"Jogadores de cartas"

autor

Paul Cézanne

O país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo

O artista nasceu no sul da França na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Os jovens artistas chamavam suas viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".

130x97cm
1895 ano
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado

O trabalho de Cezanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do assunto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causem perplexidade ao espectador. Cézanne combinou duas principais tradições francesas em sua arte: classicismo e romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.

Uma série de cinco pinturas "The Card Players" foi escrita nos anos 1890-1895. O enredo é o mesmo - várias pessoas são apaixonadas por jogar poker. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.

Quatro pinturas são mantidas em museus na Europa e na América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. O negociante de arte William Aquavella e o dono da galeria de renome mundial Larry Gagosian tornaram-se potenciais compradores da obra "gratuita" de Cézanne, oferecendo cerca de US$ 220 milhões por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado na Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pearce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia ao redor do mundo.

Em 2010, o Museu Árabe de Arte Contemporânea e o Museu Nacional do Catar abriram no Catar. Agora suas coleções estão sendo reabastecidas. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo Sheikh para esse fim.

A maioriapintura carano mundo

Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Cerca de meio século atrás, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente tornou o Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares tomou o poder. O mérito do atual governante, segundo os especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país, na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres conquistaram o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Qatar que fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.

2

"Número 5"

autor

Jackson Pollock

O país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato

Jack Sprinkler - tal apelido foi dado a Pollock pelo público americano por uma técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou papelão enquanto se movia continuamente ao redor e dentro deles. Desde cedo ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante o "derramamento" livre.

122x244cm
1948 ano
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de "pintura de ação". Com sua mão leve, tornou-se o principal tesouro da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia, cacos de vidro e escreveu com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca e uma colher. O artista era tão popular que, na década de 1950, foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da empresa DreamWorks, David Geffen, o adquiriu para uma coleção particular e, em 2006, o vendeu no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Apenas uma coisa é conhecida com certeza: o financista mexicano tem, de fato, recentemente colecionado obras de arte contemporânea. É improvável que ele tenha perdido um "peixe grande" como "Número 5" Pollock.

3

"Mulher III"

autor

Willem de Kooning

O país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato

Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo o grande artista modernista em seu autor. A maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe dentro dos limites da tela.

121x171cm
1953 ano
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Na década de 1950, as pinturas de Kooning mostravam mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições faciais feias. Woman III é a última entrada da série a ser leiloada.

Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu a pintura de Jackson Pollock "Número 5") deu a imagem ao milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que Geffen em um ano começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores, por exemplo, de que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.

Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada que coroa a cabeça da mulher.

4

"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"

autor

Gustav Klimt

O país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nasceu na família de um gravurista e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas e apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolve seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: sob os finos toques de ouro, o erotismo franco é claramente visível.

138x136cm
1907 ano
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O destino da pintura, que é chamada de "Mona Lisa austríaca", pode facilmente se tornar a base de um best-seller. A obra do artista tornou-se a causa do conflito entre todo o estado e uma senhora idosa.

Assim, "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" retrata um aristocrata, a esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade foi transferir a pintura para a Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch em seu testamento cancelou a doação, e a tela foi expropriada pelos nazistas. Mais tarde, a galeria mal comprou o Golden Adele, mas depois apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.

Em 2005, começou o julgamento de alto perfil "Maria Altman contra a República Austríaca", como resultado do qual a foto "deixou" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: estavam em andamento negociações para empréstimos, a população doou dinheiro para resgatar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman elevou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões por ele.

5

"Gritar"

autor

Edvard Munch

O país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo

A primeira pintura de Munch, que se tornou famosa em todo o mundo, - "The Sick Girl" (existe em cinco exemplares) - é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar das tramas deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.

73,5x91 cm
1895 ano
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012 ano
no leilão Sotheby's

O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão - "o grito da natureza"). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções são experimentadas pelo espectador ao olhar para uma foto. Uma das principais obras do expressionismo alerta para temas que se tornaram agudos na arte do século XX. De acordo com uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.

A pintura foi roubada duas vezes de diferentes museus, mas foi devolvida. O Grito, que sofreu pequenos danos após o roubo, foi restaurado e novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para os representantes da cultura pop, o trabalho se tornou uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias-gravuras, e a máscara do filme "Scream" é feita à imagem e semelhança do herói da imagem.

Sobre um assunto, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular, feita em pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não se arrependeu do valor recorde para o "Scream". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é o patrono do Dartmouth College, Museu de Arte Moderna, Lincoln Art Center, Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.

6

"Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"

autor

Pablo Picasso

O país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo

Ele é espanhol de nascimento, mas por espírito e lugar de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo estresse em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que um objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.

130x162cm
1932 ano
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele pôs fim à vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. A essa altura, o reconhecimento encontrou um herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acaso - por um grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Thérèse Walther (ela tinha 17 anos, ele 45). Sem o conhecimento de sua esposa, ele partiu com sua amante em uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato representando Marie-Therese na imagem de Daphne. A tela foi adquirida pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida para Sidney F. Brody em 1951. Os cônjuges de Brody mostraram a foto ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista completou 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody em março de 2010 colocou a peça em leilão na casa de Christie. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido o comprou por US$ 106,5 milhões. Em 2011, uma "exposição de uma pintura" ocorreu na Grã-Bretanha, onde foi publicada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.

7

"Oito Elvis"

autor

Andy Warhole

O país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“Sexo e festas são os únicos lugares onde você tem que aparecer pessoalmente”, disse Andy Warhol, o icônico artista pop art, cineasta e cofundador da revista Interview. Ele trabalhou com Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de álbuns e desenhou sapatos para I. Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando os símbolos da América: a sopa de Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.

358x208cm
1963 ano
preço
$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado

Anos 60 de Warhol - este foi o nome da era da arte pop na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no estúdio Fabrika, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes de destaque: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol experimentou a técnica de serigrafia - a repetição múltipla de uma imagem. Ele usou esse método ao criar "Eight Elvis": o espectador parece ver quadros de um filme onde a estrela ganha vida. Há tudo o que o artista tanto amava: uma imagem pública ganha-ganha, cor prata e uma premonição de morte como mensagem principal.

Há dois negociantes de arte que estão promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mughrabi. A primeira gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de Natal, só que mais caros. Mas não eles, mas um modesto consultor de arte francês Philippe Segalo ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlingieri a vender Eight Elvis a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol - US $ 100 milhões.

8

"Laranja,Vermelho amarelo"

autor

Mark Rothko

O país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato

Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, na Rússia (agora - Daugavpils, Letônia), em uma grande família de um farmacêutico judeu. Em 1911 eles emigraram para os Estados Unidos. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, ganhou uma bolsa de estudos, mas os sentimentos antissemitas o forçaram a abandonar seus estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiam por toda a vida.

206x236cm
1961 ano
preço
US$ 86.882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's

As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para manchas coloridas, privando-as de qualquer objetividade. No início, eles tinham tons brilhantes e, na década de 1960, ficaram marrons, roxos, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko advertiu contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas uma cor que se dissolve no ar, e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse "desenhado" em cores, como um funil. Atenção: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, aos poucos vem a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento, a purificação. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (dizem, às vezes - cura). O artista declarou: “O espectador deve chorar ao olhar para eles”, e realmente houve casos assim. De acordo com a teoria de Rothko, nesse momento as pessoas vivenciam a mesma experiência espiritual que ele teve no processo de trabalhar em uma pintura. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não deve se surpreender que os críticos frequentemente comparem essas obras de arte abstrata com ícones.

A obra "Orange, Red, Yellow" expressa toda a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu o dobro do preço estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.

9

"Tríptico"

autor

Francis Bacon

O país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo

As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro a Berlim, depois a Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.

147,5x198 cm (cada)
1976 ano
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o público inglês empertigado não tinha pressa em desembolsar tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: "A pessoa que pinta esses quadros horríveis".

O próprio artista considerou o pós-guerra o período inicial de sua obra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon foi "Estudo para retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). Em "Tríptico, 1976" o artista retrata a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em uma coleção particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o seu valor. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso ele foi significativamente influenciado por seu amigo Dasha Zhukova, que se tornou um galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 ele ganhou o Triptych. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich voltou a ser o comprador.

10

"Lagoa com nenúfares"

autor

Claude Monet

O país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo

O artista é reconhecido como o ancestral do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas telas. O primeiro trabalho significativo foi a pintura "Café da manhã na grama" (versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude, ele desenhou caricaturas e assumiu a pintura real durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.

210x100cm
1919 ano
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava com entusiasmo à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem texturizada e tridimensional. Na pintura do último Monet, o tema da água e da vida nela ocupa um lugar especial. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes trazidas especialmente por ele do Japão. Quando suas flores estavam desabrochando, ele começou a pintar. A série "Nenúfares" é composta por 60 obras que o artista pintou por quase 30 anos, até sua morte. Sua visão se deteriorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lagoa com Nenúfares" chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.

11

Estrela falsa t

autor

Jasper Johns

O país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop

Em 1949, Jones entrou em uma escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.

137,2 x 170,8 cm
1959 ano
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura, em plena conformidade com o original. Para o seu trabalho, utilizava objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há composição clara na pintura False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes assinando "incorretamente" as cores na imagem, invertendo o próprio conceito de cor: "Eu queria encontrar uma maneira de retratar a cor para que pudesse ser determinada por algum outro método". Sua mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, a pintura foi adquirida por um comprador desconhecido.

12

"Sentadonuno sofá"

autor

Amedeo Modigliani

O país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo

Desde a infância, Modigliani estava muitas vezes doente; durante um delírio febril, ele reconheceu seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde floresceu sua arte.

65x100cm
1917 ano
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Sotheby's

Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hébuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o recorde mais recente de Sentada Nua no Sofá em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte, Jeanne Hébuterne, grávida de nove meses, também cometeu suicídio.

13

"Águia em um pinheiro"

autor

Qi Baishi

O país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo gohua

O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. Ele foi premiado com o título de "Grande Artista do Povo Chinês" pelo Ministério da Cultura da China e, em 1956, recebeu o Prêmio Internacional da Paz.

10x26cm
1946 ano
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão guardião da China

Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo ao redor das quais muitos não dão importância, e essa é sua grandeza. Uma pessoa sem educação tornou-se um professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China". A composição "Eagle on a Pine" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a peça foi comprada representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Só o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por US$ 436,8 milhões.

14

"1949-A-№1"

autor

Clifford Still

O país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato

Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, me matriculei em um curso da liga de artes para estudantes, mas saí 45 minutos após o início da aula - acabou "não para ele". A primeira exposição individual causou ressonância, o artista se viu, e com ela o reconhecimento

79x93cm
1949 ano
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda são legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com seu nome. Denver se tornou uma cidade assim, mas apenas a construção custou caro às autoridades e, para sua conclusão, quatro obras foram leiloadas. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que elevou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um máximo de US$ 25-35 milhões.

15

"Composição suprematista"

autor

Kazimir Malevich

O país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo suprematismo

Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kiev, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim "dominação").

71 x 88,5 cm
1916 ano
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

No museu da cidade de Amsterdã, a pintura foi mantida por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a entregou. O artista escreveu esta obra em um ano com o "Manifesto do Suprematismo", então a Sotheby`s anunciou antes mesmo do leilão que não entraria em coleção particular por menos de US$ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma visão da terra do ar. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "Composição Suprematista" do Museu MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.

16

"Banhos"

autor

Paul Gauguin

O país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo

Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o empurravam constantemente para viajar. Na França, começou a pintar com tintas, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até o momento em que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.

93,4x60,4cm
1902 ano
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's

Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir para o interior da ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais uma conexão sutil entre a natureza e o homem é sentida. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical florescia em suas telas. Sua esposa era uma taitiana de 13 anos, Tehura, o que não impediu o artista de entrar em relacionamentos promíscuos. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Este período é chamado de "o segundo Tahitian" - foi então que a pintura "Bathers" foi pintada, uma das mais luxuosas de sua obra.

17

"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"

autor

Henri Matisse

O país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo fauvismo

Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando da operação, sua mãe comprou tintas para ele. No início, por tédio, Matisse copiou cartões postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, inventou um estilo - o fauvismo.

65,2x81 cm
1911 ano
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's

A pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa" pertenceu por muito tempo a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro "Narcisos e uma Toalha de Mesa em Tons de Azul e Rosa", pintado em uma toalha de mesa comum ao invés de tela. Como exemplo do Fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas sobre uma toalha de mesa, hoje esta obra é a única que está em coleção particular.

18

"Menina dormindo"

autor

RoyLee

htenstein

O país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop

O artista nasceu em Nova York e, após terminar o ensino médio, partiu para Ohio, onde fez cursos de arte. Liechtenstein recebeu seu mestrado em Belas Artes em 1949. Seu interesse por quadrinhos e sua capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.

91x91cm
1964 ano
preço
US$ 44.882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

Um dia, a goma de mascar caiu nas mãos do Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte para a tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da arte pop: o consumo é um novo deus, e não há menos beleza na embalagem de chiclete do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Liechtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, pintou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "A menina adormecida" por quase 50 anos pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philippe Gersh, cujos herdeiros a venderam em leilão.

19

"Vitória. Boogie Woogie"

autor

Pete Mondrian

O país Países Baixos
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

O artista mudou seu nome verdadeiro - Cornelis - para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doosburg fundou o movimento "neoplasticismo". A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.

27x127cm
1944 ano
preço
$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's

O mais "musical" dos artistas do século 20 ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os Estados Unidos na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York são o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Os quadrados arrumados "assinatura" foram obtidos com o uso de fita adesiva, o material preferido de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent lançou os mundialmente famosos vestidos Mondrian com estampa em uma grande gaiola colorida.

20

"Composição nº 5"

autor

ManjericãoKandinsky

O país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda

O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com o governo soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.

275x190cm
1911 ano
preço
$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's

Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky aceitou a cidadania francesa, em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas "soam" como fugas, tantas foram chamadas de "composições" (a primeira foi escrita em 1910, a última - em 1939). “Composition No. 5” é uma das obras-chave deste gênero: “A palavra “composição” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejava o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse escrevendo uma partitura.

21

"Estudo de uma mulher de azul"

autor

Fernando Léger

O país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo Cubismo-Pós-Impressionismo

Leger recebeu uma educação arquitetônica e depois frequentou a École des Beaux-Arts em Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e, no século 20, também fez sucesso como escultor.

96,5x129,5cm
1912-1913 ano
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

David Normann, presidente do Departamento Internacional de Impressionismo e Modernismo da Sotheby's, acredita que a enorme quantia paga por "A Dama de Azul" é totalmente justificada. A pintura pertence à famosa coleção de Leger (o artista pintou três pinturas sobre um assunto, a última delas está hoje em mãos particulares. - Ed.), E a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor deu esta obra à galeria Der Sturm, depois acabou na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão de modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.

22

“Cena de rua. Berlim"

autor

Ernst LudwigKirchner

O país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo

Para o expressionismo alemão, Kirchner se tornou uma pessoa icônica. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.

95x121cm
1913 ano
preço
US$ 38.096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's

Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pela agitação e nervosismo da cidade grande. Vendido em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão, as restantes estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com brutalidade: 639 de suas obras foram retiradas das galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.

23

"Em repousodançarino"

autor

Edgar Degas

O país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo

A história de Degas como artista começou quando ele trabalhou como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.

64x59cm
1879 ano
preço
US$ 37.043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

“Bailarinas sempre foram apenas uma desculpa para eu retratar tecidos e capturar movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. The Resting Dancer foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões - hoje é a obra mais cara de um artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, projetou-os ele mesmo e proibiu alterá-los. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?

24

"Pintura"

autor

Juan Miró

O país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata

Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Durante este período, Miro pinta o quadro "Ajude a Espanha!", chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.

89x115cm
1927 ano
preço
US$ 36.824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O segundo nome da pintura é "Estrela Azul". O artista escreveu no mesmo ano, quando anunciou: "Quero matar a pintura" e zombou impiedosamente das telas, arranhando a pintura com pregos, colando penas na tela, cobrindo o trabalho com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. A sua "Pintura" pertence ao ciclo das "imagens de sonho". No leilão, quatro compradores lutaram por ela, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa, e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.

25

"Rosa Azul"

autor

Yves Klein

O país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, vela, o ofício do dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.

153x199x16cm
1960 ano
preço
US$ 36.779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's

A primeira exposição de obras sólidas em amarelo, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein se ofendeu e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, tingidas com ultramar misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor entrou para a história como "azul internacional de Klein". O artista também vendia o vazio, criava pinturas, substituindo o papel na chuva, ateando fogo ao papelão, fazendo gravuras de um corpo humano em tela. Em uma palavra, ele experimentou o melhor que pôde. Para criar a "Rosa Azul" usei pigmentos secos, resinas, seixos e esponja natural.

26

"Em busca de Moisés"

autor

Sir Lawrence Alma Tadema

O país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo

Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu próprio sobrenome, para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista foi premiado com o título de cavaleiro.

213,4x136,7cm
1902 ano
preço
US$ 35.922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a era do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele se envolveu em escavações arqueológicas na Península dos Apeninos e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Os enredos mitológicos tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito requisitado durante sua vida, mas depois de sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está revivendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.

27

"Retrato de um oficial nu dormindo"

autor

Lucian Freud

O país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.

219,1 x 151,4 cm
1995 ano
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Enquanto artistas da moda do século 20 criavam "manchas coloridas na parede" positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia ainda mais caras. “Eu capto os gritos da alma e o sofrimento da carne desbotada”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram tão ativamente expostas e vendidas com sucesso que os especialistas tiveram dúvidas: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido no leilão "Retrato de um Funcionário Nu Adormecido", segundo a publicação Sol, foi adquirido pelo conhecedor da beleza e bilionário Roman Abramovich.

28

"Violino e Guitarra"

autor

Xum chora

O país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.

5x100cm
1913 ano
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Gris, em suas próprias palavras, estava engajado em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou uma única pincelada acidental, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador da direção. O sucessor ainda dedicou sua primeira obra no estilo do cubismo "Tributo a Picasso" a ele. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso, tratado gentilmente por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.

29

"RetratoCampos Eluard"

autor

Salvador Dalí

O país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o pintor surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa-Chups.

25x33cm
1929 ano
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada justamente durante esta visita histórica. “Senti que era meu dever capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo eu havia sequestrado uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e estava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou um dueto Dali-Gala.

30

"Aniversário"

autor

Mark Shagal

O país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda

Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome, aproximou-se dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, ele partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.

80x103cm
1923 ano
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's

A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Ele contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, a sensação de um conto de fadas no cenário de uma vida filistéia é preservada e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhava as pessoas da vida, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna do MoMA em Nova York armazena exatamente o mesmo, apenas com o nome "Aniversário". By the way, foi escrito mais cedo - em 1915.

rascunho preparado
Tatiana Palasova
classificação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13 (maio-junho de 2013)

Introdução p.3
1. Artistas e Associações de Arte da década de 1920 p.5
2. Artistas e associações artísticas dos anos 30 p.11
Referências p.20

Introdução

Outubro de 1917 abriu uma nova era não só na vida social, mas também na vida da arte. Qualquer revolução destrói alguma coisa, e então começa a criação de uma nova. O que está acontecendo não é um simples desenvolvimento, mas um reequipamento decisivo dos fundamentos das antigas estruturas sociais, políticas, ideológicas e outras, incluindo a arte.
A revolução levantou pelo menos dois problemas. O primeiro problema é o caráter de classe da arte. As tentativas de vinculá-lo estreitamente à luta de classes levaram a uma distorção de sua natureza multifuncional. A compreensão especialmente simplificada da natureza de classe da arte se manifestou nas atividades do notório Proletkult. O elemento de luta levou à destruição de monumentos culturais, causada não apenas por operações militares durante a guerra civil e intervenção estrangeira, mas também por uma política de esmagamento da cultura burguesa. Assim, muitos monumentos escultóricos, obras de arquitetura antiga associadas ao culto religioso foram demolidos ou destruídos.
O segundo problema é o problema da política de classe na arte. Todas as forças estavam envolvidas em sua solução: “burguesas” e “proletárias”, destrutivas e construtivas, soviéticas e não soviéticas, “esquerdas” e “direitas”, cultas e ignorantes, profissionais e amadoras.
Os princípios de desenvolvimento social proclamados pelo Estado determinaram em grande parte o movimento gradual da arte. Houve uma espécie de estratificação de forças, a partir da qual se formou o vetor do estado da arte real. Por um lado, é o poder de autodesenvolvimento da arte, onde se manifestaram os padrões de movimento das formas, contidos na natureza da criatividade artística; por outro lado, a influência de forças sociais, instituições sociais interessadas nisso, e não em outro movimento de arte, em suas determinadas formas. Em terceiro lugar, o ditame da política de Estado, que, apoiando-se ou não nas forças sociais, teve um impacto incondicional na estrutura da arte, na sua essência, no seu potencial evolutivo e revolucionário. Desde o final da década de 1920, a política começou claramente a distorcer o processo normal de desenvolvimento da arte, a exercer uma certa pressão sobre ela, proibindo ou condenando certas manifestações "não proletárias".

1. Artistas e associações artísticas dos anos 20.

A década de 1920 foi um período tumultuado para a arte. Havia muitas facções diferentes. Cada um deles apresentou uma plataforma, cada um falou com seu próprio manifesto. A arte obcecada pela ideia de busca era múltipla; fervia e fervia, tentando acompanhar a época e olhar para o futuro.
Os agrupamentos mais significativos, cujas declarações e prática criativa refletiam os principais processos criativos da época, foram AHRR, OST e “4 Arts” (8, p. 87).
O grupo AHRR (Associação de Artistas da Rússia Revolucionária) foi fundado em 1922 (em 1928 foi renomeado AHR - Associação de Artistas da Revolução). O núcleo da AHRR foi formado principalmente pelos ex-membros da Associação de Exposições Itinerantes. A declaração da AHRR foi apresentada no catálogo da exposição de 1922: “Nosso dever cívico para com a humanidade é um registro documental artístico do maior momento da história em seu impulso revolucionário. Vamos retratar os dias atuais: a vida do Exército Vermelho, a vida dos trabalhadores, camponeses, revolucionários e heróis do trabalho”.
Artistas do AHRR procuraram tornar sua pintura acessível ao público de massa da época. Em seu trabalho, eles costumavam usar mecanicamente a linguagem da vida cotidiana dos falecidos Andarilhos. A AHRR organizou uma série de exposições temáticas de arte, cujos nomes: "Vida e Vida dos Trabalhadores" (1922), "Vida e Vida do Exército Vermelho" (1923), "Revolução, Vida e Trabalho" (1924 - 1925 ), "Vida e Vida dos Povos da URSS" (1926) - falam das tarefas de reflexão direta da realidade contemporânea.
A peculiaridade da prática dos "acrovitas" era que eles iam às fábricas e fábricas, aos quartéis do Exército Vermelho, para observar a vida e a vida de seus heróis. Durante a preparação da exposição "Vida e Vida dos Povos da URSS", seus participantes visitaram os cantos mais remotos do país soviético e trouxeram de lá um número significativo de esboços que formaram a base de suas obras. Um grande papel foi desempenhado pelos artistas do AHRR no desenvolvimento de novos temas, influenciando os representantes de vários grupos artísticos da época.
Entre os artistas da AHRR, destaca-se a obra de I.I.Brodsky (1883 - 1939), que estabeleceu como tarefa uma reprodução documental e acurada dos acontecimentos e heróis da revolução. Suas telas dedicadas às atividades de V.I.Lenin ganharam grande popularidade. O nascimento da pitoresca Leniniana foi baseado na pintura "Discurso de Lenin na Usina Putilov" pintada por Brodsky em 1929, e uma de suas obras mais famosas "Lenin in Smolny" (1930), retratando Lenin trabalhando em seu escritório. Brodsky viu Lenin muitas vezes e fez esboços dele (12, p. 92).
As obras de Brodsky têm uma qualidade importante - autenticidade, que tem grande significado cognitivo histórico. No entanto, o desejo de documentação às vezes levou a uma interpretação empírica e naturalista do evento. O significado artístico das pinturas de Brodsky também foi diminuído pelo naturalismo seco, um sabor dietético característico de uma parte significativa de suas obras.
O mestre da pintura de retratos GG Ryazhsky (1895 - 1952) ingressou na Academia de Letras em 1923. Suas obras mais famosas são "O Delegado" (1927) e "Presidente" (1928), em que o artista revela o típico traços de uma nova sociedade feminina, participante ativa na vida industrial e social do país. Sua "presidente" é uma trabalhadora ativista. Em sua postura e gesto, a auto-estima e a descontração se revelam como evidência da posição da mulher na nova sociedade do trabalho.
S.V. Malyutin (1859 - 1937) desempenhou um papel significativo entre os retratistas do AHRR. A galeria de retratos que ele havia começado antes da revolução foi complementada nos tempos soviéticos com retratos de V.K.Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky e muitos outros. O mais interessante entre eles é o retrato de Dmitry Furmanov, escrito em 1922, revelando de forma convincente a imagem de um escritor-guerreiro, representante da nova intelectualidade soviética.
Um participante ativo nas exposições do AHRR foi um grande pintor russo da virada do século XIX para o XX. A. E. Arkhipov. Na década de 1920, Arkhipov criou imagens de mulheres camponesas - "Mulher com um jarro", "Mulher camponesa de avental verde", "Mulher camponesa com um lenço rosa na mão" e outras. Essas pinturas foram pintadas com um pincel largo , temperamental e colorido.
O trabalho de E. M. Cheptsov (1874 - 1943), que deu continuidade às tradições itinerantes no campo da vida cotidiana, destacou-se por sua observação atenta e atenção aos novos fenômenos da vida. Ele é amplamente conhecido por sua pintura "O Encontro do Campo" (1924), que retrata os ativistas da aldeia dos primeiros anos da revolução. A observação e sinceridade do autor, a simplicidade da aparência de seus heróis, a simplicidade dos acessórios circundantes fizeram da pequena e modesta pintura de Cheptsov um dos exemplos mais interessantes de arte do AHRR.
O mesmo pode ser dito sobre uma das obras do pintor paisagista B.N. Yakovlev (1880 - 1972). Seu "Transporte está melhorando" (1923) é uma história modesta e ao mesmo tempo profunda sobre a época difícil dos primeiros anos da revolução, sobre o trabalho diário das pessoas. Pintada de forma silenciosa e simples, esta pintura é um dos primeiros exemplos da paisagem industrial na pintura soviética.
Um lugar especial na pintura do AHRR é ocupado pelo trabalho de M. B. Grekov (1882-1934), o fundador do gênero de batalha na arte soviética. Durante uma década e meia - até ao fim da sua vida - esteve ocupado a criar um ciclo de pinturas dedicado ao Primeiro Exército de Cavalaria, nas campanhas e batalhas de que o artista participou. Em seu trabalho, especialmente no período inicial, as tradições de Vereschagin claramente se fazem sentir. O protagonista de Grekov é um povo que assumiu todas as dificuldades da guerra. As obras de Grekov são uma afirmação da vida. Em pinturas de meados da década de 1920, como "Tachanka" (1925), a precisão itinerante da imagem é combinada com a euforia romântica. Mais tarde, continuando a crônica pictórica original do Primeiro Exército de Cavalaria, Grekov cria telas épicas, entre as quais se destacam as pinturas "Ao Kuban" e "Trombetas do Primeiro Exército de Cavalaria" (ambas - 1934).
Junto com a AHRR, que incluía artistas das gerações mais velhas e médias que já tinham muita experiência criativa na época da revolução, o grupo OST (Sociedade de Pintores de Cavalete), organizado em 1925, teve um papel ativo na vida artística daqueles anos, unindo a juventude artística da primeira universidade de arte soviética - VKHU-THEMAS. (3)
Os artistas da OST, como os akhrovitas, consideravam a principal tarefa da associação a luta pelo renascimento e desenvolvimento de pinturas de cavalete sobre um tema moderno ou com conteúdo moderno. No entanto, as aspirações criativas e métodos dos artistas OST tinham diferenças características. Eles se esforçaram para refletir em fatos individuais as novas qualidades de sua época contemporânea em relação à época anterior. Seu tema principal era a industrialização da Rússia, recentemente ainda agrária e atrasada, o desejo de mostrar a dinâmica da relação entre a produção moderna e o homem.
A. A. Deineka foi um dos representantes mais talentosos do grupo OST. As declarações de OST mais próximas são suas pinturas: "No canteiro de obras de novas oficinas" (1925), "Antes de descer na mina" (1924), "Jogadores de futebol" (1924), "Trabalhadores têxteis" (1926). O pathos figurativo de Deineka - os ostovets encontraram uma saída nos grafismos publicitários, nos quais o artista atuou como ilustrador em revistas de ampla leitura - como "At the Machine", "The Atheist at the Machine", "Searchlight", "Juventude" e outros Deineka do período Ostov foi a pintura "Defesa de Petrogrado", pintada em 1928 para a exposição temática "10 anos do Exército Vermelho". Este trabalho revela o principal pathos e o significado das tradições inovadoras da OST dos períodos mais vivificantes e subsequentes que encontraram seu desenvolvimento na arte soviética. Deineka incorporou nesse quadro toda a originalidade de seu estilo, minimizou os meios de expressão, mas os tornou muito ativos e eficazes (8, p. 94).
Entre os outros membros da OST, Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin são os mais próximos de Deinecke em termos de natureza de suas obras em termos de estilo. As obras "Heavy Industry" de Pimenov, "Hamburg Uprising" de Williams, "The Ball Flew Off" e "I Love Life" de Luchishkin, criadas no mesmo período, revelaram e refletiram de forma inovadora importantes qualidades da realidade moderna,
Em contraste com o grupo Ostovskaya, que era jovem em sua composição, existem dois outros grupos criativos que ocuparam um lugar importante na vida artística daqueles anos - "4 Arts" e OMH. (Sociedade dos Artistas de Moscou), - uniu os mestres da geração mais antiga, que se formaram criativamente em tempos pré-revolucionários, que tratavam os problemas de preservação da cultura pictórica com especial reverência e consideravam sua própria linguagem, sua forma plástica, uma parte muito importante do trabalho. Sociedade "4 Artes" foi fundada em 1925. Os membros mais proeminentes deste grupo foram P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
As obras de Petrov-Vodkin - como "Depois da Batalha" (1923), "A Garota na Janela" (1928), "Ansiedade" (1934), expressam mais plenamente o significado ético de vários períodos - marcos no desenvolvimento da sociedade soviética. Sua pintura "A Morte do Comissário" (1928), assim como "Defesa de Petrogrado" de Deineka, pintada em conexão com a exposição "10 Anos do Exército Vermelho", em contraste com o jornalismo específico - a base das decisões imaginativas de Deineka - dá sua solução filosófica para o problema: através de fatos que generalizam ideias sobre os eventos que ocorrem em todo o planeta Terra, através da identificação da essência ética desses eventos. Um comissário é uma pessoa que, em sua vida e em sua morte, realiza um feito em nome da humanidade. A sua imagem é uma expressão da inevitabilidade de ideias brilhantes que triunfarão no futuro, de forma independente e apesar da morte dos portadores mais ativos dessas ideias. O olhar de despedida do comissário moribundo como uma palavra de despedida para um destacamento de combatentes antes do ataque - ele está cheio de fé na vitória.
As ideias filosóficas de Petrov-Vodkin encontram uma expressão plástica adequada. O espaço representado, por assim dizer, se estende sobre a superfície esférica do planeta. A combinação de perspectivas diretas e inversas transmite de forma convincente e nítida o panorama "planetário" do que está acontecendo. Problemas figurativos no sistema de cores também são claramente resolvidos. Em sua pintura, o artista adere ao princípio das três cores, como se encarnasse as principais cores da terra: ar azul frio, água azul; terra vermelha acastanhada; verde do mundo vegetal.
Uma marca significativa na história da pintura soviética foi deixada pelos artistas do grupo OMH, organizado em 1927. Muitos deles se aproximaram nos anos pré-revolucionários na associação "Valete de Ouros". Os mais ativos no OMX foram P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky, A. A. Osmerkin.
Em sua declaração, os artistas do OMKh afirmaram: "Exigimos do artista a maior eficiência e expressividade dos aspectos formais de seu trabalho, que formam parte indissociável do lado ideológico deste último". Neste programa, sente-se a proximidade com o grupo "4 artes".
Um dos expoentes mais proeminentes deste programa na arte soviética dos primeiros anos foi P.P. Konchalovsky. Ele se esforçou para combinar tendências de "diamantes de valet" com o legado de artistas realistas russos, que em muitos aspectos expandiram seu alcance criativo, ajudaram a entrar mais organicamente na arte soviética da década de 1920. A integridade colorística com a intensidade das cores individuais é distinguida por obras do mestre como "Auto-retrato com sua esposa" (1922), "Retrato de O. V. Konchalovskaya" (1925), "Retrato da filha de Natasha" (1925). Nos mesmos anos, P. P. Konchalovsky tentou criar pinturas temáticas, entre as quais as melhores são "Novgorodians" (1921) e "From the Fair" (1926). O artista se interessa pelas imagens tradicionais de "homens russos" - poderosos, atarracados, vivendo cercados de objetos familiares, de acordo com as leis dos costumes antigos e junto com seu ambiente constituindo algo tipicamente nacional.

2. Artistas e associações artísticas dos anos 30.

Os anos 30 da história da arte soviética são um período difícil que reflete as contradições da própria realidade. Percebendo mudanças consideráveis ​​na sociedade, o pathos da industrialização, os mestres da arte, ao mesmo tempo, quase não perceberam grandes contradições sociais, não expressaram conflitos sociais associados ao fortalecimento do culto à personalidade de Stalin (1).
Em 23 de abril de 1932, o Comitê Central do partido adotou uma resolução "Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas". Esta resolução eliminou todos os grupos artísticos anteriormente existentes e indicou caminhos e formas gerais de estabilização e desenvolvimento de todas as forças criativas da arte soviética. O decreto enfraqueceu o confronto entre associações individuais, que se intensificou tanto na virada das décadas de 1920 para 1930. Por outro lado, as tendências de unificação se intensificaram na vida artística. As experiências de vanguarda que se fizeram sentir na década de 1920 foram interrompidas. Houve uma luta contra o chamado formalismo, pelo que muitos artistas foram obrigados a abandonar suas conquistas anteriores.
A criação de um sindicato único coincidiu no tempo com a aprovação do princípio do realismo socialista, formulado por A.M. Gorky no Primeiro Congresso da União de Escritores Soviéticos. O realismo socialista assumiu a herança das tradições da arte realista do século XIX. e visava os artistas a retratar a realidade em seu desenvolvimento revolucionário. No entanto, como a prática posterior da arte soviética mostrou, o termo "realismo socialista" acabou sendo insuficientemente amplo e adequado às tendências complexas e multifacetadas da nova cultura. Sua aplicação formal à prática artística muitas vezes lhe deu o papel de um freio dogmático no desenvolvimento da arte. No contexto da reestruturação social na década de 1980, o termo "realismo socialista" foi discutido nos círculos profissionais em diferentes níveis.
Muitas tendências progressistas que surgiram na década de 1920 continuam a se desenvolver na década de 1930. Isso se aplica, por exemplo, à interação frutífera de várias escolas nacionais.
Artistas de todas as repúblicas da União Soviética participaram de grandes exposições de arte organizadas na década de 1930. Ao mesmo tempo, exposições republicanas são organizadas em Moscou em conexão com as décadas da arte nacional. Artistas das repúblicas fraternas estão especialmente preocupados com questões de arte nacional.
Nos anos 30, expandiu-se a prática de encomendas estatais e viagens de negócios criativas de artistas. Grandes exposições são organizadas: "15 anos do Exército Vermelho", "20 anos do Exército Vermelho", "20 anos do Komsomol", "Indústria do Socialismo", "Exposição das melhores obras da pintura soviética" e outras. Artistas soviéticos participam de exposições internacionais em Paris e Nova York, realizam trabalhos para a All-Union Agricultural Exhibition em Moscou, em conexão com a preparação da qual foi criado um número significativo de obras monumentais e decorativas, o que, em essência, significou um importante palco no renascimento da pintura monumental como uma forma de arte independente com seus próprios objetivos e leis. Nessas obras, a gravitação da arte soviética em direção ao monumentalismo encontrou expressão.
Um dos representantes mais significativos da pintura de cavalete desse período foi o artista Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973), que entregou seu trabalho às mais altas tradições da pintura russa do século XIX. Ele interpreta o legado de Surikov e Repin, introduzindo em suas obras um novo conteúdo revolucionário, em consonância com a época. Deste ponto de vista, as pinturas de Johanson "Interrogação dos Comunistas" (1933) e "Na Antiga Fábrica Ural" (1937) são especialmente importantes.
A pintura "Interrogatório dos Comunistas" foi exibida pela primeira vez na exposição "15 Anos do Exército Vermelho". Nele, o artista mostra os comunistas que se levantaram para defender a pátria revolucionária e seus opositores, os Guardas Brancos, que tentaram estrangular o Estado soviético durante a guerra civil. O artista realiza sua generalização histórica nas tradições de Repin, mostrando uma ação específica em um cenário específico. Não sabemos os nomes das pessoas retratadas aqui, quanto mais a imagem como um todo é percebida por nós historicamente como universal. Os comunistas na pintura de Johanson estão condenados a morrer. Mas o artista mostra sua calma, coragem, força e resiliência, que contrastam com a ansiedade, nervosismo, desunião psicológica que imperam no grupo de Guardas Brancos, impotentes não apenas nessa situação, mas, por assim dizer, diante da história .
Na pintura At the Old Ural Factory, escrita para a exposição Industry of Socialism, Ioganson contrasta as imagens do criador e do trabalhador, na qual revela um sentimento de consciência de classe nascente e superioridade interna sobre o explorador. Com esta pintura, o artista mostrou o conflito histórico entre o velho e o novo, o reacionário e o progressista, e afirmou a força vitoriosa do revolucionário e do progressista. Esses são os novos traços característicos do gênero histórico-revolucionário soviético no exemplo da pintura de Johanson.
Um lugar especial nesse período é ocupado pela obra de Sergei Vasilyevich Gerasimov, multifacetada em imagens, temas e gêneros. A obra mais marcante do gênero histórico em sua obra é a pintura "O Juramento dos Partidários da Sibéria" (1933), que impressiona em sua expressividade aberta, revelada por sua expressividade colorística, desenho afiado e composição dinâmica. Trabalhando no gênero da vida cotidiana, S.V. Gerasimov prestou atenção principal ao tema camponês. O artista chegou à sua solução através de um retrato, criando uma série de imagens camponesas convincentes. Durante a construção de uma vila de fazenda coletiva, pintou um dos retratos mais marcantes "The Collective Farm Watchman" (1933). Entre as obras mais significativas da pintura de gênero dos anos 30 estava a pintura "As férias coletivas na fazenda" (1937), que foi exibida na exposição "Indústria do Socialismo". Caracteriza de forma precisa e sucinta esta imagem do maior crítico de arte soviético Acadêmico IE Grabar: “Quando a maravilhosa tela“ Kolkhoz Holiday ”apareceu, uma das melhores pinturas da exposição“ Indústria do Socialismo ”, um novo e extraordinário crescimento do mestre tornou-se óbvio. Dificilmente qualquer um dos artistas soviéticos, exceto Sergei Gerasimov, teria lidado com uma tarefa de composição, luz e cor, e mesmo com meios e técnicas tão simples. Foi o quadro mais ensolarado da pintura russa durante a revolução, apesar de ter sido executado de maneira contida ”(1, p. 189).
O "cantor" do campesinato soviético foi Arkady Aleksandrovich Plastov (1893 - 1983), associado ao campo russo por suas origens. Ele foi muito influenciado durante toda a sua vida pelas impressões da infância vivida em contato próximo com a natureza, com a terra, com os camponeses que viviam nesta terra.
Após a Grande Revolução Socialista de Outubro, Plastov, levado pelo trabalho em sua aldeia natal Prislonikha, dedicando seu tempo livre à pintura, acumulou esboços e impressões para seus futuros trabalhos dedicados à vida camponesa. Uma das primeiras obras significativas de Plastov - a pintura "Banho de Cavalos" cheia de ar e luz, foi feita por ele para a exposição "20 Anos do Exército Vermelho". Para a exposição "Indústria do Socialismo", Plastov pintou uma grande tela "Férias na Fazenda Coletiva". Outro trabalho brilhante de Plastov da época - "O rebanho da fazenda coletiva" (1938). Todas essas imagens mostram algumas características comuns. Plastov não pensa em uma cena de gênero fora da paisagem, fora da natureza russa, sempre interpretada no sentido lírico, revelando sua beleza nas manifestações mais simples. Outra característica das obras do gênero de Plastov é a ausência de qualquer conflito ou momento especial na trama escolhida pelo artista. Às vezes, em suas pinturas, como, por exemplo, no "Rebanho Kolkhoz", não há eventos, nada acontece. Mas, ao mesmo tempo, o artista sempre alcança a expressividade poética do quadro.
O talento de A. A. Deineka desenvolveu-se à sua maneira nos anos 30. Ele continuou a aderir aos seus temas anteriores, assuntos, imagens favoritas, cor e sistema de composição. É verdade que seu estilo de pintura é um pouco suavizado, exemplos dos quais são os melhores trabalhos dos anos 30 - "Mother" (1932), "Lunch break in Donbass" (1935), "Future pilots" (1938). Esportes, aviação, corpo nu treinado, laconicismo e simplicidade da linguagem pictórica, combinações sonoras de marrom-laranja e azul são suavizadas em alguns casos pelo lirismo, momento de contemplação. Deineka também ampliou o quadro temático de sua obra, incluindo nela tramas da vida de países estrangeiros, surgidas como resultado de viagens aos EUA, França, Alemanha e Itália.
Outro ex-membro da OST, Yu. I. Pimenov (1903-1977), criou um dos melhores filmes da década de 1930, New Moscow (1937). A paisagem do centro de Moscou (praça Sverdlov) é como se vista de um carro em alta velocidade, ao volante do qual uma jovem se senta de costas para o espectador. Novos edifícios em construção, o rápido funcionamento de um carro, cores claras, abundância de ar, a amplitude do espaço e o pessoal da composição - tudo está imbuído de uma atitude otimista.
Nos anos 30, a criatividade paisagística de G. G. Nyssa (1903 - 1987), seguidor dos ostovitas, assumiu o laconicismo, a agudeza das decisões composicionais e rítmicas. Tais são suas pinturas "Outono" (1932) e "Nos Caminhos" (1933). Nas paisagens de Nissa, a atividade transformadora do homem é sempre visível.
Entre os pintores paisagistas da geração mais velha, é interessante o trabalho de NP Krymov (1884 - 1958), que criou em 1937 a famosa pintura "Manhã no Parque Central da Cultura e Descanso com o nome de Gorky em Moscou". A ampla vista panorâmica do parque, as distâncias que se abrem atrás dele, a linha uniforme do horizonte levando o olhar do espectador para além da tela - tudo respira frescor e amplitude.
A. Rylov, cuja obra foi formada no início do século 20, na pintura "Lenin in Razliv" (1934) combina paisagem com o gênero histórico, alcançando uma sensação de vastidão da natureza, pensamentos, sentimentos, afirmando o otimismo histórico .
A atração pela paisagem panorâmica manifestou-se nas obras de muitos pintores de várias repúblicas. Essa gravitação estava associada a esse sentido aguçado da Pátria, a terra natal, que nos anos 30 se fortaleceu e cresceu. DN Kakabadze (1889 - 1952) em sua "Paisagem Imereti" (1934) dá uma ampla extensão das montanhas caucasianas que se estendem ao longe - cume por cume, encosta por encosta. Na obra de M. S. Saryan, os anos 30 são também marcados pelo interesse pela paisagem nacional, pelas vistas panorâmicas da Arménia.
Durante este período, o gênero retrato também se desenvolveu de forma frutífera, em que os artistas da geração mais velha, P.P. Konchalovsky, I.E.
P. P. Konchalovsky, conhecido por suas obras nos mais diversos gêneros de pintura, nos anos 30 - 40 cria toda uma série de retratos de figuras da ciência e arte soviéticas. Entre os melhores estão os retratos de V. V. Sofronitsky ao piano (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). Nessas obras, Konchalovsky traz sua maravilhosa capacidade de expressar a vida através de um sistema plástico-cor. Combina as melhores tradições da arte antiga com a acuidade inovadora da visão da cor, o som da imagem que afirma a vida, maior e emocionalmente poderoso.
O verdadeiro auge do desenvolvimento do retrato desse período foram os trabalhos de M.V. Nesterov. Ao longo de sua obra, que uniu os séculos 19 e 20, Nesterov manteve uma conexão viva com a vida. Nos anos 30, experimentou uma ascensão brilhante, redescobrindo seu talento como retratista. O sentido figurativo nos retratos de Nesterov é a afirmação do espírito criativo da época através da identificação do pathos criativo das mais diversas pessoas que representam esta época. O círculo dos heróis de Nesterov são representantes da intelligentsia soviética da geração mais velha, pessoas de profissões criativas. Assim, entre as obras mais significativas de Nesterov estão retratos de artistas - os irmãos Korin (1930), escultor I.D.Shadr (1934), acadêmico I.P. Pavlov (1935), cirurgião S.S. Yudin (1935), escultor V. I. Mukhina (1940) ). Nesterov atua como o sucessor das tradições de retratos de V. A. Serov. Ele enfatiza as características, acentua os gestos, as poses características de seus personagens. O acadêmico Pavlov cerrou os punhos com firmeza, deitou sobre a mesa, e essa postura revela a força da mente, contrastando com a óbvia velhice. O cirurgião Yudin também é mostrado de perfil, sentado em uma mesa. Mas a expressividade desta imagem é baseada no gesto característico, "voador" da mão levantada. Os dedos estendidos de Yudin são dedos típicos de cirurgião, hábeis e fortes, prontos para fazer sua vontade. Mukhina é retratado no momento da criatividade. Ela esculpe escultura - com concentração, sem prestar atenção ao artista, submetendo-se completamente ao seu impulso.
Os acessórios são dados sucintamente nestes retratos. Eles estão total e ativamente incluídos nas características das pessoas retratadas com sua cor, iluminação, silhueta. A coloração dos retratos é dramaticamente ativa, saturada de tons adicionais sonoros e sutilmente harmonizados. Assim, a cor complexa no retrato de Pavlov, construída sobre uma combinação dos tons mais sutis de tons frios e quentes, caracteriza a clareza espiritual e a integridade do mundo interior do cientista. E no retrato dos irmãos Korin, engrossa para azul profundo, preto, marrom profundo, expressando o drama de seu estado criativo. Os retratos de Nesterov introduziram na arte um começo fundamentalmente novo e afirmativo da vida, queima criativa como as manifestações mais típicas e vívidas do estado das pessoas em uma era de grande entusiasmo pelo trabalho.
O mais próximo de Nesterov é o artista Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Ele foi criado entre os pintores Palekh, seu caminho criativo começou com a pintura de ícones e, em 1911, a conselho de Nesterov, ingressou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. Severamente exigente consigo mesmo e com as pessoas, Corinne carregava essa qualidade em todo o seu trabalho. A.M. Gorky, que conheceu em 1931, desempenhou um papel significativo no desenvolvimento criativo e, de fato, na vida do artista em geral. Gorky ajudou Korin a viajar para o exterior para estudar os melhores monumentos da arte mundial.
Talvez seja por isso que a galeria de retratos de cientistas, artistas e escritores de nosso tempo, que Korin vem criando ao longo dos anos, tenha começado com a imagem de A.M. Gorky (1932). Aliás, este trabalho já revela as principais características de Korin como retratista. O retrato de Gorky é uma obra verdadeiramente monumental, onde uma silhueta claramente definida, um fundo contrastante, um amplo preenchimento de cores de grandes áreas da tela, um desenho expressivo e nítido expressam a generalização histórica da personalidade do escritor. Este, assim como para outros retratos de Korin, é caracterizado por uma gama dura com abundância de tons de cinza escuro, azul escuro, às vezes chegando ao preto. Esta escala, assim como a forma claramente esculpida da cabeça e da figura da pessoa retratada, expressa as qualidades emocionais do próprio artista (6).
Nos anos 30, Korin criou retratos dos atores L. M. Leonidov e V. I. Kachalov, artista M. V. Nesterov, escritor A. N. Tolstoy, cientista N. F. Gamaleya. É óbvio que para ele, assim como para seu mestre espiritual M.V. Nesterov, o interesse pela personalidade criativa está longe de ser acidental.
O sucesso da pintura na década de 1930 não significa que o caminho de seu desenvolvimento tenha sido simples e desprovido de contradições. Em muitas obras daqueles anos, as características geradas pelo culto de I.V. Stalin apareceram e se estabilizaram. Este é o falso pathos de uma atitude pseudo-heróica, pseudo-romântica, pseudo-otimista em relação à vida, que determina a essência e o significado da arte "cerimonial". Surgiu uma competição entre artistas na luta por inconfundíveis "supertramas" associadas à imagem de IV Stalin, aos sucessos da industrialização, aos sucessos do campesinato e da coletivização. Vários artistas surgiram para se “especializarem” neste tópico. O mais tendencioso a esse respeito foi Alexander Gerasimov ("Stalin e K. E. Voroshilov no Kremlin" e seus outros trabalhos).

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Artistas dos anos 30

Artistas Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Conheci Deineka em Leningrado. Ele chegou quando a exposição já estava pendurada, nos últimos dias antes da inauguração, pegou todas as suas obras da parede e pendurou-as à sua maneira, cortando-as muito: algumas de suas coisas malsucedidas foram trazidas, e ele os removeu. Afinal, havia Defesa de Petrogrado, O Menino Adormecido com Centáureas, toda uma série de coisas de primeira classe. Então Deineka me causou uma impressão estranha e bastante negativa. Ele foi duro, um pouco rude. A maioria das pessoas o via assim - como algum tipo de atleta, jogador de futebol ou boxeador. Mas eu, felizmente, rapidamente descobri seu verdadeiro caráter. Ele não continha nada disso em si mesmo, era uma maneira de se comportar com estranhos, com estranhos. Aproximei-me dele já em meados dos anos 30, quando comecei a trabalhar na Detizdat, falaremos sobre isso mais tarde. E quanto mais o tempo passava, mais perto ele se tornava de mim. Nosso último encontro à revelia, dois dias antes de sua morte, foi uma troca das mais ternas palavras ao telefone de ambos os lados.

Conheci outro membro da OST, Yuri Ivanovich Pimenov, não em Leningrado. Havia muito poucas de suas obras em Leningrado, e eu o vi pela primeira vez já em Moscou, quando o vice-diretor do Museu Russo Dobychina veio pagar aos artistas pelas obras compradas deles em Leningrado. Estavam todos reunidos em Volkhonka, numa daquelas casinhas localizadas entre a rua Frunze e o museu. Todos os artistas sentaram-se no corredor e conversaram, e foram convidados, por sua vez, para alguma sala. E ali vi e me lembrei de Pimenov pela primeira vez. Ele mostrou como três artistas fazem paisagens para venda: um coloca muitas telas idênticas e as preenche com tinta azul representando o mar, o segundo passa e desenha alguns barcos com tinta preta e o último iça as velas de uma só vez com tinta branca cal. Ele retratou isso de uma maneira incomumente temperamental e muito expressiva.

Nós estabelecemos uma relação com ele muito rapidamente, mas não em uma base museológica, porque ele não estava envolvido em nenhum gráfico - nem gravura, nem desenho, isso não era muito bom, ele era um pintor puro. Já em 1932, tínhamos uma amizade muito terna. Foi nesse período, entre 1930 e 1932, que ele sofreu uma doença cerebral muito grave associada a uma concussão, ou mesmo a algum tipo de doença mental, e ela, quando ele finalmente se livrou dela, mudou completamente todo o seu caráter. . Tanto que destruiu a maior parte de seus primeiros trabalhos, muito aguçados, expressivos, esquemáticos, até trocou em museus o que conseguiram comprar dele. E ele se tornou completamente diferente, do jeito que permaneceu pelo resto de sua vida: radiante, leve, ensolarado, cheio de algum tipo de grande ganância pela vida real. A cada ano, nossas relações amistosas se aprofundavam cada vez mais e, no final, ele se tornou de meus colegas tão próximo de mim quanto Shmarinov. Na verdade, eu deveria citar dois deles em primeiro lugar entre meus amigos mais próximos da minha geração. Eu era um ano e meio mais novo que Pimenov e um ano e meio mais velho que Shmarinov.

Também me tornei amigo de Williams no início dos anos 1930. Ele era então um pintor, e um pintor muito forte e bom. Ele tinha um excelente trabalho: um retrato de Meyerhold, um retrato do diretor Barnett, uma grande pintura “Marinheiros da Aurora”, que foi enviada para alguma exposição em Veneza e ali apresentada à organização comunista de lá. Lá ela ficou. Mas eu tenho uma reprodução dele. Isso é uma coisa muito boa, eu me lembro muito bem. Mas então, em meados dos anos 30, ele se interessou pelo teatro, teve um sucesso extraordinário, fez, por exemplo, a decoração do Pickwick Club no Teatro de Arte de Moscou com decorações incomumente bizarras, nas quais figuras humanas foram introduzidas. E então ele se tornou o artista mais elegante do Teatro Bolshoi e até vestiu uma roupa condizente com uma figura teatral de sucesso: algum tipo de casaco de pele extraordinário quase no chão com pele da gola até o fundo, um chapéu de pele como uma pedra de moinho em sua cabeça, que foi o assunto da maior zombaria de mim e Pimenov em peculiaridades. Ele apenas sorriu timidamente. Em geral, ele entrou completamente no ambiente teatral, na vida teatral.

Tenho uma lembrança muito afetuosa de Williams. Em meados da década de 1930, Natasha e eu fomos ao Cáucaso em Tegenekli, um lugar acima do rio Baksan, no sopé do Elbrus. Havia uma casa de repouso que pertencia a alguém - não sei, mas destinada à intelectualidade criativa. De qualquer forma, os ingressos para lá tinham que ser obtidos do fundo de arte da União de Moscou, e quando cheguei lá, eles me disseram que Williams havia acabado de chegar e também iria para lá com sua esposa.

Muitos conhecidos acabaram por estar em Tegenekli. Havia um amigo meu com Natasha - um cientista - geógrafo Lazar Sholomovich Gordonov, com quem, de fato, concordamos em ir para lá. O diretor de cinema Alexandrov estava lá com sua esposa Lyubov Orlova. Houve um poeta Nikolai Tikhonov. Havia uma tradutora entediada - supunha-se que haveria estrangeiros, mas não havia, e ela vagava desanimada sem fazer nada. Uma noite ela se animou: o inglês, o Sr. Williams, deveria finalmente chegar! Ela passou pó, pintou os lábios, em geral, se preparou. Mas quando esse Sr. Williams apareceu, descobriu-se que era meu amigo Pyotr Vladimirovich Williams, que não sabia uma única palavra de inglês. Seu pai era, de fato, de origem inglesa, na minha opinião, uma espécie de grande cientista agrícola, mas ele próprio não tinha nada a ver com qualquer Inglaterra, então o tradutor ficou desapontado.

Lembro-me de uma vez que fomos a Elbrus, não até o topo, é claro, mas até o horizonte, isso é em algum lugar no meio do caminho, já acima das nuvens - um playground e um pequeno hotel. Subimos pela nuvem por um caminho íngreme e, tendo saído dessa nuvem, parecemos completamente molhados. As senhoras foram ao hotel se trocar e se arrumar, enquanto Williams e eu perambulamos pelo playground. E de repente alguém gritou: "Elbrus está abrindo!" Estava coberto de nuvens, e de repente as nuvens se abriram, e contra o fundo de um céu completamente verde apareceu um cone branco de neve do cume do Elbrus. Williams correu para dentro de casa para pegar papel e lápis - ele não levou mais nada com ele - e na chuva que caía de cima, começou a esboçar todos os contornos, anotando quais cores. Lembro-me dele com o cabelo grudado na testa, desenhando e escrevendo freneticamente com essas mesmas cores. Mas, infelizmente, nada aconteceu: quando ele me mostrou um esboço baseado neste esboço em Moscou, tudo acabou sendo completamente diferente. E ele mesmo sabia disso perfeitamente. Lembro-me que nossas senhoras saíram completamente seminuas para admirar Elbrus. O "Fenômeno de Elbrus" foi um espetáculo fugaz, nos deram uns dois ou três minutos para tudo.

Williams era um homem simples, gentil e bom, um pouco engraçado para seus hobbies teatrais da moda.

Eu também tinha boas relações com outros membros da OST - tanto com Labas quanto com Shifrin, mas eles não eram tão próximos. Shifrin era uma pessoa encantadora, um artista teatral muito bom, um mestre teatral brilhante. Labas sempre foi uma figura um pouco louca e desorganizada. Mas quem, claro, era uma pessoa absolutamente maravilhosa e o artista mais maravilhoso, esse é Tyshler. Mas o conhecimento e a amizade com ele pertencem aos últimos tempos, já pós-guerra. De alguma forma aconteceu que ele não estava representado em Leningrado, e então eu não precisei me encontrar com ele. Antes da guerra, eu o conhecia, mas de longe. Só depois da guerra se estabeleceu uma amizade muito terna, que só se aprofundou e melhorou. Ele é uma das criaturas mais adoráveis ​​que conheci na minha vida.

Depois da OST é preciso, claro, citar, se falarmos dos grupos artísticos da década de 1920, dois que me trouxeram amigos muito próximos. Em primeiro lugar, estas são as "4 artes", que incluíam Favorsky, Ulyanov, Pavel Kuznetsov e Saryan, e várias pessoas próximas a mim. E o segundo - a Sociedade de Artistas de Moscou - "OMH", que me trouxe uma das amizades mais queridas - com Sergei Vasilievich Gerasimov, bem como com Rodionov, com Osmerkin e outros.

Conheci Sergei Vasilyevich pela primeira vez em Leningrado, ele foi um dos organizadores da exposição, estava entre os capatazes e pendurou fotos suas e de artistas próximos a ele. Embora ele ensinasse desenho na VKHUTEIN, conheci seus gráficos muito mais tarde e não precisei comprá-los para o museu. Mas em Leningrado, tínhamos que nos enfrentar todos os dias, nos encontrar em um trabalho comum e, o mais importante, fomos jantar com uma empresa: ele, eu, Kupreyanov e Istomin. Foi com tanta frequência que reconheci rapidamente seu caráter, seu humor, suas piadas e ridicularizações, que eram apenas uma defesa contra estranhos. Mesmo assim, apreciei seu caráter incrível e sua arte maravilhosa. Apesar de ainda ser um período muito inicial, as obras eram apenas na década de 20, desde o início da década de 30, já eram muito boas. E então esse conhecimento gradualmente se tornou cada vez mais próximo, e no período pós-guerra ele era, é claro, uma das minhas pessoas mais próximas. E devo dizer com muito prazer que, aparentemente, eu era uma das pessoas mais próximas a ele, usava toda a sua procuração, cumpria todas as suas ordens, especialmente quando se tornou chefe do Sindicato dos Artistas da URSS. Na verdade, mesmo antes disso, ele era percebido como tal, reconhecido por todos, embora absolutamente não oficial, o chefe da arte soviética. Mas quando o Primeiro Congresso de Artistas da União ocorreu em 1957, é bastante natural que Sergei Vasilyevich estivesse à frente da União.

Talvez relações mais externas, mas muito amigáveis, também notei a convivência com Osmerkin, um dos principais participantes do Valete de Ouros, que nos anos 30 se tornou um pintor de paisagens lírico muito simples, delicado e gentil. E ele próprio era um homem maravilhoso, atraente, delicado. Mas eu o encontrei com menos frequência, e ainda era uma amizade periférica, e não básica, enraizada.

Falando sobre os ex-membros do grupo "Valete de Ouros", deve-se lembrar de mais uma pessoa gentil, doce e atraente, Alexander Vasilyevich Kuprin. Kuprin era baixo, com uma barba pequena, uma pessoa muito taciturna e tímida, vestido muito modestamente, sem nenhum efeito externo, ocupado com alguns de seus pensamentos e sua criatividade. Osmerkin e Kuprin são talvez os dois artistas mais sutis de todo esse grupo.

Com Kuprin, eu, assim como com Osmerkin, tínhamos as relações mais amigáveis ​​e, pode-se dizer, sinceras. Não como Konchalovsky, a quem eu tinha profundo respeito, que me favorecia, mas ainda havia uma grande distância entre nós.

Minhas relações com Pyotr Petrovich Konchalovsky foram muito amigáveis, escrevi sobre ele e ele gostou da maneira como escrevo. Mas a proximidade não deu certo, ele era muito diferente. Ele era, antes de tudo, um cavalheiro, um pouco ao estilo de um comerciante, vivendo em grande escala, inusitadamente temperamental, com uma enorme "economia" artística. Certa vez, quando eu estava em sua oficina, ele disse: "Já tenho mil oitocentésimos números". Isso se aplicava apenas às suas pinturas; ele nem contava aquarelas e desenhos. De qualquer forma, nossas relações eram amigáveis, o que esfriou bastante já pela graça de sua filha e genro - Natalia Petrovna Konchalovskaya, poetisa, e sua esposa Mikhalkov. Mas Piotr Petrovich não teve nada a ver com isso, assim como não teve nada a ver com o esnobismo senhorial de sua casa - ele foi plantado por sua esposa, uma senhora de caráter difícil, que, sendo filha de Surikov, entendia muito sobre si mesma e defendia extremamente a dignidade de Konchalovsky. Quando escrevi um artigo, a pedido dele, para sua última exposição vitalícia em 1956, este artigo foi embaraçoso. Dei-o a Piotr Petrovich para ler. Ele a aprovava calorosamente, gostava muito dela. E então Nikolai Georgievich Mashkovtsev, um velho historiador de arte e trabalhador de museu que trabalhava na época na Academia de Artes e era um membro correspondente dessa mesma Academia, veio até mim com um olhar envergonhado que de Olga Vasilievna vetou meu artigo, porque eu criticar Konchalovsky lá por algumas coisas. Pyotr Petrovich não prestou atenção a isso, e sua esposa não permitiu que essa crítica fosse publicada. Eu disse que estava pegando o artigo de volta, não o submeteria ao catálogo, de alguma forma eu o publicaria sem correção. Quando depois disso me encontrei com Piotr Petrovich, ele balançou a cabeça, lamentou como tudo acabou tão mal. Mas acalmei-o, consolei-o, disse que já o tinha entregue à revista "Arte" e que será publicado na forma em que o escrevi. Mas ele morreu durante esta exposição, então ele não viu meu artigo impresso. E acabou fazendo tanto sucesso que mais tarde foi reimpresso sem meu conhecimento, em particular, no enorme volume "Patrimônio Artístico de Konchalovsky" e até colocado, sem me perguntar, como um artigo introdutório. Obviamente, ela respondeu ao seu propósito. Mas ainda assim, essa relação não era próxima, embora boa, amigável.

Favorsky me contou um episódio engraçado relacionado ao seu trabalho no desenho do poema da filha de Peter Petrovich, Natalia Petrovna Konchalovskaya, "Our Ancient Capital". Ele teve que ir à casa dos Konchalovsky por um bom tempo: Nossa Antiga Capital consistia em até três livros, ele teve que fazer muitas ilustrações. Natalya Petrovna muitas vezes simplesmente se referia a ele em seus poemas: o artista mostrará o resto.

Enquanto ele e Natalya Petrovna estavam trabalhando, Pyotr Petrovich entrou na sala, olhou para as folhas estendidas e disse: "Eu nunca pensei que minha tola - Natasha acabaria valendo a pena".

Desde então, ela permaneceu em nossa casa "uma tola - Natasha". Este nome se enraizou com firmeza e sem esperança. Quanto a Mikhalkov, a conversa sobre ele será por sua vez quando se trata de Detizdat, onde ele apareceu pela primeira vez e onde diante de meus olhos ele cresceu e se desenvolveu como um poeta oficial de sucesso dos tempos do culto à personalidade.

Outros "manobristas de diamantes" eram de natureza muito diferente. Lentulov era uma pessoa inteligente; para que se pudesse imaginar como ele estava voando em um táxi arrojado - um cocheiro em uma forma perfeitamente alegre, imprudentemente imprudente até a manhã em algum "Yar". Talvez fosse ostentação, mas ele se comportava assim - sua alma estava aberta, uma natureza ampla. Na verdade, ele era muito sério e um verdadeiro mestre, embora, como você pode ver na exposição "Moscou - Paris", ele começou com coisas muito violentas, onde o cubismo está pela metade com o futurismo, e com o legado da pintura russa de o século 19. E tudo de forma extremamente violenta em telas enormes. Na verdade, com tudo isso, ele era um artista muito sutil. Lentulov era muito amigo de Pimenov e, de fato, meu relacionamento com ele se desenvolveu principalmente por meio de Pimenov. Ele era um homem agradável e bom.

Eu não tinha boas relações com Mashkov. Ele era muito talentoso. Mas desde o primeiro encontro com ele, comecei a me perguntar como o Senhor Deus poderia ter colocado talento em um porrete tão bom, em uma pessoa tão irremediavelmente estúpida. Isso ficou extremamente evidente quando ele tentou desenhar figuras humanas. Ingressou na Academia de Artes e pintou alguns pioneiros com gravatas na costa do Mar Negro - era algo completamente impossível, vulgaridade babosa, do tipo mais vulgar e estúpido. E naturezas-mortas, no entanto, ele pintou excelente toda a sua vida. Não consegui desenvolver nenhuma intimidade com ele. E quando repreendi em um de meus artigos seu cerimonial "Retrato de guerrilheiros", onde guerrilheiros com drekol, com rifles, com cinturões de cartuchos e cinturões de metralhadora eram retratados em torno de um ficus magnífico, tremendo e luxuosamente pintado, como se em um popular imprimir fotografia de um fotógrafo provincial - como se estivessem enfiados os rostos nos buracos do cenário acabado, - Mashkov, é claro, ficou completamente ofendido comigo e nosso relacionamento terminou completamente.

Também não tive um bom relacionamento com outro ex-manobrista de diamantes, Falk. Mas vou falar dele mais tarde, quando se trata dos anos de guerra - só então o conheci, na evacuação, em Samarcanda. Foi uma reunião muito desagradável, e eu o trato com muita frieza - tanto para sua arte quanto, em particular, para sua própria pessoa. Uma pessoa muito hipócrita, muito arrogante, arrogante e extremamente hostil para com as pessoas.

Quanto à Sociedade "4 Artes", encontrei bons amigos lá. Este não é apenas Favorsky, mas depois dele e Ulyanov. Conheci Nikolai Pavlovich Ulyanov quando estava organizando uma exposição de gráficos em Moscou. Lá estava seu estande, onde foram selecionados desenhos muito bons dele, principalmente retratos. Lembro que havia um retrato de Mashkovtsev, um retrato de Efros. Desde então, começamos a estabelecer relações cada vez mais próximas, o que acabou se tornando uma amizade muito importante para mim. Eu constantemente ia até ele, ele escrevia cartas para mim, embora nós dois morássemos em Moscou. E em Samarcanda, onde nós dois fomos evacuados, eu o via quase todos os dias. No início da guerra, ele foi enviado para Nalchik, depois para Tbilisi, junto com todo um grupo de eminentes escritores, artistas e atores. (Juntos, a propósito, com Alexander Borisovich Goldenveiser.) No outono de 1942, todos foram transportados para a Ásia Central, mas a maioria foi para Tashkent, e ele ficou em Samarcanda.

Todos os dias, quando ia a Registan, onde ficava o Instituto de Arte de Moscou, ia consolá-lo, porque sua vida em Samarcanda era muito difícil. Ele recebeu uma hujra completamente feia, desconfortável e dilapidada no pátio de Shir-Dora, sem qualquer mobília. E ele trouxe do Cáucaso sua esposa moribunda, que já estava deitada imóvel. Ela morreu lá, em Samarcanda.

Nikolai Pavlovich Ulyanov, e após sua morte, sua segunda esposa, Vera Evgenievna, presenteou meu pai com muitas obras de Ulyanovsk de primeira classe: um retrato de Vyacheslav Ivanov, uma aquarela "Didrot na casa de Catarina", um de seus melhores desenhos de Pushkin, esboços de figurinos para "Molière" e vários outros. Também mantemos uma obra rara - uma paisagem de sua primeira esposa, a artista Glagoleva, que morreu em Samarcanda. Toda uma história está ligada a uma grande peça de Ulyanov, "Modelo e Cavalo de Silena". O jovem Ulyanov escreveu isso quando era assistente de Serov na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura - foi uma "performance" educacional que Serov ofereceu a seus alunos. Voltando da evacuação para Moscou, Ulyanov descobriu que os vizinhos usaram essa tela retirada da maca, tendo-os forrado com uma cesta para armazenar batatas. A imagem era uma protuberância preta e rachada, sobre a qual quase não se podia discernir nada. Ulyanov deu a seu pai, dizendo com tristeza: se você pode economizar, guarde para você. Papai deu a tela para Stepan Churakov, um restaurador maravilhoso da GM AI, e ele salvou o trabalho! Dupliquei-o em uma nova tela, limpei - quase não há vestígios de restauração, e o Modelo e Cavalo de Silena, brilhando com todo o seu pitoresco verdadeiramente seroviano, está pendurado sobre o sofá de meu pai em seu escritório há meio século.

Outras pessoas próximas a mim, como Vera Ignatievna Mukhina, uma escultora maravilhosa e uma pessoa maravilhosa, de força, poder e energia extraordinários, independência absoluta, com uma paz de espírito incomumente grande e uma grande escala mental, vieram do mesmo grupo de "4 artes". Isso resultou tanto em grandiosas artes plásticas monumentais quanto em coisas líricas - o famoso grupo, feito para uma exposição em Paris em 1937, foi acompanhado por obras como Pão, uma das esculturas mais poéticas e delicadas da arte soviética. Ela também era uma pintora de retratos maravilhosa.

Da mesma sociedade, de fato, veio Sara Dmitrievna Lebedeva, ex-mulher de Vladimir Vasilyevich Lebedev, um dos melhores escultores que tivemos, e uma pessoa encantadora, muito contida, muito silenciosa, muito calma e com o quê? impressionante, elevado senso de caráter e movimento em sua arte. Faça o que fizer, seja uma grande estátua de sua "Garota com Borboleta", um de seus melhores trabalhos, seja retratos, como, por exemplo, um retrato de corpo inteiro, ainda que em miniatura, de Tatlin, com sua pernas estendidas, com uma longa cara de cavalo - era extraordinariamente significativo e extremamente talentoso. Conhecer Sara Lebedeva e boas relações com ela também é uma das lembranças mais queridas para mim.

Muito boas relações, embora nunca tenha havido uma proximidade especial da alma, também desenvolvi com Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, uma pessoa muito complacente e um pouco tacanha. No entanto, talvez fosse uma forma de comportamento por trás da qual algo mais estava escondido. Kupreyanov, no entanto, o chamou de palavras não muito gentis: "uma foca que tenta fingir ser um leão". Talvez isso estivesse de acordo com seu caráter.

Ele era muito simplório, e isso se manifestava de várias formas. Por exemplo, um dia Kuznetsov aparece de repente no corredor onde eu estava pendurando gravuras e gravuras de Nivinsky, Kravchenko e gravuras de outros artistas gráficos, arrastando uma tela gigante de um de seus alunos - amorfa, solta, completamente pitoresca. E quando eu digo surpreso: "Bem, onde vou colocá-lo?", Pavel Varfolomeevich responde: "Mas isso é gráficos perfeitos!" Nada menos gráfico poderia ser imaginado. Cuidava muito bem de seus alunos. Esta tela foi, aliás, Davidovich, que morreu na milícia durante a guerra. Mas eu mal o conhecia.

Enquanto trabalhávamos em Leningrado, Pavel Varfolomeevich e eu às vezes tínhamos que jantar no próprio Museu Russo. A comida lá era nojenta, mas nada podia ser feito - nem sempre era possível se aposentar no Hotel Evropeyskaya ou na Casa dos Cientistas. Lembro-me de quando estávamos sentados com Pavel Varfolomeevich, e ele tirou um longo rabo de peixe da sopa que lhe foi servida. Ele ligou para a garçonete e perguntou com muita calma: “O que você me serviu, sopa ou sopa de repolho?” Ela disse: "Schi". Então ele mostrou a ela o rabo de peixe, para seu embaraço. Gostei muito do seu sério interesse em descobrir o que, de fato, foi servido a ele.

Nosso encontro com ele em Gurzuf no início dos anos 1950 foi muito agradável para mim, quando ele começou a pintar meu retrato. Ele me ofereceu isso várias vezes em Moscou, mas em Moscou não tive tempo de posar e em Gurzuf não tive desculpas para recusar. Ele me sentou no topo da dacha Korovinskaya contra o fundo do mar e pintou uma enorme cabeça vermelha brilhante, semelhante a um tomate grandioso contra o fundo de um mar azul deslumbrante. Ele pintou este retrato com grande prazer, e lamento muito que ele tenha tocado em algum lugar. Recentemente, no entanto, foi-me dito que, presumivelmente, após a morte de Kuznetsov e sua esposa (eles não tiveram filhos), tudo o que permaneceu na oficina foi para Saratov, para o Museu Radishchevsky. É muito possível que meu retrato também tenha ido parar lá. Provavelmente não havia muitas semelhanças lá, mas a memória em si é simplesmente agradável. Eu ainda posso vê-lo, enquanto ele se senta e com grande prazer escreve este contraste de vermelho brilhante com azul brilhante. Mas, para dizer a verdade, foi difícil para mim sentar, porque sua esposa Bebutova, também artista, decidiu me entreter com conversas eruditas durante essa sessão. As conversas, apesar de todas as suas tentativas de aprendizado, eram tais que eu mal conseguia me conter para não rir. Ela também era uma pessoa ingênua e simplória.

Com Kuznetsov, uma amizade próxima dificilmente poderia ter se desenvolvido - éramos pessoas muito diferentes. Mas eu me lembro dele com muito respeito. E ele é um artista muito bom, o que foi mostrado em sua recente exposição junto com Matveyev.

Mas Matveyev, meu conhecimento com ele, que se transformou em um relacionamento muito bom, foi uma das minhas "conquistas" mais importantes. Ele era um homem muito severo, muito taciturno, muito contido, retraído, lento e pouco trabalho, nutrindo cada um de seus trabalhos por muitos anos. Não restam tantas coisas depois dele, mas são maravilhosas.

Por volta dessa época, o mais tardar em meados dos anos 30, conheci Saryan. Este é um dos eventos muito importantes na minha biografia artística. Quando e onde o conheci, não me lembro de nada, porque ele não veio ao museu, porque não estava particularmente envolvido em nenhum gráfico e não participou das exposições que organizei. E em Leningrado, em 1932, ele próprio não estava. Lá estava sua parede, bastante aleatória em sua composição, em geral, não correspondia ao seu nível e significância, embora fosse bonita. Mas em comparação com outras três paredes brilhantes do mesmo salão - Petrov - Vodkin, Shevchenko e Kuznetsov, ele parecia mais modesto, embora nos resultados de seu caminho criativo tenha superado os três por muitos gols. Escrevi um artigo muito elogioso, simplesmente entusiasmado sobre ele em 1936, já o conhecia, e este artigo marcou o início de uma forte amizade que durou até o fim da vida de Saryan. Aliás, este artigo na Literaturnaya Gazeta de 1936 despertou grande desagrado com Kemenov, que na época, como eu, também trabalhava como crítico na Literaturnaya Gazeta. Publicamos com ele quase um ao outro, mantendo-nos em posições diametralmente opostas e muito desaprovando um ao outro.

Depois da guerra, muitas vezes eu via Saryan - toda vez que ele vinha a Moscou. Escrevi sobre ele várias vezes depois, já nos anos 60 e depois. Não há nada que descreva Saryan - todo mundo o conhece, mas sempre me surpreendi com algum tipo de infantilidade desse homem, sua admiração aberta e inocente pela beleza do mundo real, sua infinita atitude de boa índole para com as pessoas, embora ele perfeitamente entendia quem o tratava assim. Em 1952, Boris Weymarn falou na discussão da exposição de aniversário com tiradas extraordinariamente apaixonadas, muito indignadas com o júri sem princípios, que levou as terríveis pinturas de Saryan para a exposição. Então, depois de apenas cinco anos, essas mesmas fotos trouxeram a Saryan o Prêmio Lenin, de modo que Weimarn ganhou apenas o que Saryan até o final de seus dias se expressou de outra forma que não "esse bastardo Weimarn". E isso por toda a sua bondade e sol, que não estava apenas na pintura de Saryan, mas em todo o seu comportamento, em toda a sua aparência - a personificação do sol e até o sol da Armênia. Este é um sol muito especial. Um dos países mais bonitos do mundo é a Armênia. Aprendi isso nos anos do pós-guerra, quando estive lá duas vezes.

Lembro-me bem como meu pai e eu visitamos Saryan em sua oficina em Yerevan na “Saryan Street”, como ele nos mostrou seus trabalhos - tanto cedo quanto muito recentemente, fez desenhos de cavalete muito trágicos e poderosos. Do calor, meu pai começou a ter sangramentos nasais graves, - Saryan estava terrivelmente animado, colocou seu pai no sofá, cuidou dele com solicitude tocante. Ele já era muito velho e, embora ainda fosse brilhante, muito triste, pouco antes disso, seu filho havia morrido em um acidente de carro. .

GOGOL E ARTISTAS Feliz é o escritor que, além dos personagens chatos, repugnantes, marcantes com sua triste realidade, se aproxima dos personagens que mostram a alta dignidade do homem... Gogol, "Dead Souls" Para a posteridade, a ligação entre Gogol e Ivanov foi preservado

Pintores e Escultores Há artistas cujo trabalho admiro agora, mas muitos dos trabalhos de artistas aprendi a admirar na minha juventude. Acima de tudo, amo os impressionistas. Cezanne é um deus para mim. Ele sempre deixa espaço para a imaginação. É o suficiente para ele

Artistas Pela primeira vez, encontrei-me com os artistas do Mundo da Arte em 1904. Um dos funcionários de "Novy Put" e amigo íntimo de A. N. Benois me levou em um jornalismo para esse líder e apologista dos mestres de São Petersburgo. Posteriormente, aprendi que naqueles dias os artistas me olhavam como

Artistas O pincel do artista encontra rastros por toda parte. E, para a tentação dos policiais da guarda, Desconhecidos artistas da Europa Pintam com tintas em calçadas sombrias. Sob as solas da era da caminhada, as imagens estão dormindo, sorrindo e tristes. Mas aqueles que são bons e aqueles que são ruins desaparecem após a primeira

ARTISTAS Yakov Vinkovetsky, sendo ele próprio um artista, embora não um profissional, me apresentou a mais dois - não apenas profissionais, mas campeões, heróis de seu ofício, que, apesar de sua super habilidade e campeonato, nunca se tornaram bem-sucedidos ou

Artistas Konstantin Korovin vive em Paris. Quantos pensamentos sobre a pintura nacional russa estão associados a esse nome. Muitos o lembrarão como o nome de um magnífico decorador, um intérprete de uma ampla variedade de tarefas teatrais. Mas isso é apenas parte da essência do Korovin.

Artistas Mexicanos Artistas dominaram a vida intelectual do México, pintando toda a cidade da Cidade do México com histórias de história, geografia, civismo e controvérsias sobre o metal. Clemont-te Orozco, magro

Artistas no Museu O início do conhecimento dos artistas - visitantes do Gabinete de Gravura. Rodionov, Favorsky, Shterenberg, Goncharov, Kupreyanov, Shevchenko, Bruni, Tatli O início desses laços cada vez mais difundidos estava enraizado no Museu de Belas Artes - desde então

Artistas Meu pai Vladimir fez outra reforma na igreja, lavou as pinturas e pintou os tetos. O templo em Losinka não é antigo, construído em 1918. Antes da revolução, eles não tinham tempo para pintar suas paredes, e então não havia tempo para beleza. Então meu pai, tendo se tornado o abade, decidiu

Artistas-"anti-soviéticos" Mais de 70 anos (1917-1991) prática da chamada luta "cruel, intransigente" contra um inimigo político, anti-soviético, dissidentes abunda em mais de uma centena de conluio aberto ou secreto de partido funcionários com esta categoria

Artistas Caro Oleg Leonidovich! Um crítico de arte local me pergunta apressadamente como os artistas vivem em Moscou e quais são seus ganhos reais. E eu não tenho esses dados. Ouvimos dizer que os escritores ganham um bom dinheiro, e as taxas anuais de Tolstoi e Sholokhov

Artistas como loucos maravilhosos Hoje prestamos homenagem a Sergei Shchukin e Ivan Morozov não apenas por colecioná-los, mas também por seu gosto visionário, por sua capacidade de adivinhar a próxima onda do processo artístico. E isso estava longe de ser fácil. Como observado

ARTISTAS O interesse pela arte aproximou Gogol da colônia de artistas russos em Roma. Eles mantinham uma companhia próxima, interrompendo com modestos subsídios da Academia de Artes. Entre eles estavam talentos notáveis ​​que se tornaram o orgulho da arte russa. Gógol não é

Artistas Irina Brzheska, artista (Estónia) "Este retrato foi colocado na capa do disco" Reprodução da pintura de Irina Brzheski do disco de Anna German, 1977 Muitas pessoas conhecem o retrato desta artista de Tallin: adorna a capa de um dos discos mais famosos

Estes não são de todo o trabalho de fotógrafos profissionais que podem ser acusados ​​de serem unilaterais. Estas são fotografias de álbuns privados - a vida real que os soviéticos comuns viviam nas décadas de 1920 e 1950.
Claro, eles não podem ser comparados com o nível de trabalho dos fotojornalistas profissionais, a maioria deles foi feita por amadores. Mas eles refletem a vida como aquelas pessoas a viam e conseguiram preservá-la parcialmente em fotografias de família...
Há muito nos bastidores. Por exemplo, programas educacionais, onde ensinavam a ler e escrever 80% da população analfabeta do país - de onde os camponeses daqueles anos conseguiam câmeras? Mas não é isso. Veja o que cercava o povo soviético daqueles anos, as roupas, os rostos que refletem seu tempo. Às vezes, eles contam sobre seu tempo melhor do que qualquer historiador, propagandista e analista.

Crianças de 20 anos
Livros escolares - pela primeira vez na minha vida. Pela primeira vez no mundo, a educação para todos foi fornecida pelo Poder Soviético.


1926 Cherepovets. Celebração de 1º de maio
Perto da tribuna das crianças de rua - as consequências do Civil. Os sem-abrigo serão eliminados apenas no início dos anos 30.


O ano é 1928. região de Krasnoyarsk. Congresso dos Trabalhadores do Partido.
Veja como os trabalhadores do partido estão vestidos - assim como a pessoa média para aqueles anos.
Nos anos 20, nem todos tinham terno. E os trabalhadores do partido tinham 2 túnicas, ou mesmo uma, em seu guarda-roupa habitual.


Celebração em família, 20-30s

Foto de uma mulher. 1930 Moscou


Um grupo de pessoas 1930. Local desconhecido


Conselho da aldeia cedo. anos 30. Distrito de Pavlo-Posad, região de Moscou


Carro na Madeira (!) Carro de 1931
Entusiastas do design dos anos 30. Naquela época, não era muito bom com petróleo na URSS - praticamente todas as reservas exploradas estavam concentradas no Cáucaso. Os campos de petróleo da Tataria e da Sibéria foram descobertos apenas nas décadas de 40-50, quando foi criada uma base para levantamentos geológicos. Antes disso, o país carecia muito de geólogos, equipamentos, engenheiros, transporte... não havia praticamente nada. Tudo isso foi criado na década de 30.


1931 A melhor equipe na construção da Combinação Metalúrgica de Kuznetsk, Novokuznetsk.
As bases para a indústria pesada estão sendo lançadas.
Não olhe para os rostos dessas pessoas. Eles, não se poupando, construíram fábricas e cidades para seus descendentes, para nós. Em 10 anos eles defenderão o que fizeram na guerra mais terrível da história da humanidade, morrendo para que possamos viver. E permitimos que tudo isso fosse roubado e destruído. Poderíamos olhá-los nos olhos?


Família. Leningrado 1930-31
A intelligentsia e os especialistas naqueles anos ganharam muito dinheiro.


Descanse na água. região de Kirov 1932 - 1936


18 de abril 1934. "Brigada dos Trabalhadores". Artel agrícola Neverovo-Sloboda "Testamento de Lenin" S. Neverovo-Sloboda Ver.Landekh. distrito de Shuisk. ambiente
Trabalhadores agrícolas em uma província remota da Sibéria. Um artel é uma organização não governamental, mas uma cooperativa de empresários unidos que fizeram acordos com o Estado e outras cooperativas, pagaram impostos, etc.
O movimento cooperativo foi extremamente desenvolvido na URSS stalinista. Além das fazendas coletivas, que eram organizações cooperativas, havia então mais de 114.000 oficinas industriais que empregavam cerca de 2 milhões de pessoas. Eles produziram quase 6% da produção industrial bruta da URSS em sua composição: 40% de todos os móveis do país, 70% de todos os utensílios de metal, 35% de malhas, quase 100% de brinquedos.
Nos artels rurais cooperativos, os trabalhadores (tanto agricultores coletivos quanto agricultores individuais) eram geralmente empregados em meio período. Eles incluíram na década de 30 até 30 milhões de pessoas.
O movimento cooperativo na URSS foi destruído por Khrushchev simultaneamente com a implantação da histeria anti-stalinista.

1934 Tour ao longo da estrada militar georgiana
Você pode imaginar um trabalhador na Rússia czarista que fez uma viagem turística às custas do governo? Como disse H. Wells, este é o único país do mundo onde a música clássica é tocada para os trabalhadores.

"Depois do banho" Meados dos 30 anos.
“O povo soviético assustado. »© Veja se há medo nesses rostos? Em qualquer uma das fotos. Rostos abertos, otimistas e brilhantes.


Agricultores coletivos. região de Kirov entre 1932 e 1936
Agricultores coletivos soviéticos comuns na ceifa.


distrito de Kolomensky. Meados dos 30 anos.


1935, região de Oryol, casa de repouso Bogdanovsky.
O país inteiro entrou para o esporte. Estas são garotas soviéticas comuns, não a equipe de ginástica. Tente repetir o que eles estão fazendo.

Alunos da escola pedagógica, 1935, região de Kirov
O formulário foi dado aos estudantes pelo Estado Soviético. Este é um país que há alguns anos andava com sapatos baixos e não sabia ler e escrever.


Jovens dos anos 30, região de Kirov.
Crachás - as normas do TRP (Pronto para o Trabalho e Defesa) e do GTO (o mesmo, mas sanitário) foram aprovadas. Naqueles anos, era absolutamente necessário que um menino que se preze recebesse tal distintivo. Uma pessoa era valorizada por qualidades pessoais, e não pela carteira e conexões dos pais. Aqueles que usavam conexões eram desprezados.
Essas pessoas vencerão a guerra em poucos anos, construirão uma potência mundial quase do zero e lançarão um homem no espaço.
Preste atenção nos rostos adultos e obstinados desses meninos - eles têm cerca de 16 anos. E compará-los com os atuais.


O jogo "Banco Pioneiro". Acampamento de pioneiros 1937
Todas as crianças podiam ir quase de graça durante todo o verão para o acampamento dos pioneiros, onde eram criadas, treinadas e educadas. Nos países ocidentais, isso ainda é impossível de sonhar. E isso é comum conosco desde os anos 30.


Snowmobile no gelo do Volga na ponte Kanavdinsky. Meados dos 30 anos.
Alta tecnologia daqueles anos. Eles desempenharam um papel importante no desenvolvimento de tecnologias de aviação e foram amplamente utilizados no desenvolvimento das guerras do Norte, finlandesas e patrióticas.

Vera Voloshin, 1º de outubro de 1941. Dois meses depois, em 29 de novembro, essa linda garota morrerá.
Escultura de oito metros Uma menina com um remo do notável escultor Ivan Shadr (Ivanov), o modelo era uma maravilhosa atleta soviética Vera Voloshina, que desapareceu em novembro de 1941 durante uma operação de sabotagem atrás das linhas inimigas.
Um mês antes de sua morte, a escultura foi destruída por uma bomba alemã. Apenas um quarto de século depois, os detalhes de sua morte ficaram conhecidos - ela foi gravemente ferida ao retornar de uma missão, capturada pelos alemães e, após longa tortura, foi enforcada na floresta. Isso aconteceu a 10 km do local da morte de Zoya Kosmodemyanskaya, no mesmo dia. Vera Voloshin, que realizou o mesmo feito, foi uma organizadora Komsomol de um grupo de reconhecimento e sabotagem Komsomol, que incluía Zoya.
Vera também era uma excelente paraquedista e o escultor, meio brincando, disse que a havia colocado especialmente para olhar a torre de paraquedas.


Estudantes de geologia 1937


Do que se trata a foto fica claro na legenda acima. Preste atenção - quase todos os meninos têm crachás TRP. Ser um membro distrófico do Komsomol era simplesmente selvagem. Membros do Komsomol e comunistas poderiam ter armas pessoais.


Família comum de Moscou 1939-1940


O ano é 1939. Cacássia. Vila
Uma bicicleta no País dos Sovietes tornou-se comum - quase todos podiam pagar por ela e seus filhos. No Ocidente, por exemplo, nem todos podiam comprar uma bicicleta naqueles anos. Iniciou-se o plano quinquenal de bens de consumo, que foi executado com muito sucesso. O padrão de vida do povo soviético cresceu rapidamente de 1939... até 22 de junho de 1941.

1942, dois meses depois ele morrerá nas batalhas perto de Vyazma.

Nas ruínas da casa nativa 1942. Região de Moscou.


Juramento. 1944


1947 Escola rural na região de Vologda.
Nas fotografias dos primeiros anos após a guerra, até os rostos das crianças mostram traços de estresse severo e vida difícil. Os vestígios da guerra são visíveis nos rostos humanos mesmo no início dos anos 50, e depois desaparecem gradualmente, e os rostos das crianças de 10 anos deixam de ser adultos infantis.
Quase todos perderam ou feriram gravemente alguém próximo a eles, se não de sua família, então de seus amigos, familiares, colegas de classe. Para muitos deles, suas mães permaneceram viúvas.


Rapazes do Campo 1947


4 classe "A", final de outubro de 1948, uma vila perto de Smolensk.


"Trindade, 1949". região de Kirov
Nos últimos 20 anos, "todo mundo sabe" que os rituais religiosos na URSS eram estritamente proibidos, e o terror era especialmente feroz durante o tempo de Stalin. Como nos asseguram: acabar com a sepultura, vestir uma árvore de Natal - e marchar em coluna até o Kolyma. E foi assim.


Turma de 1950. Uma das escolas de Moscou.


"Acampamento" - final dos anos 40 - início dos anos 50


Na mesa da instituição. 1949, região de Kirov


Feriado da Revolução de Outubro. Início dos anos 50


O conselho editorial do Jornal Local. Ouça as notícias. região de Vladimir, cedo. decada de 50


Habitantes de Kaunas 1950


Estudante, 50 anos.

Homem jovem. Ufa, 1953.


Garotos da Aldeia, der. Chupakhino, região de Oryol 1953 ano
De alguma forma, na TV, eles disseram que o "zíper" apareceu na URSS apenas nos anos 60, tanto que ficou atrás dos "países civilizados" em bens de consumo. Eu quis dizer, "por que precisamos de espaço se não podemos fazer relâmpagos?" Aparentemente, o cara do lado esquerdo da foto esfolou o americano morto.


1954. Pronto para Trabalho e Defesa. Entrega de padrões TRP.

"Nadia" - meados dos anos 50, Moscou
Seus rostos não refletem mais a Guerra, eles se tornam despreocupados e travessos. Crianças que tentaram "engordar" melhor nos anos 50 após os anos de guerra com fome.

Riga-50.

No traço da sociedade "Dínamo" 1955


Em um apartamento novo. Trabalhador de pessoal da fábrica "Outubro Vermelho" Shubin A.I. Moscou, Tushino, 1956


Meninos, Kolomna, 1958.


Kislovodsk. Cerimônia de beber água mineral. 1957 ano. Autor - Javad Bagirov


Apartamento em Kiev 1957

Baku, Ande Cansado. 1959 Autor - Javad Bagirov


Aparelhos para a venda de perfumes e colônias. 50º
Desde os anos 50, era possível usar perfume ou colônia em si mesmo em grandes lojas. Custou 15 copeques antes da “reforma Khrushchev”.

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura do período soviético Publicado em 14/09/2018 13:37 Acessos: 1845

Desde a década de 1930 do século XX. a arte oficial na Rússia desenvolveu-se ao longo das linhas do realismo socialista. Acabou-se a variedade de estilos artísticos.

A nova era da arte soviética foi distinguida pelo estrito controle ideológico e elementos de propaganda.
Em 1934, no Primeiro Congresso da União de Escritores Soviéticos, Maxim Gorky formulou os princípios básicos do realismo socialista como um método de literatura e arte soviéticas:

Nacionalidade.
Ideologia.
Concretude.

Os princípios do realismo socialista não foram apenas declarados, mas também apoiados pelo Estado: ordens estatais, viagens de negócios criativas de trabalhadores da arte, exposições temáticas e de aniversário, o renascimento da arte monumental como independente, desde refletia "as grandiosas perspectivas para o desenvolvimento da sociedade socialista".
Os representantes mais significativos da pintura de cavalete deste período foram Boris Ioganson, Sergey Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin e outros. artigos para alguns artistas.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Johannson. Auto-retrato

Um dos principais representantes do realismo socialista na pintura. Ele trabalhou nas tradições da pintura russa do século 19, mas introduziu em suas obras "um novo conteúdo revolucionário, em consonância com a época".
Ele também foi professor de pintura, diretor da Galeria Estatal Tretyakov em 1951-1954, primeiro secretário da União dos Artistas da URSS, editor-chefe da enciclopédia "A Arte dos Países e Povos do Mundo", teve muitos prêmios e títulos estaduais.
Duas de suas pinturas são especialmente famosas: "Interrogatório dos Comunistas" e "Na Antiga Fábrica dos Urais" (1937).

B. Johanson "Interrogatório dos Comunistas" (1933). Lona, óleo. 211 x 279 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
A história da pintura neste caso é necessária para a realização de sua ideia. “Eu fui pessoalmente perseguido pela ideia de comparar classes, um desejo de expressar contradições de classe irreconciliáveis ​​na pintura.
A Guarda Branca é um crescimento especial na história, é uma ralé onde se misturam os restos dos velhos oficiais, especuladores em uniforme militar, bandidos e saqueadores de guerra. Que contraste marcante com essa gangue eram nossos comissários militares, os comunistas, que eram os líderes ideológicos e defensores de sua pátria socialista e do povo trabalhador. Foi minha tarefa criativa expressar esse contraste, compará-lo ”(B. Johanson).
Um oficial da Guarda Branca está sentado em uma cadeira dourada de costas para o espectador. O resto dos oficiais brancos estão enfrentando. Para aumentar o efeito dramático, o artista fornece iluminação noturna artificial. A figura do comboio é colocada na borda superior escura do canto esquerdo e é uma silhueta ligeiramente visível. No canto direito há uma janela com uma cortina, através da qual a luz noturna adicional está fluindo.
Os comunistas parecem estar em uma elevação em comparação com os Guardas Brancos.
Os comunistas são uma menina e um trabalhador. Eles ficam lado a lado e calmamente olham para o rosto de seus inimigos, sua excitação interior está escondida. Os jovens comunistas simbolizam um novo tipo de povo soviético.

Sergei Vasilievich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Auto-retrato (1923). Lona, óleo. 88 x 66 cm.Museu de Arte de Kharkiv (Kharkiv, Ucrânia)
Artista russo, representante do impressionismo russo, especialmente manifestado em suas paisagens. Ele também criou uma série de pinturas realistas socialistas padrão.

S. Gerasimov “Primavera. Marchar". tela, óleo
No gênero histórico, sua obra mais famosa é The Oath of the Siberian Partisans.

S. Gerasimov "O Juramento dos Partidários da Sibéria" (1933). Lona, óleo. 173 x 257 cm.O Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
A imagem é dura em conteúdo, mas expressiva e expressiva. Tem uma composição clara e foco ideológico.
A pintura de gênero de S. Gerasimov "Collective Farm Holiday" (1937) é considerada uma das obras mais significativas da arte soviética na década de 1930.

S. Gerasimov "As férias de fazenda coletivas" (1937). Lona, óleo. 234 x 372 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Uma das pinturas mais famosas sobre a guerra foi a pintura de S. Gerasimov "A Mãe do Partidário".

S. Gerasimov "Mãe do Partisan" (1943-1950). Lona, óleo. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O próprio artista falou sobre a ideia da pintura da seguinte forma: "Eu queria mostrar na imagem dela todas as mães que enviaram seus filhos para a guerra".
A mulher é firme em sua justiça, ela personifica o grande poder da ira do povo. Ela sofre, mas este é o sofrimento de uma pessoa orgulhosa e forte, então seu rosto parece calmo neste momento trágico.

Arkady Alexandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Retrato do artista Plastov

O artista A. Plastov é chamado de “o cantor do campesinato soviético”. Todas as suas pinturas de gênero são criadas no contexto de uma paisagem. A natureza russa do artista é sempre lírica e animada. Suas pinturas se distinguem pela expressividade poética e quase livre de conflitos.

A. Plastov "Primeira Neve" (1946)
O artista retratou um pequeno fragmento da vida da aldeia. No limiar da casa de madeira há duas crianças camponesas, provavelmente uma irmã e um irmão. Acordando de manhã, eles viram a neve cair e correram para a varanda. A garota nem teve tempo de amarrar um xale amarelo quente, apenas o jogou em um vestido leve e colocou os pés em botas de feltro. Crianças com surpresa e prazer olham para a primeira neve. E essa alegria, esse deleite infantil da beleza da natureza é transmitido ao público.
Plastov é um realista convicto. A busca por algo completamente novo e sem precedentes lhe era estranha. Ele vivia em paz e admirava sua beleza. Plastov acreditava: o principal para um artista é ver essa beleza e transmiti-la na tela. Você não precisa escrever lindamente, você precisa escrever a verdade, e será mais bonito do que qualquer fantasia.

A. Plastov "Golden Edge" (1952). Lona, óleo. 57 x 76 cm. Museu Estadual-Reserva "Rostov Kremlin"

A. Plastov "Fazer feno" (1945). Lona, óleo. 193 x 232 cm. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O artista criou uma série de pinturas sobre a Grande Guerra Patriótica. A tela "Fascist Flew" está cheia de tragédia, é considerada uma obra-prima da arte soviética da guerra e do pós-guerra.

A. Plastov "Fascista Voou" (1942). Lona, óleo. 138 x 185 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O artista A. Deineka continua trabalhando em seus temas favoritos.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Conhecido como pintor, artista de teatro, cenógrafo e artista gráfico, artista de cartazes, professor.
Sua pintura mais famosa é "Nova Moscou".

Yuri Pimenov "Nova Moscou" (1937). Lona, óleo. 140 × 170 cm. Galeria Estadual Tretyakov (Moscou)
Foi escrito em meio à reconstrução da capital. Uma mulher dirigindo é uma ocorrência bastante rara para aqueles anos. Este é um símbolo de vida nova. A solução composicional também é inusitada: a imagem parece um quadro de câmera. A mulher é mostrada de costas, e essa perspectiva convida o espectador a olhar a cidade matinal através de seus olhos. A sensação de alegria, frescor e clima de primavera é criada. Isso é facilitado pela maneira impressionista de pintar do artista e pela delicada coloração da imagem. A imagem está imbuída de uma atitude otimista característica da época.
O artista também usou essa técnica ao pintar o quadro "Estrada de frente". O conteúdo emocional da imagem é construído sobre o contraste entre a imagem de uma Moscou pacífica e em mudança e a cidade retratada na imagem "Estrada da frente", saqueada e destruída como resultado da invasão fascista.

Yuri Pimenov "Estrada da Frente" (1944)
No período inicial de sua obra, Pimenov foi influenciado pelo expressionismo alemão, o que explica em grande parte a agudeza dramática de suas melhores pinturas desses anos: "Inválidos da guerra", "Dê a indústria pesada!" (1927), "Soldados vão para o lado da revolução" (1932). Gradualmente, ele se voltou para o impressionismo, aderindo ao princípio criativo de "um belo momento".

Yu. Pimenov "Inválidos da Guerra" (1926). Museu Estatal Russo (Petersburgo)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Georgy Nyssa durante este período estava ativamente engajado na arte da paisagem. Suas pinturas são notáveis ​​por seu laconicismo pictórico, dinâmica, soluções composicionais e rítmicas brilhantes. A natureza do artista sempre foi transformada por mãos humanas.

G. Nyssa “Outono. Semáforos "(1932)

G. Nyssa “Região de Moscou. Fevereiro "(1957). Lona, óleo. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Nikolai Krymov é referido como pintores de paisagens da geração mais velha.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolay Krymov (1921)
NP Krymov nasceu na família de um artista itinerante, então a direção original de seu trabalho foi a mesma. Durante seus estudos (1905-1910), ele tendia à representação impressionista da natureza, cores pastel suaves e traços leves deram às suas telas um visual inspirado e leve. Na década de 1920, tornou-se adepto da pintura realista russa.

NP Krymov “Manhã no Parque Central de Cultura e Descanso com o nome M. Gorky em Moscou "(1937). Lona, óleo. 81 x 135 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O último período da obra do pintor está associado ao rio Oka e à pequena cidade de Tarusa, onde Krymov veio para ficar. Ele era fascinado pelas paisagens locais e pelo rio Oka, que "respirava liberdade".

N. Krymov "Rua em Tarusa" (1952)
Um reflexo do amor por Tarusa foram as pinturas "Antes do anoitecer", "Polenovo. Rio Oka "e vários outros. O artista tem muitas paisagens de inverno.

N. Krymov “Inverno. Telhados "(1934)

Arkady A. Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Auto-retrato com um esquilo (1931). Tinta, lápis italiano sobre papel. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

Pintor paisagista russo e soviético, artista gráfico e professor.
Sua pintura mais famosa é "Lenin in Razliv".

A. Rylov “V.I. Lenin em Razliv em 1917 " (1934). Lona, óleo. 126,5 por 212 cm.O Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
Esta é uma das melhores obras do artista em seu período tardio de criatividade. Nesta pintura, o artista combina paisagem com um gênero histórico. A estadia de Lenin em Razliv no verão de 1917 é um dos principais temas do tema leninista na arte soviética. Na paisagem e na figura dinâmica do líder, pode-se sentir a emoção e a tensão do momento. Nuvens correm pelo céu, o vento oprime árvores poderosas, na luta contra essas forças naturais a figura de Lenin corre em direção ao vento com a firme determinação de vencer em nome do futuro.
Um lago tempestuoso e um céu inquietante simbolizam uma tempestade. O crepúsculo cai no chão. Lenin, não percebendo nada disso, observa atentamente a distância. Essa interpretação da imagem do líder é uma ordem ideológica da era soviética.
O gênero retrato soviético estava se desenvolvendo ativamente neste momento, no qual Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov se mostraram mais vívidos.

P. Konchalovsky. Retrato do compositor Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Lona, óleo. 181 x 140,5 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

P. Konchalovsky. Retrato de V. E. Meyerhold (1938). Lona, óleo. 211 x 233 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Durante o período de repressão em massa, pouco antes da prisão e morte de Meyerhold, P. Konchalovsky fez um retrato desta notável figura teatral. Em 7 de janeiro de 1938, o Comitê de Artes adotou uma resolução para liquidar o Meyerhold State Theatre.
O artista transmitiu o conflito entre a personalidade e a realidade circundante através de uma complexa solução composicional. A tela retrata não um sonhador, mas um homem cujo destino está na balança, e ele sabe disso. Konchalovsky revela a imagem trágica de um diretor reformador através da justaposição de um tapete brilhante, densamente coberto de ornamentos, e uma figura monocromática do diretor.

I. Grabar. Retrato do acadêmico N.D. Zelinski (1935). Lona, óleo. 95 x 87 cm.A Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

I. Grabar. Retrato de Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Korin (1933)
Pintor russo e soviético, muralista, retratista, restaurador e professor, professor.
Ele foi criado em Palekh e começou pintando ícones. Ele estudou na Escola de Escultura e Arquitetura de Moscou, acabou se tornando um dos mestres mais importantes do retrato soviético inicial, criou toda uma galeria de retratos de intelectuais de seu tempo.
As obras deste artista caracterizam-se pela monumentalidade, escala severa, formas claramente esculpidas.
As obras mais famosas de P. Korin: tríptico "Alexander Nevsky", retratos de Georgy Zhukov e Maxim Gorky.

P. Corin. Tríptico "Alexander Nevsky"
O tríptico foi encomendado pelo artista no ano da Grande Guerra Patriótica, quando o tema do enfrentamento ao invasor era central na arte.
Nos lados esquerdo e direito do tríptico, os soldados vão para a guerra. Eles foram escoltados por mulheres: uma velha mãe, uma esposa segurando um filho pequeno nos braços. Eles, assim como sua terra natal, precisam de proteção.

No meio está a imagem de um guerreiro. Alexander Nevsky parou os cavaleiros alemães nos tempos antigos, para que pudesse inspirar os defensores a lutar contra os invasores fascistas. Sua figura é monumental - é a memória dos heróis russos. A bandeira com o rosto de Cristo lembra a santidade da terra russa. Ele está apoiado em uma espada – os inimigos devem perecer da espada com a qual vieram.
Atrás dele está sua terra natal, que deve ser protegida.
As pinturas e retratos temáticos realizados pelo mestre são caracterizados pela espiritualidade e compostura das imagens, rigor de composição e desenho.
O interesse por personalidades criativas é característico da atmosfera desse período.