisande, 1903), E. Elgar (Falstaff, 1913) und M. Reger (4 S. Artikel basierend auf der Gemälde von Böcklin, 1913), O. Respighi (Trilogie: The Fountains of Rome, 1916; The Pines of Rome, 1924; Holidays of Rome, 1929). S. p. in Westeuropa. Musik wird intern modifiziert; es verliert die Züge der Handlung und nähert sich allmählich der Symphonik. Bild. Oft geben Komponisten in diesem Zusammenhang ihr Programm Sinfonie. Prod. neutralere Namen (Präludium „Nachmittag eines Fauns“, 1895, und 3 symphonische Skizzen „Das Meer“, 1903, Debussy; „symphonische Sätze“ „Pacific 231“, 1922, und „Rugby“, 1928, Honegger usw.) .

Rus. Komponisten haben viele geschaffen Kompositionen des S. p.-Typs, obwohl sie diesen Begriff nicht immer zur Definition ihres Genres verwendeten. Unter ihnen sind M. A. Balakirev (S. p. „Rus“, 1887, in der 1. Auflage von 1862 als Ouvertüre „Tausend Jahre“ bezeichnet; „Tamara“, 1882), P. I. Tschaikowsky (S. p. „Fatum“, 1868 ; Ouvertüre-Fantasie „Romeo und Julia“, 1869, 3 ", 1891), N. A. Rimsky-Korsakov ("Märchen", 1880), A. K. Glasunow ("Stenka Razin", 1885), A. N. Skrjabin ("Träume", 1898; "Gedicht der Ekstase", 1907; "Gedicht des Feuers “, oder „Prometheus“, mit Klavier und Chor, 1910). Unter den Eulen Zu den Komponisten, die sich dem Genre der musikalischen Komposition zuwandten, gehören A. I. Khachaturian (Symphonie-Gedicht, 1947), K. Karaev (Leyli und Majnun, 1947) und A. A. Muravlev (Azov Mountain, 1949) ), A. G. Svechnikov ("Shchors") , 1949), G. G. Galynin ("Epos", 1950), A. D. Gadzhiev ("Für den Frieden", 1951), V. Mukhatov ("Mein Mutterland", 1951).

Liszt trat in die Geschichte der symphonischen Musik als Schöpfer einer neuen Gattung ein – der einsätzigen symphonischen Dichtung. Sein Name weckt sofort Assoziationen mit der Atmosphäre der Poesie und spiegelt deutlich die Verbindung zwischen Musik und Literatur wider, die Liszts Ästhetik zugrunde liegt (wie Sie wissen, war Liszt einer der überzeugtesten Befürworter der programmatischen Kreativität und der Synthese verschiedener Künste).
Die symphonische Dichtung verkörpert einen bestimmten Programminhalt, manchmal sehr komplex.

12 der 13 sinfonischen Dichtungen Liszts stammen aus der Blütezeit seines Schaffens, als der Komponist Direktor und Dirigent des Weimarer Hoftheaters war.
Die Bandbreite der in Liszts symphonischen Dichtungen verkörperten Bilder ist sehr groß. Es präsentiert Weltliteratur aller Epochen, von antiken Mythen bis hin zu Werken moderner Romantiker. Aber aus der bunten Vielfalt der Handlungsstränge sticht ein ganz spezifisches philosophisches Problem für List deutlich hervor: Das Problem des Sinns des menschlichen Lebens.
Die bekanntesten von Liszts Gedichten waren zwei – „Tasso“ (wo der Komponist sich der Persönlichkeit des bemerkenswerten italienischen Renaissance-Dichters Torquato Tasso zuwandte) und „Preludes“.
„Preludes“ ist Liszts dritte symphonische Dichtung. Namen und Programm entlehnte der Komponist dem gleichnamigen Gedicht des französischen Dichters Lamartine. Liszt weicht jedoch deutlich von der Hauptidee des Gedichts ab, das Reflexionen über die Gebrechlichkeit der menschlichen Existenz gewidmet ist. Er schuf Musik voll heroischen, lebensbejahenden Pathos.
Der Anfang des Gedichts ist sehr charakteristisch für Liszt, der feierliche Einleitungen meist ablehnt und viele Werke leise, wie heimlich beginnt. In den Präludien erwecken die abrupten leisen Klänge der ersten Takte den Eindruck von Mysterium, Rätsel. Dann taucht ein typisch romantisches Motiv der Frage auf, das den „Schlüssel“-Anfangssatz des Programms zum Ausdruck bringt: „Ist unser Leben nicht eine Reihe von Präludien zu einer unbekannten Hymne, deren erste feierliche Note der Tod nehmen wird? , die Frage nach dem Sinn des Lebens. Dieses Motiv spielt die Rolle des thematischen Kerns für alle nachfolgenden Musiken der Komposition.
Aus dem Motiv der Frage erwachsen, aber die Gewissheit der Selbstbestätigung gewinnend, klingt das heroische Hauptthema kraftvoll und feierlich.
Ein Nebenthema ist laut Programmgestaltung das Thema Liebe. Ihr Zusammenhang mit dem Hauptmotiv ist eher indirekt. Mit dem Hauptthema entpuppt sich das Nebenthema in einem bunten, „romantischen“ Verhältnis. Eine besondere Wärme und Aufrichtigkeit wird durch den seitlichen Klang von Hörnern, verdoppelt von Bratschen, verliehen.

Die Liebesidylle des sich entwickelnden Seitenteils wird durch Lebensstürme, Kampfszenen und schließlich eine große Episode pastoraler Natur ersetzt: Der „Held“ sucht im Schoß der Natur Ruhe von den Sorgen des Lebens. All dies weckt Assoziationen mit heftigen Windböen. Die Sturmepisode zeichnet sich durch ihre lebendige bildliche Darstellung aus.
Der nächste Abschnitt – pastoral – ähnelt einem langsamen Teil. Sein Thema, das abwechselnd von verschiedenen Blasinstrumenten gespielt wird, ist insgesamt neu. Aber auch hier, im durchsichtigen Klang pastoraler Melodien, blitzt die „Intonation der Frage“ auf, als könne sich der Held selbst im Schoß der Natur nicht von seinen Zweifeln befreien.
Die weitere Entwicklung des Seitenthemas zielt auf seine Verherrlichung: Es wird immer aktiver, energischer und verwandelt sich in einer dynamischen Reprise in einen Triumphmarsch im punktierten Rhythmus. Dieser marschartigen Version des Seitenthemas ist wiederum ein Verbindungsthema vorangestellt, das ebenfalls seinen verträumten Charakter verliert und in einen jubelnden Appell umschlägt. Die Verherrlichung lyrischer Bilder führt logischerweise zum Höhepunkt des gesamten Werkes – einer kraftvollen Umsetzung des Hauptthemas, die zur heroischen Apotheose des Gedichts wird.

Sinfonische Dichtung „Präludien“

musicike.ru/index.php?id=78

Unter den 12 Gedichten steht „Tasso“ auf Platz 2, was allerdings weder durch die Endzeit noch durch die Erscheinungsreihenfolge des Werkes bestimmt wird. Der Held des Gedichts ist der große italienische Renaissance-Dichter Torquato Tasso, dessen episches Gedicht Jerusalem Delivered im Laufe der Jahrhunderte viele Komponisten inspirierte. Das Schicksal von Tasso ist sehr unklar. Glänzend am Hofe des Herzogs von Ferrara Alfonso II. d'Este landete der Dichter im Alter von 35 Jahren im St. Anna's Hospital - einer Irrenanstalt und gleichzeitig Gefängnis, wo er entweder wegen der Krankheit dorthin gelangt war oder wegen höfischer Intrigen. Die Legende nennt den Grund Gefangenschaftsliebe – die unverschämte, alle Standesgrenzen zerstörende Liebe des Dichters zur Schwester des Herzogs Alphonse Eleonore d'Este. Sieben Jahre später, nachdem er dank der Fürsprache des Papstes aus dem Gefängnis entlassen worden war, wurde Tasso - bereits ein völlig gebrochener Mann - zum größten Dichter Italiens erklärt und mit einem Lorbeerkranz ausgezeichnet, der zuvor nur einmal dem großen Petrarca verliehen wurde.

Sinfonische Dichtung „Tasso“

Der Tod kam jedoch früher, und bei einer feierlichen Zeremonie im römischen Kapitol wurde nur der Sarg des Dichters mit Lorbeeren gekrönt.“ Klage und Triumph: das sind die beiden großen Gegensätze im Schicksal der Dichter, von denen man das mit Recht sagt wenn oft ein Fluch auf ihrem Leben lastet, verlässt der Segen nie ihre Gräber", schrieb Liszt im Programmheft zu diesem dramatischen Gedicht und schilderte alle Wendungen im Leben des Dichters - vom Gefängnis über Liebeserinnerungen bis hin zum wohlverdienten Ruhm.