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CUBISMO Cubismo - a revolução artística mais completa e radical desde o Renascimento J. Golding

Cubismo (francês cubisme, de cubo - cubo) direção na arte do primeiro quartel do século XX. A linguagem plática do cubismo baseava-se na deformação e disposição dos parâmetros nos planos geométricos, no deslocamento plático da forma. Muitos artistas russos passaram pelo estudo do kybism, muitas vezes combinando seus princípios com a recepção de outros xidojustismos modernos e praticidade. o fitirismo do primitivismo A variante específica da interpretação do kybismo em solo russo tornou-se o kybofuturismo. cibotipismo

O nascimento do cubismo cai às vésperas da Primeira Guerra Mundial. A nova tendência na arte modernista causou uma fúria natural entre a burguesia. Ao mesmo tempo, por trás do cubismo nas artes visuais, havia um círculo de poetas e críticos que seguiam a filosofia de Bergson, que também eram chamados muito convencionalmente de cubistas. O líder indiscutível dessa tendência foi o poeta e publicitário G, Apollinaire.G, Apollinaire Em 1912, foi publicado o primeiro livro da teoria cubista dos artistas Gleizes e Metzinger Sobre o cubismo. Em 1913, uma coleção de artigos de Apollinaire The Cubist Painters apareceu. Foi somente em 1920 que surgiu A Ascensão do Cubismo, de Kahnweiler, considerado um clássico.

DELONAY, ROBER (Delaunay, Robert) (1885-1941), artista francês, criador do estilo Orfismo. Nasceu em Paris em 12 de abril de 1885 em uma família aristocrática. Deixando a faculdade em 1902, ele frequentou aulas particulares de pintura, decidindo se tornar um pintor teatral. Experimentou a influência do neoimpressionismo de J. Seurat, assim como a teoria da cor, desenvolvida pelo físico M. Chevreul. Em 1910 casou-se com o artista S. Terk (S. Delone), que se tornou seu fiel companheiro na arte. Em 1911, ele participou da exposição de Munique da sociedade "Blue Rider". Ele viveu principalmente em Paris, e durante a Primeira Guerra Mundial e nos anos do pós-guerra (até 1920) - na Espanha e em Portugal. Ele mudou do início do pós-impressionismo no início da década de 1910 para uma série de paisagens urbanas generalizadas e coloridas que se tornaram um testemunho de sua maturidade criativa. Desde 1910, eles são dominados pelo motivo da Torre Eiffel, como se flutuasse livremente entre os fragmentos rodopiantes do espaço. A cristalinidade das estruturas composicionais torna essas telas relacionadas ao cubismo, e a dinâmica espacial ao futurismo, mas o espírito de pura contemplação, propenso a grandes consonâncias "musicais" da cor, confere às obras de Delaunay um caráter muito especial. Suas pinturas muitas vezes assumiram o caráter de painéis decorativos (Cidade de Paris, 1910-1912, Museu Nacional de Arte Moderna, Paris). O artista delineou sua compreensão das possibilidades decorativas e dinâmicas da cor, o sistema de seus contrastes ótimos em seu ensaio Da cor (1912), que se tornou o manifesto do orfismo (a nova tendência deve seu nome a G. Apollinaire). No mesmo ano, ele criou pinturas não figurativas (janelas abertas simultaneamente, Tate Modern Gallery, Londres; etc.), incluindo as chamadas. formas circulares, nascidas de observações da natureza circular-concêntrica da radiação da luz e do espectro de cores. Na década de 1920, Delaunay voltou à arte figurativa, continuando, em particular, a série de "Torres Eiffel" e pintando muitos retratos expressivos (F. Supot, 1922, Centre J. Pompidou, Paris). Então, na virada da década seguinte, voltou-se novamente para a abstração (o ciclo de pinturas Ritmos sem fim - desde 1933 - composições alongadas horizontalmente, muito mais contidas em cores). Juntamente com sua esposa, ele criou uma série de grandes painéis para os pavilhões ferroviários e aeronáuticos da Exposição Mundial de Paris (1937). Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, mudou-se para Auvergne. Delaunay morreu em Montpellier em 25 de outubro de 1941.

Léger, Fernand (1881-1955), pintor, escultor, artista gráfico, ceramista e decorador francês, campeão dos chamados. "Estética das formas da máquina" e "arte mecânica". Nascido em 4 de fevereiro de 1881 em Argentan, na família de um camponês normando; aos 16 anos começou a trabalhar em um escritório de arquitetura em Caen, e em 1900 foi desenhista em uma oficina de arquitetura em Paris. Depois de servir no exército, ele se estabeleceu em uma casa pitoresca e atraente para artistas com oficinas "La Ruchet" ("Colmeia"), onde se encontrou com mestres como A. Arkhipenko, A. Laurent, J. Lipschitz, Delaunay, M .Chagal e X.Sutin. Em 1910 conheceu P. Picasso e J. Braque. Leger escreveu suas primeiras telas sob a influência da pintura de P. Cézanne, em particular As Bodas (1910), a famosa Dama de Azul (1912) e a série Elementos Geométricos (1913-1914). Após a Primeira Guerra Mundial, Léger se interessou por teorias modernas de movimento e mecânica. Esse interesse foi expresso na criação de obras como A Cidade (1919), Mecânica (1920), O Grande Café da Manhã (também chamado de Três Mulheres, 1921) e A Estação (1923). Neles, os elementos do corpo humano lembram as formas de tubos, motores, hastes e engrenagens. Leger realizou grandes projetos decorativos na Exposição de Artes Decorativas de Paris (1925), na Exposição Internacional de Bruxelas (1935) e no prédio da ONU em Nova York (1952). De 1931 a 1939, Leger visitou os Estados Unidos várias vezes. Durante a Segunda Guerra Mundial (desde 1940), ele recebeu asilo lá e ensinou na Universidade de Yale. Retornando a Paris em dezembro de 1945, ele completou uma série de composições importantes Farewell to New York (1946), Entertainment (1949), Designers (1950), The Village Company (1953), The Grand Parade (1954). Léger se interessou por vários campos da arte: mosaico, vidro colorido, ilustração de livros, produção de papelão para tapetes, decoração teatral. Em todos os lugares ele tentou transmitir movimento. Na cinematografia, Leger criou o primeiro filme sem roteiro, The Mechanical Ballet (1924). Em 1934, A. Corda lhe pediu para fazer o cenário do filme baseado no roteiro de H. Wells A Forma do Futuro. Junto com A. Kolder, M. Duchamp, M. Ernst e M. Ray trabalhou no filme Sonhos que podem ser comprados por dinheiro (Hans Richter Film, 1948). Morreu Leger em Gif-sur-Yvette (Seine-et-Oise) em 17 de agosto de 1955.

Pablo Picasso (Picasso, Pablo) (gg.), pintor francês, espanhol de nascimento. Escultor, artista gráfico, pintor, ceramista e designer, o mais famoso, versátil e prolífico entre seus contemporâneos. Pablo Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881 em Málaga (Espanha) na família do artista José Ruiz Blasco e Maria Picasso Lopez. Em sua juventude, Picasso decidiu adotar o sobrenome da mãe mais rara em vez do Ruiz comum. Ele era uma criança extraordinariamente talentosa e, aos quatorze anos, ingressou na Escola de Belas Artes de Barcelona, ​​​​preenchendo a prova em um dia, que foi dado um mês. Estudou na Real Academia de Artes de San Fernando em Madrid. Em 1899, Picasso voltou a Barcelona, ​​onde se tornou frequentador assíduo do famoso Café Four Cats, que reunia artistas e escritores. Os anos de 1901 a 1904 na biografia criativa do mestre foram chamados de "período azul" devido à predominância de tons azuis em suas pinturas da época. Durante esses anos viveu em Paris, depois em Barcelona. Foi então que começou sua longa amizade com o poeta Max Jacob e o escultor Julio Gonzalez. Em 1904, Picasso se estabeleceu em Paris, na Rue Ravignon, na famosa casa de Bateau Lavoir ("Lavanderia Flutuante"), onde moravam muitos artistas. Em 1904 conheceu Fernanda Olivier, que se tornou sua amante e inspiradora de sua arte. Em 1905, o "período azul" foi substituído pelo "rosa"; Picasso conhece o crítico Guillaume Apollinaire e os americanos Leo e Gertrude Stein. Até aquele momento, a vida do artista era mais uma luta pela existência, mas sua posição melhorou acentuadamente quando, ao longo de vários anos, o colecionador russo Sergei Shchukin adquiriu cerca de cinquenta de suas obras. Naquela época Shchukin possuía a melhor coleção de pinturas de Picasso na Europa. Obras como Wandering Gymnasts, Girl on a Ball, Portrait of Vollard foram adquiridas para a coleção Morozov. Em 1907, Picasso pintou as Donzelas de Avignon, que é considerado um ponto de virada nas artes visuais do século XX. No mesmo ano conheceu J. Braque. Braque e Picasso se tornaram os fundadores e líderes do cubismo. A primeira experiência do trabalho de Picasso como artista de teatro remonta a 1917. Ele criou esboços de figurinos e cenários para o balé Parade for Russian Seasons de Sergei Diaghilev. No ano seguinte, casou-se com uma das bailarinas da trupe de Diaghilev, Olga Khokhlova.

Durante a década de 1920, Picasso continuou a trabalhar para o teatro e também pintou em uma variedade de estilos, do neoclassicismo ao cubismo e surrealismo. Em Picasso, junto com seu velho amigo Gonzalez, ele se envolveu na criação de obras de estruturas metálicas soldadas. No início da década de 1930, o artista fez várias séries gráficas, incluindo 30 gravuras das Metamorfoses de Ovídio para a editora Skira e Obra-prima desconhecida de Balzac, encomendadas pelo colecionador Ambroise Vollard. Vários motivos principais geralmente associados à obra de Picasso - Minotauro, artista e modelo, etc. - foram incluídos na famosa série de gravuras da Suite Vollard, na qual ele começou a trabalhar nesses anos, o casamento de Picasso se desfez; sua nova amante era Marie-Teresa Walter. Em 1936, quando eclodiu a guerra civil na Espanha, Picasso se aliou ao governo republicano e, confirmando sua lealdade, aceitou uma oferta para assumir o cargo honorário de diretor do Museu do Prado. No final de abril de 1937, o mundo soube do bombardeio de Guernica, como resultado do qual uma pequena cidade basca foi arrasada. Picasso expressou sua atitude em relação ao que aconteceu no painel de Guernica. Foi destinado ao pavilhão espanhol na Feira Mundial de Paris e depois mantido no Museu de Arte Moderna de Nova York. Em 1981, seis anos após a morte de Franco, a pintura foi transferida para o Prado. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso viveu em Paris com Françoise Gilot, que lhe deu dois filhos. Em 1946, o mestre voltou-se para a arte da cerâmica e, praticamente por conta própria, reviveu o outrora florescente ofício cerâmico na cidade de Vallauris, na Riviera. Picasso sempre se interessou por novas tecnologias e desenvolveu uma técnica especial de litografia. Em 1944, o artista ingressou no Partido Comunista Francês. As convicções políticas de Picasso, refletidas em Guernica, reapareceram na pintura A Guerra na Coréia (1951) e em dois grandes painéis, Guerra e Paz (1952), criados para decorar o Templo da Paz em Vallauris. Na década de 1950, várias exposições retrospectivas de Picasso foram realizadas; depois conheceu Jacqueline Roque, com quem se casou. Com o passar dos anos, o artista entrou em diálogo com os grandes mestres do passado: nele escreveu diversas variações sobre o tema da pintura Mulheres argelinas de Delacroix, em Menin de Velázquez e em Manet Café da manhã na grama. Na década de 1960, Picasso criou uma composição escultural monumental de 15 metros de altura para um centro comunitário em Chicago. Em 1970, o artista doou mais de oitocentas de suas obras ao Museu do Palácio Aguilar, em Barcelona. Picasso morreu em Mougins (França) em 8 de abril de 1973.

Picasso Pablo. VASO COM DANÇARINOS. Ok Museu Nacional de Arte Moderna, Paris.

GRIS, JUAN (Gris, Juan) (1887-1927), artista espanhol, um dos fundadores do cubismo. Nascido em Madrid em 23 de março de 1887, nome verdadeiro - Jos Victoriano Gonz lez. No início, ganhava a vida desenhando para publicações humorísticas e, ao mesmo tempo, estudando pintura. Em 1906, Gris veio para Paris e se estabeleceu em Montmartre, não muito longe de seu compatriota Pablo Picasso. Durante seus anos de formação, no início do período parisiense (1906-1912), Gries se interessou pelo cubismo. Seus primeiros trabalhos (1911-1912) são executados de maneira “analítica”, que remonta tanto a Cézanne quanto a Picasso e Braque. Desenvolvendo-se rapidamente, Gris já em 1913-1914 desenvolve sua própria versão do cubismo "sintético". Ele define sua pintura como "uma variante da arquitetura plana e colorida", ou melhor, sua "premonição", um arranjo harmonioso de formas e cores. Ele acreditava que "a essência da pintura é uma interação expressiva entre o artista e o mundo exterior", enquanto pinturas desprovidas de um princípio pictórico eram chamadas de "um exercício técnico falho". A versão do cubismo de Gris era mais severa e clássica, menos espontânea que a de Braque ou Picasso. Nas telas de 1920-1927, o artista cultiva "o lado refinado e estetizado da pintura, para o qual antes não encontrava lugar em seu trabalho". Como resultado, seu estilo adquiriu extraordinária liberdade, lirismo e, ao mesmo tempo, ousadia e completude. Gris morreu em Boulogne-Billancourt (França) em 11 de maio de 1927.

JUAN GRIS. FUMAR Museu Thyssen-Bornemisza, Madrid.

BRAC, Georges (Braque, Georges) (1882-1963), pintor, artista gráfico, escultor e decorador francês; junto com Picasso, ele é o criador do cubismo. Nasceu em 13 de maio de 1882 em Argenteuil (departamento de Seine-et-Oise) na família de um decorador. Em 1900-1901 estudou na Escola Técnica de Paris. Em 1902-1904 frequentou aulas na Escola de Belas Artes e na Academia de Âmbar, museus e colecções particulares, estudou pintura dos impressionistas e pós-impressionistas, escultura egípcia e grega, bem como as obras de Corot e Cézanne. Em Braque, pintou várias séries de paisagens em que se sente a influência da pintura dos Fauves e Cézanne. Ele ficou profundamente impressionado com a pintura de Picasso As Donzelas de Avignon (1907). No verão seguinte, Braque criou uma série de paisagens inovadoras, nas quais seguiu a mensagem de Cézanne: "Retrate a natureza na forma de cilindros, esferas e cones". Essas paisagens não foram aceitas pelo Salão de Outono. Henri Matisse disse que eles são feitos de cubos, daí a palavra "cubismo". Em 1908-1914, Braque e Picasso trabalharam em estreita colaboração, desenvolvendo os princípios de uma nova direção artística. A princípio, eles destruíram analiticamente as imagens usuais de objetos, como se os "desmontassem" em formas e estruturas espaciais separadas. Em 1912, começaram a trabalhar na técnica de colagem e apliques, e se deixaram levar pelo processo inverso - a síntese de objetos a partir de elementos diferentes. A contribuição significativa de Braque para o processo criativo foi o uso de lettering e diversas técnicas decorativas. A grande composição do Músico (1917-1918, Basileia, Coleção de Arte Pública) foi fruto da fase do cubismo sintético na obra de Braque e marcou o ponto de partida de sua nova busca criativa. Na década de 1920, elementos do cubismo desaparecem gradualmente das obras de Braque, ele usa motivos mais pictóricos. O reconhecimento público veio a ele em 1922 após uma exposição na qual o artista apresentou uma série de pinturas pintadas de maneira rica em pintura: Lareiras, Mesas e Kanephors (meninas carregando cestos de utensílios de sacrifício). No final da década de 1920, Braque abandonou os efeitos pictóricos vívidos e continuou a experimentar formas e cores; pintou marinhas, banhistas, motivos neoclássicos e cabeças de perfil duplo. Nos anos 1930 – 1940, Braque pintou naturezas-mortas e composições no interior, às vezes com músicos, sitters e artistas, e às vezes completamente desprovidos de figuras humanas. Após a guerra, as obras de Braque adquiriram um caráter mais contemplativo e esotérico, como atesta uma série de 8 pinturas Oficina (1949-1956). Em 1952-1953, o artista pintou as lâmpadas do teto do Louvre. Os grandes pássaros pretos retratados sobre o fundo de um céu azul tornaram-se um dos motivos mais comuns nas obras posteriores do mestre. Braque criou muitos desenhos, gravuras e trabalhos escultóricos, mas a pintura ocupou o lugar principal em seu trabalho. Morreu Casamento em Paris em 31 de agosto de 1963. 31

Cubismo. Avant-garde - uma direção na pintura no início do século XX. Os fundadores são os artistas franceses Pablo Picasso e Georges Braque. Os contemporâneos viram no cubismo uma rejeição revolucionária das "convenções do realismo óptico" em favor de uma nova visão artística da realidade através do prisma das figuras geométricas (cubo, cone, cilindro). O nome “cubismo” surgiu de uma avaliação negativa do trabalho dessa direção, chamado pela crítica de “um monte de cubos”. Pablo Picasso. Instrumentos musicais.

MHK grau 11

Demirkhanov - Projetos de reconstrução. Um hino à arquitetura. Grandes cidades. O edifício do centro "Europa". COMO. Demirkhanov. Monumento aos soldados. As facetas do talento. Portões simbólicos para Krasnoyarsk. Um pouco sobre pessoal. Areg Sarkisovich Demirkhanov. Cidade Branca. Feliz profissão. Vista panorâmica. Demirkhanov em uma noite dedicada ao 50º aniversário de sua atividade criativa. Obras do arquiteto Krasnoyarsk. Demirkhanov em sua oficina em casa.

"Cultura 1920-1930" - Desenvolvimento da cultura na década de 1930. Hino do poder soviético. Transformações revolucionárias no campo da cultura. O desenvolvimento da cultura soviética nas décadas de 1920-1930. Revolução Cultural. O desenvolvimento da cultura na década de 1920. Luta contra a religião e a igreja. Temas de palestras. Características do desenvolvimento da cultura. Características da cultura.

"Pintura do Impressionismo e Pós-Impressionismo" - Pão e Ovos. Boulevard Montmantre manhã nublada. Lilases em vidro. mulheres taitianas. Casa em Rueli. Boulevard Montmantre à noite. Auto-retrato com a orelha enfaixada. Pintura do impressionismo e pós-impressionismo. Simbolismo. Pastora. Impressão. Paul Gauguin. Dança. Impressionismo. O quarto de Vincent em Arles. Cantor com uma luva. Catedral de Rouen à noite. Pintores. Dançarinos azuis. Característica de direção. Foley Bergère.

"História da Fotografia" - As pessoas há muito procuram encontrar uma maneira de obter imagens. A foto. Câmara escura (visão geral). Francês Joseph Nicephorus Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mandé Daguerre. Câmera pinhole. As soluções de sal de ferro mudam de cor quando expostas à luz solar. Diagrama de uma câmera pinhole. Sabe-se que os óculos foram inventados no século 13. Niepce. Em 1827 Niepce encontrou-se com Louis Daguerre. História da fotografia. Fotografia antes da fotografia.

"Classicismo na Arte Russa" - Classicismo da arquitetura de São Petersburgo. Retrato de P. A. Demidov. Classicismo na Rússia. Classicismo na pintura russa do século XVIII Vladimir e Rogneda. A. N. Voronikhin. Achado arquitetônico de A. Zakharov. Andrey Nikiforovich Voronikhin, o arquiteto da catedral. Retrato de Struyskaya. Classicismo na arte russa. Edifício do Almirantado A.D. Zakharov. As obras dos classicistas foram apresentadas com clareza. Mudanças significativas nas artes visuais.

"Características da arte primitiva" - Amostras de cerâmica. Um ritual misterioso. arte neolítica. Ritual primitivo. Idade da Pedra. Primitivo. Um ritual de magia. Central para a arte rupestre. Um assentamento mesolítico foi encontrado na região de Sverdlovsk. Praticando magia. Condições climáticas. Os centros das civilizações. Vênus paleótica. Liquidação da era mesolítica. Ferramentas. Trabalhos de arte. Imagem generalizada de uma mulher.

Georges Braque (1882-1963) - pintor, escultor, gravador francês, um dos fundadores do cubismo. J. Braque nasceu em Argenteuil. Ele estudou artes plásticas primeiro com seu pai, depois no estúdio de um decorador. Em 1902 ingressou na Amber Academy em Paris. No início de sua carreira, Braque estava associado ao fauvismo, pintando principalmente paisagens, usando esquemas de cores complexos. O período inicial de seu trabalho coincide com o período do cubismo analítico. Ele trabalha em naturezas-mortas e paisagens usando uma escala quase monocromática. Durante a Primeira Guerra Mundial, Braque foi convocado para o front, foi ferido e passou por uma operação séria. Depois de se recuperar, ele volta novamente à criatividade. Gradualmente, Braque se afasta do cubismo, passando para a criação de pinturas planas mais variadas em cores. A partir de 1930, o artista passa a utilizar figuras humanas no interior em composições, de estilo muito próximo ao abstracionismo. As pinturas posteriores de Braque tornam-se lacônicas. Os enredos das planícies desérticas e do litoral da Normandia combinam harmoniosamente com os motivos de um barco abandonado e um arado em um campo de outono. As composições são harmoniosas e muito próximas do classicismo.

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Se os fauves sonhavam em criar uma arte que agradasse aos olhos e acalmasse os sentidos, os cubistas queriam "perturbar as almas humanas". A nova direção foi em grande parte ditada pelo desejo de continuar pesquisas experimentais no campo da forma. “Muitas pessoas acreditam que o cubismo”, escreveu P. Picasso, “é um tipo especial de arte de transição, um experimento, e seus resultados afetarão apenas no futuro. Pensar assim não é entender o cubismo. O cubismo não é uma “semente” e nem um “germe”, mas a arte, para a qual a forma é antes de tudo importante, e a forma, uma vez criada, não pode desaparecer e vive uma vida independente”.

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Característica semelhante foi retomada pelo jornalista Louis Veksel em sua resenha sobre a exposição de pinturas de Georges Braque (1882-1963), que aconteceu em Paris em novembro de 1908 e se tornou um evento importante na vida artística da Europa. E embora os próprios artistas considerassem o termo "cubismo" muito estreito em relação à sua arte, ele se enraizou e começou a denotar uma das novas direções da pintura. Além disso, o cubismo teve um impacto significativo em outros tipos de arte: escultura, arquitetura, artes e ofícios, balé, cenografia e até literatura.

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Jorge Braque. Violino e paleta. 1910 Museu de Arte Moderna, Nova York A cor e o enredo desempenharam um papel secundário no cubismo, os principais foram o desenho, a construção estática e a composição. Pablo Picasso observou: “O cubismo não difere das tendências usuais na arte. Os mesmos princípios e elementos se aplicam aqui como em outros lugares. O fato de que o cubismo tenha permanecido incompreensível por muito tempo e que ainda hoje existam pessoas que não entendem nada sobre isso não significa que seja inconsistente. O fato de eu não ler alemão... não significa que a língua alemã não exista."

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A pintura "Donzelas de Avignon" do artista espanhol Pablo Picasso (1881-1973) tornou-se um verdadeiro encrenqueiro. Pablo Picasso. meninas de Avinhão. 1907 Museu de Arte Moderna, Nova York

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Foi ela quem marcou o início de uma nova direção na arte do cubismo. Matisse viu nela uma caricatura das tendências modernas da pintura e considerou apenas um mau truque de seu amigo. J. Braque, um dos primeiros a ver esta obra, declarou indignado que Picasso quer fazê-lo "comer estopa e beber querosene". O famoso colecionador russo e grande admirador do talento do artista SI Shchukin, vendo-a no estúdio, exclamou com lágrimas nos olhos: "Que perda para a pintura francesa!" Felizmente, numerosos ataques de críticos foram apenas um estímulo para novas pesquisas criativas de Picasso. A enorme tela foi o resultado de longos pensamentos do artista, que claramente negligenciou os cânones da beleza feminina clássica. Picasso explicou: “Fiz metade da pintura, senti que não era isso! Eu fiz diferente - eu me perguntei: devo refazer a coisa toda. Aí ele disse: não, eles vão entender o que eu quis dizer”.

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O que a artista "queria dizer" e o que tanto envergonhou o público sobre ela? Cinco figuras femininas nuas, capturadas de diferentes ângulos, preenchiam quase toda a superfície da tela. Figuras congeladas semelhantes a ídolos são esculpidas casualmente em madeira maciça ou pedra. As estranhas faces da máscara são fortemente distorcidas e deformadas. Privados de quaisquer sentimentos e emoções, ambos assustam e enfeitiçam ... A garota da direita olha com indiferença através da cortina aberta. A figura, sentada de costas, virou-se e encarou o espectador. Em cada olhar há uma censura muda e uma censura à sociedade, que rejeitou as mulheres e as condenou à doença e à morte. Assim, segundo o autor, o quadro deveria despertar a consciência adormecida dos contemporâneos e, portanto, foi percebido como uma voz apaixonada do artista em defesa da beleza profanada, humilhada e marginalizada.

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A segunda etapa no desenvolvimento de uma nova direção na pintura é considerada o cubismo sintético, usando vários objetos da vida real. Pablo Picasso. Natureza morta com uma cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris

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Pablo Picasso. Natureza morta com uma cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris O gargalo do violão, a borda da toalha de mesa, a haste cilíndrica do copo, o gargalo da garrafa, a curva do cachimbo, o baralho de cartas - tudo poderia ter servido de pretexto para decifrar as pinturas. Especialmente letras e números, fragmentos de palavras, pedaços de linhas de telégrafo ou jornal, inscrições nas vitrines de lojas e cafés, números de carros, marcas de identificação nas laterais das aeronaves ... Além disso, foram usados ​​​​materiais estranhos à pintura a óleo nas pinturas: areia, serragem, ferro, vidro, gesso, carvão, tábuas, papel de parede. Este foi o início da arte da colagem (colar materiais que diferem dela em cor e textura a qualquer base).

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Um dia, Picasso pegou um oleado que mostrava a rede de uma cadeira de vime. Recortando um pedaço da forma desejada, ele o colou na tela. Foi assim que surgiu "Natureza morta com cadeira de palha". A pequena pintura de formato oval estava repleta de detalhes que iam contra as normas de pintura vigentes. Elementos desconexos, conectados de uma certa maneira, no entanto, criaram um único todo. Pablo Picasso. Natureza morta com uma cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris “Picasso perturba deliberadamente a percepção harmoniosa da pintura combinando objetos em uma tela, a realidade de cada um dos quais é percebida em graus variados. Mas eles estão unidos de tal maneira que criam um jogo de sentimentos conflitantes e ao mesmo tempo complementares ”(R. Penrose).

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Além da natureza morta, os cubistas frequentemente se voltavam para o gênero retrato. A figura humana, apresentada em formas geométricas, reproduzia muito distante o modelo real. A cabeça parecia uma bola, os braços eram um retângulo, as costas um triângulo. O rosto se desintegrou em muitos elementos separados, segundo os quais era difícil restaurar a imagem da pessoa retratada. No entanto, há um caso em que um crítico americano reconheceu em um café parisiense um homem que ele conhecia apenas pelo retrato cubista de Picasso. Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910 Museu Estadual de Belas Artes de Pushkin A.S. Pushkin, Moscou

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O artista conseguiu uma incrível "semelhança" no famoso "Retrato de Ambroise Vollard". Criado contra um pano de fundo de intrincados cristais, transmite à distância o nariz um tanto achatado do famoso colecionador. A testa alta e reta se destaca da escala de cinza predominante com tons suaves. As características faciais sutis são absorvidas pelas formas cúbicas. O próprio Vollard afirmou que "embora muitos não pudessem reconhecê-lo na tela, o filho de quatro anos de um de seus amigos, vendo o retrato pela primeira vez, imediatamente exclamou:" Este é o tio Ambroise!" Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910. Museu Pushkin de Belas Artes, Moscou

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Seu nome já estava cercado de lendas durante sua vida. Ele era admirado e discutido. Ele foi derrubado e reerguido aos picos do Olimpo. Centenas de estudos foram escritos sobre ele. Segundo Pablo Picasso, a arte do século 20, na qual ele fez suas brilhantes descobertas, será medida por muito tempo. As palavras aforísticas de seu contemporâneo André Breton (1898-1966) ainda mantêm seu significado e sentido: "Não há nada a fazer onde Picasso foi."