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« Bate-Seba"- uma pintura do grande artista russo Karl Pavlovich (1799-1852). O quadro foi pintado em 1832. Lona, óleo. Dimensões: 173 x 125,5 cm Localizado na Galeria Estatal Tretyakov, Moscou.

Neste trabalho, Bryullov voltou-se para uma das histórias bíblicas. De acordo com a parábola bíblica, o rei Davi, andando no telhado de seu palácio, viu Bate-Seba tomando banho abaixo, que era a esposa de seu súdito Urias, o hitita. O próprio Urias estava no exército naquela época. A fim de remover a barreira e tomar Bate-Seba como esposa, Davi ordenou ao comandante que colocasse seu marido onde ele seria ameaçado de morte. O rei tomou Bate-Seba como esposa, mas por esse pecado pagou com a vida de seu primogênito, que morreu poucos dias após o nascimento. Bate-Seba tornou-se a mãe do lendário Rei Salomão.

Em sua foto, Karl Bryullov tentou transmitir a beleza cativante de uma garota oriental que nublou a mente do próprio rei, forçando-o a cometer um crime terrível. Bathsheba realiza procedimentos de água no banho, o que, segundo a história, é o início dessa história. A extraordinária brancura de sua pele é impressionante. Para enfatizar ainda mais a ternura e a brancura da pele da futura rainha, Bryullov colocou uma empregada negra ao lado dele. A empregada olha com admiração para sua dona, que parece iluminar todo o ambiente com sua beleza.

A pintura está inacabada. A parte superior da tela está escrita com algum detalhe e precisão, mas na parte inferior podemos ver que Bryullov deixou o trabalho por algum motivo. A água no banho de mármore é apenas indicada, a textura da água não é trabalhada até o fim. No entanto, apesar da incompletude da pintura, "Bathsheba" é considerada uma das melhores obras de pintura de um notável mestre russo.

A pintura "Bathsheba" Bryullov

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Dias de visitas gratuitas ao museu

Todas as quartas-feiras, a entrada para a exposição permanente "A Arte do Século XX" e exposições temporárias em (Krymsky Val, 10) é gratuita para visitantes sem visita guiada (exceto para o projeto "Avant-garde em três dimensões: Goncharova e Malevitch").

O direito de livre acesso às exposições no edifício principal da Lavrushinsky Lane, no Edifício da Engenharia, na Nova Galeria Tretyakov, na casa-museu de V.M. Vasnetsov, apartamento-museu de A.M. Vasnetsov é fornecido nos dias seguintes para certas categorias de cidadãos em ordem geral:

Primeiro e segundo domingo de cada mês:

para estudantes de instituições de ensino superior da Federação Russa, independentemente da forma de educação (incluindo cidadãos estrangeiros-estudantes de universidades russas, estudantes de pós-graduação, adjuntos, residentes, estagiários assistentes) mediante apresentação de carteira de estudante (não se aplica a pessoas apresentação do cartão de estudante estagiário) );

para estudantes de instituições educacionais especializadas secundárias e secundárias (a partir de 18 anos) (cidadãos da Rússia e dos países da CEI). No primeiro e segundo domingos de cada mês, os alunos titulares do cartão ISIC têm o direito de visitar gratuitamente a exposição “Arte do Século XX” na Nova Galeria Tretyakov.

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Observe que as condições de acesso gratuito às exposições temporárias podem variar. Verifique as páginas da exposição para mais detalhes.

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A pintura de Karl Bryullov "Bathsheba" foi escrita em 1832. Sabe-se que o artista trabalhou nessa pintura por mais de quatro anos. Tornou-se uma espécie de resultado das pesquisas criativas de Bryullov na mitologia e na pintura de gênero. Em Bathsheba, a ideia do artista foi realizada para capturar um corpo feminino nu sob os raios do sol poente. Ele admira francamente cada dobra do corpo esbelto de sua heroína, a brancura fosca de sua pele. O contraste de cores usado pelo artista ao retratar uma empregada de pele escura aumenta a impressão.

De acordo com a história bíblica, Bate-Seba tinha uma beleza rara que surpreendeu o rei Davi. Vendo Bate-Seba do telhado do palácio nua quando ela estava se banhando, o rei pegou fogo de paixão e ordenou que Bate-Seba fosse trazida ao palácio. Como resultado de seu relacionamento, Bate-Seba engravidou e o rei se casou com ela, depois de garantir que o marido de Bate-Seba, que estava a serviço do exército de Davi, fosse enviado para participar da "batalha mais poderosa", onde seria atingido cair e morrer. E assim aconteceu... Bate-Seba ocupou o lugar de honra da esposa mais amada do rei, mas tentou ficar nas sombras, embora sua influência sobre o rei, aparentemente, sempre tenha sido grande.

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Karl Bryullov nasceu em uma família alemã russificada. Seu pai era escultor-escultor e pintor de miniaturas. A partir dos 10 anos, durante 12 anos, Karl estudou na Academia de Artes. No final da aula de gênero histórico sob a orientação de Andrei Ivanovich Ivanov em 1821, pela pintura “A Aparição de Três Anjos a Abraão no Carvalho de Mamre”, ele recebeu uma medalha de ouro e recebeu o direito de viajar para o exterior a expensas públicas.

Em 1823-1835 Bryullov trabalhou na Itália.

Seu trabalho mais significativo durante este período foi a pintura "O Último Dia de Pompéia", escrita por Bryullov em três anos e concluída em 1833. As impressões recebidas ao visitar o local de escavação da antiga cidade romana formaram a base do trabalho, que causou sensação nos círculos artísticos tanto na Rússia quanto no exterior.

Bryullov retorna à sua terra natal como um clássico vivo. No futuro, está envolvido em projetos monumentais de design, onde se manifesta como decorador e dramaturgo. Ele criou esboços para os murais do Observatório Pulkovo, esboços e esboços de anjos e santos para a Catedral de Santo Isaac.

Bryullov também deixou em seu legado muitos retratos famosos de pessoas de arte (muitos deles são mantidos na Galeria Tretyakov).

Por motivos de saúde, Karl Bryullov passa os últimos três anos da sua vida na ilha da Madeira e em Itália, país que o ajudou a tornar-se famoso. A última obra-prima do artista foi um retrato de seu velho amigo, o arqueólogo Michelangelo Lanci, criado em 1851.

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Certamente pinturas Karl Pavlovitch Bryullov conhecido por todos da escola. "O Último Dia de Pompéia", "Meio-dia Italiano" e outras telas são permeadas de emoções, sentimentos e expressões reais. Ao contrário de muitos outros artistas, Bryullov não escolheu modelos para si mesmo entre modelos frágeis e mimados. Suas heroínas eram garotas da vida real com todas as suas vantagens e desvantagens. Nem todos os contemporâneos concordaram imediatamente com essa inovação do autor, mas com o tempo Bryullov recebeu reconhecimento mundial e ele próprio começou a ser chamado de "Carlos Magno".

Karl Bryullov nasceu em 1799. Quando criança, ele era um menino muito doente e não saiu da cama por vários anos. Mas este fato não impediu que seu pai, Pavel Brullo, decidisse ensinar seu filho a pintar. Todos os dias a criança recebia tarefas: desenhar animais, pessoas ou motivos naturais. E embora Karl não tenha lidado com a tarefa, ele não recebeu café da manhã.

Aos 10 anos, Karl Brullo foi matriculado na Academia de Artes de São Petersburgo, onde estudou por 12 anos. O menino lidou brilhantemente com qualquer tarefa que lhe foi atribuída e, para isso, em 1822, recebeu uma bolsa de estudos para aposentados por quatro anos, que envolvia estudar na Itália. Antes de partir, Charles recebeu permissão do imperador para adicionar a letra “v” ao seu sobrenome, para que todos pudessem entender de onde o artista veio.

A Itália conquistou o jovem artista. Em 1827, o artista pintou a pintura “Italian Noon”, cujo modelo era uma mulher italiana bastante densa. Na Rússia, essa foto foi recebida com muita frieza, porque não correspondia às tendências da moda da época. Os críticos chamaram o modelo de "desproporcional" e Bryullov deixou a Sociedade Imperial de Incentivo às Artes com um escândalo.

Em 1827, na Itália, Karl Bryullov conheceu a condessa Yulia Pavlovna Samoilova. A artista ficou cativada pela incrível beleza, inteligência e graça mediterrânea desta mulher. A condessa muitas vezes se tornou um modelo para as pinturas de Bryullov. Na pintura “Retrato da Condessa Yu. P. Samoilova, deixando o baile com sua pupila Amalia Pacini”, cores incríveis, pompa de roupas apenas enfatizavam a beleza de sua musa.

Em 1830, Karl Bryullov, juntamente com a Condessa Samoilova, foi para as ruínas de Pompéia e Herculano. Dois anos antes disso, outra erupção do Vesúvio ocorreu, então estava na moda se interessar por arquitetura na época.

Bryullov começou a trabalhar na pintura que o tornou mundialmente famoso por ordem do patrono Anatoly Demidov. Antes de começar a pintar a tela, o artista estudou muitos documentos históricos sobre Pompéia e fez muitos esboços da cena.

Karl Bryullov pintou as pessoas na imagem da forma mais emocional possível. Ele se capturou lá como um artista correndo com materiais de desenho. Yulia Samoilova também pode ser encontrada na tela. Ela é representada ali em três imagens: uma mulher com um jarro na cabeça, uma mãe tentando proteger as filhas e morrendo na calçada.

Em Roma, "O Último Dia de Pompéia" recebeu as críticas mais lisonjeiras, após o que a pintura foi enviada ao Louvre em Paris. Em 1834, a imagem chegou a São Petersburgo, onde criou um verdadeiro alvoroço. O próprio imperador Nicolau I desejava ver a pintura, após o que premiou Karl Bryullov.

Nenhuma pintura menos icônica do pintor foi "Bathsheba". Antes de Bryullov, os artistas russos praticamente não se voltavam para a nudez. Bryullov, inspirado pelo sucesso de O Último Dia de Pompéia, decidiu pintar um quadro em um novo gênero. Ele tomou como base a história bíblica sobre Bate-Seba, a quem o rei Davi viu tomando banho.

Por vários anos, o mestre trabalhou na pintura. Os críticos a chamaram de "voluptuosa e brilhante na cor". O artista percebeu que não poderia transmitir suas intenções ao público e até mesmo uma vez jogou uma bota na imagem. Bryullov não terminou o quadro, os pincéis da beldade permaneceram não escritos. Foi desta forma que "Bathsheba" foi adquirido por um patrono das artes e enviado para a Galeria Tretyakov.

Entre os historiadores da arte, a imagem levanta muitas questões. Os pesquisadores ainda estão discutindo sobre quem é realmente retratado nele.

Karl Briullov. Auto-retrato.
1848. Óleo sobre papelão. 64,1x54.

A herança de retratos de Bryullov dos últimos períodos de São Petersburgo e italiano não é menos valiosa do que Pompéia, que trouxe fama mundial ao artista. O auge no retrato íntimo de Bryullov foi um auto-retrato pintado em 1848 durante uma doença.

O retrato foi feito naquele primeiro dia de primavera, quando os médicos permitiram que Bryullov saísse da cama após uma longa e debilitante doença. Durante sete meses o artista ficou sozinho consigo mesmo, quase todas as visitas foram proibidas pelos médicos. A doença me obrigou a me aposentar. A solidão levou à reflexão concentrada. Um autorretrato é a evidência de como, em uma conversa rígida e preconceituosa consigo mesmo, o artista resume quase meio século de vida. O resultado de pesquisas criativas. Resumo dos pensamentos. Sob a imobilidade externa está o intenso trabalho do pensamento. O retrato foi pintado com grande habilidade e testemunha a poderosa energia criativa que o artista possuía, apesar de sua doença, e as alturas que ele alcançou na posse de todos os elementos da pintura. No autorretrato há uma sensação de fadiga física, traços de doença: pálpebras cansadas, uma mão pendurada impotente, como se derretida até os ossos, falam de uma doença física. A cabeça repousa cansada no travesseiro vermelho; esta cor forma uma dominante colorística, é a cor constante e favorita de Bryullov, presente em quase todas as obras, uma cor que expressa seu temperamento criativo. De acordo com o desenho, o retrato foi finalizado em cores em duas horas.

“Assim nasceu uma das obras mais importantes de Bryullov”, escreve G. Leontieva em seu livro. Este não é apenas um retrato do artista, escrito por ele mesmo. Em uma conversa tendenciosa e rigorosa consigo mesmo, o mestre parece resumir suas buscas criativas. Resumo dos pensamentos. Resumo da minha própria vida. Além do mais. Parece que, olhando-se no espelho, ele – como hoje vemos um retrato – vê sua geração através de suas próprias feições. Esta é a confissão de um filho da idade. Alta tensão de forças internas e fadiga sem limites, nobreza sublime e amargura de decepção, coragem e humildade - toda essa variedade móvel de sentimentos é capturada pelo pincel de Bryullov e tornada eterna. Olhando para este rosto, você se lembra das palavras mais amargas ditas pelo artista sobre si mesmo: “Minha vida pode ser comparada a uma vela que foi queimada pelas duas pontas e segurada no meio com uma pinça em brasa…”.

1832. Óleo sobre tela. Não finalizado. 173 x 125,5.
Galeria Tretyakov, Moscou, Rússia.

Por volta de 1832, o artista criou uma obra que foi, por assim dizer, fruto de suas pesquisas criativas na pintura de gênero e na mitologia. Ele teve a ideia da pintura "Bathsheba", na qual trabalhou por mais de quatro anos.

Bryullov estava cheio da ideia de retratar um corpo nu iluminado pelos raios do sol poente. O mais sutil jogo de luz e sombra, a leveza do ambiente ao redor da figura, não a privava do volume escultórico e da clareza da silhueta. Em Bathsheba, o artista transmite erotismo sensual, admirando francamente cada ruga de um corpo esbelto e fios de cabelo esvoaçante como um homem. Fortalecendo a impressão, o mestre voltou-se para a espetacular técnica de contraste de cores. A brancura fosca da pele de Bate-Seba é realçada pela pele escura de uma empregada etíope agarrada à sua amante.

A pintura é baseada em uma história do Antigo Testamento. Segundo a Bíblia, Bate-Seba era uma mulher de rara beleza. O rei Davi, andando no telhado de seu palácio, viu Bate-Seba abaixo. Tendo tirado a roupa, uma mulher nua se preparava para entrar nas águas do banho de mármore. O rei Davi ficou impressionado com a beleza de Bate-Seba e a paixão tomou conta dele.

O marido de Bate-Seba, Urias, o hitita, estava naquela época fora de casa, servindo no exército de Davi. Bate-Seba não tentou seduzir o rei, como evidencia o texto bíblico. Mas Davi foi seduzido pela beleza de Bate-Seba e ordenou que ela fosse levada ao palácio. Como resultado de seu relacionamento, ela engravidou. Mais tarde, Davi escreveu uma carta ao comandante do exército de Urias, na qual ordenava colocar Urias onde haveria “a batalha mais forte, e recuar dele para que fosse ferido e morresse” (2 Sam. 11:15). ). De fato, isso aconteceu, e Davi posteriormente se casou com Bate-Seba. Seu primeiro filho viveu apenas alguns dias. David mais tarde se arrependeu de sua ação.

Apesar de sua alta posição, a mais amada das esposas de Davi, Bate-Seba ocupou um lugar nas sombras e se comportou de maneira digna. Sua influência sobre David parece ter sido grande. Ela o levou a proclamar seu filho mais velho Salomão rei. Então ela contribuiu muito para a exposição das intenções de Adonias (o quarto filho de Davi) de assumir o trono de seu pai. Em relação a Davi, ela se tornou uma esposa fiel e amorosa e uma boa mãe para seus filhos (Salomão e Natã).

Retrato de Giovannina e Amacilia Pacini,
alunos gr. Sim. Samoilova.
1832. Galeria Tretyakov, Moscou, Rússia.

Bryullov pintou muitos retratos excelentes; com eles, revelou-se mais próximo do gosto realista da segunda metade do século XIX. Grandes retratos cerimoniais, imponentes, de "história" de belezas seculares - um fenômeno desse tipo, o único e não mais repetido na arte russa. Gostamos deles de maneira diferente do que naqueles dias: não os levamos muito a sério, há algo de ingênuo em seu luxo, mas é por isso que eles são atraentes.

A amazona, representando uma jovem em um belo cavalo e conhecendo sua filhinha, é uma das obras sedutoras de Bryullov. A pedido de Yulia Pavlovna Samoilova, Karl Pavlovich Bryullov pintou um retrato de seus alunos: o mais velho - Giovanina e o mais novo - Amazilia.

O gênero de retrato ou escultura equestre estava na moda ao retratar pessoas coroadas. Bryullov, violando este cânone oficial, deu uma pose régia ao jovem aluno Samoilova, que está montado em um cavalo preto. Há um desapego angelical nas feições de seu rosto, parece que ela, junto com uma fita esvoaçante em seu chapéu e um magnífico traje de amazona branco e azul, está prestes a voar para o céu. Ao mesmo tempo, o mestre inscreve a figura de uma menina em um quadro que possui uma trama integral, repleta de contrastes coloridos. A artista desenrola diante do público a cena de um passeio matinal, quando, galopando por um caminho orvalhado sob a sombra de árvores centenárias, Jovanina para o cavalo na entrada de mármore da casa de sua mãe adotiva. Ao ouvir o barulho dos cascos, Amacilia Pacini sai correndo pela porta, parecendo uma boneca de vestido rosa, calça de renda e sapatos de cetim verde. Ela admira seu amigo mais velho - o objeto de sua adoração de infância. Ela foi imediatamente transferida, muitas vezes intensificada nela, a excitação do cavaleiro; o cavalo preto aperta os olhos, ronca, tenta empinar; sentindo o humor dos donos, os cães ficam preocupados; o vento dobra as copas das árvores; as nuvens correm pelo céu: tudo está excitado, agitado, alarmado, mas esta é uma excitação alegre, uma excitação alegre de pessoas felizes. Diante de nós está uma história romântica sobre as alegrias travessas e inebriantes da juventude. (Um detalhe fofo e engraçado: o nome do "cliente" - "Samoylo" - está marcado na coleira do cachorro que correu para a varanda.)

Italianos entusiastas compararam Bryullov com Rubens e Van Dyck, escreveram que nunca tinham visto um retrato equestre concebido e executado com tal arte. Isso é um exagero - da inusitada criação de Bryullov. O retrato equestre sempre esteve na frente. Ele inevitavelmente escondeu um significado oculto: um cavaleiro que selou e subjugou um cavalo quente é um homem no poder. Aqui não é um comandante liderando um exército para a batalha, nem um conquistador entrando em uma capital capturada, nem um monarca sendo coroado rei - a garota voltou para casa depois de uma caminhada. Neste trabalho, Bryullov finalmente conecta o retrato cerimonial e a cena cotidiana. Ele mesmo chamou o trabalho de "Zhovanin a cavalo", mas para todos é "Cavaleiro". "Zhovanin em um cavalo" conta um pouco sobre o "Zhovanin" - Jovanina; pequena Amazilia - admiração, impulso, encanto da infância.

Bryullov pintou o quadro com a sensação de plenitude e alegria de ser, admirando a beleza e o pitoresco do mundo, com o sentimento que vivia nele e que encontrava nessas meninas, Jovanin e Amazilia.

1827. Óleo sobre tela. 62 x 52,5.

Depois de se formar na Academia de Artes, Karl Bryullov foi enviado pela Sociedade de Incentivo às Artes para a Itália, onde trabalhou duro, estudando e encarnando em tela a vida das pessoas comuns deste belo país.

Bryullov transformou uma cena da vida rural, observada por ele em uma das cidades italianas, em uma elegante apresentação de balé. A jovem camponesa, como uma dançarina graciosa, levantou-se na ponta dos pés e abriu os braços flexíveis, mal tocando a videira com um cacho de uvas pretas. A musicalidade de sua pose é enfatizada por um vestido de chiton leve com pernas finas. Um cordão de corais destaca um pescoço esguio e um rosto corado emoldurado por cabelos castanhos encaracolados. Outra garota, reclinada livremente nos degraus da casa, toca os sinos de um pandeiro, olhando coquete para o espectador. Um irmão mais novo de camisa curta intervém em uma companhia alegre - uma espécie de cupido bacanal que arrasta uma garrafa para servir vinho fresco. Para o artista, que atuava como mestre de balé, todos os personagens e objetos eram importantes, fosse uma cesta com frutas maduras, uma abóbora verde, um jato de água saindo de uma fonte ou um burro peludo e fofo atrelado a uma carroça. Este é o verdadeiro mundo do teatro, onde todos os seres vivos são atores!

As oficinas criativas de Rembrandt, Velasquez, Van Dyck, Ticiano abriram suas portas para o artista da Rússia. Tendo absorvido as conquistas da arte mundial, ele espalhou revelações iguais a elas em escala nas telas. Segundo o poeta Alexei Konstantinovich Tolstoy, Bryullov foi considerado "o melhor pintor de Roma". O artista pintou retratos da nobreza italiana e seus compatriotas. Sua pintura fica mais transparente, a cor das pinturas é mais intensa, as cores são mais frescas.


O jovem pintor se permite divagações líricas - pinturas sobre cenas de gênero, que, segundo o crítico moderno, sem dúvida nascem de um feliz acaso, espreitadas no cotidiano deste país, criadas sob a influência de uma impressão direta. Estes são os famosos "gêneros italianos", e o primeiro deles - a manhã italiana - lhe trouxe grande popularidade.

A ideia da fusão do homem e da natureza, sua comparação era muito característica da direção romântica: o emparelhamento de períodos da vida humana com o curso do dia ou com as estações atraiu muitos contemporâneos de Bryullov.

A pintura "Manhã Italiana" é uma das primeiras composições de gênero feitas por Karl Bryullov diretamente no local. Sua heroína, lavando-se sob os jatos de uma fonte, perfurada pelos raios do sol, arejada, é percebida como a personificação da própria manhã, a manhã do novo dia nascente, a manhã da vida humana.

Em carta enviada à Sociedade de Incentivo aos Artistas, ele relatou suas descobertas pioneiras que antecederam a busca de um ambiente luz-ar natural por pintores realistas e impressionistas na segunda metade do século XIX: sombras e reflexos de um fonte iluminada pelo sol, o que torna todas as sombras muito mais agradáveis ​​em comparação com a iluminação simples da janela. "Manhã italiana" foi apresentado em uma exposição na Academia de Artes de São Petersburgo em 1826 e recebeu uma excelente crítica na revista "Notas domésticas".

A tela conquistou a todos - o público italiano e depois o russo, membros da Sociedade de Incentivo aos Artistas e, finalmente, Alexandre I, a quem a Sociedade apresentou a pintura como presente. Mais tarde, em 1826, Nicolau I ordenou K.P. Bryullov imagem, que seria "um par" do anterior.

Após a pintura "Manhã" Bryullov procura desenvolver ainda mais uma justaposição figurativa do ser da natureza e do homem. A pintura do meio-dia italiano foi o resultado de muitos anos de busca pelo artista. O trabalho foi criado com um sentimento de atenção infinita e confiança na realidade.

Negligenciando o academicismo, o artista buscou e encontrou novas possibilidades de iluminação. "Meio-dia italiano" Bryullov escreveu em um jardim real, quando o sol estava no seu zênite. “Para um arranjo mais seguro de sombras e luz, estou trabalhando nesta imagem sob um vinhedo real no jardim”, escreveu Bryullov sobre esse trabalho. Ele “cobriu” o rosto, ombros e braços da modelo que posou para ele com a sombra de um vinhedo. O efeito deslumbrante do claro-escuro nesta tela é enfatizado pelos reflexos do xale vermelho.

O artista buscou encontrar a beleza no simples, no cotidiano. Sua heroína era uma jovem que brilhava de entusiasmo, florescendo de saúde, colhendo um cacho de uvas no jardim. Ela cativou o artista com o brilho brilhante de olhos amplamente espaçados e, o mais importante, com sua força vital espalhando-se pela borda. Nikolai Vasilyevich Gogol escreveu sobre ela: "Uma mulher apaixonada, brilhante, queimando com todo o luxo da paixão, todo o poder da beleza".

A beleza madura da heroína é acompanhada pelo cacho de uvas derramado pelo sol e pelos sucos da terra, que ela admira. O zênite do dia, o zênite da vida da natureza, o tempo de amadurecimento dos frutos é o zênite da vida humana.

Na pintura "Italian Noon" (como em "Italian Morning") o enredo não é retirado da mitologia, nem da Bíblia, mas simplesmente da vida. Bryullov decidiu quebrar as velhas leis estéticas, conseguiu encontrar graça na vida cotidiana. Mas a coragem e a novidade da ideia causaram uma rejeição unânime. Todos expressaram censura ao novo trabalho de Bryullov: o irmão mais velho Fedor, muitos colegas e o público. A imagem é muito chocante para os respeitáveis ​​membros da Sociedade para o Incentivo dos Artistas, e eles privam Bryullov de sua bolsa de estudos. Mas, felizmente, naquela época a habilidade do artista havia se tornado tão forte que ele decidiu seguir seu próprio caminho.

Ambas as obras, "Italian Morning" e "Italian Noon", estavam no Palácio de Inverno - nos aposentos privados da Imperatriz Alexandra Feodorovna, o que não impediu que os artistas e o público as vissem. No "Diário" do artista A.N. Mokritsky datado de 14 de outubro de 1835 conta como ele e A.G. Venetsianov visitou o boudoir da Imperatriz para se familiarizar com essas obras-primas pitorescas.

1830-1833. Lona, óleo.
Museu Estatal Russo, São Petersburgo, Rússia.

Em 1821, em São Petersburgo, através do esforço de entusiastas, foi criada a Sociedade de Incentivo aos Artistas, cujo objetivo principal era ajudar os artistas por todos os meios possíveis e promover a ampla divulgação de todas as artes plásticas. Karl e Alexander Bryullov tiveram a honra de serem os primeiros pensionistas da Sociedade na Itália. Em 16 de agosto de 1822, a viagem dos irmãos a Roma começou na diligência de São Petersburgo-Riga.

As oficinas criativas de Rembrandt, Velasquez, Van Dyck, Ticiano abriram suas portas para o artista da Rússia. Tendo absorvido as conquistas da arte mundial, ele espalhou revelações iguais a elas em escala nas telas. Segundo o poeta Alexei Konstantinovich Tolstoy, Bryullov foi considerado "o melhor pintor de Roma". O artista pintou retratos da nobreza italiana e seus compatriotas. Sua pintura fica mais transparente, a cor das pinturas é mais intensa, as cores são mais frescas. O jovem pintor pinta suas pinturas Manhã italiana e Tarde italiana, nas quais o enredo não é retirado da mitologia, nem da Bíblia, mas simplesmente da vida. Isso é muito chocante para os respeitáveis ​​membros da Sociedade para o Encorajamento dos Artistas, e eles privam Bryullov de sua bolsa de estudos. Bryullov foi forçado a ganhar dinheiro realizando retratos em aquarela.

No verão do mesmo ano, Bryullov, juntamente com Anatoly Nikolaevich Demidov, proprietário de fábricas de mineração nos Urais, visitou pela primeira vez as escavações de Pompéia. Ele ouviu falar de Pompeu de seu irmão Alexandre. Ao inspecionar esta cidade, surgiu na cabeça do artista a ideia de pintar um grande quadro e apresentar nele a morte de Pompéia, sobre o qual ele informou Demidov. Ele, depois de ouvi-lo, ofereceu-se para comprar a pintura que havia concebido e celebrou um contrato com Bryullov, que obrigou o artista a concluir o pedido até o final de 1830.

Bryullov relembrou suas primeiras impressões ao visitar Pompéia desta forma: “... Descobrimos a parte escavada desta cidade infeliz. Subimos, guardas-guias estavam sentados na entrada; um deles nos ofereceu seus serviços e disse que este lugar era um pequeno fórum, ou um lugar onde as pessoas se reuniam para negociar e outros assuntos públicos ... A visão dessas ruínas involuntariamente me fez transportar-me para uma época em que essas paredes ainda habitado, quando este fórum, no qual estávamos sozinhos e onde o silêncio só foi interrompido por algum lagarto, se encheu de gente... esta cidade."

1840. Óleo sobre tela. 87x70.
Galeria Nacional da Armênia, Yerevan, Armênia.

O pintor Bryullov encontrou sua verdadeira vocação no retrato, alcançando a mais alta classe pictórica em seus retratos e pinturas.

Os heróis dos retratos de Bryullov são quase sempre atraentes. Isso é explicado pelo fato de que na maioria das vezes essas pessoas são personalidades brilhantes e brilhantes, e o fato de que Bryullov evitou pintar retratos daqueles que não despertavam simpatia espiritual nele.

O autor, fascinado pelo modelo, fala de seus personagens em tom otimista, às vezes como se estivesse recitando, abandonando a linguagem da prosa em favor da poesia. Com sua disposição para o modelo, ele deseja cativar o espectador.

Os conhecedores da pintura de Karl Bryullov estão mais familiarizados com o retrato de M.A. Beck com sua filha, pintada na mesma década de 1940, é uma grande tela que está guardada hoje na Galeria Estatal Tretyakov.

Neste retrato, os móveis luxuosos da sala de estar, pintados com o brilho colorido habitual de Bryullov, a persuasão na transferência de veludos preciosos, bronze e mármore, tornam-se um objeto igual da atenção e do interesse do espectador. A heroína do retrato, em sua beleza ideal, lânguida e uma espécie de personagem estática preguiçosa, aparece no tocante papel de mãe. O cálculo para a reação sentimental do espectador, para despertar nele um sentimento de ternura é óbvio aqui.

O pintor criou dezenas de excelentes retratos de seus contemporâneos, impressionando em sua habilidade e honrando muitas coleções do mundo.

Bryullov não foi atraído pela solenidade e importância oficial. Esta, aparentemente, é a razão pela qual Bryullov não só não se tornou um pintor de retratos da corte, mas por todos os meios possíveis, e às vezes arriscados, deixou esse papel.

A coragem com que evitou a necessidade de escrever o próprio imperador foi lembrada por muitos contemporâneos. Bryullov aproveitou o atraso de Nikolai para seu estúdio: "pegou o chapéu e saiu da quadra, ordenando que avisasse ao soberano se chegasse:" Karl Pavlovich esperava sua majestade, mas, sabendo que você nunca se atrasou, concluiu que algo o atrasou e você adiou a sessão para outra hora. "Vinte minutos depois da hora marcada, o soberano chegou ao estúdio de Bryullov, acompanhado por Grigorovich, ficou surpreso por não encontrar Bryullov em casa e, depois de ouvir a explicação de Goretsky sobre o assunto, disse a Grigorovich: "Que homem impaciente!" Depois Claro, nunca mais se falou sobre o retrato." Ele quase desafiadoramente abandonou o trabalho no retrato de Alexandra Feodorovna a cavalo depois que a Imperatriz cancelou várias sessões.

1839. Óleo sobre tela. Não finalizado. 102,3 x 86,2.
Galeria Tretyakov, Moscou, Rússia.

Retrato - um dos gêneros da arte, que recria a aparência da individualidade humana. Juntamente com a semelhança externa, o retrato captura o mundo espiritual da pessoa retratada. Este tipo de arte continua a ser a área onde o talento de Bryullov reina soberana e brilhantemente. Junto com retratos seculares de bravura, impressionantes por seus fortes efeitos coloridos e compositivos (“Condessa Yu. P. Samoilova, deixando o baile com a filha adotiva de A. Pacchini”, cerca de 1842), ele pinta retratos de um plano diferente.

Um clima calmo domina as imagens de pessoas de arte, mais contidas na cor, que, por assim dizer, tremeluzem de dentro da forma, enfatizando o significado espiritual dos modelos. Aqui o artista se volta para a análise do humor humano, capturando modelos de contradição que atormentam a alma. Ele vê nos rostos e representa uma combinação da inflamabilidade da imaginação e do cansaço, do movimento do pensamento e do calafrio intelectual.

Esses retratos incluem o retrato de I. A. Krylov. Perspicaz e perspicaz, Krylov parece olhar em sua alma, e sua sabedoria mundana destaca todas as profundezas e fios secretos de seu mundo interior.

Ivan Andreevich Krylov - poeta russo, fabulista, tradutor, escritor. Em sua juventude, Krylov era conhecido principalmente como escritor satírico, editor da revista satírica "Mail of the Spirits" e da paródia tragicomédia "Trumph", que ridicularizou Paul I. Krylov é o autor de mais de 200 fábulas de 1809 a 1843 , eles foram publicados em nove partes e foram reimpressos em edições muito grandes para aqueles tempos. Em 1842, suas obras foram publicadas em tradução alemã. Os enredos de muitas fábulas remontam às obras de Esopo e Lafontaine, embora existam muitos enredos originais. Muitas expressões das fábulas de Krylov tornaram-se aladas.

Nas linhas materna e paterna, Samoilova estava ligada por laços de parentesco com as famílias Palen, Skavronsky, o príncipe Potemkin, os italianos Litta e Visconti. A mãe de Yulia, Maria, era enteada do famoso estadista Giulio (Yuli Pompeevich) Litta, com quem mantinha um relacionamento terno, e no mundo falavam sobre a controversa paternidade de Yulia (que o tipo italiano de sua aparência deu origem). Litta (falecido em 1839) dividiu toda a sua fortuna colossal e coleções de arte entre Yulia, neta de jure de sua esposa Catherine, e dois filhos ilegítimos. Samoilova tinha o apelido de "o último dos Skavronskys", por ter herdado a colossal fortuna de seu avô.

Maria Skavronskaya, mãe de Samoilova, possuía uma enorme fortuna que pertencia à família Skavronsky, parentes de Catarina I, e foi a última portadora deste sobrenome. Tendo se casado com o conde Palen e tendo dado à luz uma filha, depois de algum tempo, quando a criança tinha cinco anos e meio, ela a deixou e foi para Paris para estudar música e canto, divorciou-se de Palen e casou-se com o general A.P. Ozharovsky.

Aos vinte e cinco anos, Julia casou-se com o conde Nikolai Alexandrovich Samoilov, ala ajudante do imperador (falecido em 23 de julho de 1842). O casal logo se esfriou, em grande parte devido à propensão do conde para folia e brincadeiras. Em 1827, o casal se separou por mútuo acordo, e Samoilov devolveu o dote, levou Julia para seu pai, o conde Palen, e manteve relações muito amigáveis ​​com ela.

A condessa se estabeleceu na propriedade do conde Slavyanka, perto de São Petersburgo, com uma luxuosa casa construída de acordo com o projeto do irmão de Karl Bryullov, Alexander Pavlovich Bryullov. Mais tarde, ele construirá um palácio para ela na Ilha Elagin. A Condessa manteve-se extremamente independente. Um círculo iluminado se reuniu em sua casa, do qual Nicolau I não gostou, ela teve que se mudar primeiro para São Petersburgo e depois para a Itália, onde era amiga de Rossini e Donizetti e patrocinava artistas e músicos, participando ativamente da vida cultural do país.

As realizações de Karl Bryullov no campo do retrato foram reconhecidas como incondicionais e indiscutíveis, inclusive por críticos tão severos como Vladimir Stasov e Alexander Benois. Os melhores exemplos do retrato cerimonial de Bryullov incluem imagens da condessa Yulia Pavlovna Samoilova - o ideal de toda a sua vida. O retrato em aquarela de Yulia Pavlovna é tocante em sua pureza.

Karl Bryullov curvou-se a essa mulher desde o primeiro dia de seu encontro na Itália até seu último suspiro, diante daquele que, por sua liberdade de opinião, por sua independência de comportamento, era detestado pelo autocrata de toda a Rússia Nicolau I, seu distante relativo.

Ela conheceu Karl Bryullov em Roma, no famoso salão de Zinaida Volkonskaya. O início de seu relacionamento remonta a 1827. No verão, eles viajaram juntos pela Itália e vagaram entre as ruínas de Pompeia, onde nasceu a ideia do famoso mestre da tela.

A glória de Bryullov como mestre do retrato foi fixada por seu Retrato de Yu.P. Samoilova com Giovannina Pacini e um menino negro. Bryullov colocou toda a força de sua inspiração no retrato de Samoilova. O retrato de grupo é concebido como uma espécie de cena da vida. Voltando de uma caminhada, Samoilova abraça gentilmente suas amigas - Giovanina Pacchini e uma mulher negra. Os sentimentos dos personagens são verdadeiramente transmitidos. Transmitindo habilmente o momento do movimento, Bryullov não violou a monumentalidade da tela. Incluído na composição e mobiliário: um sofá, uma cortina, um tapete no chão, a borda de uma moldura esculpida de um quadro pendurado na parede. A decoração elegante não bloqueia o espaço, repleto de câmaras de luz. Isso se deve às portas abertas da varanda com vista para o parque.

“Ele colocou um retrato de uma dama nobre ambulante em tamanho real”, escreveu um dos críticos italianos sobre Bryullov, “... seu vestido de cetim azulado lança muita luz ao seu redor... pintado livremente e com um pincel suculento.”

No final de 1835, seguindo as instruções de Nicolau I, Bryullov retornou à Rússia e assumiu o cargo de professor na Academia de Artes de São Petersburgo, começando a lecionar. Em 1839 Karl casou-se sem sucesso. A vida conjunta dos cônjuges durou apenas 2 meses.

Em um momento difícil para Bryullov, o colapso da felicidade pessoal e a perseguição dos círculos da corte, Samoilova veio da Itália (em 1839) para apoiar sua amiga. Desprezando a opinião do mundo, ela cercou o artista com uma participação terna, levou-o para sua propriedade perto de Pavlovsk - Conde Slavyanka. Foi um desafio direto ao tribunal, que estava em Pavlovsk e viu como as fileiras de convidados estavam indo para Samoilova. Bryullov começou a pintar um retrato, que novamente teve que mostrar a todos seu ideal na vida e na arte. O retrato da condessa Yulia Pavlovna Samoilova, deixando o baile com sua filha adotiva Amazilia Pacini, é o auge do trabalho de Bryullov como retratista.

O conteúdo deste retrato é uma manifestação triunfante da beleza e força espiritual de uma personalidade independente, brilhante e livre. A fantástica grandiosidade da arquitetura ajuda a manifestar essa nova faceta da intenção do autor: parece que ali, nas profundezas de uma imensa tela, as máscaras não se divertem apenas em um baile de máscaras comum, mas ali se passa um baile de máscaras da vida - todo mundo está tentando fingir não ser quem ele realmente é.

O segundo nome do retrato - "Masquerade" - corresponde ao subtexto, o segundo, plano principal da intenção do artista. Neste mundo de mentiras, Samoilova, cheia de dignidade humana, desdenhosamente tirada de sua máscara, demonstra orgulhosamente sua não participação na hipocrisia do mundo. O belo rosto da condessa está aberto - não apenas livre da máscara, mas aberto a todos os movimentos de uma alma sincera e apaixonada impressa nele.

Uma cortina vermelha e ondulante com uma chama purificadora separa, separa Yulia do baile de máscaras fervendo atrás do carrossel do bobo da corte, do sultão que se eleva sobre a monótona mistura de figuras, de Mercúrio inclinado para ele, um embaixador prestativo, apontando com uma vara para o beleza indo embora.

A artista mora há muito tempo com a Condessa, também em sua vila na Lombardia. Além disso, a condessa possuía uma propriedade em Grousse (França), um palácio em Milão e um palácio no Lago Como. Fragmentos de correspondência entre amantes foram preservados e testemunham um sentimento profundo.

Juntamente com a Amazona e o Retrato de Yu.P. Samoilova com Giovannina Pacini e uma criança negra, criada enquanto trabalhava na famosa Pompéia, este retrato forma uma espécie de tríptico dedicado à famosa beleza.

Na pintura O Último Dia de Pompéia, Bryullov a escreveu ao lado do artista ao fundo, na forma de uma mãe segurando suas filhas, que caíram no chão e em outros lugares.

A Condessa Samoilova teve duas filhas adotivas - a mais nova Amazilia (nascida em 1828) e a mais velha Giovannina Pacini, filhas do empobrecido cantor e compositor milanês Giovanni Pacini, autor da ópera O Último Dia de Pompéia, que impressionou Bryullov. Menciona-se que a condessa Samoilova, que não se limitou a nada, foi uma das amantes do compositor - assim como Pauline Borghese, irmã de Napoleão. Não se sabe quando Samoilova levou Amatsiliya para sua educação, mas, a julgar pela pintura "The Horsewoman", pintada em 1832, ela viveu com ela por quatro anos. A questão com essas duas meninas não está totalmente esclarecida, os documentos mostram que o compositor na verdade teve apenas uma filha. Há uma versão de que o verdadeiro nome da segunda garota, Giovannina, é Carmine Bertolotti e ela é filha ilegítima de Clementine Perry, irmã do segundo marido de Samoilova.

Em 1845, Samoilova decide se separar de Bryullov e rompe com ele. Em 1846 ela se casa com o tenor italiano Peri, perde a cidadania do Império Russo, vende o Conde Slavyanka e outras propriedades. Seu segundo marido, o cantor de ópera Perry, que se distinguia por sua extraordinária beleza, morreria um ano após o casamento por tuberculose.

E um ano após sua morte na Rússia, o primeiro marido de Yulia Pavlovna, o famoso Alcibíades, também morreu, e é por isso que ela usou luto por dois maridos ao mesmo tempo por muito tempo. Testemunhas oculares que a viram durante esse período de sua vida disseram que o luto de viúva era muito adequado para ela, enfatizando sua beleza, mas ela o usava de maneira muito original. Na longa cauda de um vestido de luto, Samoilova plantou as crianças, como se estivesse em uma carroça, e ela mesma, como um cavalo saudável, rolou crianças rindo com prazer ao longo dos parqués espelhados de seus palácios.

O terceiro marido, o diplomata conde de Mornay, com quem se casaram em 1863, deixará sua esposa idosa um ano após o casamento, explicando a partida pela completa dessemelhança de personagens.

No final de sua vida, Samoilova havia perdido quase toda a sua fortuna. Filhas adotivas, casadas, através dos tribunais coletavam o dinheiro e os bens prometidos da condessa. Ela morreu em Paris e foi enterrada no cemitério Pere la Chaise, junto com seu segundo marido.