Testarbete på disciplinen: "Kulturologi"

på ämnet: "Renässansens kultur (renässansen)"

Avslutad:

Studerande

Sankt Petersburg 2008

Introduktion

1. Renässansens kultur

2. Konsten att återföda

3. Renässansens poesi

4. Renässansteater

Slutsats

Introduktion

Renässansen är ett mycket viktigt steg i utvecklingen av den europeiska kulturen. Kronologiskt ingår i medeltidshistoria europeiska folk, som uppstod i djupet feodal kultur Renässansen öppnar en i grunden ny kulturell era, som markerar början på borgarklassens kamp för dominans i samhället.

På detta tidiga utvecklingsstadium var den borgerliga ideologin en progressiv ideologi och speglade inte bara bourgeoisin själv utan också alla andra klasser och stånd som var underordnade den förlegade feodala strukturen av relationer.

Renässanstiden är en period av skenande inkvisition, splittring i den katolska kyrkan, brutala krig och folkliga uppror som ägde rum mot bakgrund av bildandet av den borgerliga individualismen.

Renässanskulturen har sitt ursprung under andra hälften av XIV-talet. Och den fortsatte att utvecklas under hela 1400- och 1500-talen och täckte gradvis alla länder i Europa efter varandra. Uppkomsten av renässanskulturen förbereddes av ett antal gemensamma europeiska och lokala historiska förhållanden.

Under XIV - XV århundraden. tidiga kapitalistiska relationer mellan varor och pengar uppstod. Italien var ett av de första som slog in på denna väg, som till stor del underlättades av den höga urbaniseringsnivån, landsbygdens underordnande till staden, den breda omfattningen av hantverksproduktion, ekonomiska angelägenheter, inriktade inte bara på det inhemska utan också till den utländska marknaden.

Bildandet av en ny kultur förbereddes också av allmänhetens medvetande, genom förändringar i stämningarna i olika sociala skikt av den tidiga bourgeoisin. Kyrkomoralens asketism under en tid präglad av aktivt kommersiellt, industriellt och finansiellt entreprenörskap var allvarligt i strid med det verkliga livet i dessa sociala skikt med deras strävan efter världsliga varor, hamstring och begär efter rikedom. I köpmännens psykologi, hantverkseliten, var särdragen av rationalism, försiktighet, mod i affärssträvanden, medvetenhet om personliga förmågor och breda möjligheter tydligt synliga. En moral bildades som motiverade "ärlig berikning", det världsliga livets glädjeämnen, vars framgångskrona betraktades som familjens prestige, medborgarnas respekt och ära i minnet av ättlingar.

Termen "renässans" (renässans) dök upp på 1500-talet. Termen "renässans" betydde ursprungligen inte så mycket namnet på hela eran som själva ögonblicket för uppkomsten av ny konst, som vanligtvis sammanföll med början av 1500-talet. Först senare fick detta begrepp en bredare innebörd och började beteckna den era då i Italien, och sedan i andra länder, en kultur som motsatte sig feodalism bildades och blomstrade. Engels beskrev renässansen som "den största progressiva omvälvningen av allt som mänskligheten har upplevt fram till den tiden."

1. Renässansens kultur

XIII-XVI århundraden var en tid av stora förändringar i ekonomin, det politiska och kulturella livet i europeiska länder. Den snabba tillväxten av städer och utvecklingen av hantverk, och senare framväxten av tillverkningsproduktion, uppkomsten av världshandeln, som involverar fler och mer avlägsna regioner i sin omloppsbana, den gradvisa placeringen av de viktigaste handelsvägarna från Medelhavet till norr, som slutade efter Bysans fall och de stora geografiska upptäckterna i slutet av 1400-talet och början av 1500-talet, förändrade utseendet på det medeltida Europa. Städer är nu markerade nästan överallt. De en gång mäktiga krafterna i den medeltida världen - imperiet och påvedömet - var i djup kris. På 1500-talet blev den tyska nationens sönderfallande heliga romerska rike skådeplatsen för de två första antifeodala revolutionerna - det stora bondekriget i Tyskland och det nederländska upproret. Tidens övergångskaraktär, befrielseprocessen från de medeltida bojorna som äger rum på alla områden av livet, och samtidigt den fortfarande underutvecklingen av de kapitalistiska relationerna som höll på att bli, kunde inte annat än påverka dragen i den konstnärliga kulturen och dåtidens estetiska tanke.

Alla förändringar i samhällets liv åtföljdes av en bred förnyelse av kulturen - blomstrande av naturvetenskap och exakta vetenskaper, litteratur på nationella språk och i synnerhet de sköna konsterna. Efter att ha sitt ursprung i städerna i Italien, fångade denna förnyelse sedan andra europeiska länder. Tillkomsten av tryckeri öppnade för oöverträffade möjligheter för spridning av litterära och vetenskapliga verk, och mer regelbunden och nära kommunikation mellan länder bidrog till den utbredda penetrationen av nya konstnärliga trender.

Det betyder inte att medeltiden drog sig undan för nya trender: i massmedvetandet bevarades traditionella idéer. Kyrkan motsatte sig nya idéer med hjälp av ett medeltida medel - inkvisitionen. Idén om den mänskliga personens frihet fortsatte att existera i ett samhälle uppdelat i ständer. Den feodala formen av bondeberoende försvann inte helt, och i vissa länder (Tyskland, Centraleuropa) skedde en återgång till livegenskapen. Det feodala systemet visade ganska mycket vitalitet. Varje europeiskt land har överlevt det på sitt eget sätt och i sin egen kronologiska ram. Länge existerade kapitalismen som ett sätt att leva, och omfattade bara en del av produktionen både i staden och på landsbygden. Ändå började den patriarkala medeltida långsamheten att dra sig tillbaka till det förflutna.

De stora geografiska upptäckterna spelade en stor roll i detta genombrott. 1456 nådde portugisiska fartyg Kap Verde och 1486 rundade Diaz' ​​expedition den afrikanska kontinenten söderifrån och passerade udden Bra hopp... Medan de utforskade Afrikas kust skickade portugiserna samtidigt skepp till det öppna havet, i väster och sydväst. Som ett resultat dök de tidigare okända Azorerna och Madeiraöarna upp på kartorna. År 1492 hände en stor händelse - H. Columbus, en italienare som flyttade till Spanien, på jakt efter en väg till Indien, korsade Atlanten och landade nära Bahamas och öppnade en ny kontinent - Amerika. År 1498 tog den spanska resenären Vasco da Gama, efter att ha rundat Afrika, framgångsrikt sina skepp till Indiens stränder. Sedan XVI-talet. Européer infiltrerar Kina och Japan, som de tidigare bara hade den mest vaga uppfattningen om. Erövringen av Amerika började 1510. På XVII-talet. Australien upptäcktes. Idén om jordens form har förändrats: portugisen F. Magellans (1519-1522) resa runt världen bekräftade aningen att den har formen av en boll.

2. Konsten att återföda

Antikens konst är en av grunderna för renässansens konstnärliga kultur. Renässansens representanter finner i den antika kulturen vad som är i överensstämmelse med deras egna strävanden - följsamhet till verkligheten, glädje, beundran för den jordiska världens skönhet, för storheten i hjältedåd. Samtidigt, efter att ha utvecklats under olika historiska förhållanden, efter att ha absorberat traditionerna från de romanska och gotiska stilarna, bär renässanskonsten sin tids prägel. Jämfört med den klassiska antikens konst blir människans andliga värld mer och mer komplex och mångfacetterad.

Vid den här tiden började det italienska samhället att intressera sig aktivt för kulturen i antikens Grekland och Rom, manuskript från antika författare söktes, så verk av Cicero och Titus Livy hittades.

Genom att rita den mänskliga personens ideal betonade renässansfigurerna hennes vänlighet, styrka, heroism, förmågan att skapa och skapa en ny värld omkring dem. Den höga idén om en person var oupplösligt kopplad till idén om hans viljas frihet: en person väljer sin egen väg i livet och är ansvarig för sitt eget öde. En persons värde började bestämmas av hans personliga meriter, och inte av hans ställning i samhället: "Adel är som en sorts utstrålning som utgår från dygden och belyser dess ägare, oavsett deras ursprung." (Ur Adelsboken av Poggio Bracciolini, italiensk humanist från 1400-talet).

Renässansen är en tid av stora upptäckter, stora mästare och deras enastående verk. Det präglas av uppkomsten av en hel galax av konstnärer och vetenskapsmän, bland vilka den första platsen tillhör Leonardo da Vinci. Detta var titanismens tid, som visade sig i konsten och i livet. Det räcker med att påminna om de heroiska bilder som skapats av Michelangelo och deras skapare (poet, konstnär, skulptör). Människor som Michelangelo eller Leonardo da Vinci var verkliga exempel på människans gränslösa möjligheter.

Renässanskonst når en aldrig tidigare skådad storhetstid. Detta beror på det ekonomiska uppsvinget, med en enorm förändring i medvetandet hos människor som har vänt sig till kulten av jordiskt liv och skönhet. Under renässansen sågs den objektiva bilden av världen genom en persons ögon, därför var ett av de viktiga problemen som konstnärer stod inför problemet med rymden.

Konstnärer började se världen annorlunda: platta, till synes okroppsliga bilder av medeltida konst gav vika för ett tredimensionellt, präglat, konvext utrymme. Raphael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) förhärligade med sin kreativitet en perfekt personlighet där fysisk och andlig skönhet smälter samman i enlighet med kraven från antik estetik. Renässanskonstnärer förlitar sig på principerna för imitation av naturen, använd perspektiv, regeln om det "gyllene snittet" i konstruktionen av människokroppen. Leonardo da Vinci beskriver måleriet som "den största av vetenskaperna." Principen om "överensstämmelse med naturen", önskan att återge det avbildade föremålet så exakt som möjligt, liksom intresset för individualitet som är inneboende i denna period, ger en subtil psykologism till renässansmästarnas verk.

Konstnärernas verk blir prenumeration, d.v.s. framhållits av författarens. Fler och fler självporträtt dyker upp. Ett otvivelaktigt tecken på en ny självkännedom är det faktum att konstnärer i allt högre grad drar sig för direkta beställningar och ger sig på att arbeta med en inre drift. Mot slutet av 1300-talet förändrades också konstnärens yttre ställning i samhället väsentligt. Konstnärer börjar hedras med alla typer av offentligt erkännande, positioner, heders- och monetära sinekurer. Och Michelangelo, till exempel, är upphöjd till en sådan höjd att han, utan rädsla för att förolämpa de krönta huvudena, vägrar de höga utmärkelser som erbjuds honom. Smeknamnet "gudomlig" räcker för honom. Han insisterar på att alla möjliga titlar ska utelämnas i brev till honom, och bara skrivas "Michelangelo Buonarroti". Ett geni har ett namn. Titeln är en börda för honom, för den är förknippad med oundvikliga omständigheter och därför åtminstone med en partiell förlust av just den friheten från allt som stör hans kreativitet. Men den logiska gränsen till vilken renässanskonstnären drogs var förvärvet av fullständigt personligt oberoende, givetvis under förutsättning att i första hand skapande frihet.

Om Michelangelo kan kallas mest lysande konstnär Renässansen, sedan Leonardo - den största föreställningen av renässansens konstnär. Michelangelo materialiserade anden och Leonardo förandligade naturen. Om Leonardo och Michelangelo kan föreställas som två poler av renässansen, så kan Raphael kallas dess mitt. Det var hans verk som mest fullständigt uttryckte alla renässansens principer, det passade in i renässansen. Rafaels konst har blivit en symbol för harmoni för alla tider, förkroppsligat den i sig själv.

I renässansens konst har människan blivit ett verkligt och självständigt värde. Inom arkitekturen visar sig detta inte bara i att humanisera byggnadernas proportioner, utan också i att skapa golvidéer. Inom arkitekturen spelade överklagandet till den klassiska traditionen en särskilt stor roll. Det manifesterade sig inte bara i förkastandet av gotiska former och återupplivandet av det gamla ordningssystemet, utan också i den klassiska proportionaliteten, i utvecklingen av en centrisk typ av byggnader i tempelarkitekturen med ett lätt synligt inre utrymme. Särskilt många nya saker skapades inom området civil arkitektur. Under renässansen får stadsbyggnader i flera våningar (stadshus, köpmansskråns hus, universitet, lager, marknader etc.) ett mer elegant utseende, en typ av stadspalats (palazzo) dyker upp - bostaden för en rik borgare, samt en typ av lantvilla. Frågor relaterade till planering av städer löses på ett nytt sätt, stadskärnor rekonstrueras. En attityd bildas mot arkitektur som en manifestation av individuellt behärskning.

Utvecklingen av vokal och instrumental polyfoni fortsätter inom musiken. Särskilt märkbar är den holländska polyfoniska skolan som utvecklades på 1400-talet, som spelade en betydande roll i det professionella Europeisk musik i två århundraden, tills operan dök upp (kompositörerna J. Despres, O. Lasso). V sekulär musik nya genrer dyker upp: frottole - en sång av folkligt ursprung i Italien; Villanisco - en sång om vilket ämne som helst, från lyrisk och pastoral till historisk och moraliserande - i Spanien; madrigal är en typ av sångtexter som framförs på modersmålet. Samtidigt motiverar vissa musikaliska figurer fördelarna med monadisk musik, i motsats till passionen för polyfoni. Det finns genrer som främjar homofoni (monofoni) - solosång, kantat, oratorium. Musikteorin utvecklas också.

3. Renässansens poesi

När han talade om renässansen som en stor historisk revolution, betonade F. Engels i sitt förord ​​till Dialectics of Nature att under denna revolutions lopp bildades nationer i Europa, nationella litteraturer föddes och en ny typ av människa smiddes. . Denna era "behövde titaner" - och "födde titaner i kraft av tanke, passion och karaktär, men mångsidighet och lärande."

Det är svårt att hitta en stor kulturpersonlighet från renässansen, som inte skulle skriva poesi. Duktiga poeter det fanns Raphael, Michelangelo och Leonardo da Vinci; dikter skrevs av Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten, Erasmus av Rotterdam. Konsten att skriva poesi lärdes ut av Frankrikes furstar. Dikter komponerades av påvar och italienska furstar. Till och med den extravaganta äventyraren Mary Stuart släppte graciösa diktrader när hon tog farväl av Frankrike, där hennes homosexuella ungdom passerade. Framstående prosaförfattare och dramatiker var lyriska poeter. Uppenbarligen hade den stora revolutionen sin egen rytm, tydligt fångad av begåvade människor, och deras pulsslag. I det synliga kaoset av historiska händelser som drabbade Europa - i krig, uppror, stora kampanjer till avlägsna länder, i nya och nya upptäckter - lät "sfärernas musik", historiens röst, som alltid är begriplig i revolutionära epoker för att människor som kan höra det... Dessa nya livsrytmer ljöd med stor kraft i poesin, som föddes på nya europeiska språk, som i många fall skaffade sig byteslagar just i samband med poeternas verksamhet.

En viktig och gemensam poäng för hela renässansens europeiska poesi var att den bröt sig loss från sångkonsten, och snart även från det musikaliska ackompanjemanget, utan vilket medeltidens folkdiktning, liksom riddarpoeternas konst - trubadurerna och minnessångarna, var otänkbart. På bekostnad av ansträngningarna från modiga reformatorer blev poesin ett område med strikt individuell kreativitet, där en ny personlighet, född i renässansens stormar, avslöjade sina relationer med andra människor, med samhället, med naturen. Samlingar av italienska poeter från XIV-XV-talen kallas fortfarande på det gamla sättet: "Sångböcker" - "Canzonere", men dikterna trycks redan för att uttalas högt eller läsas för sig själv, för den växande stammens skull. poesiälskare som glömde hela världen över diktboken, som unga hjältar " Divine Comedy "Paolo och Francesca.

Den moderna tidens poesi bidrog dock till att helt bryta sambandet med sången, särskilt folkvisan. Dessutom var det under den tidiga renässansen som en mäktig våg av folkdiktning, främst sångpoesi, svepte över alla europeiska länder. Man kan säga att blomningen av lyrisk poesi på den tiden började just med poesin från folkmassorna - bönder och urbana, som i hela Europa kände hur deras krafter växte, deras inverkan på samhällets liv. Renässansen var en tid präglad av stora folkrörelser som undergrävde medeltidens grunder och förebådade en ny tid.

De djupa kopplingarna mellan folklig revolt och kritik av feodal ideologi avslöjas i The Vision of Peter the Plowman, en dikt från 70-talet av 1300-talet, tillskriven den obskyra förloraren William Langland och fylld med ekon av muntliga ekon. folkkonst... Bäraren av moralisk sanning här är arbetaren, plogmannen. Under XIV-talet bildades uppenbarligen huvudintrigen för balladerna om rebellen och folkets beskyddare Robin Hood, som blev älskad. folklig läsning, så snart tryckpressarna började arbeta i England.

Nordatlantens talrika skärgårdar med sin blandade befolkning av övervägande danskt ursprung har blivit ett slags reserv för balladen, där den fortfarande existerar som en levande poetisk genre. Den danska renässansballaden, vars exempel finns med i denna volym, har blivit en klassisk genre av folkdiktning i Nordeuropa.

Sedan mitten av 1400-talet har boktryckpressar kastat ut många publikationer designade för ett brett spektrum av läsare, exempel på folkdiktning - sånger, romanser, gåtor, såväl som "folkböcker" (bland dem - en bok om Thiel Ulenspiegel och en bok om doktor Faust). De bearbetas och används av humanistiska författare, även de som står väldigt långt från massornas rörelse, men som känner ett sug efter populära källor. Låt oss titta igenom Shakespeares, hans samtida och föregångares pjäser. Hur många folkballader kan vi hitta i själva hjärtat av deras design; i Desdemonas sång om pilpilen, i Ophelias sång om Alla hjärtans dag, i Ardennskogens atmosfär ("Det är inte mycket tjafs om någonting"), där Jacques vandrar, så påminner om en annan skog - Sherwood, tillhållet för skytten Robin Hood och hans glada gröna bröder ... Men innan de kom in i författarnas bläckhus, gick dessa motiv genom torg i engelska städer, genom lantliga mässor och vägkrogar, framförda av vandrande sångare och rädda fromma puritaner.

Poeten från den tiden hade också en annan inspirationskälla: den klassiska antiken. En passionerad kärlek till kunskap drev poeten på långa resor till anatomiska teatrar, till smedjor och laboratorier – men också till bibliotek. Fram till 1400-talet kände en utbildad europé till några verk av latinsk litteratur som hade överlevt från det antika Rom, som i sin tur hade lärt sig mycket av det antika Greklands kultur. Men den grekiska kulturen i sig blev allmänt känd senare, särskilt efter 1400-talet, då Bysans, den sista pelaren i den medeltida grekiska civilisationen i Mellanöstern, kollapsade i kampen mot turkarna. Tusentals grekiska flyktingar, som strömmade från de av turkarna erövrade länderna till Europas kristna länder, bar med sig kunskaper om sitt modersmål och konst, många blev översättare vid europeiska domstolar, lärare i grekiska språket vid europeiska universitet, rådgivare på stora tryckerier som gav ut antika klassiker i original och översättningar.

Antiken blev så att säga den andra världen som renässansens poeter levde i. De gissade sällan att antikens kultur byggdes på slavars svett och blod; De föreställde sig antikens människor som en analogi till människorna på sin tid, och så skildrade de dem. Ett exempel på detta är det upproriska rabblet i Shakespeares tragedier, "antika" bönder och hantverkare på renässanskonstnärers dukar, eller herdar och herdinnor i sina dikter och dikter.

Gradvis, i strömmen av den litterära utvecklingen av den eran, skisserades två trender: en i kampen för bildandet av en ny nationell litteratur fokuserad på antika prover, föredrog deras erfarenhet framför folktradition, lärde unga människor att skriva "enligt Horace" " eller "enligt Aristoteles." Ibland, i sin strävan att komma närmare antika modeller, avvisade dessa "lärda" poeter till och med rim, som var en obestridlig erövring av europeisk medeltida poesi. Representanter för en annan trend - bland dem Shakespeare och Lone de Vega - som uppskattar antik litteratur och ofta utvinner intrig och bilder för sina verk från dess skattkammare, men försvarade ändå för författaren inte bara rätten, utan också skyldigheten, framför allt, att studera och reproducera i poesi leva livet. Hamlet pratar om detta med skådespelarna, i relation till scenskicklighet, och Lone de Vega upprepar detsamma i sin avhandling Om den nya konsten att skriva komedi. Det är Lipet som direkt uttrycker idén om behovet av att räkna med folktraditionen i konsten. Men Shakespeare i sina sonetter, som talar om en viss medförfattare som utmanade hans poetiska berömmelse, kontrasterar hans "lärda", "utsmyckade" sätt med sin egen "enkla" och "blygsamma" stil. Båda strömningarna som helhet utgjorde en enda ström av humanistisk poesi, och även om det fanns interna motsättningar i den på grund av "olika länder av olika sociala skäl, motsatte sig humanistiska poeter de författare av sin tid som försökte försvara den gamla feodala världen, föråldrade estetiska normer och gamla poetiska tekniker.

1400-talet förde med sig många nya saker till italiensk poesi. Vid den här tiden började patricierfamiljer gradvis ta makten i städer, som från handelsstater omvandlades till hertigdömen och furstendömen. De florentinska rikas söner, till exempel det berömda bankhuset Medici, hade en humanistisk utbildning, var nedlåtande för konsten och var inte främmande för dem själva. Humanistiska poeter skapade latinsk poesi med en utbildad läsare i åtanke. Under pennan av sådana talanger som Angelo Poliziano återupplivades kulten av galanta riddare och vackra damer för stadsadelns behov. Kommunstaden, som försvarade sina rättigheter från Medicihusets tunga grepp, svarade på uppkomsten av en ny aristokratisk kultur med den snabba utvecklingen av satiriska och vardagliga folkvisor; Pulci hånade den romantiska fascinationen av det feodala förflutna i den heroiska dikten "Big Morgant". Men i Florens och i synnerhet i Ferrara - hertigarnas d'Estes fästning-huvudstad, återupplivades en riddardikt av kärleksäventyr i en uppdaterad version. Greve Matteo Boyardo, och senare, redan på 1500-talet, Ferrara-poeten Ludovico Ariosto, i graciösa oktaver om riddaren Rolands (Orlando) oerhörda bedrifter och äventyr, som förvandlades från en hård hjälte från det medeltida eposet till en ivrig älskare galen av svartsjuka.

Det senaste bidraget till europeisk renässanspoesi tillhör poeterna på den iberiska halvön; en avgörande vändning till en ny världsbild och en ny kultur skedde här först vid 1400- och 1500-talsskiftet, vilket det fanns skäl för. Först och främst var det en utdragen reconquista, som krävde ansträngning av alla krafter från broderfolken som var splittrade och ofta i strid med sig själva, som bebodde halvön. Spaniens historiska utveckling fortskred på ett märkligt sätt. Kungamakten hade inte ett gediget stöd i spanska städer, och även om den växelvis bröt den upproriska aristokratin och stadskommunerna, blev det ingen verklig statlig och nationell enande: de spanska kungarna regerade enbart på vapenmakten och kyrkans inkvisition. Upptäckten i slutet av 1400-talet av Amerika och beslagtagandet av dess vidsträckta områden med guld- och silvergruvor under en kort tid ledde till en ohörd berikning i Spanien, och sedan till ett prisfall på guld och en katastrofal utarmning av landet, där jakten på lätta pengar undanträngde oro för utvecklingen av hantverk och åkerbruk. Den spanska staten började förlora sin politiska makt, i slutet av 1500-talet föll Nederländerna ifrån den, 1588 besegrades "Invincible Armada" - den spanska flottan som skickades för att erövra England. Reaktionen rådde. Skaror av tiggare och vagabonder sträckte sig över landets solbrända fält och vägar, som, efter att ha blivit äventyrarnas och plundrarnas rike, på många sätt förblev ett feodalt land.

Och ändå blomstrade en lysande renässanskultur i Spanien. Redan senmedeltidens litteratur var här rik och varierad. Aragonesiska, kastilianska, andalusiska traditioner smälte samman till något nytt och absorberade influenserna från Galicien med sin skola av trubadurer, och Katalonien, och särskilt Portugal, som redan på 1400-talet började slåss för nya sjövägar och i allmänhet gick om Spanien i området kulturell utveckling... Nära kulturella band med Spanien stärktes genom att Portugal underkastade sig den spanska kronan under ett halvt århundrade (1580-1640). Mycket viktig för litteraturen på den iberiska halvön var deras hundra år gamla närhet till arabvärldens litteratur. Genom detta kvarter fick spanska poeter många motiv och bilder, särskilt märkbara i romanser på 1400- och 1500-talen. Å andra sidan var Spanien vid den tiden nära förknippat med det sicilianska riket, med Venedig, höll garnisoner och flottor i många städer och hamnar i Italien. Under dess bildande upplevde spansk renässanspoesi det starkaste och bestående inflytandet från italienaren. (Detsamma gäller Portugals litteratur)

Romantiker i någon litteratur i Västeuropa var efterföljare och lärjungar till renässansens mästare. Hennes fullblodiga, humana konst fungerade som modell för många progressiva poeter under 1900-talet. Den socialistiska realismens konstnär, Johannes R. Becher fann det nödvändigt i sin forskning om samtida litteratur inkluderar "Den lilla läran om sonetten" - en studie som innehåller noggrann analys sex språkaspekter av sonetten: franska, tyska, engelska, italienska, portugisiska och spanska.

Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, publicerade på många språk av folken i Sovjetunionen, har blivit inte bara våra samtida utan också våra vapenkamrater. Liksom målningarna av renässanskonstnärerna kom drama, sånger och dikter från renässanspoeterna in i det sovjetiska folkets kulturliv.

En av renässansens titaner - Giordano Bruno - kallade sin bok "Dialog om heroisk entusiasm". Detta namn definierar mycket exakt den andliga atmosfären i renässansen, fångad i poesin från XIV-XVI-talen. Denna poesi avslöjade människans skönhet, rikedomen i hennes inre liv och den otaliga variationen av hennes förnimmelser, visade den jordiska världens prakt, förkunnade människans rätt till jordisk lycka. Renässanslitteraturen lyfte poetens kall till det höga uppdraget att tjäna mänskligheten.

4. Renässansteater

Teater är konsten att prestera dramatiska verk på scenen. En sådan definition av detta begrepp ges av Ozhegovs förklarande ordbok.

Renässansteatern är ett av de ljusaste och mest betydelsefulla fenomenen i hela världskulturens historia; det är en kraftfull källa till europeisk teaterkonst – för all framtid. Den nya teatern föddes ur behovet av att överföra ungdomlig energi till handling. Och om du ställer dig frågan om vilken konstsfär denna handling borde ha strömmat in i, detta hav av roligt, så är svaret klart: naturligtvis inom teaterns sfär. Karnevalsspelet kunde inte längre förbli i sitt tidigare skede av spontana amatöruppträdanden och kom in på konstens stränder och blev kreativitet, berikad av erfarenheten av gammal och ny litteratur.

I Italien – för första gången i Europa – intog professionella skådespelare scenen och förvånade världen med ett ljust, starkt spel som föddes precis där, mitt framför åskådaren, och charmade med sin frihet, passion, briljans och kvickhet.

Så började den moderna tidens teaterkonst i Italien. Det hände i mitten av 1500-talet.

Renässansteatern nådde sin höjdpunkt i England. Nu absorberade han verkligen alla livets sfärer, trängde in i varelsens djup. En mäktig kohort av talanger reste sig från marken. Och århundradets främsta mirakel var en man från Stratford som kom till London för att skriva pjäser för Globe Theatre. Teaterns högljudda namn var berättigat - världen öppnade sig verkligen i Shakespeares skapelser: det förflutnas historiska avstånd sågs, det nuvarande århundradets huvudsanningar klargjordes och mirakulöst, genom tidens slöja, framtidens konturer urskiljdes.

Under renässansens majestätiska era, under Dantes, Leonardo och Michelangelos era, förebådade en liten flagga som vajade över jordklotet en storslagen prestation. Shakespeares geni slog samman allt som tidigare uppnåtts i dramat och på scenen. Nu, på två eller tre timmar på sex eller åtta kvadratmeter, kunde man se världar och epoker.

En riktigt stor teater uppstod. Den nya teatern föddes i Italien. Denna födelse kan inte hänföras till ett strikt definierat datum, namn eller arbete. Det var en lång, mångfacetterad process – både på ”toppen” och ”botten” i samhället. Han gav ett historiskt fullfjädrat resultat först efter det nödvändiga treenigheten av drama, scen och allmänhet.

Om de första experimenten av renässansdramatik kan man med all säkerhet säga att de var pennans skapelser, men ingalunda scener. Kommer ur litteraturens moderskam, det humanistiska dramat, om det ändå lämnade bokhyllorna, då bara då och då och utan större hopp om scenframgång. Och enkla folkfarser och improvisationer av karnevalsmasker lockade publikskaror, även om de inte hade ens en tiondel av de skrivna pjäsens litterära förtjänster. Det var på karnevalen som källan till commedia dell'arte, denna sanna stamfader till den nya europeiska teatern, kom till makten. Det måste jag säga på ett tidigt stadium i utvecklingen av den nya teatern gynnade förhållandet mellan scen och drama båda... Dramat visade sig vara fritt från den farsiska scenens primitiver, och scenen, det vill säga scenkonsten, utan dramatik och lämnad åt sig själv, fick möjlighet att intensivt utveckla sina egna kreativa resurser.

Pomponios akademiska studio blev den första samlingen av amatörer som spelade Plautus komedier. Karaktärer som har varit i positionen i många århundraden litterära hjältar, gick över scenen igen (även om, förmodligen, ännu inte särskilt självsäkert).

Nyheten om upptäckten av den romerske vetenskapsmannen spreds snart över hela Italien. Bland annat spektakel vid domstolar blev det på modet att visa Plautus komedier. Modet var så stort att Plautus spelades på latin i Vatikanen. Alla förstod dock inte latin, så i slutet av 70-talet översatte humanisten Batista Guarini verken av Plautus och Terentius till italienska.

Den framgångsrika utvecklingen av komedi bestämdes av det faktum att det traditionella antika schemat - en ung mans kamp för att äga en älskad, bevakad av strikta föräldrar och tricken från blyga och energiska tjänare - visade sig vara praktiskt att leva skisser av det moderna livet.

Under karnevalen 1508 i Ferrara-palatset visade poeten Ludovico Ariosto sin Comedy of the Chest.

Och det var som om slussarna hade slagit igenom och hållit tillbaka den livgivande bäcken under lång tid. Året därpå dyker Ariostos andra komedi, The Changed, upp och 1513 demonstrerar kardinal Bibbiena sin Calandria i Urbino. År 1514 skrev den före detta sekreteraren i den florentinska republiken, den mest skarpsinniga Niccolo Machiavelli, erans bästa pjäs, Mandragora.

Italiensk komedi 1500-talet utvecklade en viss standard för dynamiska intriger: här upprepades samma situationer ständigt med utbytta barn, med förklädda flickor, skurkaktiga tjänare och komiskt fiasko av förälskade gubbar.

Italienska humanister har arbetat hårt med att studera arvet från Seneca; då föll de grekiska tragedierna - Sofokles och Euripides - i omloppsbanan för sina intressen. Under inflytande av dessa antika författare föddes den italienska tragedin under renässansen, vars första exempel var "Sofonisba" av Gianorgio Trissino (1515).

Trissino var en djup kännare av antik grekisk teater. Han komponerade sin egen tragedi och vägleddes av Sofokles och Euripides verk. I "Sofonisba" användes alla komponenter i den antika tragedin - kören, förtrogna, budbärare, det fanns ingen uppdelning i akter, lagarna för tre enheter och tre aktörer observerades. Men tragedin saknade det viktigaste - ett betydande socialt tema, passionsdynamik, integrerad handling.

Den moderna publiken var intresserad av den tragiska genren, antingen i rent akademisk bemärkelse, eller med en förväntan om att hitta mat för "chocker" här.

Den italienska tragedin gav sådan mat i överflöd.

Den nya tragedin försökte "fånga andan" hos publiken. Fadern dödade sin dotters barn, född i ett hemligt äktenskap, och förde deras huvuden och händer till henne på ett fat, den chockade dottern dödade sin far och högg sig själv ("Orbekka" av G. Chintio, 1541). Hustrun, övergiven av sin man, tvingade sin rival att döda de barn som han hade slagit rot, varefter hon dödade henne och skickade de döda huvudena till sin man; mannen halshögg i sin tur sin hustrus älskare. Mot slutet förgiftade de grymma makarna varandra (”Dalida” av L. Groto, 1572).

"Tragedier of horrors" häpnade med sina blodiga scener, utan att väcka tankar, utan att väcka frågor om meningen med livet och mänskligt ansvar.

I en tid då komedi var på tillbakagång och tragedin inte tog konstens stora väg, vinnaren pastoralen var på den dramatiska arenan.

Till en början fick den pastorala riktningen det mest levande uttrycket i poesin - i verk av Boccaccio ("Ameto", "Fiesolanymfer") och i petrarkisternas texter. Men snart föddes en ny dramatisk genre.

Om den ödesdigra passionen rådde i tragedin, och den sensuella attraktionen rådde i komedin, då rådde "ren kärlek" i pastoralen, som framstod utanför konkreta livsband som ett slags poetiskt ideal.

Teater Engelsk renässans- det här är Shakespeare och hans briljanta entourage: Marlowe, Green, Beaumont, Fletcher, Champen, Nash, Ben Johnson. Men alla dessa efternamn tillhör deras egen ålder och deras nation; Shakespeare, som djupast uttryckte sin tids anda och sitt folks liv, tillhör alla åldrar och alla folk.

Shakespeare Theatre - det är en sorts syntes av renässanskulturen. Efter att ha definierat det mest mogna stadiet av denna kultur, talade Shakespeare med sitt eget århundrade och med de kommande århundradena, som på uppdrag av hela eran av "den största progressiva revolutionen".

Shakespeares verk var resultatet av utvecklingen av den nationella engelska teatern... Samtidigt sammanfattade den i viss mån prestationerna från alla tidigare poetiska, dramatiska och sceniska kulturer i antik och modern tid. Därför kan man i Shakespeares dramer känna det episka omfånget av den homeriska handlingen, och den titaniska skulpteringen av de antika grekernas monotragedier och virvelvindsspelet i den romerska komedin. Shakespeares teater är rik på hög lyrik av petrarkistpoeterna. I Shakespeares verk är de moderna humanisternas röster tydligt hörbara, från Erasmus av Rotterdam till Montaigne.

Den djupare utvecklingen av det nedärvda - det var den viktigaste förutsättningen för födelsen av en ny och mest perfekt typ av renässansdrama, Shakespeares drama.

Slutsats

Humanismens idéer är den andliga grunden för renässanskonstens blomstring. Renässansens konst är genomsyrad av humanismens ideal, den skapade bilden av en vacker, harmoniskt utvecklad person. De italienska humanisterna krävde frihet för människan. "Men frihet att förstå den italienska renässansen", skrev hans kännare A.K. Dzhivelegov, - Jag menade en separat person. Humanismen bevisade att en person i sina känslor, i sina tankar, i sin tro inte är föremål för någon ledning, att det inte borde finnas viljestyrka över honom, vilket hindrar honom från att känna och tänka som han vill." Inom modern vetenskap finns det ingen entydig förståelse av renässanshumanismens natur, struktur och kronologiska ram. Men naturligtvis bör humanismen betraktas som det huvudsakliga ideologiska innehållet i renässansens kultur, oskiljaktig från hela den historiska utvecklingen i Italien under en tidevarv av början av nedbrytningen av feodal och uppkomsten av kapitalistiska relationer. Humanismen var en progressiv ideologisk rörelse som bidrog till upprättandet av kulturmedlen, främst förlitad på det antika arvet. Italiensk humanism gick igenom ett antal stadier: bildning under XIV-talet, en ljus blomstrande av nästa århundrade, inre omstrukturering och gradvisa nedgångar under XVI-talet. Utvecklingen av den italienska renässansen var nära kopplad till utvecklingen av filosofi, politisk ideologi, vetenskap och andra former av socialt medvetande och hade i sin tur en kraftfull inverkan på renässansens konstnärliga kultur.

Den humanitära kunskapen som återupplivades på urgammal grund, inklusive etik, retorik, filologi, historia, visade sig vara huvudsfären i formandet och utvecklingen av humanismen, vars ideologiska kärna var läran om människan, hennes plats och roll i naturen och samhället. Denna doktrin utvecklades främst inom etiken och berikades i det mesta olika områden Renässanskultur. Humanistisk etik har belyst problemet med människans jordiska öde, uppnåendet av lycka genom sina egna ansträngningar. Humanister närmade sig frågorna om social etik på ett nytt sätt, i vars lösning de förlitade sig på idéer om kraften i en persons kreativa förmågor och vilja, om hans breda möjligheter att bygga lycka på jorden. En viktig förutsättning för framgång, de ansåg harmonin mellan individens och samhällets intressen, lade fram idealet om individens fria utveckling och den oupplösligt sammanlänkade förbättringen av den sociala organismen och den politiska ordningen. Detta gav en uttalad karaktär åt många av de italienska humanisternas etiska idéer och läror.

Många problem som utvecklats inom den humanistiska etiken får ny innebörd och speciell relevans i vår tid, då den mänskliga aktivitetens moraliska stimuli fyller en allt viktigare social funktion.

Den humanistiska världsbilden blev en av renässansens största progressiva erövringar, som hade ett starkt inflytande på hela den efterföljande utvecklingen av den europeiska kulturen.

Reformationen spelade en viktig roll i bildandet av världscivilisationen. Utan att förkunna något bestämt sociopolitiskt ideal, utan att kräva samhällets förändring i en eller annan riktning, utan att göra några vetenskapliga upptäckter eller landvinningar på det konstnärliga och estetiska området, förändrade reformationen människans medvetande, öppnade nya andliga horisonter för henne. . En person fick friheten att tänka självständigt, frigjorde sig från kyrkans ledning, fick den högsta sanktionen för honom - en religiös sådan, så att bara hans eget förnuft och samvete skulle diktera för honom hur han skulle leva. Reformationen bidrog till framväxten av en man i det borgerliga samhället - en självständig autonom individ med moraliskt valfrihet, oberoende och ansvarsfull i sina bedömningar och handlingar.

Lista över begagnad litteratur

1. LM Bragina "De italienska humanisternas sociala och etiska synpunkter" (II hälften av 1400-talet) Moscow State Universitys förlag, 1983

2. Ur medeltidens och renässansens kulturhistoria. Förlaget "Science", M. 1976

3. 5 0 biografier om mästare i västeuropeisk konst. Förlag "Sovjetisk konstnär", Leningrad 1965

4. Garei E. Den italienska renässansens problem. - M., 1996.

5. Konsthistoria i främmande länder. - M., 1998.

6. Kulturologi. Världskulturens historia: Lärobok för universitet / Ed. prof. EN. Markova. - M, 1995.

7. Kulturologi. Teori och kulturhistoria: Lärobok. - M .: Society "Knowledge" of Russia, TsINO, 1996.

8. Losev L.F. Renässansens estetik. - M., 1993.

9. Polikarpov V.S. Föreläsningar om kulturvetenskap. - M .: "Gardarika", "Expertbyrå", 1997.

GYMNASIUM UPPMÄNT EFTER AKADEMISKA BASOV

Sammanfattning om ämnet:

Renässanskonst.

Utförare: elev 9 "B" klass

Rakhmanin Alexander

VORONEZH

Introduktion

Renässanskonst

Slutsats

Bilaga A - D. Chernobaev. Hundra vägar. Essä om den italienska renässansen.

Bilaga B - Renässanstabell och menyer.

Bilaga B - Renässansfestens konst.

7. Rapport om sammandraget.

Introduktion.

XIV - XVI århundraden ... Början av medeltidens förfall ... Eran av de stora geografiska upptäckterna ... Eran av den snabba utvecklingen av vetenskapen ... Eran av blomstrande konst och bildandet av de högsta universella idealen ...

År 1456 nådde portugisiska fartyg Kap Verde, och 1486 rundade Bartolomeo Diaz expedition den afrikanska kontinenten från söder och passerade Godahoppsudden. Medan de utforskade Afrikas kust skickade portugiserna samtidigt skepp till det öppna havet, i väster och sydväst. Som ett resultat dök de tidigare okända Azorerna och Madeiraöarna upp på kartorna. År 1492 hände en stor händelse - Christopher Columbus (en italienare som flyttade till Spanien), på jakt efter en väg till Indien, korsade Atlanten och landade nära Bahamas och öppnade en ny kontinent - Amerika. År 1498 tog den spanska resenären Vasco da Gama, efter att ha rundat Afrika, framgångsrikt sina skepp till Indiens stränder. Sedan XVI-talet. Européer infiltrerar Kina och Japan, som de tidigare bara hade den mest vaga uppfattningen om. Erövringen av Amerika började 1510.

Och slutligen, portugisen F. Magellan (1519-1522), efter att ha gjort en fantastisk, vågad, omöjlig resa runt världen, krossade den eviga idén om jordens form, förstörde det platta universum och gav mänskligheten jorden i form av en boll!

Världens gränser har vidgats. Handelsvägar går nu över haven och binder samman kontinenter. Så tack vare de stora geografiska upptäckterna började den första fasen av skapandet av en global civilisation.

I förstörelsen av den medeltida världen hör en enorm roll till utvecklingen av det vetenskapliga tänkandet i Europa, framstegen inom teknik och naturvetenskap. Bland de många upptäckter som var så rika under den eran intar en en speciell plats i dess inverkan på människors sinnen. Detta är den polske vetenskapsmannen Nicolaus Copernicus (1473-1543) heliocentriska teori, som gav en ny vision av universum och en ny förståelse av jordens och människans plats i den. Tidigare ansågs världens centrum vara en orörlig jord med armaturer som kretsar runt den. Nu har utgångspunkten flyttats - jorden har förvandlats till en obetydlig dammfläck i rymden, hängande i tomrummet. Bilden av världen har blivit skrämmande komplex. Copernicus idé bekräftades av hans anhängare - den italienske tänkaren och astronomen Giordano Bruno (1548-1600), fysikern Galileo Galilei (1564-1642).

Naturvetenskapen hade en enorm inverkan på filosofin: en ny bild av världen krävde filosofisk förståelse. För många vetenskapsmän var vetenskapens framgångar en bekräftelse på människans gränslösa möjligheter. Den franske matematikern och fysikern René Descartes (1596-1650) skapade en ny bild av universum och härledde de lagar som styr det. Samtidigt baserade han sig på naturvetenskapernas data och introducerade dem i filosofin. Världen verkade för honom som en enorm mekanism, vars rörelse bestämdes av Gud - "den stora geometern", som Descartes kallade honom.

Den engelske vetenskapsmannen och politikern F. Bacon (1561-1626) i sitt berömda verk "New Organon" hävdade att världen omkring oss, naturen bör studeras, endast lita på erfarenhet, vetenskapliga experiment. Han äger också idén, som var avsedd att spela en nyckelroll i det intellektuella livet på 1700-talet, att vetenskapen ska ge en person makt över världen, förändra livet och till och med sociala relationer.

Så, oväntat för sig själv under XIV-talet i Italien, och i andra länder under XV-talet, rusade Europa uppåt från medeltidens mörker och tog det första steget in i universum, och från medvetandets position tog det det första steg in i förnuftets universum. Detta var början på renässansen, renässansen.

Renässanskonst.

Konsten i det medeltida Europa, som en svamp, absorberade ivrigt den livgivande fukten av förändringarna som ägde rum i det uppvaknande Europa. Allt som behövdes var en liten drivkraft för att smula till damm de till synes orubbliga dogmerna och idealen. Och en sådan drivkraft lät inte vänta på sig. Även om det vore mer korrekt att kalla det en jordbävning. Denis Chernobaev skrev mycket bildligt om denna period: "Under de senaste århundradena började det lidande landet Italien, rikligt vattnat med svett och blod i arbete och krig, plötsligt ge en person fantastiska frukter som inte har något att göra med. göra med en bondes arbete. Bondhacka och plogar, som gjorde ett ringande ljud, snubblade över mänskliga gestalter skapade av sten och resterna av vita marmorskulpturer. Tog dem ur jorden in i Guds ljus, upptäckarna av svunnen tid tiden beundrade ofrivilligt vitaliteten, harmonin och försvarslösheten i skulptörernas skapelser. Tyvärr kunde det hållbara naturmaterialet inte stå emot vandalismens alltförstörande tryck. En ny civilisation var på väg. återuppstå på högar av spillror." Förmodligen var det vid denna tid som Europa förverkligade sig självt i en enda, kontinuerlig, allt sammankopplande tidsström, som det skyndade sig att störta i av glädje.

Ja, renässansens konst skapades av den magiska, livgivande kraften hos proverna av antik kultur. Men samtidigt hade renässansens kultur också medeltida rötter - de sekulära traditionerna av urban, folklig, riddarkultur.

Den ideologiska grunden för renässanskonsten var humanismen - en doktrin baserad på erkännandet av "värdet av en person som individ, hans rätt till fri utveckling och manifestation av sina förmågor, bekräftelsen av människans bästa som ett kriterium för att bedöma sociala relationer." Kyrkans askes vacklade under trycket av nya moraliska värderingar, riktade mot det världsliga livets glädjeämnen. Höjdpunkten av värdet Olympus var familjen, medborgarnas respekt och ära i minnet av ättlingar. Ja, humanisterna såg till en början sin huvuduppgift i återupplivandet av den antika kulturens ideal (därav namnet - renässansen, för första gången hittas denna term av den italienske målaren och konsthistorikern Vasari i mitten av 1500-talet) . Men det dominerande inslaget i renässanshumanismen var idén om en man vars höga värdighet inte bestämdes av adeln av ursprung, inte av titlar eller rikedom, utan bara av personlig tapperhet, adel i gärningar och tankar.

Tidiga humanister: poetfilosofen F. Petrarch (1304–1374), författaren G. Boccaccio (1313–1375)  ville skapa en underbar mänsklig personlighet, fri från medeltida fördomar, och därför försökte de först och främst förändra utbildningssystemet: att introducera humanitär vetenskap, med fokus på studier av antik litteratur och filosofi. Samtidigt undergrävde humanisterna inte på något sätt religionerna, även om kyrkan själv och dess ministrar var föremål för åtlöje. Snarare försökte man förena de två värdeskalorna.

I sina Bekännelser skrev Petrarca att kristendomens asketiska moral renar själen, men medvetenheten om värdet av den jordiska tillvaron, som ärvts från grekerna och romarna, är inte mindre viktig. Därmed eliminerades den medeltida oppositionen av kött och ande.

Hednisk vitalitet och kristen ödmjukhet kompletterade varandra i renässansens kultur, deras kombination födde idealen om harmoni och balans. Detta kan illustreras av raderna från en av renässansens största gestalter, Leonardo da Vinci (1452-1519):

Kärlek är sublim när man är i förening av två

Naturen håller klokt i vågen

Kärlek och själ i perfekt balans.

Själva utrymmet runt personen har förändrats. Sekulära byggnader började dominera i arkitekturen - offentliga byggnader, palats, stadshus, med hjälp av ordningen (pelargång) indelningen av muren, välvda gallerier, pelargångar, valv, kupoler, arkitekter (Brunelleschi, Alberti, Bramante, Palladio i Italien, Lescaut, Delorme i Frankrike) gav sina byggnader är majestät, kombinerat med lätthet, harmoni och proportionalitet till en person (i motsats till den gotiska, som undertryckte en person).

Konstnärer började se världen annorlunda: platta, till synes okroppsliga bilder av medeltida konst gav vika för ett tredimensionellt, präglat, konvext utrymme där ett nyckfullt ljusdis leker med skuggans viktlösa transparens. Donatello, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian, Veronese, Tintoretto i Italien, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Pieter Bruegel, Hieronymus Bosch i Nederländerna, Durer, Heathol Niethard i Nederländerna, Fouquet, Goujon, Clouet i Frankrike behärskade konsekvent den konstnärliga reflektionen av all rikedom av verkligheten - överföringen av volym, rymd, ljus, bilden av den mänskliga figuren (inklusive naken) och den verkliga miljön - interiören, landskapet , allt som omgav en person och var en del av hans väsen ... glorifierat med sin kreativitet en perfekt personlighet där fysisk och andlig skönhet smälter samman i enlighet med kraven från den antika estetiken. Ja, inspirationskällan för dem fanns i den antika kulturen. Men i deras arbete, som i en sann spegel, speglades omvärlden. Men renässansen är också en era av krig, pest (pest, smittkoppor), den fortfarande ihärdiga kyrkliga obskurantismen, när människor brändes levande på bål liknande bålarna från Petrarcas, Leonardo da Vincis och många, många andras skapelser. Giordano Bruno brändes på bål, Galileo tvingades avstå från sin tro ... Det är därför färgerna på Holbeins dukar är så dystra. Det är därför Dürer är så tragiskt fruktansvärd, som skildrade mänsklighetens död i en serie gravyrer "Apokalypsen" (15 stycken - illustrationer för Johannes teologens uppenbarelse). Den mest kända är arket "Fyra ryttare", som symboliserar människors fruktansvärda olyckor: krig, hunger, orättfärdig dom och död. Deras hästar trampar alla på deras väg, även kungen och prästen. Det är därför fantastiska monster tittar på oss från den holländska konstnären Hieronymus Boschs dukar.

Renässansmannen - han gläds naivt över antikens levande sensualitet, strävade efter att förstå världen omkring honom och sig själv i denna värld, och samtidigt var han rädd ända till slutet för att se in i sin själs bottenlösa avgrund . Fransk poet från 1400-talet. François Villon uttryckte idén om en persons okunnighet om sig själv på följande sätt:

Jag vet hur flugor landar på honung.

Jag vet allt, men inte jag själv.

En man med sina jordiska passioner och begär dök också upp i litteraturen. Det tidigare förbjudna temat köttslig kärlek, dess naturalistiska beskrivningar har fått rätten att existera. Det köttsliga undertryckte dock inte det andliga. Liksom filosofer försökte författare skapa harmoni mellan de två principerna, eller åtminstone balansera dem. I den berömda "Decameron" av Boccaccio varvas busiga oseriösa berättelser om vällustiga människor med tragiska berättelser om obesvarad eller osjälvisk kärlek. I Petrarchs sonetter tillägnade den vackra Laura ges himmelsk kärlek jordiska drag, men jordiska känslor upphöjs till himmelsk harmoni.

Renässansen placerade i centrum en mänsklig personlighet, energisk, strävande efter att förvandla världen, med en uttalad viljeprincip. Renässansens kultur var så att säga fortfarande för ung och naiv, och den satte fortfarande framför allt den mänskliga personens skönhet, människokroppens skönhet och den sublima bilden av kosmiska vidder. I framtiden, efter renässansen, kommer denna unga och vackra individualism, som perfekt och ärligt känner sina begränsningar, att utvecklas i sin isolering, i sin avlägsenhet från allt yttre och från allt levande, i sin stelhet och grymhet, i sin omänsklighet mot allt. runt omkring.

I detta sammanhang kan man inte annat än citera orden från den enastående ryska vetenskapsmannen A.F. Losev. "Renässansens estetik," skriver A. F. Losev, "baserade sig på den mänskliga personligheten, men hon förstod perfekt begränsningarna för denna personlighet. Hon förklarade våldsamt och våldsamt det mänskliga subjektets rättigheter och krävde hans frigivning, både andlig och mental, och kroppslig och allmänt materiell. Men renässansens estetik hade en anmärkningsvärd egenskap, som inte fanns i den borgerligt-kapitalistiska världens efterföljande estetik: den kände till och kände alla begränsningar hos det isolerade mänskliga subjektet. Och detta har för alltid satt tragedins stämpel på hela det oändligt revolutionära elementet i väckelseindividualismen."

Enligt Losev gavs den djupaste kritiken mot individualismen på 1500-talet. Shakespeare, vars titaniska hjältar är så fulla av renässans självbekräftelse. Shakespeares karaktärer (Hamlet, Macbeth) visar hur renässansens individualism avslöjar sin egen otillräcklighet och sin tragiska undergång. Renässansen, som så djupt penetrerar hela essensen av Shakespeares verk, förvandlas i var och en av hans tragedier till bara ett helt berg av lik, eftersom sådan är den fruktansvärda, på intet sätt oemotståndliga och dödliga självkritiken av hela renässansens estetik. Shakespeare,  hävdar Losev,  renässansindividualismens kolossala skapelse, gav vid den borgerliga individualismens gryning en skoningslös kritik av denna absoluta individualism, om än bara på 1800- och 1900-talen. började förstå alla dess begränsningar och omöjligheter.

Slutsats.

Genom att rita den mänskliga personens ideal betonade renässansfigurerna hennes vänlighet, styrka, heroism, förmågan att skapa och skapa en ny värld omkring dem. De italienska humanisterna Lorenzo Valla (1407-1457) och L. Alberti (1404-1472) ansåg den samlade kunskapen som hjälper en person att göra ett val mellan gott och ont som en oumbärlig förutsättning för detta. Den höga idén om en person var oupplösligt kopplad till idén om hans viljas frihet: en person väljer sin egen väg i livet och är ansvarig för sitt eget öde. En persons värde började bestämmas av hans personliga meriter, och inte av hans ställning i samhället: "Adel är som en sorts utstrålning som utgår från dygden och belyser dess ägare, oavsett deras ursprung." (Ur "Adelsboken" av Poggio Bracciolini, en italiensk humanist från 1400-talet.)

Det var en era av spontan och våldsam självhävdelse av den mänskliga personligheten, som frigjorde sig från den medeltida förtryckande, slutna moral som underordnar individen helheten. Detta var titanismens tid, manifesterad i konsten och i livet. Det räcker med att påminna om de heroiska bilder som skapats av Michelangelo, och deras skapare själv, poeten, konstnären, skulptören. Människor som Michelangelo eller Leonardo da Vinci var verkliga exempel på människans gränslösa möjligheter.

Upptäckten av renässansen var en nära tillbakablick, i djupet av århundradena, under den tid som redan levdes av människorna som en gång bebodde Rom, den antika och stora staden. Humanister, som såg tillbaka till antiken, förblev villkorslösa kristna. I sina egna liv, i sina humanitära studier, kopplade de samman två jämställda världar – antiken och den kristna medeltiden. Således skapar renässansen en hittills okänd tillfällig enhet - mänsklighetens andliga historia. Att förbli kristna och inte inkräkta på den heliga kyrkans rättigheter, inte förneka den Allsmäktige, utan bara försöka klargöra Hans huvudplan för människan, humanisterna inskrivna i den italienska verkliga världen, och sedan hela det europeiska vardagslivet, verken, dagar, språk och vetenskapliga yrken hos de gamla romarna och grekerna ... För första gången kände Europa tidernas levande förbindelse. I slutet av renässansen kommer denna känsla att gå förlorad, och Hamlet kommer att uttala de ödesdigra orden: "Tidernas förbindelse har brutits upp ...".

Bilaga A.

Denis Chernobaev
Hundra vägar
1997-10-01

Under en serie av senaste århundraden började Italiens lidande land, rikligt vattnat med svett och blod i arbete och krig, oväntat förse en person med fantastiska frukter som inte har något att göra med en bondes arbete. Bondhacka och plogar, som gjorde ett ringande ljud, snubblade över mänskliga gestalter gjorda av sten och resterna av vita marmorskulpturer. Genom att föra dem ut ur jorden in i Guds ljus, beundrade upptäckarna av svunnen tid ofrivilligt vitaliteten, harmonin och försvarslösheten i skulptörernas skapelser. Tyvärr kunde det hållbara naturmaterialet inte stå emot det alltförstörande trycket från vandalism. En ny civilisation skulle återuppstå på högar av spillror.

Renässansen eller renässansen (franska) kallas i kulturhistorien i länderna i Väst- och Centraleuropa en era som övergår från medeltida kultur, som kännetecknas av askes, med dess förakt för allt jordiskt och kroppsligt, till den moderna kulturen. gånger. Den italienska konstens segerrika väg börjar redan på 1200-talet. Vid denna tidpunkt i litteraturen skapar Dante, genom en gigantisk syntes av sin "gudomliga komedi", den medeltida poesins svanesång, samtidigt som han profeterar om en ny era. Samtidigt skapar Pisanos far och son, i skulptur, och, särskilt i målning av Giotto, grunden för ny konst, med all erfarenhet från den tidigare konstutvecklingen. Dante, Pisano, Giotto - en poet, skulptör och målare - är nästan samma år gamla, och deras verk bär samma drag av sund realism, ljust temperament och stark vilja. Med början av konstens stora vändning mot människan, från vilken renässansen börjar, kastade den europeiska mänskligheten av sig sina gamla trasor och tog på sig lätta glänsande kläder.

Humanismen (från lat. Humanus - mänsklig) förde närmare och överförde till människan (konkret, jordisk) universums egenskaper och krafter. Francesco Petrarca (1304-1374) (?) Var den första store humanisten, poeten och medborgaren som kunde se helheten i förerenässansens tankeströmningar och förena dem i en poetisk syntes, som blev programmet för framtida europeiska generationer . (Veselovsky A. N. Petrarch i den poetiska bekännelsen "Canroniere" 1304-1904 St. Petersburg 1912). Fenomenet Petrarca är enormt. Det omfattas inte ens av det högsta erkännandet av hans egna litterära meriter. Personlighet, poet, tänkare, vetenskapsman, offentlig person är oskiljaktiga i honom. I sexhundra år har mänskligheten hedrat den store italienaren främst för det faktum att han bidrog till början av en ny era i upptäckten av världen och människan.

Petrarca är grundaren av ny modern poesi. Hans "Sångbok" bestämde nästan helt och hållet under lång tid utvecklingen av europeisk lyrisk poesi, och blev ett slags obestridlig modell. Utan Petrarch, texterna från Frankrike, Camões i Portugal, Shakespeare och elisabethanierna i England, hade Kochanowski i Polen inte ägt rum. Petrarca tillskrev den omgivande naturen till jordiska glädjeämnen. Han, som ingen av sina samtida, visste hur han skulle se och iaktta henne, han visste hur man kunde njuta av gräset, bergen, vattnet, månen och solen, vädret. Därav landskapen så ofta och så kärleksfullt skrivna i hans poesi. "Natura" är ett av grundbegreppen i Petrarcas verk. Den är mångfacetterad. Det mest karakteristiska påståendet för en humanist är natur-mamma, förälder. Den är skapad och utrustad med olika väsentliga egenskaper och graden av deras manifestation stenar, växter, insekter, fåglar, djur, människor. Naturen bestämmer enheten, ordningen, skönheten, ändamålsenligheten, nyttan, den ultimata godheten i världen och dess delar. Naturen är utrustad med ett antal teistiska egenskaper, såsom personifiering, visdom, kreativitet, makt. Samtidigt, tror humanisten, ger naturen en person inte bara med två händer, styrka, köttslig skönhet, etc., utan också med moraliska förmågor, vältalighet, förnuft och till och med dygd. Till otvivelaktiga jordiska glädjeämnen tillskrev Petrarch tron ​​på människans skönhet och kraften i hennes sinne. Han hänvisade också till dem varje kreativ manifestation: vare sig det är i musik, poesi, filosofi, måleri, etc. Petrarca såg konstens kallelse i skildringen av djärva och sanningsenliga gärningar, levande människors ädla strävanden. Under medeltiden, och även under antikens tidevarv, som han vördade för tillbedjan, sågs naturens skönhet endast på ett sådant sätt att de i fantasin bebodde skogar och vatten med halvgudar, fauner, satyrer, nymfer, sirener, detta så att säga animerar en själlös verklighet. För Petrarca ägde naturen en själ även utan hedniska och kristna monster och gudar, eftersom hennes kontemplation väckte upphöjda känslor hos honom.

Men det fanns en annan själ som liknar Petrarca, som urskiljde naturens skönhet, som medeltiden inte såg. Det var Ambrogio Lorenzettis själ. Den här mannen gissade att naturen är vacker. Före honom målades landskap endast som en bakgrund till heliga berättelser, som skildrade de otroliga mirakel av helgonen i den andra världen. Ambrogio och hans äldre bror Pietro var elever till den berömda Sienesiska målaren Simone Martini, tillsammans med vilken de i Sienesisk målning efter Duccio är de viktigaste kreativa personligheterna. Det första kända verket av Ambrogio Lorenzetti skapades 1319 för kyrkan Sant'Angelo i Vico l Abate nära Florens. Det är Madonna av Vico l Abate. Här visar sig för första gången en överraskande ny, ljus individualitet, som omedelbart blir märkbar efter "Maesta" av Duccio och Simone Martini; även efter "Madonna Onissanti" av den florentinska Giotto. Om Giotto G. Vasari (krönikören som uppskattade renässansens storhet, skapade en unik historisk och konstnärlig bok "Biografier över kända målare, skulptörer och arkitekter från renässansen") skrev detta: "Giotto öppnade sanningens portar för dem som har lett konst till stor perfektion". I sin bok visar Vasari att de första manifestationerna av nyrenässanskulturen går tillbaka till slutet av XIII - början av XIV-talet (kallar denna period för proto-renässans - konstens "barndom", befriad från medeltida traditioner) . Den här tidens största mästare, den florentinska Giotto - "Dante italienska målning" (som Vasari kallar honom) var en av grundarna av renässansens konst.

Skaparna av XIII - tidiga XIV århundraden lägger grunden för en ny ideologi; blomstrande och utbredd förekommer senare, från 1400-talet. från den tid då de slutligen segrande rika stadsborna överlämnade makten till Cosimo Medici i Florens och började med all sin karaktäristiska energi att omorganisera och dekorera världen omkring dem. Renässanssolen gick upp över Italien. Då var Italien inte ett enda land. Den bestod av små hertigdömen och republiker som låg i krig med varandra. Ägaren av varje stat strävade efter att glorifiera sig själv och tog gärna emot artister, musiker, sångare, poeter och artister vid sitt hov. Florens, styrt av Medicidynastin av ull och bankirer, blev sedan den mest avancerade italienska republiken inom konst, filosofi och naturvetenskap. Medici-stjärnan lyste och började stiga högre och högre under Florens ekonomiska uppgång på 1400-talet.

Nu, på 1400-talet, är Florens ekonomis blomstring ett minne blott, men just nu har dess konst nått en fantastisk blomstring. Hon gick igenom renässansen, enligt F. Engels, "den största progressiva revolutionen av allt som mänskligheten har känt". Renässansen återupplivade intresset för människan, rättfärdigade hennes kött, som under medeltiden ansågs vara ett "syndens förråd". Intresset ökade också för antik filosofi, i synnerhet Platons idealism. På tröskeln till denna lysande tid finns de största mästarna i de nya väckelseprinciperna; allmänt använd på 1400-talet - målare Masaccio ("Utdrivning från paradiset"), Mantegna ("Tillbedjan av männen), Botticelli (Venus födelse"). Den största arkitekten genom tiderna, arkitekten Brunelleschi, som återupplivade de gamla romarnas konst och till och med skapade något ännu större. Födelsen av en ny arkitektonisk stil.

Två florentinska juvelerare, Brunelleschi och hans unga vän Donatello reste till Rom - källan till skönhet och perfektion. Brunelleschi ville bli arkitekt, Donatello skulptör, och båda var inte nöjda med vad de kunde lära sig hemma. I Florens, från den antika världens tider, återstod ingenting annat än formlösa ruiner och fragment av skulpturer. Också Roms fornminnen låg till största delen i ruiner, men det fanns fortfarande flera byggnader som i sin stympning väckte vördnad: Colosseum, Pantheon, Titus och Konstantins triumfbågar, uppförda i antikens Rom. Av statyerna av kejsare och hedniska gudar återstod bara en att stå - ryttarstatyn av kejsaren Marcus Aurelius. Resten, efter kristendomens tillträde, kastades från sina piedestaler, några bröts sönder, de täcktes med jord och bevuxna med gräs. Båda florentinerna såg med förtjusning på allt som återstod av romersk konst. Brunelleschi tillbringade hela veckor på Pantheon. Donatello studerade ryttarstatyn. Törsten som grep dem att se så många monument av antik konst som möjligt tvingade dem att börja gräva delar av det som en gång hade varit integrerat från marken. Den främsta skatten som reste sig ur de begravda ruinerna var nytänkande och ny konst. Donatello och Brunelleschi kopierade inte skapelser av romerska författare, skulptörer, arkitekter, de tände sin kreativa fantasi med dem. Donatello ville vara en anhängare av romarna i en korrekt naturskildring. Vad Dante, Petrarch, Giotto, Lorenzetti, Leonardo, Michelangelo, Raphael famlade efter: en ny man, en renässansman, föddes äntligen i Florens. I skapelserna av Donatello och Brunelleschi. Det var, enligt Giorgio Vasari, den andra perioden - konstens "ungdom", då bildens realism kan uppnås genom att studera anatomi och perspektiv, och konstnärer uppnår perfektion - genom att strikt följa måtten i proportioner.

Målningens konstnärliga system, som tog form under "sommaren" av renässansen, börjar redan från början av 1500-talet förändras, berikas, förbättras, men dess grundprinciper förlorar inte sin betydelse fram till våra dagar. Den tredje perioden (slutet av 1400-talet och mitten av 1500-talet - Högrenässansen) är guldåldern, mognadstiden och fullständig behärskning av naturbilden och teknisk perfektion som överträffade även gamla bilder. Under denna period representerade renässansen de magnifika frukterna av det ekonomiska uppsving som ägde rum under XIII-XIV-talen. Därför är det inte förvånande att stora artister-florentinare, riktiga titaner - Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarotti, Raphael Santi från Urbino, steg upp på dess våg; de höjde konstskolan till ouppnåeliga höjder. Den äldsta av dessa tre stora figurer inom florentinsk konst var Leonardo da Vinci. Om honom, en av slutförarna av renässansens konst, kan samma sak sägas som Vasari säger om en av grundarna av denna konst - Giotto, som också (liksom Leonardo) växte upp i en lantlig miljö: på plattorna, på sanden, på marken, något från naturen eller något som kom in i hans huvud." I sin ungdom befann sig Leonardo i Verrocchios studio, där Brunelleschis tradition bevarades, vars konst hade ett speciellt inflytande på bildandet av den unga Leonardos kreativa bild. Vid tiden för sitt framträdande i studion arbetade Verrocchio på statyn av "David" (den andra, den första skapades av den store Donatello). En 14-årig pojke deltog i detta arbete. Och alla beställningar för Verrocchios verkstad utfördes inte utan deltagande av Leonardo, som utan tvekan spelade en stor roll i bildandet av konstnärens kreativa individualitet - själva innehållet, deras teman, så att säga, beskrev de ytterligare vägarna i hans liv och arbete.

Tre decennier efter Leonardos födelse föddes en man som var avsedd att bli den största efterföljaren av de geniala skaparna under hela renässansen.

Raphael, den yngste av de tre titanerna, kände inte till smärtan av kreativitet som var inneboende i hans föregångare, vilket gör skapelserna av hans briljanta borste särskilt attraktiva. Han förkroppsligade renässansens konstnärliga ideal i sina talrika verk i största möjliga utsträckning. Leonardo lärde honom mycket, men Raphael blev inte hans blinda anhängare. Hans favorittema var Madonnan, vars hängivna moderliga kärlek, ömma kvinnlighet, han visste hur han skulle skildra med oöverträffad charm. Precis som Botticelli gav Raphael ut i sina målningar en känslighet som var så sällsynt under den italienska renässansen. Det bästa av Rafaels verk relaterade till temat Madonnan är Madonna på en grön äng. Ansiktet på en ung guldhårig mamma förkroppsligar det kvinnliga skönhetsideal som Raphael letade efter under hela sitt liv och som han själv inte kunde hitta i en enda riktig kvinna. När han skapade den här bilden kom Raphael verkligen ihåg Leonardos "Madonna i grottan".

Michelangelo är Leonardos totala motsats både i sin politiska övertygelse och i sin konstnärliga smak. Han fann Leonardos skapelse sentimental, medeltida. Från det första ögonblicket de träffades kände de två största mästarna motvilja mot varandra, blandat med respekt och avund. En av höjderna av all renässanskonst är målningen av taket i Sixtinska kapellet, men skulptur var dess verkliga element. Hans skulpturer och arkitektoniska skapelser är strama, kan man säga, hårda, som hans andliga värld. Han hade ingen brist på känslor, men det var känslor av bitterhet, förtvivlan, beredskap för vad som helst och ofta även hat. Den som inte tar emot ljuset av andras kärlek kan inte reflektera det. Michelangelos mentala värld överskuggades inte bara av ensamheten i hans personliga liv, utan också av tragedin som utspelade sig framför hans ögon. Han fick utstå till slutet vad Leonardo och Raphael inte levde för att se: att se hur Florens förvandlades från en fri republik till ett Medici-hertigdöme.

Michelangelo fann skönhet, som inte blandas med lidande och olycka, i arkitekturen. Som en värdig efterträdare till Brunelleschi skapade han kupolen på Peterskyrkan i Rom, och är än i dag oöverträffad i storlek. inte heller i storhet.

Leonardo, Raphael, Michelangelo ... Dessa lysande mästares liv och arbete blir det sista ackordet i den renässanskulturens symfoni.

Bilaga B.

Renässansmeny och bord.

XVI - början av XVII-talet ändrade inte i grunden näring i jämförelse med XTV-XV-århundradena, även om de första konsekvenserna av de stora geografiska upptäckterna redan har börjat påverka européernas mat. Västeuropa har ännu inte befriat sig från rädsla för hunger. Tillhandahållandet av mat berodde, som förr i tiden, till stor del på de naturliga, klimat- och väderförhållandena i området. Samtidigt har marknadsband, kommunikationsvägar och fordon, även om de utvecklats framgångsrikt, ännu inte slutgiltigt erövrat den lokala isoleringen, till viss del, bondeekonomins naturliga karaktär. Det fanns fortfarande stora skillnader i näringen av samhällets "topp" och "botten", bönder och stadsbor.

Maten var ganska monoton. Cirka 60% av kosten bestod av kolhydrater: bröd, platta kakor, olika spannmål, soppor. De huvudsakliga sädesslagen var vete och råg, varav det förra rådde i Syd- och Centraleuropa, det senare i Nordeuropa. Dinkel och hirs (i de södra regionerna), havre (i de norra regionerna) kompletterade väsentligt de viktigaste spannmålsgrödorna. Korn var extremt utbrett. Sedan XVI-talet. Bovete lades till "brödmenyn" för invånarna i Nord- och Centraleuropa, och majs (majs) importerad från Amerika tillsattes till sydborna.

De fattigas bröd var annorlunda än de rikas bröd. På de senares bord var det vanligt med vetebröd av siktat mjöl. Uppenbarligen på XVI-talet. istället för en enkel surdeg för att knåda bröd, lärde man sig att använda bryggjäst som gjorde brödet mjukare och fluffigare. Maria de Medici hade en svaghet för bröd gjort av jästdeg i mjölk. Bönderna, även om de odlade vete, kände knappt till smaken av vetebröd. Deras lott var rågbröd gjort av dåligt malet mjöl, siktat, med tillsats av rismjöl, vilket de rika föraktade. Bröd ersattes av kakor gjorda av mjöl av olika spannmål, och till och med av kastanjer, som spelade rollen som en mycket viktig matresurs i södra Europa innan potatisen dök upp. Under åren av hungersnöd lade de fattiga till ekollon och rötter till sitt bröd.

Baljväxter var ett viktigt tillskott till spannmålen: bönor, ärtor, linser. De bakade till och med bröd av ärter. Ärtor eller bönor användes ofta i grytor.

Fram till XVI-talet. utbudet av grönsaker och frukter som odlas i européernas trädgårdar och fruktträdgårdar, jämfört med romartiden, har inte förändrats nämnvärt. Tack vare araberna blev européerna bekanta med citrusfrukter: apelsiner, citroner. Från Egypten kom mandel, från öst - aprikoser.

Resultaten av de stora geografiska upptäckterna under renässansen började precis ta ut sin rätt på det europeiska köket. Pumpa, squash, mexikansk gurka, sötpotatis (yam), bönor, tomater, paprika, kakao, majs, potatis dök upp i Europa. De sprids med ojämn hastighet i olika regioner och sociala skikt.

Osyrat mat kryddades i stora mängder med vitlök och lök. Selleri, dill, purjolök, koriander användes mycket som smaksättning.

Av fetterna i södra Europa var vegetabiliska fetter vanligare, i norr, av animaliskt ursprung. Vegetabilisk olja gjordes av oliver, pistagenötter, mandel, valnötter och pinjenötter, kastanjer, lin, hampa och senap.

Balansen mellan kött och vegetabiliska livsmedel berodde inte bara på geografiska, ekonomiska och sociala förhållanden, utan också på samhällets religiösa förhållanden. Totalt var ungefär hälften av året fastedagar förknippade med fyra huvud- och veckofastor (onsdag, fredag, lördag). På dessa dagar var det förbjudet att äta kött och kött och mejeriprodukter med mer eller mindre stränghet. Undantag gjordes för svårt sjuka patienter, födande kvinnor, judar.

I Medelhavseuropa konsumerades mindre kött än i norra Europa. Det är inte bara det varma medelhavsklimatet. På grund av den traditionella bristen på foder, bete m.m. färre boskap föds upp där. Samtidigt i Ungern, rik på betesmarker och berömd köttraser nötkreatur var köttkonsumtionen den högsta i Europa: i genomsnitt cirka 80 kg per person och år (mot cirka 50 kg i Florens och 30 kg i Siena på 1400-talet). I Central- och Östeuropa åt man mer nötkött och fläsk; i England, Spanien, södra Frankrike och Italien - lamm. Det är sant, under XVI-XVII-talen. städerna i norra Italien (särskilt Venedig) köpte villigt och i stora mängder boskap för slakt från Ungern. Köttransonen kompletterades med vilt och fågel. Duvor avlades speciellt för mat. I stora städer var köttkonsumtionen generellt sett högre än i små; stadsborna åt mer kött än bönderna.

Det är svårt att överskatta fiskens betydelse i dåtidens kost. Färsk, men särskilt saltad, rökt, torkad fisk kompletterade och diversifierade märkbart bordet, främst under dagarna av många långa fastor. För invånarna vid havets kuster var fisk och skaldjur nästan de viktigaste födoämnena. Östersjön och Nordsjön matades med sill, torsk och makrill i Atlanten, tonfisk från Medelhavet och sardiner. Men långt från havet tjänade det klara vattnet i stora och små floder och sjöar som en källa till rika fiskresurser. I några platser i Europa Till exempel i Tjeckien föds fisk (karp) upp i konstgjorda dammar. Fisk, mindre än kött, var de rikas privilegium. Men om de fattigas mat var billig lokal fisk, så hade de rika råd att frossa i den "ädla" fisken som kom från fjärran.

Under lång tid var Europa begränsat i godis, eftersom socker endast förekom här hos araberna och fram till 1500-talet. ansågs vara en lyx. Det erhölls från sockerrör, och produktionen var dyr och arbetsintensiv. Därför var socker endast tillgängligt för de rika samhällsskikten. Druvvin upptog traditionellt sett förstaplatsen bland dryckerna - och inte bara för att européerna njutit av Bacchus nöjen med nöje. Att dricka vin tvingades av den dåliga kvaliteten på vattnet. Så även barn fick vin. Om huvuddelen av befolkningen tog till lokalt vin, ofta av dålig kvalitet, beställde samhällets övre skikt, gourmeter, fina viner från avlägsna länder. Cypriotiska, Rhen-, Mosel-, Tokay-viner, Malvasia, senare - portvin, Madeira, sherry och Malaga hade ett gott rykte. I söder föredrog de naturliga viner, i norra Europa, i kallare klimat - berikade; och med tiden blev de beroende av vodka och alkohol, som länge hörde till mediciner. I slutet av 1400-talet. denna "medicin" var i smaken för så många stadsbor att Nürnbergs myndigheter tvingades förbjuda försäljning av alkohol på helgdagar. Men alkoholen har blivit ett verkligt gissel sedan 1600-talet. En riktigt populär dryck, särskilt norr om Alperna, var öl, även om de rika och adeln inte heller tackade nej till gott öl. Det bästa ölet bryggdes av groddat korn (malt) med tillsats av humle och någon sorts spannmål. I norra Frankrike konkurrerade cider, som har använts särskilt flitigt här sedan slutet av 1400-talet, med öl. Cider åtnjöt framgång främst bland vanliga människor.
Bland de nya drycker som spreds under renässansen är den första som nämns choklad. Kaffe och te kom in i Europa först under första hälften av 1600-talet. Choklad hittade anhängare i de övre skikten, till exempel i det spanska samhället, redan under andra hälften av 1500-talet. Han krediterades med helande egenskaper som ett botemedel mot dysenteri, kolera, sömnlöshet, reumatism. Men de var också rädda. I Frankrike på 1600-talet. rykten spreds om att svarta barn föddes av choklad.

På medeltiden, när hotet om hunger alltid lurade en person, var den största fördelen med mat och bordet mättnad och överflöd. På en semester var det absolut nödvändigt att äta så att senare på hungriga dagar fanns det något att minnas. Därför, för ett bröllop i byn, slaktade familjen den sista boskapen och städade källaren till marken. På vardagarna ansågs en bit bacon med bröd vara en "kunglig" måltid för en engelsman, och någon toskansk delägare nöjde sig med samma brödsmula med ost och lök. På det hela taget, som F. Braudel skriver, "nådde" bara samhällets överklasser behoven hos en modern person, vilket bestäms till 3,5-5 tusen kalorier per dag. Medelvikten var begränsad till 2 000 kalorier.
Även om de rika inte behövde frukta hunger, kännetecknades deras bord inte av sofistikering. Samtida, som lämnade oss bevis på berömda personers högtider, uppmärksammade främst mängden mat som äts och vin som drack. Vid bröllopet av en bayersk feodalherre i slutet av 1400-talet. åt 300 nötkreaturskroppar, 62 tusen kycklingar, 5 tusen gäss, 75 galtkroppar, 750 tusen kräftor, drack 440 tunnor vin. Med ett överflöd av kött hade de berömda högtiderna inte ett rikt urval av grönsaker, frukter, godis och bakverk.

Renässansen medförde betydande förändringar i det europeiska köket. Otyglad frosseri ersätts av utsökt, subtilt presenterat överflöd. Att bry sig om inte bara det andliga utan också det kroppsliga leder till att mat, dryck och deras beredning lockar mer och mer uppmärksamhet, och de skäms inte för det. Dikter som glorifierar högtiden håller på att bli moderiktiga, gastronomiska böcker dyker upp. De skrevs ibland av humanister. Utbildade människor i samhället diskuterar gamla - antika och moderna recept. Förtjänsterna med trädgårdar och grönsaksträdgårdar sjöngs inte bara i humanisters dikter och beskrevs i agronomiska avhandlingar. De har blivit en integrerad del av förortslandskapet. Adeln och de nouveau riche anlade trädgårdar och fruktträdgårdar på sina gods, skickade varandra frön av sällsynta växter, utbytte tips om att odla dem. Det var vid denna tid som Europa återfick många av de växter som glömdes bort under barbariets tidevarv.

Till kötträtter, som tidigare, förbereddes en mängd olika såser med alla sorters smaksättningar. För dem skonade de fortfarande inte de dyra orientaliska kryddorna: muskotnöt, kanel, ingefära, kryddnejlika, peppar, europeiskt saffran etc. Under de geografiska upptäckterna ökade inflödet av orientaliska och transatlantiska kryddor till Europa, deras priser minskade. Européer kunde mer fullständigt tillfredsställa sitt kryddberoende. Deras utbredda användning kan inte bara förklaras av erans gastronomiska smaker. Det var också prestigefyllt. Dessutom användes kryddor för att diversifiera rätter och om möjligt dölja den otäcka lukten av kött, fisk, fågel, som var svår att hålla färsk under dåtidens förhållanden. Ändå på 1600-talet. det fanns en tendens till att intresset för kryddor gradvis bleknade. Västeuropeiska gourmeter, som kom till fester med krönta huvuden i Central- och Östeuropa, noterade med missnöje missbruket av inte bara vitlök utan också kryddor.

Nya recept dyker upp. Vissa pekar direkt på ett samband med geografiska upptäckter (till exempel det indiska receptet på soppa gjord på zucchini, som kom till Spanien på 1500-talet). I andra hörs ekon av moderna händelser (till exempel en maträtt som kallas "Turk's Head", känd i samma Spanien på 1500-talet).

Tillsammans med recepten växer antalet maträttsbyten. År 1488 beskrev den venetianske humanisten Ermolao Barbaro i ett brev till sin vän en bröllopsfest i Milano, där han deltog: ”Jag hade ingen aptit, så jag såg mig omkring mer än åt. Först tog de med sig rosenvatten för handtvätt. Sedan bjöd man på pinjenötspastiller och kanderad mandel, här kallad marsipan. Till den andra fanns sparriskrutonger. Tredje rätt: kokt sepia garnerad med finhackad stekt lever. Fjärde: stekt gasell, femte rätt: kokt kalvhuvud. Sjätte: diverse kaponger, välnärda duvor, kycklingar, nöttunga och skinka. Sjunde rätten: getköttsstek. Åttonde: rapphöns, fasaner och andra fåglar, och till dem - oliver. Den nionde rätten är stekt tupp i honungssås. Tionde rätt: stekt fläsk i sås. Elfte rätt: stekt påfågel i pistagesås. Tolfte: godis gjorda av ägg, mjölk, socker, salvia. Trettonde: kronärtskockor med pinjenötter. Fjortonde: kanderad kvitten. Femtonde: dadlar, frukt, söta viner och andra desserter."

På XV-talet. i Italien bereddes konfektyr också av apotekare. I deras anläggningar kunde man hitta ett sortiment av kakor, kex, bakverk, alla typer av platta kakor, kanderade blommor och frukter, kola. Produkter gjorda av marsipan var figurer, triumfbågar, såväl som hela scener - bukoliska och mytologiska.

Sedan XVI-talet. centrum för den kulinariska konsten flyttade gradvis från Italien till Frankrike. Även venetianerna som är sofistikerade i gastronomi beundrade rikedomen och sofistikeringen i det franska köket. Det var möjligt att äta utsökt inte bara i ett utvalt samhälle, utan också på en parisisk taverna, där, enligt en utlänning, "för 25 ecu kommer du att serveras en mannachowder eller en stek av en fenix."

Det blev viktigt inte bara hur man matade gästerna, utan också hur man serverade den förberedda rätten. De så kallade "pratfulla rätterna" har fått stor spridning. Av olika, ofta oätliga material, gjordes figurer av verkliga och fantastiska djur och fåglar, slott, torn, pyramider, som fungerade som ett förråd för olika livsmedel, särskilt patéer. Nürnbergs konditor Hans Schneider i slutet av 1500-talet. uppfann en enorm pate, där de gömde kaniner, harar, ekorrar, småfåglar. I det högtidliga ögonblicket öppnades patén och alla levande varelser, till gästernas ro, spred sig och flög ut ur den i olika riktningar. Men i allmänhet under XVI-talet. snarare finns det en tendens att ersätta "pratfulla" rätter med riktiga.

Bilaga B.

Renässansfestens konst.

Under renässansen fick inte bara köket utan även själva festen ännu större betydelse än tidigare: dukning, ordning på serveringsrätter, uppföranderegler vid bordet, uppförande, bordsunderhållning, kommunikation. Bordsetikett är ett slags spel där önskan om ordning och reda i det mänskliga samhället uttrycktes i en ritualiserad form. Renässansmiljön var särskilt gynnsam för att behålla en lekfull position i livet som en strävan efter perfektion. Naturligtvis skulle det vara en överdrift att tillskriva renässansens anda alla förändringar på detta område, men det förvärrade trenderna mot skönhet och komfort som hade utvecklats innan den.

Servisen har berikats med nya föremål och blivit mycket mer elegant. Olika fartyg förenades under det allmänna namnet "skepp", eftersom de tydligt upprepade skeppen i form. Det fanns fartyg i form av kistor, torn, byggnader. De var avsedda för kryddor, viner, bestick. Henrik III av Frankrike satte handskar och en fläkt i ett av dessa skepp. Kärlen för vin kallades "fontäner", de hade olika former och hade alltid kranar i botten. Stativ fungerade som ställ för disken. Saltkar och godisskålar gjorda av ädelmetaller, sten, kristall, glas och fajans intog en hedervärd plats på borden. Vienna Kunsthistorisches Museum inrymmer den berömda saltkaren som Benvenuto Cellini gjorde för Francis I. Den är gjord av guld och dekorerad med emalj och ädelstenar. Saltkaret är tillverkat i form av en skål, som stöds på båda sidor av de liggande figurerna Poseidon och Amphitride. Salladsskålar dök upp: stora emaljbrickor med många håligheter för olika typer av sallad. Borden var också dekorerade med olika skulpturgrupper och figurer.

Tallrikar, fat och dryckeskärl var gjorda av metall: för kungar och adelsmän - från silver, förgyllt silver och ibland av guld. Den spanske aristokraten ansåg att det var under sin värdighet att ha mindre än 200 silverplåtar i sitt hus. Sedan XVI-talet. ökad efterfrågan på tennfat, som de lärde sig att bearbeta och dekorera inte värre än guld och silver. Men en särskilt viktig förändring kan betraktas som fördelningen från 1400-talet. lergods, vars hemlighet upptäcktes i den italienska staden Faenza. Det finns fler glasvaror - enfärgade och färgade. De bästa exemplen var dekorerade med emalj, metall och till och med kristall. Den vanligaste formen av kärl var bägare och bägare. Men glas och muggar dyker upp.

Ofta var kärlen formade som djur, människor, fåglar, skor osv. Individer som inte var tyngda av moral beställde kärl som var mycket lättsinniga och till och med erotiska till sina glada företag. De vågade mästarnas fantasi var outtömlig: koppar uppfanns, som med hjälp av mekanismer flyttade runt bordet eller ökade i volym, koppar med klockor, etc. I folklig miljö använde man grovt, enkelt trä och lergods.

Europa har länge varit bekant med skeden; den tidigaste informationen om gaffeln går tillbaka till XI-XII-talen. Men hur använde du allt detta överflöd av bestick? Kniven var fortfarande huvudredskapet vid bordet. Kött skars med stora knivar på vanliga fat, av vilka var och en tog en bit för sig med sin kniv eller händer. Det är känt att Anna av Österrike tog köttgryta med händerna. Och även om det serverades servetter i de bästa husen och efter nästan varje måltid togs gäster och värdar fram med fat fyllda med doftvatten för att tvätta händerna, så fick dukarna bytas mer än en gång under lunchen. Den respektabla publiken tvekade inte att torka händerna på dem.

De försökte ge en matsked till var och en av dem som satt vid bordet. Men det fanns hus i vilka det inte fanns tillräckligt med skedar för alla - och gästerna hade antingen en sked med sig, eller som förr i tiden tog de fast föda med händerna och doppade sin brödbit i såsen eller gryta. Gaffeln slog rot först och främst bland italienarna. Gafflar med fyra stift dök upp först på 1400-talet. i Florens. Men dessa gafflar och deras förfäder - tvådelade gafflar - kunde inte vinna européernas sympati på länge. Användningen av gafflar av flera gäster vid hovet av kung Henrik II av Frankrike var föremål för grovt förlöjligande. Glas och tallrikar var inte bättre. Det var fortfarande sed att duka en tallrik för två gäster. Men det hände att de fortsatte att ösa soppan med sin sked från terrin. Individuella koppar och glas är inte heller en ovillkorlig regel, inte ens i högsamhället. Och inte bara i Transsylvanien, långt från Italien, där i mitten av 1600-talet. Vid bröllopet av prins Gyorgy II Rákóczi var gästerna tvungna att gå upp och gå till leverantören efter vin för att få ett glas vin ur tjänarens händer och, efter att ha druckit, lämna tillbaka det. Tydligen i Frankrike i slutet av 1500-talet. användningen av individuella apparater slog inte rot i samhället, om Montaigne, som reste runt i Schweiz, noterade att här, även på krogar, har varje besökare sin egen sked, kniv, tallrik och dryckeskärl.

Renässansfesterna återupplivade de grekiska och romerska traditionerna. Följeslagarna njöt av utmärkt mat i trevligt sällskap, läckert tillagad och vackert presenterad, musik, teaterföreställningar och samtal. De festliga mötenas följe spelade en viktig roll. De flesta av dem ägde rum hemma, i hallarna. Men under den varma årstiden, i sommarvärmen, kunde gäster också tas emot utanför huset: på gården, i trädgården, i palazzohusets loggia. Att gå ut med gäster utanför huset fick ett speciellt ljud under renässansen: i det kan man se önskan att återskapa en antik, arkadisk miljö, för att komma närmare det lantliga landskapet. Gästerna satt på utsmyckade bänkar, i skuggan av träden, nära fontänen. De såg vackra skulpturer och påfåglar, pärlhöns och andra exotiska fåglar som gick längs stigarna, sångfåglar och musik gladde deras öron. Vaser med frukt och kärl med vin ställdes på borden. Lärda samtal varvades med dans till ackompanjemang av en lut, uppläsande av poesi, läsning av noveller, musik, uppträdanden av artister. Sådana möten framgår av beskrivningarna av Antonio Albert och Boccaccio så långt tillbaka som XTV:s.

Inomhusbanketterna såg lite annorlunda ut. Interiören designades speciellt för detta tillfälle. Väggarna i hallen eller loggian var upphängda med tyger och gobelänger, rik sömnad, blommor och lagergirlanger sammanflätade med band. Väggarna dekorerades med girlanger och familjens vapen inramade. Vid huvudväggen fanns en leverantör med "ceremoniella" fat av ädla metaller, sten, glas, kristall och fajans.

Tre bord i form av bokstaven "U" placerades i hallen och lämnade plats i mitten för både matbärare och nöjen. Borden var täckta med vackra, rikt broderade dukar i flera lager. Skulptörer och arkitekter deltog ibland i att förbereda bordet för semestern, utveckla idén om bordets huvuddekoration - den redan nämnda dekorativa skålen som tog formen av ett slott, ett skepp, etc., ibland innehållande flera musiker eller dansare inuti den. Liknande "tabellkonstruktioner" var vanliga inte bara i Italien utan även i andra europeiska länder. Särskilt imponerande i detta avseende var rikedomen och fantasin hos de burgundiska hertigarnas hov under andra hälften av 1400-talet. Inte ens den europeiska periferin, i synnerhet Transsylvanien, skonades av detta sätt, även om det här etablerades långt senare.

Gästerna sattes på utsidan av bordet - ibland mina damer och herrar i par, ibland separat. Husets herre och förnäma gäster satt vid huvudbordet. I väntan på måltiden drack de närvarande lätt vin, åt det med torra frukter och lyssnade på musik. Detta följdes av den första kursen. Fotmännen bar runt det på ett sådant sätt att de förvånade gästerna. Huvudpersonen vid denna tid var hovmästaren, vars uppgifter var att skära maten enligt reglerna och lägga ut den på vanliga fat, som sedan lades på borden. Om det lyckades, accepterade butlern gratulationer för den utmärkta presentationen av rätten. Pausen mellan två diskbyten användes för att rensa bordet och byta dukar. Vid den här tiden underhölls gästerna med skådespel, danser, musik, teaterföreställningar. Bland de sistnämnda har baletter och musikuppträdanden, operans föregångare, blivit på modet.

Huvudtanken som arrangörerna av överdådiga högtider eftersträvade var att visa familjens prakt, rikedom och dess makt. Ödet för det kommande äktenskapet, som har som mål att förena välmående familjer, eller ödet för ett affärsavtal etc. kan bero på banketten. Rikedom och makt demonstrerades inte bara inför sina kamrater, utan också inför vanliga människor. För detta var det bara bekvämt att arrangera påkostade fester i loggian. Små människor kunde inte bara se på makthavarnas prakt, utan också ansluta sig till honom. Du kunde lyssna på glad musik, dansa, delta i en teaterföreställning. Men det viktigaste är att ta en drink och en bit att äta, för det var brukligt att dela ut resterande mat till de fattiga.

Att spendera tid vid bordet i företaget blev en sedvänja som var utbredd i alla samhällsskikt. Krogar, värdshus, värdshus distraherade besökare från det monotona hemmalivet. Det var möjligt att ha det trevligt där: chatta med vänner, lyssna på nyheter, spela kort, tärna, hitta en flickvän, ta en drink och äta gott. I Florens besökte män krogar på 1400-talet. en sådan skala att kvinnor krävde att myndigheterna skulle fatta ett dekret som förbjöd servering av alltför känsliga rätter på krogar. I Tyskland och öster om det var nätverket av krogar mindre utvecklat. Tillbaka i början av 1600-talet. suppleanter för klassmöten, som gick till kongressens plats, kunde inte hitta lämpliga anläggningar på vägen där de kunde äta och övernatta.

De namngivna kommunikationsformerna, hur olika de än kan vara, tyder på att samhället höll på att övervinna sin tidigare relativa isolering och bli mer öppet och kommunikativt.

Rapport om abstraktet "Renässansens konst".

Renässansens era är eran för de stora geografiska upptäckterna, eran av den snabba utvecklingen av vetenskapen, eran av konstens blomstrande och bildandet av de högsta universella idealen. Den täcker perioden från 1300- till 1500-talet och representerar en övergång från medeltida kultur, som präglas av askes med sitt förakt för allt jordiskt och kroppsligt, till den moderna tidens kultur.

Renässansen, eller renässansen (av det franska ordet renässans) uppstod och yttrade sig mest levande i Italien, där redan vid 13-14-talets skiftet poeten Dante, konstnären Giotto med flera agerade dess föregångare. Egentligen var den första drivkraften till renässansen upptäckten av antika statyer, som av misstag grävts fram på fälten av bönder. Den sekulära adelns önskan om lyx, som bildades vid den tiden, sporrade konstnärer att kopiera och stilisera antika konstprover. Till en början såg renässansens gestalter sin huvuduppgift i återupplivandet av antikens ideal (därav namnet - renässansen, för första gången återfinns denna term hos den italienske målaren och konsthistorikern Vasari i mitten av 1500-talet ). Men mycket snart blev humanismen renässansens ideologiska grund - en doktrin baserad på erkännandet av "värdet av en person som individ, hennes rätt till fri utveckling och manifestationen av hennes förmågor, bekräftelsen av människans bästa som en kriterium för att bedöma sociala relationer." Från det ögonblicket började nedräkningen av en ny tid - Europas renässans. Kyrkans askes vacklade under trycket av nya moraliska värderingar, riktade mot det världsliga livets glädjeämnen. Höjdpunkten av värdet Olympus var familjen, medborgarnas respekt och ära i minnet av ättlingar.

Det dominerande inslaget i renässansens humanism var idén om en man vars höga värdighet inte bestämdes av adeln av ursprung, inte av titlar eller rikedom, utan bara av personlig tapperhet, adel i gärningar och tankar.

Tidiga humanister: poeten F. Petrarch (1304–1374), författaren G. Boccaccio (1313–1375)  ville skapa en underbar mänsklig personlighet, fri från medeltidens fördomar och därför först och främst försökte förändra utbildningssystemet: att introducera humaniora i det, med fokus på studier av antik litteratur och filosofi. Samtidigt undergrävde humanisterna inte på något sätt religionerna, även om kyrkan själv och dess ministrar var föremål för åtlöje. Snarare försökte man förena de två värdeskalorna.

Hednisk vitalitet och kristen ödmjukhet kompletterade varandra i renässansens kultur, deras kombination födde idealen om harmoni och balans. Detta kan illustreras av raderna från en av renässansens största gestalter, Leonardo da Vinci (1452-1519):

Kärlek är sublim när man är i förening av två
Hon är förundrad över sin själs höjd.

Kärleken är låg när andan är obetydlig

Och världen för den som är utvald av henne är låg.

Ge fred och förvisa rädsla

Timmar av kärlek. Men du är markerad om

Naturen håller klokt i vågen

Kärlek och själ i perfekt balans.

Själva utrymmet runt personen har förändrats. Sekulära strukturer började dominera i arkitekturen - offentliga byggnader, palats, stadshus. Genom att använda ordningen (pelargång) uppdelningen av väggar, välvda gallerier, pelargångar, valv, kupoler, arkitekter (Brunelleschi, Alberti, Delorme och andra) gav deras byggnader majestät kombinerat med lätthet, harmoni och proportionalitet till en person (i motsats till gotiken, som förtryckte en person) ...

Konstnärer började se världen annorlunda: platta bilder av medeltida konst gav vika för ett tredimensionellt, präglat, konvext utrymme där ett nyckfullt ljusdis leker med skuggans viktlösa genomskinlighet. Donatello, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian, Veronese, Tintoretto, Jan van Eyck, Pieter Bruegel, Hieronymus Bosch, Durer, Holbein, Goujon, Clouet. - världen av volym, rymd, ljus, människan figur (inklusive naken) och den verkliga miljön - interiören, landskapet, allt som omgav en person och var en del av hans väsen. De förhärligade med sin kreativitet en perfekt personlighet där fysisk och andlig skönhet smälte samman i en i enlighet med kraven från den antika estetiken. Men i deras arbete, som i en sann spegel, speglades omvärlden. Men renässansen är också en era av krig, pest (pest, smittkoppor), den fortfarande ihärdiga kyrkliga obskurantismen, när människor brändes levande på bål liknande bålarna från Petrarcas, Leonardo da Vincis och många, många andras skapelser. Giordano Bruno brändes på bål, Galileo tvingades avstå från sin tro ... Det är därför färgerna på Holbeins dukar är så dystra. Det är därför fantastiska monster tittar på oss från den holländska konstnären Hieronymus Boschs dukar. Det är därför Durer är så tragiskt fruktansvärd, som skildrade mänsklighetens död i en serie gravyrer "Apokalypsen". Den mest kända är hans gravyr "Fyra ryttare", som symboliserar människors fruktansvärda olyckor: krig, svält, orättfärdig dom och död. Deras hästar trampar alla på deras väg, även kungen och prästen.

En man med sina jordiska passioner och begär dök också upp i litteraturen. Det tidigare förbjudna temat köttslig kärlek, dess naturalistiska beskrivningar har fått rätten att existera. Det köttsliga undertryckte dock inte det andliga. Författare försökte skapa harmoni mellan de två principerna, eller åtminstone balansera dem. Den mänskliga själens okända värld - det var det som intresserade renässansens författare i första hand. Fransk poet från 1400-talet. François Villon uttryckte idén om en persons okunnighet om sig själv på följande sätt:

Jag vet hur flugor landar på honung.

Jag vet döden som strövar allt, förstör allt,

Jag kan böcker, sanningar och rykten

Jag vet allt, men inte jag själv.

Renässanslitteraturen skapade sådana monument av bestående värde som Rabelais Gargantua och Pantagruel, Shakespeares dramer, romanen Don Quijote av Cervantes och många andra, och kombinerade organiskt intresse för antiken med en vädjan till folkkultur, komikens patos med tragedin att vara till. . Petrarcas sonetter, Boccaccios noveller, hjältedikter av Ariosto, Tasso, Erasmus av Rotterdams satiriska avhandling Praise of Stupidity ... Skrivna av olika författare, färgade med en mångfärgad nationalfärg, var och en i sin egen form och på sitt sätt - de förkroppsligade ideal och idéer om väckelsehumanism.

Musikkonsten fångades också av den livgivande strömmen av förvandlingar. I renässansens musik, genomsyrad av ett humanistiskt synsätt, utvecklas vokal och instrumental polyfoni (polyfoni), nya genrer av sekulär vokal och instrumental musik. Eran slutar med uppkomsten av nya musikgenrer - solosång, kantat, oratorium och opera.

Renässansen placerade i centrum en mänsklig personlighet, energisk, strävande efter att förvandla världen, med en uttalad viljeprincip. Genom att rita den mänskliga personens ideal betonade renässansfigurerna hennes vänlighet, styrka, heroism, förmågan att skapa och skapa en ny värld omkring dem.

Upptäckten av renässansen var en nära tillbakablick, i djupet av århundradena, under den tid som redan levdes av människorna som en gång bebodde Rom, den antika och stora staden. Humanister, som såg tillbaka till antiken, förblev villkorslösa kristna. I sina egna liv, i sina humanitära studier, kopplade de samman två jämställda världar – antiken och den kristna medeltiden. Således skapar renässansen en tidigare okänd tillfällig enhet - mänsklighetens andliga historia. För första gången kände och förverkligade Europa sig i en enda, kontinuerlig, livgivande och allt sammankopplande tidsström, i vilken det skyndade sig att störta av glädje. I slutet av renässansen kommer denna känsla att gå förlorad, och Hamlet kommer att uttala de ödesdigra orden: "Tidernas förbindelse har brutits upp ...".

Sovjetisk encyklopedisk ordbok. sovjetisk
encyklopedi. M., 1979

3. Filosofisk uppslagsverk. State Scientific Publishing House "Sovjetuppslagsverket". M., 1960

4. Drach G. V. Culturology: en lärobok för studenter vid högre utbildningsinstitutioner - Rostov n/a: förlaget "Phoenix", 1999.

5 Västeuropas kulturhistoria under renässansen (Red. av Bragina L.M.). - M .: Högre skola, 1999.

Beställning: abstrakt - 150 rubel. kurser - 700 rubel. diplom - 2500 r. GYMNASIUM NÄMNT EFTER AKADEMISKA BASOV Sammanfattning om ämnet: Renässansens konst. Utförare: elev 9 "B" klass Rakhmanin Alexander VORONEZH 2001 Innehåll. Inledning Renässanskonst Slutsats Bilagor

Skrivande

Renässansens födelseplats är Italien. Renässansens litteratur är oskiljaktig från flödet i det andliga livet i denna era - humanism (skydd av tankefrihet, förstörelse av klassramen, frigörelse av individen). I utvecklingen av renässanskulturen särskiljs två stadier: tidigt och sent. Mellan huvudstadierna kan man villkorligt särskilja scenen av den "höga" renässansen.

Början av renässansen är förknippad med namnet och arbetet av Dante Alighieri. Dante Alighieris liv och verk. Poesi Dante Dante föddes under andra hälften av maj 1265 i Florens, Italiens främsta kulturcentrum under 1100-1300-talen. Det är känt att familjen Alighieri ägde hus och tomter i Florens och dess omgivningar och var medelklassfolk.Vid 18 förlorade Dante sin far och blev den äldsta i familjen. 1283 skrev han sig in i apotekares och läkares verkstad. Dante utbildades i en medeltida skola och studerade sedan franska och provensalska språk. Den unge poeten studerade noggrant antika poeter, i första hand Vergilius, som han betraktade som sin "ledare, mästare och lärare" hela sitt liv.

Den unga Dantes huvudsakliga hobby var poesi. Han började skriva poesi tidigt och redan i början av 80-talet av 1200-talet. skrev många lyriska dikter, nästan uteslutande av kärleksinnehåll. Vid 18 års ålder upplevde Dante en stor psykologisk kris - kärlek till Beatrice, dotter till florentinaren Folco Portinari, en vän till hans far, som senare gifte sig med adelsmannen Simone de Bardi och dog 1290 vid 25 års ålder. Dante berättade historien om sin kärlek till Beatrice i den lilla samlingen "New Life". Efter Beatrices död studerade poeten intensivt teologi, filosofi och astronomi och blev en av de mest lärda personerna på sin tid. Dante deltog aktivt i Florens politiska liv.

På 90-talet sitter han i stadsfullmäktige, utför diplomatiska uppdrag och i juni 1300 valdes han till medlem av kollegiet av sex priori som styrde Florens. I kampen mellan de vita och svarta partierna ställde sig Dante på de vitas sida. I november 1301 utförde prins Karl av Valois repressalier mot anhängare av det vita partiet. I januari 1302 dömdes Dante till höga böter. Han anklagades personligen för mutor. Poeten, som fruktade det värsta, flydde från Florens. Han tillbringade resten av sitt liv i exil. De sista åren av sitt liv tillbringade Dante i Ravenna med prins Guido da Polenta, brorson till Francesca da Rimini, som han förhärligade. Här arbetade han på sin berömda "Divine Comedy".

Dante hoppades på en hedervärd återkomst hem, men levde inte för att se det. Han dog den 14 september 1321. i Ravenna. Därefter gjorde Florence tvetydiga försök att återta askan från den stora exilen, men Ravenna svarade alltid med ett avslag.Dante började sin litterära verksamhet som litterär poet. År 1292 (vid 27 års ålder) skrev Dante den första i historien Västeuropeisk litteratur självbiografisk berättelse "Nytt liv", som innehöll trettio dikter tillägnade Beatrice. I boken inkluderade Dante inte alla hans dikter, utan bara de som han ansåg vara närmast förknippade med Beatrice. Som ett resultat av detta subjektiva urval utanför boken, en antal Dikterna är ordnade i fonologisk ordning "Nytt liv" börjar med berättelsen om den nioårige poetens första möte med sin samtida Beatrice.

Redan då "skakade" hans hjärta. Efter 9 år ägde poetens andra möte med Beatrice rum, vilket väckte stor upphetsning i Dantes själ. Flickan bugade sig vänligt för honom, och detta fyllde hans själ med salighet. Poeten har en dröm: kärlekens gud bär sin älskade i sin famn och låter henne smaka på poetens hjärta. Vänner gör narr av Dante och sjukförklarar honom. Detta får Dante att dölja sin kärlek till Beatrice. Han låtsas vara kär i en annan kvinna. Föreställningen är så övertygande att Beatrice slutar böja sig för honom.

Poeten är förtvivlad. Genom hela boken berättar han om Beatrices förädlande effekt på honom och på omgivningen. Den huvudsakliga vändpunkten i New Life är Beatrices död. Berättelsen om Beatrices död är förberedd av berättelsen om hennes fars död och Beatrices sorg. Poeten har en föraning om att hans älskade snart kommer att dö. Han har en dröm där han informeras om Beatrices död. När han vaknar säger en av hans vänner att Beatrice är död. Poetens förtvivlan har inga gränser. Känslornas djup och uppriktighet låter i hans dikter:

Sorg av tårar, raseri av förvirring

Följer mig så obevekligt

Att varje blick ångrar mitt öde.

Hur livet är för mig från det ögonblicket

Hur Madonnan gick till en annan värld,

Det mänskliga språket kommer inte att kunna berätta.

Flera år av hopplöst vemod går över, poeten möter någon "medkännande dam" och förs en stund med av henne. Men han ångrar sig snart och bestämmer sig för att helt och hållet ägna sig åt sången av Beatrice. Han vill samla på sig kunskap för att berätta om sin älskade något som ännu inte har sagts om någon kvinna.

Renässanskonst

Avhandling

Elev 4 "E" klass

Konstskola nummer 2

Galaydy Jura

Introduktion ................................................... ................... 3

1. Italiensk renässans ................................... 3

2. Norra renässansen ........................................... 5

3. Nederländerna ................................................... ..........9

Slutsats................................................. ............. tretton

Detaljer om artisterna:

1. Leonardo da Vinci ………………………………… 14

2.Rafael Santi ………………………………………… .19

3. Michelangelo Buonarroti ………………………… ..24

Introduktion.

Under medeltiden upplevde Europa snabba förändringar i livets ekonomiska, sociala och religiösa sfärer, som inte kunde annat än medföra förändringar inom konsten. När som helst av förändring försöker en person tänka om världen omkring honom; slagord F. Nietzsche.

Dessa sökningar, först och främst och mest uttrycksfullt, manifesteras i konstmänniskors verk, som likt de finaste stämgafflarna kommer i resonans med den ostadiga världen omkring dem och väver in en symfoni av känslor i sina verk.

Så under medeltiden blev Italien, Tyskland, Nederländerna och Frankrike i fokus för sådana förändringar. Låt oss försöka ta reda på vad som faktiskt hände i dessa länder vid den tiden långt från oss, vilka tankar som var upptagna av huvuden för tänkare från svunna dagar, vi kommer att försöka, genom konstverk, tränga in i essensen av fenomenen i tid kallad "renässans".

1. Italiensk renässans.

På grund av renässansens övergångskaraktär är den kronologiska ramen för denna historiska period ganska svår att fastställa. Baserat på de tecken som senare kommer att indikeras (humanism, antropocentrism, modifiering av den kristna traditionen, återupplivande av antiken), kommer kronologin att se ut så här: Protorenaissance (Duchento och Trecento - XII-XIII-XIII-XIV århundraden), tidiga Renässans (Quattrocento XIV-XV århundraden), högrenässans (Cinquecento XV-XVI århundraden).

Den italienska renässansen är inte en pan-italiensk rörelse, utan en serie av antingen samtidiga eller alternerande rörelser i olika centra av Italien. Splittringen av Italien var inte den sista anledningen här. Renässansens drag manifesterades mest i Florens och Rom. Milano, Neapel och Venedig upplevde också denna era, men inte lika intensivt som Florens.

Termen "renessans" (renässans) introducerades av tänkaren och konstnären från eran Giorgio Vasari ("Biografi över kända målare, skulptörer och arkitekter"). Så han kallade tiden från 1250 till 1550. Ur hans synvinkel var det dags antikens återupplivande... För Vasari är antiken idealisk.

I framtiden har innehållet i termen utvecklats. Renässansen började betyda vetenskapens och konstens frigörelse från teologin, en kylning mot kristen etik, födelsen av nationella litteraturer, en persons strävan efter frihet från den katolska kyrkans restriktioner. Det vill säga att renässansen i huvudsak började betyda humanism.

Varför fanns det en så tydlig inriktning mot en person i renässansens kultur och estetik? Ur en sociologisk synvinkel, orsaken till människans självständighet, var hans växande självbekräftelse urban kultur. I staden, mer än någon annanstans, upptäckte människan fördelarna med ett normalt, vanligt liv.

Detta berodde på att stadsborna var mer självständiga människor än bönderna. Ursprungligen beboddes städerna av riktiga hantverkare, hantverkare, trots allt, efter att ha lämnat bondeekonomin, hoppades de bara kunna leva på sina hantverksskickligheter. Antalet stadsbor fylldes också på av företagsamma människor. Verkliga omständigheter tvingade dem att bara lita på sig själva, bildade en ny inställning till livet.

Enkel varuproduktion spelade också en betydande roll i bildandet av en speciell mentalitet. Känslan för ägaren, som både producerar och disponerar inkomster själv, bidrog otvivelaktigt också till bildandet av en särskild självständig anda hos de första invånarna i städerna.

Italienska städer blomstrade inte bara av dessa skäl, utan också på grund av deras aktiva deltagande i transithandeln. (Rivaliteten mellan konkurrerande städer på den utländska marknaden var till och med en av anledningarna till fragmenteringen av Italien). Under VIII-IX århundradena blev Medelhavet återigen en plats för koncentration av handelsvägar. Alla kustnära invånare, enligt den franske historikern F. Braudel, gynnades av detta. Detta förklarar till stor del varför städer som inte hade tillräckliga naturresurser blomstrade. De kopplade samman kustländerna med varandra. Korstågen spelade en speciell roll i städernas berikning.

Så, urban kultur skapade nya människor, bildade en ny attityd till livet, skapade en atmosfär där stora idéer och stora verk föddes. Men ideologiskt formaliserades allt detta på elitnivå. Vanliga invånare var långt ifrån den ideologiska utformningen av världsbilden.

Den nya framväxande uppfattningen om människans värld behövde ett världsbildsstöd. Antiken fungerade som ett sådant stöd. Naturligtvis var det ingen slump att invånarna i Italien vände sig till henne, eftersom denna enastående halvö i Medelhavet var bebodd av representanter för den svunna antika (romerska) civilisationen för mer än tusen år sedan. " Själva vädjan till klassikern antiken förklaras av inget annat än behovet av att finna stöd för sinnets nya behov och nya livssträvanden ",- skrev den ryske historikern N. Kareev i början av seklet.

Så, renässansen är en vädjan till antiken. Men hela den här periodens kultur bevisar återigen att renässansen i sin rena form, renässansen som sådan inte existerar. Renässanstänkarna såg vad de ville i antiken. Därför är det ingen slump att neoplatonismen genomgick en speciell intellektuell utveckling under denna tid. AF Losev visar briljant i sin bok "Renässansens estetik" orsakerna till den speciella förekomsten av detta filosofiska koncept under den italienska renässansens era. Forntida (egentligen kosmologiska) neoplatonism kunde inte undgå att locka väckelsemakarnas uppmärksamhet med idén om emanation (procession) av gudomlig mening, idén om mättnad av världen (kosmos) med gudomlig mening, och slutligen med idén om den Ena som den mest konkreta utformningen av liv och vara.

Gud kommer närmare människan. Han är tänkt panteistiskt (Gud är sammansmält med världen, han andliggör världen). Det är därför världen attraherar en person. Människans förståelse av världen fylld av gudomlig skönhet blir en av renässansens främsta ideologiska uppgifter.

Renässansfiktionens natur.

Mänskliga sinnens verk anses med rätta vara det bästa sättet att förstå den gudomliga skönheten som är upplöst i världen. Därför uppstår ett sådant stort intresse för visuell perception, därav blomstringen av rumsliga konstformer (måleri, skulptur, arkitektur.). När allt kommer omkring är det just dessa konster, enligt renässansfigurernas övertygelse, som gör det möjligt att mer exakt fånga den gudomliga skönheten. Därför har renässansens kultur en distinkt konstnärlig karaktär.

Intresset för antiken förknippas med väckelseisterna med modifieringen av den kristna (katolska) traditionen. Tack vare neoplatonismens inflytande blir den panteistiska tendensen stark. Detta ger unikheten och originaliteten till kulturen i Italien under XIV-XVI-talen. Väckelseisterna tog en ny titt på sig själva, men de tappade samtidigt inte tron ​​på Gud. De började inse att de var ansvariga för sitt öde, betydande, men samtidigt upphörde de inte att vara medeltidens människor.

Renässanskulturens motsägelsefulla natur: glädjen över självbekräftelse och världsbildens tragedi. Närvaron av dessa två skärande tendenser (antik och modifiering av katolicismen) bestämde den motsägelsefulla karaktären hos renässansens kultur och estetik. Å ena sidan kände renässansmannen glädjen i självbekräftelsen, å andra sidan förstod han hela sin existens tragedin. Både det ena och det andra är förknippade med Gud i renässansmänniskans inställning.

Ursprunget till kreativitetens tragedi hos renässanskonstnärerna visas på ett övertygande sätt av den ryske filosofen N. Berdyaev. Konflikten mellan forntida och kristna principer orsakade en djup splittring av människan, betonade han. Renässansens stora konstnärer var besatta av ett genombrott i en annan, transcendental värld. Drömmen om honom var redan given till människan av Kristus. Konstnärerna var orienterade mot skapandet av en annan varelse, de kände i sig krafter som liknade Skaparens krafter; ställer sig i huvudsak ontologiska uppgifter. Dessa uppgifter var dock medvetet ogenomförbara i jordelivet, i kulturens värld. Konstnärlig kreativitet, som inte kännetecknas av en ontologisk, utan av en psykologisk natur, löser inte och kan inte lösa sådana problem. Konstnärernas tillit till antikens prestationer och deras strävan mot den övre världen, upptäckt av Kristus, sammanfaller inte. Detta leder till en tragisk syn, till en renässansmelankoli. Berdyaev skriver: ”Renässansens hemlighet är att den misslyckades. Aldrig tidigare har sådana kreativa krafter skickats till världen, och aldrig tidigare har samhällets tragedi blivit så avslöjad."

Den italienska renässansens kultur har gett världen en hel galax av lysande personligheter som har berikat världskulturens skattkammare omåttligt. Bland dem finns namnen på Dante Alighieri (1265-1321), målaren Giotto di Bondone (1266-1337), poethumanisten Francesco Petrarca (1304-1374), poeten, humanistisk författare Giovanni Boccaccio (1313-1375), arkitekten Filippo Brunelleschi, skulptören Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), målaren Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), den humanistiska författaren Lorenzo Vallo (1407-1457), den humanistiska författaren Pico della Mirandolo (1463-1494), humanist filosof Marsilio Ficino (1433-1499), målare Sandro Botticelli (1445-1510), målare, vetenskapsman Leonardo da Vinci (1452-1519), målare skulptör, arkitekt Michelangelo Buonaroti (1475-1564), målare Giorgione (1514), (1514) målaren Tiziano Vecellio li Cadore (1477-1566), målaren Raphael Santi (1484-1520), målaren Jacopo Tintoretto (1518-1594) och många andra.

2. Nordrenässansen.

Med "nordrenässansen" är det vanligt att mena kulturen under 1400-1500-talen i europeiska länder som ligger norr om Italien.

Denna term är ganska godtycklig. Det används i analogi med den italienska renässansen, men om det i Italien hade en direkt initial betydelse - återupplivandet av traditionerna i den antika kulturen, så "återupplivades" ingenting i andra länder: det finns monument och minnen antik era var lite. Konsten i Nederländerna, Tyskland och Frankrike (den nordliga renässansens huvudcentra) utvecklades under 1400-talet som en direkt fortsättning på gotiken, som dess interna utveckling mot det "vardagliga". Slutet av 1400- och 1500-talen var en tid av enorma omvälvningar för länderna i Europa, den mest dynamiska och turbulenta eran i deras historia. Utbredda religionskrig, kampen mot den katolska kyrkans herravälde - reformationen, som växte i Tyskland till det storslagna bondekriget, revolutionen i Nederländerna, den dramatiska intensiteten i slutet av Frankrikes och Englands hundraåriga krig, blodig fejder mellan katoliker och hugenotter i Frankrike. Det verkar som om erans klimat inte bidrog till bildandet av klara och ståtliga former av högrenässansen i konsten. Och faktiskt: gotisk spänning och feber i den nordliga renässansen försvinner inte. Men å andra sidan breder den humanistiska utbildningen ut sig och den italienska konstens attraktionskraft ökar. En blandning av italienska influenser med distinkta gotiska traditioner utgör originaliteten i den nordliga renässansstilen.

Den främsta anledningen till att termen "renässans" gäller hela den europeiska kulturen under denna period ligger i de gemensamma interna tendenserna i den kulturella processen. Det vill säga i den borgerliga humanismens utbredda tillväxt och bildning, i splittringen av den feodala världsåskådningen, i individens växande självmedvetenhet.

En ekonomisk faktor spelade en betydande roll i bildandet av den tyska renässansen: utvecklingen av gruvdrift, boktryckeri och textilindustrin. Den allt djupare penetrationen i ekonomin av varu-pengarrelationer, engagemanget i de allmänna europeiska marknadsprocesserna påverkade stora massor av människor och förändrade deras medvetande.

För bildandet av renässansens världsbild i de romanska länderna, i södra Europa, var inflytandet från det antika arvet av enorm betydelse. Den satte ideal och prover av en lätt, livsbejakande karaktär. Den antika kulturens inflytande för den norra renässansen är obetydlig, den uppfattades indirekt. Därför är det hos majoriteten av dess företrädare lättare att hitta spår av inte helt föråldrad gotik än att hitta antika motiv. I Tyskland, uppdelat i hundratals små feodala stater, fanns en förenande princip: hat mot den katolska kyrkan, som ålade landet avgifter och betungande regler för det andliga livet. Därför är en av huvudriktningarna i kampen för "Guds rike på jorden" kampen mot påvedömet för reformeringen av kyrkan. Södra Europa kommer att påverkas av reformationsprocesserna i mycket mindre utsträckning.

Martin Luthers översättning av Bibeln till tyska kan anses vara den sanna början på den nordliga renässansen. Detta arbete varade i tjugo år, men några fragment blev kända tidigare. Luthers bibel gör eran, för det första, på tyska: den blir grunden för en singel tyska språket; för det andra skapar det ett prejudikat för översättningen av Bibeln till modernt litterärt språk, och översättningar till engelska, franska och andra kommer snart att följa.

Lutherismens idéer förenas av de mest progressiva kretsarna i Tyskland: sådana humanistiska tänkare som Philip Melanchthon, konstnärerna Dürer och Holbein, prästen och ledaren för folkrörelsen Thomas Munter är involverade i den.

Renässanslitteraturen i Tyskland var baserad på Meistersingarnas arbete. De mest perfekta exemplen på den tidens poesi presenterades av efterföljaren till dessa folktraditioner, Hans Sachs. Erasmus av Rotterdam blev en enastående prosaförfattare från den nordliga renässansen. Hans bästa boken Praise of Foolishness publicerades 1509.

Bland typerna av konstnärlig verksamhet var måleriet i täten - som under den italienska renässansen. Den första bland de stora mästarna under denna period bör heta Hieronymus Bosch. Hans verk sammanfattar det medeltida måleriets framgångar och fungerar som en prolog till renässansen. I Boschs målningar, skrivna mestadels om religiösa ämnen, är sammansmältningen av mörka medeltida fantasier och symboler med inslag av folklore och exakta realistiska detaljer slående. Och även de mest fruktansvärda allegorier är skrivna med en så överraskande folkfärg att de gör ett livsbejakande intryck. Ingen av de efterföljande målarmästarna runt om i världen kommer att måla så fantastiska bilder som gränsar till vansinne, men H. Boschs inflytande kommer att märkas under 1900-talet i surrealisternas verk.

Nordrenässansens största mästare inom bildkonsten var Albrecht Durer. Han lämnade ett kolossalt arv: målningar, grafiska verk, artiklar, korrespondens.

Dürers arbete var influerat av italienska mästare: han älskade att besöka Italien, särskilt Venedig. Men det speciella med Albrecht Dürers vision av världen består i sökandet efter en möjlighet att mest objektivt reflektera världen, italiensk idealiserande realism var främmande för honom, han strävade efter att uppnå fullständig äkthet från målning och teckning. Detta patos är genomsyrat av hans självporträtt, särskilt med blyerts i brev till sin bror, och detta inkluderar även porträttet av hans mor före hennes död.

Du kan försöka förstå djupet i Dürers grafik genom att dechiffrera de medeltida symbolerna som han verkligen gör. Men det är nödvändigt att leta efter ledtrådar till dessa fascinerande bilder under reformationens tidevarv. Kanske återspeglade arken med hans gravyrer mest levande styrkan hos folket på den tiden, deras beredskap att avvisa alla prövningar, deras sorgsna spekulationer om krigets bedrövliga resultat. Detta är vad du tänker på när du tittar på hans Ryttare av Apokalypsen, Melankoli.

Det finns en lyrisk början i Dürers verk. Dessa inkluderar den mest delikata i färgmålningen "Rosenkransarnas fest", gravyrcykeln "Marias liv", som inspirerade Rilke att skriva en diktcykel på 1800-talet. På 1900-talet skapade tonsättaren Hindemith en cykel av romanser baserad på dessa dikter.

Höjdpunkten i Albrecht Durers verk var den storslagna skildringen av de fyra apostlarna, en sann hymn till människan, ett av de mest levande uttrycken för renässansens humanism.

Inneboende i denna era och Lucas Cranach den äldres arbete. Hans madonnor och andra bibliska hjältinnor är uppenbara stadsbor och samtida med konstnären. Ett av hans bästa verk är hans innovativt skrivna "Korsfästelsen". En skarpt asymmetrisk komposition, ovanliga vinklar av traditionella figurer, färgrikedom ger intryck av förvirring, en föraning om social omvälvning. Mathis Niethard, även känd som Grunewald (1470-75 - 1528), förvånar med rikedomen och ljusstyrkan hos religiösa fantasier, extas och uppfinningsrik komposition. Grunewalds huvudverk är Isenheimaltaret. Bilden av Maria och bebisen är inskriven i en festlig komposition med många figurer med änglar som spelar musikinstrument för dem. I motsats till denna ljusa scen är "Korsfästelsen" skriven, dyster och naturalistisk. Bilden av en allmoge Kristus, som gick barfota mycket, utmärglad, nära vånda, förknippas med deltagarna i bondekriget.

Gais Holbein den yngre (1497-1543) kan anses vara en av de bästa porträttmålarna under denna period. Han äger porträtt av Erasmus från Rotterdam och astronomen Nicholas Kratzer, Thomas More och Jane Seymour, och tolkar bilderna av samtida som människor fulla av värdighet, visdom och återhållsam andlig styrka. Han skapade också underbara illustrationer för Bibeln och "Praise of Foolishness", en cykel av tryck "Dödsdansen".

Arbetet av chefen för Donaus målarskola, Albrecht Altdorfer (1480-1538), var också känt för sin säregna personlighet. Han tillhör prioriteringen i bildandet av landskapets genre. Men hans mest intressanta målning kvarstår "Slaget om Alexander med Darius" (1529). Stridsscenen på jorden återspeglas av den konkurrerande solen, månen och molnen på himlen. Bilden är fylld med många dekorativa detaljer, utsökt i färg, förtjusande i sin bildskicklighet. Dessutom är detta en av de första stridsscenerna målade i olja, så att Altdorfer kan anses vara grundaren av en annan målargenre.

Den norra renässansen var kortlivad. Trettioåriga kriget ingrep i denna process och försenade utvecklingen av den tyska kulturen. Men i historien förblev det som en otroligt holistisk era, som en klubb av genier, mästare i ord och målning, som kommunicerar med varandra, deltar i en gemensam kamp, ​​reser, målar slående porträtt av varandra, är ömsesidigt inspirerade av idéer. Engagemanget av folken i de nordliga länderna i den gemensamma europeiska kulturprocessen började vid tiden för den nordliga renässansen.

3. Nederländerna.

Ett litet land, inklusive territoriet för det som nu är Belgien och Holland, var avsett att på 1400-talet bli Italiens ljusaste centrum för europeisk konst. De holländska städerna, även om de inte var politiskt oberoende, hade länge blivit rika och starkare, bedrivit omfattande handel och sedan utvecklat sin tillverkningsproduktion av tyger, mattor och glas. Det antika Brygge, kanalernas poetiska stad, var ett viktigt centrum för internationell handel; i slutet av 1400-talet stannade den och gav plats för det livliga Antwerpen.

Den gotiska arkitekturen i Nederländerna är inte bara tempel, utan ännu mer rådhuset, stadsmurar och torn, köpmäns hus

Och hantverksgillen, shoppinggallerior, lagerbyggnader och slutligen bostadshus av en karakteristisk permanent befäst typ: med smala fasader och höga triangulära eller stegvisa frontoner.

Eftersom kyrkor byggdes mer av tegel än av sten fick kyrkoskulpturen inte heller någon större utveckling. Klaus Sluther och hans elever har förblivit ett lysande undantag i kulturen i Nederländerna. Hennes främsta konstnärliga kraft under medeltiden visade sig i något annat - i miniatyrmåleri. På 1400-talet nådde miniatyren en hög grad av perfektion, vilket framgår av den berömda "Tidsboken för hertigen av Berry" illustrerad av bröderna Limburg.

Den kärleksfulla, flitiga, poetiska avsikten i synen på världen ärvdes från miniatyr av en stor målning från 1400-talet, påbörjad av Jan van Eyck. De små bilderna som pryder manuskripten har växt till stora målningar som pryder altarens dörrar. Samtidigt uppstod nya konstnärliga kvaliteter. Det dök upp något som inte kunde ha varit i miniatyr: samma målmedvetna, koncentrerade blick på en person, på hans ansikte, i ögondjupet.

I Eremitaget finns en målning av den framstående holländska mästaren Rogier van der Weyden "St. Luke skriver Madonnan "(evangelisten Luke ansågs vara en konstnär och beskyddare av verkstaden för målare). I den är många typiska för holländarnas älskade kompositioner: ett panorama över staden och kanalen, målat så fint, ömt och noggrant, med två eftertänksamma människofigurer på bron. Men det mest anmärkningsvärda är ansiktet och händerna på Luke, som målar Madonnan "från naturen". Han har ett speciellt uttryck - att noggrant och oroligt lyssna på uttrycket av en man som helt har gått i kontemplation. Så såg de gamla holländska mästarna på naturen.

Låt oss gå tillbaka till Jan van Eyck. Han började som miniatyrist och arbetade med sin äldre bror Hubert. Bröderna Van Eyck krediterades traditionellt för uppfinningen av oljemålningstekniken; detta är felaktigt - metoden att använda vegetabiliska oljor som bindemedel var känd tidigare, men van Eycke förbättrade den och gav impulser till dess spridning. Snart olja undanträngda tempera

Oljefärger mörknar med åren. De gamla målningarna som vi ser på museer, när de dök upp, såg annorlunda ut, mycket ljusare och ljusare. Men van Eycks målning har verkligen ovanliga tekniska egenskaper: färger torkar inte ut och behåller sin fräschör i århundraden. De nästan lyser, påminner om skenet från målade glasfönster.

Van Eycks mest berömda verk, Great Gent Altarpiece, påbörjades av Hubert och fortsatte efter hans död och avslutades av Jan 1432. Dörrarna till det storslagna altaret är målade i två våningar, både invändigt och utvändigt. På de yttre sidorna - tillkännagivandet och de knästående figurerna av donatorer (kunder): så här såg altaret ut när det var stängt, på vardagar. På helgdagar slogs dörrarna upp, när de öppnades blev altaret sex gånger större, och i all glans av Van Eycks färger dök ett skådespel upp framför församlingsmedlemmarna, som i sin helhet borde förkroppsliga idé om försoning för mänskliga synder och framtida upplysning. Ovanför i mitten är Deesis - Gud Fadern på tronen med Maria och Johannes Döparen på sidorna. Dessa siffror är större än mänsklig tillväxt. Sedan nakna Adam och Eva i mänsklig tillväxt och grupper av musiker och sjungande änglar. I den nedre nivån finns en fullsatt scen för tillbedjan av Lammet, löst i mycket mindre skala, mycket rumsligt, bland ett brett blommande landskap, och på sidopanelerna finns processioner av pilgrimer. Handlingen om tillbedjan av Lammet är hämtad från "Johannes uppenbarelse", där det sägs att efter slutet av den syndiga världen kommer Guds stad att sjunka ner på jorden, där det inte kommer att finnas någon natt, men det kommer att finnas evigt ljus, och livets flod "ljus som kristall", och livets träd, varje månad bär frukt, och staden är "rent guld, som genomskinligt glas." Lammet är en mystisk symbol för apoteosen som väntar på de rättfärdiga. Och uppenbarligen försökte konstnärerna sätta in all sin kärlek till jordens charm i målningarna av Altartavlan i Gent, för mänskliga ansikten, till örter, träd, vatten, för att förkroppsliga den gyllene drömmen om deras evighet och oförgänglighet.

Jan van Eyck var också en enastående porträttmålare. I ett parporträtt av Arnolfini-makarna som tillhör honom verkar bilden av vanliga människor klädda på det då ganska pretentiösa sättet, i ett vanligt rum med en ljuskrona, en baldakin, en spegel och en knähund vara något slags underbart mysterium . Han verkar dyrka ljusslågan, äpplens rodnad och den konvexa spegeln; han är kär i alla egenskaper hos den bleka snopen min Arnolfini, som håller sin ödmjuka fru i handen som om han utförde en intim ceremoni. Både människor och föremål - allt frös i högtidlig förväntan, i vördnadsfullt allvar; allt har en dold mening, som antyder äktenskapslöftets och hemmets helighet.

Så började den vardagliga målningen av borgarna. Denna subtila noggrannhet, kärlek till tröst, nästan religiös fäste vid tingens värld. Men ju längre, desto mer prosa dök upp och poesin drog sig tillbaka. Aldrig, efteråt, skildrades borgarlivet i så poetiska toner av helig ritual och värdighet.

De tidiga borgarna i de nordliga länderna var inte heller lika "borgerligt begränsade" som deras senare ättlingar. Det är sant att italienarnas omfattning och mångsidighet inte är typisk för honom, men även på en smalare skala av världsutsikterna är borgaren inte främmande för en speciell typ av blygsam storhet. Det var trots allt han, borgaren, som skapade städerna, han försvarade deras frihet från feodalherrarna, och han var fortfarande tvungen att försvara den från främmande monarker och den giriga katolska kyrkan. På borgarnas axlar låg stora historiska gärningar, som formade framstående karaktärer, utvecklade, förutom en ökad respekt för materiella värden, även uthållighet, företagssammanhållning, lojalitet mot plikt och ord samt självkänsla. Som Thomas Mann säger, var borgaren "en genomsnittlig person i ordets högsta bemärkelse."

Denna definition passar inte renässansens italienare: de kände sig inte som genomsnittliga människor, även om det var i hög bemärkelse. Arnolfini, porträtterad av Jan van Eyck, var en italienare som bodde i Nederländerna; om en landsman målat det, skulle porträttet förmodligen ha visat sig vara annorlunda till sin anda. Ett djupt intresse för personlighet, i dess utseende och karaktär - detta sammanför konstnärerna från den italienska och norra renässansen. Men de är intresserade av henne på olika sätt och ser olika saker i henne. Holländarna har ingen känsla för titanism och den mänskliga personlighetens allmakt: de ser dess värde i borgerlig ärlighet, i egenskaper, bland vilka ödmjukhet och fromhet inte är de minsta, medvetandet om deras litenhet inför universum, även om i denna ödmjukhet individens värdighet inte försvinner, och till och med som om den betonades.

I mitten och under andra hälften av 1400-talet verkade många utmärkta målare i Nederländerna: den redan nämnda Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Tot sint Jans. Deras konstnärliga individualitet är ganska tydligt urskiljbara, om än inte med samma grad av uttryck av individuell stil som bland de italienska quattrocentisterna. De målade främst altare och målade porträtt, och målade stafflimålningar på order av rika stadsbor. Kompositioner genomsyrade av en ödmjuk, kontemplativ stämning har en speciell charm för dem. De älskade julscenerna och dyrkan av barnet, dessa berättelser löses av dem subtilt och oskyldigt. I "Tillbedjan av herdarna" av Hugo van der Goes är bebisen mager och ynklig, som vilket nyfött barn som helst, omgivningen ser på honom, hjälplös och knotig, med djupa känslomässiga känslor, Madonnan är tyst som en nunna, gör inte lyfta blicken, men man känner att hon är full av blygsam stolthet över moderskapet. Och utanför barnkammaren kan du se landskapet i Nederländerna, brett, kuperat, med slingrande vägar, sällsynta träd, torn, broar.

Det är mycket berörande här, men det finns ingen sötma: formernas gotiska kantighet är märkbar, en del av deras stelhet. Van der Goes herdars ansikten är karaktäristiska och fula, som det brukar vara i gotiska verk. Även änglar är fula.

Nederländska konstnärer avbildar sällan människor med vackra, regelbundna ansikten och figurer, och detta skiljer sig också från italienska. Den enkla hänsynen att italienarna, de direkta ättlingarna till romarna, i allmänhet var vackrare än de bleka och lösa sönerna i norr, kan givetvis beaktas, men huvudorsaken är ändå inte detta, utan skillnaden i det allmänna konstnärliga konceptet. Italiensk humanism är genomsyrad av det storas patos i människan och en passion för klassiska former, holländarna poetiserar "genomsnittsmannen", de har lite att göra med klassisk skönhet och harmoniska proportioner.

Holländarna har en passion för detaljer. De är bärare av en hemlig betydelse för dem. En lilja i en vas, en handduk, en vattenkokare, en bok - alla detaljer förutom den direkta har också en hemlig betydelse. Saker skildras med kärlek och verkar vara andliga.

Respekten för sig själv, för sin vardag, för tingens värld bröts genom en religiös syn. Sådan var andan i de protestantiska reformerna under vars fana den holländska renässansen äger rum.

Mindre antropomorf uppfattning jämfört med italienare, dominansen av den panteistiska principen och direkt kontinuitet från den gotiska återspeglas i alla komponenter i stilen för holländsk målning. För de italienska kvattrocentisterna tenderar varje komposition, hur full av detaljer än är, att vara mer eller mindre strikt tektonik. Grupperna är byggda som en basrelief, det vill säga att konstnären brukar försöka placera huvudfigurerna på en relativt smal frontplattform, i ett tydligt avgränsat utrymme; han balanserar dem arkitektoniskt, de står stadigt på fötterna: vi hittar alla dessa funktioner redan i Giotto. I Nederländerna är kompositionerna mindre slutna och mindre tektoniska. De attraheras av djup och avstånd, deras rymdkänsla är livligare, luftigare än i italiensk måleri. Figurerna är mer nyckfulla och ostadiga, deras tektonik störs av de solfjäderformade, brutna vecken av klädnader som breder ut sig nedåt. Holländarna älskar linjernas spel, men linjerna tjänar inte till skulpturala uppgifter för att bygga volym, utan snarare dekorativa.

Holländarna har ingen distinkt accentuering av kompositionens centrum, en ökad betoning på huvudfigurerna. Konstnärens uppmärksamhet är spridd över en mängd olika motiv, allt verkar lockande för honom, och världen är mångsidig och intressant. Någon scen i bakgrunden låtsas vara en separat plotkomposition.

Slutligen tar en typ av komposition form där det inte finns något centrum alls, och utrymmet fylls av många lika grupper och scener. Dessutom den viktigaste tecken ibland befinner sig någonstans i hörnet.

Liknande kompositioner finns i slutet av 1400-talet av Hieronymus Bosch. Bosch är en anmärkningsvärt distinkt konstnär. Han kombinerar rent holländsk uppsåt och iakttagelse med en ovanligt produktiv fantasi och en mycket mörk humor. Ett av hans favoritämnen är "The Temptation of St. Anthony", där eremiten belägras av djävlar. Bosch bebodde sina målningar med legioner av små, krypande, skrämmande varelser. Det blir ganska läskigt när man märker mänskliga kroppsdelar i dessa monster. Hela denna kuriosakabinett av främmande demoner skiljer sig markant från medeltida chimärer: de var mer storslagna och mycket mindre olycksbådande. Apoteosen för Boschs demonologi är hans "musikaliska helvete", som liknar en tortyrträdgård: nakna människor, blandade med monster som klättrar på dem från alla håll, vrider sig i plågsam lust, de korsfästas på strängarna till några gigantiska musikinstrument, kläms och genomsågas i mystiska anordningar, knuffa in i gropar, svälja.

Boschs märkliga fantasmagorier är födda ur förnuftets filosofiska ansträngningar. Han stod på tröskeln till 1500-talet, och det här var en era som får dig att smärtsamt reflektera. Bosch blev tydligen överväldigad av tankar om ondskans livskraft och allestädes närvarande, som likt en blodiggel fastnar vid allt levande, om det eviga kretsloppet av liv och död, om det ofattbara slöseri med naturen som sår larver och embryon. av liv överallt - både på jorden och under jorden, och i ett ruttet, stillastående träsk. Bosch iakttog naturen, kanske skarpare och skarpare än andra, men fann inte i den vare sig harmoni eller perfektion. Varför är människan, naturens krona, dömd till död och förfall, varför är hon svag och ynklig, varför plågar hon sig själv och andra, utsätts hon ständigt för plåga?

Just det faktum att Bosch ställer sådana frågor talar om väckt nyfikenhet – ett fenomen som åtföljer humanismen. Humanism betyder inte bara beröm till allt mänskligt. Det betyder också önskan att penetrera sakers väsen, att reda ut universums mysterier. För Bosch målades detta begär i dystra toner, men det var ett symptom på den mentala törsten som fick Leonardo da Vinci att utforska allt – det vackra och det fula. Leonardos kraftfulla intellekt uppfattade världen som en helhet, kände enheten i den. I Boschs sinne återspeglades världen i fragmentering, uppdelad i tusentals fragment, som hamnar i obegripliga kopplingar.

Men det är värt att nämna de romantiska trenderna, det vill säga under inflytande av den italienska Cinquecento - de började spridas i Nederländerna på 1500-talet. Deras icke-identitet är mycket märkbar. Skildringen av "klassisk nakenhet", vacker bland italienarna, gavs definitivt inte till holländarna och såg till och med något komisk ut, som "Neptunus och amfitrit" av Jan Gossart, med sina magnifika uppsvällda kroppar. Holländarna hade också sin egen provinsiella "manerism".

Låt oss notera utvecklingen av genrer av vardags- och landskapsmålning av staffli gjorda av holländska konstnärer på 1500-talet. Deras utveckling underlättades av att de bredaste kretsarna, som hatade påvedömet och det katolska prästerskapet, i allt högre grad vände sig bort från katolicismen och krävde kyrkoreformer. Och reformerna av Luther och Calvin inkluderade ett element av ikonoklasm; interiören i protestantiska kyrkor var tänkt att vara helt enkel, kal - inget som den rika och spektakulära utsmyckningen i katolska kyrkor. Religiös konst minskade kraftigt i volym, upphörde att vara kult.

Rent genremålningar började dyka upp som föreställde köpmän i butiker, växlare på kontor, bönder på marknaden och kortspelare. Genren av vardagsliv växte fram ur porträttet och landskapet - från de landskapsbakgrunder som är så älskade av de holländska mästarna. Bakgrunderna växte, och det fanns bara ett steg till det rena landskapet.

Men han förlöser allt och koncentrerar i sig själv den kolossala talangen Pieter Bruegel. Han hade i högsta grad vad som kallas en nationell identitet: alla märkliga drag i hans konst går tillbaka till de särpräglade holländska traditionerna. Som ingen annan uttryckte Bruegel sin tidsanda och dess folkliga smak. Han är populär i allt: eftersom han utan tvekan är en konstnärstänkare, tänker han aforistiskt och metaforiskt. Livsfilosofin, som finns i hans allegorier, är bitter, ironisk men också modig. Bregels favorittyp av komposition är stort utrymme, som sett från toppen, så att folk ser små och kilar omkring i dalarna, ändå är allt skrivet i detalj och tydligt. Berättelsen brukar förknippas med folklore, Bruegel skrev liknelsemålningar.

Bruegel använder den typ av rumslig-landskapskomposition, som är utbredd bland holländarna, utan att betona huvudpersonerna och händelserna på ett sådant sätt att en hel livsfilosofi avslöjas i den. Icarus fall är särskilt intressant här. Bruegels målning skildrar ett fridfullt landskap vid havet: en plogman följer en plog, en herde betar får, en fiskare sitter med ett fiskespö och fartyg seglar på havet. Var är Ikaros och vad har hans fall med det att göra? Du måste titta noga för att se i det högra hörnet patetiska bara ben sticka upp ur vattnet. Ikaros föll från himlen, men ingen märkte det ens. Det vanliga livet går vidare som vanligt. För en bonde, hans åkermark, för en herde är hans hjord mycket viktigare än någons upp- och nedgångar. Innebörden av extraordinära händelser avslöjas inte snart, samtida märker det inte, nedsänkt i vardagliga bekymmer.

Peter Bregueils kreativa verksamhet varade inte länge, han dog 1569, i hans tidiga fyrtioårsåldern, och levde inte för att se händelserna under den holländska revolutionen. Strax före sin död målade han tavlan "The Blind". Detta är det mest kraftfulla slutackordet i Breguilles konst, som kan föreställas som en symfoni genomsyrad av ett enda tema. Konstnären älskade sitt långmodiga hemland och kunde inte förlåta en av sina landsmän: passivitet, dövhet, blindhet, fördjupning i dagens liv och rörelse och oförmågan att bestiga de bergstoppar som ger insikten om helheten, singel, gemensam .

Slutsats.

Renässanstemat är rikt och outtömligt. En sådan mäktig rörelse bestämde utvecklingen av hela den europeiska civilisationen under många år. Vi har bara gjort ett försök att tränga in i essensen av de processer som äger rum. För ytterligare studier måste vi återställa den psykologiska stämningen hos renässansmannen mer detaljerat, läsa böcker från den tiden, gå till konstgallerier.

Nu i slutet av 1900-talet kan det tyckas att allt detta är svunna tiders angelägenheter, antiken täckt av ett tjockt lager av damm, vilket inte är av forskningsintresse i vår turbulenta tid, men utan att studera rötterna, hur kan vi förstår vad som matar stammen, vad håller kronan mot förändringens vind?

Leonardo Da Vinci

LEONARDO DA VINCI (15 april 1452, Vinci nära Florens - 2 maj 1519, Clou Castle, nära Amboise, Touraine, Frankrike), italiensk målare, skulptör, arkitekt, vetenskapsman, ingenjör.

Genom att kombinera utvecklingen av nya sätt för konstnärligt språk med teoretiska generaliseringar skapade Leonardo da Vinci en bild av en person som möter högrenässansens humanistiska ideal. I målningen "Nattvarden" (1495-1497, i matsalen i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano) uttrycks ett högt etiskt innehåll i strikta regler för komposition, ett tydligt system av gester och ansiktsuttryck hos karaktärerna. Humanistiskt ideal kvinnlig skönhet förkroppsligad i porträttet av Mona Lisa (La Gioconda, cirka 1503). Många upptäckter, projekt, experimentell forskning inom området matematik, naturvetenskap, mekanik. Han försvarade den avgörande betydelsen av erfarenhet i kunskapen om naturen (anteckningsböcker och manuskript, cirka 7 tusen ark).

Leonardo föddes i familjen till en förmögen notarie. Han utvecklades som en mästare och studerade med Andrea del Verrocchio åren 1467-1472. Arbetsmetoderna i den tidens florentinska verkstad, där konstnärens arbete var nära förknippat med tekniska experiment, liksom hans bekantskap med astronomen P. Toscanelli, bidrog till framväxten av den unge Leonardos vetenskapliga intressen. I sina tidiga verk (huvudet av en ängel i Verrocchios dop, efter 1470, Annunciation, cirka 1474, båda i Uffizi, berikar Madonna Benoit, cirka 1478, Hermitage) traditionerna för Quattrocento-målning, och betonar den mjuka, mjuka chiaroscuren. , upplivande ansikten ett tunt, knappt märkbart leende. I The Adoration of the Magi (1481-82, oavslutad; undermålning i Uffizierna) förvandlar han den religiösa bilden till en spegel av olika mänskliga känslor och utvecklar innovativa teckningstekniker. Genom att registrera resultaten av otaliga observationer i skisser, skisser och fältstudier (italiensk penna, silverpenna, sangvin, penna och andra tekniker), uppnår Leonardo en sällsynt skärpa i överföringen av ansiktsuttryck (ibland med hjälp av grotesk och karikatyr), och människokroppens struktur och rörelser leder i perfekt harmoni med kompositionens dramatik.

I tjänst hos härskaren av Milano, Lodovico Moro (sedan 1481), fungerar Leonardo som militäringenjör, vatteningenjör, arrangör av hovfestligheter. I över 10 år har han arbetat med monumentet till Francesco Sforza, far till Lodovico Moro; Den naturliga lermodellen av monumentet, fylld med plastkraft, har inte överlevt (förstördes under erövringen av Milano av fransmännen 1500) och är endast känd från förberedande skisser.

Denna period såg målaren Leonardos storhetstid. I "Madonna of the Rocks" (1483-94, Louvren; andra versionen - 1487-1511, National Gallery, London), framträder den subtila chiaroscuro ("sfumato"), älskad av mästaren, som en ny gloria som ersätter medeltida glorior : detta är likaväl det gudomligt-mänskliga som det naturliga mysteriet, där den steniga grottan, som återspeglar Leonardos geologiska observationer, spelar en inte mindre dramatisk roll än helgonens gestalter i förgrunden.

"Sista måltiden"

I matsalen i klostret Santa Maria delle Grazie skapar Leonardo målningen "Nattvarden" (1495-97; på grund av ett riskabelt experiment, som mästaren gick till, med olja blandad med tempera för fresken, kom verket till oss i en mycket skadad form). Bildens höga religiösa och etiska innehåll, där Kristi lärjungars stormiga, motsägelsefulla reaktion på hans ord om det förestående sveket presenteras, uttrycks i tydliga matematiska mönster av kompositionen, som kraftfullt underordnar inte bara det målade, utan också det verkliga. arkitektoniskt utrymme. Den tydliga scenlogiken i ansiktsuttryck och gester, såväl som den spännande paradoxala, som alltid hos Leonardo, kombinationen av strikt rationalitet med en oförklarlig hemlighet gjorde Nattvarden till en av de mest betydande verk i världskonstens historia.

Leonardo är också engagerad i arkitektur och utvecklar olika versioner av den "ideala staden" och den centrala kupolkyrkan. Mästaren tillbringar efterföljande år i ständiga resor (Florens - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua och Venedig - 1500; Milano - 1506, 1507-13; Rom - 1513-16). Sedan 1517 bor han i Frankrike, dit han blev inbjuden av kung Frans I.

"Slaget vid Angyari". La Gioconda (Porträtt av Mona Lisa)

I Florens arbetar Leonardo på en målning i Palazzo Vecchio ("Slaget vid Angyari", 1503-1506; ofullbordad och ej bevarad, känd från kartongkopior, samt från en nyligen upptäckt skiss - privat samling, Japan), som står vid stridsgenrens ursprung i den moderna tidens konst; krigets dödliga raseri förkroppsligas här i ryttarnas frenetiska strid.

I den mest kända målningen av Leonardo, porträttet av Mona Lisa (den så kallade "La Gioconda", cirka 1503, Louvren), framstår bilden av en förmögen stadskvinna som en mystisk personifiering av naturen som sådan, utan att förlora en rent kvinnlig slughet; kompositionens inre betydelse ges av det kosmiskt majestätiska och samtidigt oroväckande alienerade landskapet som smälter i ett kallt dis.

Sena målningar

Leonardos sena verk inkluderar: projekt för ett monument till marskalk Trivulzio (1508-1512), målning "Saint Anne med Maria och barnet Kristus" (cirka 1500-1507, Louvren). Den senare sammanfattar liksom hans sökningar inom området ljus-luftperspektiv, tonfärg (med övervägande svala, grönaktiga nyanser) och harmonisk pyramidal komposition; samtidigt är det harmoni över avgrunden, eftersom en grupp heliga karaktärer, sammansvetsade av familjens närhet, är representerade på kanten av avgrunden. Leonardos sista målning, Johannes Döparen (cirka 1515-1517, ibid.) är full av erotisk tvetydighet: den unge Föregångaren ser här inte ut som en helig asket, utan som en frestare full av sensuell charm. I en serie teckningar som skildrar en universell katastrof (cykel med "floden", italiensk penna, penna, cirka 1514-1516, Royal Library, Windsor), kombineras reflektioner över människans svaghet och obetydlighet innan elementens kraft med rationalistisk, förutseende "virvel"-kosmologin hos R. Descartes idéer om naturliga processers cykliska natur.

"Avhandling om målning"

Den viktigaste källan för att studera Leonardo da Vincis åsikter är hans anteckningsböcker och manuskript (cirka 7 tusen ark), skrivna i vardagsspråk italienska... Mästaren själv lämnade ingen systematisk presentation av sina tankar. The Treatise on Painting, utarbetad efter Leonardos död av hans elev F. Melzi och som har ett enormt inflytande på konstteorin, består av passager, till stor del godtyckligt hämtade från sammanhanget av hans anteckningar. För Leonardo själv var konst och vetenskap oupplösligt förbundna. Genom att i "konsttvisten" ge målarhandflatan som den mest intellektuella, enligt hans övertygelse, typ av kreativitet, förstod mästaren det som ett universellt språk (liknande matematik inom vetenskapsområdet), som förkroppsligar all mångfald av universum genom proportioner, perspektiv och chiaroscuro. "Målning", skriver Leonardo, "är en vetenskap och en legitim dotter till naturen ..., en släkting till Gud." Genom att studera naturen inser den perfekta naturalistkonstnären det "gudomliga sinnet" som är gömt under naturens yttre utseende. Genom att delta i kreativ konkurrens med denna gudomligt intelligenta princip, hävdar konstnären därigenom sin likhet med den högsta Skaparen. Eftersom han "först har i sin själ och sedan i sina händer" "allt som finns i universum", är han också "en sorts gud".

Leonardo är en vetenskapsman. Tekniska projekt

Som vetenskapsman och ingenjör berikade Leonardo da Vinci nästan alla dåtidens kunskapsområden med insiktsfulla observationer och gissningar, och betraktade hans anteckningar och teckningar som skisser för ett gigantiskt naturfilosofisk uppslagsverk. Han var en framstående representant för den nya naturvetenskapen baserad på experiment. Leonardo ägnade särskild uppmärksamhet åt mekanik, kallade det "de matematiska vetenskapernas paradis" och såg i det nyckeln till universums hemligheter; han försökte bestämma glidfriktionskoefficienterna, studerade materialresistans och var entusiastiskt engagerad i hydraulik. Många hydrauliska experiment har återspeglas i innovativa kanal- och bevattningsdesigner. Hans passion för modellering ledde Leonardo till häpnadsväckande teknisk framsynthet, långt före eran: sådana är skisser av projekt för metallurgiska ugnar och valsverk, vävmaskiner, tryckeri, träbearbetningsmaskiner och andra maskiner, en ubåt och en tank, såväl som konstruktioner av flygmaskiner utvecklade efter noggranna studier av fåglars flygning och fallskärm.

Optik

Samlade av Leonardo observationer om påverkan av transparenta och genomskinliga kroppar på färgen på föremål, som återspeglas i hans målning, ledde till upprättandet av principerna för luftperspektiv i konsten. De optiska lagarnas universalitet var för honom associerad med idén om universums homogenitet. Han var nära att skapa ett heliocentriskt system, och betraktade jorden som "en punkt i universum." Han studerade det mänskliga ögats struktur och gjorde gissningar om karaktären av binokulärt syn.

Anatomi, botanik, paleontologi

I anatomiska studier, som sammanfattade resultaten av obduktioner, i detaljerade ritningar, lade han grunden till modern vetenskaplig illustration. Han studerade organens funktioner och betraktade organismen som ett exempel på "naturlig mekanik". Han var den första som beskrev ett antal ben och nerver, och ägnade särskild uppmärksamhet åt problemen med embryologi och jämförande anatomi, och strävade efter att introducera den experimentella metoden i biologin. Efter att ha etablerat botaniken som en självständig disciplin gav han klassiska beskrivningar av bladarrangemang, helium och geotropism, rottryck och rörelse av växtsaft. Han var en av grundarna av paleontologin och trodde att fossilerna som finns på toppen av bergen motbevisar idén om en "global översvämning".

Efter att ha visat sig renässansens "universella människas" ideal, tolkades Leonardo da Vinci i den efterföljande traditionen som en person som mest levande beskrev tidens kreativa sökningar. I rysk litteratur skapades porträttet av Leonardo av D. S. Merezhkovsky i romanen "The Resurrected Gods" (1899-1900)

Målningar av Leonardo da Vinci:

"Jungfru och barn med barn av John" Mona Lisa "1503 Baptist och St. Anna “

“ Chef för en ung kvinna "" Madonna och barn "

“ Sista måltiden ” 1495-1497

Raphael Santi

Raffaello Santi (1483-1520), italiensk målare och arkitekt. Representant för högrenässansen. Med klassisk klarhet och sublim andlighet förkroppsligade han renässansens livsbejakande ideal. Tidiga verk (Madonna Conestabile, ca 1502-03) är genomsyrade av nåd, mjuk lyrik. Han förhärligade människans jordiska existens, harmonin mellan andliga och fysiska krafter i målningarna i Vatikanens strofer (rum) (1509-17), efter att ha uppnått en oklanderlig känsla för proportioner, rytm, proportioner, färgens välljud, enhet av figurer. och majestätiska arkitektoniska bakgrunder. Många bilder av Guds moder ("Sixtinska Madonna", ca 1513), konstnärliga ensembler i målningarna av Villa Farnezina (1514-18) och Vatikanens loggier (1519, med studenter). I porträtt skapade perfekt bild man från renässansen ("B. Castiglione", 1514-15). Designade katedralen St. Peter, byggde Chigi-kapellet i kyrkan Santa Maria del Popolo (1512-20) i Rom.

RAPHAEL (riktigt namn Rafaello Santi) (Raffaello Santi) (26 eller 28 mars 1483, Urbino - 6 april 1520, Rom), italiensk målare och arkitekt. Son till konstnären Giovanni Santi. Enligt Vasari studerade han med Perugino. Omnämns första gången som självständig mästare 1500. 1504-08 arbetade han i Florens. I slutet av 1508, på inbjudan av påven Julius II, flyttade han till Rom, där han tillsammans med Michelangelo tog en ledande plats bland de konstnärer som arbetade vid Julius II:s hov och hans efterträdare Leo X.

Redan i de tidiga målningarna, skrivna innan han flyttade till Florens, den harmoniska strukturen av talang som är inneboende i Rafael, hans förmåga att hitta felfri harmoni av former, rytmer, färger, rörelser, gester, och i sådana verk i småformat, nästan miniatyrer, som "Madonna Conestabille" (c. 1502-03, Hermitage), The Knight's Dream (c. 1504, National Gallery, London), The Three Graces (Museum of Condé, Chantilly), St. George (c. 1504, National Gallery, Washington), och i ett större format "The Troloving of Mary" (1504, Brera, Milano).

Florentinska perioden (1504-08)

Flytten spelade en stor roll i Raphaels kreativa utveckling. Av största vikt för honom var bekantskap med Leonardo da Vincis metod. Efter Leonardo började han arbeta mycket från naturen, studera anatomi, rörelsemekanik, komplexa poser och vinklar, leta efter kompakta, rytmiskt balanserade kompositionsformler. I Rafaels sista florentinska verk (The Entombment, 1507, Borghese Gallery, Rome; St. Catherine of Alexandria, ca 1507-08, National Gallery, London) visar sig intresset för de komplexa formlerna för dramatiskt agiterad rörelse som utvecklats av Michelangelo.

Huvudtemat för målning av den florentinska perioden är Madonnan och barnet, till vilken minst 10 verk är tillägnade. Bland dem finns tre nära sammansatta målningar: "Madonna med guldfinken" (ca 1506-07, Uffizi), "Madonna i det gröna" (1506, Konsthistoriska museet, Wien), "Den vackra trädgårdsmästaren" (1507) , Louvren). Genom att variera samma motiv i dem, föreställande en ung mor och små barn - Kristus och Johannes Döparen - som leker vid hennes fötter mot bakgrunden av ett idylliskt landskap, förenar han figurerna med en stabil, harmoniskt balanserad rytm av kompositionspyramiden, älskade av renässansens mästare.

Romersk tid (1509-20)

Efter att ha flyttat till Rom får den 26-årige mästaren positionen som "konstnär av den apostoliska stolen" och uppdraget att måla Vatikanpalatsets ceremonikammare, från 1514 övervakar han byggandet av katedralen St. Peter, arbetar inom kyrkan och palatsarkitektur, 1515 utnämndes han till kommissarie för antikviteter, ansvarig för studier och skydd av fornminnen, arkeologiska utgrävningar.

Väggmålningar i Vatikanpalatset

Den centrala platsen i arbetet under denna period upptas av målningarna av ceremonikamrarna i Vatikanpalatset. Målningen av Stanza della Senyatura (1509-11) är en av Rafaels mest perfekta skapelser. Majestätiska flerfigurskompositioner på väggarna (förenar från 40 till 60 tecken) "Dispute" ("Tvist om sakramentet"), " Atens skola"," Parnassus "," Grunden för kanonisk och civil lag "och de motsvarande fyra allegoriska kvinnofigurerna på valven personifierar teologi, filosofi, poesi och rättsvetenskap.

Utan att upprepa en enda figur och pose, inte en enda rörelse, väver Raphael ihop dem med en flexibel, fri, naturlig rytm som flyter från figur till figur, från en grupp till en annan.

I den angränsande strofen Elidor (1512-14), i väggmålningar ("Utvisningen av Elidor från templet", "Den mirakulösa utläggningen av aposteln Petrus från fängelsehålan", "Mässa i Bolsena", "Möte av påven Leo Jag med Attila”) och bibliska scener på valven dominerar den narrativa och dramatiska början, den patetiska spänningen av rörelser, gester, komplexa kontraster växer, kontrasterna mellan ljus och skugga intensifieras. I The Miraculous Report of the Apostle Peter from Dungeon förmedlar Rafael, med en ovanlig bildfinhet för en konstnär från centrala Italien, de komplexa effekterna av nattljus - en bländande strålglans som omger en ängel, kallt ljus från månen, rödaktig låga av facklor och deras reflektioner över vakternas rustning.

Bland de bästa verken av monumentalisten Rafael är också målningarna av valven i Chigi-kapellet (ca 1513-14, Santa Maria della Pace, Rom) beställda av bankiren och konstbeskyddaren Agostino Chigi och fresken "Triumph of Galatea" " full av hednisk munterhet (ca 1514-15, Villa Farnesina, Rom).

Tillverkad 1515-16, kartonger för gobelänger med episoder av apostlarna Peter och Paulus (Victoria and Albert Museum, London) ligger stilmässigt nära Stanz-målningarna, men de visar redan de första tecknen på utmattning av Rafaels klassiska stil - egenskaper av kall perfektion, passion för den spektakulära början, uppvisning i poser, överskott av gestikulation. Detta är ännu mer karakteristiskt för fresker av Vatikanen Stanza del Inchendio (1514-17), gjorda av teckningar av Rafael av hans assistenter Giulio Romano och J.F. Penny. De rent dekorativa målningarna gjorda av Rafaels assistenter efter hans teckningar i Hall of Psyche i Villa Farnesin (ca 1515-16) och i den s.k. Rafaels loggia vid Vatikanpalatset (1518-19).

romerska madonnor

Under den romerska perioden vänder sig Raphael mycket mindre ofta till bilden av Madonnan och hittar en ny, djupare lösning på den. I Madonna della Sedia (ca 1513, Pitti, Florens), en ung mor klädd till en romersk allmoge, är den lille Johannes Döparen och Kristus sammanlänkade genom en cirkulär ram (tondo); Madonna försöker liksom gömma sin son i famnen – en liten Titan med en oförskönt allvarlig blick. En ny, polyfoniskt komplex tolkning av bilden av Madonnan fick sitt fullaste uttryck i en av Rafaels mest perfekta skapelser - det sixtinska madonnaaltaret (ca 1513, Bildgalleriet, Dresden).

Porträtt

De första porträtten är från den florentinska perioden (Agnolo Doni, ca 1505, Pitti, Florens; Maddalena Strozzi, ca 1505, ibid; Donna Gravida, ca 1505, ibid.). Det var dock bara i Rom som Raphael övervann sin torrhet och en del stelhet tidiga porträtt... Bland de romerska verken sticker porträttet av humanisten Baldassare Castiglione (ca 1514-15, Louvren) etc. ut. Donna Velata, möjligen en modell av den sixtinska madonnan (ca 1516, Pitti, Florens), med deras ädla och harmoniska bildstruktur, kompositionsbalans, subtilitet och färgrikedom.

Arkitektoniska arbeten

Raphael lämnade också en märkbar prägel på italiensk arkitektur. Bland dess byggnader finns den lilla kyrkan San Eligio degli Orefici (grundad cirka 1509) med dess strama interiör, Chigi-kapellet i kyrkan Santa Maria del Popolo (grundad cirka 1512), vars interiör är ett exempel på en enhet av arkitektonisk design och inredning, vilket är sällsynt även för renässansen designad av Raphael - väggmålningar, mosaiker, skulpturer och den ofullbordade Villa Madama.

Raphael hade ett enormt inflytande på den efterföljande utvecklingen av italiensk och europeisk målning och blev, tillsammans med antikens mästare, det högsta exemplet på konstnärlig excellens.

Målningar av Raphael Santi:

"Nymph Galatea"

"Madonna och barn"

"Saint George kämpar mot draken"

"Profeten Ezerkiels syn" "Adam och Eva"

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti (1475-1564), italiensk skulptör, målare, arkitekt, poet. Med största styrka uttryckte han djupt mänskliga, fulla av heroiska patosideal från högrenässansen, samt en tragisk känsla av krisen i den humanistiska världsåskådningen under senrenässansen. Monumentalitet, plasticitet och dramatik av bilder, beundran för mänsklig skönhet manifesterade sig redan i tidiga verk ("Kristi klagan", ca 1497-98; "David", 1501-04; kartong "Slaget vid Kashin", 1504-06). Målningen av valvet av Sixtinska kapellet i Vatikanen (1508-12), statyn av "Moses" (1515-16) bekräftar människans fysiska och andliga skönhet, hennes obegränsade kreativa möjligheter. De tragiska tonerna orsakade av krisen för renässansidealerna hörs i ensemblen av Nya sakristian i San Lorenzo-kyrkan i Florens (1520-34), i fresken "Den sista domen" (1536-41) på altaret Sixtinska kapellets mur, i de senare versionerna av "Kristi klagan" (ca 1550-55) m.fl. I Michelangelos arkitektur dominerar den plastiska principen, massornas dynamiska kontrast (det Laurentianska biblioteket i Florens, 1523-34). Från 1546 övervakade han byggandet av katedralen St. Peter, skapandet av Capitol-ensemblen i Rom. Michelangelos poesi utmärks av tankedjupet och hög tragedi.

Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Rom), italiensk skulptör, målare, arkitekt, poet, en av högrenässansens ledande mästare.

Ungdom. År av studier

Han fick sin grundutbildning vid en latinskola i Florens. Studerade målning hos Ghirlandaio, skulptur hos Bertoldo di Giovanni, grundad av Lorenzo Medici konstskola i Medici Gardens. Han kopierade fresker av Giotto och Masaccio, studerade skulptur av Donatello och 1494 i Bologna blev han bekant med verk av Jacopo della Quercia. I huset av Lorenzo, där Michelangelo bodde i två år, blev han bekant med neoplatonismens filosofi, som senare fick ett starkt inflytande på hans världsbild och kreativitet. Dragningen mot den monumentala utvidgningen av formerna var tydlig redan i hans första verk - relieferna "Madonna vid trappan" (ca 1491, Casa Buonarroti, Florens) och "Kentaurernas slag" (ca 1492, ibid.).

Första romerska perioden (1496-1501)

I Rom fortsatte Michelangelo studiet av antik skulptur, som började i Medici-trädgården, som blev en av källorna till hans rika plasticitet. Den antika statyn av Bacchus (ca 1496, Nationalmuseet, Florens) och skulpturgruppen "Pieta" (ca 1498-99), som vittnar om början av mästarens kreativa mognad, tillhör den första romerska perioden.

Florentinsk tid (1501-06). Staty av david

När han återvände till Florens 1501 fick Michelangelo en order från republikens regering att skapa en 5,5 meter lång staty av David (1501-04, Accademia, Florens). Installerad på huvudtorget i Florens bredvid Palazzo Vecchio rådhus (nu ersatt av en kopia), var det tänkt att bli en symbol för republikens frihet. Michelangelo porträtterade David inte som en bräcklig tonåring som trampar på Goliats avhuggna huvud, som 1400-talets mästare gjorde, utan som en vacker, atletisk jätte i ögonblicket före striden, full av självförtroende och formidabel styrka (samtiden kallade henne terribilita - skrämmande ).

Samtidigt, 1501-05, arbetade Michelangelo på en annan regeringsorder - kartong för fresken "Battle of Cachin", som tillsammans med Leonardo da Vincis målning "Battle of Angiari" var tänkt att dekorera hallen i Palazzo Vecchio. Väggmålningarna utfördes inte, men en skiss av Michelangelos kartong har överlevt, vilket förebådar dynamiken i poserna och gesterna i målningen av den sixtinska plafonden.

Andra romerska perioden (1505-16)

År 1505 kallade påven Julius II Michelangelo till Rom och anförtrodde honom arbetet med hans gravsten. Michelangelos projekt planerade att skapa ett majestätiskt, fristående mausoleum, i motsats till de traditionella vägggravstenarna för dåtidens Italien, dekorerat med 40 statyer större än mänsklig tillväxt. Den snabba kylningen av Julius II till denna plan och upphörandet av finansieringen för arbetet orsakade ett gräl mellan mästaren och påven och Michelangelos demonstrativa avresa till Florens i mars 1506. Han återvände till Rom först 1508, efter att ha fått en order från Julius II att måla Sixtinska kapellet.

Väggmålningar av Sixtinska kapellet

Freskerna på den sixtinska plafonden (1508-12) är de mest ambitiösa av Michelangelos design. Michelangelo förkastade det projekt som föreslagits honom med figurerna av de 12 apostlarna i valvets laterala delar och med prydnadsfyllning av dess huvuddel, och utvecklade sitt eget program av väggmålningar, som fortfarande framkallar olika tolkningar. Målningen av det enorma valvet som täcker det stora (40,93 x 13,41 m) påvliga kapellet inkluderar 9 stora kompositioner i valvets spegel om teman från Första Moseboken - från världens skapelse till syndafloden, 12 enorma figurer av sibyllor och profeter i valvets sidobälten, cykeln "Kristi förfäder" i strippning och lunetter, 4 kompositioner i hörnsegel på temat det judiska folkets mirakulösa befrielse. Dussintals majestätiska karaktärer som bor i detta storslagna universum, utrustade med ett titaniskt utseende och kolossal andlig energi, visar en extraordinär rikedom av de mest komplexa gester, poser, motposter, vinklar genomsyrade av kraftfulla rörelser.

Påven Julius II:s gravsten

Efter Julius II:s död (1513) återupptog Michelangelo arbetet med sin gravsten och skapade 1513-16 tre statyer - "Den döende slaven", "Rebellslaven" (båda i Louvren) och "Moses". Det ursprungliga projektet, som upprepade gånger reviderades av arvingarna till Julius II, genomfördes inte. Enligt det sjätte avtalet som slöts med dem installerades 1545 en tvåvåningsvägggravsten i den romerska kyrkan San Pietro in Vincoli, som inkluderade "Moses" och 6 statyer gjorda i början av 1540-talet. i Michelangelos verkstad.

De fyra oavslutade slavarna (ca 1520-36, Accademia, Florens), ursprungligen avsedda för en gravsten, ger en uppfattning om Michelangelos kreativa metod. Till skillnad från samtida skulptörer bearbetade han ett block av marmor inte från alla sidor, utan bara från ena sidan, som om han extraherade figurer från stenens tjocklek; i sina dikter säger han upprepade gånger att skulptören bara släpper bilden som ursprungligen gömts i stenen. Presenterade i spända dramatiska poser verkar "slavarna" för sig själva försöka fly från stenmassan som fjättrar dem.

Medici kapell

År 1516 gav påven Leo X Medici Michelangelo i uppdrag att designa fasaden på kyrkan San Lorenzo i Florens, byggd på 1400-talet. Brunelleschi. Michelangelo ville göra fasaden på denna Medici församlingskyrka till "en spegel av hela Italien", men arbetet stoppades på grund av brist på medel. År 1520 gav kardinal Giulio Medici, den blivande påven Clement VII, Michelangelo i uppdrag att förvandla San Lorenzo-kyrkans nya sakristi till Medici-familjens storslagna grav. Arbetet med detta projekt, som avbröts av upproret mot Medici 1527-30 (Michelangelo var en av ledarna för det treåriga försvaret av det belägrade Florens), var inte avslutat när Michelangelo reste till Rom 1534; statyerna han gjorde installerades först 1546.

Medicikapellet är en komplex arkitektonisk och skulptural ensemble, vars figurativa innehåll har gett upphov till olika tolkningar. Statyerna av hertigarna Lorenzo och Giuliano Medici, som sitter i grunda nischer mot bakgrund av antika arkitektoniska dekorationer och klädda i romerska kejsares rustningar, saknar porträttlikhet och symboliserar kanske ett aktivt liv och ett kontemplativt liv. Sarkofagens grafiskt ljusa konturer kontrasteras mot plastkraften hos de enorma statyerna av Dag och Natt, Morgon och Kväll, som ligger på sarkofagens sluttande lock i plågsamt obekväma positioner, som om de är redo att glida av dem. Michelangelo uttryckte dessa bilders dramatiska patos i en kvat, som han skrev som på uppdrag av Natten:

Det är sött för mig att sova, och ännu mer - att vara en sten,

När skam och brott finns överallt:

Att inte känna, inte se är en lättnad.

Håll käften, vän, varför väcka mig? (Översatt av A. Efros).

Laurenzian bibliotek

Under åren av arbete i Florens 1520-34 utvecklades arkitekten Michelangelos stil, kännetecknad av ökad plasticitet och pittoresk rikedom. Trappan till det Laurenziska biblioteket löstes djärvt och oväntat (projekt ca 1523-34, avslutat efter Michelangelos avresa till Rom). Den monumentala marmortrappan, som nästan helt fyller den stora lobbyn, börjar precis vid tröskeln till lässalen på andra våningen, rinner ut genom dörröppningen med en smal marsch av branta trappsteg och expanderar snabbt och bildar tre armar, går ner precis som brant; den dynamiska rytmen av stora marmorsteg, riktade mot de som stiger upp i hallen, uppfattas som en slags kraft som måste övervinnas.

Tredje romerska perioden. "Den sista domen"

Michelangelos flytt till Rom 1534 inleder den sista, dramatiska perioden av hans verk, som sammanföll med den allmänna krisen under den florentinsk-romerska renässansen. Michelangelo närmar sig poe I den kolossala (17 x 13,3 m) fresken "Den sista domen" (1536-41) på Sixtinska kapellets altarvägg avviker Michelangelo från traditionell ikonografi, och skildrar inte ögonblicket för fullbordandet av domen, då de rättfärdiga är redan avskild från syndare, men dess början: Kristus straffar med en gest av en upphöjd hand, han för ned det döende universum inför våra ögon. Om titaniska människofigurer var källan till rörelse i den sixtinska plafonden, så förs de nu bort, som en virvelvind, av en yttre kraft som överträffar dem; karaktärerna förlorar sin skönhet, deras titaniska kroppar tycks svälla av muskelhögar som bryter mot linjernas harmoni; desperata rörelser och gester, skärande, disharmoniska; bortförda av den gemensamma rörelsen går de rättfärdiga inte att skilja från syndare.

Enligt Vasari, påven Paulus IV på 1550-talet. var på väg att slå ner väggmålningen, men istället fick konstnären Daniele da Volterra i uppdrag att "klä" helgonen eller täcka dem med länddukar (dessa inspelningar togs delvis bort under restaureringen, som avslutades 1993).

De sista målningarna av Michelangelo - freskerna "Aposteln Petrus korsfästelse" och "Sauls fall" (1542-50, Paolina-kapellet, Vatikanen) är också genomsyrade av tragiskt patos. I allmänhet hade Michelangelos sena målning ett avgörande inflytande på manérismens bildande.

Sena skulpturer. Poesi

Den figurativa lösningens och det plastiska språkets dramatiska komplexitet utmärker Michelangelos sena skulpturala verk: "Pieta med Nikodemus" (ca 1547-55, katedralen i Florens) och "Pieta Rondanini" (oavslutad grupp, ca 1555-64, Castello Sforzesco) .

Under den senaste romartiden skrevs de flesta av de nästan 200 dikterna av Michelangelo som har kommit till oss, kännetecknade av det filosofiska tankedjupet och språkets intensiva uttrycksförmåga.

katedralen i st. Petra

1546 utsågs Michelangelo till chefsarkitekt för St. Peter, vars konstruktion påbörjades av Bramante, som vid sin död (1514) lyckades resa fyra gigantiska pelare och valv i mitten av korset, samt delvis ett av långhusen. Under hans efterträdare - Peruzzi, Rafael, Sangallo, som delvis avvek från Bramante-planen, kom byggandet knappast framåt. Michelangelo återvände till Bramantes centrala plan, samtidigt som han förstorade alla former och indelningar, vilket gav dem plastisk kraft. Under sin livstid lyckades Michelangelo avsluta den östra delen av katedralen och vestibulen av den enorma (42 m i diameter) kupolen, som restes efter hans död av Giacomo della Porta.

Ensemble av Capitolium

Michelangelos andra storslagna arkitektoniska projekt slutfördes först på 1600-talet. ensemble av Capitolium. Det inkluderar det medeltida senatoriska palatset (rådhuset), krönt med ett torn, ombyggt enligt Michelangelos design, och två ståtliga palats av de konservativa med samma fasader, förenade av pilastrarnas kraftfulla rytm. Den antika ryttarstatyn av Marcus Aurelius installerad i mitten av torget och en bred trappa som går ner till bostadskvarteren i staden fullbordade denna ensemble, som förband det nya Rom med de storslagna ruinerna av det antika Forum Romanum som ligger på andra sidan av Capitoline Hill.

Begravning i Florens

Trots upprepade inbjudningar från hertig Cosimo Medici vägrade Michelangelo att återvända till Florens. Efter hans död fördes hans kropp i hemlighet ut ur Rom och begravdes högtidligt i de berömda florentinernas grav - Santa Croce-kyrkan.

Arbete Michelangelo Buonarroti:

“ David ”

“ Skiljer ljus från mörker ”

"Skapelsen av solen och månen"

Renässansen är en av de ljusaste i världskonstens historia. Den täcker XIV-XVI århundradena. i Italien, XV-XVI århundraden. i länder norr om Alperna. Dess namn - renässansen (eller renässansen) - denna period i utvecklingen av kultur mottogs i samband med återupplivandet av intresset för antik konst, hänvisar till honom som ett underbart ideal, en modell. Men naturligtvis går den nya konsten långt utöver det förflutnas imitation.

Donatello. David. 1430-talet. Brons. Nationalmuseum. Florens.



Giotto. Klagoång över Kristus. OK. 1305 Fresk av Chapel del Arena. Padua.



S. Botticelli. Vår. OK. 1477-1478 Canvas, olja. Uffizi-galleriet. Florens.



A. Mantegna. Möte mellan Ludovico och Francesco Gonzaga. Mellan 1471-1474 Fresken av den västra väggen av Chamber degli Sposi (detalj). Mantua.



Leonardo Da Vinci. Porträtt av Mona Lisa (den så kallade "La Gioconda"). OK. 1503 Olja på trä. Louvren. Paris.



Leonardo Da Vinci. Sista måltiden. 1495-1497 Olje- och temperamålning på väggen i matsalen i klostret Santa Maria delle Grazie (detalj). Milano.



Raphael. Atens skola. 1509-1511 Fresk i Stanza della Senyatura. Vatikanen.



Michelangelo. Delfisk sibylla. 1508-1512 Fresk av plafonden i Sixtinska kapellet (fragment). Vatikanen.





Jan van Eyck. Porträtt av paret Arnolfini. 1434 Olja på trä. Nationalgalleriet. London.



Hugo van der Goes. Tillbedjan av herdarna. 1474-1475 Olja på trä. Uffizi-galleriet. Florens.



A. Durer. Tillbedjan av Magi. 1504 Olja på duk. Uffizi-galleriet. Florens.



L. Cranach den äldre. Madonna under äppelträdet. Efter 1525 Olja på duk. Statens Eremitage. Sankt Petersburg.



A. Durer. Fyra ryttare. 1498 Träsnitt. Från cykeln "Apokalypsen".

Renässansens konstnärliga kultur tog form under perioden av kulturens uppkomst, ekonomins snabba tillväxt, uppkomsten av ett nytt socialt system - nedbrytningen av det gamla, medeltida levnadssättet och uppkomsten av kapitalistiska relationer. F. Engels skrev om renässansen: "Det var den största progressiva revolutionen av hela mänskligheten som upplevts fram till den tiden, en era som behövde titaner och som födde titaner i tankens, passionens och karaktärens kraft, i mångsidighet och lärande."

Grundläggande ekonomiska och sociala förändringar ledde till uppkomsten av en ny progressiv världsbild - humanism (från det latinska ordet humanus - "människa"). Alla humanister inspirerades av tron ​​på människans skapande krafter, det mänskliga sinnets gränslösa kraft.

Vid denna tidpunkt utvecklas idealet om en aktiv, viljestark person och manifesterar sig på en mängd olika sätt. Han är frågvis, full av begär efter det okända, en känsla av skönhet utvecklas i honom.

Renässansen har lyft upp idén om det mänskliga sinnet, dess förmåga att känna till världen. Den snabba utvecklingen av vetenskap är ett karakteristiskt drag för denna period. I sitt sökande efter idealet ägnade humanisterna särskild uppmärksamhet åt mänsklighetens historia. Forntida kultur visade sig vara närmast deras ambitioner.

Många av den tidens bildade människor visade likgiltighet för religion. Och även om konstnärerna målade bilder främst på religiösa teman, såg de i religiösa bilder ett poetiskt uttryck för människors erfarenheter som samlats under århundradena. De fyllde de gamla kristna myterna med nytt livsinnehåll.

Av alla kulturområden rankades konsten först i Italien. Det var det naturliga kreativa uttrycket för den tidens människor.

Renässansens konst, liksom tidigare epoker, syftade till att ge en uppfattning om världens struktur, jordisk och himmelsk. Det nya var att idéer om gudom och himmelska krafter inte längre tolkas som ett obegripligt skrämmande mysterium och, viktigast av allt, är denna konst genomsyrad av tro på människan, på hennes sinnes kraft och kreativa förmågor.

Renässanslivet var nära förknippat med konst. Den utgjorde dess oskiljaktiga del, inte bara som ett objekt för kontemplation, utan som arbete och kreativitet. Konsten sökte så att säga inte bara fylla kyrkor och palats utan också finna en plats för sig själv på torg, gatukorsningar, på husfasader och i deras interiörer. Det var svårt att hitta en person som var likgiltig för konst. Prinsar, köpmän, hantverkare, präster, munkar var ofta människor som var bevandrade i konst, kunder och beskyddare av konstnärer. Beskyddarnas generositet drevs av en törst efter självförhöjelse.

Konstens utveckling underlättades avsevärt av det faktum att snabbt förvärvade rikedomar samlades i stora städer. Men lätt framgång förstörde inte ens de mest ivriga konstnärerna för berömmelse och vinst, eftersom de strikta grunderna för skråorganisationen av konstnärligt arbete fortfarande var starka. Unga människor utbildades, arbetade som assistent med en mogen mästare. Det är därför många konstnärer kunde konsthantverket så väl. Konstverk från 1400-talet utfört omsorgsfullt och kärleksfullt. Även i de fall då de inte bär prägel av talang eller genialitet, beundras vi alltid för gediget utförande.

Av alla konster rankades bildkonsten och arkitekturen först. Inte undra på namnen på 1400-talets stora målare. känd för alla utbildade personer.

Renässansen sträcker sig över flera århundraden. Dess tidiga skede i Italien går tillbaka till första hälften av 1400-talet, men den förbereddes av hela konstens utveckling under andra hälften av 1200-1300-talen.

Florens blev renässansens födelseplats. Renässansens "fäder" kallas målaren Masaccio, skulptören Donatello, arkitekten F. Brunelleschi. Var och en på sitt sätt, men tillsammans lägger de grunden för en ny konst. Masaccio, vid ungefär 25 års ålder, började måla Brancacci-kapellet i kyrkan Santa Maria del Carmine i Florens. Bilderna han skapade är uppfyllda mänsklig värdighet utrustad med fysisk styrka, skönhet. Masaccios främsta konstnärliga medel är en kraftfull chiaroscuro, en utvecklad förståelse för volym. Konstnären dog innan han fyllde 30 år, men hans elever och anhängare fortsatte att söka efter något nytt inom området monumentalmålning, perspektiv, färg.

I italiensk konst på 1400-talet. en säregen förståelse för konstnärlig sanning håller på att utvecklas. Målare fortsätter att hämta sina berättelser från kyrkolegender, kyrkornas väggar är uteslutande dekorerade med bibliska scener, men dessa scener överförs till torg och gator i italienska städer, uppträder som inför samtida, och tack vare detta, vardagslivet själv får en sublim historisk karaktär. Artister inkluderar porträtt av kunder och till och med självporträtt i legendariska scener. Ibland innehåller den pittoreska kompositionen gator med slumpmässiga förbipasserande, torg med en bullrig folkmassa, människor i moderna kostymer bredvid heliga personer.

Måleriets främsta utmärkande drag har blivit ett vetenskapligt grundat perspektiv. Konstnärer var stolta över henne som en upptäckt och hånfulla över sina föregångare, som inte kände henne. De kunde bygga komplexa, flerfigurskompositioner i tredimensionellt utrymme med matematisk precision. Det är sant att de florentinska målarna begränsade sig till ett linjärt perspektiv och märkte nästan inte luftmiljöns roll. Den historiska betydelsen av upptäckten av perspektiv var dock enorm. I händerna på stora målare blev det ett mäktigt konstnärligt verktyg, hjälpte till att utöka utbudet av fenomen som är föremål för konstnärlig förkroppsligande, till att inkludera utrymme, landskap och arkitektur i målning.

Italiensk målning från 1400-talet. - mestadels monumental. Den utfördes på väggarna med freskteknik och designades till sin natur för att uppfatta på avstånd. italienska mästare visste hur de skulle ge sina bilder en universellt betydelsefull karaktär. De kasserade bagateller och detaljer och tittade på världen genom ögonen på människor som kan se essensen av en person i hans gest, kroppsrörelse, hållning.

Grundaren av renässansens skulptur var Donatello. En av hans främsta prestationer är återupplivandet av den så kallade runda statyn, som lade grunden för utvecklingen av skulptur under senare tider. Donatellos mest mogna verk är statyn av David (Florens).

Brunelleschi spelade en avgörande roll i utvecklingen av renässansens arkitektur. Han återupplivar den antika förståelsen av arkitektur, samtidigt som han inte överger det medeltida arvet.

Brunelleschi återupplivade ordningen, höjde värdet på proportioner och gjorde dem till grunden ny arkitektur... För att åstadkomma allt detta fick han hjälp av studiet av de romerska ruinerna, som han noggrant mätte och kärleksfullt kopierade. Men detta var ingen blind imitation av antiken. I byggnaderna som byggdes av Brunelleschi (Foundling Home, Pazzi Chapel i Florens, etc.) är arkitekturen fylld av den andlighet som var okänd för de gamla.

Italienare hade ett stort intresse för proportioner i konst, främst för arkitektur. Deras skapelser gläder betraktaren med formernas proportionalitet. Den gotiska katedralen är redan på grund av sin gigantiska storlek svår att se; Renässansbyggnader fångas så att säga med en enda blick, vilket gör det möjligt att uppskatta den fantastiska proportionaliteten hos deras delar.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi var långt ifrån ensamma i sina uppdrag. Många utmärkta artister arbetade med dem samtidigt. Nästa generation renässanskonstnärer under andra hälften av 1400-talet. berikar ny konst och främjar dess breda spridning. Förutom Florens, där S. Botticelli var den här tidens största mästare, dök det upp nya konstcentra och lokala skolor i Umbrien, norra Italien, Venedig. Så stora mästare som Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini och många andra arbetade här.

Monumenten som skapades i Italien vid sekelskiftet 1400- och 1500-talet kännetecknas av sin perfektion och mognad. Denna period av den högsta blomningen av italiensk konst brukar kallas högrenässansen. Bland den många armén av begåvade hantverkare vid denna tid finns de som med rätta kallas genier. Dessa är Leonardo da Vinci, Raphael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, lite senare uppträder Giorgione, Titian, A. Palladio. Historien om denna period är till stor del historien om dessa mästares arbete.

De sista två tredjedelarna av XVI-talet. kallas senrenässansen. Detta är en period av intensifiering av feodal reaktion. Katolsk kyrka förklarar en kampanj mot humanismen i alla dess yttringar. Konsten har också drabbats av krisen. Konstnärer begränsar sig som regel till att låna de stora mästarnas motiv och tekniker. I deras verk finns det mycket förfining, skärpa, grace, men ibland kan bitterhet, likgiltighet ses, de saknar värme och naturlighet. I slutet av XVI-talet. krisen förvärras. Konsten blir mer reglerad, hovman. Och vid den här tiden arbetade stora artister - Titian, Tintoretto, men dessa var bara stora ensamvargar.

Renässanskulturens kris innebar naturligtvis inte att arvet från renässansen gick förlorat; den fortsatte att fungera som ett exempel och ett mått på kulturell uppskattning. Inflytandet från den italienska renässansen är enormt. Den finner ett svar i Frankrike, Spanien, Tyskland, England, Ryssland.

I Nederländerna, Frankrike och Tyskland präglades också 1400-1500-talen av konstens framväxt, särskilt måleriet. Detta är perioden för den så kallade nordrenässansen.

Redan under XIII-XIV-talen. här bildades frihandel och hantverksstäder, handeln utvecklades. I slutet av 1400-talet. kulturcentrumen i norr stärker sina band med Italien. Här hittade artister förebilder. Men även i själva Italien arbetade holländska mästare och värderades högt. Italienarna lockades särskilt av den nya oljemålningen och träsnittet.

Ömsesidig påverkan utesluter inte originaliteten som utmärker konsten i den nordliga renässansen. Här finns de gamla traditionerna inom gotisk konst bevarade. Kampen för humanistiska ideal var mer akut i dessa länder. Bondekriget i Tyskland i början av 1500-talet, som skakade hela Västeuropa, bidrog till att konsten i norr fick ett mer påtagligt nationalitetsavtryck. Den italienska och nordliga renässansen, med alla sina olikheter, utgör så att säga två kanaler av samma bäck.

Den största holländska målaren på 1400-talet. - Jan van Eyck. Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling, Luca Leiden var verkligen begåvade hantverkare. Pieter Bruegel den äldres verk är toppen av den nordliga renässanskonsten i mitten av 1500-talet.

I Tyskland var den tyska renässansens största representant Albrecht Durer. Men inte den enda. Sådana anmärkningsvärda konstnärer som Mathis Niethardt, Lucas Cranach den äldre, Hans Holbein den yngre och andra arbetade här.

Kuppen som genomfördes under renässansen inom andlig kultur och konst var av stor historisk betydelse. Aldrig tidigare i Västeuropa har konsten intagit en så enastående plats i samhället. Under de kommande tre århundradena utvecklas europeisk konst på grundval av principer som assimilerats och legaliserats av renässanskonstnärerna. Renässanskonst är fortfarande attraktiv idag.