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A música barroca é um período no desenvolvimento da música acadêmica europeia, entre cerca de 1600 e 1750. A música barroca surgiu no final do Renascimento e antecedeu a música do classicismo. Os compositores barrocos trabalharam em uma variedade de gêneros musicais. A ópera, surgida no final do Renascimento, tornou-se uma das principais formas musicais do barroco. Pode-se lembrar as obras de mestres do gênero como Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi e outros. O gênero oratório atingiu seu auge nas obras de JS Bach e Handel; óperas e oratórios freqüentemente usavam formas musicais semelhantes. Por exemplo, a difundida ária da capo. Formas de música sacra, como missa e moteto, tornaram-se menos populares, mas a forma de cantata recebeu atenção de muitos compositores protestantes, incluindo Johann Bach. Essas formas virtuosas de composição desenvolveram-se como tocata e fuga.

Sonatas e suítes instrumentais foram escritas para instrumentos individuais e orquestras de câmara. O gênero do concerto emergiu em ambas as suas formas: para um instrumento com orquestra e como concerto grosso, em que um pequeno grupo de instrumentos solo contrasta com um conjunto completo. O esplendor e o esplendor de muitas cortes reais também foram acrescentados por obras na forma de uma abertura francesa, com suas partes rápidas e lentas contrastantes.

As peças para teclado eram frequentemente escritas por compositores para seu próprio entretenimento ou como material de ensino. Essas obras são as obras maduras de J. S. Bach, as obras-primas intelectuais geralmente reconhecidas da era barroca: O Cravo Bem Temperado, Variações Goldberg e A Arte da Fuga.

17. Música do Iluminismo (realismo, romantismo, impressionismo).

Durante a Idade das Luzes, ocorreu um aumento sem precedentes na arte da música. Após a reforma realizada por K.V. Gluck (1714-1787), a ópera se tornou uma arte sintética, combinando música, canto e ação dramática complexa em uma apresentação. F. J. Haydn (1732-1809) elevou a música instrumental ao mais alto nível da arte clássica. O auge da cultura musical do Iluminismo é o trabalho de JS Bach (1685-1750) e WA Mozart (1756-1791). O ideal iluminista é especialmente vívido na ópera de Mozart, A Flauta Mágica (1791), que se distingue pelo culto da razão, da luz, da ideia do homem como a coroa do Universo. Arte da ópera do século 18 Reforma da ópera da segunda metade do século 18 foi em grande parte um movimento literário. Seu progenitor foi o escritor e filósofo francês J.J. Rousseau.

18. Variedade de gêneros do Renascimento (barroco, classicismo).

Duas etapas históricas são observadas no desenvolvimento do classicismo. Surgido da arte do Renascimento, o classicismo do século 17 se desenvolveu simultaneamente com o barroco, em parte em luta, em parte em interação com ele, e durante esse período foi mais desenvolvido na França. O classicismo tardio associado ao Iluminismo, de meados do século 18 ao início do século 19, está associado principalmente à escola clássica vienense.

A complexa relação entre o classicismo e o barroco no início do século 20 suscitou uma discussão: muitos musicólogos, principalmente na Alemanha, consideram o barroco como um estilo único de música europeia entre o Renascimento e o Iluminismo - aproximadamente até meados do século 18 século, antes de JSBach e GF Handel inclusive. Na França, pátria do classicismo, alguns musicólogos, ao contrário, tenderam a uma interpretação excessivamente ampla desse conceito, considerando o estilo barroco como uma das manifestações privadas do classicismo.

A periodização das eras é complicada pelo fato de que em diferentes culturas nacionais os estilos musicais se espalharam em diferentes épocas; é indiscutível que em meados do século XVIII o classicismo triunfou em quase todos os lugares. A essa direção pertencem, em particular, as óperas reformistas de K.V. Gluck, as primeiras escolas vienenses e de Mannheim. As maiores conquistas do classicismo na música estão associadas às atividades da escola clássica vienense - com as obras de J. Haydn, W. A. ​​Mozart e L. van Beethoven.

O classicismo como tendência artística tomou forma na França na primeira metade do século XVII: o interesse pela cultura antiga que surgiu no Renascimento, que deu origem à imitação de modelos antigos em várias formas de arte, na França absolutista se transformou em normativa estética baseada na Poética de Aristóteles e complementando-a com uma série de requisitos estritos especiais.

A estética do classicismo baseava-se na crença na racionalidade e harmonia da ordem mundial, que se manifestava na atenção ao equilíbrio das partes da obra, no acabamento cuidadoso dos detalhes, no desenvolvimento dos cânones básicos da forma musical. Foi durante este período que a forma sonata foi finalmente formada, a partir do desenvolvimento e oposição de dois temas contrastantes, foi determinada a composição clássica das partes da sonata, com uma sinfonia.

The Age of Enlightenment e a ópera do século XVIII.

Um novo estágio no desenvolvimento da consciência humana - a Idade das Luzes - foi preparado por muitos eventos. A Grande Revolução Industrial na Inglaterra e a Grande Revolução Francesa serviram como arautos de uma nova ordem de coisas, na qual as ideias científicas e culturais atuam como força motriz para o desenvolvimento da sociedade, e a intelectualidade é o principal sujeito das transformações históricas, seu instigador. Desde então, nenhum grande evento ocorreu na Europa sem o papel de liderança ou a participação direta desse segmento específico da população. O Iluminismo criou um novo tipo de pessoa - intelectuais, pessoas da ciência e da cultura. Eles foram recrutados de todos estilos de vida, mas acima de tudo a partir do terceiro estado que entrou para a história da arena e se declarou na arte. A adoção de idéias educacionais foi em grande parte a favor dessa classe. A abordagem da vida e a percepção do mundo determinaram a mente. Uma abordagem racional da vida apelou simultaneamente para as virtudes do homem e criou uma pessoa que era prática e empreendedora. Discrição, honestidade, trabalho árduo e generosidade são as principais virtudes do herói positivo do drama educacional e do romance.

Os principais eventos daquela época foram a Revolução Francesa e a Declaração de Independência dos Estados Unidos, a descoberta do novo planeta Urano e a música de Beethoven, Haydn, Mozart, a ópera de Gluck e a teoria evolucionária do desenvolvimento e muitos tipos de Lamarck, e muito mais.

Em diferentes países, a Idade das Luzes não veio ao mesmo tempo. A Inglaterra foi a primeira a entrar em uma nova era - no final do século XVII. Em meados do século 18, o centro do novo pensamento mudou-se para a França. O Iluminismo foi o fim de uma poderosa explosão revolucionária que conquistou os principais países do Ocidente. É verdade que foram revoluções pacíficas: industriais - na Inglaterra, políticas - na França, filosóficas e estéticas - na Alemanha. Por cem anos - de 1689 a 1789 - o mundo mudou irreconhecível.

Os representantes mais importantes da cultura do Iluminismo são: Voltaire, J.-J. Rousseau, C. Montesquieu, K.A. Helvetius, D. Diderot na França, J. Locke na Grã-Bretanha, G.E. Lessing, I.G. Herder, I.V. Goethe, f. Schiller na Alemanha, T. Payne, B. Franklin, T. Jefferson nos EUA, N.I. Novikov, A.N. Radishchev na Rússia.

Em suas manifestações mais elevadas, a cultura burguesa do século XVIII se expressou por meio da ideologia científica. Na filosofia, o Iluminismo se opôs a toda metafísica, contribuindo para o desenvolvimento das ciências naturais e da crença no progresso social. A Idade do Iluminismo também é chamada pelos nomes de grandes filósofos: na França - a era de Voltaire, na Alemanha - o século de Kant, na Rússia - o século de Lomonosov e Radishchev. O Iluminismo na França está associado aos nomes de Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Denis Diderot, Charles Louis Montesquieu, Paul Henri Holbach e outros. Toda uma fase do movimento educacional na França está associada ao nome do grande escritor e filósofo francês J.-J. Rousseau (1712-1778). Em Discourse on the Arts and Sciences (1750), Rousseau foi o primeiro a formular o tema principal de sua filosofia social - o conflito entre a sociedade moderna e a natureza humana. Vamos nos lembrar dele na conversa sobre a ópera.

A filosofia do Iluminismo na Alemanha foi formada sob a influência de Christian Wolff (1679-1754), o sistematizador e divulgador dos ensinamentos de G. Leibniz.

Uma grande influência em toda uma época da história da cultura alemã e no desenvolvimento da cultura europeia como um todo foi exercida pelo movimento literário alemão dos anos 70 e 80 do século 18 "Sturm und Drang"; título baseado no drama de mesmo nome por FM Klinger, que declarou o desejo de mudar as normas morais e sociais.

O grande poeta alemão, dramaturgo e teórico da arte do Iluminismo Friedrich Schiller, junto com G.E. Lessing e J.W. Goethe, foi o fundador da literatura clássica alemã. Um papel especial na formação do Iluminismo alemão pertence ao grande poeta e escritor Johann Wolfgang Goethe. A arte, incluindo a música, sempre expressou as ideias da época.

"Não há nada maior e mais belo do que dar felicidade a muita gente!" - Ludwig van Beethoven.

Em resposta a tudo o que aconteceu no mundo, novos rumos surgiram na arte. A era do Iluminismo é caracterizada pela oposição de dois estilos antagônicos - classicismo, baseado no racionalismo e um retorno aos ideais da antiguidade e romantismo que surgiram como uma reação a ele, professando sensualidade, sentimentalismo e irracionalidade. Barroco, classicismo e romantismo se manifestaram em tudo - da literatura à pintura, escultura e arquitetura, e rococó - principalmente apenas na pintura e escultura.

O barroco como estilo artístico que se desenvolveu na Europa em 1600-1750 é caracterizado pela expressividade, esplendor, dinâmica. A arte barroca procurou influenciar diretamente os sentimentos do público, enfatizando a natureza dramática das experiências emocionais humanas no mundo moderno. A cultura barroca é representada pelas maiores realizações nas artes visuais (Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), na arquitetura (Bernini, Puget, Kuazevox), na música (Corelli, Vivaldi).

Na arte francesa do século XVIII. Rococó se tornou a direção principal. Toda a arte rococó é construída sobre a assimetria, o que cria uma sensação de mal-estar - um sentimento lúdico, zombeteiro, artístico e provocador. Não é por acaso que a origem do termo "rococó" remonta à palavra "concha" (fr. Rocaille).

A direção principal é o Classicismo, atribuído por pesquisadores à cultura do Novo Tempo, pois um estilo e visão de mundo foi formado sob os auspícios de ideias características do Renascimento, mas estreitando e mudando ligeiramente os critérios principais. O classicismo não apelou para a antiguidade como um todo, mas diretamente para os clássicos gregos antigos - o período mais harmonioso, proporcional e calmo da história da civilização grega antiga. O classicismo foi levado "ao serviço" de forma mais conspícua pelos Estados absolutistas; cujos líderes ficaram impressionados com a ideia de ordem imponente, subordinação estrita e unidade impressionante. As autoridades estaduais reivindicaram a racionalidade dessa estrutura social, queriam ser vistas como um princípio unificador, heróico e sublime. As ideias de "dever" e "serviço" tornaram-se as mais importantes na ética e na estética do classicismo. Ele, em contraste com o barroco, atualizou o outro lado dos ideais humanísticos - o desejo por uma ordem de vida razoável e harmoniosa. É natural que na era da coesão nacional, superando a fragmentação feudal, tal ideia vivesse nas profundezas da consciência do povo. A origem do classicismo geralmente está associada à cultura francesa. Na época de Luís XIV, esse estilo assume formas austeras e inabaláveis.

A música sacra deste período é a música da dor, mas esta não é a dor universal do barroco, mas a leve tristeza do classicismo. Se nas massas barrocas o som é denso e saturado com densas linhas polifônicas de vozes, então na música do classicismo o som é leve e transparente - apenas dissonâncias dolorosas e menor melancolia às vezes o escurecem. A música sacra dos compositores clássicos é essencialmente música secular, a música da nova era clássica. Giovanni Pergolesi (falecido muito jovem, aos 26 anos) foi o primeiro a ouvir e entender o que deveria ser. Stabat Mater é sua última obra que um compositor doente poderia dirigir a si mesmo. A luz e a esperança que brilham na tristeza do Stabat Mater lembram mais uma vez a famosa expressão que os filósofos do século 20 usaram para caracterizar a Idade do Iluminismo: "Classicismo é a coragem do impossível."

Em outros gêneros, a filosofia do Iluminismo também foi freqüentemente refletida. Por exemplo, de acordo com as instruções de Mozart, inúmeras mudanças foram feitas na peça "O Rapto do Serralho", tão significativas que o libretista Bretzner protestou duas vezes nos jornais contra sua suposta distorção. A imagem de Selim mudou drasticamente; pequeno em volume, seu papel adquiriu um importante significado ideológico. De Bretzner, Selim reconhece seu filho desaparecido em Belmont e liberta os prisioneiros para a liberdade. Em Mozart, um muçulmano, um “selvagem”, um filho da natureza, dá aos cristãos uma lição de alta moralidade: ele deixa o filho de seu inimigo de sangue ir livre, falando sobre a alegria de pagar com uma bênção pelo mal feito. Tal ato estava totalmente de acordo com a filosofia iluminista e os ideais de Rousseau.

Ópera do século 18
Desde que apareceu, a ópera não sofreu interrupções em seu desenvolvimento. Reforma da ópera da segunda metade do século XVIII. foi em grande parte um movimento literário. Seu progenitor foi o escritor e filósofo francês J.J. Rousseau. Rousseau também estudou música, e se na filosofia ele clamava por um retorno à natureza, no gênero operístico ele defendia um retorno à simplicidade. Em 1752, um ano antes da bem-sucedida estreia parisiense de The Handmaiden-Madame Pergolesi, Rousseau compôs sua própria ópera cômica The Village Wizard, que foi seguida pelas contundentes Letters on French Music, nas quais Rameau era o principal alvo de ataques. A ideia de reforma estava no ar. O florescimento de diferentes tipos de ópera cômica era um sintoma; outras foram as Letters on Dance and Ballets do coreógrafo francês J. Novers (1727-1810), em que a ideia do ballet se desenvolveu como um drama, e não apenas como um espetáculo. O homem que deu vida à reforma foi K.V. Gluck (1714-1787). Como muitos revolucionários, Gluck começou como um adepto da tradição. Por vários anos, ele encenou uma tragédia após a outra no velho estilo e se voltou para a ópera cômica mais sob a pressão das circunstâncias do que por impulso interior. Em 1762 conheceu R. di Calzabigi (1714-1795), amigo de Casanova, que estava destinado a devolver os libretos de ópera ao ideal de expressividade natural proposto pela Camerata florentina. A arte operística de diferentes países possui características próprias. Itália. Depois de Monteverdi, compositores de ópera como Cavalli, Alessandro Scarlatti (pai de Domenico Scarlatti, o maior autor de obras para cravo), Vivaldi e Pergolesi apareceram um após o outro na Itália.

O apogeu da ópera cômica. Outro tipo de ópera tem origem em Nápoles - a ópera-bufa, que surgiu como uma reação natural à ópera-séria. A paixão por esse tipo de ópera rapidamente varreu as cidades da Europa - Viena, Paris, Londres. De seus antigos governantes, os espanhóis, que governaram Nápoles de 1522 a 1707, a cidade herdou a tradição da comédia popular. Censurada pelos rígidos professores dos conservatórios, a comédia, porém, fascinou os alunos. Um deles, JB Pergolesi (1710-1736), com 23 anos, escreveu um intermezzo, ou pequena ópera cómica The Maid-Lady (1733). Antes, os compositores compunham intermezzos (geralmente eram tocados entre atos de uma ópera em série), mas a criação de Pergolesi foi um sucesso impressionante. Seu libreto não era sobre as façanhas de heróis antigos, mas sobre uma situação completamente moderna. Os personagens principais pertenciam aos tipos conhecidos por "Commedia dell'arte" - uma comédia-improvisação tradicional italiana com um conjunto padrão de papéis cômicos. O gênero ópera-buffa recebeu notável desenvolvimento na obra de napolitanos tardios como G. Paisiello (1740-1816) e D. Cimarosa (1749-1801), sem falar nas óperas cômicas de Gluck e Mozart. França. Na França, Lully foi substituído por Rameau, que dominou o cenário da ópera durante toda a primeira metade do século XVIII.

A analogia francesa para a ópera buffa é a ópera comique. Autores como F. ​​Philidor (1726-1795), P.A.Monsigny (1729-1817) e A. Gretri (1741-1813) levaram a sério a zombaria Pergolesiana da tradição e desenvolveram seu próprio modelo de ópera cômica, que de acordo com Gallic gostos, previa a introdução de cenas faladas em vez de recitativas. Alemanha. Acredita-se que a ópera foi menos desenvolvida na Alemanha. O fato é que muitos compositores de ópera alemães trabalharam fora da Alemanha - Handel na Inglaterra, Gasse na Itália, Gluck em Viena e Paris, enquanto os teatros da corte alemães eram ocupados por grupos italianos da moda. O Singspiel, uma contraparte local da ópera bufa e da ópera cômica francesa, começou seu desenvolvimento mais tarde do que nos países latinos. O primeiro exemplo desse gênero foi "The Devil is Free" de I. A. Hiller (1728-1804), escrito em 1766, 6 anos antes de Mozart Abduction from the Seraglio. Ironicamente, os grandes poetas alemães Goethe e Schiller inspiraram compositores de ópera não domésticos, mas italianos e franceses.

Romantismo combinado com o singspiel em Fidelio, a única ópera de L. van Beethoven (1770-1827). Defensor ferrenho dos ideais de igualdade e fraternidade apresentados pela Grande Revolução Francesa, Beethoven escolheu a trama sobre uma esposa fiel, salvando da prisão e da execução seu marido injustamente condenado. O compositor terminou a partitura da ópera com um cuidado extraordinário: terminou Fidelio em 1805, fez a segunda edição em 1806 e a terceira em 1814. No entanto, não teve sucesso no gênero operístico; Ainda não está decidido se Beethoven conseguiu transformar o singspiel em uma ópera maravilhosa ou Fidelio é um fracasso grandioso.

O compositor alemão Georg Philipp Telemann (1681-1767) desempenhou um papel proeminente no desenvolvimento da casa de ópera. A principal característica de sua obra operística é a busca pela caracterização musical de personagens por meios instrumentais. Nesse sentido, Telemann foi o predecessor direto de Gluck e Mozart. Durante seus mais de 70 anos de atividade criativa, Telemann criou em todos os gêneros musicais conhecidos na época e nos diversos estilos de música que existiam no século XVIII. Foi um dos primeiros a se desviar do estilo do chamado "Barroco Alemão" e passou a compor no "estilo galante", abrindo caminho para o surgimento de novos rumos da arte musical, que o levaria ao estilo clássico. da escola vienense. Ele escreveu mais de 40 óperas. Áustria. A ópera de Viena foi dividida em três áreas principais. O lugar principal foi ocupado por uma séria ópera italiana (ópera séria italiana), onde heróis e deuses clássicos viveram e morreram em uma atmosfera de grande tragédia. Menos formal foi a ópera cômica (opera buffa), baseada no enredo de Arlequim e Colombina da comédia italiana (commedia dell "arte), rodeada de lacaios desavergonhados, seus mestres decrépitos e todos os tipos de malandros e vigaristas. Junto com esses italianos formas, a ópera cômica alemã (singspiel), cujo sucesso foi talvez no uso de seu alemão nativo, acessível ao público em geral, para cantores apenas desculpas para demonstrar o poder de suas vozes.

Com o poder de seu talento, Mozart combinou essas três direções. Quando adolescente, ele escreveu uma ópera de cada tipo. Como um compositor maduro, ele continuou a trabalhar nas três direções, embora a tradição da ópera séria tenha desaparecido. A Revolução Francesa completou o trabalho iniciado pelos panfletos de Rousseau. Paradoxalmente, a ditadura de Napoleão foi a última ascensão da ópera-séria. Trabalhos como Medea L. Cherubini (1797), Joseph E. Megulia (1807), Vestal G. Spontini (1807) apareceram. A ópera cômica está desaparecendo aos poucos, e um novo tipo de ópera aparece nas obras de alguns compositores - a romântica.

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"Enlightenment" - Enlightenment-. Iluminismo alemão. Charles Montesquieu. Nasceu em Genebra na família de um relojoeiro. Música. Jonathan Swift (1667-1745). Idéias de enciclopedistas. Diga o nome dos educadores franceses. Qual é o significado do lema do Iluminismo? O valor das atividades dos educadores. A Inglaterra é o berço do Iluminismo. Enciclopedistas.

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"A Europa do século XVIII" - O objetivo principal - a dominação no Báltico. Estrutura política interna. D. Kantemir Aram Oleg. As guerras e revoluções do século 19 fizeram pouco para mudar os contornos dos países europeus. Sociedade. Política estrangeira. A EUROPA na segunda metade dos séculos 17 a 18

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A arte musical pode ser equiparada ao teatro e à arte literária. Óperas e outras obras musicais foram escritas sobre os temas das obras de grandes escritores e dramaturgos.

O desenvolvimento da arte musical está principalmente associado aos nomes de grandes compositores como J. S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. W. Beethoven Compre seringa de 200ml compre seringas médicas 200 sigma-med.ru.

O mestre consumado da polifonia foi o compositor, organista e cravista alemão Johann Sebastian Bach (1685-1750).

Suas obras foram permeadas por um profundo significado filosófico, alta ética. Ele foi capaz de generalizar as conquistas na arte da música, que haviam alcançado seus antecessores. Suas obras mais famosas são O Cravo Bem Temperado (1722–1744), A Paixão de acordo com John (1724), A Paixão de acordo com São Mateus (1727 e 1729), muitos concertos e cantatas, a Missa Siminore (1747-1749 ) e outros.

Ao contrário de J.S.Bach, que não escreveu uma única ópera, o compositor e organista alemão Georg Friedrich Handel (1685-1759)

possuía mais de quarenta óperas. E também trabalha com temas bíblicos (oratórios "Israel no Egito" (1739), "Saulo" (1739), "Messias" (1742), "Sansão" (1743), "Judas Macabeu" (1747), etc.), concertos de órgão, sonatas, suítes, etc.

O mestre dos gêneros instrumentais clássicos, como sinfonias, quartetos e formas de sonata, foi o grande compositor austríaco

Joseph Haydn (1732-1809).

Foi graças a ele que se formou a composição clássica da orquestra. Ele possui vários oratórios (As Estações (1801), A Criação do Mundo (1798)), 104 sinfonias, 83 quartetos, 52 sonatas para piano, 14 mensagens.

Outro compositor austríaco, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791),

foi uma criança prodígio, graças ao qual se tornou famoso na primeira infância. Ele possui mais de 20 óperas, entre elas o famoso Casamento de Fígaro (1786), Don Juan (1787), A Flauta Mágica (1791), mais de 50 sinfonias, muitos concertos, obras para piano (sonatas, fantasias, variações), Réquiem inacabado (1791), canções, missas, etc.

O compositor alemão teve um destino difícil, que deixou sua marca em toda a criatividade. Ludwig van Beethoven (1770-1827).

Seu gênio se manifestou já na infância e não o deixou nem mesmo em apuros para qualquer compositor e músico - a perda auditiva. Um caráter filosófico pode ser traçado em suas obras. Muitas de suas obras foram influenciadas por suas visões republicanas do compositor. Beethoven possui nove sinfonias, sonatas instrumentais (Moonlight, Pathetique), dezesseis quartetos de cordas, conjuntos, a ópera Fidelio, aberturas (Egmont, Coriolanus), concertos para piano e outras obras.

Sua famosa expressão: "A música deve lançar fogo nos corações humanos". Ele seguiu essa ideia pelo resto de sua vida.

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Classicismo musical e as principais etapas do seu desenvolvimento

Classicismo (do Lat.classicus - exemplar) é um estilo na arte dos séculos XVII - XVIII. O nome "classicismo" vem do apelo à antiguidade clássica como a norma máxima de perfeição estética. Os representantes do classicismo extraíram seu ideal estético de amostras da arte antiga. A base do classicismo era a crença na racionalidade do ser, na presença da ordem e da harmonia na natureza e no mundo interior do homem. A estética do classicismo contém a soma das regras estritas obrigatórias que devem ser cumpridas por uma obra de arte. Os mais importantes deles são a demanda pelo equilíbrio entre beleza e verdade, clareza lógica, harmonia e integridade da composição, proporções estritas e uma distinção clara entre os gêneros.

No desenvolvimento do classicismo, 2 estágios são observados:

Classicismo do século XVII, que se desenvolveu em parte na luta contra a arte do Barroco, em parte na interação com ele.

Classicismo iluminista do século XVIII.

O classicismo do século 17 é, em muitos aspectos, a antítese do barroco. Obtém sua expressão mais completa na França. Este foi o apogeu da monarquia absoluta, que fornecia o mais alto patrocínio à arte da corte e exigia esplendor e esplendor dela. O auge do classicismo francês no campo da arte teatral foram as tragédias de Corneille e Racine, bem como as comédias de Molière, em cuja obra Lully se baseou. Suas "tragédias líricas" trazem a marca da influência do classicismo (lógica estrita de construção, heroísmo, caráter autoconfiante), embora também tenham traços barrocos - o esplendor de suas óperas, abundância de danças, procissões, coros.

O classicismo do século 18 coincidiu com a era do Iluminismo. O Iluminismo é um amplo movimento na filosofia, literatura, arte, que varreu todos os países europeus. O nome "Iluminismo" é explicado pelo fato de que os filósofos desta época (Voltaire, Diderot, Rousseau) procuraram educar seus concidadãos, tentaram resolver os problemas da estrutura da sociedade humana, a natureza do homem, seus direitos. Os iluministas partiram da ideia da onipotência da mente humana. A fé em uma pessoa, em sua mente, determina o humor brilhante e otimista inerente aos pontos de vista dos líderes do Iluminismo.

A ópera está no centro das disputas musicais e estéticas. Os enciclopedistas franceses consideravam um gênero em que a síntese das artes que existia no antigo teatro deveria ser restaurada. Essa ideia formou a base de K.V. Falha.

A grande conquista do classicismo educacional é a criação do gênero sinfonia (ciclo sonata-sinfônico) e forma sonata, que está associada à obra de compositores da escola de Mannheim. A escola de Mannheim foi formada na cidade de Mannheim (Alemanha) em meados do século XVIII com base na capela da corte, na qual trabalhavam principalmente músicos tchecos (o maior representante foi o tcheco Jan Stamitz). Na obra dos compositores da Escola de Mannheim, a estrutura de quatro partes da sinfonia e a composição clássica da orquestra foram estabelecidas.

A Escola de Mannheim se tornou a antecessora da escola clássica vienense - uma direção musical que denota a obra de Haydn, Mozart, Beethoven. Na obra dos clássicos vienenses, finalmente se formou o ciclo sonata-sinfônico, que se tornou clássico, assim como os gêneros do conjunto de câmara e do concerto.

Entre os gêneros instrumentais, vários tipos de música de entretenimento doméstico eram especialmente populares - serenatas, divertissements que soavam ao ar livre à noite. Divertissement (entretenimento francês) - obras instrumentais multiparte para um conjunto de câmara ou orquestra, combinando as características de uma sonata e de uma suite e perto de uma serenata nocturna.

K. V. Gluck - o grande reformador da ópera

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - Alemão de nascimento (nascido em Erasbach (Baviera, Alemanha)), entretanto, é um dos mais destacados representantes da escola clássica vienense.

As atividades de reforma de Gluck ocorreram em Viena e Paris e foram realizadas de acordo com a estética do classicismo. No total, Gluck escreveu cerca de 40 óperas - italianas e francesas, buffa e séria, tradicionais e inovadoras. Foi graças a este último que garantiu um lugar de destaque na história da música.

Os princípios da reforma de Gluck são apresentados em seu prefácio à partitura da ópera Alceste. Eles se resumem ao seguinte:

A música deve expressar o texto poético da ópera, ela não pode existir por si mesma, fora da ação dramática. Assim, Gluck aumenta significativamente o papel de base literária e dramática da ópera, subordinando a música ao drama.

A ópera deve ter um impacto moral na pessoa, daí o apelo a temas antigos com seu alto pathos e nobreza ("Orfeu e Eurídice", "Paris e Helena", "Ifigênia em Aulis"). G. Berlioz chamou Gluck de "Ésquilo da Música".

A ópera deve obedecer aos "três grandes princípios da beleza em todas as formas de arte" - "simplicidade, verdade e naturalidade". É necessário livrar a ópera do virtuosismo excessivo e da ornamentação vocal (inerente à ópera italiana), enredos intrincados.

Não deve haver nenhum contraste nítido entre ária e recitativo. Gluck substitui o secco recitativo pelo acompanhado, pelo que se aproxima da ária (na ópera-séria tradicional, o recitativo servia apenas como elo de ligação entre números de concertos).

Gluck também interpreta as árias de uma nova maneira: ele introduz as características da liberdade de improvisação, associa o desenvolvimento do material musical a uma mudança no estado psicológico do herói. Árias, recitativos e coros são combinados em grandes cenas dramáticas.

A abertura deve antecipar o conteúdo da ópera e introduzir o público em sua atmosfera.

O balé não deve ser um número de plug-in que não esteja relacionado à ação da ópera. Sua introdução deve ser condicionada pelo curso da ação dramática.

Muitos desses princípios foram incorporados na ópera Orpheus and Eurydice (estreada em 1762). Esta ópera marca o início de uma nova etapa não só na obra de Gluck, mas também na história de toda a ópera europeia. Orfeu foi seguido por outra de suas óperas inovadoras, Alcesta (1767).

Em Paris, Gluck escreveu outras óperas reformistas: Iphigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Taurida (1779). A atuação de cada um deles se tornou um acontecimento grandioso na vida de Paris, causando uma polêmica polêmica entre os "glukistas" e os "picchinists" - partidários da tradicional ópera italiana, personificada pelo compositor napolitano Nicolo Piccini (1728-1800 ) A vitória de Gluck nesta polêmica foi marcada pelo triunfo de sua ópera Ifigênia em Taurida.

Assim, Gluck transformou a ópera em uma arte de elevados ideais educacionais, saturou-a de profundo conteúdo moral e revelou sentimentos humanos genuínos no palco. A reforma da ópera de Gluck teve uma influência frutífera tanto em seus contemporâneos quanto nas gerações subsequentes de compositores (especialmente os clássicos vienenses).