Edward hopper pinturas. Edward Hopper - poeta dos espaços vazios

Há uma pintura tão cativante que pega o espectador instantaneamente. Não há perplexidade, alerta, tudo parece claro ao mesmo tempo, como no amor à primeira vista. Não é de surpreender que a consideração cuidadosa, a reflexão e o sentimento possam ferir esse amor. É possível encontrar ali, por trás do brilho exterior, algo profundo, sólido? Não é um fato.

Tomemos, por exemplo, o impressionismo mais na moda dos segundos cem anos. Provavelmente, para o público de massa de hoje, não há tendência mais popular na história da pintura. No entanto, como direção artística, o Impressionismo acabou sendo surpreendentemente fugaz, existindo em sua forma pura por apenas vinte anos. Seus fundadores acabaram abandonando sua criação, sentindo o esgotamento de ideias e métodos. Renoir voltou às formas clássicas de Ingres, e Monet avançou para o abstracionismo.

O contrário também acontece. As pinturas são modestas e despretensiosas, os motivos são comuns e as técnicas são tradicionais. Aqui está uma casa à beira da estrada, aqui está uma garota na janela e aqui está um posto de gasolina geralmente banal. Sem atmosfera, sem efeitos de iluminação, sem paixões românticas. Se você encolher os ombros e seguir em frente, tudo continuará assim. E se você parar e olhar de perto, encontrará um abismo.

Esta é a pintura de Edward Hopper, um dos artistas americanos mais famosos do século XX.

Sem perceber a Europa

A biografia de Hopper quase não contém eventos brilhantes e reviravoltas inesperadas. Estudou, foi para Paris, trabalhou, casou, continuou a trabalhar, recebeu reconhecimento... Sem lances, escândalos, divórcios, alcoolismo, palhaçadas chocantes - nada "frito" para a imprensa amarela. Nisso, a história de vida de Hopper é semelhante às suas pinturas: externamente tudo é simples, até calmo, mas nas profundezas há uma tensão dramática.

Já na infância, descobriu a capacidade de desenhar, na qual seus pais o apoiavam de todas as formas possíveis. Depois da escola, ele estudou ilustração por correspondência por um ano e depois entrou na prestigiada New York Art School. Fontes americanas citam toda uma lista de seus colegas famosos, mas seus nomes não dizem quase nada para o espectador russo. Com exceção de Rockwell Kent, todos eles permaneceram artistas de importância nacional.

Em 1906 Hopper terminou seus estudos e começou a trabalhar como ilustrador para uma agência de publicidade, mas no outono foi para a Europa.

Devo dizer que viajar para a Europa era quase uma parte obrigatória da educação profissional dos artistas americanos. Naquela época, a estrela de Paris brilhava forte, e jovens e ambiciosos vinham de todo o mundo para se juntar às últimas conquistas e tendências da pintura mundial.

É surpreendente como foram diferentes as consequências dessa fermentação no caldeirão internacional. Alguns, como o espanhol Picasso, rapidamente se transformaram de estudantes em líderes e eles próprios se tornaram criadores de tendências na moda artística. Outros foram eternos epígonos, embora talentosos, como Mary Cassatt e James Abbott McNeill Whistler. Outros ainda, por exemplo, artistas russos, voltaram para sua terra natal, contagiados e carregados do espírito da nova arte, e já em casa abriram caminho das margens da pintura mundial para sua vanguarda.

Hopper acabou sendo o mais original de todos. Viajou pela Europa, esteve em Paris, Londres, Amsterdã, voltou a Nova York, viajou novamente para Paris e Espanha, passou um tempo em museus europeus e conheceu artistas europeus... não revelar familiaridade com as tendências modernas. Em geral, nada, até mesmo a paleta mal iluminou!

Apreciava Rembrandt e Hals, mais tarde - El Greco, dos mestres próximos do tempo - Edouard Manet e Edgar Degas, que já haviam se tornado clássicos naquela época. Quanto a Picasso, Hopper alegou com toda a seriedade que não ouvira seu nome enquanto estava em Paris.

É difícil acreditar nisso, mas o fato permanece. Os pós-impressionistas tinham acabado de falecer, os fauvistas e cubistas já haviam quebrado suas lanças, o futurismo assomava no horizonte, a pintura rompeu com a imagem do visível e se concentrou nos problemas e limitações do plano pictórico, Picasso e Matisse brilharam . Mas Hopper, estando no meio das coisas, parecia não ver.

E depois de 1910 ele nunca cruzou o Atlântico, mesmo quando suas pinturas foram exibidas no pavilhão americano da prestigiada Bienal de Veneza.

Artista para trabalho

Em 1913, Hopper se estabeleceu em Nova York, na Washington Square, onde viveu e trabalhou por mais de cinquenta anos - até o fim de seus dias. No mesmo ano, vendeu seu primeiro quadro, exposto no famoso Armory Show, em Nova York. A carreira parecia promissora e o sucesso estava ao virar da esquina.

Acabou longe de ser tão sem nuvens. "Armory Show" foi concebida como a primeira exposição de arte contemporânea nos Estados Unidos e, nessa qualidade, obteve um sucesso retumbante. Ela desviou os olhos de amadores, críticos e artistas do realismo e os voltou para a vanguarda, embora acompanhada de ridículo e escândalos. Contra o pano de fundo de Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, o realismo de Hopper parecia provinciano e ultrapassado. A América decidiu que era necessário alcançar a Europa, colecionadores ricos se interessaram por arte estrangeira e vendas únicas de obras domésticas não fizeram o clima.

Hopper trabalhou como ilustrador comercial por muitos anos. Abandonou até a pintura e se dedicou à gravura, técnica mais adequada para a reprodução impressa na época. Ele não estava no serviço, trabalhava meio período com encomendas de revistas e viveu todas as dificuldades dessa situação, às vezes até caindo em depressão.

No entanto, no que era então Nova York, havia uma patrona das artes que decidiu colecionar as obras de artistas americanos - Gertrude Whitney, filha do milionário Vanderbilt; a propósito, aquele com quem o canibal Ellochka competiu sem sucesso, que trocou um coador de chá de Ostap Bender por uma das doze cadeiras.

Sombras da noite.

Posteriormente, Whitney tentou doar sua coleção de artistas americanos contemporâneos para o Metropolitan Museum, mas sua administração não achou o presente digno. A catadora rejeitada, por vingança, fundou seu próprio museu nas proximidades, que ainda é considerado o melhor museu de arte americana.

Vento da noite. 1921. Museu de Arte Americana, Nova York

Mas isso é no futuro. Enquanto Hopper visitava o estúdio de Whitney, onde em 1920 ocorreu sua primeira exposição individual - 16 pinturas. Algumas de suas gravuras também chamaram a atenção do público, em especial "Night Shadows" e "Evening Wind". Mas ele ainda não conseguiu se tornar um artista livre e continuou ganhando dinheiro como ilustração.

Família e reconhecimento

Em 1923 Hopper conhece sua futura esposa Josephine. Sua família provou ser forte, mas a vida familiar não é fácil. Jo proibiu o marido de pintar nu e, se necessário, posou. Edward estava com ciúmes dela até pelo gato. Tudo foi agravado por sua taciturnidade e caráter taciturno. “Às vezes, falar com Eddie era como jogar uma pedra em um poço. Com uma exceção: o som da queda na água não poderia ter sido ouvido”, admitiu.

Edward e Joe Hopper. 1933

No entanto, foi Jo quem lembrou Hopper das possibilidades da aquarela, e ele voltou a essa técnica. Ele logo expôs seis obras no Brooklyn Museum, e uma delas foi comprada pelo museu por US$ 100. Os críticos reagiram gentilmente à exposição e notaram a vitalidade e expressividade das aquarelas de Hopper, mesmo com os temas mais modestos. Essa combinação de contenção externa e profundidade expressiva se tornará a marca registrada de Hopper pelo resto dos anos.

Em 1927, Hopper vendeu o quadro “Dois no Auditório” por US$ 1.500, e com esse dinheiro o casal adquiriu seu primeiro carro. O artista teve a oportunidade de fazer esboços, e a América rural provincial por muito tempo se tornou um dos principais motivos de sua pintura.

Dois no auditório. 1927. Museu de Arte, Toledo

Em 1930, outro evento importante ocorreu na vida do artista. O patrono Stephen Clarke doou sua pintura "The House by the Railroad" para o Museu de Arte Moderna de Nova York, e está pendurada com destaque lá desde então.

Assim, pouco antes de seu cinquentenário, Hopper entrou na época do reconhecimento. Em 1931 vendeu 30 obras, incluindo 13 aquarelas. Em 1932 participou da primeira exposição regular do Whitney Museum e não perdeu as seguintes até sua morte. Em 1933, em homenagem ao aniversário do artista, o Museu de Arte Moderna apresentou uma retrospectiva de sua obra.

Nos trinta anos seguintes de sua vida, Hopper trabalhou frutíferamente, apesar dos problemas de saúde que surgiram na velhice. Joe sobreviveu a ele por dez meses e deixou toda a coleção de obras da família para o Museu Whitney.

Corujas noturnas. 1942. Instituto de Arte, Chicago

Durante seus anos de maturidade, o artista criou muitas obras-primas reconhecidas, por exemplo, "Early Sunday Morning", "Midnights", "Office in New York", "People in the Sun". Durante este tempo, recebeu muitos prêmios, viajou para o Canadá e México, e foi apresentado em várias retrospectivas e exposições individuais.

Proteção de vigilância

Não se pode dizer que todos esses anos sua pintura não se desenvolveu. No entanto, Hopper encontrou seus temas e imagens favoritos cedo e, se alguma coisa mudou, foi a capacidade de persuasão de sua personificação.

Se fosse encontrada uma fórmula concisa para o trabalho de Hopper, seria “alienação e isolamento”. Onde seus personagens estão olhando? Por que eles congelaram no meio do dia? O que os impede de iniciar um diálogo, estender a mão, chamar e responder? Não há resposta e, para ser honesto, quase não há perguntas, pelo menos para eles. É assim que eles são, essa é uma vida assim, esse é o mundo que separa as pessoas com barreiras invisíveis.

Essa invisibilidade de obstáculos preocupou seriamente Hopper, razão pela qual há tantas janelas em suas pinturas. O vidro é um elo visual, mas uma barreira física. Seus heróis e heroínas, visíveis da rua, parecem abertos ao mundo, mas na verdade fechados, imersos em si mesmos - vejam "Corujas da noite" ou "Escritório em Nova York". Essa dualidade dá origem a uma combinação irritante de vulnerabilidade frágil e inacessibilidade obstinada, até mesmo inacessibilidade.

Se, pelo contrário, nós, juntamente com os heróis, olharmos através do vidro, a janela engana novamente, apenas provocando a oportunidade de ver algo. Na melhor das hipóteses, o mundo exterior é apenas indicado por um conjunto de árvores ou edifícios, e muitas vezes nada é visível na janela, como, por exemplo, em “Evening Wind” ou na pintura “Automat”.

Automático. 1927. Centro para as Artes, Des Moines. EUA

Em geral, a mesma combinação de abertura e proximidade é característica das janelas e portas de Hopper como para personagens animados. Portas entreabertas, cortinas balançando, persianas fechadas, portas que não estão completamente semifechadas passam de uma foto para outra.

O transparente é impenetrável, mas o que deveria conectar separa. Daí a constante sensação de mistério, eufemismo e contato fracassado.

A solidão entre as pessoas, numa cidade grande, à vista de todos, tornou-se um tema transversal da arte do século XX, só que aqui, com Hopper, não é a solidão de onde correm, mas de onde se salvam. A proximidade de seus personagens é sentida como uma forma natural de autodefesa, e não como um capricho ou traço de caráter. A luz que se derrama sobre eles é dolorosamente impiedosa e eles estão expostos muito abertamente para que todos possam ver, e no mundo ao seu redor existe algum tipo de ameaça indiferente. Portanto, em vez de barreiras externas, as internas devem ser erguidas.

Obviamente, se você destruir as paredes do escritório, a eficiência do trabalho aumentará, pois na frente umas das outras, e ainda mais com o chefe, as pessoas ficam menos distraídas e tagarelas. Mas quando todos estão sob vigilância, a comunicação cessa e o silêncio se torna a única forma de defesa. Os heróis são contidos, os instintos são suprimidos, as paixões são profundamente enraizadas - pessoas civilizadas e cultas na armadura protetora da decência externa.

Atenção além

Muitas vezes, as pinturas de Hopper dão a impressão de um momento congelado. E isso apesar do fato de que na própria imagem o movimento não é indicado. Mas é percebido como um quadro de filme que acaba de substituir o anterior e está pronto para dar lugar ao próximo. Não é coincidência que Hopper fosse tão apreciado pelos cineastas americanos, em particular Hitchcock, e os padrões de Hollywood de construção de quadros foram amplamente moldados levando em conta sua influência.

O artista tendia a direcionar a atenção do espectador não tanto para o momento retratado quanto para os eventos imaginários que o precederam ou o seguiram. Essa habilidade, rara na história da pintura, combinou paradoxalmente as conquistas do impressionismo, com sua atenção redobrada ao momento, e do pós-impressionismo, que queria comprimir o fluxo do tempo em uma imagem artística momentânea.

Hopper realmente conseguiu fixar firmemente o momento indescritível do ser na tela e, ao mesmo tempo, insinuar o fluxo incessante do tempo, que o trouxe à superfície e imediatamente o transportou para as profundezas escuras do passado. Se o futurismo tentou retratar o movimento diretamente no plano pictórico, então Hopper o leva além dos limites da pintura, mas o deixa dentro dos limites de nossa percepção. Não vemos, mas sentimos.

O artista também consegue redirecionar nossa atenção para fora da imagem, não apenas no tempo, mas também no espaço. Os personagens olham para algum lugar do lado de fora, a rodovia que passa pelo posto de gasolina atrai o olhar do espectador para o mesmo lugar, e na ferrovia o olho só consegue pegar o último vagão do trem. E mais frequentemente ele não está mais lá, o trem passou correndo, e involuntariamente e sem sucesso olhamos para ele nos trilhos.

Esta é a América como ela é - nem o anseio pelos perdidos, nem a glorificação do progresso. Mas se fosse apenas a América, não teria caído no destino da fama mundial de Hopper, assim como muitos de seus contemporâneos não a pegaram com a pior habilidade. Na verdade, Hopper foi capaz de tocar sentimentos humanos universais usando material nacional. Ele abriu o caminho para o reconhecimento internacional da pintura americana, embora artistas do pós-guerra, não reconhecidos pelo próprio Hopper, a tenham levado a papéis de liderança na arte mundial.

Seu caminho é único. No mundo turbulento das tendências artísticas vibrantes, ele conseguiu não sucumbir à influência de ninguém e trilhar o caminho estreito entre o romantismo e a crítica social, entre a obsessão vanguardista pelos conceitos e o naturalismo deliberado do precisão e do hiper-realismo, mantendo-se fiel a si mesmo para o fim.

(1967-05-15 ) (84 anos) Um lugar de morte: Origem: Cidadania: