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Reflexão da natureza crítica da época de Pedro na arte decorativa e aplicada. Influências artísticas da Europa Ocidental (Holanda, Inglaterra, França, Itália). Os processos de formação do sistema imobiliário e a consolidação da cultura laica e sua influência no desenvolvimento das artes e ofícios. A sobreposição de artes e ofícios, o desenvolvimento desigual de suas esferas individuais. Preservação e desenvolvimento de tendências tradicionais (cultura provincial e folclórica, arte sacra).

Aperfeiçoamento da técnica de produção artesanal e manufatureira. A origem da indústria da arte (produção de tapeçarias, vidro artístico, faiança, lapidação de pedra, produção de seda e tecidos). Fabricação de artigos de moda, artigos de luxo. Descoberta e desenvolvimento de depósitos de cobre, estanho, prata, pedra colorida, argilas de alta qualidade.

O papel da Academia de Ciências na "prosperidade das artes e manufaturas livres", o reflexo das novas ciências naturais e dos interesses técnicos nas artes e ofícios. Novas formas de educação e formação de mestres em oficinas de arte. Encerramento das oficinas do Arsenal. A aposentadoria e seu papel no desenvolvimento de certos tipos de artes e ofícios. O surgimento de organizações artesanais de artesãos na Rússia. O trabalho de mestres estrangeiros em vários campos das artes e ofícios.

Estilo artístico em artes e ofícios. Moda, seu impacto na mudança de gostos, mudando o ambiente sujeito. O surgimento de novos tipos de objetos, a renovação de ideias estéticas nas artes e ofícios. Tendências de síntese artística. O papel da arquitetura, arte monumental, gráficos e publicações ilustradas no desenvolvimento das artes e ofícios. Tendências decorativas da cultura barroca no desenho de festivais, complexos de portões triunfais, arte de jardinagem.

A arte da decoração de interiores como atividade artística especial na obra dos arquitetos do primeiro quartel do século XVIII. As primeiras obras de interiores e as principais tendências de estilo (barroco, rococó, classicismo). Novos tipos de instalações (escritórios, quartos de estado, salas de estar, "turners", "salas de fotos") e seu conteúdo (Palácio de Verão, Palácio de Menshikov A.D., Grande Palácio de Peterhof, Monplaisir). Obras de mestres franceses. "Chinoiserie" nos interiores da época de Pedro.

Solução de conjunto do ambiente sujeito. O surgimento de atividades de projeto no campo da cultura material e das artes e ofícios.

Desenvolvimento do negócio de móveis. Novos tipos e formas de móveis, materiais e métodos de decoração. Influência do mobiliário inglês e holandês. Mobiliário barroco e rococó.

Escultura em madeira, seu papel no interior. Relevos esculpidos. A iconóstase da Catedral de Pedro e Paulo. Escultura e transporte de navios.

Negócio de prata. Preservando as tradições do século XVII. Criação de oficinas para ourives e ourives. Arte de joias. Miniatura de retrato em esmalte. Encomende crachás e pessoas "honradas". Os primeiros mestres da pintura em miniatura foram Grigory Musikisky e Andrey Ovsov.

Cerâmica e faiança da época petrina. Azulejos holandeses no interior. Ampliação das importações de produtos de faiança da Inglaterra e Holanda. A primeira manufatura privada de A. Grebenshchikov em Moscou, o surgimento de faiança fina doméstica.

Aumento do consumo de vidro, fundando fábricas de vidro em Yamburg e Zhabino perto de São Petersburgo. Espelhos e luminárias. Formação do estilo dos pratos cerimoniais do palácio com gravura fosca. A primeira fábrica privada de vidro e cristal de Maltsov no distrito de Mozhaisky.

Escultura em pedra e lapidação de pedras preciosas. Fundação das primeiras fábricas de corte em Peterhof e Yekaterinburg. Escultura óssea. Técnicas básicas de escultura, técnicas estilísticas. Tradições Kholmogory. O surgimento de tornos, mudanças na forma dos produtos. Torno Petrovskaya e A. Nartov. Influência da gravura e dos livros ilustrados na escultura óssea. A fundação da Fábrica de Armas de Tula, o desenvolvimento da arte do processamento artístico do aço em artigos decorativos.

Tipologia de terno. Troca de um vestido medieval por um traje de estilo europeu. O estabelecimento por Pedro das regras de uso e tipos de vestimenta nobre. Introdução de roupas e uniformes estatutários para o exército e a marinha, para funcionários. O surgimento de novas fábricas devido a mudanças no traje. Substituição de tecidos orientais por tecidos da Europa Ocidental. Amostras de um terno masculino do guarda-roupa de Peter I.

Fundação da Manufatura de Tapeçaria de São Petersburgo. Formação de mestres russos.

Arte decorativa e aplicada da época de Anna Ioannovna. Prata artística. Fundação de uma fábrica de vidro estatal na Fontanka em São Petersburgo. Atividade de fabricação de tapeçaria. Estilo treliça e uso no interior. L.Karavak e seus projetos no campo das artes decorativas.

Renascimento na cultura artística durante o reinado de Elizabeth Petrovna. A predominância de influências francesas. Barroco e Rococó na Arte Russa. Rococó em design de interiores, figurino, joalheria, arte de jardinagem. Síntese da arquitetura e das artes e ofícios em interiores barrocos e rococós. Obras de V.V. Rastrelli e A. Rinaldi no campo do design de interiores. Materiais decorativos e técnicas de decoração de interiores. Tipos de móveis barrocos e rococós. Tecidos no interior. Iluminação. Um conjunto em vários tipos de artes e ofícios de meados e segunda metade do século.

Negócio de prata. Aprovação do estilo barroco. Obras monumentais e decorativas. Grandes conjuntos cerimoniais. Mudando a forma dos objetos, novos tipos de pratos para novos produtos. Arte de joias. As atividades dos mestres da corte. Estilo rococó em joias. Tipos de joias femininas. Pedra colorida em joias.

Um terno, sua imagem, tipo de corte, materiais, acessórios, caráter da decoração. Influência da moda francesa. Barroco e rococó em trajes femininos e masculinos.

A invenção da porcelana doméstica. Fundação de uma fábrica de porcelana em São Petersburgo. As atividades de DI Vinogradov e o período "Vinogradov" do desenvolvimento da porcelana russa. Os primeiros serviços do palácio, vasos, pequenos plásticos. Criação de uma fábrica de faiança estatal em São Petersburgo.

Vidro gravado da era elizabetana. As atividades da fábrica de vidro do estado de São Petersburgo e a fábrica no rio. Nazier. Barroco e Rococó em vidro artístico. Vidro na decoração de interiores de palácios V.V. Rastrelli. Fábricas privadas dos Nemchinovs e Maltsovs. Experimentos de MV Lomonosov no campo de vidro colorido, o início de sua produção na fábrica de Ust-Ruditsk.

Escultura óssea. Estilo rococó, obra do escultor Osip Dudin.

Arte decorativa e aplicada da segunda metade do século XVIII.

Classicismo nas artes e ofícios 1760-1790 Combinando o estilo rococó com motivos antigos. O papel dos arquitetos nas artes decorativas e aplicadas da era do classicismo. Formação de mestres de artes decorativas e aplicadas na Academia das Artes.

Interior do classicismo inicial. Materiais e formas, cor, decoração escultórica, redução de custo de acabamento decorativo. Trabalho de interiores por C. Cameron. Um círculo de técnicas decorativas, novos materiais, a imagem das instalações e do conjunto. Interiores de V. Brenna.

Mobiliário do classicismo, caráter, forma, influência. Protótipos antigos. Novos tipos de móveis. Participação de arquitetos no desenvolvimento da arte do mobiliário na Rússia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Mobília de D. Roentgen na Rússia. Workshop de G. Gambs e I. Ott. Estilo Jacob em móveis russos. Mudança de materiais na arte do mobiliário (mogno, madeira dourada, choupo, bétula da Carélia). Tecido e bordado em móveis.

Oficina de Spol em Moscou. Decoração esculpida nos interiores de M. Kazakov. Móveis esculpidos do Palácio Ostankino. O florescimento da técnica cenográfica no mobiliário russo da segunda metade do século, métodos de execução e materiais. Produção de móveis em Okhta em São Petersburgo. Papel machê como material para móveis e artes decorativas.

Bronze artístico russo e francês. Os principais tipos de produtos e técnicas decorativas. Bronze e vidro em luminárias. Bronze na decoração de vasos e móveis de pedra e porcelana. Atividades da Casa de Fundição. Mestres estrangeiros de bronze em São Petersburgo (P. Azhi, I. Tsekh e outros).

Fantasia. Mudando os tipos e a silhueta de roupas nas décadas de 1770-1780. A introdução de um vestido nobre uniforme. Vestido de corte cerimonial, o uso de formas nacionais estilizadas. "Estilo grego" da década de 1790 em trajes e penteados. Uma mudança radical no design do traje. Moda para xales, lenços, capas, mantilha, xales.

Arte de joias. As atividades de I. Pozier, Dubulon, J. Ador, I. G. Scarf, I.V. Buch, os irmãos Duval. Grande coroa imperial. Oficina de diamantes da corte. Prata artística. Influência da prata francesa no estilo Luís XVI. A arte do preto sobre prata. O papel crescente dos centros de joalheria do norte - Vologda, Veliky Ustyug. Fábrica de produtos niello e esmalte dos irmãos Popov em Veliky Ustyug. Esmalte com sobreposições de prata.

Porcelanato, técnicas de fabricação e decoração. Fábrica de Porcelana Imperial. Classicismo precoce na forma e decoração dos produtos. Influência da porcelana e faiança europeias. As atividades de J.-D. Rachette. Contactos do IPZ com a Academia das Artes. Vasos decorativos e serviços palacianos no interior da época do classicismo. Grandes conjuntos cerimoniais, sua composição, caráter de decoração. A busca por formas convenientes de objetos e técnicas de decoração de produtos. Plástico de porcelana (série de figuras "Povos da Rússia", "Comerciantes e mascates"). Desenho de gênero e gravura em escultura em porcelana e pintura em porcelana. Produtos de biscoito. Porcelana "Pavlovsky" do final da década de 1790.

F. Fábrica de Gardner em Verbilki. Conjuntos de pedidos.

Vidro artístico. A fábrica de G. Potemkin em Ozerki. Vidro colorido e cristal. Vidro nos interiores de Charles Cameron. A Fábrica de Vidro Imperial na década de 1790. A ligação entre os produtos da porcelana imperial e as fábricas de vidro. A fábrica da Bakhmetev na província de Penza. O florescimento da pintura em vidro nas décadas de 1780 e 90. Motivos góticos em vidro artístico.

Atividade de fabricação de tapeçaria. A conexão das tapeçarias com a tendência geral da pintura russa (tema histórico, alegoria, retrato em uma tapeçaria). A transição do rococó para o classicismo. Tapeçarias na decoração de interiores.

Escultura em pedra. O papel de C. Cameron no desenvolvimento da cultura da pedra colorida e seu uso no interior. Novos métodos de uso de pedra, "mosaico russo". Atividades da Fábrica de lapidação de Peterhof. Descoberta de novos depósitos de pedra colorida nos Urais e Altai. Fábrica de Yekaterinburg e fábrica de Kolyvan. A invenção de máquinas para processamento de pedra. Vasos baseados em desenhos de A. Voronikhin e D. Quarenghi.

O florescimento do aço Tula (móveis e artigos decorativos). Fábricas nobres e mercantis. Fábrica de miniaturas de laca P.I. Korobov. O surgimento do artesanato nas fábricas de arte. O desenvolvimento do artesanato artístico na segunda metade do século XVIII: pintura Khokhloma, tecelagem de rendas, tecelagem estampada, tecelagem de tapetes, metal artístico, etc.

Mudanças na vida cotidiana e seu impacto nas artes e ofícios. Características de ornamentação e decoração dos estilos artísticos do Barroco, Rococó, Classicismo.

Negócios de prata e ouro: a escola de São Petersburgo, artesãos e manufaturas de Moscou, prata niello de Veliky Ustyug. Novos tipos de pratos feitos de metais preciosos e não ferrosos: bules, cafeteiras, bouillottes, samovars. Utensílios domésticos e da igreja. regalias estaduais. Ordens e medalhas. Esmaltes. Artistas de esmalte A.G. Ovsov, G.S. Musikiskiy.

O surgimento da porcelana russa. D.I. Vinogradov. Fábricas de porcelana imperiais e privadas. Majólica, faiança. Vidro artístico. Tecidos decorativos e tapeçarias. Novo em roupas. Armários e móveis tipográficos. Marchetaria. Esculturas em madeira em interiores civis e de igrejas. Tripulações. Rocha decorativa. Camafeus.

Artesanato folclórico artístico. Fundos esculpidos e embutidos de Gorodets. Escultura óssea Kholmogor. Bordado de ouro da província de Tver. Renda de Galich e Vologda. Cerâmica Gzhel.

Música e teatro no século XVIII

Canto coral polifônico. Kanty. Música instrumental e orquestras. Arte da ópera. Balé. Música na corte, na cidade e na vida camponesa. O surgimento da escola nacional de composição. E.I. Fomin. I. E. Handoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovsky. A. O. Kozlovsky.

Tenta criar um teatro público acessível ao público sob Pedro, o Grande. Performances amadoras na corte. Teatros escolares em instituições educacionais religiosas e seculares. Grupos profissionais de atores estrangeiros.

A dramaturgia do classicismo russo: tragédias e comédias. A influência do sentimentalismo no repertório teatral. O surgimento do drama e da ópera cômica no palco russo. A.P. Sumarokov - dramaturgo e figura teatral. O criador do teatro profissional russo, ator e diretor F.G. Volkov. Seu amigo e seguidor I.A. Dmitrevsky. Espetáculos teatrais de massa.

Teatro servo. A trupe do Conde P.B. Sheremetev. P.I.Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova e outros artistas. Palácio-teatro em Ostankino. Teatro do povo.

ABREVIATURAS NOS NOMES DAS PRINCIPAIS COLEÇÕES DO MUSEU REFERIDAS NA LISTA DE MONUMENTOS CULTURAIS

BAN - Biblioteca da Academia Russa de Ciências (São Petersburgo)

VMDPNI - Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia (Moscou)

Museu Histórico do Estado - Museu Histórico do Estado (Moscou)

GMGS - Museu Estadual de Escultura Urbana (São Petersburgo)

GMMK - Museus Estatais do Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Museu Estadual de Pesquisa de Arquitetura (Moscou)

GOP - Câmara do Arsenal do Estado (Moscou)

Museu Estatal Russo - Museu Estatal Russo (São Petersburgo)

Galeria Tretyakov - Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

GE - State Hermitage (São Petersburgo)

ZIKHMZ - o antigo Zagorsk (agora Sergiev-Posad) história e museu de arte-reserva (Sergiev Posad, região de Moscou)

MFA - Museu de Tesouros Históricos da Ucrânia (Kiev)

IPIB - Museu de Artes Aplicadas e Vida do século XVII "Catedral dos Doze Apóstolos e Câmaras Patriarcais no Kremlin de Moscou" (Moscou)

GPS - Reserva do Museu do Estado dos Estados Unidos de Novgorod (Novgorod)

NGP - Palácio das Facetas de Novgorod (Novgorod)

SHM - Museu de Arte de Samara (Samara)

MONUMENTOS DA CULTURA RUSSA

SEÇÃO I. HISTÓRIA DA CULTURA RUSSA DA IDADE ANTIGA E MÉDIA

(ATÉ O FIM DO SÉCULO XVII)

ARQUITETURA DE MADEIRA POPULAR

EDIFÍCIOS CULTURAIS

1. Igrejas Kletskie: a Igreja de Lázaro do Mosteiro de Murom (séculos 14-16) - a reserva de Kizhi; a Igreja da Deposição do Manto da aldeia de Borodavy (século XV) - Museu-Reserva Kirillo-Belozersky; a Igreja da Transfiguração da aldeia de Spas-Vezhi (século XVII) - Museu-Reserva Kostroma; Igreja Nikolskaya da aldeia de Tuchola (século XVII) - Museu-Reserva Novgorod "Vitoslavlitsy"; a capela de Miguel Arcanjo da aldeia de Lelikozero (século XVIII) - o Museu-Reserva Kizhi; Igreja de São Nicolau da aldeia de Glotova (século XVIII) - Museu-Reserva Suzdal.

2. Igrejas de tendas: Igreja Nikolskaya na aldeia de Lylyavia (século XVI); a Igreja de São Jorge da vila de Vershina (século XVII) - Museu-Reserva de Arkhangelsk "Malye Korely"; Igreja da Ressurreição da aldeia de Patakino (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal; Igreja da Assunção (século XVIII) na cidade de Kondopoga.

Na segunda metade do século XVIII, a arte aplicada russa atingiu um aumento significativo. Isso foi facilitado pelo desenvolvimento da economia, comércio, ciência e tecnologia e, em grande medida, laços estreitos com a arquitetura e as artes visuais. Cresceu o número de grandes e pequenas fábricas, fábricas, oficinas de tecidos, vidros, porcelanas e móveis. Proprietários de terras em suas propriedades montaram várias oficinas baseadas no trabalho escravo.

As ideias humanísticas do esclarecimento foram refletidas de maneira peculiar na arte aplicada do final do século XVIII. Os artesãos desta época se distinguiam pela atenção aos gostos e necessidades pessoais de uma pessoa, pela busca de conveniência no ambiente.

Um novo estilo - classicismo russo - na virada dos anos 1770-1780 foi estabelecido em todos os tipos de artes aplicadas. Os arquitetos M.F. Kazakov, I.E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A.N. Voronikhin criaram interiores no espírito de nobre simplicidade e contenção, com uma divisão clara de partes, com um arranjo justificado construtivamente de plástico e decoração arquitetônica pitoresca.

Os mesmos princípios foram usados ​​para projetar móveis, candelabros e lustres para instalações do palácio. Na ornamentação de móveis, pratos, tecidos, construídos em um ritmo claro, surgiram motivos antigos - acantos, meandros, iônicos, flores vividamente interpretadas, guirlandas, imagens de cupidos, esfinges. O douramento e as cores tornaram-se mais suaves e contidos do que em meados do século XVIII.

No final do século XVIII, o fascínio pela antiguidade obrigou-os a abandonar até um traje complexo e magnífico. Vestidos leves e soltos com dobras fluidas, com um cinto alto à maneira antiga (VL Borovikovsky, "Retrato de MI Lopukhina", 1797) entraram na moda.

A síntese das artes no classicismo russo é baseada no princípio de uma combinação harmoniosa de todos os tipos de artes.

Mobília. Durante o período do classicismo, suas formas são simples, equilibradas, claramente construídas, os ritmos são calmos. Os contornos ainda mantinham alguma suavidade, redondeza, mas as linhas verticais e horizontais já eram proeminentes. As decorações (talhas baixas, pinturas, onlays de bronze e latão) enfatizavam a expressividade dos desenhos. Havia mais preocupação com a conveniência. Para salas cerimoniais para diversos fins, foram projetados conjuntos de fones de ouvido: uma sala de estar, um escritório, um quarto da frente, um hall. Surgiram novas formas de mobiliário: mesas para jogos de cartas, artesanato, mesas bobik portáteis leves (com tampa em forma de bob) e vários tipos de cómodas. Os sofás se espalharam e, nos móveis de escritório, há secretarias-secretárias, mesas com tampa de enrolar cilíndrica.

Como em períodos anteriores, o mobiliário russo, em comparação com o mobiliário ocidental, é mais maciço, mais generalizado, mais simples em detalhes. O material para isso eram espécies de madeira locais - tília, bétula (dourada e pintada em cores claras), nogueira, carvalho, álamo, freixo, pêra, carvalho do pântano. No final do século XVIII, a bétula da Carélia e a madeira colorida importada de mogno, amaranto, pau-rosa e outras espécies começaram a ser usadas. Os artesãos souberam mostrar sua beleza, estrutura, cor, brilho, habilmente acentuados pelo polimento.

Os mestres russos alcançaram grandes conquistas na técnica de composição tipográfica (marchetaria). Sua essência está na compilação de ornamentos e pinturas inteiras (geralmente de gravuras) na superfície de objetos de madeira a partir de pedaços de madeira colorida. Esse tipo de trabalho é conhecido não apenas entre os fabricantes de móveis da corte da capital, mas também entre os ex-servos que trabalharam em Moscou e na região de Moscou: Nikifor Vasiliev (Fig. 78), Matvey Veretennikov e artesãos anônimos de Tver e Arkhangelsk, que introduziram osso de morsa no conjunto. Amostras da alta arte de esculpir os móveis do Palácio Ostankino pertencem aos servos Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov e outros. Em São Petersburgo, móveis e esculturas de mestres de Okhta, que foram transferidos para a capital de diferentes lugares sob Pedro I, eram famosos. A aparência artística dos móveis foi completada por estofados com sedas estampadas, veludo, chita estampada, tecidos de linho , em harmonia com a decoração das paredes.

Tecidos. De todas as indústrias da segunda metade do século XVIII, a indústria têxtil se desenvolveu com mais sucesso (Moscou, Ivanovo, Yaroslavl, província de Vladimir). Sua ascensão foi determinada não apenas por grandes manufaturas, mas também por pequenas empresas camponesas. Os mestres alcançaram uma perfeição particular em novos tecidos de linho estampados com tramas intrincadas, com um jogo de tons naturais de linho branco prateado. Aqui, as tradições de tecelagem camponesa, uma profunda compreensão do material afetado. Massive barato heterogêneo e corante também foi produzido. As qualidades decorativas de tecidos coloridos e tecidos de lã melhoraram significativamente.

A produção de tecidos de seda para vestidos e tecidos decorativos, lenços e fitas desenvolveu-se rapidamente (Fig. 80). No final do século 18, eles não eram inferiores em qualidade aos franceses - os melhores da Europa. Os tecelões russos aprenderam a usar uma variedade de fios, os mais complexos tecidos de tecelagem, que lembram o bordado. As técnicas de composição, a riqueza da paleta em tecidos decorativos alcançaram a transferência de espaço, a sutileza das transições de tons, a precisão do desenho de flores, pássaros, paisagens. Tais tecidos eram usados ​​na decoração de palácios, enviados como presentes para o exterior.

Em tecidos para vestidos, especialmente em tecidos sarafan, até a década de 1780 - 1790, foram utilizados padrões de guirlandas de flores onduladas e complexas, fitas e miçangas. Mas aos poucos as guirlandas foram sendo substituídas por listras, os padrões tornaram-se mais simples, seus ritmos mais suaves, as cores mais claras e suaves.

Na década de 1750-1760 em São Petersburgo e depois em Moscou, na aldeia. Em Ivanovo (atual cidade de Ivanovo), desenvolveu-se a produção de chintz (tecido de algodão com padrão estampado com creme, tintas que não desbotam e posterior polimento). Nos padrões de chita, os mestres, especialmente os de Ivanovo, processavam de maneira peculiar os motivos dos tecidos de seda. Com base em saltos folclóricos, eles combinaram uma mancha pictórica exuberante e corte gráfico (desenho de contornos, treliças, pontos de fundo). No início, as chitas eram muito caras. No final do século XVIII, suas variedades baratas começaram a ser produzidas.

Porcelana. No final do século XVIII, a porcelana russa tornou-se uma das melhores da Europa. A Fábrica de Porcelana do Estado em São Petersburgo funcionou com sucesso. Seus produtos se distinguiam pela brancura de tom levemente quente, esmalte brilhante e alta qualidade técnica. As formas dos pratos, vasos, sua pintura não eram inferiores aos ocidentais.

O mais significativo dos serviços foi criado - Arabesque para recepções de corte (1784, il. 77). A decoração de mesa deste conjunto de nove esculturas alegóricas glorifica a anexação da Geórgia e da Crimeia, as "virtudes" de Catarina II (escultor J. D. Rachet). É dominado pelas posturas calmas características do classicismo do final do século XVIII, douramento leve e proporções estritas da forma de talheres com pinturas em forma de arabescos, baseadas em ornamentos antigos.

Na década de 1780, foi criada uma série de esculturas "Os Povos da Rússia" (processamento criativo de gravuras) - brilhantemente decorativas, com imagens características - representantes de certas nacionalidades (Yakut, Samoyed, Tatar). Foram produzidas figuras escultóricas de vendedores ambulantes, artesãos, retratados em movimento, trabalhando. A escultura de porcelana tornou-se a decoração favorita de interiores nobres por muitas décadas.

Das fábricas de porcelana privadas, a fábrica Franz Gardner (1765) (a vila de Verbilki, perto de Moscou) acaba sendo a mais viável. Já no final do século XVIII, ele prestava serviços para a casa real com o uso original de motivos de ordens russas nas pinturas. A louça de porcelana de Gardner, bastante barata, distinguida pela simplicidade da forma, rica pintura floral, próxima das tradições folclóricas, foi um sucesso tanto na capital como nas províncias (Fig. 79).

Vidro. O vidro colorido traz a verdadeira glória ao vidro russo no último terço do século XVIII. MV Lomonosov, com seu trabalho sobre a teoria da cor e a tecnologia do vidro colorido, abriu novos caminhos para a vidraria russa, enriqueceu a paleta de vidro e reviveu os mosaicos russos. Ele organizou uma fábrica para a produção de smalt, miçangas e vidro na aldeia de Ust-Ruditsa, província de Petersburgo. Mestres da Fábrica Estatal em São Petersburgo Druzhinin e Kirillov foram treinados em derreter vidro colorido de Lomonosov. A fábrica está dominando a produção de vidro de cores profundas e puras - azul, roxo, rosa-vermelho, verde esmeralda. Agora não é o cristal gravado que predomina em sua produção, mas o vidro fino colorido e incolor. Copos, copos, decantadores ganham formas suaves, nas quais o corpo passa suavemente para a perna, criando contornos suaves e graciosos. Pinturas em ouro e prata de guirlandas, arcos, estrelas, monogramas são calmas no ritmo, enfatizando os volumes plásticos dos vasos.

Também é produzido o chamado vidro branco leitoso (canecas, decantadores, objetos de igreja), que lembram porcelanas mais caras na aparência e na natureza das pinturas.

No final do século XVIII, as fábricas de vidro privadas de Bakhmetyev na província de Penza, as Maltsev nas províncias de Vladimir e Oryol e muitas outras se desenvolveram e alcançaram grande sucesso. Seus vidros e cristais incolores e coloridos são amplamente distribuídos em toda a Rússia.

Processamento artístico de metal. O florescimento da arte joalheira na Rússia começa em meados do século XVIII e continua ao longo de todo o século. Possui materiais artísticos de extraordinária beleza: diamantes, esmeraldas, safiras e outras pedras preciosas e semipreciosas, esmaltes pintados, metais não ferrosos (ouro, prata, platina, ligas). A arte de lapidar pedras atinge um alto grau de perfeição. Para melhorar o jogo da pedra, os joalheiros encontram uma variedade de métodos artísticos e técnicos de montagem, fixação móvel de peças. Artistas-joalheiros criam formas caprichosas, joias multicoloridas: brincos, anéis, caixas de rapé, fivelas de sapatos, botões para ternos luxuosos para homens e mulheres.

No último terço do século XVIII, as formas de joalheria adquirem um equilíbrio, a gama de cores das pedras preciosas torna-se mais rigorosa.

Durante este período, os ourives alcançaram grande sucesso. De acordo com os novos gostos, as formas dos conjuntos de prata são simples e claras. Eles são decorados com flautas, ornamentos antigos. Em copos de prata e caixas de rapé, os mestres de Veliky Ustyug reproduzem imagens de cenas antigas e vitórias de tropas russas a partir de gravuras.

Um fenômeno notável na arte aplicada do século XVIII são os produtos de arte em aço dos mestres de Tula: móveis, caixas, castiçais, botões, fivelas, caixas de rapé. Eles constroem o efeito decorativo de suas obras sobre a justaposição de aço leve e liso e ornamentos em forma de peças facetadas, cintilantes como diamantes. Os artesãos usam o azulamento (tratamento térmico em um forno a diferentes temperaturas) do metal, que dá vários tons - verde, azul, lilás, do grosso ao branqueado. As tradições da arte popular se refletem no amor pelas cores brilhantes, em uma profunda compreensão do material.

Pedra colorida. Na segunda metade do século XVIII, foram descobertos depósitos de mármore, águia rosa-cereja nos Urais, jaspe multicolorido, brecha variada, pórfiro de Altai e lápis-lazúli azul Baikal. Além de Peterhof (1722-1723) e Yekaterinburg (início da década de 1730), no coração de Altai, a fábrica Loktevskaya começou a funcionar em 1787 (desde 1802 foi substituída pela Kolyvanskaya). Existem amplas oportunidades para o uso de pedra colorida na decoração e decoração de obras monumentais e decorativas de interiores de palácios.

A capacidade de revelar as qualidades estéticas do material sempre distinguiu os artesãos russos, mas foi especialmente expressada na arte do corte de pedra. Trabalhando nos projetos dos arquitetos, os lapidários revelam artisticamente a fabulosa beleza da pedra, seu padrão natural, extraordinários tons de cor, brilho, realçando-os com excelente polimento. Bronze dourado em forma de puxadores, que apenas complementa e realça a forma. Projetos para produtos de lapidação de pedra, obeliscos, vasos, baseados em formas antigas, foram criados por Quarenghi e Voronikhin.

O florescimento da arte aplicada russa do século XVIII foi associado ao trabalho dos arquitetos Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin e vários artistas folclóricos treinados. Mas sua verdadeira glória foi criada em grande parte pelos servos desconhecidos restantes - fabricantes de móveis, escultores, tecelões, lapidadores de pedra, joalheiros, vidraceiros, ceramistas.

Já na arte do século XVII, especialmente na segunda metade, há tendências que abriram caminho para o rápido desenvolvimento da arte realista secular do século XVIII. A convenção iconográfica dá lugar à reprodução realista de pessoas, paisagens e eventos históricos. O ornamento floral tradicional, interpretado de forma bastante condicional, é substituído pela reprodução de flores, frutos, folhas, guirlandas e conchas reproduzidas de forma realista. Nas obras de arte aplicada, a pintura sobre temas religiosos assume um caráter quase secular, às vezes enfaticamente decorativo e teatral. As formas dos objetos tornam-se magníficas, solenes, com uma grande variedade de decorações. Muitos tipos antigos de utensílios domésticos estão desaparecendo, como copos com alças de prateleiras planas, irmãos de prata. Baldes antigos tradicionais são transformados em itens premium puramente decorativos que perderam seu significado prático. Novos tipos de utensílios aparecem: xícaras decoradas com ornamentos barrocos, cenas cotidianas e inscrições de conteúdo secular, xícaras em forma de águia, cálices feitos de chifres em suportes e muitos outros. Utensílios da igreja e utensílios domésticos do clero em estilo agora não diferiam de forma alguma das coisas puramente seculares, e às vezes até os superavam em maior esplendor e valor material.

Após a secularização das terras em 1764, a Trindade-Sergius Lavra perdeu as suas posses, mas a sua riqueza por esta altura era tão grande que esta reforma não afetou nem o âmbito das obras de construção do mosteiro, nem a rica decoração dos interiores das igrejas. , aposentos pessoais do governador e do metropolita que residiam no mosteiro, bem como da riqueza da sua sacristia e da tesouraria. O mosteiro continuou a receber contribuições de imperatrizes e altos dignitários da corte, do metropolita de Moscou e outros clérigos. Como regra, eram obras feitas pelos melhores mestres de Moscou, São Petersburgo, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl e outros centros de arte aplicada. Por isso, a coleção Lavra de arte aplicada do século XVIII. representa os mais diversos tipos de técnicas de confecção de joias da época.

A arte da cinzeladura da prata assume um aspecto peculiar, sobretudo a partir de meados do século XVIII. São principalmente grandes cachos barrocos, executados com maestria em alto relevo, combinados com a imagem de frutas, cestas de flores, cupidos, guirlandas de flores e folhas. O relevo era muitas vezes feito a céu aberto e, neste caso, tinha um fundo adicional, que dava iluminação ao padrão.

Um exemplo clássico de tal cunhagem é o cenário maciço da obra do Evangelho de Moscou de 1754 pela contribuição da Imperatriz Elizabeth1. Placas de prata com representações de esmalte pintado da Trindade, evangelistas, cenas da vida de Cristo são montadas em esmerilhadeiras e esquadros fracionados. Eles se distinguem por seu caráter secular.

O artesão de Moscou P. Vorobei fez em 1768 2 uma tigela de prata (usada no mosteiro como uma tigela de água benta). Está decorado com um excelente ornamento cinzelado feito de peculiares cartelas enroladas e folhas largas sobre fundo dourado. As pernas da tigela são patas de leão segurando bolas lisas em suas garras. Quanto ao mestre de Moscou, o saleiro em 1787, decorado com perseguições e niello, foi um presente de Catarina II ao Metropolitan Platon.

O novo centro de joalheria - São Petersburgo - é representado na coleção do museu por uma mão de prata cinzelada com nariz em forma de cabeça de águia, feita em 1768 pelo mestre Klaas Johann Ehlers4. O mesmo mestre fez um prato de prata gravado com ornamento barroco ao longo do campo e a imagem de uma cena bíblica: uma baleia joga Jonas na praia5. Ao mesmo tempo, o mestre retratou aqui a costa de São Petersburgo com a Fortaleza de Pedro e Paulo e a torre da catedral. A mão e o prato são a contribuição do Metropolitan Platon.

Os itens rituais também adquiriram um caráter decorativo secular, e sua solenidade foi enfatizada por seu tamanho sem precedentes. Típico do século XVIII. um conjunto de vasos litúrgicos (cálice, discotecas, uma caixa de estrela e duas placas) da contribuição de 1789 por A.V. Sheremetyev 6. A tigela alta do sacramento aqui tem uma grande palete em forma de sino entalhada, uma caixa de prata vazada no corpo da tigela e uma fração com esmalte pintado. As discotecas de grande diâmetro e os pratos feitos especialmente para este cálice são decorados com gravuras que remetem a temas iconográficos tradicionais.

A arte da filigrana assume um caráter completamente diferente. Em vez de uma curva plana com galhos, curvando-se sobre uma superfície plana de metal em obras antigas, um desenho em filigrana do século XVIII. complicado por adicionalmente sobrepostos em ornamentos superiores, às vezes em combinação com esmalte e pedras preciosas. Em alguns casos, a filigrana é feita a céu aberto e sobreposta a um fundo adicional. Às vezes, porém, a coisa era feita de fios de filamentos.

O tabernáculo de 1789 da contribuição do Metropolitan Platon é uma obra notável da obra de filigrana. Aqui há filigrana a céu aberto, filigrana combinada com esmalte e filigrana sobreposta a um fundo prateado liso. O tabernáculo assemelha-se a uma caixa secular, evidenciada pela sua forma completamente não-igreja, decoração elegante e flores plantadas nos cantos de finas peças metálicas esmaltadas.

Um exemplo de filigrana hábil em relevo pode ser encontrado no cenário do livro "Official of the Bishop's Service", bem como na contribuição do Metropolitan Platon em 17898.

Recebeu grande desenvolvimento no século XVIII. Esmaltes Solvychegodsk e Veliky Ustyug com fundo de uma cor (azul ou branco), sobre os quais figuras humanas, flores e outras imagens são sobrepostas na forma de placas de metal separadas, às vezes coloridas adicionalmente com esmaltes. O museu tem uma grande coleção de utensílios domésticos feitos em Solvychegod e Ustyug.

No século XVIII. para o interior das igrejas de Lavra, estruturas monumentais de prata também foram feitas de acordo com os desenhos de artistas famosos de Moscou e São Petersburgo. Para o altar da Catedral da Trindade, por ordem do Metropolita Platão, foi feito um grande castiçal de prata em forma de loureiro9, e ele também decorou as trombetas da iconóstase da Catedral da Trindade com prata. O mestre de Moscou David Prif fez um dossel de prata sobre o santuário de São Sérgio de Radonej (encomendado pelo imperador Anna Ivanovna10) de acordo com o desenho de Caravacca. Assim, a arte aplicada do século 18. representado no acervo do museu pelas obras mais características.

Obras de artesanato artístico na coleção do museu permitem rastrear seu desenvolvimento desde os primeiros monumentos do Grão-Duque de Moscou até o final do século XVIII. Ao longo deste longo período, a habilidade técnica mudou e melhorou, velhas formas de objetos desapareceram e novas formas apareceram, a natureza da decoração mudou, que sempre dependeu de visões estéticas determinadas pelas condições socioeconômicas e políticas de seu tempo, o desenvolvimento do mercados interno e externo, a escala e o método de produção.

Sobre as obras dos séculos XIV-XV. é revelado o quadro do renascimento gradual do artesanato artístico após a ruína tártaro-mongol da terra russa no século XIII. Mestres de Moscou e outros centros de arte da Antiga Rus dominam várias técnicas artísticas e melhoram a técnica de maestria.

No século XVI. Moscou está finalmente ganhando um lugar de liderança na vida cultural do país. As artes aplicadas deste período se distinguem por uma variedade de formas e decorações artísticas, além de grande habilidade técnica. A sofisticada arte do esmalte, que assumiu um caráter ornamental, está sendo aprimorada; a arte do ouro negro, do relevo e da gravura está se tornando mais magistral.

As obras de prata para uso doméstico e religioso seguem as tradições da arte popular e estão associadas às condições de vida das pessoas, seus rituais e vida cotidiana.

O brilho e a decoratividade das peças do século XVII, a complicação da ornamentação, a aparência dos esmaltes pintados, o uso de um grande número de pedras preciosas, pérolas e vidros coloridos conferem um caráter mais secular à arte aplicada.

No século XVIII. foram adotadas novas formas de objetos, a natureza realista do ornamento e a pintura em esmalte.Na coleção do Museu de Zagorsk, esse período é representado pelas melhores oficinas de Moscou e São Petersburgo. Seus trabalhos permitem julgar as novas mudanças que ocorrem nas artes aplicadas.

A alta habilidade artística das obras de arte aplicada, apresentadas ao longo de mais de cinco séculos, coloca a coleção do Museu de Zagorsk em um lugar de destaque na história da cultura artística russa.

A história da Rússia no final do século XVII - primeiro quartel do século XVIII é inseparável do nome de uma das maiores figuras políticas da Rússia - Pedro I. Inovações significativas neste momento invadem não apenas o campo da cultura e da arte, mas também a indústria - metalurgia, construção naval, etc. No início do século XVIII, surgiram os primeiros mecanismos e máquinas-ferramentas para o processamento de metais. Muito nessa área foi feito pelos mecânicos russos Nartov, Surnin, Sobakin e outros.

Ao mesmo tempo, estão sendo lançadas as bases do sistema estadual de educação geral e especial. Em 1725, foi fundada a Academia de Ciências, na qual foi aberto um departamento de ofícios artísticos.

A. Nartov. Torno. época de Pedro. século XVIII

No século XVIII, formaram-se novos princípios de arquitetura e urbanismo, período marcado pelo fortalecimento na formação de produtos dos traços característicos do Barroco da Europa Ocidental (Holanda, Inglaterra).

Como resultado dos empreendimentos de Pedro I, produtos de formas tradicionais russas desaparecem rapidamente da vida real e aristocrática do palácio, permanecendo ainda nas moradias das massas da população rural e urbana, bem como no uso da igreja. Foi no primeiro quartel do século XVIII que se delineou a diferença significativa no desenvolvimento estilístico, que se manteve durante muito tempo característico da criatividade profissional e do artesanato popular. Neste último, as tradições seculares das artes aplicadas russas, ucranianas, estonianas etc. são desenvolvidas direta e organicamente.

As normas da vida nobre exigem uma demonstração de riqueza, sofisticação e brilho na vida de uma pessoa soberana. As formas do antigo modo de vida, incluindo o de Pedro (ainda empresarial, rigoroso), em meados do século XVIII foram completamente suplantados. A posição dominante na arte russa é ocupada pelo chamado estilo rococó, que logicamente completou as tendências do barroco tardio. Os interiores cerimoniais desta época, por exemplo, algumas salas dos palácios Peterhof e Tsarskoye Selo, são quase inteiramente decorados com esculturas elaboradas.

As características gerais da ornamentação rocaille (curvatura das linhas, arranjo abundante e assimétrico de flores, folhas, conchas, olhos, estilizados ou quase naturais, etc.) carruagens, armas cerimoniais, etc .. Mas o desenvolvimento da arte aplicada russa, no entanto, seguiu um caminho completamente independente. Apesar da semelhança incondicional das formas de seus próprios produtos com os da Europa Ocidental, é fácil notar as diferenças entre eles. Assim, mas em comparação com os franceses, os produtos de móveis russos têm formas muito mais livres e mais suaves nos contornos, desenhando. Os artesãos ainda mantinham as habilidades da escultura popular, maiores e mais generalizadas do que no Ocidente. Não menos característica é a policromia dos produtos russos e a combinação de douração com pintura, que raramente é encontrada na França e é aceita em toda a Rússia.

Desde os anos 60 do século XVIII, a transição para o classicismo começou na arquitetura russa com suas formas lacônicas e estritas, voltadas para a antiguidade e marcadas por grande contenção e graça. O mesmo processo ocorre nas artes aplicadas.

No planejamento, equipamento e decoração das mansões e palácios da cidade (arquitetos Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.), há uma simetria clara, proporcional à clareza. As paredes das instalações (entre as janelas ou opostas) são escondidas por espelhos e painéis feitos de damasco de seda, tecidos decorativos de algodão e panos.

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Sofá - estilo rococó. Rússia (fragmento). Meados do século XVIII

Poltrona de estilo classicismo. Rússia. Segunda metade do século XVIII

Os pisos são feitos de vários tipos de madeira, e às vezes cobertos com lona ou tecido; os tetos são pintados (por exemplo, a técnica de grisaille, imitando o relevo). Pisos de abeto "sob cera" são usados ​​​​em vez de parquet embutido. Paredes e tetos são muitas vezes estofados com tecido ou papel de parede. Se nas salas cerimoniais estão dispostas impressionantes lareiras de mármore, nas câmaras íntimas são erguidos fogões mais tradicionais sobre pedestais ou pés, forrados com azulejos. A diferença nas lâmpadas é igualmente perceptível: nos corredores há joias feitas e lustres caros, candelabros, arandelas, nos aposentos há castiçais e lâmpadas muito mais modestos. Há ainda mais contraste nas formas de mobiliário cerimonial e doméstico. Tudo isso fala não tanto do desejo dos proprietários de palácios e mansões de economizar dinheiro, mas de sua consideração do ambiente sujeito como um fator importante em uma atmosfera psicologicamente adequada.

A maioria dos móveis e vários outros produtos do final do século XVIII e da primeira metade do século XIX não eram constantemente necessários; se desnecessário, eles foram removidos ou transferidos para partes inativas das instalações. Os móveis dos assentos eram necessariamente cobertos. Nesse sentido, os móveis transformáveis ​​com uma superfície de trabalho receberam grande desenvolvimento - mesas de chá e cartas, uma mesa de jantar dobrável, uma mesa para bordado, um sistema de mesas de diferentes alturas que se encaixam umas nas outras, etc. conforto de vida, uma diferenciação subtil do seu suporte funcional e a variedade da aparência das instalações nas várias situações do quotidiano. Ao mesmo tempo, uma série de processos cotidianos que aconteciam fora do prédio na estação quente - no terraço e no parque - se destacavam. Como resultado, novos tipos de produtos estão se espalhando - móveis de jardim, toldos, lâmpadas de parque, etc. No século XVIII, oficinas de servos foram organizadas em propriedades individuais, produzindo lotes bastante grandes de móveis, porcelanas, tapetes e outros produtos.

No final do século XVIII, nos equipamentos dos grandes palácios, a separação do design propriamente dito dos produtos (móveis, candeeiros, relógios, tapeçarias e outros utensílios e artigos de decoração) como área especial de atividade criativa do seu artesanato já estava visivelmente afetado. Designers são principalmente arquitetos e artistas profissionais. Na produção de produtos para o mercado de massa, são utilizadas máquinas e métodos mecânicos de processamento de materiais, tornando o engenheiro uma figura de destaque na produção. Isso leva à distorção e perda das altas qualidades estéticas inerentes aos bens de consumo, à separação da indústria da arte. Essa tendência era natural nas condições de desenvolvimento capitalista da sociedade e uma das principais tendências de todo o século XIX.

No decorrer do intenso desenvolvimento das relações capitalistas na Rússia no século XIX, as capacidades de produção industrial aumentaram. Em meados do século 19, a necessidade de pessoal artisticamente profissional de designers de produtos e artesãos já era agudamente sentida. Para sua preparação, instituições educacionais especializadas são abertas em Moscou (Conde Stroganov) e São Petersburgo (Barão Stieglitz). Seu próprio nome - "escolas de desenho técnico" - fala do surgimento de um novo tipo de artista. Desde 1860, uma educação artesanal especial para mestres artistas vem se desenvolvendo. Muitos livros são publicados sobre a tecnologia de processamento de vários materiais: madeira, bronze, ferro, ouro, etc. São publicados catálogos comerciais, substituindo a revista "Economic Store" publicada anteriormente. Desde meados do século XIX, as ciências se formaram relacionadas a questões de saúde ocupacional e uso de utensílios domésticos. No entanto, ao longo de todo o século XIX, todos os produtos manufaturados em massa no sentido artístico permanecem completamente subordinados ao conceito indivisamente dominante de beleza como design decorativo e ornamental de produtos. A consequência disso foi a introdução dos elementos estilísticos do classicismo na forma da maioria dos produtos: acabamentos complexos de perfil, colunas caneladas, rosetas, guirlandas, ornamentos baseados em motivos antigos etc. introduzido nas formas de equipamentos industriais - máquinas-ferramentas.

No desenvolvimento estilístico da arte aplicada e dos produtos domésticos no século XIX, três períodos principais são convencionalmente distinguidos cronologicamente: a continuação das tendências do classicismo no mainstream do chamado estilo Império (primeiro quarto de século); classicismo tardio (por volta de 1830-1860) e ecletismo (após a década de 1860).

O primeiro quartel do século XIX foi marcado por um aumento geral da ideologia e do escopo de construção na arquitetura russa, o que causou um renascimento significativo nas artes aplicadas.

Poltrona estilo império. Primeiro quartel do século XIX.

A vitória na guerra de 1812, em certa medida, acelera e completa o processo de formação da cultura nacional russa, que está adquirindo significado pan-europeu. A atividade dos arquitetos mais famosos - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, intimamente associada ao classicismo do período anterior, recai apenas na primeira década do século. Eles estão sendo substituídos por uma galáxia de mestres notáveis ​​como Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, que trouxeram novas idéias e um espírito estilístico diferente à arte russa.

A austeridade e a monumentalidade são traços característicos da arquitetura e das formas de diversos utensílios domésticos no estilo Império. Neste último, os motivos decorativos mudam visivelmente, mais precisamente, sua tipologia se expande através do uso de símbolos decorativos do antigo Egito e Roma - grifos, esfinges, fáscias, atributos militares ("troféus") entrelaçados com uma guirlanda de coroas, etc. com exemplos de classicismo inicial em geral o número de decoração, aumenta seu "peso visual" na solução composicional dos produtos. A monumentalização, às vezes, por assim dizer, um engrossamento das formas, ocorre devido à maior generalização e geometrização dos motivos ornamentais clássicos - okant, coroas, lira, armadura etc., que estão cada vez mais se afastando de seus protótipos reais. A pintura (cenas, paisagens, buquês) a pintura de objetos desaparece quase completamente. O ornamento tende a manchar, contornar, aplicar. A maioria dos produtos, especialmente os móveis, tornam-se grandes, massivos, mas variados na configuração geral e na silhueta. O peso do estilo Império nos móveis quase desapareceu já na década de 1830.

A partir de meados do século XIX, novas pesquisas começaram no campo da arquitetura, da criatividade aplicada e industrial.

Nascia uma direção artística pan-europeia, que recebeu o nome de "Biedermeier", em homenagem ao nome do burguês de um dos personagens do escritor alemão L. Eichrodt (a obra foi publicada na década de 1870) com seu ideal de conforto e intimidade .

Ferro feito na fábrica. Rússia. Segunda metade do século X1X.

Na segunda metade do século XIX, há um deslocamento ainda maior do trabalho manual da produção de produtos domésticos utilitários. Durante séculos, os métodos e técnicas em evolução de sua solução artística, os princípios de modelagem entram em conflito com as novas tendências econômicas na produção em massa e na lucratividade da produção de coisas no mercado. A resposta a uma situação em mudança é dupla. Alguns mestres - a maioria deles - fazem concessões. Considerando a visão tradicional inviolável de todas as coisas cotidianas como objeto de arte decorativa e aplicada, eles começam a adaptar os motivos ornamentais do classicismo às capacidades da máquina e das tecnologias seriais. Surgem tipos "efetivos" de decoração e acabamento de produtos. Já na década de 1830, na Inglaterra, Henry Cooley apresentou um slogan reformista para decorar os produtos da fábrica com elementos "do mundo das belas artes". Muitos industriais adotam de bom grado o slogan, esforçando-se para aproveitar ao máximo o apego do consumidor a formas de enriquecimento ornamental e decoração externa de móveis domésticos.

Outros teóricos e praticantes de artes aplicadas (D. Ruskin, W. Morris), ao contrário, propõem organizar um boicote à indústria. Seu credo é a pureza das tradições do artesanato medieval.

Nos países da Europa Ocidental e na Rússia, pela primeira vez, artesãos e artesãos artesanais, em cujo trabalho foram preservadas profundas tradições folclóricas, estão atraindo a atenção de teóricos e artistas profissionais. Na Rússia, as feiras de Nizhny Novgorod das décadas de 1870-1890 demonstram a viabilidade dessas tradições nas novas condições. Muitos artistas profissionais - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich e outros - estão entusiasmados com as origens folclóricas da arte decorativa. Em várias regiões e províncias da Rússia, em cidades como Pskov, Voronezh, Tambov, Moscou, Kamenets-Podolsk, etc., aparecem empresas artesanais, cuja base é o trabalho manual. Particularmente importante para o renascimento do artesanato criativo e extinto foi o trabalho das oficinas em Abramtsov perto de Moscou, em Talashkino perto de Smolensk, a empresa de P. Vaulin perto de São Petersburgo, o artel de cerâmica "Murava" em Moscou.

Samovar. século XIX.

Rússia. Segundo tempo

Bomba industrial. século XIX.

No entanto, os produtos de todas essas oficinas constituíam uma parte tão insignificante no consumo total que não podiam ter qualquer efeito perceptível na produção em massa, embora comprovassem a legitimidade da existência, juntamente com a produção mecanizada em massa, de artes decorativas que preservam o folclore. tradições. Mais tarde, isso foi confirmado pela invasão da tecnologia da máquina em áreas de artes decorativas e aplicadas como joalheria (bijuteria), tecelagem de tapetes, costura de roupas, o que levou a uma queda acentuada em sua qualidade artística.

Nas formas do grosso dos produtos fabricados na segunda metade do século XIX, praticamente nada de novo está sendo desenvolvido. No entanto, a novidade da situação mais geral já neste momento contribui para a adição de pré-requisitos internos para buscas inovadoras - a consciência das buscas estilísticas como uma importante necessidade criativa, como manifestação da individualidade artística do mestre. Se até agora as tendências de estilo (gótico, renascentista, barroco, classicismo, etc.) em meados do século XIX, a originalidade do estilo é considerada uma conquista criativa direta de um artista individual, arquiteto. Nesse sentido, o interesse pelo patrimônio da arte de todos os tempos e povos é fortemente ativado. Esta rica herança torna-se uma fonte de imitação, empréstimo direto ou retrabalho criativo.

Mesa com poltrona no estilo Art Nouveau. Final do século 19

Como resultado, a maior parte dos itens é um quadro incomumente variado, no qual há reminiscências claras, ora sutis da antiguidade, da era românica, do gótico, do renascimento italiano ou francês, da arte de Bizâncio e da Rus Antiga, do Barroco, etc., muitas vezes misturando ecleticamente no design de um produto, interior, edifício. Portanto, esse período da história da arquitetura e da arte aplicada foi chamado de eclético. No entanto, os produtos (lâmpadas, baldes de metal, cochos, pratos, banquetas, etc.) são relativamente baratos, mas feitos sem qualquer finalidade artística, muitas vezes em formas feias e de má qualidade, na vida das pessoas.

A procura de um novo estilo é realizada tendo em conta a necessidade real das condições de produção da máquina, uma abordagem fundamentalmente nova à moldagem dos produtos, por um lado, e a preservação das tradições decorativas do passado, por outro de outros. A burguesia, que no final do século XIX havia assumido posições fortes na economia russa, lutou por sua própria ideologia artística na arquitetura e no design - o culto do racional, a relativa liberdade dos arcaísmos da cultura nobre, incentivando na arte tudo que poderia discutir com os estilos do passado. No final do século XIX, este era o estilo moderno - "nova arte" na Bélgica, Grã-Bretanha e EUA, "Jugendstil" na Alemanha, "estilo de secessão" na Áustria, "estilo livre" na Itália. Seu nome - "moderno" (do francês. Moderne) significava "novo, moderno" - de lat. modo - "recentemente." Na sua forma pura, desvanecendo-se e misturando-se com outras correntes estilísticas, durou um tempo relativamente curto, até cerca de 1920, ou seja, cerca de 20-25 anos, como quase todas as tendências estilísticas dos séculos XVII-XX.

O modernismo é diverso em diferentes países e no trabalho de mestres individuais, o que dificulta a compreensão das tarefas que eles estavam resolvendo. No entanto, tornou-se característica a erradicação quase total de todos os motivos e técnicas decorativas e ornamentais anteriormente utilizados e a sua renovação radical. As tradicionais cornijas, rosáceas, capitéis, flautas, cintos de “ondas que se aproximam”, etc., são substituídos por plantas locais estilizadas (lírios, íris, cravos, etc.), cabeças femininas com longos cabelos encaracolados etc. , e o efeito artístico é alcançado devido à expressividade da silhueta, articulações da forma, linhas, via de regra, finamente traçadas, como se fluíssem livremente, pulsando. Nas formas dos produtos Art Nouveau, quase sempre se pode sentir alguma vontade caprichosa do artista, a tensão de uma corda bem esticada, proporções exageradas. Em manifestações extremas, tudo isso é acentuadamente exacerbado, elevado a um princípio. Às vezes aparece um descaso pela lógica construtiva da forma, um entusiasmo quase falso pelo lado espetacular da tarefa, especialmente na solução de interiores, muitas vezes espetacularmente teatrais.

Com todas as fragilidades - pretensão, por vezes sonoridade das formas, surgiu uma nova abordagem à solução do edifício, interior, mobiliário com a consistência de uma solução funcional, construtiva e tecnológica.

Castiçal estilo Art Nouveau. O início do século XX.

Conjunto de pratos. Final do século 19

Penteadeira do período Art Nouveau. O início do século XX.

Moderno na grande maioria de suas amostras não abandonou a decoração dos produtos, mas apenas substituiu os antigos motivos e técnicas decorativas por novos. Já no início do século 20, na época dos triunfos do novo estilo, novamente, a princípio timidamente, depois voltou amplamente a moda dos estilos antigos, que tinha uma ligação bem conhecida com os preparativos que haviam começado para a celebração do centenário da Guerra Patriótica de 1812. A exposição "Arte Contemporânea", realizada em São Petersburgo em 1903, mostrou claramente o nascimento da "Art Nouveau classicizante".

Os resultados da modernidade são complexos. Esta é a purificação da arte aplicada tanto do ecletismo quanto do "antimaquinismo" dos defensores do artesanato e das tentativas fracassadas de restaurar os estilos do passado. Estes são os primeiros sintomas da emergência da arquitetura e da arte aplicada no caminho do funcionalismo e do construtivismo, no caminho do design moderno. Ao mesmo tempo, logo descobrindo uma tendência de nacionalização do estilo, a Art Nouveau provocou uma nova onda de buscas puramente decorativas. Muitos pintores recorrem à arte aplicada e ao design de interiores (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitando em torno do colorido do conto de fadas russo, do "pão de gengibre", etc. perspectiva do processo histórico subsequente, a solução de problemas urgentes da produção industrial em massa, tais experimentos não poderiam ter um valor ideológico e artístico sério, embora tenham dado impulso ao desenvolvimento de outro ramo da arte aplicada - artesanato artístico e especialmente teatral e decorativo arte.

A modernidade, por assim dizer, abriu e preparou o caminho para o estabelecimento de novos princípios estéticos e criativos na arte de criar coisas cotidianas, acelerou o surgimento de uma nova profissão artística - o design artístico (design).

A formalização do funcionalismo e do construtivismo em direções especiais na arquitetura e no design artístico dos países ocidentais ocorreu no final da década de 1910 em conexão com a estabilização da vida e o sucesso da economia após a Primeira Guerra Mundial. Mas os fundamentos fundamentais da nova arquitetura moderna foram determinados no período pré-guerra no trabalho de arquitetos como T. Garnier e O. Perret (França), H. Berlaga (Holanda), A. Loos (Áustria), P. .Behrens (Alemanha), F. Wright (EUA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rússia) e outros, cada um a seu modo superou a influência da modernidade e lutou.

Em 1918, sob o departamento de belas artes do Comissariado do Povo para a Educação, foram formados departamentos especiais para arquitetura e indústria artística. Atenção séria é dada ao treinamento de especialistas. Em 1920, V. I. Lenin assinou um decreto sobre o estabelecimento das Oficinas Artísticas e Técnicas Superiores do Estado (VKHUTEMAS). Os graduados criaram novas amostras de tecidos, móveis, louças, etc.

Estudar em oficinas (em 1927 transformado em VKHUTEIN All-Union Artistic and Technical Institute), foi realizado nas faculdades: arquitetura, cerâmica, têxtil, etc. Na faculdade de processamento de madeira e metal sob a liderança de A. Rodchenko, D. . Lissitzky, V. Tatlin e outros mestres procuravam novas formas e desenhos de vários objetos. Todas as atividades do VKHUTEMAS visaram desenvolver nos alunos as habilidades de uma abordagem integrada ao design do ambiente disciplinar da vida cotidiana e da produção.

Na década de 1920, uma tendência de "arte de produção" tomou forma, desenvolvendo os princípios do funcionalismo e do construtivismo, buscando afirmar na mente dos artistas o ideal estético da produção material racionalmente organizada. Quaisquer formas de arte anteriores foram declaradas burguesas "trabalhadores da produção", inaceitáveis ​​para o proletariado. Assim, negaram não só a arte "praticamente inútil", mas também toda a arte puramente decorativa, como a joalheria.Na década de 1920, as condições técnicas e econômicas para a implementação de suas ideias ainda não estavam maduras em nosso país.

VKHUTEMAS e os "operários da produção" da década de 1920 estavam ideológica e esteticamente intimamente associados à Bauhaus e em vários momentos importantes representavam com ela, em essência, uma única tendência no design artístico da época. No quadro desse novo movimento, formou-se a estética do design moderno, superando as contradições da arte aplicada do período anterior. A atividade artística prática dos fundadores do design foi também o desenvolvimento de um arsenal de meios artísticos e expressivos da arte de criar coisas. Em suas obras (móveis, luminárias, louças, tecidos, etc.), a maior atenção foi dada a propriedades de materiais e formas como textura, cor, expressividade plástica, estrutura rítmica, silhueta etc., que adquiriram uma importância decisiva na composição, produtos, sem entrar em conflito com os requisitos da lógica construtiva e de fabricação da forma. Outra área que se desenvolveu com sucesso em nosso país na década de 1920 é o projeto de engenharia. Em 1925, a famosa torre de rádio foi erguida em Moscou de acordo com o projeto do excelente engenheiro V. Shukhov, cuja silhueta a céu aberto se tornou um símbolo do rádio soviético por muito tempo. Um ano antes, J. Gakkel criou a primeira locomotiva a diesel soviética com base nas últimas conquistas da tecnologia, cuja forma ainda hoje parece bastante moderna. Na década de 1920, percebeu-se a necessidade de pesquisa científica das leis da atividade humana em um ambiente de objetos criado artificialmente. O Instituto Central do Trabalho está se organizando, dentro de seus muros, pesquisam-se as questões da organização científica do trabalho e da cultura da produção. A atenção de cientistas e designers é atraída por questões de biomecânica, propriedades organolépticas, etc. Entre os trabalhos notáveis ​​desses anos está o projeto de um local de trabalho para motorista de bonde (N. Bernstein).

J. Gakel. Locomotiva. Início da década de 1930