Os artistas contemporâneos mais famosos do mundo. Pinturas de artistas contemporâneos do mundo
A pintura russa distingue-se legitimamente do mundo da arte. O fato é que até o século XVII, a pintura russa estava associada exclusivamente a um tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar-reformador - Pedro, o Grande. Graças a suas reformas, os mestres russos começaram a se envolver na pintura secular, houve uma separação da pintura de ícones como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros pintores que passaram da pintura de retratos para a pintura de paisagens. Uma simpatia pronunciada dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, até três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a se voltar para o gênero retrato. Foi então que surgiram retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas retratam cada vez mais o povo russo simples em seu estado oprimido. O realismo tornou-se a tendência central na pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, naturalmente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram muito seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um mundo incrível de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações
Se você pensa que todos os grandes artistas estão no passado, então você não tem ideia do quanto está errado. Neste artigo, você conhecerá os artistas mais famosos e talentosos do nosso tempo. E, acredite, suas obras ficarão na sua memória não menos profundamente do que as obras do maestro de épocas passadas.
Wojciech babski
Wojciech Babski é um artista polonês contemporâneo. Ele se formou no Instituto Politécnico da Silésia, mas se vinculou. Recentemente, ele tem desenhado principalmente mulheres. Concentra-se na expressão de emoções, se esforça para obter o maior efeito possível por meios simples.
Adora cores, mas costuma usar tons de preto e cinza para a melhor experiência. Não tem medo de experimentar novas técnicas diferentes. Recentemente, vem ganhando cada vez mais popularidade no exterior, principalmente no Reino Unido, onde vende com sucesso suas obras, que já podem ser encontradas em muitas coleções particulares. Além da arte, ele se interessa por cosmologia e filosofia. Ouve jazz. Atualmente vive e trabalha em Katowice.
Warren Chang
Warren Chang é um artista americano contemporâneo. Nascido em 1957 e criado em Monterey, Califórnia, graduou-se cum laude na Pasadena Art Center College of Design em 1981 com um Bacharelado em Belas Artes na área. Nas duas décadas seguintes, ele trabalhou como ilustrador para várias empresas na Califórnia e em Nova York antes de iniciar uma carreira como artista profissional em 2009.
Suas pinturas realistas podem ser divididas em duas categorias principais: pinturas biográficas de interiores e pinturas que retratam pessoas trabalhadoras. Seu interesse por esse estilo de pintura está enraizado na obra do artista quinhentista Jan Vermeer, e se estende a objetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, alunos, estúdio, salas de aula e interiores de residências. Seu objetivo é criar clima e emoção em suas pinturas realistas através da manipulação da luz e do uso de cores suaves.
Chang ficou famoso depois de mudar para as artes visuais tradicionais. Ao longo dos últimos 12 anos, ele ganhou muitos prêmios e honrarias, sendo o mais prestigioso o Master Signature da Oil Painters Association of America, a maior comunidade de pintores a óleo dos Estados Unidos. Apenas uma pessoa em 50 é homenageada com a oportunidade de receber este prêmio. Warren atualmente mora em Monterey e trabalha em seu estúdio, e também ensina (conhecido como um educador talentoso) na San Francisco Academy of Arts.
Aurélio Bruni
Aurelio Bruni é um artista italiano. Nasceu em Blair, 15 de outubro de 1955. Graduado em cenografia pelo Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, ele é autodidata, pois independentemente “construiu uma casa de conhecimento” sobre as fundações lançadas na escola. Começou a pintar a óleo aos 19 anos. Atualmente vive e trabalha na Úmbria.
A pintura inicial de Bruni está enraizada no surrealismo, mas com o tempo ele começa a se concentrar na proximidade do romantismo lírico e do simbolismo, aprimorando essa combinação com a sofisticação refinada e a pureza de seus personagens. Objetos animados e inanimados adquirem igual dignidade e parecem quase hiper-realistas, mas, ao mesmo tempo, não se escondem atrás de uma cortina, mas permitem que você veja a essência de sua alma. Versatilidade e sofisticação, sensualidade e solidão, reflexão e fecundidade são o espírito de Aurelio Bruni, alimentado pelo esplendor da arte e pela harmonia da música.
Alekasander Balos
Alkasandr Balos é um artista polonês contemporâneo especializado em pintura a óleo. Nasceu em 1970 em Gliwice, Polônia, mas desde 1989 vive e trabalha nos Estados Unidos, em Shasta, Califórnia.
Quando criança, estudou arte sob a orientação de seu pai Jan, artista e escultor autodidata, por isso, desde cedo, as atividades artísticas receberam total apoio de ambos os pais. Em 1989, aos dezoito anos, Balos deixou a Polônia para os Estados Unidos, onde sua professora e artista de meio período Katie Gaggliardi encorajou Alkasandra a ir para a escola de arte. Balos recebeu então uma bolsa integral da Universidade de Milwaukee Wisconsin, onde estudou pintura com o professor de filosofia Harry Rosin.
Após concluir seus estudos em 1995 e obter seu diploma de bacharel, Balos mudou-se para Chicago para estudar na Escola de Belas Artes, cujos métodos são baseados no trabalho de Jacques-Louis David. O realismo figurativo e o retrato compunham a maior parte do trabalho de Balos nos anos 90 e início dos anos 2000. Hoje Balos usa a figura humana para destacar as peculiaridades e mostrar as deficiências do ser humano, sem oferecer soluções.
As composições de enredo de suas pinturas devem ser interpretadas de forma independente pelo espectador, só assim as telas adquirirão seu verdadeiro significado temporal e subjetivo. Em 2005, o artista mudou-se para o norte da Califórnia, desde então o escopo de seu trabalho se expandiu significativamente e agora inclui métodos mais livres de pintura, incluindo abstração e vários estilos multimídia que ajudam a expressar ideias e ideais de ser através da pintura.
Monges Alyssa
Alyssa Monks é uma artista americana contemporânea. Ela nasceu em 1977 em Ridgewood, Nova Jersey. Começou a interessar-se pela pintura ainda criança. Ela estudou na New School em Nova York e na Montclair State University, e se formou no Boston College em 1999, recebeu um diploma de bacharel. Simultaneamente, ela estudou pintura na Academia Lorenzo Medici, em Florença.
Em seguida, continuou seus estudos no programa de mestrado da New York Academy of Art, no Departamento de Arte Figurativa, formado em 2001. Ela se formou na Fullerton College em 2006. Por um tempo, ela lecionou em universidades e instituições educacionais em todo o país, ensinou pintura na New York Academy of Art, bem como na Montclair State University e na Lyme Academy of Art College.
“Ao usar filtros como vidro, vinil, água e vapor, distorço o corpo humano. Esses filtros permitem que você crie grandes áreas de design abstrato, com ilhas de cores espreitando por elas - partes do corpo humano.
Minhas pinturas mudam a visão moderna das poses e gestos tradicionais já estabelecidos das mulheres que tomam banho. Eles poderiam dizer muito a um espectador atento sobre coisas aparentemente auto-evidentes como os benefícios de nadar, dançar e assim por diante. Meus personagens são pressionados contra o vidro da janela do box, distorcendo o próprio corpo, percebendo que ao fazê-lo influenciam o notório olhar masculino sobre uma mulher nua. Camadas grossas de tinta são misturadas para imitar vidro, vapor, água e carne de longe. No entanto, de perto, as incríveis propriedades físicas da tinta a óleo tornam-se aparentes. Ao experimentar camadas de tinta e cor, encontro um momento em que traços abstratos se tornam outra coisa.
Quando comecei a pintar o corpo humano, fiquei imediatamente fascinado e até obcecado por ele e acreditei que tinha que fazer minhas pinturas o mais realista possível. Eu “professei” o realismo até que ele começou a desvendar e revelar contradições em si mesmo. Agora estou explorando as possibilidades e potencialidades da maneira de pintar, onde a pintura representacional e a abstração se encontram – se ambos os estilos puderem coexistir ao mesmo tempo, eu o farei.”
Antonio Finelli
Artista italiano - “ Observador do tempo”- Antonio Finelli nasceu em 23 de fevereiro de 1985. Atualmente vive e trabalha na Itália entre Roma e Campobasso. Suas obras foram exibidas em várias galerias na Itália e no exterior: Roma, Florença, Novara, Gênova, Palermo, Istambul, Ancara, Nova York, e também podem ser encontradas em coleções públicas e privadas.
desenhos a lápis" Observador do tempo“Antonio Finelli nos remete a uma viagem eterna pelo mundo interior da temporalidade humana e a análise minuciosa associada a este mundo, cujo elemento principal é a passagem pelo tempo e os traços que ele deixa na pele.
Finelli pinta retratos de pessoas de qualquer idade, sexo e nacionalidade, cujas expressões faciais testemunham a passagem no tempo, o artista também espera encontrar evidências da impiedade do tempo nos corpos de seus personagens. Antonio define suas obras por um título geral: “Auto-retrato”, pois em seus desenhos a lápis ele não apenas retrata uma pessoa, mas permite ao espectador contemplar os resultados reais da passagem do tempo dentro de uma pessoa.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni é uma artista italiana de 37 anos, filha de um diplomata. Ela tem três filhos. Ela viveu por doze anos em Roma, três anos na Inglaterra e na França. Formou-se em história da arte pela BD School of Art. Então ela recebeu um diploma como restauradora de obras de arte. Antes de encontrar sua vocação e se dedicar integralmente à pintura, trabalhou como jornalista, colorista, designer e atriz.
Flaminia desenvolveu uma paixão pela pintura quando criança. Seu principal meio é o óleo porque adora “coiffer la pate” e também brinca com o material. Ela aprendeu uma técnica semelhante nas obras do artista Pascal Torua. Flaminia é inspirada em grandes pintores como Balthus, Hopper e François Legrand, além de vários movimentos artísticos: arte de rua, realismo chinês, surrealismo e realismo renascentista. Seu artista favorito é Caravaggio. Seu sonho é descobrir o poder terapêutico da arte.
Denis Chernov
Denis Chernov é um talentoso artista ucraniano, nascido em 1978 em Sambir, região de Lviv, Ucrânia. Depois de se formar na Escola de Arte de Kharkov em 1998, ele ficou em Kharkov, onde atualmente vive e trabalha. Ele também estudou na Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphics, graduou-se em 2004.
Ele participa regularmente de exposições de arte, no momento já foram mais de sessenta delas, tanto na Ucrânia quanto no exterior. A maioria das obras de Denis Chernov são mantidas em coleções particulares na Ucrânia, Rússia, Itália, Inglaterra, Espanha, Grécia, França, EUA, Canadá e Japão. Algumas das obras foram vendidas para a Christie's.
Denis trabalha em uma ampla gama de técnicas gráficas e de pintura. O desenho a lápis é um de seus métodos de pintura favoritos, a lista de temas para seus desenhos a lápis também é muito diversificada, ele escreve paisagens, retratos, nus, composições de gênero, ilustrações de livros, reconstruções literárias e históricas e fantasias.
Hoje, a pintura moderna ganhou uma popularidade incrível, portanto, tornou-se conhecida não apenas por sua tendência a expandir fronteiras e explorar novos meios de expressão, mas também por seu recorde de vendas no mercado de arte contemporânea nos últimos anos. Além disso, artistas de quase todo o mundo, da América à Ásia, desfrutam de sucesso. A seguir, você descobrirá cujos nomes representam a melhor pintura contemporânea do mundo, quem ele é, o artista contemporâneo mais caro e quem ficou aquém desse título.
Os artistas contemporâneos mais caros
Entre os inúmeros nomes que a pintura moderna possui, as pinturas de apenas alguns artistas desfrutam de um sucesso excepcional. Entre elas, as pinturas mais caras pertenciam ao famoso grafiteiro e neo-expressionista Jean-Michel Basquiat, que, no entanto, morreu aos 27 anos. Em nossa lista, você verá apenas os sete primeiros desses artistas ricos que ainda estão vivos hoje.
Bryce Marden
As obras deste autor americano são bastante difíceis de classificar e trazer para uma única direção de arte, embora ele seja frequentemente referido como representantes do minimalismo ou do abstracionismo. Mas, ao contrário dos artistas desses estilos, cujas pinturas supostamente nunca foram tocadas, a pintura moderna de Marden mantém traços de espátula e outros traços de seu trabalho. Um dos que influenciaram seu trabalho é outro artista contemporâneo Jasper Johns, cujo nome você verá mais adiante.
Zeng Fanzhi
Este artista contemporâneo é hoje uma das principais figuras da cena artística chinesa. Foi sua obra intitulada "A Última Ceia", baseada na famosa obra de Leonardo da Vinci, que foi vendida por US$ 23,3 milhões e se tornou a pintura mais cara que a pintura asiática contemporânea pode ostentar. Também são famosas as obras do artista "Auto-retrato", o tríptico "Hospital" e pinturas da série "Máscaras".
Nos anos 90, o estilo de sua pintura sofreu muitas vezes mudanças e acabou deixando o expressionismo para o simbolismo.
Peter Doig
Peter Doig é um artista contemporâneo escocês de renome internacional cujo trabalho permeia o tema do realismo mágico. Muitas de suas obras tendem a desorientar o espectador, mesmo quando retratam imagens reconhecíveis, como figuras, árvores e edifícios.
Em 2015, sua pintura "Swamped" conseguiu bater o recorde e receber o título de pintura mais cara de artistas contemporâneos da Escócia, sendo vendida em leilão por 25,9 milhões. Telas populares e de Doig "Casa de um arquiteto na cavidade", "Canoa branca", "Reflexão", "Jantar de beira de estrada" e outras.
Christopher Wool
Em seu trabalho, o artista contemporâneo Christopher Wool explora várias ideias pós-conceituais. As pinturas contemporâneas mais famosas do artista são inscrições em bloco pintadas em preto sobre uma tela branca.
Tais pinturas de artistas contemporâneos causam muita polêmica e descontentamento entre os adeptos da pintura tradicional, mas de uma forma ou de outra, uma das obras de Wool - "Apocalypse" - lhe rendeu US$ 26 milhões. Wool não pensa nos títulos das fotos por um longo tempo, mas as chama de acordo com as inscrições: "Blue fool", "Trouble", etc.
Jasper Johns
O artista contemporâneo Jasper Johns é conhecido por sua atitude rebelde em relação ao expressionismo abstrato, que dominou a arena da pintura no início da carreira do artista. Além disso, ele trabalha criando telas caras com bandeiras, placas, números e outros símbolos conhecidos que já têm um significado claro e não precisam ser resolvidos.
By the way, as pinturas mais caras de artistas contemporâneos incluem o trabalho do americano "Flag", vendido em leilão em 2010 por US $ 28 milhões. Você também pode ver os trabalhos "Três bandeiras", "Início falso", "De 0 a 9", "Alvo com quatro faces" e muitos outros.
Gerhard Richter
Este artista contemporâneo da Alemanha, como muitos pintores no início de sua jornada, estudou pintura acadêmica realista, mas depois se interessou por uma arte mais progressiva.
Na obra do autor, você pode ver a influência de muitas tendências artísticas do século 20, como expressionismo abstrato, pop art, minimalismo e conceitualismo, mas ao mesmo tempo, Richter permaneceu cético em relação a todas as crenças artísticas e filosóficas estabelecidas, tendo certeza que a pintura moderna é dinâmica e busca. As obras do artista incluem "Land of Meadows", "Reading", "1024 colors", "Wall", etc.
Jeff Koons
E, finalmente, aqui está ele - o artista contemporâneo mais caro do mundo inteiro. O americano Jeff Koons trabalha no estilo neo-pop e é conhecido por sua criatividade cativante, kitsch e desafiadora.
Ele é conhecido principalmente como o autor de um grande número de esculturas modernas, algumas das quais foram exibidas na própria Versalhes. Mas também entre as obras do artista há pinturas para as quais conhecedores especiais estão prontos para dar milhões de dólares: "Liberty Bell", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" e outros.
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"Jogadores de cartas"
autor
Paul Cézanne
O país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo
O artista nasceu no sul da França na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Os jovens artistas chamavam suas viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".
130x97cm
1895 ano
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado
O trabalho de Cezanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do assunto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causem perplexidade ao espectador. Cézanne combinou duas principais tradições francesas em sua arte: classicismo e romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.
Uma série de cinco pinturas "The Card Players" foi escrita nos anos 1890-1895. O enredo é o mesmo - várias pessoas são apaixonadas por jogar poker. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.
Quatro pinturas são mantidas em museus na Europa e na América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. O negociante de arte William Aquavella e o dono da galeria de renome mundial Larry Gagosian tornaram-se potenciais compradores da obra "gratuita" de Cézanne, oferecendo cerca de US$ 220 milhões por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado na Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pearce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia ao redor do mundo.
Em 2010, o Museu Árabe de Arte Contemporânea e o Museu Nacional do Catar abriram no Catar. Agora suas coleções estão sendo reabastecidas. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo Sheikh para esse fim.
A maioriapintura carano mundo
Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani
A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Cerca de meio século atrás, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente tornou o Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares tomou o poder. O mérito do atual governante, segundo os especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país, na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres conquistaram o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Qatar que fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.
2
"Número 5"
autor
Jackson Pollock
O país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato
Jack Sprinkler - tal apelido foi dado a Pollock pelo público americano por uma técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou papelão enquanto se movia continuamente ao redor e dentro deles. Desde cedo ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante o "derramamento" livre.
122x244cm
1948 ano
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de "pintura de ação". Com sua mão leve, tornou-se o principal tesouro da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia, cacos de vidro e escreveu com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca e uma colher. O artista era tão popular que, na década de 1950, foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da empresa DreamWorks, David Geffen, o adquiriu para uma coleção particular e, em 2006, o vendeu no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Apenas uma coisa é conhecida com certeza: o financista mexicano tem, de fato, recentemente colecionado obras de arte contemporânea. É improvável que ele tenha perdido um "peixe grande" como "Número 5" Pollock.
3
"Mulher III"
autor
Willem de Kooning
O país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato
Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo o grande artista modernista em seu autor. A maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe dentro dos limites da tela.
121x171cm
1953 ano
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Na década de 1950, as pinturas de Kooning mostravam mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições faciais feias. Woman III é a última entrada da série a ser leiloada.
Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu a pintura de Jackson Pollock "Número 5") deu a imagem ao milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que Geffen em um ano começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores, por exemplo, de que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.
Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada que coroa a cabeça da mulher.
4
"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"
autor
Gustav Klimt
O país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno
Gustav Klimt nasceu na família de um gravurista e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas e apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolve seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: sob os finos toques de ouro, o erotismo franco é claramente visível.
138x136cm
1907 ano
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O destino da pintura, que é chamada de "Mona Lisa austríaca", pode facilmente se tornar a base de um best-seller. A obra do artista tornou-se a causa do conflito entre todo o estado e uma senhora idosa.
Assim, "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" retrata um aristocrata, a esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade foi transferir a pintura para a Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch em seu testamento cancelou a doação, e a tela foi expropriada pelos nazistas. Mais tarde, a galeria mal comprou o Golden Adele, mas depois apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.
Em 2005, começou o julgamento de alto nível "Maria Altman contra a República Austríaca", como resultado do qual a foto "deixou" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: estavam em andamento negociações para empréstimos, a população doou dinheiro para resgatar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman elevou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões por ele.
5
"Gritar"
autor
Edvard Munch
O país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo
A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, - "The Sick Girl" (existe em cinco exemplares) - é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar das tramas deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.
73,5x91 cm
1895 ano
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012 ano
no leilão Sotheby's
O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão - "o grito da natureza"). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções são experimentadas pelo espectador ao olhar para uma foto. Uma das principais obras do expressionismo alerta para temas que se tornaram agudos na arte do século XX. De acordo com uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.
A pintura foi roubada duas vezes de diferentes museus, mas foi devolvida. O Grito, que sofreu pequenos danos após o roubo, foi restaurado e novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para os representantes da cultura pop, o trabalho tornou-se uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias-cópias dele, e a máscara do filme "Scream" é feita à imagem e semelhança do herói da imagem.
Sobre um assunto, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular, feita em pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não se arrependeu do valor recorde para o "Scream". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é o patrono do Dartmouth College, Museu de Arte Moderna, Lincoln Art Center, Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.
6
"Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"
autor
Pablo Picasso
O país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo
Ele é espanhol de nascimento, mas por espírito e lugar de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo estresse em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que um objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.
130x162cm
1932 ano
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's
Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele pôs fim à vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. A essa altura, o reconhecimento encontrou um herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acaso - por um grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Thérèse Walther (ela tinha 17 anos, ele 45). Sem o conhecimento de sua esposa, ele partiu com sua amante em uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato representando Marie-Therese na imagem de Daphne. A tela foi adquirida pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida para Sidney F. Brody em 1951. Os cônjuges de Brody mostraram a foto ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista completou 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody em março de 2010 colocou a peça em leilão na casa de Christie. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido o comprou por US$ 106,5 milhões. Em 2011, uma "exposição de uma pintura" ocorreu na Grã-Bretanha, onde foi publicada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.
7
"Oito Elvis"
autor
Andy Warhole
O país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop
“Sexo e festas são os únicos lugares onde você tem que aparecer pessoalmente”, disse Andy Warhol, o icônico artista pop art, cineasta e cofundador da revista Interview. Ele trabalhou com Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de álbuns e desenhou sapatos para I. Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando os símbolos da América: a sopa de Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.
358x208cm
1963 ano
preço
$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado
Anos 60 de Warhol - este foi o nome da era da arte pop na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no estúdio Fabrika, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes de destaque: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol experimentou a técnica de serigrafia - a repetição múltipla de uma imagem. Ele usou esse método ao criar "Eight Elvis": o espectador parece ver quadros de um filme onde a estrela ganha vida. Há tudo o que o artista tanto amava: uma imagem pública ganha-ganha, cor prata e uma premonição de morte como mensagem principal.
Há dois negociantes de arte que estão promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mughrabi. A primeira gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de Natal, só que mais caros. Mas não eles, mas um modesto consultor de arte francês Philippe Segalo ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlingieri a vender Eight Elvis a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol - US $ 100 milhões.
8
"Laranja,Vermelho amarelo"
autor
Mark Rothko
O país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato
Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, na Rússia (agora - Daugavpils, Letônia), em uma grande família de um farmacêutico judeu. Em 1911 eles emigraram para os Estados Unidos. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, ganhou uma bolsa de estudos, mas os sentimentos antissemitas o forçaram a abandonar seus estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiam por toda a vida.
206x236cm
1961 ano
preço
US$ 86.882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's
As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para manchas coloridas, privando-as de qualquer objetividade. No início, eles tinham tons brilhantes e, na década de 1960, ficaram marrons, roxos, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko advertiu contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas uma cor que se dissolve no ar, e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse "desenhado" em cores, como um funil. Atenção: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, aos poucos vem a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento, a purificação. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (dizem, às vezes - cura). O artista declarou: “O espectador deve chorar ao olhar para eles”, e realmente houve casos assim. De acordo com a teoria de Rothko, nesse momento as pessoas vivenciam a mesma experiência espiritual que ele teve no processo de trabalhar em uma pintura. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não deve se surpreender que os críticos frequentemente comparem essas obras de arte abstrata com ícones.
A obra "Orange, Red, Yellow" expressa toda a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu o dobro do preço estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.
9
"Tríptico"
autor
Francis Bacon
O país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo
As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro a Berlim, depois a Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.
147,5x198 cm (cada)
1976 ano
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o público inglês empertigado não tinha pressa em desembolsar tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: "A pessoa que pinta esses quadros horríveis".
O próprio artista considerou o pós-guerra o período inicial de sua obra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon foi "Estudo para retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). Em "Tríptico, 1976" o artista retrata a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em uma coleção particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o seu valor. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso ele foi significativamente influenciado por seu amigo Dasha Zhukova, que se tornou um galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 ele ganhou o Triptych. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich voltou a ser o comprador.
10
"Lagoa com nenúfares"
autor
Claude Monet
O país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo
O artista é reconhecido como o ancestral do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas telas. O primeiro trabalho significativo foi a pintura "Café da manhã na grama" (versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude, ele desenhou caricaturas e assumiu a pintura real durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.
210x100cm
1919 ano
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava com entusiasmo à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem texturizada e tridimensional. Na pintura do último Monet, o tema da água e da vida nela ocupa um lugar especial. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes trazidas especialmente por ele do Japão. Quando suas flores estavam desabrochando, ele começou a pintar. A série "Nenúfares" é composta por 60 obras que o artista pintou por quase 30 anos, até sua morte. Sua visão se deteriorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lagoa com Nenúfares" chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.
11
Estrela falsa t
autor
Jasper Johns
O país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop
Em 1949, Jones entrou em uma escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.
137,2 x 170,8 cm
1959 ano
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura, em plena conformidade com o original. Para o seu trabalho, utilizava objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há composição clara na pintura False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes assinando "incorretamente" as cores na imagem, derrubando o próprio conceito de cor: "Eu queria encontrar uma maneira de retratar a cor para que pudesse ser determinada por algum outro método". Sua mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, a pintura foi adquirida por um comprador desconhecido.
12
"Sentadonuno sofá"
autor
Amedeo Modigliani
O país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo
Desde a infância, Modigliani estava muitas vezes doente; durante um delírio febril, ele reconheceu seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde floresceu sua arte.
65x100cm
1917 ano
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Sotheby's
Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hébuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o recorde mais recente de Sentada Nua no Sofá em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte, Jeanne Hébuterne, grávida de nove meses, também cometeu suicídio.
13
"Águia em um pinheiro"
autor
Qi Baishi
O país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo gohua
O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. Ele foi premiado com o título de "Grande Artista do Povo Chinês" pelo Ministério da Cultura da China e, em 1956, recebeu o Prêmio Internacional da Paz.
10x26cm
1946 ano
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão guardião da China
Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo ao redor das quais muitos não dão importância, e essa é sua grandeza. Uma pessoa sem educação tornou-se um professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China". A composição "Eagle on a Pine" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a peça foi comprada representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Só o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por US$ 436,8 milhões.
14
"1949-A-№1"
autor
Clifford Still
O país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato
Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, me matriculei em um curso da liga de artes para estudantes, mas saí 45 minutos após o início da aula - acabou "não para ele". A primeira exposição individual causou ressonância, o artista se viu, e com ela o reconhecimento
79x93cm
1949 ano
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda são legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com o seu nome. Denver se tornou uma cidade assim, mas apenas a construção custou caro às autoridades e, para sua conclusão, quatro obras foram leiloadas. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que elevou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um valor máximo de US$ 25-35 milhões.
15
"Composição suprematista"
autor
Kazimir Malevich
O país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo suprematismo
Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kiev, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim "dominação").
71 x 88,5 cm
1916 ano
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
No museu da cidade de Amsterdã, a pintura foi mantida por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a entregou. O artista escreveu essa obra em um ano com o "Manifesto do Suprematismo", então a Sotheby`s anunciou antes mesmo do leilão que não entraria em coleção particular por menos de US$ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma visão da terra do ar. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "Composição Suprematista" do Museu MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.
16
"Banhos"
autor
Paul Gauguin
O país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo
Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o empurravam constantemente para viajar. Na França, começou a pintar com tintas, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até o momento em que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.
93,4x60,4cm
1902 ano
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's
Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir para o interior da ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais uma conexão sutil entre a natureza e o homem é sentida. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical florescia em suas telas. Sua esposa era uma taitiana de 13 anos, Tehura, o que não impediu o artista de entrar em relacionamentos promíscuos. Tendo adoecido com sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Este período é chamado de "o segundo Tahitian" - foi então que a pintura "Bathers" foi pintada, uma das mais luxuosas de sua obra.
17
"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"
autor
Henri Matisse
O país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo fauvismo
Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando da operação, sua mãe comprou tintas para ele. No início, por tédio, Matisse copiou cartões postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, inventou um estilo - o fauvismo.
65,2x81 cm
1911 ano
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's
A pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa" pertenceu por muito tempo a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro "Narcisos e uma Toalha de Mesa em Tons de Azul e Rosa", pintado em uma toalha de mesa comum ao invés de tela. Como exemplo do Fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas sobre uma toalha de mesa, hoje esta obra é a única que está em coleção particular.
18
"Menina dormindo"
autor
RoyLee
htenstein
O país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop
O artista nasceu em Nova York e, após terminar o ensino médio, partiu para Ohio, onde fez cursos de arte. Liechtenstein recebeu seu mestrado em Belas Artes em 1949. Seu interesse por quadrinhos e sua capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.
91x91cm
1964 ano
preço
US$ 44.882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
Um dia, a goma de mascar caiu nas mãos do Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte para a tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da arte pop: o consumo é um novo deus, e não há menos beleza na embalagem de chiclete do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Liechtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, pintou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "A menina adormecida" por quase 50 anos pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philippe Gersh, cujos herdeiros a venderam em leilão.
19
"Vitória. Boogie Woogie"
autor
Pete Mondrian
O país Países Baixos
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo
O artista mudou seu nome verdadeiro - Cornelis - para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doosburg fundou o movimento "neoplasticismo". A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.
27x127cm
1944 ano
preço
$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's
O mais "musical" dos artistas do século 20 ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os Estados Unidos na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York são o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Os quadrados arrumados "assinatura" foram obtidos com o uso de fita adesiva, o material preferido de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent lançou os mundialmente famosos vestidos Mondrian com estampa em uma grande gaiola colorida.
20
"Composição nº 5"
autor
ManjericãoKandinsky
O país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda
O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com o governo soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.
275x190cm
1911 ano
preço
$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's
Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky aceitou a cidadania francesa, em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas "soam" como fugas, tantas foram chamadas de "composições" (a primeira foi escrita em 1910, a última - em 1939). “Composition No. 5” é uma das obras-chave deste gênero: “A palavra “composição” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejava o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse escrevendo uma partitura.
21
"Estudo de uma mulher de azul"
autor
Fernando Léger
O país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo Cubismo-Pós-Impressionismo
Leger recebeu uma educação arquitetônica e depois frequentou a École des Beaux-Arts em Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e, no século 20, também fez sucesso como escultor.
96,5x129,5cm
1912-1913 ano
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
David Normann, presidente do Departamento Internacional de Impressionismo e Modernismo da Sotheby's, acredita que a enorme quantia paga por "A Dama de Azul" é totalmente justificada. A pintura pertence à famosa coleção de Leger (o artista pintou três pinturas sobre um assunto, a última delas está em mãos particulares hoje. - Ed.), E a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor deu esta obra à galeria Der Sturm, depois foi parar na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão de modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.
22
“Cena de rua. Berlim"
autor
Ernst LudwigKirchner
O país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo
Para o expressionismo alemão, Kirchner se tornou uma pessoa icônica. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.
95x121cm
1913 ano
preço
US$ 38.096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's
Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pela agitação e nervosismo da cidade grande. Vendido em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão, as restantes estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com brutalidade: 639 de suas obras foram retiradas das galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.
23
"Em repousodançarino"
autor
Edgar Degas
O país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo
A história de Degas como artista começou quando ele trabalhou como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.
64x59cm
1879 ano
preço
US$ 37.043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
“Bailarinas sempre foram apenas uma desculpa para eu retratar tecidos e capturar movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. The Resting Dancer foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões - hoje é a obra mais cara de um artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, projetou-os ele mesmo e proibiu alterá-los. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?
24
"Pintura"
autor
Juan Miró
O país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata
Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Durante este período, Miro pinta o quadro "Ajude a Espanha!", chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.
89x115cm
1927 ano
preço
US$ 36.824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O segundo nome da imagem é "Blue Star". O artista escreveu no mesmo ano, quando anunciou: "Quero matar a pintura" e zombou impiedosamente das telas, arranhando a pintura com pregos, colando penas na tela, cobrindo o trabalho com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. A sua "Pintura" pertence ao ciclo das "imagens de sonho". No leilão, quatro compradores lutaram por ela, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa, e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.
25
"Rosa Azul"
autor
Yves Klein
O país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática
O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, vela, o ofício do dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.
153x199x16cm
1960 ano
preço
US$ 36.779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's
A primeira exposição de obras sólidas em amarelo, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein se ofendeu e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, tingidas com ultramar misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor entrou para a história como "azul internacional de Klein". O artista também vendia o vazio, criava pinturas, substituindo o papel na chuva, ateando fogo ao papelão, fazendo gravuras de um corpo humano em tela. Em uma palavra, ele experimentou o melhor que pôde. Para criar a "Rosa Azul" usei pigmentos secos, resinas, seixos e esponja natural.
26
"Em busca de Moisés"
autor
Sir Lawrence Alma Tadema
O país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo
Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu próprio sobrenome, para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista foi premiado com o título de cavaleiro.
213,4x136,7cm
1902 ano
preço
US$ 35.922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a era do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele se envolveu em escavações arqueológicas na Península dos Apeninos e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Os enredos mitológicos tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito requisitado durante sua vida, mas depois de sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está revivendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.
27
"Retrato de um oficial nu dormindo"
autor
Lucian Freud
O país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa
O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.
219,1 x 151,4 cm
1995 ano
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Enquanto artistas da moda do século 20 criavam "manchas coloridas na parede" positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia ainda mais caras. “Eu capto os gritos da alma e o sofrimento da carne desbotada”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram tão ativamente expostas e vendidas com sucesso que os especialistas tiveram dúvidas: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido no leilão "Retrato de um Funcionário Nu Adormecido", segundo a publicação Sol, foi adquirido pelo conhecedor da beleza e bilionário Roman Abramovich.
28
"Violino e Guitarra"
autor
Xum chora
O país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo
Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.
5x100cm
1913 ano
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's
Gris, em suas próprias palavras, estava engajado em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou uma única pincelada acidental, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador da direção. O sucessor ainda dedicou sua primeira obra no estilo do cubismo "Tributo a Picasso" a ele. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso, tratado gentilmente por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.
29
"RetratoCampos Eluard"
autor
Salvador Dalí
O país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo
“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o pintor surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa-Chups.
25x33cm
1929 ano
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada justamente durante esta visita histórica. “Senti que era meu dever capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo eu havia sequestrado uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e estava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou um dueto Dali-Gala.
30
"Aniversário"
autor
Mark Shagal
O país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda
Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome, aproximou-se dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, ele partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.
80x103cm
1923 ano
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's
A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Ele contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, a sensação de um conto de fadas no cenário de uma vida filistéia é preservada e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhava as pessoas da vida, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna do MoMA em Nova York armazena exatamente o mesmo, apenas com o nome "Aniversário". By the way, foi escrito mais cedo - em 1915.
rascunho preparado
Tatiana Palasova
classificação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13
(maio-junho de 2013)
Grandes leilões internacionais incluem cada vez mais artistas russos contemporâneos em seus lances de arte pós-guerra e contemporânea. Em fevereiro de 2007, a Sotheby's realizou o primeiro e quase sensacional leilão especializado de arte contemporânea russa, que trouxe 22 recordes de leilões. "Artguide" decidiu descobrir quais dos nossos artistas contemporâneos arrecadaram as maiores somas em leilões internacionais e, tendo compilado os 10 artistas russos vivos mais caros com base nos resultados das vendas em leilões, descobriu alguns padrões curiosos. Todos os preços de venda são cotados em casas de leilões e incluem o prémio do comprador.
Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky. Aptidão noturna. Fragmento. Autores de cortesia (www.dubossarskyvinogradov.com)
Claro, não havia dúvida de quem exatamente se tornou o líder da corrida de leilões: o grandioso Fusca de Ilya Kabakov, vendido em fevereiro de 2008 na Phillips de Pury por quase £ 3 milhões, provavelmente é lembrado por todos os interessados em arte contemporânea . Uma divertida canção de ninar, cujo texto está escrito em um painel de madeira com um besouro, ganhou até uma entonação profunda na interpretação mercadológica da história da arte: “Meu besouro irrompe, salta, gorjeia, não quer minha coleção” - isso significa metaforicamente a emoção de um colecionador de arte contemporânea, por essa barganha de besouro. (O verso citado por Kabakov, escrito pelo arquiteto A. Maslennikova, poeta amador de Voronezh, foi publicado na coleção infantil de poemas, contando rimas e enigmas "Entre o verão e o inverno", publicado em 1976 pela editora "Children's Literatura" - e Kabakov ilustrou este livro No entanto, esse besouro não estava em suas ilustrações em preto e branco).
Deve-se acrescentar que, se não fôssemos o top 10 dos artistas vivos mais caros, mas o top 10 de suas obras mais caras, as pinturas de Kabakov ocupariam os três primeiros lugares nesta lista. Ou seja, as três obras mais caras do artista russo atualmente vivo pertencem a ele - além de "Beetle", são "Suite" em 1981 (Phillips de Pury, Londres, 21 de junho de 2007, £ 2,036 milhões) e " Vacation No. 10" 1987 (Phillips de Pury London, 14 de abril de 2011, £ 1.497m). Além disso, o generoso Kabakov "deu" mais um recorde ao leilão do Vienna Dorotheum - há um ano, em 24 de novembro de 2011, a pintura "Na Universidade" foi lá por € 754,8 mil, tornando-se a obra mais cara da arte contemporânea arte alguma vez vendida neste leilão.
O medalhista de prata, provavelmente, também será chamado facilmente por muitos - é Erik Bulatov, cuja tela "Glória ao KPSS" foi vendida por um valor recorde para o artista no mesmo leilão de Phillips de Pury que "Besouro" de Kabakov.
Mas o terceiro lugar do inconformado Evgeny Chubarov, cujo último trabalho "Sem título" foi para Phillips de Pury por £ 720.000 em junho de 2007, poderia ter sido considerado uma surpresa, se não fosse pelo fato de que alguns meses antes, em fevereiro daquele no mesmo ano Chubarov já fez sucesso na Sotheby's de Londres, em um leilão especializado de arte contemporânea russa, onde sua obra com o mesmo nome (ou melhor, sem ele) foi vendida por £ 288 mil (com o limite superior da estimativa de £ 60 mil), não apenas superando o suposto top do leilão, a pintura "Revolution - Perestroika" de Bulatov (preço de venda de £ 198 mil), mas também se tornando a obra mais cara de um artista russo vivo na época. Aliás, aqui está a ironia das flutuações cambiais: em novembro de 2000, o políptico de Grisha Bruskin foi vendido em Nova York por US$ 424 mil, e depois em libras esterlinas foi de £ 296,7 mil, e em fevereiro de 2007, quando ele instalou seu primeiro registro Chubarov - já apenas £ 216,6 mil.
As obras dos donos do quarto lugar, Vitaly Komar e Alexander Melamid, são lotes frequentes e bastante bem sucedidos de leilões ocidentais, embora suas estimativas raramente ultrapassem £ 100 mil. O segundo trabalho mais caro da dupla é “Yalta Conference. O Julgamento de Paris "- foi vendido na Macdougall's em 2007 por £ 184,4 mil. 1976 na primeira (e muito barulhenta) exposição no exterior de Komar e Melamid na Galeria Ronald Feldman em Nova York.
Seguindo Komar e Melamid, Oleg Vasiliev e Semyon Faibisovich mantêm consistentemente uma barra alta em leilões. Vasiliev foi o terceiro no leilão de Phillips de Pury de 2008, extraordinariamente bem-sucedido, que trouxe recordes para Ilya Kabakov e Erik Bulatov, e Faibisovich foi o quarto. Então a pintura de Vasiliev "Variação sobre o tema da capa da revista" Ogonyok "" em 1980 foi vendida por ₤ 356 mil com uma estimativa de ₤ 120 mil, e "Outro olhar para o Mar Negro" de Faibisovich em 1986 - por £ 300,5 mil com Estimativa de £ 60 a 80 mil. As obras de ambos os artistas costumam trazer somas de seis dígitos em leilões.
É verdade que a glória do leilão para Faibisovich não foi trazida pelo disco "Soldiers", mas pela pintura "Beauty", vendida na Sotheby's em 12 de março de 2008 - este foi o segundo leilão da casa de leilões de arte russa contemporânea, exceto para o leilão de Moscou em 1988. A pintura (seu outro nome - "May Day") foi então por £ 264 mil com uma estimativa de £ 60-80 mil, uma verdadeira batalha se desenrolou entre os compradores por ela. Outra pintura de Faibisovich "Na Rua de Moscou" naquele leilão superou a estimativa duas vezes e foi vendida por £ 126.000. 2011-2012.
Aproximadamente o mesmo pode ser dito sobre Oleg Tselkov, que ocupa o oitavo lugar no top 10. Já há meio século, tendo encontrado o seu próprio estilo e tema, um artista reconhecível e autoritário, abastece regularmente leilões com as suas canecas redondas fluorescentes, que são sempre bem sucedidas. A segunda pintura mais cara de Tselkov "Cinco Faces" foi vendida em junho de 2007 na MacDougall's por £ 223,1 mil, a terceira, "Dois com Besouros" - em novembro do mesmo ano no mesmo leilão (MacDougall sempre colocou em leilão vários diferentes faixas de preço de Tselkovs) por £ 202,4 mil.
Grisha Bruskin tem um papel especial na história dos leilões de arte contemporânea russa desde 1988, a partir do leilão da Sotheby's de Moscou chamado Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, onde seu "Fundamental Lexicon" foi vendido por sensacionais £ 220.000, estimativa 12 vezes maior . Mais ou menos o mesmo, e talvez ainda mais sensacional, aconteceu com o políptico Logia. Parte I "em 2000 na Christie's em Nova York: o políptico saiu por US$ 424 mil, ultrapassando o limite superior da estimativa 21 (!) Vezes - só isso pode ser considerado uma espécie de recorde. Muito provavelmente, essa compra extraordinária se deve principalmente ao significado do nome de Bruskin como o herói do lendário leilão da Sotheby's de Moscou, porque nenhuma outra venda de leilão de Bruskin chega perto desses valores.
O preço de Oscar Rabin não flutua, mas está crescendo de forma constante e muito perceptível, especialmente para obras do período soviético - todas as obras mais caras deste mestre vendidas em leilões foram pintadas no final dos anos 1950 - início dos anos 1970. Este (além de seu registro "Cidade Socialista") "Banhos (Cheire a colônia" Moscou ", 1966, Sotheby's, Nova York, 17 de abril de 2007, $ 336 mil) e" Violino no cemitério "(1969, Macdougall's, Londres, 27 de novembro de 2006, £ 168,46).
Os dez mais fortes são fechados por representantes da geração mais jovem - Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky, cujas pinturas mais caras foram vendidas na Phillips de Pury (a segunda mais cara - "The Last Butterfly", 1997, Phillips de Pury, Nova York, $ 181 mil). Esses artistas, em geral, continuam uma tendência bem visível no ranking das pinturas mais caras de artistas vivos. Falaremos sobre ela um pouco mais abaixo, mas por enquanto, finalmente, aqui está uma lista das obras mais caras de artistas russos vivos.
Top 10 obras de artistas russos vivos
1. Ilya Kabakov (n. 1933). Erro. 1982. Madeira, esmalte. 226,5 x 148,5. Leilão da Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 1,2-1,8 milhão Preço de venda £ 2,93 milhões.
2. Eric Bulatov (n. 1933). Glória ao KPSS. 1975. Óleo sobre tela. 229,5 x 229. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 500-700 mil. Preço de venda £ 1,084 milhão.
3. Evgeny Chubarov (n. 1934). Sem título. 1994. Óleo sobre tela. 300 х 200. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda £ 720 mil.
4. Vitaly Komar (n. 1943) e Alexander Melamid (n. 1945). Encontro de Solzhenitsyn e Belle na dacha de Rostropovich. 1972. Óleo sobre tela, colagem, folha de ouro. 175 x 120. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 23 de abril de 2010. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda £ 657,25 mil.
5. Oleg Vasiliev (n. 1931). Antes do pôr do sol. 1990. Óleo sobre tela. 210 x 165. Leilão Sotheby's, Londres, 12 de março de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda £ 468,5 mil.
6. Semyon Faibisovich (n. 1949). Soldados. Da série "Estações". 1989. Óleo sobre tela. 285,4 x 190,5. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 13 de outubro de 2007. Estimativa de £ 40-60 mil. Preço de venda £ 311,2 mil.
8. Oleg Tselkov (n. 1934). Menino com balões. Lona, óleo. 103,5 x 68,5. Leilão de MacDougall, Londres, 28 de novembro de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda £ 238,4 mil.
9. Oscar Rabin (n. 1928). Cidade e Lua (Cidade Socialista). 1959. Óleo sobre tela. 90 x 109. Leilão Sotheby's, Nova York, 15 de abril de 2008. Estimativa de US$ 120-160 mil. Preço de venda de US$ 337 mil (£ 171,4 na cotação do dólar para a libra esterlina em abril de 2008).
10. Alexander Vinogradov (n. 1963) e Vladimir Dubossarsky (n. 1964). Treinamento noturno. 2004. Óleo sobre tela. 194,9 x 294,3. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 15-20 mil. Preço de venda £ 132 mil.
Sabe-se que os preços dos leilões são uma coisa irracional e não podem ser usados para julgar o verdadeiro papel e importância do artista no processo artístico. Mas por eles e pelos melhores lotes, pode-se julgar grosseiramente as preferências do colecionador. O que eles são? Você não precisa ser um especialista para responder a essa pergunta. Eles são óbvios. Em primeiro lugar, todos os artistas (exceto talvez, exceto Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky) são "clássicos vivos" em anos, e muito respeitáveis. Em segundo lugar, para quase cada um deles, os recordes foram estabelecidos não por obras de anos recentes, mas muito anteriores, ou seja, o padrão “quanto mais antigo melhor” também é relevante aqui. Em terceiro lugar, sem exceção, todas as obras do top 10 são pinturas de cavalete. Quarto, todas essas são pinturas grandes e muito grandes. Mais ou menos "padrão" a esse respeito pode ser considerado apenas "A Cidade e a Lua" de Oscar Rabin e "Menino com Balões" de Oleg Tselkov, todos os demais são grandes em altura (nem mesmo em largura) altura humana. Por fim, para todos esses artistas, de uma forma ou de outra, o tema do passado soviético (em particular, inconformista) é relevante, em muitos casos acentuado em suas obras. Parece que nossos colecionadores sentem uma nostalgia aguda por esse passado soviético (é bem sabido que a arte russa no Ocidente é comprada por colecionadores russos).
Mais jovens do que o resto dos líderes de vendas de leilões, Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky estão um tanto teimosamente tentando romper com dezenas de inconformistas duros, mas isso é apenas à primeira vista. De fato, se você imaginar qual da próxima geração depois de Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkov pode atender melhor aos critérios de compra acima (pinturas de cavalete de tamanhos grandes, repetição de gêneros soviéticos, motivos e estilística), então, provavelmente, estes serão Vinogradov e Dubossarsky, dignos herdeiros dos mestres das décadas anteriores. Pelo menos a julgar pelas vendas do leilão.
