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Arquitetura nas pinturas de artistas nacionais

Panoramas das ruas da capital, monumentos arquitetônicos, prédios que não existem mais, barcos de madeira correndo ao longo do Neva e do rio Moscou - tudo isso pode ser visto nas pinturas dos mestres da paisagem urbana do final do século XVIII - primeira metade do séc. século 20. Cerca de 10 artistas desse gênero - no material do portal "Culture.RF".

Fedor Alekseev. Vista da Ressurreição e Nikolsky Gates e a Ponte Neglinny da Rua Tverskaya em Moscou (fragmento). 1811. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Fedor Alekseev. Praça Vermelha em Moscou (detalhe). 1801. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Fedor Alekseev. Vista do Spit of Vasilievsky Island da Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). 1810. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Fedor Alekseev começou sua carreira com as paisagens urbanas de Veneza, onde viveu como aposentado da Academia de Artes. Voltando à Rússia, pintou vistas da Crimeia, Poltava, Orel, mas ficou famoso por suas pinturas que retratam Moscou e São Petersburgo. As telas mais famosas de seu ciclo de Moscou - "Praça Vermelha em Moscou" e "Vista da Ressurreição e dos Portões Nikolsky e a Ponte Neglinny da Rua Tverskaya em Moscou" - agora são mantidas na Galeria Tretyakov. As principais pinturas de São Petersburgo do artista - "Vista do espeto da Ilha Vasilievsky da Fortaleza de Pedro e Paulo" e "Vista do aterro inglês" podem ser vistas na coleção do Museu Russo.

As pinturas de Alekseev são interessantes não apenas do ponto de vista artístico, mas também do ponto de vista histórico: por exemplo, a pintura de 1800 "Vista da Igreja de Nikola, a Grande Cruz em Ilyinka" retrata uma igreja barroca do final do século XVII , que foi demolido em 1933. E graças à pintura "Vista da Catedral de Kazan", pode-se aprender que inicialmente havia um obelisco de madeira em frente a esta igreja de São Petersburgo. Com o tempo, caiu em desuso e, na década de 1820, foi removido da praça.

Maxim Vorobiev. Vista do Kremlin de Moscou (do lado da ponte Ust'insky) (fragmento). 1818. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Maxim Vorobiev. Vista da Catedral de Kazan do oeste (fragmento). Primeira metade da década de 1810. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Maxim Vorobiev. Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). Final da década de 1820. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Ele também retratou outros subúrbios de Petersburgo - Peterhof, Pavlovsk, Gatchina e, de fato, a própria Petersburgo. Entre as obras do artista estão "A Cascata de Apolo e o Palácio", "Vista do Palácio Kamennoostrovsky", "Vista da Ilha Grande Lagoa nos Jardins de Tsarskoye Selo", "Pátio do Campo em Tsarskoye Selo". E embora Semyon Shchedrin fosse um mestre da paisagem urbana, ele pintava objetos arquitetônicos de forma bastante condicional. A principal atenção do artista foi dada à natureza - os críticos de arte o consideram um prenúncio da paisagem lírica russa.

Stepan Galaktionov. Vista do Neva do lado da Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). 1821. Museu de Toda a Rússia de A.S. Pushkin, São Petersburgo

Stepan Galaktionov. Fonte no parque. (fragmento). 1820. Museu de Arte de Sebastopol em homenagem a P.M. Kroshitsky, Sebastopol

Stepan Galaktionov. Dacha no parque (detalhe). 1852. Museu de Belas Artes de Tyumen, Tyumen

Stepan Galaktionov não era apenas um pintor e aquarelista, mas também um gravador brilhante: ele foi um dos primeiros na Rússia a dominar a técnica de litografia - gravura em pedra. A principal fonte de inspiração para Galaktionov foram os monumentos arquitetônicos de São Petersburgo. Ele participou da criação de um álbum de litografias "Vistas dos Subúrbios e Subúrbios de São Petersburgo", que foi supervisionado pelo artista Semyon Shchedrin em 1805. Esta coleção inclui suas obras: "Vista do palácio da Ilha de Pedra da dacha do Conde Stroganov" e "Vista do Palácio Monplaisir" em Peterhof, "Vista do Templo de Apolo com uma cascata no jardim do Palácio Pavlovsky " e "Vista de uma parte do palácio do lado de um grande lago na cidade de Gatchina" ... Posteriormente, ele participou do trabalho na coleção "Vistas de São Petersburgo e arredores", publicada em 1825 pela Sociedade para o Incentivo dos Artistas.

Vasily Sadovnikov. Vista do talude e do Palácio de Mármore (fragmento). 1847. State Hermitage, São Petersburgo

Vasily Sadovnikov. Vista do Neva e da Fortaleza de Pedro e Paulo. 1847. State Hermitage, São Petersburgo

Vasily Sadovnikov. Vista do Neva e da Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). 1847. State Hermitage, São Petersburgo

O artista autodidata Vasily Sadovnikov pintou a arquitetura de São Petersburgo, enquanto ainda era servo da princesa Natalia Golitsyna. Tendo recebido sua liberdade, ele entrou na Academia de Artes, onde Maxim Vorobyov se tornou seu professor.

São conhecidas inúmeras vistas do Palácio de Inverno, pintadas por Sadovnikov em nome dos imperadores Nicolau I e Alexandre II. Mas a obra mais famosa do artista é a aquarela de 16 metros "Panorama of Nevsky Prospect", na qual trabalhou por 5 anos - desde 1830. Nele, a rua principal de São Petersburgo é desenhada em ambas as direções - da Praça Admiralteyskaya à Ponte Anichkov. O artista retratou em detalhes todas as casas da Nevsky Prospekt na imagem. Mais tarde, a editora Andrei Prevo divulgou partes separadas desse panorama na forma de litografias, a série consistia em 30 folhas.

Entre outras pinturas capitais do artista - "Vista do aterro e do Palácio de Mármore", "Saída do Tribunal da entrada principal do Grande Palácio em Peterhof", "Salão do Marechal de Campo". Na obra "Partida da diligência da Praça de Santo Isaac", a catedral é retratada ainda em fase de construção.

Além de São Petersburgo, Sadovnikov pintou paisagens urbanas de Moscou, Vilnius, Helsinque. Um dos últimos trabalhos do artista foi um panorama de São Petersburgo das Colinas de Pulkovo.

Andrey Martynov. Vista do palácio de Pedro I no Jardim de Verão (detalhe). 1809-1810. State Hermitage, São Petersburgo

Andrey Martynov. Vista do Golfo da Finlândia da varanda do Palácio Oranienbaum (fragmento). 1821-1822. State Hermitage, São Petersburgo

Andrey Martynov. Vista da Nevsky Prospekt de Fontanka ao Almirantado (fragmento). 1809-1810. State Hermitage, São Petersburgo

Entre as primeiras obras independentes do mestre da pintura de paisagem Andrei Martynov estavam as vistas italianas. Depois de se formar na Academia de Artes, o artista viveu como aposentado em Roma. Retornando da Itália para sua terra natal, Martynov pintou vistas de São Petersburgo, usando várias técnicas, incluindo aquarelas e gravuras. Martynov até abriu sua própria oficina litográfica para imprimir gravuras.

Entre as famosas obras do artista - "A margem do aterro Bolshoi em São Petersburgo, de Liteinaya ao jardim de verão", "Ao longo do jardim de verão aos edifícios do Palácio de Mármore", "De Moshkov Lane ao longo dos edifícios do Palácio de inverno".

Martynov viajou muito, com o embaixador russo visitou Pequim. Mais tarde, o artista lançou um álbum litográfico "A Picturesque Journey from Moscow to the Chinese Border". Durante suas viagens, Martynov desenhou idéias para suas pinturas, ele também capturou as vistas da Crimeia e do Cáucaso. As obras do artista podem ser vistas nas coleções da Galeria Estatal Tretyakov, do Museu Estatal Russo e do A.S. Pushkin.

Karl Beggrov. No Jardim de Verão (detalhe). 1820º. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Karl Beggrov. Arco do Edifício do Estado Maior (fragmento). 1822. Museu de Toda a Rússia de A.S. Pushkin, São Petersburgo

Karl Beggrov. Portões Triunfais (detalhe). 1820º. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Karl Beggrov pintou paisagens, no entanto, ao contrário do filho do pintor marinho Alexander Beggrov, ele pintou não o mar, mas as vistas da cidade. Aluno de Maxim Vorobyov, pintou um grande número de aquarelas e litografias com as paisagens de São Petersburgo.

Em 1821-1826 Karl Beggrov criou uma série de litografias, que foram incluídas na coleção "Vistas de São Petersburgo e arredores". Entre eles, por exemplo, "Vista do Arco do Estado Maior". Após a publicação deste álbum, Beggrov trabalhou mais na técnica de aquarela, mas ainda pintou principalmente Petersburgo - por exemplo, "In the Summer Garden" e "Triumphal Gates". Hoje, as obras de Karl Beggrov são mantidas na Galeria Estatal Tretyakov, no Museu Estatal Russo, no Museu Hermitage do Estado e em museus em outras cidades.

Alexandre Benois. Estufa (detalhe). 1906. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Alexandre Benois. Frontispício para O Cavaleiro de Bronze de Alexander Pushkin (detalhe). 1905. Museu Estadual de Belas Artes em homenagem a A.S. Pushkin, Moscou

Alexandre Benois. Oranienbaum (detalhe). 1901. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Em 1902 na revista "Mundo da Arte"

Mstislav Dobujinsky. Petersburgo (fragmento). 1914. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobujinsky. Casa em São Petersburgo (fragmento). 1905. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobujinsky. Esquina de São Petersburgo (fragmento). 1904. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobuzhinsky era um artista versátil - ele desenhou performances teatrais, ilustrou livros e revistas. Mas o lugar central em seu trabalho foi ocupado pela paisagem urbana, especialmente o artista adorava retratar Petersburgo - lá Dobuzhinsky passou sua infância.

Entre suas obras - "Canto de Petersburgo", "Petersburgo". As paisagens de Petersburgo podem ser vistas no livro Petersburg in 1921, em ilustrações para Noites Brancas de Dostoiévski e Petersburgo de Dostoiévski por Nikolai Antsiferov. Em 1943, Dobuzhinsky criou um ciclo de paisagens imaginárias de Leningrado sitiada.

Como o crítico de arte Erich Hollerbach escreveu: "Ao contrário de Ostroumova-Lebedeva, que captou principalmente a beleza arquitetônica de São Petersburgo em suas gravuras e litografias, a artista também olhou para as planícies da vida da cidade, abraçando com seu amor não apenas o esplendor monumental da arquitetura de São Petersburgo, mas também a miséria lamentável da periferia suja." Depois de deixar o país, Dobuzhinsky continuou a pintar paisagens, mas desta vez na Lituânia e nos EUA.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburgo, Moika (fragmento). 1912. Coleção particular

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (fragmento). 1953. Coleção particular

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrogrado. Colunas vermelhas (detalhe). 1922. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Um dos principais artistas gráficos e gravadores da primeira metade do século XX. Em xilogravuras - xilogravuras, litografias e aquarelas - ela retratou principalmente vistas de São Petersburgo. Entre seus trabalhos estão ilustrações para os livros “Petersburg” de Vladimir Kurbatov e Nikolai Antsiferov “The Soul of Petersburg”, aquarela “Field of Mars”, “Autumn in Petrograd”, gravuras “Petersburg. Jardim de verão no inverno "," Petersburgo. Colunas Rostrais e o Câmbio" e outros.

A artista não deixou sua cidade natal, Leningrado, mesmo durante o cerco: “Eu escrevi muitas vezes no banheiro. Vou colocar uma prancheta na pia e um tinteiro sobre ela. À frente na prateleira há um fumeiro. Aqui os golpes soam mais abafados, o assobio das conchas voadoras não é tão audível, é mais fácil coletar pensamentos dispersos e direcioná-los pelo caminho certo ". Obras desse período - "Jardim de Verão", "Coluna Rostral" e outras - foram publicadas na forma de cartões postais.

V Um pintor prefere sempre louvar a natureza, se assim posso dizer, em sua forma mais pura, sem construções arquitetônicas? Nem sempre. Afinal, os edifícios o revivem, dão um novo significado. Mesmo sem serem um valor histórico e artístico, eles, em união com a área envolvente, adquirem especial expressividade, são percebidos como um importante e, por vezes, o principal elo da composição.

Outros mestres se inspiram na paisagem urbana, quando o lugar principal pertence à pintura, ao esboço, ao desenho, não à natureza, mas às construções arquitetônicas.

Muitas estruturas de madeira e pedra são bonitas em qualquer clima. Mas no inverno eles estão mais "à vista" - eles não são obscurecidos por árvores e arbustos, a cobertura de neve esconde todos os detalhes que distraem.

No entanto, é difícil trabalhar ao ar livre nesta época do ano: está frio ou até gelado. As mãos congelam, as cores engrossam. No entanto, conhecemos muitas obras bonitas em que se cantam paisagens de inverno. É verdade que nem todos foram criados ao ar livre, mas foram escritos no estúdio com base em esboços, de memória ou de uma janela.

A tela de S. Svetoslavsky é chamada “Da janela da Escola de Pintura de Moscou”. É feito, como se costuma dizer, em escala real: os volumes, a cor, a textura dos objetos são transmitidos com a máxima precisão. O telhado da torre do sino da tenda, os bulbos verdes da igreja, os tambores decorados com molduras de estuque, a neve solta, as paredes caiadas das casas estão escritas de forma tangível. Por tudo isso, o quadro não é de forma alguma naturalista. Contém a poesia de um dia tranquilo de inverno, quando o céu azul brilha através da neblina gelada, e os raios do sol baixo douravam os telhados cobertos de neve. Quando a neblina cinzenta se enrola dos canos e a distância se afoga em uma neblina fria. Uma paisagem cheia de espaço, ar, que o artista observava da janela todos os dias, mas a pintou de forma tão fresca, vibrante e colorida, como se a visse pela primeira vez.

Se a tela de Svetoslavsky dá uma idéia da escala de Moscou, sua aparência de um século atrás, a pintura de N. Goncharova leva o espectador à cidade do início do nosso século, à encruzilhada de ruas estreitas e aconchegantes. A neve recém-caída transformou as árvores em nuvens de nuvens, cobriu cuidadosamente os telhados, as calçadas e rangeu alegremente sob as passadeiras.

Esta não é mais uma paisagem natural, mas uma pintura feita por impressão. É decorativo, de contorno, escrito de forma generalizada, sem elaboração de detalhes. Usando apenas algumas cores, Goncharova ignorou
atenção à perspectiva aérea, nuances de tons e cores - era importante para ela capturar a impressão geral do que viu, para criar uma imagem do inverno de Moscou.

A pintura de P. Konchalovsky "Farmácia em Sadovaya" é resolvida de uma maneira completamente diferente. A abordagem da natureza aqui é ao ar livre: o artista transmite os efeitos característicos de um espaço aberto - uma riqueza de cores e sombras, a sensação de derramar de todos os lados do mundo. É antes um esboço na técnica alla prima - criado imediatamente, em uma sessão, em uma respiração.

No entanto, o artista não retratou a primeira coisa que chamou sua atenção. Ele foi atraído pela esquina da cidade velha, o lirismo de uma rua deserta de inverno com árvores nuas e pequenas casas atarracadas. O antigo edifício, onde se localiza a farmácia, ocupa um lugar central na composição. As árvores em primeiro plano realçam a sensação de profundidade do espaço, servem de diapasão para configurações de tons e cores, para definir a escala dos edifícios.

Para dominar o lápis e a tinta, é útil analisar cuidadosamente as obras dos mestres. A esse respeito, o esboço de Konchalovsky pode dizer muito: como o artista trabalhava com um pincel? O que
mais escuro - telhados e ruas cobertos de neve ou céu nublado? Os montes de neve são pintados apenas com cal? Como ele direcionava o pincel ao pintar árvores - de cima para baixo ou de baixo para cima? E o que você retratou primeiro - o céu ou as árvores?

Compare o trabalho de P. Konchalovsky com a pintura de K. Yuon "Manhã de Moscou Industrial". Eles são completamente diferentes, não são? A primeira é câmara na natureza, a paisagem é limitada a um pequeno espaço. E a pintura de Yuon é um panorama majestoso.

Diante de nós está a capital dos primeiros anos do pós-guerra. As silhuetas austeras de chaminés, prédios de fábricas, hangares são ecoadas por figuras enérgicas de trabalhadores. Muitas linhas verticais se opõem às horizontais, criando um equilíbrio plástico. As fumaças parecem se transformar em cordeiros de nuvens e se espalham pelo céu. Árvores altas à direita e à esquerda, por assim dizer, unem as partes superior e inferior da composição e, ao mesmo tempo, com os contornos bizarros dos galhos, enfatizam a severidade da paisagem industrial.

Yuon enquadra a imagem para que ela comece com segundo plano: isso permite que você evite mostrar detalhes desnecessários e concentre a atenção do espectador no principal. O sol da manhã desdobrou um leque de raios dourados sobre a imensidão, trazendo solenidade à paisagem. Se o mestre não tivesse escolhido o contador- iluminação a céu aberto, que faz com que os prédios e figuras das pessoas pareçam silhuetas, e a iluminação lateral preferencial, com foco nos volumes e nas características de cor dos objetos, a impressão da tela seria muito menos forte. Agora é verdadeiramente monumental - graças à composição estrita, permeada de um ritmo claro e claro, a estabilidade da maioria dos objetos, o horizonte alto e a calma colocação dos traços. E pela natureza da pintura assemelha-se a um mosaico.

Maneira própria e únicacartas de V. Byalynitsky-Birul. Suas paisagens são poéticas, cheias de tristeza silenciosa. Parecem envoltos em uma névoa leve e suave, na qual os contornos e formas dos objetos, os contrastes de luz e sombra, o brilho das cores são suavizados. Mas a pintura assume uma inteireza especial, uma completude.

O artista retratou a casa em que o grande Lenin viveu até recentemente. Tanto o edifício como tudo ao seu redor parece como era com ele. Uma casa construída no estilo do classicismo russo do final do século XVIII - início do século XIX, um grande prado coberto de neve, luz- céus cinzentos são sustentados em uma escala de cores e tons semelhantes, cujo som é aprimorado por manchas escuras de abetos. O tronco da árvore em primeiro plano é como uma fita de luto. Imagine uma composição sem esse detalhe - ela perderá profundidade espacial, integridade, expressividade.

Às vezes, artistas iniciantes perguntam: onde procurar motivos interessantes? Nesta ocasião, o pintor de Moscou I. Sorokin diz: “Tendo viajado muito pelo país, percebi que meu tema principal é
faixa do meio da Rússia. Antigas cidades russas, bem como aldeias e vilarejos próximos, preenchem e cativam completamente minha imaginação criativa. Agora de alguma forma não puxa para as terras distantes. Anteriormente, parecia que você encontraria algo extraordinário lá. Mas só parecia ser. E tudo o que é inusitado, interessante está perto de nós, entre nós, só precisa ser visto."

A paisagem de Sorokin "Inverno em Suzdal" incorpora o charme da cidade com seus numerosos monumentos antigos, cúpulas multicoloridas, telhados e paredes. Montes de neve, prédios, árvores são esculpidos com firmeza, com traços ousados ​​e livres. O miradouro da Catedral da Natividade e dos edifícios circundantes é bem escolhido. A perspectiva da rua, cercas, árvores atrai nosso olhar para a parte central
a cidade antiga e ao mesmo tempo mantém toda a composição. O lado esquerdo da tela é visualmente mais carregado que o direito, o que confere ainda mais vivacidade e naturalidade à paisagem.

Como o artista conseguiu tal consistência de todos os elementos da imagem? Em primeiro lugar, ele viu a natureza em unidade com o ambiente, imediatamente abraçando todo o seu olhar, comparando instantaneamente proporções, volumes, cores.

Os edifícios arquitetônicos podem não ser apenas parte integrante da paisagem - rural, urbana, industrial. Em muitas pinturas, eles estão associados a uma cena de gênero. Por exemplo, na obra de V. Telin "A Casa Estava Vazia", ​​revela-se a relação entre uma pessoa e sua casa, que cerca de
pode dizer muito. Sobre o que os mestres de seu ofício construíram. E decorado com amor e bom gosto. Que tem servido as pessoas por um longo tempo. Mas os donos se foram, a velha, ainda bem, casa forte estava vazia - e as janelas com belas molduras esculpidas estão sendo marteladas com tábuas ...

São infinitos os exemplos das mais variadas soluções para a paisagem arquitetônica. Se vocês, queridos jovens artistas, se empolgam com este tema - e é simplesmente impossível não se deixar levar - então
no início, desenhe com um lápis, pinte com aquarelas e óleos em edifícios que não sejam muito complexos em forma e decoração. Tente primeiro entender a estrutura do edifício, a proporção de seus volumes e objetos circundantes. Ao retratar uma antiga igreja, câmaras, paredes de fortaleza, preste atenção especial à sua fusão com bebida vamos segurar - os arquitetos antigos sempre viram a arquitetura em unidade com a natureza.

Sua própria poesia nos prédios da fábrica, no elevador da fazenda estatal, na usina termelétrica com suas torres de resfriamento atarracadas e tubos finos. Escolha um ponto de vista que melhor capture os recursos característicos da arquitetura. É interessante desenhar e urinar o mesmo motivo em diferentes épocas do ano e sob diferentes condições de iluminação.

Enquanto trabalha, você não apenas domina as habilidades gráficas e pictóricas - você parece penetrar no plano do arquiteto e, como ele, ergue paredes e um telhado em papel ou tela, decora a estrutura com esculturas ou molduras de estuque.

Esforce-se para transmitir a solidez, o peso do edifício ou a aspiração para cima, a leveza. Olhe para a fachada do edifício - imagine suas paredes laterais e traseiras e aplique traços ou traços, levando em consideração a estrutura, características de alvenaria, toras, blocos de concreto armado.

A arquitetura nos cerca em todos os lugares. Nós, pode-se dizer, vivemos no mundo da arquitetura que veio até nós desde os tempos antigos e está constantemente mudando sua aparência. Retratar este mundo é uma tarefa extremamente emocionante,
emocionante. Em cada caso, tem suas próprias características e suas próprias soluções.

Desejamos-lhe sucesso criativo!

A. Alekhin

Revista "Jovem Artista" №12, 1987

Mais uma master class

Por materiais macios queremos dizer lápis 3B e mais macios, carvão prensado, sanguíneo, molho, sépia, giz, pastel. Quanto mais macio o material, mais macio ele deve tocar o papel. É melhor lavar os lugares que falharam no início com um guardanapo ou uma pepita, depois com uma borracha. Alguns desses materiais podem ser usados ​​em papelaria molhada: molho, sanguíneo, sépia. Eles também podem ser esfregados em pó, diluídos com água em qualquer proporção e trabalhados com um pincel. Exemplos de métodos específicos de trabalho serão dados abaixo.
Não é incomum que os iniciantes tenham uma atitude mal concebida em relação aos materiais, por exemplo, com um tempo limitado em uma grande folha de papel, o desenho é feito com um lápis duro. Na ausência de experiência, o processo de trabalho se torna difícil e todo o resultado se torna inatingível. Esboços de grandes dimensões têm um efeito positivo no desenvolvimento de uma sensação de totalidade, e é natural fazê-los com materiais flexíveis e móveis, como sangue, carvão, sépia, etc. Esses grandes esboços são feitos à distância de um braço.

Desenho de interiores.

A imagem dos interiores da natureza tem características próprias. Primeiro, o interior inclui planos espaciais. O desenhista deve encontrar um ponto para que a arquitetura no desenho seja legível e com as proporções corretas de geral e detalhe. Ao mesmo tempo, para espaços muito grandes é necessário "corrigir" a perspectiva visível de tal forma que haja menos distorção. Para fazer isso, é possível "a olho" construir uma perspectiva de grande angular com três ou mais pontos de fuga no horizonte, e as verticais são desenhadas estritamente paralelas. Os interiores das câmaras são retratados de uma perspectiva normal. A localização da linha do horizonte é muito importante - ao nível dos olhos de uma pessoa em pé ou sentada. Em casos raros, uma linha do horizonte é feita perto do chão, para dar uma monumentalidade especial ao objeto. Em segundo lugar, o interior tem diferentes fontes de luz e, por vezes, vários pontos de luz “funcionam”. De qualquer forma, é preciso ficar de olho na perspectiva aérea que complementa a linear. O primeiro plano é o mais contrastante, à medida que você se afasta, a luz é retratada mais escura, as sombras - mais claras e todas as outras relações tonais se aproximam. Em terceiro lugar, os objetos no interior são diferentes em cor (do branco ao preto) e textura (madeira, mármore, metal)
Para esboços superficiais, use uma linha. Mas a linha, como tal, apenas define condicionalmente os limites do objeto, sem dar ideia de sua cor e qualidades texturizadas. Portanto, de acordo com o primeiro esboço linear, você pode definir imediatamente um tom claro com uma plumagem ou camurça, tendo experimentado anteriormente em uma paleta. As capacidades da linha na transferência de volume real também são limitadas. Estamos familiarizados com os brilhantes desenhos lineares dos interiores de arquitetos como Voronikhin, Toma de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
O desenho em preto e branco expressa não apenas a natureza condicional da iluminação, mas também muito mais. Antes de fazer esse desenho, você precisa pensar em como usar a iluminação no interior de forma mais eficaz, como revelar mais expressivamente os planos de luz. Quer a luz venha através das janelas, ou seja luz difusa, quer a luz venha de candelabros - em cada caso, é necessária uma solução de design qualitativamente nova. Para desenhos de interiores, é bom usar papel colorido, com a expectativa de que na última etapa do trabalho com giz faça golpes nos pontos de luz.
Um exemplo brilhante de interiores em preto e branco são os desenhos de Gonzago, Premazzi e Piranesi.

Desenho de uma paisagem com arquitetura.

É necessário desenhar no ar em climas diferentes e em momentos diferentes - então veremos a mesma arquitetura em iluminação diferente e será mais fácil capturar o principal. Aqui também é necessário construir uma imagem em perspectiva, que determina a relação dos planos espaciais com o horizonte e o ponto de fuga e a posição de todos os objetos no espaço. Tente primeiro delinear a própria forma dos edifícios, que não depende da iluminação. No curso do sol, ele mudará o tempo todo e você precisa se lembrar e fixar rapidamente a posição mais favorável na folha, ou desde o início você assume uma iluminação difusa de um céu nublado. Em primeiro lugar, elabore grandes planos, subordine e relacione formas e detalhes menores a eles. É aconselhável desenhar em tamanhos de papel diferentes para que a arquitetura pareça estar em uma escala diferente. É mais fácil começar com paisagens urbanas em um dia ensolarado, quando a iluminação é mais estável e a taxa de corte muda pouco. Exemplos de tais trabalhos são desenhos de M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne e outros.

Desenhando arquitetura em uma paisagem (por experiência própria).


Eu escolho um formato de papel e imediatamente esboço a composição em uma folha de papel em sépia (sem lápis): quanta terra, quanta arquitetura e quanto céu. Geralmente a área do céu no lençol é maior que o chão (é ruim quando sai igual). No primeiro estágio, os problemas de iluminação e as relações tonais são "lembrados" - a própria forma da terra e da arquitetura é esboçada através de formas simplificadas sem detalhes - um plano, um prisma, um cilindro etc. Para maior clareza de composição, o primeiro esboço deve ser brilhante, mas leve.
Em seguida, começa o estudo dos principais detalhes e a explicação da forma geral em tom. Você pode digitar sépia ralada com um couro pluma ou camurça e facilmente, sem esfregar no papel, aplicar nos locais necessários para a composição. Com iluminação difusa, estes são, antes de tudo, aberturas, com luz solar - também os limites gerais de suas próprias sombras. O meio-tom da terra é geralmente mais escuro que o meio-tom da arquitetura. O detalhamento e a elaboração do tom são realizados de acordo com a perspectiva linear e aérea. Ao mesmo tempo, de preferência de cada vez, o céu está sendo feito: o estado das nuvens em perspectiva e iluminação, e a arquitetura está sendo completada contra o fundo do céu. Ao longo da obra, a arquitetura continua sendo o principal elemento da composição. É sempre aconselhável na fase final fazer um ou dois dos lugares mais claros e um ou dois dos mais escuros, aumentando os contrastes em primeiro plano. Mais perto das bordas da folha, os contrastes são enfraquecidos. A comitiva (natureza, pessoas) nesses desenhos é de tom médio e mais ou menos convencional, ou seja, "joga junto" com a arquitetura. O palco linear e os detalhes são feitos apenas com um bastão de sépia bem afiado. Para quase todos os assuntos, o papel pode ser obtido com uma textura áspera. Em seguida, os planos distantes são feitos com uma pena, e o primeiro plano é raso, para transmitir uma textura áspera (casca de árvore, paredes de pedregulhos, terra, etc.). Se você pegar papel colorido - amarelado, acinzentado, acastanhado, etc. - então, na última etapa, vários acentos são feitos com giz ou cal líquida com um pincel. O branco é usado de duas maneiras: como destaque ou como plano de luz. O brilho é insignificante em área, mas brilhante em intensidade. Planos de luz são menos brilhantes, mas maiores em área. Em ambos os casos, esses pontos de luz são diferentes em intensidade e um deles é o mais brilhante. O tom geral do céu é geralmente mais leve do que qualquer outra coisa.

Desenho de uma paisagem com elementos da arquitetura.

Podemos considerar especialmente os desenhos de paisagem, onde a arquitetura na composição desempenha apenas o papel de um acento que enfatiza a beleza da paisagem. Nesses desenhos, a escala de um elemento da arquitetura e da paisagem é especialmente importante. Aqui a tarefa é mostrar como a arquitetura se encaixa lindamente na natureza e ao mesmo tempo difere dela. A textura da natureza é infinitamente variada: céu, folhagem, árvores, terra, pedras, etc. em contraste com mais ou menos a mesma textura na arquitetura. Os detalhes arquitetônicos desempenham aqui um papel especial. Tais desenhos são feitos, via de regra, em um tom profundo - do branco ao mais escuro, mas é aconselhável em nenhum lugar atingir tal grau de escuridão, quando o material já deixa de "funcionar".

paisagens arquitetônicas, obras-primas da pintura mundial, pinturas de artistas do passado

Como você sabe, a arquitetura e a pintura estão associadas ao nascimento da pintura a óleo, pois a arte arquitetônica é muito mais antiga. Os arquitetos gregos antigos lutaram pela precisão e excelência do artesanato que são marcas registradas da arte grega em geral. As fórmulas que eles inventaram no século VI aC influenciaram a arquitetura dos últimos dois milênios. Basta lembrar as duas principais ordens da arquitetura grega arcaica e clássica - a ordem dórica e a ordem jônica. A arquitetura de todo o mundo ocidental inspirou-se nos clássicos gregos. Muitos artistas do século XIX eram apaixonados pelos cânones romanos e gregos de beleza arquitetônica (fantasias arquitetônicas de Thomas Cole), admiravam sua arquitetura contemporânea, ou gostavam da arquitetura exótica islâmica (Alberto Pasini, Jerome Jean-Leon e outros) e indiana (Lord Edwin Weeks e outros artistas) ... Esta seção contém uma pequena parte das obras-primas da pintura mundial dedicadas à arquitetura. Quadros com arquitetura são sempre não apenas obras-primas da arte, mas também uma oportunidade de mergulhar na história, como os artistas dos séculos passados ​​a imaginaram.

Sonhos Arquitetônicos, Thomas Cole (EUA)

1840, x, m,

artista: Thomas Cole

[arquitetura antiga, edifícios, casas]

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Variedades de presentes

Um dos melhores presentes de elite é considerado uma foto do autor ou uma cópia bem feita, abaixo está um artigo sobre os tipos de presentes: simbólico, autoral, quadrinho, universal, dinheiro, etc.

O presente apresentado expressa, antes de tudo, atenção à pessoa presenteada. Ao mesmo tempo, o desejo de fazer um presente agradável é muito mais valioso do que a generosidade demonstrada.

Todos os presentes podem ser divididos em vários tipos:

1. Presentes simbólicos.

Nos tempos antigos, era considerado obrigatório conhecer os significados simbólicos de quaisquer presentes. Então era costume presentear como presentes pedras semipreciosas e preciosas, cachos de cabelo, buquês de alguns tipos de plantas, bolsas bordadas com miçangas, etc. Hoje em dia, tal simbolismo não está mais em voga e o significado da apresentação depende das circunstâncias . Ao apresentar, vale a pena preparar um discurso de acompanhamento ou um cartão postal com antecedência para que o destinatário entenda imediatamente o significado.

2. Presentes cômicos.

Essas apresentações proporcionam ao destinatário muitos minutos agradáveis, mas devem ser escolhidas com cuidado. Presentes legais podem ser inadequados se a pessoa presenteada não tiver senso de humor ou se não corresponderem ao ambiente onde a celebração está ocorrendo. Presentes cômicos são apresentados a amigos ou parentes próximos, mas é melhor evitar dicas vulgares.

Este tipo inclui coisas feitas à mão: bordados, roupas de malha, produtos de madeira, itens de interior forjados, etc. Todas as características do presente dependem exclusivamente das capacidades do autor. Recentemente, produtos impressos, por exemplo, um calendário com a fotografia do destinatário, começaram a ser atribuídos às apresentações dos autores. É melhor anexar um cartão postal com parabéns a esse presente.

4. Coisas necessárias.

Esses presentes incluem itens necessários na vida cotidiana, por exemplo, uma bolsa, roupas íntimas, sapatos, cosméticos. Eles são apresentados apenas por parentes e amigos próximos. Você não deve dar presentes a pessoas desconhecidas, pois podem causar uma sensação de constrangimento, além disso, você pode errar com o tamanho.

5. Presente de um sonho.

Para cada pessoa, o presente mais desejável é a realização de um sonho acalentado, mas raramente alguém discute esses tópicos, mesmo com pessoas próximas. É necessário dar tal presente somente se você tiver certeza absoluta de que essa coisa em particular é o que o destinatário deseja receber. Durante a apresentação, você deve fazer um discurso preparado com antecedência, expressando a esperança de que o item recebido realmente agrade.

6. Um presente universal.

Essa variedade inclui um grupo de itens neutros dados como presente nos casos em que a preferência do destinatário é desconhecida. Estes incluem lembranças, flores, vasos, cinzeiros, copos de vinho, jogos de jantar, blocos de notas e doces.

7. Um presente em dinheiro.

Não muito tempo atrás, era costume dar dinheiro como presente para um casamento, mas agora esses presentes são dados a outras celebrações. Um presente em dinheiro é especialmente relevante para pessoas que passam por algumas dificuldades materiais. Neste caso, as notas apresentadas como presente devem ser de grande valor e novas. Eles os colocam em um envelope em branco ou em um cartão postal especial com bolso.

Seja qual for o tipo de presente escolhido, você deve pensar nisso com antecedência, caso contrário, no último momento, o necessário pode não ser encontrado.

Enviado por: VolkovaMarina

O tema da paisagem como gênero de arte é a localidade. A palavra “paisagem” é traduzida do francês como “localidade, país”. Afinal, uma paisagem não é apenas a imagem da natureza que nos é familiar. A paisagem também pode ser urbana (arquitetônica, por exemplo). Na paisagem urbana, destaca-se uma imagem documental precisa - "lead".

E se falamos sobre a paisagem natural, há uma paisagem marinha separada, chamada "paisagem marinha" (respectivamente, os artistas que retratam o mar são chamados de "pintores de paisagens marinhas"), espaço (a imagem do espaço celestial, estrelas e planetas).
Mas as paisagens também diferem em termos de tempo: paisagens modernas, históricas, futuristas.
No entanto, na arte, qualquer que seja a paisagem (real ou fictícia) é sempre uma imagem artística. Nesse sentido, é importante entender que cada estilo artístico (classicismo, barroco, romantismo, realismo, modernismo) tem sua própria filosofia e estética da pintura de paisagem.
É claro que o gênero paisagem evoluiu gradualmente, assim como a ciência se desenvolveu. Ao que parece, o que há de comum entre paisagem e ciência? Muito em comum! Para criar uma paisagem realista, é preciso ter conhecimento de perspectiva linear e aérea, proporcionalidade, composição, claro-escuro, etc.
Portanto, o gênero paisagem é considerado um gênero relativamente jovem na pintura. Por muito tempo, a paisagem era apenas um meio "auxiliar": a natureza era retratada como pano de fundo em retratos, ícones, cenas de gênero. Muitas vezes ele não era real, mas idealizado, generalizado.
E embora a paisagem tenha começado a se desenvolver na arte oriental antiga, adquiriu um significado independente na arte da Europa Ocidental a partir do século XIV.
E seria muito interessante descobrir por que isso aconteceu. De fato, a essa altura, uma pessoa já sabia como representar idéias abstratas de maneira bastante correta, sua aparência, sua vida, animais em símbolos gráficos, mas permanece indiferente à natureza por muito tempo. E só agora ele está tentando entender a natureza e sua essência, porque para retratar - você tem que entender.

O desenvolvimento da paisagem na pintura europeia

O interesse pela paisagem tornou-se evidente a partir da pintura do início do Renascimento.
pintor e arquiteto italiano Giotto(por volta de 1267-1337) desenvolveu uma abordagem completamente nova para representar o espaço. E embora em suas pinturas a paisagem também fosse apenas um meio auxiliar, ele já carregava uma carga semântica independente, o espaço plano e bidimensional do ícone Giotto se transformou em tridimensional, criando a ilusão de profundidade usando o claro-escuro.

"Voo para o Egito" de Giotto (Igreja de San Francesco em Assis)
A pintura transmite o clima idílico da primavera da paisagem.
A paisagem começou a desempenhar um papel ainda mais importante durante o Alto Renascimento (século XVI). Foi nesse período que a busca pelas possibilidades de composição, perspectiva e outros componentes da pintura começou a transmitir o mundo circundante.
Os mestres da escola veneziana desempenharam um papel importante na criação do gênero paisagem deste período: Giorgione (1476/7-1510), Ticiano (1473-1576), El Greco (1541-1614).

El Greco "Vista de Toledo" (1596-1600). Metropolitan Museum of Art (Nova York)
A cidade espanhola de Toledo é retratada sob um céu sombrio e tempestuoso. O contraste entre o céu e a terra é óbvio. A vista da cidade é dada de baixo, o horizonte é elevado, a luz fantasmagórica é usada.
Na criatividade Pieter Bruegel (o Velho) a paisagem já ganha amplitude, liberdade e sinceridade. Ele escreve com simplicidade, mas nessa simplicidade se vê a nobreza da alma, que sabe ver a beleza da natureza. Ele sabe como transmitir tanto o mundo mesquinho sob os pés quanto a vastidão dos campos, montanhas, céus. Ele não tem lugares mortos e vazios - tudo vive com ele e respira.
Chamamos a sua atenção duas pinturas de P. Bruegel do ciclo "Estações".

P. Bruegel (o Velho) "O Retorno do Rebanho" (1565). Kunsthistorisches Museum (Viena)

P. Bruegel (o Velho) "Caçadores na Neve" (1565). Kunsthistorisches Museum (Viena)
Nas pinturas do artista espanhol D. Velázquez já se vê o surgimento do plein air ( Pleno ar- de fr. en plein air - pintura "ao ar livre"). Sua obra "Vista da Villa Medici" transmite o frescor do verde, tons quentes de luz deslizando sobre as folhas das árvores e altos muros de pedra.

D. Velázquez "Vista do jardim da Villa Medici em Roma" (1630)
Rubens(1577-1640), afirmativo da vida, dinâmico, característico da obra deste artista.

P. Rubens "Paisagem com arco-íris"
De um artista francês François Boucher(1703-1770) as paisagens parecem ser tecidas em tons de azul, rosa e prata.

F. Boucher "Paisagem com moinho de água" (1755). Galeria Nacional (Londres)
Os pintores impressionistas se esforçaram para desenvolver métodos e técnicas que tornassem possível capturar de maneira mais natural e vívida o mundo real em sua mobilidade e mutabilidade, para transmitir suas impressões fugazes.

Auguste Renoir "O Sapo". Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Os pintores pós-impressionistas desenvolveram as tradições dos impressionistas em sua pintura.

Noite estrelada de Vincent Vag Gogh (1889)
No século XX. o gênero paisagem foi utilizado por representantes de uma ampla variedade de tendências artísticas: fauvistas, cubistas, surrealistas, abstracionistas, realistas.
Aqui está um exemplo de uma paisagem de um artista americano Helen (Helen) Frankenthaler(1928-2011), que trabalhou no estilo da arte abstrata.

Helene Frankenthaler montanhas e mar (1952)

Algumas variedades de paisagem

Paisagem arquitetônica

N. V. Gogol chamou a arquitetura de "a crônica do mundo", porque ela, em sua opinião, “fala mesmo quando as canções e lendas já se calam...”. Em nenhum lugar o caráter e o estilo da época se manifestam tão figurativamente e claramente como na arquitetura. É provavelmente por isso que os mestres da pintura capturaram a paisagem arquitetônica em suas telas.

F. Ya. Alekseev "Vista da Bolsa de Valores e do Almirantado da Fortaleza de Pedro e Paulo" (1810)
A pintura retrata o Spit of Vasilievsky Island. O centro composicional de seu conjunto arquitetônico é o prédio da Bolsa de Valores. Em frente à Bolsa existe uma praça semicircular com um talude de granito. Em seus dois lados há colunas que serviam de balizas. Ao pé das colunas há esculturas de pedra simbolizando os rios russos: Volga, Dnieper, Neva e Volkhov. Na margem oposta do rio, são visíveis o Palácio de Inverno e os edifícios do Almirantado, a Praça do Senado. A construção da Bolsa de Valores, projetada por Tom de Thomon, durou de 1804 a 1810. Quando Pushkin chegou a São Petersburgo em 1811, a Bolsa de Valores já havia se tornado o centro arquitetônico da ilha de Strelka de Vasilievsky e o local mais movimentado da cidade portuária.
Veduta é uma espécie de paisagem arquitetônica. Aliás, esta paisagem de F. Alekseev é a principal.

Veduta

Veduta é um gênero de pintura europeia, especialmente popular em Veneza no século XVIII. É uma pintura, desenho ou gravura detalhando uma paisagem urbana cotidiana. Assim, o artista holandês Jan Vermeer retratava exatamente a cidade de Delft, sua cidade natal.

Jan Vermeer "Vista de Delft" (1660)
Os mestres trabalharam em muitos países europeus, incluindo a Rússia (M. I. Makhaev e F. Ya. Alekseev). Uma série de pistas com visões russas foram realizadas por Giacomo Quarenghi.

Marina

Marina é um gênero de pintura, uma espécie de paisagem (do Lat. Marinus - mar), retratando uma vista do mar ou uma cena de uma batalha naval, além de outros eventos que ocorrem no mar. A marina surgiu como um tipo independente de pintura de paisagem no início do século XVII. na Holanda.
Marinist (fr. Mariniste) é um artista que pinta marinas. Os representantes mais brilhantes deste gênero são o inglês William Turner e artista russo (armênio) Ivan Constantinovich Aivazovski, que escreveu cerca de 6.000 pinturas sobre o tema marinho.

W. Turner "A Última Viagem dos Bravos"

I. Aivazovsky "Arco-íris"
O arco-íris que apareceu no mar tempestuoso dá esperança para o resgate de pessoas do navio naufragado.

Paisagem histórica

Tudo nele é bastante simples: mostrar o passado através do cenário histórico, ambiente natural e arquitetônico. Aqui podemos lembrar fotos N.K. Roerich, imagens de Moscou no século XVII. SOU. Vasnetsova, barroco russo do século XVIII. DELA. Lanceiro, UM. Benoit, arcaico K.F. Bogaevsky e etc

N. Roerich "Convidados do Exterior" (1901)
Esta é uma foto do ciclo “The Beginning of Rus. eslavos". No artigo “A caminho dos varangianos aos gregos” (1899), Roerich descreveu uma imagem poética imaginária: “Os convidados da meia-noite estão navegando. A costa levemente inclinada do Golfo da Finlândia se estende em uma faixa clara. A água parecia saturada com o azul do céu claro da primavera; o vento ondula ao longo dele, afastando listras e círculos roxos opacos. Um bando de gaivotas afundou nas ondas, balançou descuidadamente sobre elas, e apenas sob a quilha do barco da frente brilhou suas asas - algo desconhecido, sem precedentes, alarmou sua vida pacífica. Um novo riacho atravessa a água estagnada, corre para a antiga vida eslava, atravessa florestas e pântanos, percorre um amplo campo, cria os clãs eslavos - eles verão convidados raros e desconhecidos, eles se maravilham em sua luta rigorosa, em seu costume ultramarino. As torres vão em uma longa fila! A coloração brilhante queima ao sol. Os arcos eram famosos, terminando com um nariz alto e esguio ".

K. Bogaevsky "Torre Consular em Sudak" (1903). Feodosia Art Gallery em homenagem a I.K. Aivazovsky

Paisagem futurista (fantástica)

Pinturas belgas Jonas De Ro são telas épicas de mundos novos e inexplorados. O objeto principal da imagem de Jonas são imagens extensas do mundo pós-apocalíptico, imagens futuristas, fantásticas.
Além do futuro das cidades absolutamente reais, Jonas também desenha ilustrações completamente originais da cidade abandonada.

J. De Ro "Civilização Abandonada"

Filosofia da paisagem

O que é isso?
No centro da pintura de paisagem está sempre a questão da relação de uma pessoa com o meio ambiente - seja uma cidade ou a natureza. Mas o meio ambiente também tem sua própria relação com o homem. E essas relações podem ser harmoniosas e harmoniosas.
Considere a paisagem Evening Bell.

I. Levitan "Sinos da Noite" (1892). Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
A pintura "Evening Bells" retrata um mosteiro na curva de um rio e iluminado pelos raios de sol da tarde. O mosteiro é cercado por uma floresta de outono, nuvens flutuam no céu - e tudo isso se reflete na superfície espelhada do rio que flui calmamente. Em harmonia, tanto a alegria brilhante da natureza quanto o mundo espiritual do ser e os sentimentos das pessoas se fundem. Você quer olhar para esta foto e ver, isso acalma a alma. É uma beleza feliz e idílica.
E aqui está outra paisagem do mesmo artista - "Acima da Paz Eterna".

I. Levitan "Acima da Paz Eterna" (1894). Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O próprio Levitan escreveu sobre esta imagem da seguinte forma: "... nela eu sou tudo, com toda a minha psique, com todo o meu conteúdo ...". Em outra carta: "Eternidade, uma eternidade terrível, em que gerações se afogaram e ainda se afogarão... Que horror, que medo!" É sobre essa eternidade formidável que a foto de Levitan faz você pensar. A água e o céu na imagem capturam, surpreendem uma pessoa, despertam o pensamento da insignificância e transitoriedade da vida. Uma solitária igreja de madeira fica em uma margem alta e íngreme, ao lado de um cemitério com cruzes tortas e sepulturas abandonadas. O vento sacode as árvores, dirige as nuvens, atrai o espectador para a imensidão infinita do norte. A sombria grandeza da natureza se opõe apenas a uma pequena luz na janela da igreja.
O artista, talvez, quisesse responder com sua pintura à pergunta sobre a relação entre o homem e a natureza, sobre o sentido da vida, opondo as forças eternas e poderosas da natureza a uma vida humana fraca e de curto prazo. Esta é uma tragédia sublime.