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Mudanças na vida cotidiana e seu impacto nas artes e ofícios. Características de ornamentação e decoração dos estilos artísticos do Barroco, Rococó, Classicismo.

Negócios de prata e ouro: a escola de São Petersburgo, artesãos e manufaturas de Moscou, prata niello de Veliky Ustyug. Novos tipos de pratos feitos de metais preciosos e não ferrosos: bules, cafeteiras, bouillottes, samovars. Utensílios domésticos e da igreja. regalias estaduais. Ordens e medalhas. Esmaltes. Artistas de esmalte A.G. Ovsov, G.S. Musikiskiy.

O surgimento da porcelana russa. D.I. Vinogradov. Fábricas de porcelana imperiais e privadas. Majólica, faiança. Vidro artístico. Tecidos decorativos e tapeçarias. Novo em roupas. Armários e móveis tipográficos. Marchetaria. Esculturas em madeira em interiores civis e de igrejas. Tripulações. Rocha decorativa. Camafeus.

Artesanato folclórico artístico. Fundos esculpidos e embutidos de Gorodets. Escultura óssea Kholmogor. Bordado de ouro da província de Tver. Renda de Galich e Vologda. Cerâmica Gzhel.

Música e teatro no século XVIII

Canto coral polifônico. Kanty. Música instrumental e orquestras. Arte da ópera. Balé. Música na corte, na cidade e na vida camponesa. O surgimento da escola nacional de composição. E.I. Fomin. I. E. Handoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovsky. A. O. Kozlovsky.

Tenta criar um teatro público acessível ao público sob Pedro, o Grande. Performances amadoras na corte. Teatros escolares em instituições educacionais religiosas e seculares. Grupos profissionais de atores estrangeiros.

A dramaturgia do classicismo russo: tragédias e comédias. A influência do sentimentalismo no repertório teatral. O surgimento do drama e da ópera cômica no palco russo. A.P. Sumarokov - dramaturgo e figura teatral. O criador do teatro profissional russo, ator e diretor F.G. Volkov. Seu amigo e seguidor I.A. Dmitrevsky. Espetáculos teatrais de massa.

Teatro servo. A trupe do Conde P.B. Sheremetev. P.I.Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova e outros artistas. Palácio-teatro em Ostankino. Teatro do povo.

ABREVIATURAS NOS NOMES DAS PRINCIPAIS COLEÇÕES DO MUSEU REFERIDAS NA LISTA DE MONUMENTOS CULTURAIS

BAN - Biblioteca da Academia Russa de Ciências (São Petersburgo)

VMDPNI - Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia (Moscou)

Museu Histórico do Estado - Museu Histórico do Estado (Moscou)

GMGS - Museu Estadual de Escultura Urbana (São Petersburgo)

GMMK - Museus Estatais do Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Museu Estadual de Pesquisa de Arquitetura (Moscou)

GOP - Câmara do Arsenal do Estado (Moscou)

Museu Estatal Russo - Museu Estatal Russo (São Petersburgo)

Galeria Tretyakov - Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

GE - State Hermitage (São Petersburgo)

ZIKHMZ - o antigo Zagorsk (agora Sergiev-Posad) história e museu de arte-reserva (Sergiev Posad, região de Moscou)

MFA - Museu de Tesouros Históricos da Ucrânia (Kiev)

IPIB - Museu de Artes Aplicadas e Vida do século XVII "Catedral dos Doze Apóstolos e Câmaras Patriarcais no Kremlin de Moscou" (Moscou)

GPS - Reserva do Museu do Estado dos Estados Unidos de Novgorod (Novgorod)

NGP - Palácio das Facetas de Novgorod (Novgorod)

SHM - Museu de Arte de Samara (Samara)

MONUMENTOS DA CULTURA RUSSA

SEÇÃO I. HISTÓRIA DA CULTURA RUSSA DA IDADE ANTIGA E MÉDIA

(ATÉ O FIM DO SÉCULO XVII)

ARQUITETURA DE MADEIRA POPULAR

EDIFÍCIOS CULTURAIS

1. Igrejas Kletskie: a Igreja de Lázaro do Mosteiro de Murom (séculos 14-16) - a reserva de Kizhi; a Igreja da Deposição do Manto da aldeia de Borodavy (século XV) - Museu-Reserva Kirillo-Belozersky; a Igreja da Transfiguração da aldeia de Spas-Vezhi (século XVII) - Museu-Reserva Kostroma; Igreja Nikolskaya da aldeia de Tuchola (século XVII) - Museu-Reserva Novgorod "Vitoslavlitsy"; a capela de Miguel Arcanjo da aldeia de Lelikozero (século XVIII) - o Museu-Reserva Kizhi; Igreja de São Nicolau da aldeia de Glotova (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal.

2. Igrejas de tendas: Igreja Nikolskaya na aldeia de Lylyavia (século XVI); a Igreja de São Jorge da vila de Vershina (século XVII) - Museu-Reserva de Arkhangelsk "Malye Korely"; Igreja da Ressurreição da aldeia de Patakino (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal; Igreja da Assunção (século XVIII) na cidade de Kondopoga.

Como parte da celebração do 35º aniversário no Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia, uma exposição permanente atualizada "Arte Decorativa e Aplicada da Rússia do século XVIII - primeiro terço do século XIX" está sendo inaugurada.

"Pedro, o Grande, desafiou a Rússia, e ela respondeu com Pushkin", o bordão de Herzen define com mais precisão o significado e os limites da época à qual a exposição desses salões é dedicada. Os itens aqui apresentados são marcos vivos que marcaram a formação e o florescimento da cultura russa no seio da tradição cultural europeia da Nova Era. Eles capturam as mudanças no modo de vida e nos marcos artísticos, a transformação do antigo e o surgimento de novas formas de objetos, técnicas e até tipos de artes e ofícios.

O design da nova exposição baseia-se no princípio de demonstrar as exposições como objetos de arte únicos, que são combinados em blocos temáticos, estilísticos e tipológicos. Esta solução permite avaliar o valor de cada objeto em termos de tempo, estilo, desenvolvimento de um determinado tipo de arte decorativa e aplicada, e centra-se no seu valor artístico em si.

O cenário da inspeção é construído com base na solução espacial da exposição, não apenas significativamente (em tipologia, assunto, estilo e cronologia), mas também visualmente - desde o tempo de Pedro, o Grande, até o Biedermeier.

Terrina (terrina) com tampa 1795

Os temas centrais da nova exposição são: "A época das mudanças: a virada dos séculos XVII-XVIII", à qual se juntam os chamados "primitivos do século XVIII", que transformaram as realidades da nova era na formas de arte tradicional; "Clássicos do século XVIII russo", representando a época de Pedro a Paulo em altos exemplos de arte da corte, bem como "Império Russo" e "Nas Salas", demonstrando duas facetas da cultura russa do primeiro terço do século XIX século - o brilhante estilo imperial e o surgimento de uma cultura da vida privada, correlacionada com o fenômeno do alemão Biedermeier. Ao mesmo tempo, a exposição permite a visualização de obras na ordem habitual - por tipo de arte, destacando móveis, metal de arte, vidro, porcelana, cerâmica, arte de lapidação de pedra, osso e miçangas.

Particularmente digno de nota são itens da igreja únicos como a Cruz Relicário e Panagia, que datam do século XVII. Eles foram feitos usando uma técnica cara na época - esmalte de filigrana. Entre as primeiras exposições estão baús com acessórios de metal e guarnições decorativas, tinteiros, pratos de latão Ural do século XVII - início do século XVIII. Canecas de latão da fábrica dos Demidovs nos Urais são um exemplo notável de utensílios de mesa cerimoniais de metal representativos para a mesa.

A configuração da mesa e os itens da bandeja foram feitos usando diferentes técnicas. Por exemplo, dois copos de vidro azul escuro com os monogramas "EML" e "WGS", produzidos pela Imperial Glass Factory, são um raro exemplo de itens pintados do final do século XVIII - início do século XIX. Monogramas latinos em xícaras pertencem ao embaixador sueco na Rússia em 1793 Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - e sua mãe Ebbe Maria Lagerbring - "EML". As taças foram guardadas por mais de dois séculos no castelo de Skarhult, Skane (Suécia), sendo uma propriedade familiar.

A exposição apresentará amostras únicas de móveis palacianos russos dos séculos XVIII-XIX, entre os quais se destacam o xadrez e as mesas de cartas na técnica de marchetaria. Entre as exposições de móveis típicos da primeira metade do século XIX, destacam-se dois slides de rara qualidade no estilo "jacob". Duas poltronas desenhadas por Osip Ivanovich Bove pertencem à mesma época. Interessa também o relógio de lareira "Minin e Pozharsky", feito pelo bronzer parisiense Pierre-Philippe Thomir e, reproduzindo em formato de interior, o famoso monumento de Ivan Martos, situado na Praça Vermelha.

Bove I.O. Poltrona Primeiro quartel do século XIX

Um lugar especial na exposição é ocupado pela tapeçaria "O resgate dos pescadores", que foi feita na Flandres em uma oficina desconhecida na segunda metade do século XVII - início do século XVIII. Ingressou no VMDPNI em 1999 com o acervo do Museu de Arte Popular. S.T. Morozova. O tema da tapeçaria é emprestado da Bíblia: no centro da composição é retratado um dos milagres - "Andar sobre a água". A tapeçaria foi restaurada em várias etapas - foi parcialmente restaurada por especialistas do Museu de Arte Popular. S. T. Morozov e, já em 2014, a restauração completa foi concluída por especialistas-restauradores do Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia. Assim, a tapeçaria ganhou uma nova vida e será apresentada na exposição pela primeira vez.

Nas respectivas secções temáticas encontram-se luminárias em vidro e cristal, peças de interior em porcelana e bronze de finais do século XVIII-XIX. Cada exposição é um exemplo de referência de um estilo particular, capta o espírito de sua época e representa as possibilidades de excelência artística e técnica.

Essa disposição espacial da exposição permitirá que o museu organize excursões e programas especiais da maneira mais eficiente e interessante. As exposições mais interessantes e significativas serão apresentadas com anotações estendidas, além de códigos QR de acompanhamento, graças aos quais os visitantes poderão receber informações mais detalhadas. A exposição está equipada com um moderno sistema de equipamentos de iluminação. Por sua alta interatividade, a nova exposição promete ser mais animada e interessante, além de facilitar o diálogo criativo com os visitantes, principalmente com o público infantil e juvenil.

Exposição atualizada

"Arte decorativa e aplicada da Rússia no século 18 - primeiro terço do século 19"

Como parte da celebração do 35º aniversário no Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia, foi aberta uma exposição permanente atualizada "Arte Decorativa e Aplicada da Rússia do século XVIII - primeiro terço do século XIX".

“Pedro, o Grande, desafiou a Rússia, e ela respondeu com Pushkin” - o slogan de A.N. Herzen define com mais precisão o significado e os limites da época à qual a exposição dessas salas é dedicada. Os itens aqui apresentados são marcos vivos que marcaram a formação e o florescimento da cultura russa no seio da tradição cultural europeia da Nova Era. Eles capturam as mudanças no modo de vida e nos marcos artísticos, a transformação do antigo e o surgimento de novas formas de objetos, técnicas e até tipos de artes e ofícios.

O design da nova exposição baseia-se no princípio de demonstrar as exposições como objetos de arte únicos, que são combinados em blocos temáticos, estilísticos e tipológicos. Esta solução permite avaliar o valor de cada objeto em termos de tempo, estilo, desenvolvimento de um determinado tipo de arte decorativa e aplicada, e centra-se no seu valor artístico em si.

O cenário da inspeção é construído com base na solução espacial da exposição, não apenas significativamente (em tipologia, assunto, estilo e cronologia), mas também visualmente - desde o tempo de Pedro, o Grande, até o Biedermeier.

Os temas centrais da nova exposição são: "A época das mudanças: a virada dos séculos XVII-XVIII", à qual se juntam os chamados "primitivos do século XVIII", que transformaram as realidades da nova era na formas de arte tradicional; "Clássicos do século XVIII russo", representando a época de Pedro a Paulo em altos exemplos de arte da corte, bem como "Império Russo" e "Nas Salas", demonstrando duas facetas da cultura russa do primeiro terço do século XIX século - o brilhante estilo imperial e o surgimento de uma cultura da vida privada, correlacionada com o fenômeno do alemão Biedermeier. Ao mesmo tempo, a exposição permite a visualização de obras na ordem habitual - por tipo de arte, destacando móveis, metal de arte, vidro, porcelana, cerâmica, arte de lapidação de pedra, osso e miçangas.

Particularmente digno de nota são itens da igreja únicos como a Cruz Relicário e Panagia, que datam do século XVII. Eles foram feitos usando uma técnica cara na época - esmalte de filigrana. Entre as primeiras exposições estão baús com acessórios de metal e guarnições decorativas, tinteiros, pratos de latão Ural do século XVII - início do século XVIII. Canecas de latão da fábrica dos Demidovs nos Urais são um exemplo notável de utensílios de mesa cerimoniais de metal representativos para a mesa.

A configuração da mesa e os itens da bandeja foram feitos usando diferentes técnicas. Por exemplo, dois copos de vidro azul escuro com os monogramas "EML" e "WGS", produzidos pela Imperial Glass Factory, são um raro exemplo de itens pintados do final do século XVIII - início do século XIX. Monogramas latinos em xícaras pertencem ao embaixador sueco na Rússia em 1793 Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - e sua mãe Ebbe Maria Lagerbring - "EML". As taças foram guardadas por mais de dois séculos no castelo de Skarhult, Skane (Suécia), sendo uma propriedade familiar.

Na exposição pode-se conhecer amostras únicas de móveis palacianos russos dos séculos XVIII-XIX, entre os quais o xadrez e as mesas de cartas na técnica de marchetaria são de particular interesse. Entre as exposições de móveis típicos da primeira metade do século XIX, destacam-se dois slides de rara qualidade no estilo "jacob". Duas poltronas desenhadas por Osip Ivanovich Bove pertencem à mesma época. Interessa também o relógio de lareira "Minin e Pozharsky", feito pelo bronzer parisiense Pierre-Philippe Thomir e, reproduzindo em formato de interior, o famoso monumento de Ivan Martos, situado na Praça Vermelha.

Um lugar especial na exposição é ocupado pela tapeçaria "O resgate dos pescadores", que foi feita na Flandres em uma oficina desconhecida na segunda metade do século XVII - início do século XVIII. Ingressou no VMDPNI em 1999 com o acervo do Museu de Arte Popular. S.T. Morozov. O tema da tapeçaria é emprestado da Bíblia: no centro da composição é retratado um dos milagres - "Andar sobre a água". A tapeçaria foi restaurada em várias etapas - foi parcialmente restaurada por especialistas do Museu de Arte Popular. S.T. Morozov e, já em 2014, uma restauração completa foi concluída por especialistas-restauradores do Museu de Arte Decorativa, Aplicada e Folclórica de Toda a Rússia. Assim, a tapeçaria ganhou uma nova vida e será apresentada na exposição pela primeira vez.

Nas respectivas secções temáticas encontram-se luminárias em vidro e cristal, peças de interior em porcelana e bronze de finais do século XVIII-XIX. Cada exposição é um exemplo de referência de um estilo particular, capta o espírito de sua época e representa as possibilidades de excelência artística e técnica.

Essa disposição espacial da exposição permite que o museu organize excursões e programas especiais da maneira mais eficiente e interessante. As exposições mais interessantes e significativas serão apresentadas com anotações estendidas, além de códigos QR de acompanhamento, graças aos quais os visitantes poderão receber informações mais detalhadas. A exposição está equipada com um moderno sistema de equipamentos de iluminação. Por sua alta interatividade, a nova exposição promete ser mais animada e interessante, além de facilitar o diálogo criativo com os visitantes, principalmente com o público infantil e juvenil.

Um lugar importante na cultura do século 18. ocupavam as artes decorativas e aplicadas. Os interiores de estilo rococó tornavam o espaço leve, as paredes pareciam finas, eram escondidas por painéis decorativos e espelhos refletindo uns nos outros, as telas desempenhavam um papel importante. A mobília torna-se graciosa, parece frágil, assume contornos extravagantes. As cores do papel de parede e dos móveis são dominadas pelas cores pastel.

A sala deveria dar a impressão de um boudoir (uma sala destinada à comunicação apenas com pessoas próximas).

Os interiores rococós eram frequentemente complementados por produtos chineses genuínos: telas, porcelana, pintura em laca ou composições decorativas estilizadas como pintura chinesa.

A partir de meados do século XVIII. com o desenvolvimento do neoclassicismo, a decoração de interiores tornou-se simples e bastante rigorosa. Se os interiores franceses eram o modelo do rococó, os interiores ingleses eram o modelo do neoclassicismo. Os interiores do arquiteto inglês eram especialmente famosos Robert Adam(1728-1792). Criando casas senhoriais, o artista as decorou com colunas, pilastras, esculturas. Este estilo é chamado de "estilo de Adão". Distingue-se pela elegância, decoratividade, incluindo organicamente, por vezes, objetos genuínos da antiguidade.

Em roupas e penteados do século XVIII. a mudança de estilos também é detectada. Na época de Luís XV, a aparência de uma pessoa tornou-se uma obra de arte: os banheiros da nobreza eram pretensiosos e sofisticados, os penteados eram fantásticos (as perucas entraram na moda), moscas negras no rosto empoado tornaram-se uma linguagem especial em um diálogo amoroso. “Uma mulher, vestida e penteada como um brinquedo, e calçando sapatos estreitos com saltos, tinha que pisar com muito cuidado para manter o equilíbrio e não desmoronar - isso desenvolveu o hábito de uma marcha flutuante e movimentos suaves do minueto. Eles queriam ver uma mulher como uma boneca preciosa, uma ave do paraíso, uma flor requintada. Tais criaturas fizeram amizade com um ambiente arejado fantástico e caprichoso de interiores de rocaille ”(2, 45).

O traje, especialmente para as mulheres, torna-se uma obra de arte. O traje era desconfortável e impraticável, mas extraordinariamente atraente.

O traje masculino foi vestido da mesma forma que o feminino, e foram escolhidos delicados tons de cores pastel.

O amor por tudo que é gracioso contribuiu para o florescimento da joalheria e da porcelana.

O auge da arte da porcelana europeia também cai em meados do século XVIII. e está associado ao estilo rococó. As mais famosas são a porcelana francesa da cidade de Sèvres e a porcelana alemã de Meissen (Saxônia). Em suas composições, os mestres de Meissen retratavam "festas galantes" - o entretenimento refinado dos aristocratas.

O rococó não foi um estilo como o gótico e o barroco, não se tornou uma direção artística ampla e holística. A difusão dos gostos da época dos Regentes foi preparada pelo próprio destino da nobreza francesa, que floresceu no século XVIII. apenas em uma coisa - no arranjo de uma vida rica e feliz. Era uma vida ociosa cercada de luxo requintado. A arte era um adorno da vida ociosa da nobreza francesa.

As artes decorativas desempenham um papel especial (até a gastronomia é elevada ao nível da arte).

A principal tarefa da arte é agradar; a própria arte é identificada com luxo, diversão e escárnio.

Os espelhos tornam-se uma decoração de parede favorita, são colocados uns contra os outros, dando um número infinito de reflexos.

A necessidade de bens de luxo criou ramos inteiros de produção artística na França graças ao trabalho de fabricantes de móveis, tecelões, modelistas, joalheiros e bordadores.

Motivos decorativos favoritos do rococó - concha, caules e flores.

No campo da decoração, o neoclassicismo voltou-se para os interiores dos salões, mobiliados de maneira antiga. As façanhas do exército napoleônico trouxeram novos motivos decorativos: espadas, bandeiras. Durante a era napoleônica, ocorrem mudanças nas roupas e nos penteados. A moda para tudo que é antigo está se espalhando: desde a silhueta e corte de vestidos, que lembram túnicas e túnicas, até cachos soltos. Não apenas crinolinas e figos desapareceram, mas também diamantes, pedras esculpidas em molduras (gemas) entraram em moda.

Ao contrário de outros tipos de arte na música do século XVIII. O barroco como direção de estilo ainda estava amplamente representado. Os maiores mestres da era barroca na música foram Bach e Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) foi o maior músico do século XVIII, e o impacto de sua música está crescendo. Seu trabalho como compositor era surpreendentemente versátil com uma vida aparentemente modesta (ele era cantor - líder e maestro de um coro de igreja). Desde a infância, Bach era profundamente religioso e aderiu à religião protestante. Foi a Reforma na Alemanha que trouxe o fervor do canto protestante (canto coral). Ao tornar o rito da igreja mais simples e rigoroso, o protestantismo aumentou a importância da música nele. A igreja tornou-se o centro da arte musical, e o organista da igreja tornou-se seu representante. A arte do órgão foi extremamente difundida na Alemanha e, portanto, não é de surpreender que o órgão tenha acompanhado toda a vida de Bach. O seu património organístico inclui vários géneros, entre os quais se destacam os prelúdios corais e os ciclos polifónicos a duas partes. eu fuga. A música de Bach expressa humildade religiosa, pathos, letras e impulso. Junto com naturalidade e simplicidade, suas obras são caracterizadas pela sublimidade e significado. Entre as criações musicais de Bach, há um grande número de verdadeiras obras-primas que receberam reconhecimento mundial.

Outra grande figura do barroco musical surge ao lado de Bach - Georg Frideric Handel(1685-1759). Sua vida foi passada em grandes cidades européias, ele recebeu uma excelente educação musical. A primeira ópera "Rinaldo" encenada em Londres trouxe fama a Handel. Handel escreveu música em muitos gêneros, mas os oratórios (grandes obras vocais e sinfônicas com um enredo desenvolvido) formam o auge de seu legado. A fonte literária dos oratórios mais famosos do compositor foi a primeira parte da Bíblia - o Antigo Testamento. Handel viveu na Inglaterra e os acontecimentos de sua história política, bem como o alcance épico dos assuntos bíblicos, não podiam deixar de despertar seu interesse.

O compositor foi caracterizado principalmente por temas civis. Escolhendo temas bíblicos, Handel admira o poder das paixões humanas. Foi a paixão, o dinamismo e a representação do confronto que caracterizaram o barroco.

Se a primeira metade do século XVIII. na música, o barroco foi definido como um estilo musical, então sua segunda metade se tornou o apogeu do trabalho dos compositores da escola clássica vienense:

Gluck, Haydn, Mozart e Beethoven. As maiores conquistas do classicismo foram associadas a Viena, a capital do enorme Império Austríaco, uma cidade impregnada de música.

A Escola Clássica de Viena respondeu aos sentimentos e ideias do Iluminismo. A arte da música refletia a busca espiritual e os processos artísticos contraditórios de seu tempo. Por exemplo, Lessing influenciou o trabalho de Mozart.

Os princípios do classicismo encontraram sua implementação na música do Iluminismo.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) entrou para a história da música como um reformador da arte operística, que lançou as bases para um novo estilo de ópera. As óperas que Gluck escreveu eram incomuns tanto no conteúdo quanto na maneira como os sentimentos dos personagens eram expressos. A atividade de Gluck ocorreu em Viena e Paris e também foi associada a controvérsias em filosofia e estética, nas quais os iluministas estavam envolvidos. Criticavam a ópera da corte e acreditavam que o teatro antigo combinava idealmente música, plasticidade e recitação.

Gluck tentou dramatizar a ópera, dar-lhe veracidade e naturalidade. Todas as melhores óperas de Gluck, começando com Orfeu, foram escritas sobre temas antigos, nos quais o compositor encontrou personagens poderosos e fortes paixões. Durante a vida de Gluck, suas óperas provocaram acirrada polêmica, mas o tempo mostrou a viabilidade dos princípios, não por acaso que outros compositores de destaque os implementaram.

Joseph Haydn(1732-1809) durante quase três décadas manteve-se como maestro (chefe da capela coral e orquestral), dedicando apenas o seu tempo livre à composição musical. Se Gluck reformou a ópera, Haydn criou sinfonias perfeitas. O seu percurso criativo percorreu diferentes épocas artísticas, mas a obra do compositor esteve associada precisamente à época do Iluminismo. Os iluministas acreditavam no progresso da sociedade e do homem, e a música de Haydn expressa o otimismo e a busca da felicidade. As criações de Haydn são bastante racionalistas: são caracterizadas pela reflexão e harmonia, o que também está em consonância com os princípios racionalistas dos iluministas.

Em seus oratórios, Haydn se refere ao tema da natureza, cujo culto era característico de um iluminista como Rousseau. Foi Haydn quem se tornou o compositor mais brilhante do Iluminismo.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) começou a compor na infância, viajou muito, ganhou fama cedo. Como Gluck, Mozart tornou-se um grande reformador da ópera, não apenas sinfonizando, mas também atualizando-a. Escolhendo uma peça como Crazy Day ou As Bodas de Fígaro, Mozart mostrou seu compromisso com as ideias iluministas. Em A Flauta Mágica, o compositor apresenta uma espécie de utopia, próxima da fé dos iluministas no progresso moral da humanidade. A música de Mozart surpreendentemente combina naturalidade e harmonia, sinceridade e perfeição, clareza impecável e excitação trêmula. A maior realização da música de Mozart foi o famoso "Requiem" - seu último trabalho.

Alemão compositor Ludwig van Beethoven(1770-1827) passou a maior parte de sua vida em Viena. Seus escritos também carregam a marca do Iluminismo. O compositor mostrou-se precisamente nos géneros de sonata e sinfonia, que finalmente ganharam forma nesta época. Suas obras revelam a ponderação de todo o conceito e detalhes individuais, clareza de formas.

Em suas obras mais famosas, está incorporado o tema heróico, o tema da luta, que está associado tanto à personalidade do próprio compositor quanto às peculiaridades de sua biografia: ele sobreviveu aos eventos da Grande Revolução Francesa como um dezenove anos. menino de um ano. Embora as ideias do Iluminismo fossem características da música de Beethoven, ele representa uma nova era, antecipando o romantismo. O estilo musical do compositor difere da arte de outros clássicos vienenses em escopo, drama e força emocional. Tais são a "Sonata Patética", a Terceira Sinfonia ("Heroica"), a Quinta e a Nona Sinfonias, especialmente a "Ode à Alegria", que conclui a última. Todo o legado de Beethoven como um todo teve um tremendo impacto no desenvolvimento da música, especialmente na formação do romantismo.

O estilo de meados do século também afeta as artes e ofícios. Para itens feitos de porcelana, por exemplo, serviço "Próprio" de Elizaveta Petrovna, e outros materiais, formas curvilíneas são características, bem como um ornamento de estuque exuberante, ascendendo no padrão até a concha e brotos de plantas flexíveis. A silhueta caprichosa dos objetos é organicamente combinada com cores brilhantes, abundância de dourados e o brilho das superfícies espelhadas que complementam a imagem festiva do interior.

Pintura da primeira metade do século XVIII

Desde a era petrina, a pintura passou por grandes mudanças. A arte da pintura de cavalete com suas características semânticas e composicionais está tomando forma. A perspectiva reversa é substituída pela transferência direta e associada da profundidade do espaço. A característica mais importante é a imagem da figura de acordo com os princípios da correção anatômica. Novos meios de transferência de volume aparecem. O claro-escuro desempenha o papel mais importante, substituindo a linha de contorno simbólica convencional. A própria técnica da pintura a óleo, com suas técnicas específicas características e o sistema de relações entre as cores, está firmemente, embora não imediatamente, entrando em uso artístico. A sensação de textura é aguçada. O artista adquire a capacidade de transmitir as propriedades específicas do veludo macio, pele de arminho áspero, brocado de ouro pesado e renda delicada. No quadro da trama, novos princípios de interconexão de figuras podem ser traçados. A representação do corpo nu é uma tarefa nova e mais difícil. A própria estrutura da pintura está se tornando mais ramificada. Desde o início do século XVIII, a arte secular cultiva vários tipos de trabalhos de cavalete, pintura monumental em forma de painéis e plafonds e escrita em miniatura. O retrato inclui todas as variedades conhecidas - cerimonial, intimista, nas versões usual e fantasiada, dupla e dupla. Os artistas dominam temas alegóricos e mitológicos. A presença destas características, embora inicialmente reveladas de forma conciliatória, permite-nos falar da emergência de um novo tipo de pintura.

Os primeiros passos para a formação de um retrato estão associados às atividades da oficina de pintura do Arsenal. As obras feitas por mestres russos e estrangeiros, por sua natureza, gravitam em torno do Parsuna. De todas as variantes tipológicas, o Parsuna prefere o retrato cerimonial e encontra-se nesta qualidade em diversas variedades. Entre elas, a "tese-retrato" é a mais arcaica. Ele combina imagens de retrato e inúmeras inscrições explicativas dentro dos limites do espaço icônico convencional. Você também pode falar sobre a "apoteose do retrato". Tais são os retratos-pinturas, simbolizando os feitos de armas de Pedro I. Os retratos comuns de Pedro, Menshikov, Sheremetev em altura e a cavalo também são comuns.

O espaço é interpretado em todos os lugares de forma muito estereotipada, e o arranjo geral dos objetos serve mais como uma designação simbólica de relações espaciais reais. O problema do espaço interno e externo é resolvido igualmente condicionalmente nas relações semânticas e de grande escala. Parsuna desvia um pouco da riqueza de cores característica da pintura de ícones do século XVII. No entanto, a escrupulosa representação da ornamentação das peças de vestuário e vários detalhes conferem às telas um som decorativo acentuado.

O mestre ainda não dominou completamente os novos princípios de transmissão de volume, combinando rostos pintados enfaticamente convexamente e mantos de padrões planos. A grande dimensão das telas, o seu espírito imponente, a riqueza do mobiliário e das joias expostas pretendem ilustrar o significado social do quadro. A imagem é autônoma, é egocêntrica e indiferente aos outros. A pintura, que ainda não amadureceu para a transmissão do indivíduo, procura, a seu modo, perceber as características inerentes a esse personagem. No entanto, o geral e o individual ainda não se fundiram em uma unidade orgânica, e as propriedades concretas mal transparecem sob a máscara tipificadora sumária.

A linha Parsuna, que existiu por um período relativamente curto, principalmente na década de 80 e especialmente na década de 90 do século XVII, encontra posteriormente um fluxo muito forte de obras de artistas estrangeiros e aposentados que praticamente a suplantaram. Ao mesmo tempo, não se deve pensar que foi um episódio acidental no processo geral de desenvolvimento do retrato russo. Afastado das posições principais, o parsuna continuou a existir. Além disso, suas características apareceram na obra de vários artistas importantes como evidência da transição inacabada da escrita medieval para um novo estilo. Como tal, pode ser encontrado nas obras de I. Nikitin, I. Vishnyakov e A. Antropov.

Traços de parsunismo também são encontrados na segunda metade do século XVIII, especialmente nas obras de servos ou artistas provincianos que chegaram independentemente à nova arte, em regra, provenientes da pintura de ícones. Observe que o parsunismo como fenômeno artístico existe não apenas na escola russa, mas também na Ucrânia e na Polônia. Encontra-se também na Bulgária, Jugoslávia e mesmo nos países do Médio Oriente, ou seja, onde a pintura numa situação histórica semelhante está a experimentar uma introdução fundamentalmente semelhante à arte dos tempos modernos e à arte secular.