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Olga Makeenko
"Arte decorativa e aplicada como meio de introduzir as crianças na cultura popular"

Introdução

cultura popularé um dos elementos importantes de qualquer nação, pois carrega a experiência das gerações passadas, que evoluiu ao longo dos séculos. cultura popular reflete a vida e as habilidades de nossos ancestrais, que foram refletidas de uma forma ou de outra artes.

Estudo de cultura popular deve fazer parte do currículo obrigatório crianças... Afinal, é desde a infância que se formam hábitos e habilidades nas pessoas. Para que o conceito de mundo se desenvolva corretamente, cerca de arteé necessário desde os primeiros anos formar na mente das crianças sobre o mundo ao seu redor, bem como falar sobre a história tanto do país como um todo quanto da região em que vive. As crianças são a nossa continuação, o futuro da família e da cidade, do país e do mundo como um todo depende de como as educamos.

"Guias" neste caso, os pais, assim como os professores, falarão. Os futuros professores de escolas pedagógicas, responsáveis ​​de jardins de infância e metodologistas da educação pré-escolar precisam conhecer os métodos e técnicas básicas de liderança em várias atividades crianças idade pré-escolar. Dentre desses tipos de atividade, um grande lugar é ocupado pelas artes visuais.

A cultura popular é a cultura tradicional que inclui camadas culturais de diferentes épocas, desde a antiguidade até o presente, cujo tema é pessoas cultural conexões e mecanismos da vida. Tal cultura não escritaé por isso que a tradição é de grande importância nele como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade.

Existem várias maneiras pelas quais o aprendizado é possível. filhos da cultura popular... Estes incluem literatura, cinema e contos de fadas. Você pode incluir pinturas e jogos e muito, muito mais.

Neste artigo, considere artes e ofícios como um meio de introduzir as crianças à cultura popular... Para atingir este objetivo, será necessário, antes de tudo, considerar os conceitos básicos deste tópico. Este conceito, suas principais direções e tipos; conceito cultura popular; e meios de introduzir as crianças à cultura popular.

Representa uma seção Artes decorativas, que abrange vários ramos da criatividade, dedicados à criação de produtos artísticos e destinados principalmente ao quotidiano. Funciona artes e ofícios podem ser: utensílios diversos, móveis, armas, tecidos, ferramentas, bem como outros produtos que não sejam obras de sua finalidade original artes, mas adquirir qualidade artística devido à aplicação do trabalho do artista a eles; roupas e todo tipo de decoração.

Desde a segunda metade do século XIX, a classificação das indústrias foi estabelecida na literatura científica. Artes e Ofícios:

1. Dependendo do material usado (cerâmica, metal, têxteis, madeira);

2. Dependendo da técnica de execução (escultura, impressão, fundição, perseguição, bordado, pintura, intarsia).

A classificação proposta está associada ao importante papel do princípio construtivo e tecnológico na artes e ofícios e sua imediata comunicação com a produção.

Pertence simultaneamente às esferas de criação de valores materiais e espirituais. Obras de arte Artes e Ofícios inseparável do material cultura sua época contemporânea, estão intimamente ligados com a vida cotidiana correspondente, com uma ou outra de suas características étnicas e nacionais locais, diferenças de grupos sociais e classes.

Obras de arte Artes e Ofícios constituem uma parte orgânica do sujeito quarta-feira, com o qual uma pessoa entra em contato todos os dias, e com seus méritos estéticos, imagens, caráter afetam constantemente o estado de espírito de uma pessoa, seu humor, são uma importante fonte de emoções que afetam sua atitude em relação ao mundo ao seu redor. Obras de arte Artes e Ofícios saturar e transformar esteticamente quarta-feira que cercam uma pessoa e, ao mesmo tempo, como se fossem absorvidos por ela, uma vez que geralmente são percebidos em conexão com sua solução arquitetônica e espacial, com outros objetos ou seus complexos nele incluídos (conjunto de móveis ou serviço, terno ou conjunto de joias)... Nesse sentido, o significado ideológico das obras Artes e Ofícios pode ser entendido mais plenamente apenas com uma ideia real dessas inter-relações de um objeto com meio ambiente e humanos.

Artes decorativas e aplicadas surgiu nos primeiros estágios do desenvolvimento da sociedade humana, e por muitos séculos tem sido o mais importante, e para várias tribos e nacionalidades principal área de criação artística.

Segundo outra fonte, Artes e Ofícios- trata-se da criação de produtos de arte com finalidade prática (utensílios domésticos, pratos, tecidos, brinquedos, joias, etc., além de processamento artístico de objetos antigos (móveis, roupas, armas, etc.)... Também, como na notação anterior, pelos mestres Artes e Ofícios uma grande variedade de materiais é usada - metal (prata, ouro, platina, bronze, bem como várias ligas, madeira, argila, vidro, pedra, têxteis (naturais e tecido artificial) e etc

A fabricação de produtos de barro é chamada de cerâmica, de pedras e metais preciosos - joias arte... No processo de criação de obras de arte em metal, são utilizadas técnicas de fundição, forjamento, relevo e gravura; os têxteis são decorados com bordados ou estampados (uma placa de madeira ou cobre coberta com tinta é colocada sobre o tecido e batida com um martelo especial, obtendo uma impressão); objetos de madeira - entalhes, embutidos e pinturas coloridas. A pintura em cerâmica é chamada de pintura de vaso.

Os produtos artísticos estão intimamente relacionados com a vida quotidiana e os costumes de uma determinada época, as pessoas ou grupo social (nobres, camponeses, etc.)... Já os artesãos primitivos decoravam pratos com padrões e entalhes, faziam decorações primitivas com presas de animais, conchas e pedras. Esses objetos incorporavam as ideias dos povos antigos sobre beleza, sobre a estrutura do mundo e sobre o lugar do homem nele.

Tradições antigas artes continuam a aparecer no folclore e nos produtos artesanato popular.

Assim, com base no exposto, anotaremos os pontos principais. Então o termo Artes e Ofícios convencionalmente une dois amplos gêneros artes: decorativo e aplicado... Ao contrário das obras de graciosa artes destinado ao gozo estético e relacionado ao puro arte, inúmeras manifestações decorativamente-criatividade aplicada principalmente tem uso prático na vida cotidiana. Esta é uma característica distintiva desta espécie. artes.

Obras de arte Artes e Ofícios tem certeza características: qualidade estética, projetada para efeito artístico e usada para decorar a vida cotidiana e o interior.

Tipos artes decorativas e artesanato: costura, tricô, queima, tecelagem de tapetes, tecelagem, bordado, processamento artístico de couro, patchwork (costura de remendos, talha artística, desenho, etc.) Por sua vez, deve-se notar que alguns tipos Artes e Ofícios sujeitos à sua própria classificação. Por exemplo, a queima é o desenho de um padrão na superfície de algum material orgânico usando uma agulha em brasa, e acontece: queima em madeira, queima em tecido (guilloche, aplicação por queima com aparelho especial, estampagem a quente.

2. cultura popular

Anteriormente, uma definição do conceito já havia sido fornecida cultura popular... Eu repito, cultura popular é cultura tradicional que inclui cultural camadas de diferentes épocas - desde os tempos antigos até o presente, cujo tema é pessoas- uma personalidade coletiva, que significa a unificação de todos os indivíduos do coletivo em uma comunidade cultural conexões e mecanismos da vida. Isto cultura não escrita, e por isso a tradição é de grande importância nele, como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade. Esta definição é bastante ampla, mas não a única. Vamos recorrer a outras fontes.

Debaixo cultura compreender a atividade humana em suas várias manifestações, incluindo todas as formas e métodos de autoexpressão e autoconhecimento humano, o acúmulo de habilidades e habilidades por uma pessoa e pela sociedade como um todo. A culturaé um conjunto de formas estáveis ​​de atividade humana, sem as quais não pode se reproduzir e, portanto, - existir. A cultura é um conjunto de códigos, que prescrevem um determinado comportamento a uma pessoa com suas experiências e pensamentos inerentes, exercendo assim uma influência gerencial sobre ela. Fonte de origem cultura atividade humana é pensada.

Conceito " pessoas"nos idiomas russo e europeu é a população, a totalidade dos indivíduos. Além disso, pessoasé entendida como uma comunidade de pessoas que se perceberam como uma comunidade étnica ou territorial, uma classe social, um grupo que às vezes representa toda a sociedade, por exemplo, em algum momento histórico decisivo (guerras de libertação nacional, revoluções, restauração do país , e assim por diante, possuindo (em geral) crenças, ideias ou ideais.

Esta comunidade é sujeito e portador de uma especial cultura, excelente por sua visão de mundo, formas de incorporação em várias formas de folclore e direções próximas ao folclore prática cultural, que muitas vezes remonta à antiguidade. No passado distante, seu portador era toda a comunidade (clã, tribo, mais tarde etnia (pessoas) .

No passado, cultura popular determinou e consolidou todos os aspectos da vida, costumes, rituais, regulou o relacionamento dos membros da comunidade, o tipo de família, a educação crianças, a natureza da habitação, as formas de desenvolvimento do espaço envolvente, o tipo de vestuário, a atitude perante a natureza, o mundo, as lendas, as crenças, a linguagem, a criatividade artística. Em outras palavras, determinava quando semear e colher, expulsar o gado, como construir relacionamentos na família, na comunidade e assim por diante. Atualmente, durante o período de complicação das relações sociais, surgiram muitos grandes e pequenos grupos sociais do tipo formal e informal, houve uma estratificação das relações sociais e sociais. prática cultural, cultura popular tornou-se um dos elementos da moderna multicamada cultura.

V a criatividade da cultura popular é anônima, uma vez que a autoria pessoal não é reconhecida, e o estabelecimento de metas para seguir o padrão adotado pelas gerações anteriores invariavelmente domina. Toda a comunidade, por assim dizer, "possui" esta amostra, e o indivíduo (contador de histórias, mestre artesão, até mesmo um hábil, percebendo amostras herdadas de ancestrais, padrões, identifica-se com a comunidade, percebe seu pertencimento a locus de cultura, etnos, subetnos.

Manifestações cultura popularÉ uma identificação de si mesmo com o seu próprio as pessoas, suas tradições em estereótipos de comportamento e ação social, ideias cotidianas, escolha cultural padrões e normas sociais, orientações para certas formas de lazer, prática artística e criativa amadora.

Uma qualidade importante cultura popular em todos os períodos é tradição. A tradição determina seu conteúdo normativo e semântico de valor cultura popular, mecanismos sociais de sua transmissão, herança em direto comunicação face a face, de mestre para aluno, de geração para geração.

Desta maneira, cultura popular é cultura criado ao longo de milênios, pela seleção natural, por criadores anônimos - pessoas do trabalho, representantes as pessoas que não possuem educação especial e profissional. A cultura popular é: religioso (cristão, moral, doméstico, trabalho, saúde, jogo, entretenimento subsistemas culturais... Isto a cultura registrada no folclore, artesanato popular, existe nos costumes e no modo de vida, na decoração da casa, na dança, na música, no vestuário, na natureza da nutrição e da educação crianças(pedagogia popular) .cultura popularé a base nacional cultura, pedagogia, caráter, autoconsciência. Apresentando as crianças às origens da cultura popular significa preservar as tradições as pessoas, a continuidade das gerações, o crescimento de seu espírito.

3. Meios de introduzir as crianças à cultura popular.

Devido às peculiaridades da idade, por iniciação a criança precisa de uma abordagem especial para qualquer uma das habilidades. Basicamente, o jogo é usado para isso, pois é mais interessante para as crianças. No processo de brincar, as crianças se interessam pelo assunto, o que lhes permite revelar os elementos mais significativos sem impô-los à criança, mas de forma fácil e não forçada. Os jogos são escolhidos levando em consideração que eles carregam informações úteis sobre cultura do povo, no território em que vive, ou aquele que precisa ser contado. Durante o jogo, eles contam as características nacionalidades, eles também podem ser estabelecidos nas regras. Por exemplo, você pode organizar um jogo concorrência: quem notará mais detalhes, quem listará cores, sombras ou objetos mais familiares na imagem e assim por diante. Tal jogo estimula sua atividade cognitiva, desenvolve a observação nas crianças, ensina-as a formular e expressar seus pensamentos.

Além de brincar, é possível usar desenho, pintura. A pintura de paisagem é um dos gêneros mais líricos e emocionais da arte. artes, este é o estágio mais alto do desenvolvimento artístico da natureza, que recria sua beleza com inspiração e imagens. Este gênero promove o desenvolvimento emocional e estético crianças, promove uma atitude gentil e respeitosa com a natureza, sua beleza, desperta um sentimento sincero de amor por sua terra, sua história. A pintura de paisagem desenvolve a imaginação e o pensamento associativo da criança, a esfera sensual, emocional, profundidade, consciência e versatilidade da percepção da natureza e sua imagem em obras artes, a capacidade de empatia com a imagem artística da paisagem, a capacidade de correlacionar seu humor com o seu.

Identificando habilidades em crianças e seu correto desenvolvimento é uma das tarefas pedagógicas mais importantes. E deve ser decidido levando em consideração a idade crianças, desenvolvimento psicofísico, condições de criação e outros fatores. Desenvolvimento de habilidades em crianças às artes plásticas só então dará frutos quando o ensino do desenho for realizado pelo professor de forma sistemática e sistemática. Caso contrário, esse desenvolvimento ocorrerá de forma aleatória e as habilidades visuais da criança podem permanecer em estado embrionário.

As crianças adoram experimentar coisas novas. É importante não estragar a atitude da criança em relação à criatividade, pois isso pode afetar sua vida futura. É necessário permitir que ele revele suas capacidades e não repreendê-lo se algo não der certo. Afinal, as pessoas foram estabelecidas desde a infância preferências: alguém que gosta de desenhar, alguém se encontra na música, outros se tornarão humanitários. Com isso em mente, é necessário usar métodos diferentes no ensino. crianças para que eles mesmos determinem por si mesmos o que gostam, caso contrário, no futuro, na escolha de uma profissão, fatores impostos de fora serão decisivos, e não o que é realmente interessante e o que vale a pena dedicar suas vidas. Domine o valor total fundos e os métodos de representação que compõem a alfabetização figurativa, a criança não pode. O conhecimento do professor sobre as características da expressão meios de cada arte ajuda a estabelecer, quais delas podem ser realizadas e dominadas pela criança e quais são inacessíveis a ela.

Assim, o principal objetivo do desenvolvimento da educação pré-escolar é a formação da personalidade da criança, o desenvolvimento de suas habilidades criativas. Nas aulas com crianças, a principal tarefa do professor é chamar sua atenção para a imagem, escultura ou outro trabalho e guarde-o. As crianças estão mais dispostas a se interessar por imagens, se o professor conseguir despertar a imaginação delas, para incluir as crianças no jogo. Por exemplo, você pode pedir que eles se imaginem no lugar dos heróis da imagem, para discutir o que cada um deles faria no lugar do personagem retratado, quais emoções experimentaram, com que palavras descreveriam seu estado. Em geral, faça com que a criança fale sobre si mesma na situação descrita.

Conclusão

Apresentando as crianças às artes e ofíciosé um conhecimento de utensílios domésticos tradicionais. As crianças aprendem como e para que esta ou aquela coisa foi usada, tentam usá-la sozinhas. Além disso, as crianças são encorajadas a considerar padrões decorativos, explica o significado simbólico de elementos individuais do ornamento. É importante chamar a atenção da criança para a repetição de padrões e elementos individuais em diferentes objetos e dizer quais formas tradicionais de decorar as coisas são inerentes a diferentes regiões da Rússia.

Nas aulas dedicadas ao ensino tradicional artesanato popular, as crianças aprendem os princípios básicos da construção de um ornamento, aprendem a executar corretamente elementos repetitivos. Amostras para modelagem e pintura infantil podem ser pratos tradicionais, brinquedos e outros utensílios domésticos.

Em ordem de apresentando as crianças à arte são utilizadas atividades cognitivas e criativas, o que implica visitar uma variedade de exposições de pinturas, esculturas, arte popular e assim por diante... Podem ser organizadas visitas guiadas, mas destinam-se crianças maiores de cinco anos. As exposições, cuja visualização é acompanhada das explicações do guia, reforçam os conhecimentos e as habilidades adquiridas em sala de aula sobre educação estética.

Artes decorativas e aplicadas está intimamente relacionado com cultura popular... Esse tipo a arte incorpora a cultura popular... Através da artes e ofícios podem explorar a cultura popular.

Artes decorativas e aplicadas contém uma grande quantidade de informações úteis para crianças no processo de estudar a história de seu próprio país, nação ou comunidade. Quão um meio de familiarizar-se com as artes e ofícios da cultura popularé um dos mais eficazes e interessantes.

DPI é a arte mais antiga. Originou-se em tempos primitivos. Inclui: móveis, utensílios, roupas - o mundo de coisas que uma pessoa usa na vida cotidiana. DPI cria um ambiente em que as pessoas vivem, decora a vida cotidiana, ajuda a tornar a vida mais atraente e festiva. Mas o mais importante é que essa arte organiza a comunicação entre as pessoas, constrói seus relacionamentos.

O DPI é enorme e diversificado, como o mundo ao nosso redor. Cada nação desenvolveu suas próprias formas de objetos, ornamentos, imagens e motivos, combinações de cores. Na criação dos objetos, foram utilizados diversos materiais: argila, pedra, tecido, metal e, posteriormente, vidro.

A arte decorativa tem uma linguagem figurativa muito especial. Dominá-lo permite ver e compreender a beleza especial do objeto, sua decoração, pensar no significado que ele expressa.

A linguagem figurativa do DPI é caracterizada pela generalização e planicidade das imagens, convenção artística, ornamentação. Aqui, os meios artísticos são usados ​​de forma diferente: forma, volume, linha, ritmo, cor, textura. Todos os motivos naturais - pássaros, flores, plantas, animais, pessoas, etc. - na arte decorativa eles parecem diferentes da realidade. Eles são sempre transformados pela fantasia do artista em uma imagem expressiva generalizada sem pequenos detalhes e detalhes.

Para entender o conceito de DPI, você precisa, antes de tudo, encontrar a principal diferença entre DPI e outras áreas da atividade criativa humana. Compositores, escritores, pintores, criando suas obras, transmitem o conteúdo principal em imagens artísticas concretamente sensuais que nascem a partir de observações da vida. O compositor transmite sua ideia de mundo, sentimentos e pensamentos que o excitavam com a ajuda de sons; o escritor - em palavras, o pintor - com tintas sobre tela.

Um artista pode expressar em seu trabalho o que achou significativo e interessante. Portanto, pintura, grafismo, escultura são atribuídos ao campo das artes plásticas. A imagem artística nele é construída com base na representação da realidade. O criador de obras de DPI está privado desta oportunidade. Ele não retrata o que viu na vida, mas cria objetos que ninguém mais viu. Esta é a diferença essencial entre a arte aplicada e outras áreas da criação artística.

A natureza do DPI não é pictórica. A arte aplicada se desenvolve de acordo com certas regras e tem seus próprios princípios para a construção de uma imagem artística. Esses princípios foram desenvolvidos por milênios, porque O DPI é um dos mais antigos (suas origens remontam à era do Paleolítico Superior nos milênios 40-20 aC)

Princípios do DPI:

1. conveniência ou utilidade. O artista aplicado se depara com a tarefa de criar objetos que seriam convenientes de usar.
2. arte, beleza das coisas. Apenas móveis, utensílios e roupas artisticamente executados podem ser atribuídos ao campo da arte. A marca registrada da arte em um item doméstico é a combinação de propósito e beleza. Essa união está na forma de um objeto e no material certo para isso.

Artistas de artes aplicadas sempre apreciaram o material e tentaram mostrar seu potencial decorativo. Nunca falsificou para parecer uma jóia ou ouro. O DPI é também um meio de expressão estética das relações sociais, dos ideais de uma determinada classe. A rica história dessa forma de arte permite traçar seu caráter de classe.

Escavações feitas pelo cientista inglês Carter no Vale dos Reis no Egito em 1922. Eles forneceram muitos materiais interessantes sobre a vida, ideologia e arte do Egito no século XIV. BC. O cientista descobriu o túmulo do faraó Tutancâmon, não saqueado por ladrões e preservado em sua forma original.

A expedição encontrou peças feitas de ouro, ossos, vidro, adornadas com pedras preciosas e distinguidas pelo alto mérito artístico. A maioria dos itens retrata Tutancâmon. A natureza das imagens é interessante. Quase todo o plano é ocupado pela figura do faraó, e nas laterais em várias camadas estão figuras de guerreiros e escravos. Isso enfatizou a superioridade do faraó sobre aqueles ao seu redor.

Um exemplo não menos marcante de orientação de classe pode ser o DPI do período do feudalismo e a formação de estados absolutistas. A nobreza e a igreja precisavam de arte que pudesse convencer os súditos da riqueza e do poder do rei.

Na Rússia, a vida da corte russa foi distinguida pelo luxo especial durante o reinado de Elizabeth Petrovna e Catarina II. Residências de campo, Tsarskoe Selo e Peterhof surpreendem pelo esplendor e esplendor da decoração e são os verdadeiros tesouros do DPI.

Os criadores de todo esse esplendor foram os maravilhosos mestres russos de São Petersburgo, Moscou e outras cidades da Rússia. A comunidade de artistas de diferentes profissões e artistas mestres foi frutífera para as artes e ofícios russos dos séculos XVIII e segunda metade do século XIX. Esta foi a época do maior florescimento de todos os tipos de artes aplicadas.

Durante o desenvolvimento do capitalismo, a nova classe dominante, a burguesia, tendo emprestado formas puramente externas de influência sobre as massas, pompa, esqueceu o conjunto, sua lógica interna e beleza. As coisas mais caras e únicas estavam nas mansões, mas não representam o conjunto, pois o princípio da beleza e conveniência é violado. O mau gosto que impregnava as ricas mansões da burguesia se espalhava por toda parte. O desejo de criar esplendor externo leva à falsificação. No período do capitalismo, os materiais deixam de ser apreciados.

No final do século XIX. a porcelana é falsificada para parecer malaquita, metal comum - como ouro, vidro - como pedras preciosas. Tendo deslocado a produção manual, a indústria não podia dar em troca de coisas verdadeiramente belas e, no final do século XIX, o DPI da Europa Ocidental e da Rússia está em profunda crise. O mercado estava inundado de itens pensados ​​para o menor gosto, a natureza da produção industrial de utensílios domésticos, móveis, roupas exigia o pensamento criativo de artistas capazes de criar obras genuínas de DPI com grande replicação das coisas. Essa tarefa deveria ser resolvida pelos artistas do século XX.

Os itens DPI podem ser divididos em dois grupos relativamente independentes sem limites estritamente delineados entre eles:

1. Utensílios domésticos, como móveis, utensílios, roupas. O princípio artístico aqui está diretamente relacionado à conveniência e expressividade da forma do objeto.
2. Objetos de finalidade predominantemente decorativa, permitindo um uso muito mais amplo e livre dos meios composicionais.

Mosaicos, painéis, tapeçarias, plafonds, estátuas decorativas que vivem no ambiente arquitetônico, mas também podem ser consideradas obras de arte independentes, são intermediárias entre as formas decorativas e aplicadas e de cavalete.

As características da composição do DPI se devem em grande parte às capacidades técnicas e artísticas material.

Árvore desde os tempos antigos tem sido usado em DPI, mas entrou na vida humana principalmente como material de construção.

A madeira tem propriedades incríveis. A madeira pode ser cortada, serrada, cortada, aplainada, perfurada, usinada, colada, prensada, cozida no vapor. A elasticidade e resistência da árvore seguram bem os pregos e parafusos. O revestimento com óleos e vernizes de secagem torna-o à prova de água.

Na construção da cabana camponesa do norte, as propriedades mecânicas da madeira são combinadas com seu design decorativo. Não há um único detalhe no projeto que não seja compreendido do ponto de vista artístico. Para proteger contra a umidade, as extremidades das encostas que carregam o telhado são cobertas com uma caverna, que desempenha uma dupla função - utilitária e estética (escultura). Os suportes de madeira que suportam a saliência da cobertura sobre o frontão têm uma forma estruturalmente lógica de uma silhueta elástica, revelando o peso da carga suportada.

A peculiaridade do desenho composicional e artístico do objeto através do seu desenho e material manifesta-se claramente no mobiliário.

Na solução construtiva e decorativa de produtos de madeira são utilizadas diversas técnicas composicionais. Por exemplo, a composição de uma pintura ou entalhe em uma porta de armário costuma ser simétrica com centro e periferia bem definidos. Em objetos feitos de uma única peça de madeira, a composição da pintura ou do entalhe raso pode enfatizar a integridade da forma, a conexão entre design e decoração.

Textura, cor, textura - essas propriedades da madeira podem ser chamadas de totalmente artísticas, o que significa que afetam a decisão composicional. Ao mesmo tempo, as qualidades artísticas de uma árvore associadas à sua origem natural dependem em grande parte da natureza do corte. Assim, cortar até o centro da crista ao longo do raio ou diâmetro dá um padrão calmo de camadas anuais. O corte do acorde revela uma configuração de textura mais complexa. Padrões completamente inesperados formam cortes de um e meio e finais.

O padrão de grão e a cor da madeira podem ser aprimorados ou enfraquecidos com uma variedade de manchas, corantes, lacas e outros acabamentos.

A composição da escultura decorativa deve encaixar-se inteiramente em uma peça de madeira natural, sem colar detalhes que violem o padrão rítmico dos anéis anuais. A lei da integridade está em ação na escultura decorativa.

Cerâmica permite que você descarte mais livremente a modelagem, trabalhe a forma com mais detalhes, expresse movimentos mais ativamente. Os padrões de composição em plástico cerâmico são os mesmos da escultura decorativa feita em outros materiais.

O processamento artístico do osso requer uma composição lacônica, na qual contrastam grandes massas plasticamente generalizadas e detalhes característicos finamente trabalhados. Esta combinação confere à arte óssea uma silhueta decorativa muito bonita.

No processamento artístico ossosé considerado irracional reduzir fortemente os elementos da composição. Isto é devido a uma violação da clareza de percepção do retratado. O relevo em produtos ósseos é construído desde o primeiro plano, deitado na superfície, até os mais profundos.

Não é recomendado fazer grandes furos na escultura óssea a céu aberto, pois violam a estrutura geral da composição, desmembram a composição e contradizem a lei da integridade. Uma imagem moderadamente lacônica feita de osso ou sobre osso deve aumentar a expressividade da imagem.

O metal, o material mais rico em suas propriedades técnicas e qualidades artísticas, tem sido usado há muito tempo na joalheria, na fabricação de todos os tipos de utensílios domésticos, armas, detalhes arquitetônicos e decorativos, nas artes e ofícios. O metal pode ser forjado, cunhado, puxado em fios e uma estrutura a céu aberto se dobra a partir dele. Uma valiosa qualidade artística do metal, como a madeira, é sua cor. Ao criar obras de artes decorativas, o metal geralmente aparece em combinação com esmalte, pedras preciosas e semipreciosas coloridas, vidro, madeira etc.

No processamento artístico do metal, opera a principal regularidade das artes decorativas - a coerência do estético com o utilitário.

Arte vidro, sendo um dos tipos de DPI, decorre da natureza funcional do produto e das propriedades deste material frágil. A renovação radical das formas composicionais não é uma ocorrência frequente na arte do vidro. E isso se deve à complexidade da tecnologia de produção de vidro.

A pintura em miniatura em papel machê e a pintura em metal dão ao artista muito mais liberdade no campo da criatividade composicional. Qualquer conteúdo está disponível para esses tipos de arte: assuntos históricos e cotidianos, um conto de fadas, um épico, uma paisagem, um retrato. Naturalmente, a pintura em miniatura se baseia nas leis da composição, comuns às artes plásticas.

O artista miniaturista deve sempre levar em conta a forma do objeto, sua finalidade e, em conexão com isso, compor a miniatura e a ornamentação dentro da superfície dada. A partir das peculiaridades da forma do objeto pintado, são utilizados métodos específicos de composição, que consistem em permitir alguns desvios das regras estritas da perspectiva linear e aérea: planos espaciais se aproximam, figuras e objetos se localizam principalmente ao longo do superfície, obedecendo a ritmos ornamentais; comparações contrastantes de cores locais realçam o som das cores; todos os elementos de uma miniatura, via de regra, são generalizados de acordo com a silhueta, observando-se a medida dessa generalização, que confere integridade à composição.

V miniatura Fedoskino o papel principal é desempenhado pelo enredo e pela objetividade de sua expressão. As composições são dominadas por uma compreensão volumétrica e plástica da forma, próxima da pintura de cavalete realista. Os artesãos de Fedoskino inscrevem a miniatura na profundidade negra aveludada e, ao mesmo tempo, introduzem a cor preta da superfície laqueada da própria caixa no quadro do campo pictórico.

miniatura de Palekh ele é construído como que espalhando partes separadas da composição na superfície preta de um produto de papel machê. No entanto, a lei da integridade é preservada ao mesmo tempo: há uma conexão semântica, lógica que une vários momentos de um evento ou uma série de ações em diferentes momentos em uma composição. Assim, o movimento da vida no tempo é imitado. Os mestres Palekh são capazes de mostrar movimento através de gestos dinâmicos e poses de personagens. Ao mesmo tempo, a combinação contrastante de cores brilhantes é acentuada por destaques dourados e prateados, "lacunas" e "slides", enfatizando com traços abruptos as partes mais claras e salientes do objeto retratado.

miniatura de Msterskaya pelo contrário, é um painel composicionalmente integral que retrata uma paisagem multifacetada contra a qual os eventos se desenrolam. O painel, como se estivesse montado na tampa do produto, é emoldurado por uma faixa de ornamento dourado.

A estrutura composicional da pintura em miniatura Kholuya a cor preta da caixa é introduzida, como em Palekh. Mas os mestres de Kholui não usam o conhecido lenço de ouro Paleshan na imagem do assunto. Na miniatura de Kholui, um grande lugar é ocupado por uma paisagem, interpretada de forma mais decorativa, com contrastes de luz e sombra.

Pintura com pincel Zhostovo em bandejas de metal lacadas com a imagem de buquês de flores, coroas, guirlandas tem formas estáveis ​​de composição, em sua própria linguagem artística original. A composição da pintura de Zhostovo é um motivo que se encaixa em um formato específico de bandeja (retangular, oval, redondo). Quando o motivo pictórico é desenvolvido, o artista desenha contornos gerais na superfície preta da bandeja com giz, tentando evitar a repetição de linhas, formas, tamanhos. Pensando na composição, o mestre da pintura resolve uma série de questões relacionadas a contrastes de cores, a silhueta de um buquê de flores com folhas, o ritmo dos elementos, a proporção da imagem e o fundo, formas grandes e pequenas.

A integridade da composição das bandejas Zhostovo é alcançada determinando o eixo central da imagem, bem como girando a bandeja durante o processo de pintura.

Uma característica da composição da pintura de Zhostovo é também a presença de um ornamento de espinha de peixe a céu aberto que acompanha a lateral da bandeja. Esse elemento completa a decoração da bandeja e une a composição.

Recursos de composição bordado e renda como os tipos de artes e ofícios estão associados principalmente aos meios materiais e técnicos da concretização da intenção do artista. Os fios, assim como os tecidos, podem ser de linho, algodão, lã e seda, com a adição de materiais sintéticos; o bordado também usa fios de ouro e prata, pedras preciosas, miçangas, cornetas, etc. todos esses materiais têm sua própria estrutura.

A natureza do padrão e toda a composição dependem da estrutura do tecido no bordado, na renda - na qualidade dos fios e, se a renda for aplicada ao tecido, na estrutura e na qualidade do tecido. Ponto de cruz, ponto de cetim, casa de botão, pedúnculo, costura a céu aberto e suas combinações são generalizadas.

Tapetes e tecidos estampados decorativos(pano estampado) também têm ricas tradições.

A composição do padrão em tapetes depende da estrutura da urdidura e dos fios, bem como do formato (como bordados). O layout do salto é menos dependente da estrutura do tecido e do seu tamanho, portanto, aqui a composição pode incluir um arranjo livre de elementos multicoloridos e ainda permite transbordamentos suaves de uma cor ou tom para outro, assim a composição do calcanhar expande suas capacidades por meio de luz e sombra.

A composição do padrão para impressão em tecido pode ser com centro pronunciado, com padrão construído em círculo, em quadrado, com rapport, ou seja, repetição múltipla do elemento ornamental ao longo de toda a largura e comprimento do tecido. Mas em todos os casos, a composição deve trazer todos os elementos decorativos para a unidade, evitando cores ruidosamente coloridas e que soem discordantes.

Tópicos abstratos:

1. pintura Ural-Siberiana
2. pintura de Gorodets
3. pintura de Khokhloma
4. Gzhel
5. brinquedo Dymkovo
6. Cerâmica
7. Fio. brinquedo Bogorodskaya
8. Forjamento. Perseguindo. Fundição
9. Tecelagem
10. mosaico
11. A história do traje.

ARTES DECORATIVAS E APLICADAS, uma forma de arte, criando produtos que combinam funções artísticas e utilitárias. As obras de arte decorativa e aplicada estão associadas às necessidades cotidianas das pessoas, constituem parte integrante do ambiente humano. A base e fonte das artes e ofícios é a arte popular. A esfera das artes e ofícios inclui produtos de artes e ofícios tradicionais, indústria de arte e arte profissional de direitos autorais. O termo "arte aplicada" originou-se no século XVIII na Inglaterra e foi aplicado principalmente à criação de utensílios domésticos (pintura de pratos, tecidos, decoração de armas). No século 20, na história da arte russa, o termo "arte decorativa e aplicada" foi estabelecido como uma designação para a seção de artes decorativas, que também incluía artes teatrais e decorativas e design.

Uma característica específica das obras de arte decorativa e aplicada é a ligação inextricável entre o utilitário e o artístico, a unidade de benefício e beleza, função e decoração. A utilidade permite classificar as obras de arte decorativa e aplicada de acordo com sua finalidade prática (ferramentas, móveis, louças etc.); a função de um objeto determina claramente seu esquema construtivo. A qualidade que confere ao objeto de arte decorativa e aplicada o status de obra de arte é a decoratividade. É realizado não apenas na decoração do objeto com quaisquer detalhes particulares (decor), mas também em sua estrutura geral composicional e plástica. A decoração tem sua própria expressividade emocional, ritmo, proporções; ele é capaz de mudar de forma. A decoração pode ser escultórica e relevada, pintada pictoricamente, esculpida graficamente (ver também Gravura); ele usa tanto ornamentos (incluindo inscrições decorativas - hieróglifos, caligrafia, escrita eslava, etc., revelando o significado das imagens), quanto vários elementos e motivos pictóricos ("árvore do mundo", pássaros e animais, plantas etc.) com um certo sistema decorativo e estilístico (ver também Bucranius, Griffin, Rose, Sphinx). No sistema lamelar das artes e ofícios, existe a possibilidade de usar a chamada forma pura como antítese de qualquer decoração: ela pode se manifestar na beleza intrínseca do material, revelando suas qualidades estruturais, plásticas, de cor, harmonia de proporções, graça de silhueta e contornos.

Navio. Cerâmica pintada. 3º milênio aC. Yangshao (China). Museu de Artes Decorativas e Aplicadas (Viena).

Outra característica fundamental das artes e ofícios é o sintético, que implica a combinação de vários tipos de criatividade (pintura, grafismo, escultura) e diferentes materiais em uma obra. De natureza sintética, uma obra de arte decorativa e aplicada está muitas vezes envolvida na síntese de artes, num conjunto de objetos artísticos, podendo depender da arquitetura (móveis, escultura decorativa, painéis, tapeçaria, tapete, etc.). Como resultado dessa dependência, a arte decorativa e aplicada em todas as épocas acompanhou de forma sensível e visual as mudanças nos estilos e as mudanças na moda.

Nas artes e ofícios, a imagem de uma coisa é determinada pela relação entre sua forma estética e finalidade funcional. Por um lado, há o conceito de natureza utilitária e não pictórica das artes e ofícios como “fazer coisas”: uma tarefa puramente prática não implica a criação de uma imagem de pleno direito (por exemplo, o objetivo da cerâmica ou cestaria não é uma imagem das coisas, mas a criação da própria coisa). No entanto, outros exemplos (cerâmicas antropomórficas, etc.), que carregam um princípio mimético, permitem-nos falar da imagem como a tarefa primordial da criatividade nas artes e ofícios, que se manifesta principalmente em associações e analogias (a forma de um objeto pode assemelhar-se a um botão de flor, gota, figura humana ou animal, onda do mar, etc.). O dualismo das tarefas estéticas e funcionais determina a especificidade figurativa das artes e ofícios (limitando a concretude das imagens, a tendência a rejeitar o claro-escuro e a perspectiva, o uso de cores locais, a planicidade das imagens e silhuetas).

A arte decorativa e aplicada como tipo de atividade artística está associada ao trabalho manual do mestre, que surgiu como um ramo independente de produção. Uma maior divisão social do trabalho leva à substituição da produção artesanal pela produção mecanizada (manufaturas, fábricas, fábricas); design funcional e decoração tornam-se o trabalho de diferentes especialistas. É assim que surge a indústria da arte, onde os métodos de "arte aplicada" encontram seu lugar - decoração de produtos com pintura, escultura, incrustação, relevo, etc.

A questão da relação entre trabalho manual e mecânico no fabrico de artes decorativas e aplicadas foi especialmente aguda na 2ª metade do século XIX, no contexto do problema da "despersonalização" (nas palavras de W. Morris) de a produção de artesanatos artísticos e teorias de uso limitado popular nesta época máquinas como pré-requisito para o renascimento das tradições nacionais. Contrastando arte popular e produção em massa, Morris ao mesmo tempo sugere caminhos de sua síntese, permitindo criar um novo tipo de arte e artesanato. O design, que desde meados do século XIX se tornou um novo tipo de atividade artística no campo da produção industrial (em massa), limitava as artes e ofícios principalmente à criação de pequenas séries de artesanato (ver também Manufacturing Art).

Tipologia... Cada área de artes e ofícios tem uma grande variedade de formas; sua evolução está diretamente relacionada ao desenvolvimento de tecnologias, com a descoberta de novos materiais, com uma mudança nas ideias estéticas e na moda. As obras de arte decorativa e aplicada diferem em sua finalidade funcional, em sua forma e material.

Um dos tipos mais antigos de artes e ofícios é a louça. Suas formas variavam de acordo com o material (madeira, metal, barro, porcelana, cerâmica, vidro, plástico) e finalidade (ritual, doméstico, jantar, decorativo; ver também vasos de arte). A arte decorativa e aplicada também inclui: acessórios de culto (bandeiras, salários, lâmpadas - no cristianismo; vasos muçulmanos para ablução, tapetes de oração "namazlyk", etc.; candelabros judaicos de menorá; tronos de lótus budistas e queimadores de incenso do templo); artigos de interior (móveis, luminárias, vasos, espelhos, instrumentos de escrita, caixas, leques, tabaqueiras, azulejos, etc.); utensílios domésticos de artesanato (rodas, rolos, babados, babados, fusos, etc.); obras de glíptica; Arte da joalheria; meios de transporte (carroças, charretes, carruagens, trenós, etc.); arma; têxteis (ver também Batik, Bordados, Rendas, Amontoar, Tecelagem; têxteis também incluem tapetes, tapeçarias, tapeçarias, kilims, feltros, etc.); roupas; em parte - plástico pequeno (principalmente um brinquedo).

Os materiais utilizados nas artes e ofícios são igualmente variados. Os mais antigos são de pedra, madeira, osso. As madeiras duras eram usadas para a construção de habitações, para a fabricação de móveis, produtos domésticos [pinho, carvalho, nogueira (na arte do Renascimento), bétula da Carélia (na época do classicismo russo e do Império), bordo (especialmente na era moderna), mogno, pêra] ; variedades macias (por exemplo, tília) - para a fabricação de pratos, colheres. A partir do século XVII, madeiras exóticas importadas começaram a ser utilizadas na Europa.

Técnicas de argila, como moldagem manual e moldagem, foram cruciais na criação de produtos de argila nos estágios iniciais. No 3º milénio a.C. surge uma roda de oleiro, que permite a confecção de pratos de paredes finas.

A cerâmica (argila cozida) inclui terracota (simples e lacada), majólica, semi-faiança, faiança, opaca, porcelana, biscuit, a chamada massa de pedra. As principais formas de decoração da cerâmica são moldagem, vidragem, polimento, pintura colorida, gravura, vitrificação, etc.

Os tecidos têm sido amplamente utilizados desde a era neolítica. Exemplos destacados de arte decorativa e aplicada são os tecidos de linho multicoloridos egípcios antigos, na técnica de impressão batik - copta; tecidos de seda da China, musselina indiana, damasco veneziano.

Os artesãos costumavam usar pedras ornamentais preciosas, semipreciosas e coloridas: diamantes, rubis, esmeraldas, safiras, jade, lápis-lazúli e cornalina, malaquita, jaspe, etc. (âmbar também pertence a materiais ornamentais). Entre os vários tipos de processamento, os cabochões (pedras arredondadas) prevaleceram por muito tempo, depois surgiram as pedras facetadas. Existem técnicas complexas - o chamado mosaico florentino (imagens de mármore e pedras semipreciosas), mosaico russo (colar a superfície arredondada de vasos com placas de pedras coloridas), etc.

Caixa com a imagem de um crucifixo e anjos. Madeira, prata, esmalte. 1º quartel do século XIII. Limoges (França). Hermitage (São Petersburgo).

Entre os metais estão preciosos (ouro, prata, platina), não ferrosos (cobre, estanho), ligas (bronze, eletr, estanho), além de aço, ferro fundido e alumínio. Junto com os metais nobres, o cobre, o bronze e mais tarde o ferro foram processados ​​em quase todas as civilizações antigas. O ouro e a prata eram originalmente os principais metais nas artes e ofícios, e sua escassez foi compensada por várias técnicas (prateamento e douração galvânica; a partir de meados do século XIX - galvanoplastia). As principais técnicas de metalurgia são niello, granulação, cinzeladura, shotting, fundição artística, forjamento artístico, basma (um tipo de técnica de joalheria que imita chasing), gofragem.

Uma técnica especial e ao mesmo tempo um material é o esmalte, cujos exemplos mais antigos são encontrados na China. O esmalte, via de regra, era usado como parte integrante de obras complexas de arte decorativa e aplicada (por exemplo, a técnica de cobrir imagens gravadas em metal com esmalte transparente multicolorido ou pintura decorativa com tintas de esmalte).

O salário do chamado Evangelho de Lorsch. Marfim. século 9. Aachen. Victoria and Albert Museum (Londres).

De acordo com seus parâmetros tecnológicos, o vidro é dividido em transparente e opaco, incolor e colorido, etc. ) também diferem: vidro laminado ou leitoso colorido, filigrana, vidro gravado, esculpido, polido ou colorido. As técnicas de processamento de vidro incluem douramento entre vidros, pintura, millefiori, gravura artística, iridescência.

A pátria dos vernizes artísticos é o Oriente Antigo. Eles são conhecidos na Europa desde o século XVI; no século XVII, artesãos holandeses começaram a pintar caixas de madeira com ornamentos dourados sobre fundo preto. Mais tarde, a produção de vernizes pintados apareceu em muitos países. Os produtos lacados de papel machê surgiram na Europa no século XVIII, atingindo seu auge no século XIX, principalmente na Inglaterra, Alemanha e Rússia. No século 20, a Rússia se torna o principal centro da arte da laca (Fedoskino, Palekh, Kholui e Mstera).

O uso de tartaruga e marfim remonta à antiguidade; em seguida, seu uso foi revivido na arte européia na Idade Média e, especialmente, no final do século XVIII (caixas de rapé e caddies ingleses e franceses, escultura em ossos de Kholmogory). A madrepérola entrou em voga na 1ª metade do século XIX para a decoração de produtos de papel machê e verniz e para o acabamento de talheres.

Esboço histórico. Os primeiros objetos artisticamente processados ​​apareceram na era paleolítica. Durante o período neolítico, a cerâmica era generalizada. Em diferentes culturas, os vasos são criados com um gráfico virtuoso de soluções artísticas, um enredo expressivo sagrado e mitológico, cerâmicas pintadas com motivos ornamentais e outros (por exemplo, vasos chineses do período neolítico, 5-3 milênios aC; cerâmica de Susa, 4º milênio aC; cerâmica tripiliana, final do 3º milênio aC).

As civilizações orientais mais antigas no desenvolvimento das artes e ofícios atingiram o mesmo alto nível que no campo da arquitetura e da escultura (processamento artístico de pedra, metal, madeira, joias, escultura em marfim, etc.). Joalheiros do Egito Antigo, a Mesopotâmia possuíam várias técnicas sutis de processamento de metais preciosos. A arte oriental antiga deu exemplos inigualáveis ​​de cerâmica esmaltada policromada, no Egito os produtos eram feitos de barro (à base de sílica) - detalhes arquitetônicos, esculturas, colares, tigelas e taças. Os egípcios (junto com os fenícios) também fabricavam objetos de vidro (por volta do 3º milênio aC); o florescimento das oficinas de vidro, como outros ofícios, recai sobre o Império Novo (vasos de várias formas feitos de vidro azul ou policromado, etc.). Os móveis egípcios eram feitos de madeira local de ébano (preto) e espécies importadas (cedro, cipreste), decorados com inserções de faiança azul e preta, cobertos com folha de ouro e incrustados de marfim e pintura (algumas de suas formas influenciaram fortemente o Império Europeu. estilo). Em muitas regiões da China, foram descobertos vasos de paredes finas (tigelas, vasos, jarros e taças) que se distinguem pela originalidade estilística, variedade de formas e imagens zoomórficas bizarras. Na Índia, a civilização urbana altamente desenvolvida da Idade do Bronze deixou para trás utensílios domésticos expressivos, cerâmica pintada e têxteis descobertos durante as escavações em Mohenjo Daro e Harappa. No oeste do Irã, no Luristão, desenvolveu-se uma cultura representada pelos bronzes do Luristão.

A peculiaridade da arte decorativa e aplicada do mundo egeu (ver cultura egeu) influenciou a arte de outros países (Novo Reino Egito, Oriente Médio) - joias, xícaras e tigelas cinzeladas, rhytons. O principal tipo de artesanato artístico é a cerâmica (policromia com padrão estilizado, motivos vegetais, com imagens de animais marinhos e peixes). A cerâmica grega antiga é uma das maiores conquistas da história das artes e ofícios - em primeiro lugar, vasos de figuras vermelhas e pretas cobertos com verniz, onde a forma é organicamente conectada à pintura e ornamentação do enredo, tem uma tectônica clara, riqueza de ritmo de linhas e proporções (ver pintura de vaso). A cerâmica e a joalheria gregas foram exportadas para muitos países ao redor do mundo, o que levou a uma extensa expansão das tradições artísticas gregas. Nas artes decorativas e aplicadas das tribos nômades da Ásia e da Europa, os trácios, os celtas e algumas tribos fino-úgricas, desenvolveram-se várias formas de estilo animal; em meados do 1º milênio dC, sua forma peculiar aparece entre os alemães, as tradições do estilo animal foram preservadas na arte medieval.

Os etruscos, estando sob forte influência grega, foram capazes de criar uma cultura igualmente distinta com suas cerâmicas "bukchero", terracota pintada e arte de joalheria. Seu desejo pelo luxo demonstrativo incorporado em objetos de arte decorativa e aplicada foi passado para seus sucessores - os antigos romanos. Eles emprestaram da cerâmica etrusca em relevo, decoração de tecidos, dos gregos - formas e ornamentos. Na decoração romana, há muito excesso, desprovido de gosto grego: guirlandas exuberantes, bucrania, grifos, cupidos alados. Na era do império, vasos feitos de pedras semipreciosas (ágata, sardônica, pórfiro) entraram na moda. A maior conquista das artes e ofícios romanos foi a invenção da técnica de sopro de vidro (século I aC), a produção de vidro transparente, mosaico, gravado, de duas camadas, imitando um camafeu e dourado. Entre os produtos de metal estão vasos de prata (por exemplo, um tesouro de Hildesheim), lâmpadas de bronze (encontradas durante as escavações da cidade de Pompéia).

A estabilidade das tradições distingue as culturas do Extremo Oriente e da Índia em geral, onde os tipos e formas característicos das artes decorativas e aplicadas (cerâmica e vernizes no Japão, madeira, metal e produtos têxteis na Índia, batik na Indonésia) foram preservados na Idade Média. era. A China é caracterizada por imagens estáveis ​​e tradições de lapidação de pedra, cerâmica e joalheria, uma variedade de materiais: seda, papel, bronze, jade, cerâmica (em primeiro lugar, a invenção da porcelana), etc.

Na América antiga (pré-colombiana), houve várias civilizações (Olmecas, Totonacs, Maias, Astecas, Zapotecas, Incas, Chimu, Mochica, etc.) que possuíam uma alta cultura material. Os principais ofícios eram cerâmica, processamento artístico de pedras, incluindo rochas semipreciosas, usando a técnica original de mosaico turquesa em madeira, tecidos e joias. A cerâmica é uma das melhores realizações da arte americana antiga, em contraste com outros que não conheciam a roda do oleiro (urnas funerárias zapotecas, vasos toltecas, vasos policromados mixtecas, vasos com desenhos maias gravados, etc.).

Um traço característico da arte medieval nos países do Oriente Médio, Norte da África (Magreb) e regiões da Europa habitadas por árabes é o desejo de colorido, de decoração de valor próprio, ornamento geométrico (com motivos vegetais estilizados à abstração, ver Arabesque ); nas artes decorativas e aplicadas do Irã, a tradição pictórica também foi preservada. Os principais tipos de artes decorativas e aplicadas nos países muçulmanos eram a cerâmica, a tecelagem, a produção de armas e artigos de luxo. A cerâmica (principalmente ornamental, coberta com um lustre ou pintura policromada sobre fundo branco e colorido) foi produzida no Iraque (Samarra), Irã (Susa, Ray), Egito medieval (Fustat), Síria (Raqqa), Ásia Central (Samarcanda, Bucara). A cerâmica hispano-mourisca (faiança valenciana) teve uma grande influência na arte decorativa e aplicada europeia do século XV-XVI. A porcelana chinesa azul-branca influenciou a cerâmica da Horda Dourada, Irã e outros. No século 16, floresceu a faiança policromada turca de Iznik. A cultura muçulmana também deixou muitas amostras de vidro de arte, metal (decorado com gravuras, relevos, esmaltes) e armas. O mundo islâmico tradicionalmente usa tapetes em vez de móveis; foram produzidos em muitos países (no Cáucaso, Índia, Egito, Turquia, Marrocos, Espanha, Ásia Central); o lugar de liderança na tecelagem de tapetes pertence ao Irã. No Egito, produziam tecidos de tapeçaria de lã multicolorida, tecidos de linho, saltos estampados; na Síria, na Espanha durante o Califado de Córdoba e mestres árabes na Sicília - seda, brocado; na Turquia (em Bursa) - veludo; no Irã (em Bagdá) - cortinas de seda; em Damasco - os chamados tecidos de damasco.

Bizâncio tornou-se o herdeiro de muitos dos ofícios artísticos da antiguidade: fabricação de vidro, arte de mosaicos, escultura em ossos, etc., e também dominou magistralmente novos - a técnica de esmalte cloisonné, etc. das culturas orientais) os bens de luxo se generalizaram; consequentemente, o estilo das artes e ofícios bizantinos era refinado, decorativo e exuberante ao mesmo tempo. A influência dessa cultura se estendeu aos estados da Europa (incluindo a Rússia Antiga), bem como ao Transcaucásio e ao Oriente Médio (na Rússia, as reminiscências dessa influência persistiram até o estilo russo-bizantino do século XIX).

Na Europa, novas formas de arte decorativa e aplicada tomaram forma na era do "Renascimento carolíngio" sob a influência de Bizâncio e dos países do mundo árabe. Na cultura da época românica, os mosteiros e as corporações da cidade desempenham um papel importante: praticavam a escultura em pedra e madeira, a fabricação de produtos de metal, portas forjadas e utensílios domésticos. Na Itália, onde as tradições da antiguidade tardia continuaram a ser preservadas, a escultura em ossos e pedras, a arte dos mosaicos e da glíptica e a joalheria foram desenvolvidas; em todas essas áreas os artesãos alcançaram a mais alta perfeição. O gótico herdou muitos dos ofícios típicos daquela época; as peculiaridades do estilo gótico se manifestavam claramente em produtos feitos de marfim e prata, em esmaltes, treliças e móveis [incluindo baús de casamento (na Itália - cassone, decorados com esculturas e pinturas)].

Na Rússia Antiga, realizações especiais pertenciam à arte da joalheria, escultura em madeira e pedra. Os tipos típicos de móveis russos eram caixões, mesas de torre, armários, estojos de ícones, baús e mesas. Os autores das composições pictóricas na forma de um "padrão de grama" eram pintores de ícones - "banners", eles também pintavam baús, mesas, tábuas de gengibre, xadrez, cascavéis dourados, etc.; o "rez" decorativo do século XVII foi chamado de "gramas fryazhski". Utensílios, pratos, azulejos, objetos religiosos foram produzidos nas oficinas de Kiev, Novgorod, Ryazan, Moscou (oficinas do Patriarca, a Câmara de Prata, da 2ª metade do século XVII - a Câmara do Arsenal do Kremlin de Moscou), Yaroslavl, Kostroma , também em Kirillo-Belozersky, Spaso -Prilutsky, mosteiros Sergiev Posad. A partir da segunda metade do século XVII, o rápido desenvolvimento do artesanato popular começou na arte decorativa e aplicada russa (produção de azulejos, escultura e pintura em madeira, tecelagem e tecelagem de rendas, ourivesaria e cerâmica).

Durante o Renascimento, o ofício artístico adquiriu um caráter fundamentalmente autoral e predominantemente secular. Novos tipos de artes e ofícios aparecem, gêneros e técnicas esquecidos desde os tempos antigos são revividos. As mudanças mais significativas estão ocorrendo na produção de móveis (roupeiros com painel frontal dobrável, cômoda com encosto e braços, etc.); a decoração usa uma ordem clássica e um ornamento característico - grotesco. Tecelagem de seda de Gênova, Florença e Milão, vidro veneziano, majólica italiana, glíptica, joalheria (B. Cellini), processamento artístico de metal ["estilo lobado" em prata holandesa e alemã (família Jamnitzer)], esmaltes, vidro e francês cerâmica (feita por Saint-Porcher; mestre B. Palissy).

A arte decorativa e aplicada da época barroca é caracterizada por um especial esplendor e dinâmica de composições, uma conexão orgânica entre todos os elementos e detalhes (louças e móveis), dando preferência a formas volumosas e grandes. Na produção de móveis (roupeiros, armários, cômodas, armários, etc.), madeira polida, ferragens em bronze dourado e mosaicos florentinos, incrustações (bronze aplicado, marchetaria em ébano, metal, madrepérola, tartaruga, etc.) - nos produtos da oficina de A. Sh. Buhl). As fábricas de treliças na Europa foram influenciadas pela arte flamenga do tapete (manufaturas de Bruxelas); Génova e Veneza eram famosas pelos tecidos de lã e pelo veludo estampado. A faiança de Delft surgiu na imitação dos chineses. Na França, a produção de porcelana macia, faiança (Rouen, Moustier) e cerâmica (Nevers), têxteis (fabrica em Lyon), a produção de espelhos, tapeçarias estão se desenvolvendo.

Na época rococó (século XVIII), linhas assimétricas frágeis e sofisticadas predominam nas formas e decorações dos objetos. Na Inglaterra, eles produzem pratos de prata (P. Lamery), candelabros, etc. Na Alemanha, formas exuberantes de rocaille (IM Dinglinger) são encontradas entre os produtos de metal. Novas formas de móveis estão surgindo - escrivaninhas (escrivaninha, mesa e mesa-cilindro), vários tipos de mesas, uma poltrona bergere estofada macia com encosto fechado, penteadeira de 2 partes; painéis de pintura, marchetaria, embutidos são usados ​​​​para decoração. Surgem novos tipos de tecidos (moiré e chenille). Na Inglaterra, T. Chippendale produziu móveis rococó (cadeiras, mesas e estantes) com motivos góticos e chinoiserie. No início do século XVIII, a primeira fábrica de porcelana europeia (escultor I. Kendler) foi aberta em Meissen (Saxônia). O estilo chinoiserie penetra tanto na porcelana europeia (Meissen, Chantilly, Chelsea, Derby, etc.) Na década de 1670, uma nova composição de vidro de chumbo (o chamado cristal inglês) apareceu na Inglaterra; a técnica de sua produção foi difundida na República Tcheca, Alemanha e França.

As artes decorativas e aplicadas da era do classicismo da segunda metade do século XVIII, e mais tarde também o estilo Império, foram influenciadas por escavações arqueológicas nas cidades de Herculano e Pompéia (ver estilo pompeiano). O estilo criado pelos irmãos Adam (Inglaterra), que afirmou a unidade da decoração exterior e da decoração interior, deu nova vida à arte decorativa e aplicada, em particular, ao mobiliário (obras de J. Hepluyt, T. Sheraton, T. Hope , irmãos Jacob, J. A Rizinera), ornamentos de plástico (bronze dourado francês de P.F. Thomir), prata artística (xícaras e pratos de P. Storr), tapetes e tecidos, joias. Os decantadores de vidro da Cork Glass Company, vasos de bacará, lustres-cascatas de cristal distinguem simplicidade e clareza. Na porcelana, no final do século XVIII, Meissen cedeu o status de principal fabricante europeu de porcelana à porcelana francesa de Sèvres, amostras notáveis ​​começaram a ser criadas nas fábricas de Viena, São Petersburgo e Berlim. A fábrica Etrúria de J. Wedgwood surgiu na Inglaterra, produzindo cerâmicas imitando camafeus e vasos antigos. Na Rússia, muitos arquitetos proeminentes estavam envolvidos na criação de obras de arte decorativa e aplicada (A. N. Voronikhin e K. I. Rossi projetaram móveis e vasos, M. F. Kazakov e N. A. Lvov - lustres).

Na era Biedermeier, as obras de arte e artesanato refletiam o desejo de uma vida confortável, o que levou ao surgimento de móveis simples e confortáveis ​​de formas arredondadas e pouco sofisticadas de variedades locais de madeira (nogueira, cerejeira, bétula), elegantes jarras e copos de vidro facetado com pinturas elegantes (obras de A. Kotgasser e etc.). O período do ecletismo (meados do século XIX) manifestou-se na diversidade estilística dos estilos históricos utilizados, bem como na unificação de abordagens e técnicas artísticas. O neo-rococó foi inspirado na decoração da arte do século XVIII; na Rússia, manifestou-se nas louças de porcelana da fábrica A.G. Popov com sua pintura de flores policromadas sobre fundo colorido. O renascimento do gótico (neo-gótico) deve-se ao desejo dos artistas de introduzir um estilo romântico-sublime na arte decorativa e aplicada e apenas indiretamente reproduzir motivos verdadeiramente góticos; elementos de ornamento em vez de formas de arte gótica foram emprestados (vidro boêmio de D. Beeman, obras em porcelana e vidro para o palácio de Nicolau I "Cottage" em Peterhof). O estilo vitoriano na Inglaterra se refletiu na criação de móveis pesados ​​e na ampla distribuição de suas "pequenas formas" (coisas, guarda-chuvas, mesas de jogo, etc.). A porcelana não vidrada imitando o mármore tornou-se popular novamente. Novos tipos e técnicas apareceram no vidro (principalmente no vidro boêmio) - vidro colorido multicamada "flash", camafeu opaco e vidro preto (hialita), imitando pedras preciosas de lítio. A partir de meados da década de 1840 na França, nas fábricas de vidro de Baccarat, Saint-Louis e Clichy, e mais tarde na Inglaterra, Boêmia e Estados Unidos, uma nova direção apareceu (a criação de pesos de papel millefiore, etc.). A fusão de elementos de vários estilos determinou o desenvolvimento do mobiliário e o surgimento de novas tecnologias e materiais industriais: formas em madeira colada e dobrada (M. Tonet), papel machê, madeira entalhada e ferro fundido.

Um protesto contra o ecletismo, iniciado na Grã-Bretanha pela Arts and Crafts Society, contribuiu para a formação do estilo Art Nouveau no final do século XIX; ele borrou as linhas entre as artes decorativas, aplicadas e visuais e assumiu formas diferentes em muitos países. A decoração Art Nouveau é mais frequentemente comparada a motivos ornamentais de formas naturais; linhas curvas, contornos ondulados, desenhos assimétricos foram amplamente utilizados (móveis de V. Orta, L. Majorelle, E. Guimard, vidro colorido artístico multicamada com motivos florais e paisagísticos de E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, jóias de R. Lalique). Por outro lado, os artistas da Secessão de Viena, como o escocês C.R. Mackintosh, usaram simetria e formas retilíneas contidas. As obras de J. Hoffmann, muitas vezes realizadas em conjunto com G. Klimt (mobiliário, vidro, metal, joalharia), distinguem-se pela elegância e sofisticação. Na produção de porcelana europeia, a pintura sob o esmalte da Manufatura Real de Copenhague assumiu o lugar de liderança. Na Art Nouveau russa, em seu ramo nacional-romântico, o estilo neo-russo se manifestou - especialmente nas atividades do círculo de arte Abramtsev (obras de V.M. Vasnetsov, M.A.Vrubel, E.D. Polenova), oficina de Talashkino da princesa M.K. oficinas do Escola Stroganov.

A mais recente história das artes e ofícios começa não apenas com o renascimento do artesanato (W. Morris e outros), mas também com o surgimento na virada dos séculos 19 e 20 em toda a Europa e Estados Unidos de um novo tipo de atividade criativa - design e seu desenvolvimento ativo na década de 1920 (Bauhaus, Vkhutemas). O design Art Déco tornou-se a base de quase todos os interiores de casas que cultivavam o luxo e o conforto discretos (formas geométricas, ornamentos estilizados e simplificados, móveis folheados exóticos de formas retilíneas, louças funcionais e vasos de flores).

A arte russa depois de 1917 desenvolveu-se em uma nova base ideológica e estética.

Os artistas tentaram transmitir o espírito da época (a chamada porcelana de agitação) por meio da arte, para criar um ambiente racional complexo para amplas camadas da população. Desde o final da década de 1950, na arte decorativa e aplicada soviética, juntamente com o desenvolvimento ativo da indústria artística (fábricas de porcelana de Leningrado, Verbilok, fábrica de porcelana Dulevo, fábrica de faiança Konakovsky, fábrica de vidro de Leningrado, fábrica de cristal Gusevsky, etc.) artesanato (cerâmica Gzhel, pintura Zhostovo, cerâmica Skopinskaya, brinquedos Dymkovo, etc.

O desenvolvimento das artes e ofícios no século XX deve-se à coexistência e interpenetração de princípios tradicionais e de vanguarda. As possibilidades expressivas sutis de novos materiais, a imitação e a citação criativa adquiriram grande importância. Na era do pós-modernismo, uma atitude especial aparece para um artefato decorativo como uma entidade autônoma que está demonstrativamente “não interessada” em servir a uma pessoa, alienada dela. Como resultado, isso levou a uma “crise de auto-identificação” das artes e ofícios, causada pelo surgimento da competição de formas de arte relacionadas (principalmente design). No entanto, esta crise, paradoxalmente, abre novas perspectivas para as artes decorativas e aplicadas no sentido de expandir e rever a sua própria especificidade figurativa, dominando novos géneros e materiais (ceramoplásticos, fibra de vidro, plásticos têxteis, minitapeçarias, mosaicos em molduras de madeira, etc.) .).

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T. L. Astrakhantseva.

A maioria das pinturas que você vê são itens de cavalete. Este é o termo que as pinturas foram pintadas em uma máquina especial - um cavalete. Eles podem ser emoldurados, pendurados na parede ou apresentados como um presente. Em outras palavras, um cavalete é um quadro pintado em um fundo plano: papel, quadro-negro. Neste tipo de pintura prevalecem as obras pintadas a óleo, mas também as pinturas em que se utilizam outros materiais - guache e aguarelas, pastéis, nanquim, carvão, tintas acrílicas, lápis de cor, etc.

Um dos tipos aplicados de pintura de cavalete é a pintura teatral e decorativa - esboços de figurinos para heróis e mise-en-scenes.

Pintura monumental - pintura de edifícios

A pintura monumental não pode existir separada do local onde é realizada. Este tipo de pintura foi muito popular nos séculos 16-19, quando magníficos templos foram construídos e os melhores artistas pintaram suas abóbadas. O tipo mais comum de pintura monumental é o afresco, pintura com tintas de água em gesso úmido.

A pintura em gesso seco - secco também foi difundida, mas tais obras foram pior preservadas até nossos tempos. O exemplo mais famoso de pintura monumental é a pintura em grande escala da Capela Sistina, da qual Michelangelo participou. Segundo os críticos, os afrescos da capela podem ser equiparados à Oitava Maravilha do Mundo.

As obras mais antigas da pintura monumental são as pinturas rupestres dos primeiros povos.

Pintura decorativa - artes aplicadas

A pintura decorativa está intimamente relacionada à arte decorativa e aplicada. Desempenha sim um papel coadjuvante na decoração de vários objetos. A pintura decorativa é uma variedade de padrões e ornamentos que adornam utensílios domésticos, móveis, arquitetura. Os autores desse tipo de pintura podem não ser conhecidos - pinturas simples de casas e móveis camponeses também pertencem a esse tipo.

Pintura em miniatura - coisinhas fofas

Inicialmente, a pintura em miniatura era a arte do design de livros. Os livros antigos eram feitos com muito cuidado e eram muito caros. Para decorá-los, foram contratados artesãos especiais, que enfeitaram lindamente as letras maiúsculas, as capas e os headpieces entre os capítulos. Tais publicações eram uma verdadeira obra de arte. Havia várias escolas que aderiram aos cânones estritos da pintura em miniatura.

Mais tarde, quaisquer pinturas em pequena escala foram chamadas de miniaturas. Eles foram usados ​​como lembranças e lembranças. Apesar de seu pequeno tamanho, esse tipo de pintura exigia grande precisão e habilidade. Os materiais mais populares para miniaturas de souvenirs eram madeira, osso, pedra e placas.

A atividade das pessoas na produção de utensílios domésticos que satisfazem não apenas os requisitos de conveniência e conveniência, mas também os requisitos de ordem artística, foram chamados, e agora ainda são chamados de forma diferente. Então eles dizem:

« Artes Aplicadas "," Artes decorativas "," artesanato de arte "," artesanato de arte popular "," indústria de arte ".

O que exatamente cada um desses nomes significa? O conceito de arte "aplicada" é literalmente arte "aplicada" a utensílios domésticos. Este é precisamente o significado que este nome tinha no século XIX e início do século XX. Nesse sentido, a arte aplicada pode ser chamada de produção de todos os utensílios domésticos aos quais são impostos requisitos artísticos. No mesmo sentido, o exemplo mais marcante e próximo de nós de arte "aplicada" foi a arte dos camponeses russos, que existia em certas regiões já no século XIX. A arte camponesa nasceu no processo do trabalho do camponês sobre os objetos de sua família trabalhadora. Esta arte não conhece coisas "desnecessárias", criou apenas o que era necessário para o camponês em sua atividade laboral e na vida cotidiana. Comparando as coisas criadas pelos camponeses com as feitas nas cidades, principalmente nas grandes, que eram centros de comércio, nota-se que os artesãos da cidade tinham uma variedade de materiais maior do que os camponeses. As coisas criadas pelos camponeses nas condições de sua vida na aldeia, com poucas exceções, são feitas de materiais que encontraram aqui mesmo onde moravam, como barro de cerâmica e madeira. Os próprios camponeses produziam outros materiais, cultivando e processando linho para tecidos, transformando a lã de animais domésticos em fios para tecidos, depois em feltro e outros produtos. Até os corantes eram obtidos principalmente no local - são argilas de cores diferentes ou corantes vegetais, como a casca de cebola e a seiva de algumas árvores.

Os metais como material importado ocupavam um lugar incomparavelmente menor na vida dos camponeses do que a madeira e o barro.

As coisas feitas por artesãos urbanos diferiam das camponesas não apenas por serem feitas de materiais mais diversos e projetadas para uma vida que era em muitos aspectos diferente da camponesa, mas também porque novos tipos de coisas apareceram, usados ​​apenas para decoração - decorativos, como costumávamos chamá-los, por exemplo, vasos.

Tais coisas claramente ultrapassam o estreito conceito de "arte aplicada", mas sua criação é condicionada pela mesma necessidade das pessoas, que as obriga a gastar tempo e energia em objetos de decoração - cotidianos, "inúteis" do ponto de vista da a finalidade direta desses objetos.

"Ofício artístico". Detalhes de estruturas arquitetônicas, móveis e outros utensílios domésticos feitos por mestres podem ter maior ou menor qualidade artística, ou até mesmo nenhuma. A ausência ou presença de qualidades artísticas em determinada coisa, é claro, caracteriza o mestre que a fez, seja apenas como técnica ou também como artista.

AM Gorky escreveu as seguintes linhas notáveis ​​sobre tal “arte”: “Quem transformou o trabalho duro e diário em arte, primeiro para si mesmo e depois para os mestres? Os fundadores da arte foram ceramistas, ferreiros e ourives, tecelões e tecelões, pedreiros, carpinteiros, entalhadores de madeira e ossos, armeiros, pintores, alfaiates, costureiros e, em geral, artesãos, pessoas que faziam coisas artisticamente, agradando nossos olhos, enchendo museus ”(artigo "On Art", publicado pela primeira vez na revista "Nossas realizações" nº 5-6 para (1935, Editora Estatal "Khudozhestvennaya Literatura"),

O "artesanato artístico popular" surgiu como resultado da especialização dos fabricantes de utensílios domésticos. O caminho dessa especialização é mais claramente visível no campo: inicialmente, o próprio camponês fazia para si as coisas do trabalho e do lar. Ele, conforme a necessidade, tornou-se oleiro, depois carpinteiro, depois ferreiro, permanecendo sempre ao mesmo tempo lavrador. Então a vantagem da divisão do trabalho de acordo com os ramos de produção tornou-se óbvia, e um oleiro, carpinteiro, ferreiro, etc. apareceu na aldeia.

A presença em uma determinada área de materiais necessários para uma determinada produção e mercados de venda de produtos contribuiu para o surgimento de "artesanato" para a fabricação de utensílios domésticos a partir desses materiais. Por exemplo, a presença de argilas cerâmicas de alta qualidade na região de Gzhel levou ao surgimento da produção de cerâmica lá.

Entre os fabricantes de coisas, havia pessoas que eram capazes de conferir qualidades artísticas às coisas.

Esses mestres trouxeram criatividade para seu trabalho, inventaram novas formas de coisas e se esforçaram para torná-las não apenas confortáveis, mas também bonitas.

Com o desenvolvimento da produção, esses artesãos criativos muitas vezes acabavam na oficina do comerciante.

Sob o domínio soviético, os artesãos se uniram em artesãos artesanais. Dentro dos artels, há quase sempre um princípio geral de especialização na realização de operações individuais, mas a tarefa de criar coisas de qualidade artística une todos os mestres e dirige o trabalho de cada um deles.

Atualmente, os melhores artesãos continuam a trabalhar criativamente em cada artel, criando as primeiras cópias de novos produtos.

Orientar o trabalho dos artels em relação à qualidade artística de seus produtos, por um lado, e, por outro, comunicar-se com as organizações comerciais que não apenas organizam a venda desses produtos, mas também levam em consideração os requisitos de consumidores de produtos, no sistema de instituições de cooperação industrial existe o Instituto de Arte de Moscou, cuja tarefa é desenvolver projetos e modelos de produtos de arte.

Esses projetos e modelos são transferidos para a artels para implementação da produção.

"Indústria da arte" refere-se à produção em grandes quantidades, em fábricas e plantas especiais, de acordo com desenhos e modelos criados por arquitetos ou artistas de artes decorativas, produtos de arte de diversos materiais. A indústria da arte inclui a produção de móveis, cerâmica, tecidos decorativos e outros, papel de parede, etc.