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A mesma evolução da escultura passa pela pintura do início do Renascimento. Superando a abstração gótica das imagens, desenvolvendo os melhores traços da pintura de Giotto, os artistas do século XV embarcam em um amplo caminho de realismo. A pintura a fresco monumental está experimentando um florescimento sem precedentes.

Masaccio. Expulsão do Paraíso, 1426-1427
Igreja de Santa Maria del Carmim
Capela Brancacci, Florença

Ucello. Retrato de uma senhora, 1450
Museu Metropolitano, Nova York

Castagno. Retrato de um senhor, 1446
Galeria Nacional, Washington

Masaccio. O reformador da pintura, que desempenhou o mesmo papel no desenvolvimento da arquitetura de Brunelleschi, e na escultura - Donatello, foi o florentino Masaccio (1401-1428), que viveu uma vida curta e deixou obras maravilhosas nas quais a busca por uma imagem heróica de uma pessoa, uma transferência verdadeira do ambiente, continuou seu mundo. Com a maior clareza, essas buscas se manifestaram nos afrescos da Capela Brancacci na igreja de Santa Maria del Carmine em Florença "O Milagre com o Stater" e "A Expulsão do Paraíso" (ambos entre 1427-1428).

Masaccio rompe com a decoratividade e a narrativa mesquinha que dominou a pintura na segunda metade do século XIV. Seguindo a tradição de Giotto, o artista Masaccio se concentra na imagem de uma pessoa, valorizando sua energia e atividade áspera, o humanismo cívico. Masaccio dá um passo decisivo na unificação de figura e paisagem, introduzindo pela primeira vez a perspectiva aérea. Nos afrescos de Masaccio, a área rasa - a cena nas pinturas de Giotto - é substituída por uma imagem de um verdadeiro espaço profundo; a modelagem plástica de luz e sombra de figuras torna-se mais convincente e rica, sua construção é mais forte, suas características são mais diversas. E, além disso, Masaccio conserva o enorme poder moral das imagens, que cativa na arte de Giotto.

Angélico. Madonna Fiesole, 1430
Mosteiro de San Domenico, Fiesole

Lippi. Mulher e homem, 1460
Museu Metropolitano, Nova York

Domenico. Madonna e criança
1437, Galeria Berenson, Florença

O mais significativo dos afrescos de Masaccio é o "Milagre com o Stater", uma composição multifigurada, que, segundo a tradição, inclui vários episódios da lenda sobre como, na entrada da cidade, Cristo e seus discípulos foram convidados a pagar uma taxa - um stater (moeda); como, por ordem de Cristo, Pedro apanhou um peixe no lago e encontrou em sua boca um estáter, que entregou ao guarda. Ambos os episódios adicionais - pescar e apresentar o stater - não desviam a atenção da cena central - um grupo de apóstolos entrando na cidade. Suas figuras são majestosas, maciças, rostos corajosos usam traços individualizados de pessoas do povo, na pessoa de extrema direita, alguns pesquisadores veem um retrato do próprio Masaccio. O significado do que está acontecendo é enfatizado pelo estado geral de excitação contida. A naturalidade dos gestos, dos movimentos, a introdução de um motivo de gênero na cena da busca de Pedro por uma moeda, a paisagem cuidadosamente pintada conferem ao mural um caráter secular e profundamente verdadeiro.

Não menos realista é a interpretação da cena "Expulsão do Paraíso", onde pela primeira vez na pintura renascentista são retratadas figuras nuas, modeladas poderosamente pela luz lateral. Seus movimentos, expressões faciais expressam confusão, vergonha, remorso. A grande autenticidade e persuasão das imagens de Masaccio dão força especial à ideia humanista da dignidade e significado da pessoa humana. Com suas pesquisas inovadoras, o artista abriu caminho para o desenvolvimento da pintura realista.

Ucello. Um experimentador no estudo e uso da perspectiva foi Paolo Uccello (1397-1475), o primeiro pintor de batalha italiano. Três vezes Ucello composições variadas com episódios da Batalha de San Romano (meados da década de 1450, Londres, National Gallery; Florença, Uffizi; Paris, Louvre), retratando com entusiasmo cavalos e cavaleiros coloridos em uma ampla variedade de cortes e curvas de perspectiva.

Castagno. Entre os seguidores de Masaccio, destacou-se Andrea del Castagno (cerca de 1421 - 1457), que mostrou interesse não apenas pela forma plástica e construções em perspectiva características da pintura florentina desta época, mas também pelo problema da cor. As melhores imagens criadas deste artista rude, corajoso e desigual por natureza se distinguem pela força heróica e energia irreprimível. Tais são os heróis dos murais da Villa Pandolfini (por volta de 1450, Florença, a igreja de Santa Apolônia) - um exemplo da solução de um tema secular. Sobre fundos verde e vermelho escuro, destacam-se as figuras de figuras proeminentes do Renascimento, entre elas os condottieri de Florença: Farinata degli Uberti e Pippo Spano. Este está firme no chão, com as pernas afastadas, vestido de armadura, com a cabeça descoberta, com uma espada desembainhada nas mãos; esta é uma pessoa animada, cheia de energia frenética e confiança em suas habilidades. A modelagem poderosa de luz e sombra confere à imagem um poder plástico, expressividade, enfatiza a nitidez das características individuais, um retrato vívido que não foi visto antes na pintura italiana.

Entre os afrescos da Igreja de Santa Apolônia, a Última Ceia (1445-1450) se destaca por sua amplitude e nitidez de características. Esta cena religiosa - a refeição de Cristo rodeado de discípulos - foi pintada por muitos artistas que sempre seguiram um certo tipo de composição. Não se afastou deste tipo de construção e Castaño. De um lado da mesa, localizada ao longo da parede, o artista colocou os apóstolos. Entre eles no centro está Cristo. Do outro lado da mesa é visível a figura solitária do traidor Judas. E, no entanto, Castaño consegue grande força de influência impressionante e sonoridade inovadora de sua composição; isso é facilitado pelo caráter vívido das imagens, a nacionalidade dos tipos dos apóstolos e de Cristo, o drama profundo da expressão de sentimentos, o esquema de cores rico e contrastante enfatizado.

Angélico. A beleza refinada e a pureza das delicadas harmonias de cores radiantes, que adquirem um efeito decorativo especial em combinação com o ouro, cativam a arte de Fra Beato Angelico (1387-1455), cheia de poesia e fabulosidade. De espírito místico, ligado ao mundo ingênuo das ideias religiosas, é avivado com a poesia de um conto popular. Iluminadas são as imagens penetrantes da Coroação de Maria (por volta de 1435, Paris, Louvre), os afrescos do mosteiro de San Marco em Florença, criados por este artista peculiar - um monge dominicano.

Domenico Veneziano. Problemas de cor também atraíram Domenico Veneziano (por volta de 1410-1461), natural de Veneza, que trabalhou principalmente em Florença. Suas composições religiosas (A Adoração dos Magos, 1430-1440, Berlim-Dahlem, Galeria de Arte), ingênuas e fabulosas em sua interpretação do tema, ainda carregam a marca da tradição gótica. As características renascentistas foram mais claramente manifestadas nos retratos que ele criou. No século 15, o gênero retrato ganhou significado independente. A composição do perfil, inspirada em medalhas antigas e que permite generalizar e glorificar a imagem do retratado, tornou-se generalizada. Uma linha exata delineia um perfil nitidamente característico no "Retrato de uma mulher" (meados do século XV, Berlim-Dahlem, Galeria de Arte). O artista consegue uma viva semelhança direta e, ao mesmo tempo, uma sutil unidade colorística na harmonia da luz, cores brilhantes, transparentes, arejadas, suavizando os contornos. O pintor foi o primeiro a apresentar aos mestres florentinos a técnica da pintura a óleo. Ao introduzir vernizes e óleos, Domenico Veneziano potencializou a pureza e a riqueza das cores de suas telas.

Todo mundo sabe que foi a Itália que foi o coração de todo o período renascentista. Grandes mestres da palavra, pincel e pensamento filosófico surgido em cada uma das culturas na Itália demonstra o surgimento de tradições que se desenvolverão nos séculos seguintes, este período tornou-se o ponto de partida, o início de uma grande era de desenvolvimento da criatividade na Europa.

Brevemente sobre os principais

A arte do Renascimento na Itália abrange o período de aproximadamente 1420 a 1500, precedendo e completando o Proto-Renascimento. Como em qualquer período de transição, esses oitenta anos são caracterizados tanto por ideias anteriores quanto por novas, que, no entanto, são emprestadas do passado distante, dos clássicos. Gradualmente, os criadores se livraram dos conceitos medievais, mudando sua atenção para a arte antiga.

No entanto, apesar de, na maioria das vezes, terem procurado retornar aos ideais de uma arte esquecida, tanto em geral quanto em particular, as tradições antigas se entrelaçavam com as novas, mas em muito menor grau.

Arquitetura italiana durante o início do renascimento

O principal nome da arquitetura desse período é, claro, Filippo Brunelleschi. Ele se tornou a personificação da arquitetura renascentista, incorporando organicamente suas ideias, conseguiu transformar projetos em algo fascinante e, a propósito, até agora, suas obras-primas foram cuidadosamente guardadas por muitas gerações. Considera-se que uma de suas principais realizações criativas são os edifícios localizados no centro de Florença, dos quais os mais notáveis ​​são a cúpula da Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore e o Palácio Pitti, que se tornou o ponto de partida da arquitetura italiana de o início do Renascimento.

Outras importantes conquistas do Renascimento italiano também incluem o que está localizado perto da praça principal de Veneza, palácios em Roma pelas mãos de Bernardo di Lorenzo e outros. Durante este período, a arquitetura da Itália procura combinar organicamente as características da Idade Média e dos Clássicos, primando pela lógica das proporções. Um excelente exemplo dessa afirmação é a Basílica de San Lorenzo, novamente de Filippo Brunelleschi. Em outros países europeus, o início do Renascimento não deixou exemplos tão marcantes.

Artistas do Renascimento

Resultados

A cultura do início do Renascimento na Itália, embora se esforce para a mesma coisa - para exibir os clássicos através do prisma da naturalidade, mas os criadores seguem caminhos diferentes, deixando seus nomes na cultura renascentista. Muitos grandes nomes, obras-primas engenhosas e um repensar completo não apenas da cultura artística, mas também filosófica - tudo isso nos trouxe um período que prenunciou outras etapas do Renascimento, nas quais os ideais estabelecidos encontraram sua continuação.

Renascimento, ou o Renascimento - uma era na história da cultura européia, que substituiu a cultura da Idade Média e precedeu a cultura dos tempos modernos. Uma característica distintiva do Renascimento é a natureza secular da cultura e seu antropocentrismo (isto é, o interesse, antes de tudo, por uma pessoa e suas atividades).

estilo renascentista

Os cidadãos ricos da Europa não precisavam mais se esconder atrás das muralhas do castelo. Eles foram substituídos por palácios da cidade (palácio) e vilas de campo, que encantaram os proprietários com beleza e conforto. Um palazzo típico geralmente tem 3-4 andares. O piso térreo continha vestíbulos, salas de serviço, estábulos e depósitos. No nível seguinte - Piano Nobile - há salas de estado espaçosas e ricamente decoradas. Às vezes, neste andar, eles arrumavam os quartos dos membros da família do dono da casa. Os aposentos privados são o quarto e o "estúdio", uma sala usada como escritório, oficina ou sala de conversas privadas. Ao lado havia uma lavanderia; a água era retirada de uma fonte ou de um poço. O terceiro andar muitas vezes tinha o mesmo layout do piano nobile, havia salas de estar com tetos mais baixos. No andar de cima, a altura dos tetos era ainda mais baixa, havia quartos para empregados. As escadas medievais eram em espiral ou pareciam fendas estreitas cortadas na espessura das paredes, agora se tornaram largas e retas e dominam o interior. As escadas adicionais eram frequentemente mal iluminadas. A casa de campo não foi construída em condições tão apertadas e, portanto, poderia ser maior. Ao mesmo tempo, o mesmo esquema foi preservado: os quartos de serviço foram colocados abaixo, os quartos da frente - no segundo andar e os quartos dos empregados - no último andar ou no sótão.

Os interiores renascentistas falam de um fascínio pelos clássicos. A simetria está na vanguarda e os detalhes são emprestados de designs romanos antigos. As paredes geralmente são de tons neutros ou estampadas. Em casas ricas, as paredes são frequentemente decoradas com afrescos. Tetos de vigas ou caixotões. As vigas do teto e os caixões são pintados em cores vivas. Os pisos são decorados com ornamentos geométricos complexos. Lareiras, que serviam como única fonte de calor, são cobertas com esculturas. A julgar pelas pinturas dos artistas da época, cortinas e outros acessórios eram multicoloridos.

Durante o Renascimento, o mobiliário era mais difundido do que na Idade Média, mas pelos padrões modernos ainda não havia muito. Escultura, incrustação e intarsia estavam presentes no interior, dependendo das capacidades financeiras e dos gostos do proprietário.

Os interiores das igrejas renascentistas foram pintados em cores discretas e ricamente decorados com detalhes arquitetônicos emprestados de antigos monumentos romanos. Os vitrais deram lugar ao vidro transparente. A pintura foi amplamente utilizada - afrescos, pinturas de altar. Os altares eram geralmente encomendados e doados aos templos por cidadãos ricos, cujos retratos podem ser vistos em primeiro plano. Nos interiores do Renascimento, há uma transição da simplicidade ao esplendor.

Início do Renascimento

O Palazzo Davanzati em Florença (final do século XIV) é uma casa da cidade excelentemente preservada, construída na virada de duas eras. O edifício situa-se num terreno estreito e de formato irregular, típico de uma cidade medieval. No piso inferior existe uma loggia com vista para a rua, que poderá servir de loja. Do pátio, escadas levam aos andares onde estão localizados os alojamentos - espaçosos e ricamente decorados, mas dispostos de forma caótica, como em um castelo medieval. Do lado de fora, o edifício é simétrico. Os frisos e consoles que sustentam as vigas do teto são emprestados da arquitetura clássica; mas as janelas de chumbo e as pinturas murais semelhantes a tapeçarias estão enraizadas na Idade Média. Mesmo com móveis, os quartos parecem vazios, o ascetismo medieval ainda é palpável.

Quadro cronológico aproximado da época: início do XIV - último quartel do século XVI e em alguns casos - as primeiras décadas do século XVII (por exemplo, na Inglaterra e, especialmente, na Espanha). Há um interesse pela cultura antiga, há, por assim dizer, seu “renascimento” - e foi assim que o termo apareceu. Os historiadores dividiram o Renascimento em três períodos:cedo, alto, historiadores posteriores da velha escola distinguem o período triunfal do "Alto Renascimento", que termina em declínio. Os estudiosos modernos consideram cada período digno de estudo e admiração: de um experimento ousado, passando por um período de prosperidade, até um estágio final de grande liberdade e complexidade.

Renascimento na França

Em 1515, Francisco I (1515-1547), a convite do papa, passou quatro dias no Vaticano, onde pôde admirar a arte do Alto Renascimento. Francisco convidou Leonardo da Vinci para vir à França, o que aconteceu em 1516. Leonardo se instalou nas proximidades de Amboise, onde viveu até sua morte em 1519. A ala Francisco no castelo de Blois (1515-1519) com sua famosa escadaria tem três andares que são pilastras decoradas e elementos decorativos emprestados dos pátios dos palácios florentinos. O telhado com chaminés e águas-furtadas é feito no estilo típico da França.

O mais espetacular dos castelos do início da Renascença é o enorme palácio real de Chambord (1519). Torres medievais redondas, fossos, telhados altos são combinados com um layout simétrico e elementos de ordem. Uma variedade de chaminés, torres, cúpulas e águas-furtadas são uma reminiscência do Renascimento italiano. No castelo de Chambord, o portal é em planta uma cruz grega. Uma escada em espiral de dois lances no centro do vestíbulo é o núcleo de toda a composição. Como Leonardo da Vinci morava perto de Amboise, há uma opinião de que a escadaria foi criada com base em esboços encontrados em seus cadernos. Os alojamentos estão concentrados nos cantos da praça, quartos adicionais, escadas e corredores estão localizados nas torres de canto, o que faz com que o edifício pareça um enorme labirinto. Os quartos parecem vazios. Naqueles dias, os móveis se moviam com a corte real para Paris e vice-versa. Acredita-se que a planta do castelo foi desenvolvida por Domenico da Cortona (falecido em 1549), aluno de Giuliano da Sangallo, que visitou a França em 1495 (Sangallo retornou à Itália, enquanto Domenico permaneceu na França). O arquiteto francês Pierre Yepvo também desempenhou um papel importante, mas não está claro se ele foi o autor do projeto ou um simples pedreiro trabalhando com outros mestres.

O pequeno castelo de Azay-le-Rideau no Vale do Loire (1518-1527) é criação de arquitetos desconhecidos. O edifício em forma da letra latina B, o fosso e o lago formam um conjunto encantador. As torres de canto e o fosso lembram a Idade Média, mas a fachada posterior voltada para o fosso é absolutamente simétrica, e as pilastras e frisos são de estilo renascentista. A escadaria principal está localizada no centro do volume principal. Uma entrada pitoresca marca sua localização do lado de fora. A fachada do edifício é assimétrica. Felizmente, os interiores de Azele-Rideau estão bem preservados. Da escada principal começa um conjunto de quartos. As vigas de madeira do teto são abertas, as paredes são forradas com tecido, as grandes lareiras são provavelmente obra de um mestre italiano. As janelas são recuadas na espessura das paredes de pedra. Como os quartos não tinham nenhum propósito especial, por exemplo, uma cama poderia ficar em qualquer um deles. Além disso, cada quarto foi decorado com um esquema de cores específico.

Brunelleschi

Início do Renascimento na Itália - o período de cerca de 1400 até o final do século XV. A primeira figura significativa é Filippo Brunelleschi (1377-1446), um joalheiro florentino que mais tarde se tornou escultor, geômetra e arquiteto. Ele é um exemplo de um "homem renascentista". Participando do concurso para o projeto da cúpula da Catedral de Florença, Brunelleschi propôs construir uma enorme cúpula sem contrafortes e sem círculos de madeira (neste último caso, seria necessário erguer andaimes caros, que em si são uma enorme estrutura de engenharia). Em 1420, Brunelleschi começou a construção de uma cúpula grandiosa, que ainda se ergue sobre Florença.

A cúpula de Brunelleschi difere das cúpulas romanas em sua forma de lanceta, que combina perfeitamente com a catedral gótica. A construção da cúpula sem contrafortes externos exigiu soluções tecnológicas fundamentalmente novas. As nervuras de pedra estão localizadas nos cantos do octógono, além de duas nervuras adicionais em cada face da cúpula. Todo o espaço da catedral foi envolvido no processo de construção. Não são visíveis os enormes laços de pedra, ferro e madeira que ligam a cúpula aos "anéis de tensão" e extinguem o impulso, que é suficiente para destruir toda a estrutura. No topo da cúpula há uma janela redonda. A lanterna da cúpula, na verdade um pequeno edifício no telhado, foi construída após a morte de Brunelleschi, mas foi projetada em seu estilo e é a única parte da cúpula projetada em estilo estritamente clássico.

Embora a enorme cúpula seja o edifício mais espetacular de Brunelleschi, outros projetos refletem seu conceito interior de forma mais completa. Nas igrejas florentinas de San Lorenzo (iniciadas em 1420) e Santo Spirito (iniciadas em 1435), Brunelleschi tentou transformar a basílica com seu transepto, coro e corredores laterais em algo novo. A planta de cada igreja é dividida em praças, uma dessas praças é um módulo para todo o edifício como um todo. A nave central é separada das laterais por arcos romanos que sustentam colunas coríntias. As naves laterais são cobertas com abóbadas. Nos edifícios romanos, o arco não se apoia diretamente na coluna, mas no entablamento. Em Brunelleschi, vemos a mesma coisa: as colunas sempre terminam com um fragmento de um entablamento, uma laje quadrada, que às vezes é chamada de imposto.

A primeira obra de Brunelleschi na Igreja de San Lorenzo foi a pequena Sacristia (conhecida como Velha Sacristia, há também a Nova Sacristia de Michelangelo, comumente chamada de Capela Medici). Esta é uma sala quadrada, coroada com uma cúpula em velas. Ele se conecta a uma sala menor onde está localizado o altar (o chamado scarsella).

A pequena Capela Pazzi no pátio da Igreja de Santa Croce em Florença (1429-1461) é geralmente considerada obra de Brunelleschi, embora não seja exatamente estabelecido qual foi sua contribuição para a construção da capela, que foi concluída após a morte do arquiteto, mas em muitos aspectos se assemelha à Sacristia da Igreja de San-Lorenzo. É frequentemente considerado o primeiro edifício do início do Renascimento, caracterizado pela simetria e elementos clássicos, juntamente com requinte e soluções inovadoras. O espaço quadrado é coberto por uma cúpula sobre velas, no sentido norte-sul da praça sob a cúpula, os braços da cruz com abóbadas cilíndricas partem, transformando a planta quadrada em retangular. A escassa quadrada com sua cúpula equilibra o plano. A capela foi construída como um salão monástico dos capítulos, no seu interior ainda se conservam bancos que circundam o perímetro da sala, destinados aos monges participantes das reuniões. As paredes são decoradas com pilastras de mármore verde-acinzentado, na parte superior das paredes há nichos redondos com relevos de Luca della Robbia (1400-1482). O quarto parece pequeno, quando na verdade tem um tamanho impressionante. Isso pode ser devido ao uso não totalmente correto de elementos clássicos.

Michelozzo

O Palácio Medici-Riccardi em Florença (iniciado em 1444), projetado por Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), com paredes rústicas e pequenas janelas, lembra um castelo medieval, mas o plano simétrico e os elementos de ordem indicam o estilo do início do Renascimento. A entrada principal conduz a um pequeno pátio quadrado com acesso ao jardim. Doze colunas da ordem coríntia sustentam os arcos, formando uma galeria aberta. Os arcos repousam diretamente sobre os capitéis das colunas, ligando feio nos cantos, o que indica o insuficiente conhecimento do arquiteto sobre as leis da arquitetura clássica. Os interiores caracterizam-se pela simplicidade e ausência de decoração, com excepção dos magníficos tectos em caixotões, guarnições de portas e lareiras de estilo clássico. É possível que as tapeçarias estivessem penduradas nas salas principais, que ao mesmo tempo serviam de decoração. Os afrescos de Benozzo Gozzoli (1420-1497) foram preservados na capela, que retratam a Adoração dos Magos - uma fila de pessoas magnificamente vestidas movendo-se ao longo de uma área montanhosa. O afresco lembra uma tapeçaria. Durante a reconstrução posterior (1680), a simetria foi preservada, embora a simetria original agora permaneça apenas no lado esquerdo. O pátio interno do palácio é um exemplo da arquitetura do início do Renascimento: arcos semicirculares repousam sobre finas colunas da ordem coríntia, o plano é estritamente simétrico.

Alberti

Leon Battista Alberti (1404-1472) foi um cientista, músico, pintor, teórico da arte e escritor. Seu livro De Re Aedificatoria (On Construction), publicado em 1485, foi o primeiro trabalho significativo sobre arquitetura desde a época de Vitruvius. O livro teve uma grande influência na arquitetura italiana. O texto descreve as regras das ordens clássicas. Como na música, as razões principais de 2:3, 3:4 e 3:5 (a frequência de vibração correspondente aos acordes musicais) podem ser aplicadas com sucesso na arquitetura.

A igreja de Sant'Andrea em Mântua (iniciada em 1471) é a obra mais importante de Alberti, que teve grande influência na arquitetura do século XVI. A planta da igreja é cruciforme, uma cúpula ergue-se acima do cruzamento, a nave central, o transepto e a parte do altar são cobertos por abóbadas de berço com caixotões. Não há naves laterais; em vez deles, estão dispostas grandes e pequenas capelas. Colunas separadas foram substituídas por poderosos pilares com pilastras. A decoração de interiores exuberante surgiu após a morte de Alberti, em geral, a arquitetura simples e majestosa testemunha a influência que a arquitetura romana teve sobre o arquiteto, em particular as termas imperiais.

A Itália é considerada o berço do Renascimento clássico. A história do Renascimento italiano abrange quase dois séculos. Costuma-se falar sobre o início da Renascença (meados do século XIV - século XV), Renascimento Alto ou Maduro (final do século XV - década de 30 do século XVI) e Renascimento tardio (anos 40 - 80 do século XVI).

Por que o fenômeno renascentista apareceu e se manifestou mais claramente na Itália? A resposta a esta pergunta está no plano econômico - este é o início das relações capitalistas no país.

Decisivo foi o aumento da influência de artesãos, artesãos, comerciantes e banqueiros - ou seja, classes que não participavam das relações feudais. Não professavam o sistema hierárquico de valores medievais, o maior valor era o homem e sua atividade criadora. Foi um terreno fértil para o nascimento do humanismo. Isso contribuiu para o rápido deslocamento da visão de mundo medieval pela emergente nova visão de mundo burguesa com sinais de uma nova cultura burguesa.

Isso ficou especialmente evidente em XV século durante o Quattrocento (Início do Renascimento). Durante este período, desenvolveu-se a estética da arte renascentista, imbuída do espírito de ordem e medida. Profundo caráter secular é uma característica definidora da cultura renascentista. Provavelmente só na Itália XV século, o amado artista de Cosimo Medici (o governante não oficial de Florença) Philippe Lippi (1406-1469) decidiu retratar sua amada (uma freira uma vez raptada de um mosteiro) e seus filhos na forma de Madonna e Cristo com João.

Centros seculares de ciência e arte começaram a aparecer nas cidades, que não eram mais controladas pela igreja. Agora a arte se tornou uma ferramenta para entender o mundo, foi à frente da ciência, filosofia e poesia. A fé no poder da razão era ilimitada. O conhecimento científico preciso foi apresentado em primeiro lugar. Surgiram vários tratados científicos. Leon Battista Alberti (1404-1472) é considerado o primeiro teórico no campo da pintura e da arquitetura, que desenvolveu a teoria da perspectiva linear e a representação fiel da profundidade do espaço em uma pintura.

A fragmentação da Itália em várias regiões independentes tornou-se a característica histórica do desenvolvimento que levou ao surgimento de escolas de arte locais. Cada escola tinha seu próprio caminho de desenvolvimento e seus brilhantes representantes, o que, no entanto, não significava seu isolamento. Tudo isso contribuiu para o rápido descarte do sistema de valores criado pela cultura da igreja. A arte rompeu com o anonimato medieval dos mestres. Na História da Arte, Pavel Muratov escreveu em “Imagens da Itália”: “Para os olhos de um artista florentino, não havia nada pequeno e insignificante. Tudo era objeto de conhecimento para ele. Mas o conhecimento das coisas, a que aspirava o homem do Quattrocento, não é de modo algum semelhante ao conhecimento que é o orgulho de nossa época... especial e próprio! Isso possibilitou o triunfo do individualismo na arte florentina.” .

A nova cosmovisão baseava-se nas relações humanísticas da antiguidade. E a invenção da impressão no meio XV séculos e um grande número de monumentos antigos em solo italiano contribuíram para a difusão do patrimônio antigo.

O berço da cultura renascentista na era do Quattrocento foi Florença - uma rica cidade comuna, onde deixaram sua marca brilhante na arte de Dante e Giotto. Mudanças revolucionárias ocorreram não apenas na ciência e na arte, elas também afetaram as relações sociais. O papel de liderança de Florença foi predeterminado por um novo fenômeno social emergente - o clientelismo. O poder político em Florença pertencia aos mercadores e artesãos. Entre várias das famílias mais ricas havia uma luta constante pela superioridade. No fim XIV século, essa luta terminou com a vitória da casa bancária dos Médici (e mais tarde seu neto Lorenzo, apelidado de Magnífico) em todas as artes, o que, claro, enfatizava o alto status social dos Médici, em Florença, a Academia Platônica e a Biblioteca Laurentiana foram aprovadas em 1439. Isso contribuiu para um florescimento sem precedentes da arquitetura e da pintura.

Foi uma época de buscas e descobertas experimentais, representadas por nomes tão singulares como Donatello, Brunelleschi e Masaccio.

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Início do Renascimento na Itália: condições de ocorrência e representantes -no portal 2 rainhas. ru!

A arte italiana não se desenvolveu constantemente ao longo de uma linha ascendente, de um nível inferior para um superior. A linha de desenvolvimento cultural durante o Renascimento foi mais complexa e flexível. Ao longo de três séculos, com o avanço implacável, várias subidas se destacaram. A mais radical delas ocorreu na Itália no século XV. Este é o período do início do Renascimento, marcado por uma extraordinária intensidade de buscas. O foco da inovação em todas as formas de arte nessa época, como na época de Giotto, era Florença. A atividade dos fundadores do início do Renascimento ocorreu aqui: o pintor Masaccio, escultor Donatello, arquiteto Brunelleschi.

Uma das realizações mais importantes da arte do Quattrocento, que teve significado histórico, foi a doutrina da perspectiva.Perspectiva - esta é uma imagem de objetos de acordo com a aparente mudança em seu tamanho e forma, que se deve ao grau de afastamento do observador. As primeiras tentativas de construção da perspectiva já eram utilizadas na Grécia antiga, mas em sua forma clássica, conforme fundamentada cientificamente, a perspectiva foi desenvolvida pelos mestres do Quattrocento italiano. Filippo Brunelleschi foi o primeiro a descobrir suas leis, estabelecendo assim um novo programa de desenvolvimento para toda a arte florentina.

Brunelleschi fez uma conclusão decisiva para as belas artes: se os raios diretos vindos de um ponto escolhido no espaço para o objeto representado são atravessados ​​por um plano, uma projeção exata desse objeto será obtida nesse plano. Muito provavelmente, o estudo das leis ópticas de Brunelleschi foi motivado pelo estudo das ruínas romanas, que ele mediu e copiou cuidadosamente.

Amigo de Brunelleschi, o escultor Donatello aplicou a perspectiva linear no relevo escultórico ("Batalha de S. Jorge com um dragão" , 1416), conseguindo uma impressão de profundidade espacial. Seu contemporâneo Ma-zaccio usou essa descoberta na pintura (fresco"Trindade" , 1427). Finalmente, o arquiteto e teórico da arte Alberti deu um desenvolvimento teórico detalhado das leis da perspectiva em seu Tratado de Pintura (1435).

Novas tendências nas artes visuais se manifestaram pela primeira vez emescultura . Antes concentrado principalmente em interiores, agora é realizado nas fachadas de igrejas e prédios públicos, em praças da cidade, não obedecendo mais à arquitetura.

O ponto de partida da história da escultura do início do Renascimento é tradicionalmente considerado 1401, quando o jovem joalheiro Lorenzo Ghiberti venceu o concurso de escultores que disputavam o direito de fabricar as portas de bronze do batistério florentino. . Ghiberti estava entre os principais escultores de seu tempo. Ele é dono de uma das obras mais famosas do início do Renascimento - as segundas portas orientais do batistério, mais tarde chamadas por Michelangelo de "Portões do Paraíso". Seus relevos são dedicados aos assuntos do Antigo Testamento.

O mais brilhante escultor do Quattrocento foi Donato di Niccolò di Betto Bardi, que entrou na história da cultura mundial com o nome de Donatello (1386-1466). Ele é um dos mais ousados ​​reformadores da arte italiana. Uma das principais realizações de Donatello foi o renascimento da estátua redonda independente. Executado por eleestátua de davi o vencedor (Florença) foi a primeira escultura do Renascimento, não associada à arquitetura, livre do aperto do nicho e acessível por todos os lados. Criando a imagem do lendário pastor que derrotou o gigante Golias, que para muitas cidades-repúblicas italianas se tornou símbolo de liberdade, Donatello procurou aproximar-se dos grandes exemplos das artes plásticas antigas. Seu David é apresentado nu, como um antigo herói. Nem um único escultor renascentista tomou a liberdade de mostrar um personagem bíblico dessa forma.

Outra criação famosa de Donatello é um monumento ao corajoso comandante Erasmo di Narni, apelidado de Gattamelata (“Gato Astuto”). Um homem do povo, Erasmo, pelo poder de sua mente, talento, tornou-se o criador de seu próprio destino, tornou-se um estadista notável. E o escultor, mantendo a semelhança do retrato, mostrou uma imagem generalizada de um homem do novo tempo, como se confirmasse as palavras de Petrarca: “O sangue é sempre da mesma cor. Um homem nobre se torna grande por suas ações.

Ainda mais amplo foi o apelo às tradições antigas emarquitetura . Esboços e medidas de estruturas romanas antigas, o estudo do tratado de Vitruvius, encontrado no inícioXVséculos, contribuiu para a rápida substituição das formas góticas pelas antigas. A ordem antiga é revivida e repensada criativamente, o que trouxe proporção lógica e harmonia à arquitetura do novo tempo. Se a catedral gótica já é difícil de ver por causa de seu tamanho gigantesco, então os edifícios do Renascimento são, por assim dizer, cobertos por um único olhar. Eles se distinguem pela incrível proporcionalidade.

O primeiro grande monumento da arquitetura renascentista - erguido por Brunelleschicúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Em seu tamanho, é apenas ligeiramente inferior à cúpula do Panteão Romano, mas, ao contrário dela, repousa não sobre uma base redonda, mas octogonal.

Simultaneamente à construção da cúpula, Brunelleschi dirige a construção de um orfanato,Casa educacional . Este é o primeiro edifício do estilo renascentista, muito próximo dos edifícios antigos em sua estrutura, clareza de aparência e simplicidade de formas. O mais notável é a fachada, decorada com um pórtico em forma de loggia em arco. O pórtico se desdobra em toda a largura do edifício, criando uma impressão de amplitude e paz, e reforçando a predominância de linhas horizontais. O resultado é um edifício totalmente oposto à aspiração gótica ao céu. A ausência das ricas decorações escultóricas características das catedrais góticas também é nova.

O tipo de loggia usado no Orfanato com arcos semicirculares e colunas finas e espaçadas foi estabelecido mais tarde na arquitetura do Renascimentopalácio .

O palácio é um palácio-mansão da cidade onde viviam pessoas ricas. Normalmente este é um edifício de três andares de frente para a rua. De acordo com seu plano, o palácio se aproximava de uma praça, no centro da qual havia um pátio cercado por galerias em arco.

Pintura O Quattrocento italiano começa com Masaccio (1401-1428, nome verdadeiro Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Masaccio foi um dos gênios mais independentes e consistentes da história da arte européia. Como muitos outros artistas desta época, ele trabalhou no campo da pintura monumental, que foi realizada nas paredes usando a técnica do afresco. Continuando a busca por Giotto, Masaccio conseguiu dar às imagens uma autenticidade de vida sem precedentes.

Os afrescos são o ápice de seu trabalho.Capelas Brancacci Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença. Apresentam a história do Apóstolo Pedro, bem como a história bíblica "A Expulsão do Paraíso", interpretada com um poder dramático excepcional.

Tudo nestes afrescos está cheio de imponência especial, poder épico, heroísmo. Tudo é enfatizado monumentalmente: o artista não parece desenhar as formas, mas as esculpe com a ajuda do claro-escuro, conseguindo um relevo quase escultórico. Um exemplo maravilhoso da maneira criativa de Masaccio pode servir"O Milagre com o Stater" (uma história sobre uma moeda encontrada milagrosamente na boca de um peixe, que abriu o acesso à cidade de Cafarnaum para Cristo e seus discípulos).

O destino interrompeu a ascensão de um gênio aos 27 anos, mas o que ele conseguiu fazer já lhe trouxe fama como fundador de uma nova arte. Após a morte de Masaccio, a Capela Brancacci tornou-se a escola de todos os pintores posteriores, um local de peregrinação.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello estavam longe de estar sozinhos em sua busca. Ao mesmo tempo, muitos mestres originais trabalharam em várias cidades da Itália: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

No final do Quattrocento, a natureza das aspirações da pintura italiana muda significativamente: o estudo da perspectiva, as proporções desaparecem em segundo plano, enquanto o estudo da natureza humana vem à tona. Seguindo a literatura e a poesia, a pintura revela a vida intensa da alma, o movimento dos sentimentos. Isso contribui para o desenvolvimento do gênero retrato, e seu novo tipo, em três quartos de volta, e não de perfil, como antes.

O artista em cuja obra as novas ideias artísticas encontraram a expressão mais harmoniosa foiSandro Botticelli (1445-1510, nome verdadeiro Alessandro Filipepi).

Botticelli é um representante da escola florentina de pintura. Ele estava perto da corte de Lorenzo Medici, um político e diplomata talentoso, uma pessoa brilhantemente educada, um poeta talentoso, um amante da literatura e da arte, que conseguiu atrair muitos grandes humanistas, poetas e artistas

Sendo associado a um círculo de estudiosos florentinos, Botticelli voluntariamente confiou em seus trabalhos nos programas poéticos compilados por eles. Inspirados na antiguidade e na poesia renascentista, eram de natureza alegórica. Um papel especial neles foi desempenhado pela imagem de Vênus, a personificação do amor como o mais alto dos sentimentos humanos.

Vênus é a imagem central das pinturas que glorificaram Botticelli:"Mola" e "O Nascimento de Vênus". Foi nessas composições mitológicas, onde reina o amor, que desabrochou o misterioso encanto do ideal de beleza de Botticell. Nesta beleza há um refinamento especial, uma frágil indefesa. E, ao mesmo tempo, uma enorme força interior, a força da vida espiritual, está escondida nela.

A mesma riqueza do mundo interior de uma pessoa é revelada ao espectador pelos retratos do artista: “Retrato de um Joalheiro”, “Giuliano Medici” e outros.

As experiências pessoais mais profundas associadas à vida social de Florença no finalXV século , identificou a grande tragédia das obras posteriores de Botticelli: "Lamentação de Cristo", "Abandonado".

No último terço do século XV, juntamente com a escola florentina, escolas de arte foram apresentadas na Úmbria (Pinturicchio), Veneza (Gentile e Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardia e, no entanto, Florença continua sendo o principal centro cultural da Itália . Aqui, na década de 1470, começou a atividade criativa de Leonardo da Vinci, Michelangelo nasceu e cresceu aqui, tendo ganhado fama como o primeiro artista ao criar a estátua de Davi (como símbolo de Florença, foi colocada em frente ao Palácio da Signoria). Florença também desempenhou um papel importante no desenvolvimento criativo de Rafael, que escreveu aqui uma extensa suíte de suas Madonas (quando ele chegou a Florença, Leonardo e Michelangelo trabalhavam lá). A obra desses brilhantes mestres, juntamente com a arte de Bramante, Giorgione, Ticiano, marcaram o período do Alto Renascimento.

Os Medici são uma família de banqueiros ricos queXVséculo, de fato, pertencia ao poder em Florença.

a revolta popular contra os Medici, liderada pelo monge dominicano Savonarola, o ataque feroz dos adeptos de Savonarola à "sujeira pecaminosa" da cultura secular e, finalmente, a excomunhão de Savonarola da igreja e sua morte na fogueira.

Tendo experimentado a forte influência de Savonarola, Botticelli ficou chocado com sua morte.