Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang mga klasikong Viennese ay pumasok sa kasaysayan ng musika ng mundo bilang mga pangunahing repormador. Ang kanilang mga komposisyon ay naglatag ng pundasyon para sa ngayon ay itinuturing na klasikal na musika.

Pangkalahatang katangian ng panahon

Ang mga may-akda na ito ay nagkakaisa sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay nagtrabaho sa turn ng dalawang pangunahing kultural at historikal na panahon: klasiko at romantikismo. Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa panahon ng paglipat, kung kailan nagkaroon ng aktibong paghahanap ng mga bagong anyo hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa fiction, pagpipinta, at arkitektura. Ang lahat ng ito ay higit na nagtatakda ng direksyon ng kanilang mga gawain at ang mga problema ng mga sulatin. Ang ika-18 - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga seryosong kaguluhan sa pulitika, mga digmaan na literal na nagpabaligtad sa mapa ng Europa at nagkaroon ng malakas na epekto sa isipan ng mga modernong intelihente at mga edukadong lupon ng lipunan. Ang mga klasikong Vienna ay walang pagbubukod. Halimbawa, ito ay isang kilalang katotohanan na ang mga digmaang Napoleonic ay lubos na nakaimpluwensya sa gawain ni Beethoven, na, sa kanyang sikat na ika-9 na symphony ("Choral"), ay may hawak na ideya ng unibersal na pagkakaisa at kapayapaan. Ito ay isang uri ng pagtugon sa lahat ng mga sakuna na yumanig sa kontinente ng Europa sa panahong isinasaalang-alang natin.

Buhay sa kultura

Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa isang panahon kung kailan ang baroque ay kumupas sa background, at isang bagong direksyon ang nagsimulang gumanap ng isang nangungunang papel. Nagsumikap ito para sa pagkakatugma ng mga anyo, pagkakaisa ng komposisyon, at samakatuwid ay tinalikuran ang mga kahanga-hangang anyo ng nakaraang panahon. Sinimulan ng klasiko na matukoy ang imahe ng kultura ng maraming mga estado sa Europa. Ngunit sa parehong oras, kahit na noon ay may isang ugali na pagtagumpayan ang matibay na anyo ng kalakaran na ito at lumikha ng malalakas na obra na may mga elemento ng drama at kahit na trahedya. Ito ang mga unang palatandaan ng paglitaw ng romantikismo, na tumutukoy sa pag-unlad ng kultura ng buong ika-19 na siglo.

Reporma sa opera

Ang mga klasikong Viennese ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng lahat ng mga genre ng musika sa panahong sinusuri. Ang bawat isa sa kanila, wika nga, ay nagdadalubhasa sa isang istilo o anyo ng musika, ngunit ang lahat ng kanilang mga nagawa ay kasama sa gintong pondo ng musika sa mundo. Si Gluck (composer) ang pinakamalaki at isa sa pinakasikat na kompositor ng kanyang panahon. Mahirap na labis na timbangin ang kanyang papel sa pag-unlad ng teatro: pagkatapos ng lahat, siya ang nagbigay sa genre ng opera ng tapos na anyo kung saan alam natin ito ngayon. Ang merito ni Christopher Gluck ay siya ang unang lumayo sa pag-unawa sa opera bilang isang gawa upang ipakita ang mga kakayahan sa boses, ngunit isinailalim ang prinsipyo ng musika sa dramaturgy.

Ibig sabihin

Si Gluck ang kompositor na ginawang tunay na pagganap ang opera. Sa kanyang mga gawa, pati na rin sa mga gawa ng kanyang mga tagasunod, ang mga vocal ay nagsimulang umasa nang malaki sa salita. Ang balangkas at komposisyon, at pinaka-mahalaga - ang drama, ay nagsimulang matukoy ang pag-unlad ng linya ng musikal. Kaya, ang opera ay tumigil na maging isang eksklusibong nakakaaliw na genre, ngunit naging isang seryosong uri ng musikal na paglikha na may isang kumplikadong dramaturhiya, psychologically kawili-wiling mga character, at isang mapang-akit na komposisyon.

Mga gawa ng kompositor

Ang Viennese classical school ang naging batayan ng buong mundong teatro ng musikal. Malaking kredito para dito ang kay Gluck. Ang kanyang opera na Orpheus at Eurydice ay isang pambihirang tagumpay sa genre na ito. Sa loob nito, ang may-akda ay hindi nakatuon sa kabutihan ng pagganap, ngunit sa drama ng mga karakter, salamat sa kung saan ang gawain ay nakatanggap ng ganoong tunog at ginagawa pa rin. Ang isa pang opera - "Alceste" - ay isa ring bagong salita sa musika sa mundo. Ang kompositor ng Austrian ay muling nagbigay-diin sa pagbuo ng storyline, salamat sa kung saan ang trabaho ay nakatanggap ng isang malakas na sikolohikal na pangkulay. Ang gawain ay ginaganap pa rin sa pinakamahusay na mga yugto ng mundo, na nagpapahiwatig na ang reporma ng genre ng opera na isinagawa ni Gluck ay may pangunahing kahalagahan para sa ebolusyon ng musikal na teatro sa kabuuan at tinutukoy ang karagdagang pag-unlad ng opera sa direksyon na ito.

Ang susunod na yugto ng pag-unlad

Ang Austrian kompositor na si Haydn ay kabilang din sa sikat na kalawakan ng mga may-akda na gumawa ng malaking kontribusyon sa repormasyon ng mga genre ng musika. Kilala siya bilang tagalikha ng mga symphony at quartets. Salamat sa kanila, ang maestro ay nakakuha ng malawak na katanyagan hindi lamang sa mga bansa sa Gitnang Europa, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang pinakakilala ay ang kanyang mga gawa, na pumasok sa repertoire ng mundo sa ilalim ng pangalang "Twelve London Symphonies". Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng optimismo at kagalakan, na, gayunpaman, ay katangian ng halos lahat ng mga gawa ng kompositor na ito.

Mga tampok ng pagkamalikhain

Ang isang katangian ng mga gawa ni Joseph Haydn ay ang kanilang koneksyon sa alamat. Sa mga gawa ng kompositor, madalas na maririnig ng isang tao ang mga motif ng kanta at sayaw, na naging dahilan upang makilala ang kanyang gawa. Sinasalamin nito ang saloobin ng may-akda, na ginaya si Mozart sa maraming paraan, na isinasaalang-alang siya ang pinakamahusay na kompositor sa mundo. Mula sa kanya, humiram siya ng masayang magaan na melodies, na ginawa ang kanyang trabaho na hindi karaniwang nagpapahayag at maliwanag sa tunog.

Iba pang mga gawa ng may-akda

Ang mga opera ni Haydn ay hindi kasing sikat ng kanyang mga quartet at symphony. Gayunpaman, ang genre ng musikal na ito ay sumasakop sa isang kilalang lugar sa gawain ng kompositor ng Austrian, kaya dapat banggitin ang isang bilang ng kanyang mga gawa ng ganitong uri, lalo na dahil ang mga ito ay isang makabuluhang yugto sa kanyang malikhaing talambuhay. Ang isa sa kanyang mga opera ay tinatawag na The Apothecary at isinulat para sa pagbubukas ng isang bagong teatro. Gumawa din si Haydn ng ilang higit pang mga gawa ng ganitong uri para sa mga bagong gusali ng teatro. Sumulat siya pangunahin sa istilo ng Italian buffa opera at kung minsan ay pinagsama ang mga komiks at dramatikong elemento.

Pinaka sikat na mga sulatin

Tamang tawaging perlas ng mundong klasikal na musika ang mga quartet ni Haydn. Pinag-isa nila ang mga pangunahing prinsipyo ng kompositor: kagandahan ng anyo, virtuosity ng pagganap, optimistikong tunog, thematic diversity at isang orihinal na paraan ng pagganap. Ang isa sa mga kilalang cycle ay tinatawag na "Russian", dahil ito ay nakatuon kay Tsarevich Pavel Petrovich, ang hinaharap na Emperador ng Russia na si Paul I. Ang isa pang pangkat ng quartets ay inilaan para sa hari ng Prussian. Ang mga komposisyon na ito ay isinulat sa isang bagong paraan, dahil sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang kakayahang umangkop sa tunog, ang kayamanan ng magkakaibang mga musical shade. Ito ay sa ganitong uri ng musikal na genre na ang pangalan ng kompositor ay nakakuha ng kahalagahan sa buong mundo. Dapat ding pansinin dito na ang may-akda ay madalas na gumagamit ng tinatawag na "mga sorpresa" sa kanyang mga komposisyon, na gumagawa ng hindi inaasahang mga sipi ng musika sa mga lugar na hindi inaasahan ng mga manonood. Kabilang sa mga hindi pangkaraniwang komposisyon ang Haydn's Children's Symphony.

Pangkalahatang katangian ng gawa ni Mozart

Ito ay isa sa mga pinakasikat na may-akda ng musika, na tinatangkilik pa rin ang hindi pangkaraniwang katanyagan sa mga klasikal na tagahanga at minamahal sa buong mundo. Ang tagumpay ng kanyang mga isinulat ay dahil sa ang katunayan na ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lohikal na pagkakatugma at pagkakumpleto. Sa bagay na ito, maraming mga mananaliksik ang nag-uugnay sa kanyang trabaho sa panahon ng klasisismo. Gayunpaman, ang iba ay naniniwala na ang kompositor ng Viennese ay naging isang tagapagbalita ng romantikismo: pagkatapos ng lahat, sa kanyang mga gawa ay mayroon nang malinaw na pagkahilig na maglarawan ng malakas, hindi pangkaraniwang mga imahe, pati na rin ang isang malalim na sikolohikal na pag-aaral ng mga character (pinag-uusapan natin ang tungkol sa opera sa kasong ito). Gayunpaman, ang mga gawa ng maestro ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang lalim at, sa parehong oras, ang kanilang pambihirang kadalian ng pang-unawa, drama at optimismo. Ang mga ito ay madali at naa-access sa lahat, ngunit sa parehong oras ay napakaseryoso at pilosopo sa kanilang nilalaman at tunog. Ito ay tiyak na kababalaghan ng kanyang tagumpay.

Mga opera ng kompositor

Ang Viennese classical school ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng operatic genre. Ang isang malaking merito dito ay pag-aari ni Mozart. Ang mga pagtatanghal na itinanghal sa kanyang musika ay napakapopular at minamahal hindi lamang ng mga tunay na mahilig sa musika, kundi pati na rin ng masa ng publiko. Marahil ito ang nag-iisang kompositor na ang musika ay kilala sa lahat, kahit na mayroon silang pinakamalayo na ideya ng kanyang gawa.

Marahil ang pinakasikat na opera ay ang Le nozze di Figaro. Ito na marahil ang pinaka-masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang nakakatawang gawa ng may-akda. Ang katatawanan ay tunog sa halos bawat partido, na nagbigay sa kanya ng gayong katanyagan. Ang sikat na aria ng bida kinabukasan ay naging isang tunay na hit. Ang musika ni Mozart - maliwanag, mapaglaro, mapaglaro, ngunit sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang matalino sa pagiging simple nito - agad na nanalo ng unibersal na pag-ibig at pagkilala.

Isa pang sikat na opera ng may-akda ay si Don Juan. Sa kasikatan, marahil ay hindi ito mababa sa nabanggit: ang mga produksyon ng pagtatanghal na ito ay makikita sa ating panahon. Kapansin-pansin na ipinakita ng kompositor ang medyo kumplikadong kwento ng taong ito sa isang napaka-simple at kasabay na seryosong anyo, sa gayon ay muling ipinapakita ang kanyang malalim na pag-unawa sa buhay. Dito, nagawang ipakita ng henyo ang parehong dramatiko at optimistikong mga bahagi, na hindi maihihiwalay sa lahat ng kanyang mga gawa.

Sa ating panahon, ang opera na The Magic Flute ay hindi gaanong sikat. Ang musika ni Mozart ay umabot sa sukdulan nito sa pagpapahayag nito. Sa komposisyon na ito, ito ay magaan, mahangin, masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang seryoso, kaya't maaari lamang magtaka kung paano naihatid ng may-akda ang isang buong sistemang pilosopikal sa gayong simple, magkatugma na mga tunog. Ang iba pang mga opera ng kompositor ay kilala rin, halimbawa, sa kasalukuyang panahon maaari mong maririnig ang "The Mercy of Titus", parehong sa teatro at sa konsyerto. Kaya, ang genre ng opera ay sinakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa gawain ng napakatalino na kompositor.

Mga piling gawa

Ang kompositor ay nagtrabaho sa iba't ibang direksyon at lumikha ng isang malaking bilang ng mga musikal na gawa. Si Mozart, na ang "Night Serenade", halimbawa, ay matagal nang lumampas sa mga pagtatanghal ng konsiyerto at nakakuha ng malawak na katanyagan, ay nagsulat sa isang napaka-simple at naa-access na wika. Marahil iyon ang dahilan kung bakit siya ay madalas na tinatawag na henyo ng pagkakaisa. Kahit na sa mga trahedya na gawa ay may motibo ng pag-asa. Sa "Requiem" ipinahayag niya ang kanyang mga saloobin tungkol sa isang mas magandang buhay sa hinaharap, upang, sa kabila ng kalunos-lunos na tono ng musika, ang trabaho ay nag-iiwan ng isang pakiramdam ng maliwanag na kapayapaan.

Ang concerto ni Mozart ay nakikilala rin sa pamamagitan ng maayos na pagkakatugma at lohikal na pagkakumpleto. Ang lahat ng bahagi ay napapailalim sa iisang tema at pinagsasama ng isang karaniwang motif na nagtatakda ng tono para sa buong gawain. Samakatuwid, ang kanyang musika ay pinakikinggan sa isang hininga. Sa ganitong uri ng genre, ang mga pangunahing prinsipyo ng trabaho ng kompositor ay nakapaloob: isang maayos na kumbinasyon ng mga tunog at bahagi, isang liwanag at sa parehong oras virtuoso tunog ng orkestra. Walang ibang makakagawa ng kanyang gawaing pangmusika na kasing tugma ni Mozart. Ang "Night Serenade" ng kompositor ay isang uri ng pamantayan para sa maayos na kumbinasyon ng iba't ibang bahagi ng tunog. Ang masasaya at maingay na mga sipi ay napakaritmo ng papalitan ng halos hindi maririnig na mga bahagi ng birtuoso.

Hiwalay, dapat itong sabihin tungkol sa masa ng may-akda. Sinasakop nila ang isang kilalang lugar sa kanyang gawain at, tulad ng iba pang mga gawa, ay napuno ng isang pakiramdam ng maliwanag na pag-asa at maliwanag na kagalakan. Dapat ding banggitin ang sikat na "Turkish Rondo", na higit pa sa mga pagtatanghal ng konsiyerto, kaya madalas itong marinig kahit sa mga patalastas sa telebisyon. Ngunit ang pinakadakilang pakiramdam ng pagkakaisa, marahil, ay taglay ng concerto ni Mozart, kung saan ang prinsipyo ng lohikal na pagkakumpleto ay umabot sa pinakamataas na antas nito.

Maikling tungkol sa gawain ni Beethoven

Ang kompositor na ito ay ganap na nabibilang sa panahon ng dominasyon ng romantisismo. Kung si Johann Amadeus Mozart ay nakatayo, tulad nito, sa threshold ng klasisismo at isang bagong direksyon, kung gayon si Ludwig van Beethoven ay ganap na lumipat sa paglalarawan ng malakas na mga hilig, makapangyarihang damdamin at natitirang mga personalidad sa kanyang mga gawa. Siya ay naging marahil ang pinakakilalang kinatawan ng romantisismo. Ito ay nagpapahiwatig na, na tumutukoy sa mga dramatiko, trahedya na mga tema, sumulat lamang siya ng isang opera. Ang pangunahing genre para sa kanya ay nanatiling symphony at sonatas. Siya ay kredito sa pagreporma sa mga gawang ito, tulad ng binago ni Gluck sa kanyang panahon ang pagganap ng opera.

Ang isang kapansin-pansin na tampok ng trabaho ng kompositor ay ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay ang imahe ng makapangyarihang, titanic na kalooban ng indibidwal, na nagtagumpay sa mga paghihirap at lahat ng mga hadlang na may malaking pagsisikap ng kalooban. Gayundin, si L. V. Beethoven ay nagtalaga ng maraming espasyo sa kanyang mga komposisyon sa tema ng pakikibaka at paghaharap, gayundin sa motibo ng unibersal na pagkakaisa.

Ang ilang mga katotohanan sa talambuhay

Siya ay nagmula sa isang pamilya ng mga musikero. Nais ng kanyang ama na ang bata ay maging isang sikat na kompositor, kaya't nagtrabaho siya sa kanya, na gumagamit ng medyo malupit na pamamaraan. Marahil iyon ang dahilan kung bakit ang bata ay lumaking madilim at malupit sa likas na katangian, na kalaunan ay nakaapekto sa kanyang trabaho. Si Beethoven ay nagtrabaho at nanirahan sa Vienna, kung saan nag-aral siya kay Haydn, ngunit ang mga pag-aaral na ito ay napakabilis na nabigo kapwa ang mag-aaral at ang guro. Ang huli ay nakakuha ng pansin sa katotohanan na ang batang may-akda ay pinangungunahan ng medyo madilim na motibo, na hindi tinanggap sa oras na iyon.

Ang talambuhay ni Beethoven ay maikli ring nagsasabi tungkol sa panahon ng kanyang pagkahilig para sa pakikibaka sa pagpapalaya. Sa una ay tinanggap niya ang Napoleonic Wars nang may sigasig, ngunit nang maglaon, nang ipahayag ni Bonaparte ang kanyang sarili bilang emperador, tinalikuran niya ang ideya ng pagsulat ng isang symphony bilang karangalan sa kanya. Noong 1796, nagsimulang mawalan ng pandinig si Ludwig. Gayunpaman, hindi ito nakagambala sa kanyang malikhaing aktibidad. Sa pagiging ganap na bingi, isinulat niya ang kanyang sikat na 9th symphony, na naging isang tunay na obra maestra sa world musical repertoire. (imposibleng pag-usapan ito nang maikli) ay naglalaman din ng impormasyon tungkol sa pakikipagkaibigan ng maestro sa mga kilalang tao sa kanyang panahon. Sa kabila ng kanyang reserbado at malupit na karakter, ang kompositor ay kaibigan ni Weber, Goethe at iba pang mga pigura ng panahon ng Klasiko.

Ang pinakasikat na mga gawa

Nasabi na sa itaas na ang isang katangian ng akda ni L.V. Beethoven ay ang pagnanais na ipakita ang malakas, emosyonal na mga karakter, ang pakikibaka ng mga hilig, ang pagtagumpayan ng mga paghihirap. Kabilang sa mga gawa ng genre na ito, ang "Appassionata" ay lalo na nakikilala, na, sa mga tuntunin ng intensity ng mga damdamin at emosyon, ay marahil ang isa sa pinakamalakas. Nang tanungin ang kompositor tungkol sa ideya ng paglikha nito, tinukoy niya ang dula ni Shakespeare na "The Tempest", na, ayon sa kanya, ay nagsilbing mapagkukunan ng inspirasyon. Ang may-akda ay gumuhit ng isang parallel sa pagitan ng mga motif ng titanic impulses sa trabaho ng playwright at ang kanyang sariling musikal na interpretasyon ng temang ito.

Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ng may-akda ay ang Moonlight Sonata, na, sa kabaligtaran, ay puno ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at kapayapaan, na parang salungat sa dramatikong himig ng kanyang mga simponya. Ito ay nagpapahiwatig na ang mismong pangalan ng akdang ito ay ibinigay ng mga kontemporaryo ng kompositor, marahil dahil ang musika ay parang dagat na umaapaw sa isang tahimik na gabi. Ang mga asosasyong ito ay lumitaw sa karamihan ng mga tagapakinig kapag nakikinig sa sonata na ito. Hindi kukulangin, at marahil ay mas sikat pa ang sikat na komposisyon na "Kay Elise", na inialay ng kompositor sa asawa ng Russian Emperor Alexander I, Elizabeth Alekseevna (Louise). Ang komposisyon na ito ay sumasaklaw sa isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mga magaan na motibo at seryosong dramatikong mga sipi sa gitna. Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng maestro ay inookupahan ng kanyang nag-iisang opera na "Fidelio" (isinalin bilang "Faithful" mula sa Italyano). Ang gawaing ito, tulad ng marami pang iba, ay puno ng kalunos-lunos na pag-ibig sa kalayaan at isang panawagan para sa kalayaan. Ang "Fidelio" ay hindi pa rin umaalis sa mga yugto ng mga host, kahit na ang opera ay nakatanggap ng pagkilala, dahil ito ay halos palaging nangyayari, hindi kaagad.

Ikasiyam na Symphony

Ang gawaing ito ay marahil ang pinakatanyag sa iba pang mga gawa ng kompositor. Isinulat ito tatlong taon bago siya namatay, noong 1824. Kinukumpleto ng The Ninth Symphony ang mahaba at maraming taon ng paghahanap ng kompositor para sa paglikha ng isang perpektong symphonic na gawa. Naiiba ito sa lahat ng nauna sa na, una, ipinakilala nito ang isang bahagi ng koro (sa sikat na "Ode to Joy" ni F. Schiller), at pangalawa, sa loob nito binago ng kompositor ang istraktura ng symphonic genre. Ang pangunahing tema ay unti-unting inilalahad sa bawat bahagi ng akda. Ang simula ng symphony ay medyo madilim, mabigat, ngunit kahit na pagkatapos ay isang malayong motibo ng pagkakasundo at paliwanag na tunog, na lumalaki habang ang komposisyon ng musikal ay bubuo. Sa wakas, sa pinakadulo, isang medyo malakas na choral vocal na tunog, na nananawagan sa lahat ng mga tao sa mundo na magkaisa. Kaya, ang kompositor ay nagbigay-diin sa pangunahing ideya ng kanyang trabaho kahit na higit pa. Nais niyang maipahayag ang kanyang pag-iisip nang malinaw hangga't maaari, kaya't hindi niya nilimitahan ang kanyang sarili lamang sa musika, ngunit ipinakilala din ang pagganap ng mga mang-aawit. Ang symphony ay isang matunog na tagumpay: sa unang pagtatanghal, binigyan ng audience ng standing ovation ang kompositor. Ito ay nagpapahiwatig na si L. V. Beethoven ang bumuo nito, na isa nang ganap na bingi.

Kahalagahan ng Viennese School

Si Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven ay naging mga tagapagtatag ng klasikal na musika, na may malaking epekto sa buong kasunod na kasaysayan ng musikal ng hindi lamang Europa, kundi pati na rin sa mundo. Ang kahalagahan ng mga kompositor na ito at ang kanilang kontribusyon sa repormasyon ng musikal na teatro ay halos hindi matataya. Gumagawa sa iba't ibang genre, nilikha nila ang gulugod at anyo ng mga gawa, sa batayan kung saan ang kanilang mga tagasunod ay binubuo ng mga bagong gawa. Marami sa kanilang mga likha ay matagal nang lumampas sa mga pagtatanghal ng konsiyerto at malawak na naririnig sa mga pelikula at telebisyon. Ang "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" at marami pang ibang gawa ng mga may-akda na ito ay kilala hindi lamang sa mga mahilig sa musika, kundi maging sa mga hindi pamilyar sa klasikal na musika. Maraming mga mananaliksik ang tama na tumawag sa yugto ng Vienna sa pagbuo ng mga klasiko na tumutukoy sa kasaysayan ng musika, dahil sa panahong ito na inilatag ang mga pangunahing prinsipyo para sa paglikha at pagsulat ng mga opera, symphony, sonatas at quartets.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Titulo sa trabaho: guro ng piano, accompanist
Institusyon ng edukasyon: MBU DO Children's Music School na pinangalanang D.D. Shostakovich
Lokasyon: lungsod ng Volgodonsk, rehiyon ng Rostov
Pangalan ng materyal: pamamaraang pag-unlad
Paksa: "Mga makasaysayang panahon. Mga istilo ng musika" (classicism, romanticism)
Petsa ng publikasyon: 09/16/2015

I-text ang bahagi ng publikasyon

Munisipal na Badyet na Institusyon ng Karagdagang Edukasyon Paaralan ng Musika ng mga Bata na pinangalanan sa D. D. Shostakovich, Volgodonsk
Metodolohikal na pag-unlad sa paksa:

"Mga makasaysayang panahon.

Mga istilo ng musika »
classicism, romanticism
) Ang pag-unlad ay isinagawa ni Inga Borisovna Ryabchinskaya, guro ng 1st category, accompanist ng pinakamataas na kategorya
Ang istilo at panahon ay dalawang magkaugnay na konsepto. Ang bawat istilo ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa makasaysayang at kultural na kapaligiran kung saan ito nabuo. Ang pinakamahalagang mga direksyong pangkakanyahan ay lumitaw, umiral at nawala sa makasaysayang pagkakasunud-sunod. Sa bawat isa sa kanila, malinaw na ipinakita ang mga pangkalahatang masining at matalinghagang prinsipyo, paraan ng pagpapahayag, at malikhaing pamamaraan.
KLASISISMO
Ang mga salitang "classic", "classicism", "classical" ay nagmula sa salitang Latin - classicus, iyon ay, huwaran. Ang pagtawag sa isang artista, manunulat, makata, kompositor na isang klasiko, ang ibig naming sabihin ay nakamit niya ang pinakamataas na kasanayan, pagiging perpekto sa sining. Ang kanyang trabaho ay lubos na propesyonal at para sa amin
sample.
Sa pagbuo at pag-unlad ng klasisismo, dalawang makasaysayang yugto ang nabanggit.
Unang yugto
nabibilang sa ika-17 siglo. Ang klasisismo ng ika-17 siglo, na lumago sa sining ng Renaissance. binuo nang sabay-sabay sa baroque, bahagyang sa pakikibaka, bahagyang sa pakikipag-ugnayan dito, at sa panahong ito natanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad sa France. Para sa mga klasiko ng panahong ito, ang mga gawa ng sinaunang sining ay hindi maunahan na mga halimbawa ng artistikong pagkamalikhain, kung saan ang perpekto ay kaayusan, katwiran, pagkakaisa. Sa kanilang mga gawa, hinahangad nila ang kagandahan at katotohanan, kalinawan, pagkakaisa, at pagkakumpleto ng konstruksiyon.
Pangalawang yugto
- huli na klasiko, mula sa kalagitnaan ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ay pangunahing nauugnay sa
Viennese classical na paaralan
. Pumasok siya sa kasaysayan ng kulturang Europeo bilang
Panahon ng Enlightenment
o Edad ng Dahilan. Ang tao ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa kaalaman at naniniwala sa kakayahang ipaliwanag ang mundo. Ang pangunahing karakter ay isang tao na handa para sa mga kabayanihan na gawa, subordinating ang kanyang mga interes - karaniwan, espirituwal
klasisismo

klasisismo

malinaw

pagkakaisa

malinaw

pagkakaisa

mahigpit

mga form

mahigpit

mga form

balanse

ang mga pandama

balanse

ang mga pandama

Gusts - ang tinig ng katwiran. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng moral na katatagan, katapangan, katapatan, katapatan sa tungkulin. Ang makatwirang aesthetics ng klasisismo ay makikita sa lahat ng anyo ng sining.
Arkitektura
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaayusan, pag-andar, proporsyonalidad ng mga bahagi, grabitasyon patungo sa balanse at simetrya, kalinawan ng mga ideya at konstruksyon, mahigpit na organisasyon. Mula sa puntong ito, ang simbolo ng classicism ay ang geometric na layout ng royal park sa Versailles, kung saan matatagpuan ang mga puno, shrubs, sculptures at fountain ayon sa mga batas ng simetrya. Ang pamantayan ng mahigpit na mga klasiko ng Russia ay ang Tauride Palace, na itinayo ni I. Starov.
Sa pagpipinta
ang lohikal na paglalahad ng balangkas, isang malinaw na balanseng komposisyon, isang malinaw na paglipat ng lakas ng tunog, ang subordinate na papel ng kulay sa tulong ng chiaroscuro, ang paggamit ng mga lokal na kulay (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) ay nakuha ang pangunahing kahalagahan.
Sa sining ng patula
nagkaroon ng dibisyon sa "high" (trahedya, ode, epic) at "low" (comedy, fable, satire) na mga genre. Ang mga namumukod-tanging kinatawan ng panitikang Pranses na P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagbuo ng klasisismo sa ibang mga bansa. Ang isang mahalagang sandali ng panahong ito ay ang paglikha ng iba't ibang mga akademya: mga agham, pagpipinta, eskultura, arkitektura, inskripsiyon, musika at sayaw.
Estilo ng musikal ng klasisismo
Ang classicism sa musika ay naiiba sa classicism sa mga kaugnay na sining at nabuo noong 1730-1820. Sa iba't ibang pambansang kultura, ang mga istilo ng musikal ay lumaganap sa iba't ibang panahon; hindi mapag-aalinlanganan na sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay nagtagumpay ang klasisismo sa halos lahat ng dako. Ang nilalaman ng mga musikal na komposisyon ay konektado sa mundo ng mga damdamin ng tao, na hindi napapailalim sa mahigpit na kontrol ng isip. Gayunpaman, ang mga kompositor ng panahong ito ay lumikha ng isang napaka-maayos at lohikal na sistema ng mga patakaran para sa pagbuo ng isang akda. Sa panahon ng klasisismo, ang mga genre tulad ng opera, symphony, sonata ay nabuo at umabot sa pagiging perpekto. Ang tunay na rebolusyon ay ang operatikong reporma ni Christoph Gluck. Ang kanyang malikhaing programa ay tatlong magagandang prinsipyo - pagiging simple, katotohanan, pagiging natural. Sa musical drama, hinahanap niya ang kahulugan, hindi tamis. Mula sa opera, inalis ni Gluck ang lahat ng kalabisan: mga dekorasyon, nakamamanghang epekto, nagbibigay sa tula ng mahusay na nagpapahayag na kapangyarihan, at ang musika ay ganap na napapailalim sa pagsisiwalat ng panloob na mundo ng mga character. Ang opera na "Orpheus at Eurydice" ay ang unang gawain kung saan ipinatupad ni Gluck ang mga bagong ideya at inilatag ang pundasyon para sa reporma sa opera. Strictness, proportionality ng anyo, marangal na simple na walang frills, feeling
Ang masining na sukat sa mga sinulat ni Gluck ay nakapagpapaalaala sa pagkakatugma ng mga anyo ng sinaunang iskultura. Ang Arias, recitatives, choirs ay bumubuo ng isang malaking komposisyon ng opera. Ang kasagsagan ng musical classicism ay nagsimula noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo sa Vienna. Ang Austria noong panahong iyon ay isang makapangyarihang imperyo. Ang multinasyonalidad ng bansa ay nakaapekto rin sa kulturang sining. Ang pinakamataas na pagpapahayag ng klasisismo ay ang gawain ni Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, na nagtrabaho sa Vienna at bumuo ng direksyon sa kultura ng musika - ang Viennese classical na paaralan.
Ang mga nagtatag ng Viennese classicism sa

musika

W. Mozart

J. Haydn L.

Beethoven
Ang aesthetics ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa katwiran at pagkakaisa ng pagkakasunud-sunod ng mundo, na ipinakita ang sarili sa pansin sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye, at pag-unlad ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito, sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya.
Vienna

klasisismo

Vienna

klasisismo

anyong sonata
Sonata - (mula sa Italian sonare - sound) - isa sa mga anyo ng chamber instrumental music, na may ilang bahagi. Sonatina - (Italian sonatina - diminutive ng sonata) - isang maliit na sonata, mas maigsi ang sukat, mas simple sa nilalaman at mas madali sa teknikal. Ang mga instrumento kung saan orihinal na binubuo ang mga sonata ay kinabibilangan ng violin, flute, clavier - ang karaniwang pangalan para sa lahat ng instrumento sa keyboard - harpsichord, clavichord, piano. Ang genre ng clavier (piano) sonata ay umabot sa rurok nito sa panahon ng klasisismo. Sa oras na ito, sikat ang home music-making. Ang unang bahagi ng sonata, na ipinakita sa anyo ng sonata, ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakamalaking pag-igting at talas. Ang unang bahagi (sonata allegro) ay binubuo ng tatlong mga seksyon: Ang unang seksyon ng sonata allegro ay kinabibilangan ng pangunahin at pangalawa, pagkonekta at huling mga bahagi: reprise development exposition
Ang pangalawang seksyon ng sonata allegro - pag-unlad Ang ikatlong seksyon ng sonata allegro - reprise:
paglalahad

bahay

ang padala

Pangunahing

susi

gilid

ang padala

Susi

nangingibabaw

pag-unlad

pag-unlad

pagsalungat

mga partido

pagsalungat

mga partido

pagbabago

mga partido

pagbabago

mga partido

"habi"

mga partido

"habi"

mga partido

Posibleng seksyon ng sonata allegro - code:
Ang ikalawang bahagi
anyong sonata - mabagal. Ang musika ay naghahatid ng isang masayang daloy ng pag-iisip, niluluwalhati ang kagandahan ng mga damdamin, gumuhit ng isang katangi-tanging tanawin.
Ang ikatlong bahagi
sonatas (pangwakas). Ang mga sonata finale ay kadalasang ginaganap sa mabilis na bilis at may karakter sa sayaw, halimbawa, isang minuet. Kadalasan ang mga finals ng mga klasikal na sonata ay nakasulat sa anyo
rondo
(mula sa Italian rondo - bilog). Paulit-ulit na bahagi -
PERO
-
umiwas
(Pangunahing tema),
B, C, D
- contrasting
mga episode
.
muling pagbabalik

bahay

ang padala

Pangunahing

susi

gilid

ang padala

Pangunahing

susi
panghuling laro ng connecting game
code

code

naayos ang tonality

naayos ang tonality

inalis ang mga contrast

inalis ang mga contrast

ang mga pangunahing tema

ang mga pangunahing tema

Joseph Haydn

"Haydn, na ang pangalan ay nagniningning nang napakaliwanag sa templo ng pagkakaisa..."
Joseph Haydn - ang nagtatag ng Viennese classicism - ang direksyon na pumalit sa baroque. Ang kanyang buhay ay gugugulin pa rin pangunahin sa korte ng mga sekular na pinuno, at ang mga bagong prinsipyo ng musika ay mabubuo sa kanyang trabaho, ang mga bagong genre ay lilitaw. Lahat ito
napapanatili ang kahalagahan nito sa ating panahon ... Si Haydn ay tinatawag na tagapagtatag ng klasikal na instrumental na musika, ang nagtatag ng modernong orkestra ng simponya at ang ama ng simponya. Itinatag niya ang mga batas ng klasikal na symphony: binigyan niya ito ng isang maayos, tapos na hitsura, tinukoy ang pagkakasunud-sunod ng kanilang pag-aayos, na napanatili sa mga pangunahing tampok nito hanggang sa araw na ito. Ang classical symphony ay may apat na character na cycle. Ang unang bahagi ay napupunta sa isang mabilis na tulin at madalas na masigla, nasasabik. Ang pangalawang bahagi ay mabagal. Ang kanyang musika ay naghahatid ng liriko na mood ng isang tao. Ang ikatlong kilusan, ang minuet, ay isa sa mga paboritong sayaw ng panahon ng Haydn. Ang pang-apat na bahagi ay ang pangwakas. Ito ang resulta ng buong cycle, ang konklusyon mula sa lahat ng ipinakita, naisip, nadama sa mga nakaraang bahagi. Ang musika ng finale ay karaniwang nakadirekta sa itaas, ito ay nagpapatibay sa buhay, solemne, matagumpay. Sa isang klasikal na symphony, may nakitang perpektong anyo na kayang tumanggap ng napakalalim na nilalaman. Sa akda ni Haydn, itinatag din ang uri ng klasikal na three-movement sonata. Ang mga gawa ng kompositor ay nailalarawan sa kagandahan, kaayusan, banayad at marangal na pagiging simple. Ang kanyang musika ay napakaliwanag, magaan, karamihan ay pangunahing, puno ng kagalakan, kahanga-hangang kagalakan sa lupa at hindi mauubos na katatawanan. Ang kanyang mga ninuno ay mga magsasaka at manggagawa, na ang pag-ibig sa buhay, tiyaga at optimismo, at minana ang klasiko. "Ang aking yumaong ama ay sa pamamagitan ng propesyon ay isang kutsero, isang paksa ng Count Harrach, at likas na isang masigasig na mahilig sa musika." Si Haydn ay nagpakita na ng interes sa musika noong bata pa siya. Napansin ang talento ng kanyang anak, ipinadala siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral sa ibang lungsod - doon nakatira ang bata sa pangangalaga ng kanyang kamag-anak. Pagkatapos ay lumipat si Haydn sa ibang lungsod, kung saan kumanta siya sa koro. Sa katunayan, mula sa edad na 6, si Joseph Haydn ay humantong sa isang malayang buhay. Masasabing siya ay itinuro sa sarili, dahil hindi sapat ang pera o koneksyon para sa sistematikong pag-aaral sa mga sikat na guro. Ayon sa antas ng pagkahinog, ang boses ay naging magaspang at ang napakabatang Haydn ay natagpuan ang kanyang sarili sa kalye na walang bubong sa kanyang ulo. Nakuha niya ang kanyang kabuhayan mula sa mga aral na naituro na niya sa kanyang sarili. Nagpapatuloy ang sariling pag-aaral: Maingat na pinag-aralan ni Haydn ang musika ng C.P.E. Si Bach (anak ni J.S. Bach), ay nakikinig sa mga kanta na tumutunog mula sa mga lansangan (kabilang ang Slavic melodies), at nagsimulang mag-compose si Haydn. Siya ay napapansin. Sa Europa, hinangad ng mga maharlika na malampasan ang isa't isa sa pamamagitan ng pagkuha ng pinakamahuhusay na musikero. Ang mga taon na ginugol ng batang Haydn bilang isang freelance artist ay mabunga, ngunit ito ay isang mahirap na buhay. Kasal na si Haydn (inilalarawan ng lahat ang kasal bilang lubhang hindi matagumpay) ay tinanggap ang imbitasyon ni Prinsipe Esterhazy. Sa katunayan, sa korte ni Esterhazy Haydn
tatagal ng 30 taon. Kasama sa kanyang mga tungkulin ang pagsulat ng musika at pagdidirekta sa orkestra ng prinsipe. Si Prince Esterhazy (o Esterhazy) ay, sa lahat ng mga account, isang disenteng tao at isang mahusay na mahilig sa musika. Magagawa ni Haydn ang gusto niya. Ang musika ay isinulat ayon sa pagkakasunud-sunod - walang "malikhaing kalayaan", ngunit sa panahong iyon ito ang karaniwang kasanayan. Bilang karagdagan, ang pagkakasunud-sunod ay may malaking kalamangan: ang iniutos na musika ay tiyak at agad na gumanap. Walang nakasulat sa mesa.
Mula sa unang opisyal na kasunduan sa pagitan ni Prince Esterhazy at

Vice Kapellmeister Joseph Haydn:
"Sa unang pagkakasunud-sunod ng kanyang panginoon, ang Grand Duke, ang vice-kapellmeister (Haydn) ay nangakong gumawa ng anumang musika na nais ng kanyang panginoon, hindi upang magpakita ng mga bagong komposisyon sa sinuman, at higit pa sa hindi upang payagan ang sinuman na isulat ang mga ito. , ngunit upang itabi ang mga ito para lamang sa kanyang panginoon at nang walang kaalaman at mapagbigay na pahintulot sa kanya na huwag gumawa ng anuman para sa sinuman. Si Joseph Haydn ay obligado araw-araw (sa Vienna man o sa alinman sa mga princely estate) bago at pagkatapos ng hapunan na humarap sa bulwagan at mag-ulat tungkol sa kanyang sarili kung sakaling ang kanyang panginoon ay mag-utos ng pagtatanghal o komposisyon ng musika. Maghintay, at pagkatanggap ng order, dalhin ito sa atensyon ng iba pang mga musikero. Dahil sa ganoong pagtitiwala, binibigyan siya ng Kanyang Serene Highness, si Vice Kapellmeister, ng taunang allowance na 400 Rhine guilder, na matatanggap niya kada quarter mula sa pangunahing treasury. Bukod dito, siya, si Joseph Haydn, ay dapat na makatanggap sa gastos ng master ng halaga mula sa mesa ng opisyal o kalahating guilder bawat araw ng table money. (Sa hinaharap, ang suweldo ay tumaas ng maraming beses). Itinuring ni Haydn ang tatlumpung taon ng paglilingkod sa mga prinsipe ng Esterhazy bilang isang magandang panahon sa kanyang buhay. Gayunpaman, siya ay palaging isang optimista. Bilang karagdagan, si Joseph Haydn ay nagkaroon ng bawat pagkakataon na gumawa, at palagi siyang sumulat nang mabilis at marami. Ito ay sa panahon ng serbisyo sa korte ng mga prinsipe ng Esterhazy na ang katanyagan ay dumating sa Haydn. Ang relasyon sa pagitan nina Esterhazy at Haydn ay perpektong inilalarawan ng kilalang kaso ng Farewell Symphony. Ang mga miyembro ng orkestra ay bumaling kay Haydn na may kahilingan na maimpluwensyahan ang prinsipe: ang mga apartment para sa kanila ay naging napakaliit upang maghatid ng mga pamilya. Na-miss ng mga musikero ang kanilang mga kamag-anak. Naimpluwensyahan ni Haydn ang musika: nagsulat siya ng isang symphony, kung saan mayroong isa pang paggalaw. At kapag tumunog ang bahaging ito, unti-unting umalis ang mga musikero. Dalawang biyolinista ang nananatili, ngunit pinapatay din nila ang mga kandila at umalis. Naunawaan ng prinsipe ang pahiwatig at natupad ang "mga kinakailangan" ng mga musikero.
Noong 1790, namatay si Prinsipe Esterhazy, Miklós the Magnificent. Ang bagong prinsipe - si Anton - ay hindi nakahilig sa musika. Hindi, iniwan ni Anton ang mga musikero ng regimental, ngunit binuwag ang orkestra. Nanatiling walang trabaho si Haydn, kahit na may malaking pensiyon, na itinalaga sa kanya ni Miklós. At mayroon pa ring maraming malikhaing pwersa. Kaya muling naging malayang artista si Haydn. At siya ay pupunta sa England sa pamamagitan ng paanyaya. Si Haydn ay malapit nang maging 60 taong gulang, hindi siya marunong ng mga wika! Ngunit umalis siya papuntang England. At muli - isang tagumpay! "Ang aking wika ay lubos na naiintindihan sa buong mundo," ang sabi ng kompositor tungkol sa kanyang sarili. Sa England, si Haydn ay hindi lamang isang matunog na tagumpay. Mula roon ay nagdala siya ng isa pang 12 symphony at oratorio. Nasaksihan ni Haydn ang kanyang katanyagan - at ito ay isang pambihira. Ang nagtatag ng Viennese classicism ay nag-iwan ng malaking bilang ng mga komposisyon, at ito ay nagpapatibay sa buhay, balanseng musika. Ang oratorio na "The Creation" ay isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Haydn. Ito ay isang monumental na musikal na pagpipinta, isang pagmumuni-muni ng sansinukob, wika nga ... Haydn ay may higit sa 100 symphony. Tinawag sila ni Hoffmann na "Children's joy of the soul". Ang isang malaking bilang ng mga sonata, concertos, quartets, opera ... Si Joseph Haydn ang may-akda ng pambansang awit ng Alemanya.

Wolfgang Amadeus Mozart

Enero 27, 1756 – Disyembre 5, 1791
Ang sining ng Haydn ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pagbuo ng symphonic at chamber style ng Wolfgang Mozart. Umaasa sa
ang kanyang mga nagawa sa larangan ng sonata - symphonic music Mozart ay gumawa ng maraming bago, kawili-wili, orihinal. Ang buong kasaysayan ng sining ay hindi nakakakilala ng isang taong mas kapansin-pansin kaysa sa kanya. Si Mozart ay may kahanga-hangang memorya at pandinig, may makikinang na mga kasanayan sa improvisasyon, maganda ang pagtugtog ng biyolin at organ, at walang sinuman ang makakapagtatalo sa kanyang kataasan bilang isang harpsichordist. Siya ang pinakasikat, pinakakilala, pinakamamahal na musikero sa Vienna. Ang kanyang mga opera ay may malaking halaga sa sining. Sa loob ng dalawang siglo, Le nozze di Figaro (opera - buffa, ngunit makatotohanan at may mga elemento ng lyrics) at Don Giovanni (opera ay tinukoy bilang isang "jolly drama" - ito ay parehong isang komedya at isang trahedya na may napakalakas at kumplikadong mga imahe. ) ay naging matagumpay, kamangha-manghang kaakit-akit na eleganteng himig, pagiging simple, marangyang pagkakatugma. At ang "The Magic Flute" (isang opera - isang singspiel, ngunit sa parehong oras ay isang pilosopikal na kuwento tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mabuti at masama) ay bumaba sa kasaysayan ng musika bilang "swan song" ni Mozart, bilang isang gawa na may pinakamalaking pagkakumpleto. at ningning na naghahayag ng kanyang pananaw sa mundo, ang kanyang minamahal na kaisipan. Ang sining ni Mozart ay perpekto sa kasanayan at ganap na natural. Binigyan niya tayo ng karunungan, kagalakan, liwanag at kabutihan. Si Johann Chrysostom Wolfgang Theophilus Mozart ay ipinanganak noong Enero 27, 1756 sa Salzburg. Amadeus - ang Latin na analogue ng Griyegong pangalan na Theophilus (b) - "Paborito ng Diyos". Sa ilalim ng dalawang pangalan, karaniwang tinatawag ang Mozart. Si Wolfgang Amadeus ay isang child prodigy. Ang ama ni Mozart - si Leopold Mozart - ay isang sikat na musikero - guro at medyo prolific na kompositor. 7 anak ang ipinanganak sa pamilya, dalawa ang nakaligtas: si Nannerl, ang nakatatandang kapatid na babae ni Mozart, at si Wolfgang mismo. Sinimulan ni Leopold na turuan ang parehong mga bata mula sa maagang pagkabata, at nagpunta sa paglilibot kasama nila. Ito ay isang tunay na panahon ng pagala-gala. Mayroong ilang mga paglilibot, sa kabuuan ay tumagal sila ng higit sa 10 taon (na may mga pahinga para sa pag-uwi o para sa mga sakit sa pagkabata). Hindi lamang ipinakita ng ama ang mga bata sa Europa, kabilang ang mga monarko. Naghahanap siya ng mga koneksyon na magbibigay-daan sa kanyang nasa hustong gulang na anak na makakuha ng trabaho sa hinaharap alinsunod sa kanyang maliwanag na talento. Nagsimulang mag-compose si Mozart sa napakaagang edad, at ang kanyang maagang musika ay ginaganap nang halos kasingdalas ng kanyang mature na musika. Bilang karagdagan, kapag naglalakbay, tinanggap ng kanyang ama ang pinakamahusay na mga guro sa Europa para sa kanyang anak (sa England ito ang bunsong anak ni J.S. Bach - "London Bach", sa Italya - ang sikat na Padre Martini, na, sa pamamagitan ng paraan, ay nag-aral kasama ang isa sa mga tagapagtatag ng propesyonal na paaralan sa Russia Maxim Berezovsky). Sa parehong Italya, ang isang napakabata na Mozart ay nakagawa ng isang "kakila-kilabot na kasalanan", na kasama sa lahat ng mga talambuhay: sa Sistine Chapel, nang marinig nang isang beses, ganap niyang naalala at isinulat ang protektado.
Ang gawain ng Vatican na "Miserere" ni Allegri. "At dito ipinasa ni Wolfgang ang sikat na "pagsusulit" para sa kahusayan ng pandinig at katumpakan ng memorya. Mula sa memorya, naitala niya ang sikat na "Miserere" ni Gregorio Allegri na kanyang narinig. Ang gawaing ito ay itinuturing sa pangkalahatan bilang ang tuktok ng genre nito at ang tuktok ng musika ng Santo Papa ng Biyernes Santo. Hindi kataka-taka na ang koro ay nag-ingat nang husto upang protektahan ang gawaing ito mula sa hindi inanyayahang mga eskriba. Ang nagawa ni Wolfgang ay natural na lumikha ng isang mahusay na sensasyon. Nagawa ng ama na pakalmahin ang kanyang ina at kapatid na babae sa Salzburg, na natakot na sa pamamagitan ng pag-record ng "Miserere", si Wolfgang ay nagkasala at maaaring mapunta sa isang hindi kasiya-siyang sitwasyon. Si Mozart ay hindi lamang nagtapos sa mga unibersidad, hindi rin siya nag-aral sa paaralan. Ang kanyang pangkalahatang edukasyon ay pinangangasiwaan din ng kanyang ama (matematika, mga wika). Ngunit pagkatapos ay lumaki sila nang maaga, at sa lahat ng strata ng lipunan. Walang oras para sa malabata subculture. Ang mga bata, siyempre, ay pagod na pagod. Sa wakas, sila ay lumaki, na nangangahulugan na sila ay tumigil sa pagiging geeks, na ang publiko ay nawalan ng interes sa kanila. Sa katunayan, kinailangan ni Mozart na "lupigin" muli ang madla, na isa nang adultong musikero. Noong 1773, nagsimulang magtrabaho ang batang Mozart para sa Arsobispo ng Salzburg. Nagkaroon siya ng pagkakataong magpatuloy sa paglalakbay at, siyempre, magtrabaho nang husto. Sa ilalim ng susunod na arsobispo, iniwan ni Mozart ang kanyang post sa korte at naging isang freelance artist. Pagkatapos ng pagkabata na binubuo ng solidong European tour at serbisyo kasama ang arsobispo, lumipat si Mozart sa Vienna. Patuloy siyang naglalakbay sa pana-panahon sa iba pang mga lungsod sa Europa, ngunit ang kabisera ng Austria ay magiging kanyang permanenteng tahanan. "Si Mozart ang una sa pinakamalaking musikero na nananatiling isang libreng artist at siya ang unang kompositor sa kasaysayan - isang kinatawan ng artistikong bohemia. Siyempre, ang pagtatrabaho para sa libreng merkado ay nangangahulugan ng kahirapan. Ang buhay "sa libreng tinapay" ay hindi kasing simple at mala-rosas na tila. Sa musika ng mature na si Mozart, nadarama ng isang tao ang trahedya ng kanyang napakatalino na kapalaran, sa pamamagitan ng kinang at kagandahan ng musika, ang kalungkutan at pag-unawa, pagpapahayag, pagsinta at drama ay naka-highlight. Si Wolfgang Mozart ay nag-iwan ng higit sa 600 mga gawa sa kanyang maikling buhay. Kailangan mong maunawaan na pinag-uusapan natin ang mga malalaking gawa: mga opera, konsyerto, symphony. Si Mozart ay isang unibersal na kompositor. Sumulat siya ng parehong instrumental at vocal na musika, iyon ay, sa lahat ng mga genre at anyo na umiiral sa kanyang panahon. Sa hinaharap, ang gayong unibersalismo ay magiging bihira. Ngunit ang Mozart ay unibersal hindi lamang dahil dito: "Ang kanyang musika ay naglalaman ng isang malaking mundo: mayroon itong langit at lupa, kalikasan at tao, komedya at trahedya, pagnanasa sa lahat ng anyo nito at malalim.
kapayapaan sa loob" (K. Barth). Sapat na upang alalahanin ang ilan sa kanyang mga gawa: opera, symphony, concerto, sonata. Ang mga komposisyon ng piano ni Mozart ay malapit na konektado sa kanyang pedagogical at performing practice. Siya ang pinakadakilang pianista sa kanyang panahon. Noong siglo XVIII. may mga, siyempre, mga musikero na hindi mas mababa sa Mozart sa virtuosity (sa bagay na ito, ang kanyang pangunahing karibal ay si Muzio Clementi), ngunit walang sinuman ang maaaring ihambing sa kanya sa malalim na kahulugan ng pagganap. Dumating ang buhay ni Mozart sa panahon na pareho ang harpsichord, ang clavichord, at ang piano-forte (gaya ng tawag sa piano noon) ay karaniwan sa buhay musikal sa parehong panahon. At kung may kaugnayan sa unang bahagi ng gawain ni Mozart ay kaugalian na magsalita tungkol sa estilo ng clavier, kung gayon mula sa pagtatapos ng 1770s ang kompositor ay walang alinlangan na sumulat para sa piano. Ang kanyang inobasyon ay pinaka-malinaw na ipinakita sa mas malinaw na mga komposisyon ng isang kalunus-lunos na plano. Si Mozart ay isa sa mga pinakadakilang melodista. Pinagsasama ng kanyang musika ang mga tampok ng Austrian at German folk songs sa melodiousness ng isang Italian na kanta. Sa kabila ng katotohanan na ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng tula at banayad na biyaya, madalas silang naglalaman ng mga melodies na may mahusay na mga dramatikong pathos at magkakaibang mga elemento. Chamber - instrumental na pagkamalikhain ng Mozart ay kinakatawan ng iba't ibang mga ensemble (mula sa mga duet hanggang quintets) at gumagana para sa piano (sonatas, mga pagkakaiba-iba, mga pantasya). Ang estilo ng piano ni Mozart ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, kalinawan, maselang pagtatapos ng melody at saliw. Nagsulat si W. Mozart ng 27 piano concerto, 19 sonata, 15 variation cycle, 4 na fantasies (dalawa sa c-moll, isa sa C-dur na sinamahan ng fugue, at isa pa sa d-moll). Kasama ng mga malalaking cycle, maraming maliliit na piraso sa gawa ni Mozart, kung saan siya mismo ay hindi palaging naglalagay ng nararapat na kahalagahan. Ito ay mga hiwalay na minuet, rondos, Adagio, fugues. Ang Opera ay isang makabuluhang sining sa lipunan. Noong ika-18 siglo, bilang karagdagan sa mga court opera house, mayroon nang mga pampublikong opera house na may dalawang uri: seryoso at comic-domestic (seria at buffa). Ngunit sa Germany at Austria, umunlad ang Singspiel. Kabilang sa malaking bilang ng mga gawa na nilikha ng henyo ni Mozart, ang mga opera ay paboritong supling. Sa kanyang trabaho, ang isang mayamang gallery ng mga larawan ng buhay ng mga opera ay maaaring masubaybayan - seria, buffa at singspiel, kahanga-hanga at komiks, banayad at pilyo, matalino at rustic - lahat ng mga ito ay inilalarawan ng natural at sikolohikal na tunay. Ang musika ni Wolfgang Amadeus Mozart ay magkakatugmang pinagsasama ang kulto ng katwiran, ang ideal ng marangal na pagiging simple at ang kulto ng puso, ang ideal ng isang malayang personalidad. Ang istilo ni Mozart ay palaging itinuturing na personipikasyon ng biyaya, kagaanan, kasiglahan ng pag-iisip at post-aristocratic sophistication.
Isinulat ni P. I. Tchaikovsky: "Ang Mozart ay ang pinakamataas, pinakamataas na punto, kung saan naabot ang kagandahan sa larangan ng musika ... ang tinatawag nating perpekto."
Ludwig van Beethoven

Disyembre 16, 1770 – Marso 26, 1827
Si Ludwig van Beethoven ay naging tanyag bilang pinakadakilang symphonist. Ang kanyang sining ay natatakpan ng kalunos-lunos na pakikibaka. Ipinatupad nito ang mga advanced na ideya ng Enlightenment, na nagpapatunay sa mga karapatan at dignidad ng tao. Siya ay nagmamay-ari ng siyam na symphony, isang bilang ng mga symphonic overtures ("Egmont", "Coriolanus"), at tatlumpu't dalawang piano sonata na bumubuo ng isang panahon sa piano music. Ang mundo ng mga imahe ni Beethoven ay magkakaiba. Ang kanyang bayani ay hindi lamang matapang at madamdamin, siya ay pinagkalooban ng isang pinong binuong talino. Siya ay isang mandirigma at isang palaisip. Sa kanyang musika, ang buhay ay nagpapakita ng sarili sa lahat ng pagkakaiba-iba nito - mabagyo na mga hilig at hiwalay na panaginip, mga dramatikong kalunos-lunos at liriko na pag-amin, mga larawan ng kalikasan at mga eksena ng pang-araw-araw na buhay. Sa pagtatapos ng panahon ng klasisismo, si Ludwig van Beethoven sa parehong oras ay nagbukas ng daan para sa darating na siglo. Si Beethoven ay isang dekada at kalahating mas bata kaysa kay Mozart. Ngunit ito ay may kakaibang musika. Siya ay kabilang sa mga "classics", ngunit sa kanyang mga mature na gawa ay malapit siya sa romanticism. Ang istilo ng musika ni Beethoven ay isang transisyon mula sa klasiko tungo sa romantikismo. Ngunit upang maunawaan ang kanyang gawain, dapat munang tingnan ang panorama ng buhay panlipunan at musikal noong panahong iyon. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang kababalaghan ng "Sturm and Drang" (Sturm und Drang) ay isinilang at binuo - isang panahon kung kailan nasira ang mga pamantayan.
classicism sa pabor ng higit na emosyonalidad at pagiging bukas. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay nakuha ang lahat ng mga spheres ng panitikan at sining, mayroon pa itong isang kawili-wiling pangalan: kontra - Enlightenment. Ang pinakamalaking kinatawan ng "Sturm und Drang" ay sina Johann Wolfgang Goethe at Friedrich Schiller, at sa panahong ito mismo ay inaasahan ang paglitaw ng romantikismo. Ang singil ng enerhiya at intensity ng mga damdamin ng musika ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa mga nakalistang phenomena sa pampublikong buhay ng Kanlurang Europa noong panahong iyon at sa mga kalagayan ng personal na buhay ng isang henyo. Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Bonn. Ang pamilya ay hindi mayaman, sa pamamagitan ng pinagmulan - ang Flemings, sa pamamagitan ng trabaho - mga musikero. Ang ama ay sabik na gumawa ng isang "pangalawang Mozart" mula sa kanyang anak, ngunit ang karera ng isang konsiyerto na birtuoso - isang kababalaghan ng bata ay hindi gumana, ngunit mayroong isang palaging "drill" sa likod ng instrumento. Nasa pagkabata, si Ludwig ay nagsimulang kumita ng labis na pera (kinailangan niyang umalis sa paaralan), at sa edad na 17 ay inaako niya ang responsibilidad para sa pamilya: nagtatrabaho siya sa isang permanenteng suweldo at nagbibigay ng mga pribadong aralin. Ang ama ay nalulong sa alak, ang ina ay namatay nang maaga, at ang mga nakababatang kapatid na lalaki ay nanatili sa pamilya. Gayunpaman, nakahanap ng oras si Beethoven at binisita niya ang Bonn University bilang isang boluntaryo. Ang lahat ng kabataan sa unibersidad ay sinunggaban ng isang rebolusyonaryong salpok na nagmumula sa France. Hinangaan ng batang henyo ang mga mithiin ng Rebolusyong Pranses. Inialay pa niya ang kanyang Ikatlong "Kabayanihan" na simponya kay Napoleon Bonaparte, gayunpaman, pagkatapos ay tinawid ang dedikasyon, nabigo sa "makalupang sagisag ng mga mithiin", sa halip ay ipinahiwatig niya: "Sa memorya ng isang dakilang tao." "Walang kasing liit ng malalaking tao" - ang sikat na salita ni Beethoven. Ang mga mithiin ng "kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran" magpakailanman ay nanatiling mithiin ni Beethoven - at nangangahulugan ito ng malaking pagkabigo sa buhay. Ludwig van Beethoven ay lubusang pinag-aralan at iginagalang ang gawain ni J. S. Bach. Sa Vienna, gumaganap siya sa harap ni Mozart, na nagbibigay ng matataas na marka sa batang musikero. Di-nagtagal, ganap na lumipat si Beethoven sa Vienna, pagkatapos ay tinulungan ang kanyang mga nakababatang kapatid na lumipat doon. Ang kanyang buong buhay ay magkakaugnay sa lungsod na ito. Sa Vienna, kumukuha siya ng mga aralin sa mga espesyal na asignatura, kabilang sa kanyang mga guro ay sina Haydn at Salieri (tatlong Beethoven violin sonatas ang nakatuon kay Salieri). Gumaganap siya sa mga salon ng aristokrasya ng Viennese, at pagkatapos ay sa kanyang sariling mga konsyerto, sa harap ng malawak na madla. Ang kanyang mga daliri sa keyboard ay tinawag na "demonyo". "Gusto kong sunggaban ng lalamunan ang kapalaran, tiyak na hindi ito magtatagumpay sa pagyuko sa akin sa lupa" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Sa kanyang kabataan, napagtanto ni Beethoven na siya ay bingi ("Sa loob ng dalawang taon, maingat kong iniiwasan ang lahat ng lipunan, dahil hindi ko masabi sa mga tao:" Ako ay bingi! » Posible pa rin kung
sa akin ng ibang propesyon, ngunit sa aking craft, walang mas masahol pa" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Ang mga pana-panahong interbensyon ng mga doktor ay hindi nagdulot ng lunas, ang pagkabingi ay umunlad. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, wala na siyang narinig. Ngunit nanatili ang panloob na pandinig - gayunpaman, hindi na posible na marinig "sa iyong sariling mga mata" ang narinig sa loob. At ang pakikipag-usap sa mga tao ay napakahirap, kasama ang mga kaibigan ay nagsasanay silang magsulat sa mga notebook na "pang-usap". The All-Hearing Deaf - kung minsan ay tawag sa kanya. At narinig niya ang pangunahing bagay: hindi lamang musika, kundi pati na rin ang mga ideya, damdamin. Narinig at naintindihan niya ang mga tao. "Ang pag-ibig na ito, pagdurusa, pagtitiyaga ng kalooban, ang mga pagbabagong ito ng kawalan ng pag-asa at pagmamataas, mga panloob na drama - lahat tayo ay matatagpuan ito sa mga dakilang gawa ng Beethoven" ... (Romain Rolland). Ang taos-pusong pagmamahal ni Beethoven ay kilala: ang batang Countess na si Juliette Guicciardi. Ngunit nanatili siyang mag-isa. Sino ang kanyang "imortal na manliligaw", isang liham kung saan natagpuan pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor, ay hindi tiyak na kilala. Ngunit itinuturing ng ilang mananaliksik na si Teresa Brunswick, isang mag-aaral ni L. Beethoven, ang "imortal na magkasintahan". Siya ay may talento sa musika - siya ay tumugtog ng piano nang maganda, kumanta at kahit na nagsagawa. Si Ludwig van Beethoven ay nagkaroon ng mahabang pagkakaibigan kay Teresa. Sa pamamagitan ng 1814, ang katanyagan sa buong mundo ay dumating sa Beethoven. Nagsisimula ang Kongreso ng Vienna - pagkatapos ng tagumpay laban kay Napoleon at ang pagpasok ng mga tropa ng Russia, Austria at Prussia sa Paris - at ang sikat na mapayapang Kongreso ng Vienna ay nagsimula sa opera ni Beethoven na Fidelio. Si Beethoven ay naging isang European celebrity. Inaanyayahan siya sa palasyo ng imperyal para sa isang pagdiriwang bilang karangalan sa araw ng pangalan ng empress ng Russia, kung kanino siya nagbigay ng regalo: isang Polonaise na ipininta niya. Si Ludwig van Beethoven ay nag-compose ng maraming.
32 piano sonata
Ang piano sonata ay para kay Beethoven ang pinakadirektang anyo ng pagpapahayag ng mga kaisipan at damdamin na nagpagulo sa kanya, ang kanyang pangunahing masining na adhikain. Ang kanyang pagkahumaling sa genre ay partikular na nagtatagal. Kung ang mga symphony ay lumitaw sa kanya bilang isang resulta at pangkalahatan ng isang mahabang panahon ng paghahanap, kung gayon ang piano sonata ay direktang sumasalamin sa buong iba't ibang mga malikhaing paghahanap. Si Beethoven, bilang isang natatanging piano virtuoso, kahit na madalas ay nag-improvised sa sonata form. Sa nagniningas, orihinal, walang pigil na mga improvisasyon ni Beethoven, ang mga larawan ng kanyang mga dakilang gawa sa hinaharap ay isinilang. Ang bawat Beethoven sonata ay isang kumpletong gawa ng sining; magkasama silang bumubuo ng isang tunay na kayamanan ng klasikal na kaisipan sa musika. Binigyang-kahulugan ni Beethoven ang piano sonata bilang isang komprehensibong genre na may kakayahang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mga modernong istilo ng musika. AT
Sa bagay na ito, maihahambing siya kay Philipp Emanuel Bach (anak ni J.S. Bach). Ang kompositor na ito, halos nakalimutan sa ating panahon, ang unang nagbigay ng clavier sonata ng siglong XVIII. ang kahalagahan ng isa sa mga nangungunang uri ng musikal na sining, na binabad ang kanyang mga gawa ng clavier na may malalim na pag-iisip. Si Beethoven ang unang sumunod sa landas ni F. E. Bach, na nalampasan, gayunpaman, ang kanyang hinalinhan sa lawak, pagkakaiba-iba at kahalagahan ng mga ideyang ipinahayag sa mga sonata ng piano, ang kanilang artistikong pagiging perpekto at kahalagahan. Isang malaking hanay ng mga imahe at mood - mula sa malambot na pastoral hanggang sa kalunus-lunos na solemnidad, mula sa liriko na pagbuhos hanggang sa rebolusyonaryong apotheosis, mula sa kataas-taasan ng pilosopikal na pag-iisip hanggang sa mga sandali ng katutubong genre, mula sa trahedya hanggang sa biro - ang nagpapakilala sa tatlumpu't dalawang piano sonata ni Beethoven, na nilikha niya sa ibabaw. isang quarter ng isang siglo. Ang landas mula sa una (1792) hanggang sa huli (1822) Beethoven sonata ay nagmamarka ng isang buong panahon sa kasaysayan ng mundo ng musikang piano. Nagsimula ang Beethoven sa isang katamtaman na klasikong istilo ng piano (na higit na nauugnay sa sining ng pagtugtog ng harpsichord) at nagtapos sa musika para sa modernong piano, na may napakalaking hanay ng tunog nito at maraming mga bagong pagpapahayag na posibilidad. Tinawag ang kanyang huling sonata na isang "trabaho para sa isang hammered instrument" (Hammerklavier), binigyang-diin ng kompositor ang kanilang modernong
pianistic
pagpapahayag. Noong 1822, sa paglikha ng Thirty-Second Sonata, natapos ni Beethoven ang kanyang mahabang paglalakbay sa lugar na ito ng pagkamalikhain. Ludwig van Beethoven ay nagtrabaho nang husto sa mga problema ng piano virtuosity. Sa paghahanap ng kakaibang sound image, walang pagod niyang ginawa ang kanyang orihinal na istilo ng piano. Ang pakiramdam ng isang malawak na mahangin na espasyo, na nakamit sa pamamagitan ng paghahambing ng malalayong mga rehistro, napakalaking chord, siksik, mayaman, multifaceted texture, timbre-instrumental na mga diskarte, mayamang paggamit ng mga epekto ng pedal (sa partikular, ang kaliwang pedal) - ito ang ilan sa mga katangian ng makabagong mga pamamaraan ng istilo ng piano ni Beethoven. Simula sa unang sonata, inihambing ni Beethoven ang chamber music ng clavier music noong ika-18 siglo. ang kanilang mga marilag na sound fresco, na ipininta sa matapang at malalaking stroke. Ang sonata ni Beethoven ay nagsimulang maging katulad ng isang symphony para sa piano. Hindi bababa sa isang katlo ng 32 piano sonata ay kilala kahit na sa mga taong itinuturing ang kanilang sarili na "hindi amateurs". Kabilang sa mga ito: "Pathetic" sonata No. 8. Domineering, proud, trahedya simula - at uplifting waves ng musika. Isang buong tula sa tatlong bahagi, bawat isa ay maganda. Kagalakan, pagdurusa, paghihimagsik at pakikibaka - isang tipikal na bilog ng mga imahe ng Beethoven, na ipinahayag dito kapwa marahas at may mahusay na
maharlika. Ito ay mahusay na musika, tulad ng anumang Beethoven sonata o symphony. "Quasi una fantasia", ang tinatawag na "Moonlight" sonata No. 14, na nakatuon sa batang Countess Giulietta Guicciardi, na isang estudyante ng Beethoven. Ang kompositor ay dinala ni Juliet at naisip pa ang tungkol sa kasal, ngunit mas gusto niya ang isa pa. Karaniwan, ang mga tagapakinig ay limitado sa unang bahagi, hindi pinaghihinalaan kung anong uri ng katapusan ang naroroon - "isang talon na tumataas" - sa makasagisag na pagpapahayag ng isa sa mga mananaliksik. At mayroon ding "Appassionata" (No. 23), "The Tempest" (No. 17), "Aurora" (No. 21) ... Ang mga sonata ng piano ay isa sa pinakamahusay, pinakamahalagang bahagi ng napakatalino na pamana ni Beethoven. Sa isang mahaba at kapana-panabik na string ng kanilang mga kahanga-hangang imahe, ang buong buhay ng isang mahusay na talento, isang mahusay na isip at isang mahusay na puso ay dumaan sa harap natin, hindi dayuhan sa sinumang tao, ngunit sa mismong kadahilanang ito, ibinibigay ang lahat ng mga beats nito sa pinakamamahal, pinakasagradong mithiin ng advanced na sangkatauhan. Ipinagpapatuloy ni L. Beethoven ang mga tradisyon ng Mozart. Ngunit ang kanyang musika ay nakakakuha ng ganap na bagong mga ekspresyon: ang drama sa musika ay umabot sa trahedya, ang katatawanan ay umabot sa kabalintunaan, at ang mga liriko ay naging isang paghahayag ng isang nagdurusa na kaluluwa, isang pilosopikal na pagmuni-muni sa kapalaran at sa mundo. Ang piano music ni Beethoven ay isang halimbawa ng artistikong panlasa. Madalas inihambing ng mga kontemporaryo ang emosyonal na kalagayan ng mga sonata ni Beethoven sa mga kalunos-lunos ng mga trahedya ni Schiller. Bilang karagdagan sa 32 sonata para sa piano, mayroon ding mga sonata para sa biyolin. Ang isa ay tiyak na pamilyar sa marami kahit man lang sa pangalan - "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 para sa byolin at piano. At pagkatapos ay mayroong mga sikat na string quartets ni Beethoven. Sa mga ito, ang "Russian Quartets" ay lalong sikat. Ang mga melodies ng Russia ay talagang naririnig sa kanila ("Ah, talento, ang aking talento", "Glory" - espesyal na nakilala ni Beethoven ang mga kantang ito mula sa koleksyon ni Lvov). Ito ay hindi nagkataon: ang mga quartet ay isinulat sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng Russian diplomat na si Andrei Razumovsky, na nanirahan sa Vienna sa loob ng mahabang panahon at naging patron ng Beethoven. Si Razumovsky ay nakatuon sa dalawang symphony ng kompositor. Ang Beethoven ay may siyam na symphony, karamihan sa mga ito ay kilala sa publiko. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang Ikatlong (Kabayanihan) Symphony, ang Fifth Symphony na may sikat na Tema ng Fate. Ang mga "blows of fate" na ito ay bumagsak at bumagsak muli, kapalaran ay patuloy na humahampas sa pinto. At ang pakikibaka ay hindi nagtatapos sa unang bahagi. Ang resulta ay makikita lamang sa finale, kung saan ang tema ng kapalaran ay nagiging kagalakan ng kagalakan ng tagumpay. Pastoral (ika-6 na symphony) - ang pangalan mismo ay nagmumungkahi ng pag-awit ng kalikasan. Ang nakamamanghang 7th symphony ay sa wakas ang pinakasikat,
ang epoch-making Ninth Symphony, ang ideya kung saan ang Beethoven ay hinog nang mahabang panahon. Nabuhay din si Beethoven bilang isang "malayang artista" (gayunpaman, simula sa Mozart, ito ang naging pamantayan) kasama ang lahat ng paghihirap at kawalan ng katiyakan. Ilang beses sinubukan ni Beethoven na umalis sa Vienna, pagkatapos ay inalok siya ng maharlikang Austrian ng suweldo, kung hindi lang siya aalis. At nanatili si Beethoven sa Vienna. Dito niya nakilala ang kanyang pangunahing tagumpay. Mula sa kailaliman ng kalungkutan, binalak ni Beethoven na luwalhatiin si Joy. (Rolland). Malubha na ang sakit ni Beethoven. Ito ay hindi lamang ang simula ng pagkabingi, ang kompositor ay nagkakaroon ng malubhang sakit sa atay. Hindi rin sapat ang pera, may mga problema sa kanyang personal na buhay (pagpapalaki ng isang pamangkin). Sa ilalim ng mga kondisyong ito, isang bagay na kung minsan ay mahirap isaalang-alang ang isang nilikha ng tao ay ipinanganak. Yakap, milyon-milyon! (Beethoven. 9th symphony, finale). Tinatawag din itong Choral Symphony, dahil sa ang katunayan na sa finale ay pinatunog ang kilalang koro sa mga salita ni Friedrich Schiller - "Ode to Joy", na pana-panahong naging iba't ibang mga himno, ngayon ito ay ang Anthem ng European Union. Namatay si Beethoven noong Marso 26, 1827. Noong 2007, ang Viennese pathologist at forensic expert na si Christian Reiter (Associate Professor of Forensic Medicine sa Medical University of Vienna) ay nagmungkahi na ang kanyang manggagamot na si Andreas Wavruch ay hindi sinasadyang mapabilis ang pagkamatay ni Beethoven, na paulit-ulit na tumusok sa peritoneum ng pasyente. upang alisin ang likido), pagkatapos ay nag-apply siya ng mga lotion na naglalaman ng lead sa mga sugat. Ang mga pag-aaral sa buhok ng Reuter ay nagpakita na ang mga antas ng lead ni Beethoven ay tumaas nang husto sa tuwing magpapatingin siya sa isang doktor.
Beethoven - guro
Nagsimulang magbigay ng mga aralin sa musika si Beethoven habang nasa Bonn pa. Ang kanyang mag-aaral sa Bonn na si Stefan Breining ay nanatiling pinaka-tapat na kaibigan ng kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Tinulungan ng braining si Beethoven sa muling paggawa ng Fidelio libretto. Sa Vienna, ang batang Countess na si Juliette Gvichchardi ay naging estudyante ng Beethoven, sa Hungary, kung saan nanatili si Beethoven sa Brunsvik estate, nag-aral sa kanya si Teresa Brunsvik. Si Dorothea Ertmann, isa sa mga pinakamahusay na pianista sa Germany, ay isa ring estudyante ng Beethoven. Si D. Ertman ay sikat sa kanyang pagganap sa mga gawa ni Beethoven. Inialay ng kompositor sa kanya ang Sonata No. 28. Nang malaman na namatay na ang anak ni Dorothea, pinatugtog siya ni Beethoven nang mahabang panahon. Nagsimula ring mag-aral si Carl Czerny kay Beethoven. Si Karl, marahil, ang nag-iisang anak sa mga estudyante ni Beethoven. Nine years old pa lang siya, pero nag-concert na siya. Nag-aral si Czerny kay Beethoven sa loob ng limang taon, pagkatapos ay binigyan siya ng kompositor ng isang dokumento kung saan nabanggit niya
"ang pambihirang tagumpay ng mag-aaral at ang kanyang kahanga-hangang memorya ng musika." Tunay na kamangha-mangha ang memorya ni Czerny: alam niya sa puso ang lahat ng komposisyon ng piano ng guro. Si Czerny ay nagsimulang magturo nang maaga at hindi nagtagal ay naging isa sa mga pinakamahusay na guro sa Vienna. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay si Teodor Leshetitsky, na maaaring tawaging isa sa mga tagapagtatag ng Russian piano school. Si Leshetitsky, na lumipat sa Russia sa St. Petersburg, ay isang guro ng A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar. Nag-aral si Franz Liszt kay K. Czerny sa loob ng isang taon at kalahati. Napakahusay ng kanyang mga tagumpay kaya pinayagan siya ng guro na magsalita sa publiko. Dumalo si Beethoven sa konsiyerto. Nahulaan niya ang galing ng bata at hinalikan niya ito. Iningatan ni Liszt ang halik na ito sa buong buhay niya. Hindi si Czerny, ngunit minana ni Liszt ang istilo ng paglalaro ni Beethoven. Tulad ni Beethoven, tinatrato ni Liszt ang piano na parang isang orkestra. Habang naglilibot sa Europa, itinaguyod niya ang gawain ng Beethoven, hindi lamang gumaganap ang kanyang mga gawa sa piano, kundi pati na rin ang mga symphony, na inangkop niya para sa piano. Noong mga panahong iyon, ang musika ni Beethoven, lalo na ang symphonic music, ay hindi pa alam ng malawak na madla. Ito ay salamat sa mga pagsisikap ni F. Liszt na ang monumento ng kompositor na si Ludwig van Beethoven ay itinayo sa Bonn noong 1839. Imposibleng hindi makilala ang musika ni Beethoven. Laconism at relief ng melodies, dynamics, malinaw na muscular ritmo - ito ay isang madaling makikilala heroic-dramatic na estilo. Kahit na sa mga mabagal na bahagi (kung saan sinasalamin ni Beethoven) ang pangunahing tema ng Beethoven ay tunog: sa pamamagitan ng pagdurusa - sa kagalakan, "sa pamamagitan ng mga tinik sa mga bituin". Itinuring ni M. I. Glinka si Beethoven ang tuktok ng klasiko ng Viennese, ang pintor na pinakamalalim na tumagos sa kaibuturan ng kaluluwa ng tao at perpektong ipinahayag ito sa mga tunog. Sinabi ni Beethoven: "Ang musika ay dapat mag-apoy mula sa kaluluwa ng tao!".
Konklusyon
Ang paglago ng kalayaan sa lipunan ay humantong sa paglitaw ng mga unang pampublikong konsiyerto, mga musikal na lipunan at mga orkestra ay nabuo sa mga pangunahing lungsod ng Europa. Ang pag-unlad ng isang bagong kultura ng musika sa kalagitnaan ng siglo XVIII. nagbunga ng paglitaw ng maraming pribadong salon, na nagdaraos ng mga palabas sa opera. Ang musikal na kultura ng klasisismo ay nauugnay sa paglikha ng maraming mga genre ng instrumental na musika - tulad ng sonata, symphony, quartet. Sa panahong ito, ang genre ng klasikal na konsiyerto, ang variational na anyo, ay nag-kristal, at ang reporma ng mga operatic na genre ay nagaganap.
Mayroong mga radikal na pagbabago sa mga orkestra, hindi na kailangan ang isang harpsichord o isang organ bilang pangunahing mga instrumentong pangmusika, mga instrumento ng hangin - clarinet, plauta, trumpeta at iba pa, sa kabaligtaran, kinuha ang kanilang lugar sa orkestra at lumikha ng isang bago, espesyal. tunog. Ang bagong komposisyon ng orkestra ay humantong sa paglitaw ng symphony - ang pinakamahalagang genre ng musikal. Isa sa mga unang kompositor na gumamit ng symphonic format ay ang anak ni I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Kasama ang bagong komposisyon ng orkestra, ang

string quartet na binubuo ng dalawang violin, viola at cello. Ang mga komposisyon ay nilikha lalo na para sa string quartet na may sariling pamantayan sa apat na tempo. Ang isang multi-part sonata-symphony form (4 - partial cycle) ay nabuo, na siyang batayan pa rin ng maraming instrumental na komposisyon. Sa parehong panahon, nilikha ang piano, ang disenyo nito noong ika-18 siglo. sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mekanismo ng keyboard-hammer ay napabuti, isang cast-iron frame, mga pedal, ang mekanismo ng "double rehearsal" ay ipinakilala, ang pag-aayos ng mga string ay nagbabago, ang saklaw ay lumalawak. Lahat ng ebolusyonaryong inobasyong ito ay nagpadali para sa mga pianista na magtanghal ng mga virtuoso na piyesa sa iba't ibang paraan, gamit ang iba't ibang paraan ng pagpapahayag at pinagyayamang dinamika. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven - tatlong magagandang pangalan, tatlong "Titans" na napunta sa kasaysayan bilang
Vienna

mga klasiko
. Ang mga kompositor ng paaralang Viennese ay mahusay na pinagkadalubhasaan ang iba't ibang uri ng mga genre ng musika - mula sa pang-araw-araw na mga kanta hanggang sa mga symphony. Ang mataas na istilo ng musika, kung saan ang masaganang makasagisag na nilalaman ay nakapaloob sa isang simple ngunit perpektong artistikong anyo, ang pangunahing katangian ng gawa ng mga klasikong Viennese. Ibig sabihin, itinaas ng mga kompositor ng Viennese classical school ang genre ng piano sonata, ang classical concerto, sa pinakamataas na antas. Ang pagtuklas ng klasisismo ay upang ipahayag ang pagnanais para sa pinakamataas na ideyal ng pagiging perpekto, para sa makalangit na dispensasyon ng kaluluwa at buhay. Sinabi ni Haydn na ang Diyos ay hindi masasaktan sa kanya para sa pagluwalhati sa Kanya sa isang bagong liwanag at malinaw na istilo. Ang musikal na kultura ng klasisismo, tulad ng panitikan, pati na rin ang pinong sining, ay niluluwalhati ang mga aksyon ng isang tao, ang kanyang mga damdamin at damdamin, kung saan naghahari ang isip. Mga artista - ang mga tagalikha sa kanilang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng lohikal na pag-iisip, pagkakaisa at kalinawan ng anyo. Ang klasiko ay ang istilo ng isang panahon na tinukoy sa kasaysayan. Ngunit ang kanyang ideal na pagkakaisa at proporsyon ay nananatiling modelo para sa mga susunod na henerasyon hanggang ngayon.
Samantala, ang mga edad ng klasisismo ay umuurong na; sa walang uliran na polystylistics ng "Don Juan", sa mapanghimagsik na diwa ng "Egmont", maaaring hulaan ng isa ang siglo ng romantikismo na may kalunus-lunos na kabalintunaan, kaguluhan ng artistikong kamalayan, kalayaan ng liriko na intimacy.
Ang mga prinsipyo ng klasisismo
1. Ang batayan ng lahat ay ang isip. Tanging ang makatwiran ay maganda. 2. Ang pangunahing gawain ay palakasin ang ganap na monarkiya, ang monarko ay ang sagisag ng makatwiran. 3. Ang pangunahing tema ay ang tunggalian ng personal at sibiko na interes, damdamin at tungkulin. 4. Ang pinakamataas na dignidad ng isang tao ay ang pagtupad sa tungkulin, ang paglilingkod sa ideya ng estado. 5. Pamana ng sinaunang panahon bilang isang modelo. 6. Ang panggagaya sa kalikasang "ginalaman". 7. Ang pangunahing kategorya ay kagandahan.
Panitikan
Keldysh Yu. V. - Klasisismo. Musical Encyclopedia, Moscow: Soviet Encyclopedia, mula sa "Soviet Composer", 1973 - 1982. Classicism - Big Encyclopedic Dictionary, 2000. Yu. A. Kremlev - Beethoven Piano Sonatas, publishing house "Soviet Composer", Moscow 1970 .
Mga klasikal na kompositor

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Lambòl Ludwig van Labertoven Christoven Nicconi Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuque Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti Has Johann Wilgmin Wilgmin Hessler Hessler Johann Hessler Johann Wilgmin Hessler Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philip Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pyotr Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTISMO
Ang Romantisismo ay isang ideolohikal at masining na kalakaran na lumitaw sa kulturang Europeo at Amerikano sa pagtatapos ng ika-18 siglo. - ang unang kalahati ng siglo XIX. - ay isang reaksyon sa aesthetics ng classicism, isang uri ng reaksyon sa Enlightenment kasama ang kulto ng katwiran. Ang paglitaw ng romanticism ay dahil sa iba't ibang dahilan. Ang pinakamahalaga sa kanila
-
pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses
,
hindi binibigyang-katwiran ang mga pag-asa na inilagay dito. Ang romantikong pananaw sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim na salungatan sa pagitan ng katotohanan at mga pangarap. Ang realidad ay mababa at walang kaluluwa, ito ay natatakpan ng diwa ng philistinism, philistinism at karapat-dapat lamang sa pagtanggi. Ang panaginip ay isang bagay na maganda, perpekto, ngunit hindi maabot at hindi maintindihan ng isip. Ang romantikismo ay unang umusbong at nabuo noong 1790s. sa Alemanya, sa bilog ng mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena, na ang mga kinatawan ay sina W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, magkapatid na F. at A. Schlegel). Ang pilosopiya ng romantisismo ay sistematiko sa mga gawa nina F. Schlegel at F. Schelling at binubuo sa katotohanan na mayroong positibong kasiyahan sa maganda, na ipinahayag sa mahinahon na pagninilay-nilay, at mayroong negatibong kasiyahan sa dakila, walang anyo, walang katapusang. , hindi nagdudulot ng kagalakan, kundi pagkamangha at pang-unawa. Ang pag-awit ng dakila ay konektado sa interes ng romantikismo sa kasamaan, ang pagpaparangal nito at ang dayalektika ng mabuti at masama. Noong siglo XVIII. lahat ng kakaiba, kaakit-akit at umiiral sa mga libro, at hindi sa katotohanan, ay tinawag na romantiko. Sa simula. ika-19 na siglo ang romantikismo ay naging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran ng klasiko at ang Enlightenment. Mula sa panahon hanggang sa panahon, mula sa istilo hanggang sa kasunod na istilo sa larangan ng sining, maaaring "maghagis ng tulay" at ipahayag ang kaukulang
kahulugan ng artistikong uso: ang baroque ay isang sermon, ang romanticism ay isang pagtatapat. Kaya't sila ay "nakakalat" sa mga gilid mula sa payat at maayos na klasisismo. Sa baroque art, ang isang tao ay bumaling sa isang tao (nangaral) na may isang bagay na mahalaga sa buong mundo, sa romantikismo ang isang tao ay bumaling sa mundo, na nagpapahayag sa kanya na ang pinakamaliit na karanasan ng kanyang kaluluwa ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa lahat. At narito hindi lamang ang karapatan sa isang indibidwal na pakiramdam, kundi pati na rin ang karapatang kumilos. Ang Romantisismo, na pinapalitan ang Panahon ng Enlightenment, ay kasabay ng rebolusyong pang-industriya, na minarkahan ng hitsura ng makina ng singaw, makina ng singaw, bapor, litrato at labas ng pabrika. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng katwiran at sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, kung gayon ang romantikismo ay nagpapatibay sa kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ito ay sa panahon ng romanticism na ang phenomena ng turismo, pamumundok at piknik ay nabuo, na dinisenyo upang ibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng "noble savage", armado ng "folk wisdom" at hindi pinalayaw ng sibilisasyon, ay hinihiling. Inihahambing ng Romantisismo ang ideya ng paliwanag ng pag-unlad na may interes sa alamat, alamat, engkanto, sa karaniwang tao, isang pagbabalik sa mga ugat at sa kalikasan. Sa karagdagang pag-unlad ng romantikismo ng Aleman, ang interes sa mga fairy-tale at mythological motif ay nakikilala, na kung saan ay lalo na malinaw na ipinahayag sa gawain ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, Hoffmann. Si G. Heine, na sinimulan ang kanyang trabaho sa loob ng balangkas ng romantikismo, sa kalaunan ay isinailalim siya sa isang kritikal na rebisyon. Ang pilosopikal na romantikismo ay nananawagan para sa muling pag-iisip sa relihiyon at sa pagtugis ng ateismo. "Ang tunay na relihiyon ay ang pakiramdam at lasa ng kawalang-hanggan." Mamaya sa 1820s ang romantikong istilo ay kumalat sa England, France at iba pang mga bansa. Kasama sa romantikong Ingles ang gawa ng mga manunulat na sina Racine, John Keats, William Blake. Ang romantikismo sa panitikan ay naging laganap sa ibang bansa sa Europa, halimbawa: sa France - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; sa Italya - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Slovatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
Sa romantikong Ruso, lumilitaw ang kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, isang ballad, isang romantikong drama, ay nilikha. Ang isang bagong ideya ng kakanyahan at kahulugan ng tula ay pinagtibay, na kinikilala bilang isang independiyenteng globo ng buhay, isang pagpapahayag ng pinakamataas, perpektong mithiin ng tao. Ang romantikismo ng panitikang Ruso ay nagpapakita ng pagdurusa at kalungkutan ng pangunahing tauhan. Sa Russia, ang V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov ay maaari ding maiugnay sa mga romantikong makata. Ang maagang tula ng A. S. Pushkin ay nabuo din sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang tula ni M. Yu. Lermontov ay maaaring ituring na tuktok ng romantikong Ruso. Ang pilosopikal na liriko ng F. I. Tyutchev ay pareho ang pagkumpleto at ang pagtagumpayan ng romantikismo sa Russia. Nagmula ang Romantisismo bilang isang kilusang pampanitikan, ngunit nagkaroon ng malaking epekto sa musika at pagpipinta. Sa visual arts, ang Romantisismo ay nagpakita nang malinaw sa pagpipinta at mga graphic, at mas mababa sa arkitektura. Ang pag-unlad ng romantikismo sa pagpipinta ay nagpatuloy sa matalim na kontrobersya sa mga tagasunod ng klasisismo. Sinisiraan ng mga Romantiko ang kanilang mga nauna sa "malamig na katwiran" at kawalan ng "galaw ng buhay." Noong ika-18 siglo, ang mga paboritong motif ng mga artista ay ang mga tanawin ng bundok at mga nakamamanghang guho. Ang mga pangunahing tampok nito ay ang dynamism ng komposisyon, voluminous spatiality, rich color, chiaroscuro (halimbawa, ang mga gawa ni Turner, Géricault at Delacroix). Noong 1920s at 1930s, ang mga gawa ng maraming mga artista ay nakikilala sa pamamagitan ng mga kalunos-lunos at nerbiyos na kaguluhan; sa kanila ay nagkaroon ng isang ugali sa mga kakaibang motif at isang paglalaro ng imahinasyon na maaaring humantong palayo sa "dim araw-araw na buhay." Ang pakikibaka laban sa mga nakapirming klasiko na pamantayan ay tumagal ng mahabang panahon, halos kalahating siglo. Ang unang nakapag-consolidate ng isang bagong direksyon at "nagbibigay-katwiran" sa romanticism ay si Theodore Géricault. Mga kinatawan ng pagpipinta: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTICISMO SA MUSIKA
Ang musika ng Romantic period ay isang panahon sa kasaysayan ng European music na halos sumasaklaw sa mga taong 1800-1910. Sa musika, ang direksyon ng romantisismo ay nabuo noong 1820s, ang pag-unlad nito ay tumagal ng buong ika-19 na siglo. - ang kasagsagan ng musikal na kultura ng Kanlurang Europa. Ang romantikismo ay hindi lamang liriko, ngunit ang pangingibabaw ng mga damdamin, hilig, espirituwal na elemento, na kilala lamang sa mga sulok ng sariling kaluluwa. Ang isang tunay na artista ay nagpapakita sa kanila sa tulong ng mapanlikhang intuwisyon.
Ang musika ng panahong ito ay nabuo mula sa mga anyo, genre at mga ideyang pangmusika na itinatag sa mga naunang panahon tulad ng klasikal na panahon. Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas embossed, indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay umuunlad, kabilang ang ballad. Ang mga ideya, ang istruktura ng mga akda na itinatag o binalangkas lamang sa mga naunang panahon, ay binuo sa ilalim ng romantikismo. Dahil dito, ang mga akdang nauugnay sa Romantisismo ay itinuturing ng mga tagapakinig bilang mas madamdamin at emosyonal na nagpapahayag. Karaniwang tinatanggap na ang mga nangunguna sa Romantisismo ay sina Ludwig van Beethoven sa Austro-German na musika at Luigi Cherubini sa Pranses; Maraming mga romantiko (halimbawa, Schubert, Wagner, Berlioz) ang itinuturing na K. V. Gluck bilang kanilang mas malayong hinalinhan. Ang panahon ng paglipat mula sa klasiko tungo sa romantikismo ay itinuturing na pre-romantic na panahon - isang medyo maikling panahon sa kasaysayan ng musika at sining. Kung sa panitikan at pagpipinta ang romantikong kalakaran ay karaniwang nakumpleto ang pag-unlad nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kung gayon ang buhay ng musikal na romantisismo sa Europa ay mas mahaba. Ang musical romanticism bilang isang trend ay lumitaw sa simula ng ika-19 na siglo at umunlad na may malapit na koneksyon sa iba't ibang uso sa panitikan, pagpipinta at teatro. Ang mga pangunahing kinatawan ng romanticism sa musika ay: sa Austria - Franz Schubert, at late romantics - Anton Bruckner at Gustav Mahler; sa Germany - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; sa England, Edward Elgar; sa Hungary - Franz Liszt; sa Norway, Edvard Grieg; sa Italya - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi; sa Spain, Felipe Pedrel; sa France - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer at Cesar Franck, isang kinatawan ng late romanticism; sa Poland - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; sa Czech Republic - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
sa Russia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tchaikovsky ay nagtrabaho alinsunod sa romantikismo.

Ito ay hindi nagkataon na ang musika ay idineklara ang perpektong anyo ng sining, na, dahil sa pagiging tiyak nito, pinaka-ganap na nagpapahayag ng mga paggalaw ng kaluluwa. Ang musika sa panahon ng romantikismo ang nangunguna sa sistema ng sining. Ang romantikismo sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa panloob na mundo ng isang tao. Ang musika ay may kakayahang ipahayag ang hindi alam, ihatid kung ano ang hindi maiparating ng mga salita. Ang romantikismo ay laging naghahangad na makatakas mula sa katotohanan. Ang pagpindot sa buhay ng mga ordinaryong tao, pag-unawa sa kanilang mga damdamin, pag-asa sa musika - nakatulong ito sa mga kinatawan ng musical romanticism na gawing makatotohanan ang kanilang mga gawa. Ang problema ng personalidad ay inilalagay bilang pangunahing problema ng romantikong musika, at sa isang bagong liwanag - sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay laging malungkot kapag siya ay isa lamang namumukod-tanging tao. Ang tema ng kalungkutan ay marahil ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong karakter sa mga gawa ng mga romantiko ("The Poet's Love" ni Schumann, "Fantastic Symphony" ni Berlioz kasama ang subtitle nito - "Isang Episode mula sa Buhay ng Isang Artista"). Ang paghahayag ng isang personal na drama ay madalas na nakakuha ng isang katangian ng autobiography sa mga romantiko, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Kaya, halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay mariing idiniin ni Richard Wagner. Ang pansin sa mga damdamin ay humahantong sa isang pagbabago sa mga genre - ang mga lyrics ay nakakuha ng isang nangingibabaw na posisyon, kung saan ang mga imahe ng pag-ibig ay nangingibabaw. Ang tema ng kalikasan ay madalas na magkakaugnay sa tema ng "lyrical confession". Ang pagbuo ng genre at lyrical-epic symphonism ay malapit na konektado sa mga imahe ng kalikasan (isa sa mga unang komposisyon ay ang "mahusay" symphony C - dur ni F. Schubert). Ang tunay na pagtuklas ng mga romantikong kompositor ay ang tema ng pantasya. Ang musika sa unang pagkakataon ay natutong magsama ng hindi kapani-paniwalang kamangha-manghang mga larawan sa pamamagitan lamang ng musikal na paraan. Sa mga opera noong ika-17 - ika-18 na siglo. Ang mga "hindi makalupa" na mga karakter (tulad ng Queen of the Night mula sa The Magic Flute ni Mozart) ay nagsalita ng "karaniwan"
wikang musikal, hindi gaanong namumukod-tangi sa background ng mga totoong tao. Natutunan ng mga romantikong kompositor na ihatid ang mundo ng pantasiya bilang isang bagay na ganap na tiyak (sa tulong ng mga hindi pangkaraniwang orkestra at maharmonya na mga kulay). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Wolf Gulch Scene" sa Weber's Magic Shooter. Ang interes sa katutubong sining ay lubos na katangian ng musical romanticism. Tulad ng mga makata - mga romantiko, na nagpayaman at nag-update ng wikang pampanitikan sa kapinsalaan ng alamat, ang mga musikero ay malawak na bumaling sa pambansang alamat - mga awiting bayan, balad, epiko (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Lahat ng narinig ng mga tainga ay agad na isinalin sa pagkamalikhain. Ang alamat - mga kanta, sayaw, alamat - ay pinoproseso, mga tema, plot, intonasyon ay kinuha mula doon. Kabilang sa mga romantiko, ang kanta ay nakakakuha ng espesyal na halaga (sa Russia, ang pagmamahalan). Lumilitaw ang mga bagong sayaw - mazurkas, polonaises, waltzes. Naglalagay ng mga imahe ng pambansang panitikan, kasaysayan, katutubong kalikasan, umasa sila sa mga intonasyon at ritmo ng pambansang alamat, na binuhay ang mga lumang diatonic na mode. Sa ilalim ng impluwensya ng alamat, ang nilalaman ng musika sa Europa ay nagbago nang malaki
.
Ang mga bagong tema at imahe ay hinihingi mula sa Romantics ang pagbuo ng mga bagong paraan ng musikal na wika at mga prinsipyo ng paghubog, ang pagpapalawak ng timbre at harmonic palette ng musika (natural na mga mode, makulay na paghahambing ng major at minor). At sa paraan ng pagpapahayag, ang heneral ay lalong nagbibigay daan sa indibidwal na kakaiba.

Sa orkestra, ang prinsipyo ng mga grupo ng ensemble ay nagbigay daan sa soloing ng halos lahat ng mga tinig ng orkestra. Sa panahon ng kasagsagan ng romantikismo, maraming bagong genre ng musika ang isinilang, kabilang ang mga genre ng musika ng programa (mga symphonic na tula, ballad, fantasies, genre ng kanta). Ang pinakamahalagang sandali sa aesthetics ng musical romanticism ay ang ideya ng isang synthesis ng sining, na natagpuan ang pinakamatingkad na pagpapahayag nito sa operatic work ni R. Wagner at sa programa ng musika ni G. Berlioz, R. Schumann, F. Liszt.
KONGKLUSYON
Ang paglitaw ng romantikismo ay naimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Rebolusyong Pranses, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusan sa pagpapalaya sa Europa. Ang Romantisismo bilang isang paraan at direksyon sa musika at kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag
pambansang pagpapahayag. Naghimagsik ang mga romantiko laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit naghimagsik sila sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling ideal. Ngunit sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok: pagkabigo sa mundo sa paligid natin, isang pakiramdam ng pagiging bahagi ng uniberso, hindi kasiyahan sa sarili, ang paghahanap para sa pagkakaisa, salungatan sa lipunan. Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba. Interes sa isang malakas na personalidad na sumasalungat sa sarili sa buong mundo sa paligid at umaasa lamang sa sarili nito, at pansin sa panloob na mundo ng isang tao. Ang ideya ng art synthesis ay natagpuang pagpapahayag sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang isang indibidwal, personal na pananaw sa mundo ay humantong sa paglitaw ng mga bagong genre ng musika. Kasabay ng pag-unlad ng trend ng home music-making, chamber performance, hindi idinisenyo para sa mass audience at perpektong performing technique, binigyang-buhay nito ang genre ng piano miniatures - impromptu, musical moments, nocturnes, preludes, maraming dance genres na nagkaroon hindi dating nakilala sa propesyonal na musika. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga aparato ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang mga puwersang sumasalungat sa romantikismo ay nagsimulang mabuo noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo (Brahms, Brückner, Mahler). Sa kanilang hitsura, nagkaroon ng mga tendensya patungo sa muling pagtugon sa totoong mundo, kawalang-kinikilingan, at pagtanggi sa subjective. Ngunit, sa kabila nito, ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamabungang artistikong mga usong pangkakanyahan. Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa isang perpekto at malikhaing kalayaan, ay nabubuhay pa rin sa sining ng mundo.
PANITIKAN
Rapatskaya L. A. Romanticism sa artistikong kultura ng Europa noong ika-19 na siglo: ang pagtuklas ng "panloob na tao" // World Art Culture. 11 mga cell sa 2 bahagi. M. : Vlados, 2008
Bryantseva V.N. Panitikang musikal ng mga banyagang bansa - Ed. "Musika" 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets Mga paraan ng pag-unlad ng Ukrainian at dayuhang musikal na sining. - H.: Osnova, 2001 Berkovsky N.Ya. Romantisismo sa Alemanya / Panimulang artikulo ni A. Anikst. - L .: "Fiction", 1973

L.Karankova

1. Mga katangian ng malikhaing istilo ni Beethoven.

L. V. Beethoven - Aleman na kompositor, kinatawan ng Viennese classical na paaralan (ipinanganak sa Bonn, ngunit ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa Vienna - mula noong 1792).

Ang musikal na pag-iisip ni Beethoven ay isang kumplikadong synthesis:

ang mga malikhaing tagumpay ng mga klasikong Viennese (Gluck, Haydn, Mozart);

ang sining ng Rebolusyong Pranses;

bagong umuusbong sa 20s. ika-19 na siglo artistikong direksyon - romanticism.

Ang mga komposisyon ni Beethoven ay nagtataglay ng imprint ng ideolohiya, aesthetics at sining ng Enlightenment. Ito ay higit na nagpapaliwanag sa lohikal na pag-iisip ng kompositor, ang kalinawan ng mga anyo, ang pagiging maalalahanin ng buong artistikong konsepto at mga indibidwal na detalye ng mga gawa.

Kapansin-pansin din na ipinakita ni Beethoven ang kanyang sarili nang lubos sa mga genre ng sonata at symphony (mga genre na katangian ng mga klasiko). Si Beethoven ang unang nagpakalat ng tinatawag na. "conflict symphonism", batay sa oposisyon at banggaan ng maliwanag na magkakaibang mga musikal na imahe. Ang mas kapansin-pansing salungatan, mas kumplikado ang proseso ng pag-unlad, na para kay Beethoven ay nagiging pangunahing puwersang nagtutulak.

Ang mga ideya at sining ng Rebolusyong Pranses ay nag-iwan ng kanilang marka sa marami sa mga gawa ni Beethoven. Mula sa mga opera ni Cherubini ay may direktang daan patungo sa Fidelio ni Beethoven.

Sa mga gawa ng kompositor, ang mga invocative intonation at chased rhythms, malawak na melodic na paghinga at malakas na instrumento ng mga himno ng mga kanta, martsa at opera ng panahong ito ay natagpuan ang kanilang sagisag. Binago nila ang istilo ni Beethoven. Iyon ang dahilan kung bakit ang musikal na wika ng kompositor, bagaman nauugnay sa sining ng mga klasikong Viennese, sa parehong oras ay malalim na naiiba mula dito. Sa mga gawa ni Beethoven, sa kaibahan sa Haydn at Mozart, bihira ang napakagandang dekorasyon, makinis na ritmikong pattern, silid, transparent na texture, balanse at simetrya ng mga tema ng musikal.

Ang kompositor ng isang bagong panahon, si Beethoven ay nakahanap ng iba pang mga intonasyon upang ipahayag ang kanyang mga iniisip - pabago-bago, hindi mapakali, matalas. Ang tunog ng kanyang musika ay nagiging mas puspos, siksik, at kapansin-pansing contrasting. Ang kanyang mga musikal na tema ay nakakakuha hanggang ngayon ng hindi pa nagagawang conciseness, matinding pagiging simple.

Ang mga tagapakinig na dinala sa klasisismo noong ika-18 siglo ay natigilan at madalas na hindi nauunawaan ng emosyonal na kapangyarihan ng musika ni Beethoven, na ipinakita sa alinman sa mabagyo na drama, o sa engrandeng epikong saklaw, o sa matalim na liriko. Ngunit tiyak na ang mga katangiang ito ng sining ni Beethoven ang nabighani sa mga romantikong musikero. At kahit na ang koneksyon ni Beethoven sa romantikismo ay hindi mapag-aalinlanganan, ang kanyang sining sa mga pangunahing balangkas nito ay hindi nag-tutugma sa kanya. Hindi ito ganap na akma sa balangkas ng klasisismo. Para sa Beethoven, tulad ng ilang iba pa, ay natatangi, indibidwal at multifaceted.

Mga tema ni Beethoven:

Ang pinagtutuunan ng pansin ni Beethoven ay ang buhay ng bayani, na nagaganap sa walang tigil na pakikibaka para sa magandang kinabukasan para sa lahat. Ang kabayanihan na ideya ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng gawain ni Beethoven. Ang bayani ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay sa mga tao. Sa paglilingkod sa sangkatauhan, sa pagkamit ng kalayaan para dito, nakikita niya ang layunin ng kanyang buhay. Ngunit ang landas patungo sa layunin ay namamalagi sa pamamagitan ng mga tinik, pakikibaka, pagdurusa. Kadalasan ang isang bayani ay namamatay, ngunit ang kanyang kamatayan ay nakoronahan ng isang tagumpay na nagdudulot ng kaligayahan sa napalayang sangkatauhan. Ang pagkahumaling ni Beethoven sa mga bayani na imahe at ang ideya ng pakikibaka ay dahil, sa isang banda, sa bodega ng kanyang pagkatao, mahirap na kapalaran, pakikibaka dito, patuloy na pagtagumpayan ng mga paghihirap; sa kabilang banda, ang epekto sa pananaw sa mundo ng kompositor ng mga ideya ng Great French Revolution.

Ang pinakamayamang pagmuni-muni ay natagpuan sa gawain ni Beethoven at ang tema ng kalikasan (ika-6 na symphony "Pastoral", sonata No. 15 "Pastoral", sonata No. 21 "Aurora", ika-4 na symphony, maraming mabagal na bahagi ng sonatas, symphony, quartets ). Ang passive na pagmumuni-muni ay dayuhan kay Beethoven: ang kapayapaan at katahimikan ng kalikasan ay tumutulong upang maunawaan ang mga kapana-panabik na isyu nang mas malalim, upang magtipon ng mga kaisipan at panloob na lakas para sa pakikibaka sa buhay.

Si Beethoven ay tumagos nang malalim sa saklaw ng damdamin ng tao. Ngunit, inilalantad ang mundo ng panloob, emosyonal na buhay ng isang tao, iginuhit ni Beethoven ang lahat ng parehong bayani, na may kakayahang subordinating ang spontaneity ng mga damdamin sa mga kinakailangan ng katwiran.

Ang mga pangunahing tampok ng wikang musikal:

Melodica. Ang pangunahing prinsipyo ng kanyang himig ay sa mga hudyat ng trumpeta at mga palakpakan, sa mga panawagang oratorical exclamations at mga pagliko ng martsa. Madalas na ginagamit ang paggalaw kasama ang mga tunog ng triad (G.P. "Heroic Symphony"; tema ng finale ng 5th symphony, G.P. I part 9 ng symphony). Ang mga caesuras ni Beethoven ay mga bantas sa pananalita. Ang fermata ni Beethoven ay huminto pagkatapos ng mga kalunus-lunos na tanong. Ang mga musikal na tema ni Beethoven ay kadalasang binubuo ng magkakaibang mga elemento. Ang magkakaibang istraktura ng mga tema ay matatagpuan din sa mga nauna kay Beethoven (lalo na sa Mozart), ngunit sa Beethoven ito ay nagiging pattern na. Ang kaibahan sa loob ng tema ay nabubuo sa isang salungatan sa pagitan ng G.P. at P.P. sa sonata form, dina-dinamize ang lahat ng seksyon ng sonata allegro.

Metrorhythm. Ang mga ritmo ni Beethoven ay ipinanganak mula sa parehong pinagmulan. Ang ritmo ay may singil sa pagkalalaki, kalooban, aktibidad.

Ang mga ritmo ng pagmamartsa ay napakakaraniwan

Mga ritmo ng sayaw (sa mga larawan ng katutubong saya - ang pangwakas ng ika-7 symphony, ang pangwakas ng Aurora sonata, kapag, pagkatapos ng mahabang pagdurusa at pakikibaka, dumating ang isang sandali ng tagumpay at kagalakan.

Harmony. Sa pagiging simple ng chord vertical (chord ng mga pangunahing pag-andar, laconic na paggamit ng mga non-chord na tunog) - isang contrast-dramatic na interpretasyon ng harmonic sequence (koneksyon sa prinsipyo ng conflict dramaturgy). Matalim, matapang na mga modulasyon sa malalayong mga susi (sa kaibahan sa mga plastik na modulasyon ng Mozart). Sa kanyang mga huling gawa, inaasahan ni Beethoven ang mga tampok ng romantikong pagkakasundo: polyphonized na tela, isang kasaganaan ng mga di-ayon sa mga tunog, katangi-tanging mga pagkakasunud-sunod ng harmonic.

Ang mga musikal na anyo ng mga gawa ni Beethoven ay mga engrandeng konstruksyon. "Ito ang Shakespeare ng masa," sumulat si V. Stasov tungkol kay Beethoven. "Si Mozart ay responsable lamang para sa mga indibidwal ... Si Beethoven, sa kabilang banda, ay nag-isip tungkol sa kasaysayan at sa buong sangkatauhan." Si Beethoven ang lumikha ng anyo ng mga libreng variation (ang finale ng piano sonata No. 30, mga variation sa isang tema ni Diabelli, bahagi 3 at 4 ng 9th symphony). Siya ay kredito sa pagpapasok ng variation form sa malaking anyo.

mga genre ng musika. Binuo ni Beethoven ang karamihan sa mga kasalukuyang genre ng musika. Ang batayan ng kanyang trabaho ay instrumental na musika.

Listahan ng mga komposisyon ni Beethoven:

Orkestra na musika:

Symphony - 9;

Mga Overture: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 na bersyon para sa opera na "Fidelio";

Concertos: 5 piano, 1 violin, 1 triple - para sa violin, cello at piano.

Piano music:

32 sonata;

22 variation cycle (kabilang ang 32 c-moll variation);

Bagatelles (kabilang ang "Kay Elise").

Chamber ensemble music:

Sonatas para sa byolin at piano (kabilang ang "Kreutzer" No. 9); cello at piano;

16 string quartets.

Vocal na musika:

Opera "Fidelio";

Mga kanta, incl. ang cycle na "To a Distant Beloved", pagsasaayos ng mga katutubong kanta: Scottish, Irish, atbp.;

2 Misa: C-dur at Solemne Mass;

oratorio "Si Kristo sa Bundok ng mga Olibo"

2. Ang buhay at gawain ni Beethoven.

Panahon ng Bonn. Pagkabata at kabataan.

Si Beethoven ay ipinanganak sa Bonn noong Disyembre 16, 1770. Bilang karagdagan sa Aleman, ang dugong Flemish ay dumaloy din sa kanyang mga ugat (sa panig ng ama).

Si Beethoven ay lumaki sa kahirapan. Ininom ng aking ama ang kanyang kakarampot na suweldo; tinuruan niya ang kanyang anak na tumugtog ng violin at piano sa pag-asang siya ay magiging isang child prodigy, ang bagong Mozart, at matustusan ang kanyang pamilya. Sa paglipas ng panahon, tumaas ang suweldo ng ama batay sa kinabukasan ng kanyang magaling at masipag na anak.

Ang pangkalahatang edukasyon ni Beethoven ay hindi sistematiko gaya ng kanyang edukasyong pangmusika. Sa huli, gayunpaman, ang pagsasanay ay gumaganap ng isang malaking papel: tumugtog siya ng viola sa orkestra ng korte, gumanap sa mga instrumento sa keyboard, kabilang ang organ, na mabilis niyang pinagkadalubhasaan. K.G. Si Nefe, ang organist ng korte ng Bonn, ay naging unang tunay na guro ni Beethoven (bukod sa iba pang mga bagay, dumaan siya sa buong "HTK" ni S. Bach kasama niya).

Noong 1787, pinamamahalaang ni Beethoven na bisitahin ang Vienna sa unang pagkakataon - sa oras na iyon ang kabisera ng musikal ng Europa. Ayon sa mga kuwento, si Mozart, na nakinig sa dula ng binata, ay lubos na pinahahalagahan ang kanyang mga improvisasyon at hinulaan ang isang magandang hinaharap para sa kanya. Ngunit sa lalong madaling panahon si Beethoven ay kailangang bumalik sa bahay - ang kanyang ina ay malapit nang mamatay. Nanatili siyang nag-iisang breadwinner ng pamilya, na binubuo ng isang masungit na ama at dalawang nakababatang kapatid na lalaki.

Ang talento ng binata, ang kanyang kasakiman para sa mga impresyon sa musika, ang kanyang masigasig at madaling pagtanggap ay nakakuha ng atensyon ng ilang naliwanagang pamilya ng Bonn, at ang kanyang makikinang na piano improvisation ay nagbigay sa kanya ng libreng pagpasok sa anumang musical gatherings. Malaki ang nagawa ng pamilyang Breuning para sa kanya lalo na.

Unang panahon ng Viennese (1792 - 1802).

Sa Vienna, kung saan dumating si Beethoven sa pangalawang pagkakataon noong 1792 at kung saan siya nanatili hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, mabilis niyang natagpuan ang mga pinamagatang patron ng sining.

Inilarawan ng mga taong nakilala ang batang Beethoven ang dalawampung taong gulang na kompositor bilang isang batang lalaki na matipuno, madaling kapitan ng pananakit, kung minsan ay masungit, ngunit mabait at matamis sa pakikitungo sa mga kaibigan. Napagtanto ang kakulangan ng kanyang pag-aaral, nagpunta siya kay Joseph Haydn, isang kinikilalang awtoridad ng Viennese sa larangan ng instrumental na musika (si Mozart ay namatay isang taon na ang nakaraan), at sa loob ng ilang panahon ay nagdala ng mga counterpoint exercises sa kanya upang suriin. Haydn, gayunpaman, sa lalong madaling panahon cooled off patungo sa sutil estudyante, at Beethoven, lihim mula sa kanya, nagsimulang kumuha ng mga aralin mula sa I. Shenk at pagkatapos ay mula sa mas masusing J. G. Albrechtsberger. Bilang karagdagan, sa pagnanais na mapabuti ang pagsulat ng boses, binisita niya ang sikat na kompositor ng opera na si Antonio Salieri sa loob ng maraming taon. Di-nagtagal ay sumali siya sa isang lupon na nagkakaisa na pinamagatang mga amateur at propesyonal na musikero. Ipinakilala ni Prinsipe Karl Likhnovsky ang batang probinsyal sa kanyang bilog ng mga kaibigan.

Ang pampulitika at panlipunang buhay ng Europa noong panahong iyon ay nakababahala: nang dumating si Beethoven sa Vienna noong 1792, ang lungsod ay nabalisa sa balita ng rebolusyon sa France. Masigasig na tinanggap ni Beethoven ang mga rebolusyonaryong slogan at umawit ng kalayaan sa kanyang musika. Ang bulkan, sumasabog na likas na katangian ng kanyang gawa ay walang alinlangan na ang sagisag ng diwa ng mga panahon, ngunit sa diwa lamang na ang karakter ng lumikha ay sa ilang lawak ay nahubog sa panahong ito. Isang matapang na paglabag sa karaniwang tinatanggap na mga pamantayan, isang malakas na pagpapatibay sa sarili, isang dumadagundong na kapaligiran ng musika ni Beethoven - lahat ng ito ay hindi maiisip sa panahon ni Mozart.

Gayunpaman, ang mga unang komposisyon ni Beethoven ay higit na sumusunod sa mga canon ng ika-18 siglo: ito ay nalalapat sa mga trio (kuwerdas at piano), violin, piano at cello sonatas. Ang piano noon ay ang pinakamalapit na instrumento para kay Beethoven, sa mga gawa ng piano ay ipinahayag niya ang pinakakilalang damdamin nang may lubos na katapatan. Ang Unang Symphony (1801) ay ang unang purong orkestra na komposisyon ni Beethoven.

Ang paglapit ng pagkabingi.

Mahuhulaan lang natin kung hanggang saan naimpluwensyahan ng pagkabingi ni Beethoven ang kanyang trabaho. Unti-unting nabuo ang sakit. Nasa 1798, nagreklamo siya ng ingay sa tainga, mahirap para sa kanya na makilala ang mataas na tono, upang maunawaan ang isang pag-uusap na isinasagawa sa isang bulong. Natakot sa pag-asam na maging isang bagay ng awa - isang bingi na kompositor, sinabi niya ang tungkol sa kanyang sakit sa isang malapit na kaibigan - si Carl Amenda, pati na rin ang mga doktor, na pinayuhan siya na protektahan ang kanyang pandinig hangga't maaari. Nagpatuloy siya sa paglipat sa bilog ng kanyang mga kaibigang Viennese, nakibahagi sa mga musikal na gabi, maraming komposisyon. Napakahusay niyang itago ang kanyang pagkabingi, hanggang noong 1812, kahit na ang mga madalas na nakakasalamuha sa kanya ay hindi naghinala kung gaano kalubha ang kanyang sakit. Ang katotohanan na sa panahon ng pag-uusap ay madalas niyang sinagot nang hindi naaangkop ay naiugnay sa isang masamang kalooban o kawalan ng pag-iisip.

Noong tag-araw ng 1802, nagretiro si Beethoven sa isang tahimik na suburb ng Vienna - Heiligenstadt. Isang nakamamanghang dokumento ang lumitaw doon - ang Heiligenstadt Testament, isang masakit na pag-amin ng isang musikero na pinahihirapan ng sakit. Ang testamento ay naka-address sa mga kapatid ni Beethoven (na may mga tagubilin na basahin at isagawa pagkatapos ng kanyang kamatayan); sa loob nito, binanggit niya ang kanyang pagdurusa sa isip: ito ay masakit kapag “isang taong nakatayo sa tabi ko ay nakarinig ng plauta na tumutugtog mula sa malayo, na hindi ko naririnig; o kapag may nakarinig ng isang pastol na kumakanta at hindi ako makarinig ng tunog." Ngunit pagkatapos, sa isang liham kay Dr. Wegeler, bumulalas siya: "Kukunin ko ang kapalaran sa pamamagitan ng lalamunan!", At ang musika na patuloy niyang isinusulat ay nagpapatunay sa desisyong ito: sa parehong tag-araw, ang maliwanag na Second Symphony, nakamamanghang piano sonata op. 31 at tatlong violin sonata, op. tatlumpu.

Ang panahon ng mature na pagkamalikhain. "Bagong Daan" (1803 - 1812).

Ang unang mapagpasyang tagumpay sa tinatawag mismo ni Beethoven na "bagong paraan" ay naganap sa Third Symphony (Heroic, 1803-1804). Ang tagal nito ay tatlong beses kaysa sa anumang iba pang symphony na isinulat noon. Madalas na iginiit (at hindi nang walang dahilan) na sa una ay inialay ni Beethoven ang "Kabayanihan" kay Napoleon, ngunit nang malaman niya na idineklara niya ang kanyang sarili bilang emperador, kinansela niya ang dedikasyon. "Ngayon ay tatapakan niya ang mga karapatan ng tao at sasagutin lamang ang kanyang sariling ambisyon," ito ang mga salita ni Beethoven, ayon sa mga kuwento, nang pinunit niya ang pahina ng pamagat ng puntos na may dedikasyon. Sa huli, ang "Heroic" ay nakatuon sa isa sa mga parokyano - si Prince Lobkowitz.

Sa mga taong ito, sunod-sunod na lumabas ang mga makikinang na nilikha mula sa ilalim ng kanyang panulat. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor ay bumubuo ng isang hindi kapani-paniwalang stream ng napakatalino na musika, ang haka-haka na mundo ng tunog na ito ay pumapalit sa mundo ng mga tunay na tunog na umalis sa kanya. Ito ay isang matagumpay na pagpapatibay sa sarili, isang salamin ng matinding gawain ng pag-iisip, katibayan ng mayamang panloob na buhay ng musikero.

Mga gawa ng ikalawang yugto: violin sonata sa A major, op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); Ikatlong Symphony, (Heroic, 1802-1805); oratorio Kristo sa Bundok ng mga Olibo, op. 85 (1803); piano sonatas: "Waldstein", op. 53; "Appassionata" (1803-1815); Piano Concerto No. 4 sa G major (1805-1806); Ang tanging opera ni Beethoven, si Fidelio (1805, ikalawang edisyon 1806); tatlong "Russian" quartets, op. 59 (nakatuon kay Count Razumovsky; 1805-1806); Ikaapat na Symphony (1806); Overture sa Trahedya ni Collinus Coriolanus, op. 62 (1807); Misa sa C major (1807); Ikalimang Symphony (1804-1808); Ikaanim na Symphony (Pastoral, 1807-1808); musika para sa trahedya ni Goethe Egmont (1809) at iba pa.

Ang isang bilang ng mga komposisyon ay inspirasyon ng romantikong damdamin na mayroon si Beethoven para sa ilan sa kanyang mga high-society na estudyante. Ang sonata, na kalaunan ay tinawag na "Lunar", ay nakatuon kay Countess Juliette Guicciardi. Naisipan pa ni Beethoven na mag-propose sa kanya, ngunit napagtanto sa oras na ang isang bingi na musikero ay hindi angkop na tugma para sa isang coquettish sekular na kagandahan. Tinanggihan siya ng ibang mga babaeng kilala niya; tinawag siya ng isa sa kanila na "freak" at "half-crazy". Ang sitwasyon ay naiiba sa pamilya Brunswick, kung saan nagbigay si Beethoven ng mga aralin sa musika sa dalawang nakatatandang kapatid na babae - sina Teresa at Josephine. Ang pag-aakala na si Teresa ay ang addressee ng mensahe sa "Immortal Beloved", na natagpuan sa mga papeles ni Beethoven pagkatapos ng kanyang kamatayan, ay matagal nang itinapon, ngunit ang mga modernong mananaliksik ay hindi ibinubukod na ang addressee na ito ay si Josephine. Sa anumang kaso, ang idyllic Fourth Symphony ay may utang na ideya sa pananatili ni Beethoven sa Hungarian Brunswick estate noong tag-araw ng 1806.

Noong 1804, kusang tinanggap ni Beethoven ang isang utos na gumawa ng isang opera, dahil sa Vienna ang tagumpay sa entablado ng opera ay nangangahulugang katanyagan at pera. Ang balangkas sa maikling salita ay ang mga sumusunod: isang matapang, masipag na babae, nakadamit ng panlalaki, iniligtas ang kanyang minamahal na asawa, ikinulong ng isang malupit na malupit, at inilantad ang huli sa harap ng mga tao. Upang maiwasan ang pagkalito sa isang umiiral nang opera batay sa kuwentong ito, Leonora ni Gaveau, ang gawa ni Beethoven ay tinawag na Fidelio, pagkatapos ng pangalang kinuha ng disguised heroine. Siyempre, walang karanasan si Beethoven sa pag-compose para sa teatro. Ang mga kasukdulan ng melodrama ay minarkahan ng mahusay na musika, ngunit sa ibang mga seksyon, ang kakulangan ng dramatikong likas na talino ay hindi nagpapahintulot sa kompositor na tumaas sa operatic routine (bagaman siya ay labis na masigasig dito: Si Fidelio ay may mga fragment na ginawang muli hanggang labingwalong beses ). Gayunpaman, unti-unting nasakop ng opera ang mga tagapakinig (sa panahon ng buhay ng kompositor, tatlo sa mga paggawa nito ay naganap sa iba't ibang mga edisyon - noong 1805, 1806 at 1814). Ito ay maaaring argued na ang kompositor ay hindi invested kaya magkano trabaho sa anumang iba pang mga trabaho.

Si Beethoven, tulad ng nabanggit na, ay lubos na iginagalang ang mga gawa ni Goethe, gumawa ng ilang mga kanta sa kanyang mga teksto, musika para sa kanyang trahedya na Egmont, ngunit nakilala lamang si Goethe noong tag-araw ng 1812, nang magkasama sila sa isang resort sa Teplitz. Ang dalisay na ugali ng dakilang makata at ang talas ng pag-uugali ng kompositor ay hindi nakatutulong sa kanilang pagsasamahan. "Ang kanyang talento ay labis na tumama sa akin, ngunit, sa kasamaang-palad, siya ay may hindi matitinag na ugali, at ang mundo ay tila sa kanya ay isang mapoot na nilikha," sabi ni Goethe sa isa sa kanyang mga sulat.

Ang pakikipagkaibigan ni Beethoven kay Rudolf, ang Austrian archduke at half-brother ng emperador, ay isa sa mga pinaka-curious na makasaysayang plot. Sa paligid ng 1804, ang Archduke, noon ay may edad na 16, ay nagsimulang kumuha ng mga aralin sa piano mula sa kompositor. Sa kabila ng malaking pagkakaiba sa katayuan sa lipunan, ang guro at ang mag-aaral ay may tapat na pagmamahal sa isa't isa. Lumalabas para sa mga aralin sa palasyo ng Archduke, kinailangan ni Beethoven na dumaan sa hindi mabilang na mga alipores, tawagan ang kanyang estudyante na "Your Highness" at labanan ang kanyang amateurish na saloobin sa musika. At ginawa niya ang lahat ng ito nang may kamangha-manghang pasensya, kahit na hindi siya nagdalawang-isip na kanselahin ang mga aralin kung abala siya sa pag-compose. Sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng Archduke, ang mga komposisyon tulad ng piano sonata na "Paalam", ang Triple Concerto, ang huli at pinaka engrande na Fifth Piano Concerto, ang Solemne Mass (Missa solemnis) ay nilikha. Ang Archduke, Prince Kinsky at Prince Lobkowitz ay nagtatag ng isang uri ng iskolarsip para sa kompositor, na ginawang tanyag ang Vienna ngunit hindi nakatanggap ng suporta mula sa mga awtoridad ng lungsod, at ang Archduke ay naging pinaka maaasahan sa tatlong patron.

Mga nakaraang taon.

Ang sitwasyon sa pananalapi ng kompositor ay bumuti nang husto. Hinanap ng mga publisher ang kanyang mga marka at kinomisyong mga gawa tulad ng Grand Piano Variations on a Waltz ni Diabelli (1823). Nang mamatay ang kanyang kapatid na si Kaspar noong 1815, ang kompositor ay naging isa sa mga tagapag-alaga ng kanyang sampung taong gulang na pamangkin na si Karl. Ang pag-ibig ni Beethoven sa batang lalaki, ang pagnanais na matiyak ang kanyang kinabukasan ay sumalungat sa kawalan ng tiwala ng kompositor para sa ina ni Karl; bilang isang resulta, siya ay patuloy na nakikipag-away sa pareho, at ang sitwasyong ito ay nagpinta ng isang trahedya na liwanag sa huling yugto ng kanyang buhay. Sa mga taon nang humingi ng buong pag-iingat si Beethoven, kakaunti ang kanyang komposisyon.

Halos buo na ang pagkabingi ni Beethoven. Noong 1819, kailangan niyang ganap na lumipat sa pakikipag-usap sa kanyang mga kausap gamit ang isang slate board o papel at lapis (ang tinatawag na Beethoven conversational notebook ay napanatili). Ganap na nahuhulog sa trabaho sa mga komposisyon tulad ng marilag na Solemn Mass sa D major (1818) o ang Ninth Symphony, kakaiba ang kanyang pag-uugali, na nagtanim ng alarma sa mga estranghero: "siya ay umawit, napaungol, tinatak ang kanyang mga paa, at sa pangkalahatan ay tila nagsasagawa ng isang mortal. pakikibaka sa hindi nakikitang kalaban" (Schindler). Ang mapanlikha huling quartets, ang huling limang piano sonata - engrande sa sukat, hindi pangkaraniwan sa anyo at estilo - tila sa maraming mga kontemporaryo ay mga gawa ng isang baliw. Gayunpaman, kinilala ng mga tagapakinig ng Viennese ang kadakilaan at kadakilaan ng musika ni Beethoven, naramdaman nila na nakikipag-ugnayan sila sa isang henyo. Noong 1824, sa panahon ng pagtatanghal ng Ninth Symphony kasama ang choral finale nito sa teksto ng ode ni Schiller na "For Joy", tumayo si Beethoven sa tabi ng conductor. Ang bulwagan ay nabihag ng malakas na kasukdulan sa dulo ng symphony, ang mga manonood ay naging ligaw, ngunit ang bingi na si Beethoven ay hindi lumingon. Kinailangan siyang hawakan ng isa sa mga mang-aawit at ipihit para harapin ang mga manonood upang yumuko ang kompositor.

Ang kapalaran ng iba pang mga susunod na gawa ay mas kumplikado. Lumipas ang maraming taon pagkatapos ng kamatayan ni Beethoven, at noon lamang nagsimulang gumanap ang pinaka-katanggap-tanggap na mga musikero ng kanyang huling quartets at huling sonata ng piano, na inihayag sa mga tao ang pinakamataas, pinakamagagandang tagumpay na ito ng Beethoven. Minsan ang huli na istilo ni Beethoven ay nailalarawan bilang mapagnilay-nilay, abstract, sa ilang mga kaso ay nagpapabaya sa mga batas ng euphony.

Namatay si Beethoven sa Vienna noong Marso 26, 1827 mula sa pneumonia na kumplikado ng jaundice at dropsy.

3. Ang gawa ni Beethoven sa piano

Ang legacy ng piano music ni Beethoven ay mahusay:

32 sonata;

22 variation cycles (kabilang sa mga ito - "32 variation in c-moll");

bagatelles, sayaw, rondos;

maraming maliliit na sanaysay.

Si Beethoven ay isang napakatalino na virtuoso pianist, nag-improvise sa anumang paksa na may hindi mauubos na talino. Sa mga pagtatanghal ng konsiyerto ni Beethoven, ang kanyang makapangyarihan, napakalaking kalikasan, ang napakalaking emosyonal na kapangyarihan ng pagpapahayag, ay napakabilis na nagsiwalat sa kanilang sarili. Ito ay hindi na ang estilo ng isang silid salon, ngunit ng isang malaking yugto ng konsiyerto, kung saan ang musikero ay maaaring magbunyag hindi lamang liriko, ngunit din monumental, kabayanihan mga imahe, na kung saan siya passionately gravitated. Sa lalong madaling panahon ang lahat ng ito ay malinaw na ipinakita sa kanyang mga komposisyon. Higit pa rito, ang sariling katangian ni Beethoven ay unang nahayag nang tumpak sa mga komposisyon ng piano. Nagsimula si Beethoven sa isang katamtamang klasikong istilo ng piano, na higit na nauugnay sa sining ng pagtugtog ng harpsichord, at nagtapos sa musika para sa modernong piano.

Mga makabagong pamamaraan ng istilo ng piano ni Beethoven:

extension sa limitasyon ng hanay ng tunog, sa gayon ay nagpapakita ng dating hindi kilalang nagpapahayag na paraan ng matinding rehistro. Samakatuwid - ang pakiramdam ng isang malawak na espasyo ng hangin, na nakamit sa pamamagitan ng paghahambing ng malalayong mga rehistro;

paglipat ng melody sa mababang mga rehistro;

ang paggamit ng napakalaking chords, rich texture;

pagpapayaman ng pedal technique.

Kabilang sa malawak na pamana ng piano ni Beethoven, namumukod-tangi ang kanyang 32 sonata. Naging parang piano symphony ang sonata ni Beethoven. Kung ang symphony para sa Beethoven ay ang globo ng mga monumental na ideya at malawak na "all-human" na mga problema, kung gayon sa mga sonata ay muling nilikha ng kompositor ang mundo ng mga panloob na karanasan at damdamin ng isang tao. Ayon kay B. Asafiev, “Ang mga sonata ni Beethoven ay ang buong buhay ng isang tao. Tila walang mga emosyonal na estado na hindi makakahanap ng kanilang pagmuni-muni dito sa isang paraan o iba pa.

Binabago ni Beethoven ang kanyang mga sonata sa diwa ng iba't ibang tradisyon ng genre:

symphony ("Appassionata");

mga pantasya ("Lunar");

overture ("Pathetic").

Sa isang bilang ng mga sonata, nadaig ni Beethoven ang klasikal na 3-bahaging pamamaraan, na naglalagay ng karagdagang bahagi - isang minuet o isang scherzo - sa pagitan ng mabagal na paggalaw at ang pangwakas, at sa gayon ay inihahalintulad ang sonata sa isang symphony. Kabilang sa mga huling sonata ay mayroong 2 bahagi.

Sonata No. 8, "Pathetic" (c-moll, 1798).

Ang pangalang "Pathetic" ay ibinigay mismo ni Beethoven, na tumpak na natukoy ang pangunahing tono na nangingibabaw sa musika ng gawaing ito. "Pathetic" - isinalin mula sa Greek. - madamdamin, nasasabik, puno ng kalungkutan. Dalawang sonata lamang ang kilala, na ang mga pangalan ay kay Beethoven mismo: "Pathetique" at "Farewell" (Es-dur, op. 81 a). Sa mga unang sonata ni Beethoven (bago ang 1802), si Pathetique ang pinaka-mature.

Sonata No. 14, "Liwanag ng Buwan" (cis-moll, 1801).

Ang pangalang "Lunar" ay ibinigay ng kontemporaryong makata ni Beethoven na si L. Relshtab (Schubert ay sumulat ng maraming kanta sa kanyang mga tula), dahil. ang musika ng sonata na ito ay nauugnay sa katahimikan, ang misteryo ng gabing naliliwanagan ng buwan. Si Beethoven mismo ang nagtalaga nito na "Sonata quasi una fantasia" (isang sonata, kumbaga, isang pantasiya), na nagbigay-katwiran sa muling pagsasaayos ng mga bahagi ng cycle:

Bahagi I - Adagio, nakasulat sa malayang anyo;

Part II - Allegretto sa isang prelude-improvisational na paraan;

Part III - Pangwakas, sa anyong sonata.

Ang orihinalidad ng komposisyon ng sonata ay dahil sa patula nitong intensyon. Isang espirituwal na drama, ang mga paglipat ng mga estado na dulot nito - mula sa malungkot na paglulubog sa sarili hanggang sa marahas na aktibidad.

I part (cis-moll) - mournful monologue-reflection. Nagpapaalala sa akin ng isang kahanga-hangang chorale, isang martsa ng libing. Tila, nakuha ng sonata na ito ang mood ng trahedya na kalungkutan na nagmamay-ari kay Beethoven sa oras ng pagbagsak ng kanyang pagmamahal kay Giulietta Guicciardi.

Kadalasan, ang pangalawang bahagi ng sonata (Des-dur) ay nauugnay sa kanyang imahe. Puno ng magagandang motif, ang paglalaro ng liwanag at anino, ang Allegretto ay lubhang naiiba sa unang kilusan at sa pangwakas. Ayon sa kahulugan ng F. Liszt, ito ay "isang bulaklak sa pagitan ng dalawang kalaliman."

Ang huling bahagi ng sonata ay isang bagyo na tumatakas sa lahat ng bagay sa kanyang landas, isang nagngangalit na elemento ng damdamin. Ang finale ng Lunar Sonata ay inaasahan ang Appassionata.

Sonata No. 21, "Aurora" (C-dur, 1804).

Sa gawaing ito, isang bagong mukha ni Beethoven ang nahayag, malayo sa marahas na hilig. Narito ang lahat ay humihinga nang may primordial na kadalisayan, kumikinang na may nakasisilaw na liwanag. Hindi nakakagulat na tinawag siyang "Aurora" (sa sinaunang mitolohiyang Romano - ang diyosa ng bukang-liwayway, kapareho ng Eos sa sinaunang Griyego.). "White Sonata" - Romain Rolland ang tawag dito. Lumilitaw dito ang mga larawan ng kalikasan sa lahat ng kanilang karilagan.

Bahagi I - monumental, tumutugma sa ideya ng isang maharlikang larawan ng pagsikat ng araw.

Ang Bahagi II R. Rolland ay itinalaga bilang "ang estado ng kaluluwa ni Beethoven sa mga mapayapang larangan."

Ang finale ay isang kasiyahan mula sa hindi masabi na kagandahan ng nakapaligid na mundo.

Sonata No. 23, "Appassionata" (f-moll, 1805).

Ang pangalang "Appassionata" (madamdamin) ay hindi kabilang sa Beethoven, ito ay naimbento ng Hamburg publisher na si Kranz. Ang galit ng mga damdamin, ang nagngangalit na daloy ng mga kaisipan at mga hilig ng tunay na titanic na kapangyarihan, ay nakapaloob dito sa klasikal na malinaw, perpektong mga anyo (mga hilig ay pinipigilan ng isang bakal na kalooban). Tinukoy ni R. Rolland ang "Appassionata" bilang "isang nagniningas na batis sa isang granite na timon." Nang tanungin ng estudyante ni Beethoven, si Schindler, ang kanyang guro tungkol sa nilalaman ng sonata na ito, sumagot si Beethoven, "Basahin ang The Tempest ni Shakespeare." Ngunit si Beethoven ay may sariling interpretasyon sa gawa ni Shakespeare: para sa kanya, ang titanic na labanan ng tao sa kalikasan ay nakakakuha ng isang malinaw na panlipunang pangkulay (ang pakikibaka laban sa paniniil at karahasan).

Ang Appassionata ay ang paboritong obra ni V. Lenin: “Wala akong alam na mas hihigit pa sa Appassionata, handa akong pakinggan ito araw-araw. Kamangha-manghang, hindi makatao na musika. Palagi kong ipinagmamalaki, marahil walang muwang, iniisip: ito ang mga himalang magagawa ng mga tao!

Ang sonata ay nagtatapos sa trahedya, ngunit sa parehong oras ang kahulugan ng buhay ay nakuha. Ang Appassionata ay naging unang "optimistic na trahedya" ni Beethoven. Ang hitsura sa code ng finale ng isang bagong imahe (isang episode sa ritmo ng isang napakabigat na sayaw ng masa), na may kahulugan ng isang simbolo sa Beethoven, ay lumilikha ng isang walang uliran na kaibahan ng pag-asa, isang pagmamadali sa liwanag at madilim na kawalan ng pag-asa .

Ang isa sa mga tampok na katangian ng "Appassionata" ay ang pambihirang dynamism nito, na pinalawak ang sukat nito sa napakalaking sukat. Ang paglago ng sonata allegro form ay nangyayari dahil sa pag-unlad na tumagos sa lahat ng mga seksyon ng anyo, kasama. at pagkakalantad. Ang pag-unlad mismo ay lumalaki sa napakalaking sukat at nang walang anumang caesura ay nagiging reprise. Ang coda ay nagiging pangalawang pag-unlad, kung saan naabot ang kasukdulan ng buong bahagi.

Ang mga sonata na lumitaw pagkatapos ng Appassionata ay minarkahan ang isang punto ng pagbabago, na nagmamarka ng isang pagliko patungo sa isang bago, huli na istilo ng Beethoven, na sa maraming aspeto ay inaasahan ang mga gawa ng mga romantikong kompositor noong ika-19 na siglo.

4. Symphonic na gawa ng Beethoven.

Si Beethoven ang unang nagbigay sa symphony ng pampublikong layunin, itinaas ito sa antas ng pilosopiya. Nasa symphony na ang rebolusyonaryo-demokratikong pananaw sa mundo ng kompositor ay kinatawan ng pinakamalalim.

Gumawa si Beethoven ng mga maringal na trahedya at drama sa kanyang mga symphonic na gawa. Ang symphony ni Beethoven, na tinutugunan sa malaking masa ng tao, ay may mga monumental na anyo. Kaya, ang I na bahagi ng "Heroic" symphony ay halos dalawang beses ang laki ng I na bahagi ng pinakamalaking symphony ni Mozart - "Jupiter", at ang napakalaking sukat ng 9th symphony ay karaniwang hindi matutumbasan sa alinman sa mga naunang nakasulat na symphonic na gawa. .

Hanggang sa edad na 30, si Beethoven ay hindi sumulat ng isang symphony. Ang anumang symphonic na gawa ni Beethoven ay ang bunga ng pinakamahabang paggawa. Kaya, ang "Heroic" ay nilikha 1.5 taon, ang Fifth Symphony - 3 taon, ang Ikasiyam - 10 taon. Karamihan sa mga symphony (mula sa Ikatlo hanggang Ika-siyam) ay nahuhulog sa panahon ng pinakamataas na pagtaas ng pagkamalikhain ni Beethoven.

Binubuo ng Symphony I ang mga paghahanap sa unang bahagi ng panahon. Ayon kay Berlioz, "ito ay hindi na Haydn, ngunit hindi pa Beethoven." Sa Ikalawa, Ikatlo at Ikalima - ipinahayag ang mga larawan ng rebolusyonaryong kabayanihan. Ang ikaapat, ikaanim, ikapito at ikawalo - ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang liriko, genre, scherzo-nakakatawa na mga tampok. Sa Ninth Symphony, bumalik si Beethoven sa huling pagkakataon sa tema ng trahedya na pakikibaka at optimistikong pagpapatibay sa buhay.

Pangatlong symphony, "Heroic" (1804).

Ang tunay na pamumulaklak ng gawa ni Beethoven ay nauugnay sa kanyang Third Symphony (ang panahon ng mature creativity). Ang hitsura ng gawaing ito ay nauna sa mga trahedya na kaganapan sa buhay ng kompositor - ang simula ng pagkabingi. Napagtanto na walang pag-asa para sa pagbawi, siya ay nahulog sa kawalan ng pag-asa, ang mga pag-iisip ng kamatayan ay hindi umalis sa kanya. Noong 1802, isinulat ni Beethoven ang kanyang kalooban sa kanyang mga kapatid, na kilala bilang Heiligenstadt.

Ito ay sa kakila-kilabot na sandali para sa artist na ang ideya ng ika-3 symphony ay ipinanganak at nagsimula ang isang espirituwal na punto ng pagbabago, kung saan nagsisimula ang pinakamabungang panahon sa malikhaing buhay ni Beethoven.

Ang gawaing ito ay sumasalamin sa pagkahilig ni Beethoven para sa mga mithiin ng Rebolusyong Pranses at Napoleon, na nagpakilala sa kanyang isipan ng imahe ng isang tunay na bayani. Pagkatapos ng symphony, tinawag itong "Buonaparte" ni Beethoven. Ngunit sa lalong madaling panahon ang balita ay dumating sa Vienna na binago ni Napoleon ang rebolusyon at ipinahayag ang kanyang sarili na emperador. Nang malaman ito, galit na galit si Beethoven at napabulalas: “Ordinaryong tao din ang isang ito! Ngayon ay tatapakan niya ang lahat ng karapatang pantao gamit ang kanyang mga paa, susundin lamang ang kanyang sariling ambisyon, ilalagay ang kanyang sarili sa lahat ng iba at magiging isang malupit! Ayon sa mga nakasaksi, pumunta si Beethoven sa mesa, hinawakan ang pahina ng pamagat, pinunit ito mula sa itaas hanggang sa ibaba at inihagis sa sahig. Kasunod nito, binigyan ng kompositor ang symphony ng isang bagong pangalan - "Heroic".

Sa Third Symphony, nagsimula ang isang bagong bagong panahon sa kasaysayan ng world symphony. Ang kahulugan ng gawain ay ang mga sumusunod: sa kurso ng isang titanic na pakikibaka, ang bayani ay namatay, ngunit ang kanyang gawa ay walang kamatayan.

Bahagi I - Allegro con brio (Es-dur). G.P. - ang imahe ng isang bayani at pakikibaka.

Bahagi II - martsa ng libing (c-moll).

III bahagi - Scherzo.

Bahagi IV - Pangwakas - isang pakiramdam ng lahat-lahat na kasiyahan ng mga tao.

Fifth Symphony, c-moll (1808).

Ang symphony na ito ay nagpapatuloy sa ideya ng kabayanihan na pakikibaka ng Third Symphony. "Sa pamamagitan ng kadiliman - sa liwanag", - ito ay kung paano tinukoy ni A. Serov ang konseptong ito. Hindi binigyan ng pamagat ng kompositor ang symphony na ito. Ngunit ang nilalaman nito ay nauugnay sa mga salita ni Beethoven, na sinabi niya sa isang liham sa isang kaibigan: "Hindi na kailangan ng pahinga! Wala akong ibang nakikilalang pahinga kundi ang pagtulog... Susunggaban ko ang tadhana sa lalamunan. Hindi niya ako magagawang baluktot." Ito ang ideya ng pakikipaglaban sa kapalaran at kapalaran na nagpasiya sa nilalaman ng Fifth Symphony.

Pagkatapos ng isang napakagandang epiko (Third Symphony), lumikha si Beethoven ng isang laconic na drama. Kung ang Ikatlo ay inihambing sa Iliad ni Homer, kung gayon ang Fifth Symphony ay inihambing sa klasikong trahedya at mga opera ni Gluck.

Ang ika-4 na bahagi ng symphony ay itinuturing bilang 4 na gawa ng trahedya. Ang mga ito ay magkakaugnay sa pamamagitan ng leitmotif kung saan nagsisimula ang gawain, at tungkol sa kung saan sinabi mismo ni Beethoven: "Kaya ang kapalaran ay kumakatok sa pintuan." Lubhang maikli, tulad ng isang epigraph (4 na tunog), ang temang ito ay binalangkas na may ritmo ng malakas na katok. Ito ay isang simbolo ng kasamaan, tragically invading sa buhay ng isang tao, bilang isang balakid na nangangailangan ng hindi kapani-paniwalang mga pagsisikap na pagtagumpayan.

Sa Bahagi I, naghahari ang tema ng rock.

Sa Part II, kung minsan ang kanyang "pag-tap" ay nakakaalarma.

Sa ikatlong bahagi - Allegro - (Beethoven dito tumanggi sa parehong tradisyonal na minuet at ang scherzo ("joke"), dahil ang musika dito ay nakakagambala at magkasalungat) - tunog na may bagong kapaitan.

Sa finale (holiday, triumphal march), ang rock theme ay parang alaala ng mga nakaraang dramatikong kaganapan. Ang pangwakas ay isang maringal na apotheosis, na umaabot sa kasukdulan nito sa isang coda na nagpapahayag ng matagumpay na pagsasaya ng masa na kinuha ng isang magiting na salpok.

Symphony No. 6, "Pastoral" (F-dur, 1808).

Kalikasan at pagsasama dito, isang pakiramdam ng kapayapaan ng isip, mga larawan ng katutubong buhay - ganyan ang nilalaman ng symphony na ito. Sa siyam na symphony ni Beethoven, ang Sixth ay ang tanging symphony ng programa; ay may iisang pamagat at ang bawat bahagi ay may pamagat na:

Bahagi I - "Masayang damdamin pagdating sa nayon"

II bahagi - "Tanawin sa tabi ng batis"

Part III - "Isang Maligayang Pagtitipon ng mga Nayon"

IV bahagi - "Bagyo"

Part V - “Awit ng Pastol. Awit ng pasasalamat sa diyos pagkatapos ng bagyo.

Sinikap ni Beethoven na maiwasan ang walang muwang na makasagisag at sa subtitle ng pamagat ay binigyang-diin - "mas isang pagpapahayag ng damdamin kaysa sa pagpipinta."

Ang kalikasan, tulad nito, ay pinagkasundo si Beethoven sa buhay: sa kanyang pagsamba sa kalikasan, hinahangad niyang makahanap ng limot mula sa mga kalungkutan at pagkabalisa, isang mapagkukunan ng kagalakan at inspirasyon. Ang Bingi na si Beethoven, na hiwalay sa mga tao, ay madalas na gumagala sa mga kagubatan sa labas ng Vienna: "Makapangyarihan! Masaya ako sa kagubatan kung saan ang bawat puno ay nagsasalita tungkol sa iyo. Doon, sa kapayapaan, mapaglilingkuran kita.”

Ang "pastoral" symphony ay madalas na itinuturing na isang nangunguna sa musikal na romanticism. Ang "libreng" interpretasyon ng symphonic cycle (5 bahagi, sa parehong oras, dahil ang huling tatlong bahagi ay ginanap nang walang pahinga - pagkatapos ay tatlong bahagi), pati na rin ang uri ng programmatic, inaasahan ang mga gawa ng Berlioz, Liszt at ibang mga romantiko.

Ninth Symphony (d-moll, 1824).

Ang ikasiyam na symphony ay isa sa mga obra maestra ng kulturang pangmusika ng mundo. Dito muling bumaling si Beethoven sa tema ng kabayanihan na pakikibaka, na tumatagal sa isang unibersal, unibersal na sukat. Sa mga tuntunin ng kadakilaan ng artistikong paglilihi, ang Ninth Symphony ay nalampasan ang lahat ng mga gawa na nilikha ni Beethoven bago ito. Hindi nakakagulat na isinulat ni A. Serov na "lahat ng mahusay na aktibidad ng makikinang na symphonist ay nakahilig sa" ikasiyam na alon ".

Ang kahanga-hangang etikal na ideya ng gawain - isang apela sa lahat ng sangkatauhan na may panawagan para sa pagkakaibigan, para sa pagkakaisa ng magkakapatid ng milyun-milyong - ay nakapaloob sa pangwakas, na siyang sentro ng semantiko ng symphony. Dito ipinakilala ni Beethoven ang koro at mga soloista sa unang pagkakataon. Ang pagtuklas na ito ng Beethoven ay ginamit nang higit sa isang beses ng mga kompositor noong ika-19-20 siglo (Berlioz, Mahler, Shostakovich). Gumamit si Beethoven ng mga linya mula sa Schiller's Ode to Joy (ang ideya ng kalayaan, kapatiran, kaligayahan ng sangkatauhan):

Ang mga tao ay magkakapatid sa kanilang sarili!

Yakap, milyon-milyon!

Sumanib sa kagalakan ng isa!

Kailangan ni Beethoven ng isang salita, dahil ang mga pathos ng oratoryo ay may mas mataas na kapangyarihan ng impluwensya.

Sa Ninth Symphony mayroong mga tampok ng programming. Sa finale, ang lahat ng mga tema ng mga nakaraang bahagi ay paulit-ulit - isang uri ng musikal na paliwanag ng ideya ng symphony, na sinusundan ng isang pandiwa.

Ang dramaturgy ng cycle ay kawili-wili din: una, dalawang mabilis na bahagi na may mga dramatikong imahe ang sumunod, pagkatapos ay ang ikatlong bahagi - mabagal at pangwakas. Kaya, ang lahat ng tuluy-tuloy na makasagisag na pag-unlad ay patuloy na umuusad patungo sa pangwakas - ang resulta ng pakikibaka sa buhay, na ang iba't ibang aspeto ay ibinigay sa mga naunang bahagi.

Ang tagumpay ng unang pagtatanghal ng Ninth Symphony noong 1824 ay matagumpay. Sinalubong ng limang palakpakan si Beethoven, habang ang pamilya ng imperyal, ayon sa etiketa, ay tatlong beses lang dapat binati. Hindi na narinig ng bingi na si Beethoven ang palakpakan. Nang iharap siya sa mga tagapakinig, nakita niya ang kasiyahang bumalot sa mga nakikinig.

Ngunit, sa lahat ng ito, ang pangalawang pagtatanghal ng symphony ay naganap makalipas ang ilang araw sa isang kalahating walang laman na bulwagan.

Mga Overture.

Sa kabuuan, ang Beethoven ay mayroong 11 na pag-uukol. Halos lahat ng mga ito ay lumitaw bilang isang pagpapakilala sa isang opera, ballet, dula sa teatro. Kung mas maaga ang layunin ng overture ay upang maghanda para sa pang-unawa ng isang musikal at dramatikong aksyon, pagkatapos ay sa Beethoven ang overture ay bubuo sa isang malayang gawain. Sa Beethoven, ang overture ay tumigil na maging isang panimula sa kasunod na aksyon at nagiging isang malayang genre, na napapailalim sa sarili nitong mga panloob na batas ng pag-unlad.

Ang pinakamahusay na mga pagpapasya ni Beethoven ay sina Coriolanus, Leonore No. 2, Egmont. Overture "Egmont" - batay sa trahedya ng Goethe. Ang tema nito ay ang pakikibaka ng mamamayang Dutch laban sa mga enslavers ng Espanyol noong ika-16 na siglo. Si Hero Egmont, na lumalaban para sa kalayaan, ay napahamak. Sa overture, muli, ang lahat ng pag-unlad ay gumagalaw mula sa kadiliman tungo sa liwanag, mula sa pagdurusa tungo sa kagalakan (tulad ng sa Fifth at Ninth Symphony).

Bibliograpiya

Adorno T. Beethoven's late style // MF. 1988, blg. 6.

Alschwang A. Ludwig van Beethoven. M., 1977.

Bryantseva V. Jean Philippe Rameau at ang French musical theater. M., 1981.

V.A. Mozart. Sa ika-200 anibersaryo ng kanyang kamatayan: Art. iba't ibang may-akda // SM 1991, blg. 12.

Ginzburg L., Grigoriev V. Kasaysayan ng sining ng biyolin. Isyu. 1. M., 1990.

Gozenpud A.A. Maikling Diksyunaryo ng Opera. Kiev, 1986.

Gruber R. I. Pangkalahatang kasaysayan ng musika. Bahagi 1. M., 1960.

Gurevich E. L. Kasaysayan ng banyagang musika: Mga sikat na lektura: Para sa mga mag-aaral. mas mataas at avg. ped. aklat-aralin mga establisyimento. M., 2000.

Druskin M. S. I. S. Bach. M., "Musika", 1982.

Kasaysayan ng banyagang musika. Isyu. 1. Hanggang sa kalagitnaan ng siglo XVIII / Comp. Rosenshild K. K. M., 1978.

Kasaysayan ng banyagang musika. Isyu. 2. Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo / Comp. Levik B.V. M., 1987.

Kasaysayan ng banyagang musika. Isyu. 3. Germany, Austria, Italy, France, Poland mula 1789 hanggang sa kalagitnaan ng XIX century / Comp. Konen V.D. M., 1989.

Kasaysayan ng banyagang musika. Isyu. 6 / Ed. Smirnova V. V. St. Petersburg, 1999.

Kabanova I. Guido d'Arezzo // Yearbook of Memorable Musical Dates and Events. M., 1990.

Konen V. Monteverdi. - M., 1971.

Levik B. Kasaysayan ng banyagang musika: Teksbuk. Isyu. 2. M.: Musika, 1980.

Livanova T. Kanlurang Europa na musika noong ika-17 - ika-18 siglo sa isang bilang ng mga sining. M., "Musika", 1977.

Livanova T. I. Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa hanggang 1789: Textbook. Sa 2 tomo T. 1. Pagsapit ng ika-18 siglo. M., 1983.

Lobanova M. Western European Musical Baroque: Mga Problema ng Aesthetics at Poetics. M., 1994.

Marchesi G. Opera. Gabay. Mula sa pinagmulan hanggang sa kasalukuyan. M., 1990.

Martynov VF Kulturang sining ng daigdig: Proc. allowance. - 3rd ed. - Minsk: TetraSystems, 2000.

Mathieu M.E. Kasaysayan ng sining ng Sinaunang Silangan. Sa 2 volume. T. 1 - L., 1941.

Milshtein, J. Bach's Well-Tempered Clavier at Mga Tampok ng Pagganap Nito. M., "Musika", 1967.

Mga aesthetics ng musika ng mga bansa sa Silangan / Karaniwan. ed. V.P. Shestakova. - L .: Musika, 1967.

Morozov S. A. Bakh. - 2nd ed. - M.: Mol. Guard, 1984. - (Buhay ng mga kapansin-pansing tao. Ser. biogr. Isyu 5).

Novak L. Joseph Haydn. M., 1973.

Opera librettos: Buod ng nilalaman ng mga opera. M., 2000.

Mula Lully hanggang sa kasalukuyan: Sab. mga artikulo /Comp. B. J. Konen. M., 1967.

Rolland R. Handel. M., 1984.

Rolland R. Gretry // Rolland R. Musical at historical heritage. Isyu. 3. M., 1988.

Rytsarev S.A. K.V. glitch. M., 1987.

Smirnov M. Emosyonal na mundo ng musika. M., 1990.

Mga malikhaing larawan ng mga kompositor. Popular na gabay. M., 1990.

Westrap J. Purcell. L., 1980.

Filimonova S.V. History of World Artistic Culture: Textbook para sa mga mag-aaral ng mga sekondaryang paaralan at unibersidad. Kab. 1-4. Mozyr, 1997, 1998.

Forkel IN Tungkol sa buhay, sining at mga gawa ni Johann Sebastian Bach. M., "Musika", 1974.

Hammerschlag J. Kung si Bach ay nag-iingat ng isang talaarawan. Budapest, Corvina, 1965.

Khubov G. N. Sebastian Bach. Ed. 4. M., 1963.

Schweitzer A. Johann Sebastian Bach. M., 1966.

Eskina N. Baroque // MF. 1991, blg. 1, 2.

http://www.musarticles.ru

Ang Bagatelle (French - "trinket") ay isang maliit na piraso ng musika na hindi mahirap itanghal, pangunahin para sa isang instrumento sa keyboard. Ang pangalan ay unang ginamit ni Couperin. Beethoven, Liszt, Sibelius, Dvorak wrote bagatelles.

Mayroong 4 na Leonora overture sa kabuuan. Ang mga ito ay isinulat bilang 4 na bersyon ng overture sa opera na Fidelio.

Si Beethoven ay sapat na mapalad na isinilang sa isang panahon na ganap na angkop sa kanyang kalikasan. Ito ay isang panahon na mayaman sa mga magagandang kaganapan sa lipunan, na ang pangunahin ay ang rebolusyonaryong kaguluhan sa France. Ang Great French Revolution, ang mga mithiin nito ay nagkaroon ng malakas na epekto sa kompositor - kapwa sa kanyang pananaw sa mundo at sa kanyang trabaho. Ang rebolusyon ang nagbigay kay Beethoven ng pangunahing materyal para sa pag-unawa sa "dialectics ng buhay."

Ang ideya ng isang kabayanihan na pakikibaka ay naging pinakamahalagang ideya ng gawain ni Beethoven, kahit na hindi ang isa lamang. Kahusayan, aktibong pagnanais para sa isang mas magandang kinabukasan, isang bayani sa pagkakaisa sa masa - ito ang inilalagay ng kompositor sa unahan. Ang ideya ng pagkamamamayan, ang imahe ng kalaban - isang manlalaban para sa mga mithiin ng republika, ay ginagawang nauugnay ang gawain ni Beethoven sa sining ng rebolusyonaryong klasisismo (kasama ang mga kabayanihan na pagpipinta ni David, mga opera ni Cherubini, rebolusyonaryong awit sa pagmamartsa). "Ang ating panahon ay nangangailangan ng mga taong may makapangyarihang espiritu," sabi ng kompositor. Mahalaga na inialay niya ang kanyang nag-iisang opera hindi sa nakakatawang Susana, ngunit sa matapang na Leonora.

Gayunpaman, hindi lamang mga kaganapan sa lipunan, kundi pati na rin ang personal na buhay ng kompositor ay nag-ambag sa katotohanan na ang kabayanihan na tema ay nauna sa kanyang trabaho. Pinagkalooban ng kalikasan si Beethoven ng isang matanong, aktibong isip ng isang pilosopo. Ang kanyang mga interes ay palaging hindi karaniwang malawak, pinalawak nila sa politika, panitikan, relihiyon, pilosopiya, natural na agham. Ang isang tunay na napakalawak na potensyal na malikhain ay sinalungat ng isang kakila-kilabot na karamdaman - pagkabingi, na, tila, ay maaaring magpakailanman na isara ang landas sa musika. Natagpuan ni Beethoven ang lakas upang labanan ang kapalaran, at ang mga ideya ng Resistance, Overcoming ang naging pangunahing kahulugan ng kanyang buhay. Sila ang "nagpeke" ng kabayanihan. At sa bawat linya ng musika ni Beethoven ay kinikilala natin ang lumikha nito - ang kanyang matapang na ugali, walang humpay na kalooban, kawalang-kilos sa kasamaan. Binumula ni Gustav Mahler ang ideyang ito tulad ng sumusunod: "Ang mga salita na sinasabing sinabi ni Beethoven tungkol sa unang tema ng Fifth Symphony - "Kaya ang kapalaran ay kumatok sa pintuan" ... para sa akin na malayo sa pag-ubos ng napakalaking nilalaman nito. Sa halip, maaari niyang sabihin tungkol sa kanya: "Ako ito."

Periodization ng malikhaing talambuhay ni Beethoven

• I - 1782-1792 - Panahon ng Bonn. Ang simula ng malikhaing landas.
• II - 1792-1802 - Maagang panahon ng Viennese.
• III - 1802-1812 - Gitnang panahon. Oras para sa pagkamalikhain.
• IV - 1812-1815 - Transisyonal na taon.
• V - 1816-1827 - Huling panahon.

Pagkabata at mga unang taon ng Beethoven

Ang pagkabata at mga unang taon ni Beethoven (hanggang sa taglagas ng 1792) ay konektado kay Bonn, kung saan siya isinilang sa Disyembre 1770 ng taon. Ang kanyang ama at lolo ay mga musikero. Malapit sa hangganan ng Pransya, ang Bonn ay isa sa mga sentro ng kaliwanagan ng Aleman noong ika-18 siglo. Noong 1789, isang unibersidad ang binuksan dito, kabilang sa mga dokumentong pang-edukasyon kung saan natagpuan ang grade book ni Beethoven.

Sa maagang pagkabata, ang propesyonal na edukasyon ni Beethoven ay ipinagkatiwala sa madalas na pagbabago, "hindi sinasadya" na mga guro - mga kakilala ng kanyang ama, na nagbigay sa kanya ng mga aralin sa pagtugtog ng organ, harpsichord, flute, at violin. Nang matuklasan ang pambihirang talento sa musika ng kanyang anak, nais ng kanyang ama na gawin siyang isang child prodigy, isang "pangalawang Mozart" - isang mapagkukunan ng malaki at patuloy na kita. Sa layuning ito, siya mismo, at ang kanyang mga kaibigan sa kapilya na inimbitahan niya, ay kumuha ng teknikal na pagsasanay ng maliit na Beethoven. Napilitan siyang magpraktis ng piano kahit sa gabi; gayunpaman, ang mga unang pampublikong pagtatanghal ng batang musikero (noong 1778, ang mga konsyerto ay inayos sa Cologne) ay hindi nagbigay-katwiran sa mga komersyal na plano ng kanyang ama.

Si Ludwig van Beethoven ay hindi naging isang child prodigy, ngunit natuklasan niya ang kanyang talento bilang isang kompositor nang maaga. Malaki ang impluwensya niya Christian Gottlieb Nefe Si , na nagturo sa kanya ng komposisyon at pagtugtog ng organ mula sa edad na 11, ay isang taong may advanced na aesthetic at political convictions. Bilang isa sa mga pinaka-edukadong musikero sa kanyang panahon, ipinakilala ni Nefe si Beethoven sa mga gawa nina Bach at Handel, nagpapaliwanag sa kanya sa mga usapin ng kasaysayan, pilosopiya, at, higit sa lahat, pinalaki siya sa diwa ng malalim na paggalang sa kanyang katutubong kulturang Aleman. . Bilang karagdagan, si Nefe ay naging unang publisher ng 12-taong-gulang na kompositor, na nag-publish ng isa sa kanyang mga unang gawa - Mga Pagkakaiba-iba ng Piano sa Marso ni Dressler(1782). Ang mga pagkakaiba-iba na ito ay naging unang nakaligtas na gawain ni Beethoven. Tatlong piano sonata ang nakumpleto noong sumunod na taon.

Sa oras na ito, nagsimula na si Beethoven na magtrabaho sa orkestra sa teatro at humawak ng posisyon ng katulong na organista sa kapilya ng korte, at ilang sandali ay nagtrabaho din siya bilang mga aralin sa musika sa mga maharlikang pamilya (dahil sa kahirapan ng pamilya, siya ay napilitang pumasok sa serbisyo nang napakaaga). Samakatuwid, hindi siya nakatanggap ng isang sistematikong edukasyon: nag-aral lamang siya hanggang sa edad na 11, sumulat nang may mga pagkakamali sa buong buhay niya at hindi kailanman naiintindihan ang mga lihim ng pagpaparami. Gayunpaman, salamat sa kanyang sariling pagtitiyaga, nagawa ni Beethoven na maging isang edukadong tao: nakapag-iisa siyang pinagkadalubhasaan ang Latin, Pranses at Italyano, patuloy na nagbabasa ng maraming.

Nangangarap na mag-aral kasama si Mozart, noong 1787 ay bumisita si Beethoven sa Vienna at nakilala ang kanyang idolo. Si Mozart, pagkatapos makinig sa improvisasyon ng binata, ay nagsabi: “Bigyang-pansin siya; balang araw gagawin niya ang mundo na pag-usapan siya." Nabigo si Beethoven na maging isang mag-aaral ng Mozart: dahil sa nakamamatay na sakit ng kanyang ina, napilitan siyang agarang bumalik sa Bonn. Doon siya nakahanap ng moral na suporta sa isang napaliwanagan ang Braining family.

Ang mga ideya ng Rebolusyong Pranses ay masigasig na tinanggap ng mga kaibigang Bonn ni Beethoven at nagkaroon ng malakas na impluwensya sa pagbuo ng kanyang mga demokratikong paniniwala.

Ang talento ni Beethoven bilang isang kompositor ay hindi umunlad nang kasing bilis ng kahanga-hangang talento ni Mozart. Medyo mabagal ang pag-compose ni Beethoven. Para sa 10 taon ng unang - Bonn panahon (1782-1792) 50 mga gawa ang isinulat, kabilang ang 2 cantatas, ilang piano sonata (tinatawag na ngayon na sonatinas), 3 piano quartets, 2 trio. Karamihan sa pagkamalikhain ng Bonn ay binubuo din ng mga variation at mga kanta na nilalayon para sa amateur music-making. Kabilang sa mga ito ang kilalang kantang "Marmot".

Maagang panahon ng Viennese (1792-1802)

Sa kabila ng pagiging bago at ningning ng mga komposisyon ng kabataan, naunawaan ni Beethoven na kailangan niyang mag-aral nang seryoso. Noong Nobyembre 1792, sa wakas ay umalis siya sa Bonn at lumipat sa Vienna, ang pinakamalaking sentro ng musika sa Europa. Dito siya nag-aral ng counterpoint at komposisyon sa I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger at A. Salieri . Kasabay nito, nagsimulang gumanap si Beethoven bilang isang pianista at sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng katanyagan bilang isang hindi maunahang improviser at ang pinakamaliwanag na birtuoso.

Ang batang birtuoso ay tinangkilik ng maraming kilalang mahilig sa musika - K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, ang embahador ng Russia na si A. Razumovsky at iba pa, ang mga sonata ni Beethoven, trios, quartets, at kalaunan kahit na ang mga symphony ay tumunog sa unang pagkakataon sa kanilang mga salon. Ang kanilang mga pangalan ay makikita sa mga dedikasyon ng marami sa mga gawa ng kompositor. Gayunpaman, ang paraan ng pakikitungo ni Beethoven sa kanyang mga parokyano ay halos hindi naririnig noong panahong iyon. Nagmamalaki at nagsasarili, hindi niya pinatawad ang sinuman sa mga pagtatangka na hiyain ang kanyang dignidad bilang tao. Ang mga maalamat na salita na ibinato ng kompositor sa patron na nang-insulto sa kanya ay kilala: "Nagkaroon at magkakaroon ng libu-libong mga prinsipe, si Beethoven ay isa lamang." Hindi mahilig magturo, si Beethoven ay gayunpaman ang guro nina K. Czerny at F. Ries sa piano (na kalaunan ay nanalo ng katanyagan sa Europa) at ang Archduke Rudolf ng Austria sa komposisyon.

Sa unang dekada ng Viennese, pangunahing isinulat ni Beethoven ang piano at chamber music: 3 piano concerto at 2 dosenang piano sonata, 9(sa 10) violin sonatas(kabilang ang No. 9 - "Kreutzer"), 2 cello sonata, 6 string quartets, isang bilang ng mga ensemble para sa iba't ibang mga instrumento, ang ballet na "The Creations of Prometheus".

Sa simula ng ika-19 na siglo, nagsimula rin ang symphonic work ni Beethoven: noong 1800 natapos niya ang kanyang Unang symphony, at noong 1802 - pangalawa. Kasabay nito, isinulat ang kanyang nag-iisang oratorio na "Christ on the Mount of Olives". Ang mga unang palatandaan ng isang walang lunas na sakit na lumitaw noong 1797 - ang progresibong pagkabingi at ang pagsasakatuparan ng kawalan ng pag-asa ng lahat ng mga pagtatangka na gamutin ang sakit na humantong sa Beethoven sa isang mental na krisis noong 1802, na makikita sa sikat na dokumento - "Heiligenstadt Testament" . Ang pagkamalikhain ay ang paraan sa labas ng krisis: "... Hindi sapat para sa akin na magpakamatay," isinulat ng kompositor. - "Tanging ito, sining, iningatan ako nito."

Sentrong panahon ng pagkamalikhain (1802-1812)

1802-12 - ang panahon ng makikinang na pamumulaklak ng henyo ng Beethoven. Ang mga ideya ng pagtagumpayan sa pagdurusa sa pamamagitan ng lakas ng espiritu at ang tagumpay ng liwanag sa kadiliman, na malalim na dinanas niya, pagkatapos ng isang matinding pakikibaka, ay naging kaayon ng mga ideya ng Rebolusyong Pranses. Ang mga ideyang ito ay nakapaloob sa ika-3 ("Heroic") at Fifth symphony, sa opera na "Fidelio", sa musika para sa trahedya ni J. W. Goethe "Egmont", sa Sonata - No. 23 ("Appassionata").

Sa kabuuan, nilikha ng kompositor sa mga taong ito:

anim na symphony (mula No. 3 hanggang No. 8), quartets Nos. 7-11 at iba pang chamber ensembles, opera Fidelio, piano concertos 4 at 5, Violin Concerto, pati na rin ang Triple Concerto para sa violin, cello at piano at orkestra.

Mga taon ng paglipat (1812-1815)

1812-15 taon - isang punto ng pagbabago sa pampulitika at espirituwal na buhay ng Europa. Ang panahon ng mga digmaang Napoleoniko at ang pag-usbong ng kilusang pagpapalaya ay sinundan ng Kongreso ng Vienna (1814-15), pagkatapos nito ay tumindi ang mga tendensyang reaksyunaryo-monarkista sa patakarang panloob at panlabas ng mga bansang Europeo. Ang istilo ng heroic classicism ay nagbigay daan sa romantikismo, na naging nangungunang uso sa panitikan at nagawang ipakilala ang sarili sa musika (F. Schubert). Nagbigay pugay si Beethoven sa matagumpay na pagsasaya sa pamamagitan ng paglikha ng isang kamangha-manghang symphonic fantasy na "The Battle of Vittoria" at ang cantata na "Happy Moment", ang mga premiere kung saan ay nag-time na nag-tutugma sa Kongreso ng Vienna at nagdala kay Beethoven ng hindi nabalitaang tagumpay. Gayunpaman, ang ibang mga akda ng 1813-17 ay sumasalamin sa patuloy at kung minsan ay masakit na paghahanap ng mga bagong paraan. Sa oras na ito, ang cello (No. 4, 5) at piano (No. 27, 28) na sonata ay isinulat, ilang dosenang mga pag-aayos ng mga kanta ng iba't ibang bansa para sa boses na may ensemble, ang unang vocal cycle sa kasaysayan ng genre. "Sa Malayong Minamahal"(1815). Ang estilo ng mga gawang ito ay eksperimental, na may maraming mapanlikhang pagtuklas, ngunit hindi palaging kasing-tibay ng panahon ng "rebolusyonaryong klasisismo".

Huling panahon (1816-1827)

Ang huling dekada ng buhay ni Beethoven ay napinsala kapwa ng pangkalahatang mapang-aping pampulitika at espirituwal na kapaligiran sa Metternich's Austria, at ng mga personal na paghihirap at kaguluhan. Ang pagkabingi ng kompositor ay naging ganap; mula noong 1818, napilitan siyang gumamit ng "mga kuwadernong pang-usap", kung saan ang mga kausap ay sumulat ng mga tanong na naka-address sa kanya. Ang pagkawala ng pag-asa para sa personal na kaligayahan (ang pangalan ng "imortal na minamahal", kung kanino ang liham ng paalam ni Beethoven noong Hulyo 6-7, 1812 ay nananatiling hindi kilala; ang ilang mga mananaliksik ay itinuturing siyang J. Brunswick-Deim, ang iba pa - A. Brentano) , pinangalagaan ni Beethoven ang pagpapalaki sa kanyang pamangkin na si Karl, ang anak ng kanyang nakababatang kapatid na namatay noong 1815. Ito ay humantong sa isang pangmatagalang (1815-20) legal na labanan sa ina ng batang lalaki tungkol sa mga karapatan sa nag-iisang kustodiya. Isang may kakayahan ngunit walang kuwentang pamangkin ang nagbigay kay Beethoven ng labis na kalungkutan.

Kasama sa huling panahon ang huling 5 quartets (Blg. 12-16), "33 Variations on a Waltz by Diabelli", piano Bagatelles op. 126, dalawang sonata para sa cello op.102, fugue para sa string quartet, Lahat ng mga gawang ito nang husay iba sa lahat ng nauna. Hinahayaan ka nitong pag-usapan ang tungkol sa istilo huli na Beethoven, na may malinaw na pagkakahawig sa istilo ng mga romantikong kompositor. Ang ideya ng pakikibaka sa pagitan ng liwanag at kadiliman, sa gitna ng Beethoven, ay nakuha sa kanyang huling gawain nang mariin. pilosopikal na tunog. Ang tagumpay sa pagdurusa ay hindi na ibinibigay sa pamamagitan ng kabayanihan na pagkilos, kundi sa pamamagitan ng paggalaw ng diwa at pag-iisip.

Noong 1823 natapos si Beethoven "Solemne na Misa", na siya mismo ay itinuturing na kanyang pinakadakilang gawain. Ang Solemne Mass ay unang ginanap noong Abril 7, 1824 sa St. Petersburg. Pagkalipas ng isang buwan, naganap ang huling konsiyerto ng benepisyo ni Beethoven sa Vienna, kung saan, bilang karagdagan sa mga bahagi mula sa misa, ang kanyang huling, Ikasiyam na Symphony na may huling koro sa mga salita ng "Ode to Joy" ni F. Schiller. Ang ikasiyam na symphony na may huling tawag - Yakapin, milyun-milyon! - naging ideolohikal na testamento ng kompositor sa sangkatauhan at nagkaroon ng malakas na impluwensya sa symphony noong ika-19 at ika-20 siglo.

Tungkol sa mga tradisyon

Karaniwang binabanggit si Beethoven bilang isang kompositor na, sa isang banda, ay kumukumpleto sa panahon ng klasiko sa musika, at sa kabilang banda, ay nagbibigay daan para sa romantikismo. Sa pangkalahatan, ito ay totoo, ngunit ang kanyang musika ay hindi ganap na nakakatugon sa mga kinakailangan ng alinmang istilo. Ang kompositor ay napakaraming nalalaman na walang mga tampok na pangkakanyahan ang sumasaklaw sa kabuuan ng kanyang malikhaing imahe. Minsan sa parehong taon ay lumikha siya ng mga gawa na magkaiba sa isa't isa na napakahirap na makilala ang mga pagkakatulad sa pagitan nila (halimbawa, ang ika-5 at ika-6 na symphony, na unang ginanap sa isang konsiyerto noong 1808). Kung ihahambing natin ang mga gawa na nilikha sa iba't ibang mga panahon, halimbawa, sa maaga at mature, o mature at late, kung gayon ang mga ito ay minsan ay itinuturing na mga likha ng iba't ibang artistikong panahon.

Kasabay nito, ang musika ni Beethoven, para sa lahat ng pagiging bago nito, ay hindi maiiwasang nauugnay sa nakaraang kultura ng Aleman. Ito ay hindi mapag-aalinlanganang naiimpluwensyahan ng pilosopikal na liriko ni J.S. Bach, ang mga mataimtim na magiting na larawan ng mga oratorio ni Handel, mga opera ni Gluck, na mga gawa nina Haydn at Mozart. Ang musikal na sining ng ibang mga bansa ay nag-ambag din sa pagbuo ng istilo ni Beethoven, pangunahin ang France, ang mga mass revolutionary genre nito, na napakalayo sa galanteng sensitibong istilo noong ika-18 siglo. Ang mga pandekorasyon na dekorasyon, detensyon, malambot na pagtatapos na tipikal sa kanya ay isang bagay ng nakaraan. Maraming mga fanfare-marching na tema ng mga komposisyon ni Beethoven ay malapit sa mga kanta at himno ng French Revolution. Malinaw nilang inilalarawan ang mahigpit, marangal na pagiging simple ng musika ng kompositor, na gustong ulitin: "Palaging mas madali."

Upang Mga kompositor ng Vienna Classical School

Kapag ngayon ay pinag-uusapan nila ang tungkol sa klasiko sa sining ng musika, sa karamihan ng mga kaso ang ibig nilang sabihin ay ang gawain ng mga kompositor ng ika-18 siglo. - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart at L. van Beethoven, na tinatawag nating Mga klasikong Vienna o mga kinatawan Vienna Classical School. Ang bagong direksyong ito sa musika ay naging isa sa pinakamabunga sa kasaysayan ng kultura ng musika.

Ang pambansang kulturang musikal ng Austrian noong panahong iyon ay naging isang kahanga-hangang kapaligiran para sa paglikha ng gayong layer sa musikal na sining na tumutugma sa mga bagong ideya at mood. Ang mga klasikal na kompositor ng Viennese ay hindi lamang nagawang ibuod ang lahat ng pinakamahusay na nakamit ng musikang Europeo, kundi pati na rin upang isama ang mga aesthetic na mithiin ng Enlightenment sa musika, upang gumawa ng kanilang sariling mga malikhaing pagtuklas. Ang pinakamataas na tagumpay ng kultura ng musika noong panahong iyon ay ang pagbuo ng mga klasikal na genre ng musika at ang mga prinsipyo ng symphonism sa mga gawa ni J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart at L. van Beethoven.

Haydn Classical Symphony

Sa kasaysayan ng kultura ng musika sa mundo Joseph Haydn(1732-1809) ay pumasok bilang tagalikha ng klasikal na simponya. Mayroon din siyang merito sa paglikha ng instrumental na musika at pagbuo ng isang matatag na komposisyon ng symphony orchestra.

Tunay na nakamamanghang ang creative legacy ni Haydn! Siya ang may-akda ng 104 symphony, 83 string quartets, 52 clavier sonatas, 24 na opera... Bilang karagdagan, lumikha siya ng 14 na masa at ilang oratorio. Sa lahat ng isinulat ng sikat na kompositor ng Austrian, madarama ng isang tao ang hindi maunahang talento at napakatalino na kasanayan. Hindi nagkataon na ang kanyang hindi gaanong sikat na kababayan at kaibigan na si Mozart ay nagsabi nang may paghanga:

"Walang sinuman ang magagawa ang lahat: biro at pagkabigla, maging sanhi ng pagtawa at malalim na pagpindot, at lahat ay pantay na mabuti, tulad ng magagawa ni Haydn."

Ang mga gawa ni Haydn sa panahon ng buhay ng kompositor ay nakakuha ng katanyagan sa Europa at nararapat na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang musika ni Hayd ay "ang musika ng kagalakan at paglilibang", puno ito ng optimismo at aktibong enerhiya, magaan at natural, liriko at pino. Ang pagbuo ng pantasya ni Haydn ay tila walang hangganan. Ang kanyang musika ay mayaman sa mga contrast, pause at hindi inaasahang mga sorpresa. Kaya, sa ika-94 na symphony (1791), sa gitna ng ikalawang bahagi, kapag ang musika ay tunog ng kalmado at tahimik, ang malalakas na beats ng timpani ay biglang narinig para lamang ang manonood ay "hindi nababato" ...

Ang mga symphony ni Haydn ang tunay na rurok ng kanyang gawa. Hindi agad nahugis ang musikal na anyo ng symphony. Sa una, ang bilang ng mga bahagi nito ay iba-iba, at si Haydn lamang ang nakagawa ng klasikal na uri nito sa apat na bahagi, na ang bawat isa ay naiiba sa likas na katangian ng tunog ng musika, tempo at mga pamamaraan ng pagbuo ng tema. Kasabay nito, ang apat na magkakaibang bahagi ng symphony ay magkatugma sa bawat isa.

Ang unang bahagi ng symphony (Greek symphonia - consonance) ay karaniwang ginanap sa isang mabilis, mapusok na tulin. Ito ay aktibo at dramatiko, kadalasang naghahatid ng pangunahing salungatan ng dalawang larawan-tema. Sa isang pangkalahatang anyo, naihatid nito ang kapaligiran ng buhay ng pangunahing tauhan. Ang pangalawa - mabagal, liriko, inspirasyon ng pagmumuni-muni ng magagandang larawan ng kalikasan - natagos sa panloob na mundo ng bayani. Nagagawa nitong pukawin ang mga pagmuni-muni sa kaluluwa, matamis na panaginip at pangarap ng mga alaala. Sa ikatlo, na nagsasabi tungkol sa mga oras ng paglilibang at pahinga ng bayani, ang kanyang pakikipag-usap sa mga tao, live, mobile na musika ay tumunog, sa una ay umaakyat sa mga ritmo nito sa minuet - isang kalmadong sayaw ng salon noong ika-18 siglo, kalaunan - sa scherzo - isang masayang musika sa sayaw - wika ng isang mapaglarong kalikasan. Ang mabilis na ika-apat na bahagi ay nagbubuod ng mga saloobin ng bayani sa isang kakaibang paraan, na binibigyang-diin ang pangunahing bagay sa kanyang pag-unawa sa kahulugan ng buhay ng tao. Sa anyo, ito ay kahawig ng isang rondo na may mga kahalili ng pare-parehong tema - isang refrain (refrain) at patuloy na na-update na mga episode.

Ang pangkalahatang katangian ng musika ng mga symphony ni Haydn ay matalinghaga at patula na ipinahayag ng Aleman na manunulat na si E. T. A. Hoffmann (1776-1822):

“Sa mga akda ni Haydn, nangingibabaw ang pagpapahayag ng isang parang bata na masayang kaluluwa; ang kanyang mga symphony ay humahantong sa amin sa walang hangganang berdeng mga kakahuyan, sa isang masasayang pulutong ng mga masasayang tao, bago kaming mga kabataang lalaki at babae ay nagmamadali sa mga sayaw ng koro; tumatawa ang mga bata na nagtatago sa likod ng mga puno, sa likod ng mga palumpong ng rosas, mapaglarong naghahagis ng mga bulaklak. Isang buhay na puno ng pag-ibig, puno ng kaligayahan at walang hanggang kabataan, tulad ng bago ang pagkahulog; walang pagdurusa, walang kalungkutan - tanging isang matamis na elegiac na pagnanais para sa isang minamahal na imahe na nagmamadali sa malayo sa kulay rosas na kinang ng gabi, hindi lumalapit o nawawala, at habang siya ay naroroon, ang gabi ay hindi dumarating, dahil siya mismo ang gabi. bukang-liwayway, nasusunog sa ibabaw ng bundok at sa kakahuyan.

Sa symphonic music, madalas na ginagamit ni Haydn ang technique ng onomatopoeia: birdsong, ang murmur ng isang stream, nagbigay ng nakikitang sketches ng pagsikat ng araw, "portraits" ng mga hayop. Ang musika ng kompositor ay sumisipsip ng Slovak, Czech, Croatian, Ukrainian, Tyrolean, Hungarian, gypsy melodies at ritmo. Walang kalabisan at random sa musika ni Haydn; ito ay nakakaakit ng mga tagapakinig sa kanyang kagandahan, kagaanan at kagandahang-loob.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, nilikha ni Haydn ang kanyang pinakamahalagang mga gawa sa musika. Sa labindalawang "London Symphonies", na isinulat noong 1790s. Humanga sa train-doc papuntang London, ang pilosopiya ng buhay at pananaw sa mundo ng kompositor ay natagpuang ekspresyon. Sa ilalim ng impluwensya ng musika ni Handel, lumikha siya ng dalawang marilag na oratorio - " paglikha ng mundo"(1798) at "Mga Season"(1801), na nagpapataas ng maingay na katanyagan ng kompositor.

Ginugol ni Haydn ang mga huling taon ng kanyang buhay sa pag-iisa, sa isang maliit na bahay sa labas ng Vienna. Halos wala siyang naisulat. Mas madalas na nagpapakasawa siya sa mga alaala ng kanyang buhay, puno ng matapang na gawain at mga eksperimentong paghahanap.

Ang musikal na mundo ng Mozart

Daan Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) sa musika ay nagsimula nang maliwanag at maningning. Mula sa pinakamaagang mga taon ng kanyang buhay, ang kanyang pangalan ay naging isang alamat. Sa edad na apat, inabot siya ng kalahating oras upang matutunan ang minuet at agad itong laruin. Sa edad na anim, siya, kasama ang kanyang ama na si Leopold Mozart, isang mahuhusay na musikero sa kapilya ng Arsobispo ng Salzburg, ay naglibot sa Europa na may mga konsyerto. Sa labing-isang binubuo niya ang kanyang unang opera, at sa labing-apat na siya ay nagsagawa ng premiere ng kanyang sariling opera sa teatro sa Milan. Sa parehong taon natanggap niya ang honorary title ng Academician of Music of Bologna.

Gayunpaman, ang karagdagang buhay ng mahuhusay na kompositor ay hindi madali. Ang posisyon ng isang musikero sa korte ay hindi gaanong naiiba sa posisyon ng isang obliging footman na tumupad sa anumang kapritso ng kanyang amo. Hindi ito ang katangian ni Mozart, isang malaya at determinadong tao, na pinahahalagahan ang karangalan at dignidad higit sa lahat sa kanyang buhay. Sa pagdaan sa maraming pagsubok sa buhay, hindi niya binago ang kanyang mga pananaw at paniniwala sa anumang bagay.

Pumasok si Mozart sa kasaysayan ng kultura ng musika bilang isang makikinang na kompositor ng symphonic music, ang lumikha ng classical na genre ng concerto, ang may-akda ng Requiem at dalawampung opera, kabilang ang dalawampung opera, kung saan ang Le nozze di Figaro, Don Juan at The Magic Flute. Binibigyang-diin ang kahalagahan ng kanyang malikhaing pamana, nais kong ulitin kasama si A. S. Pushkin:

“Ikaw, Mozart, ay Diyos, at ikaw mismo

hindi mo alam..."

Sa sining ng opera, sinira ni Mozart ang kanyang sariling landas, naiiba sa kanyang mga sikat na nauna at kapanahon. Bihirang gumamit ng mga paksang mitolohiya, higit na bumaling siya sa mga mapagkukunang pampanitikan: mga alamat sa medieval at mga dula ng mga sikat na manunulat ng dula. Si Mozart ang unang pinagsama ang dramatiko at komiks sa isang opera. Sa kanyang mga operatikong gawa ay walang malinaw na paghahati ng mga karakter sa positibo at negatibo; ang mga karakter ngayon at pagkatapos ay nakuha sa iba't ibang mga sitwasyon sa buhay, kung saan ang kakanyahan ng kanilang mga karakter ay nagpakita mismo.

Ibinigay ni Mozart ang pangunahing kahalagahan sa musika, at hindi itinampok ang papel ng tunog na salita. Ang kanyang malikhaing prinsipyo ay ang kanyang sariling mga salita na "ang tula ay dapat na masunuring anak na babae ng musika." Sa mga opera ni Mozart, tumaas ang papel ng orkestra, sa tulong kung saan naipahayag ng may-akda ang kanyang saloobin sa mga tauhan. Kadalasan ay nagpakita siya ng pakikiramay sa mga negatibong karakter, at hindi siya tutol na tawanan nang taimtim ang mga positibo.

"Ang Kasal ni Figaro"(1786) ay batay sa dula ng French playwright na si Beaumarchais (1732-1799) Crazy Day, o The Marriage of Figaro. Malaki ang panganib ni Mozart sa pamamagitan ng pagpili na magtanghal ng isang censored na dula. Ang resulta ay isang masayang opera sa istilo ng Italian comic buff opera. Ang masigla at magaan na musika na tumutunog sa gawaing ito ay nagdulot ng seryosong pag-iisip sa mga manonood tungkol sa buhay. Ang isa sa mga unang biographer ng kompositor ay tumpak na nabanggit:

"Pinagsama-sama ni Mozart ang komiks at ang liriko, ang mababa at ang kahanga-hanga, ang nakakatawa at nakakaantig, at lumikha ng isang nilikhang hindi pa nagagawa sa pagiging bago nito - "The Marriage of Figaro"."

Ang barbero na si Figaro, isang lalaking walang pamilya o tribo, na may tuso at katalinuhan ay tinalo ang tanyag na Count Al-maviva, na hindi tumitigil sa paghagupit ng isang ordinaryong tao para sa nobya. Ngunit mahusay na pinagkadalubhasaan ni Figaro ang moral ng pinakamataas na lipunan, at samakatuwid ay hindi siya malinlang ng mga pinong kilos at pandiwang mga sapot ng gagamba. Ipinaglalaban niya ang kanyang kaligayahan hanggang sa huli.

sa opera "Don Juan"(1787) ang trahedya at ang komiks, ang hindi kapani-paniwala at ang tunay, ay hindi gaanong mahigpit na magkakaugnay. Si Mozart mismo ang nagbigay dito ng subtitle na "Merry Drama". Dapat bigyang-diin na ang tema ng Don Juanism ay hindi bago sa musika, ngunit si Mozart ay nakahanap ng mga espesyal na diskarte sa paglalahad nito. Kung kanina ay nakatuon ang pansin ng mga kompositor sa mga mapangahas na pakikipagsapalaran at pakikipagsapalaran sa pag-ibig ni Don Juan, ngayon ay ipinakita sa mga manonood ang isang kaakit-akit na lalaki, puno ng mapang-akit na tapang, maharlika at tapang. Sa malaking pakikiramay, nag-react din si Mozart sa pagsisiwalat ng mga emosyonal na karanasan ng mga babaeng nasaktan ni Don Juan, na naging biktima ng kanyang pag-iibigan. Ang mga seryoso at marilag na aria ng Kumander ay napalitan ng masasaya at pilyong himig ng tusong matalinong si Leporello, ang lingkod ni Don Juan.

"Ang musika ng opera ay puno ng paggalaw, kinang, hindi pangkaraniwang dinamiko at maselan. Naghahari ang Melody sa gawaing ito - nababaluktot, nagpapahayag, nakakaakit sa pagiging bago at kagandahan nito. Ang marka ay puno ng kahanga-hanga, mahusay na dinisenyo na mga ensemble, kahanga-hangang arias, na nagbibigay sa mga mang-aawit ng pinakamalawak na pagkakataon upang ipakita ang lahat ng kayamanan ng mga boses, upang ipakita ang mataas na pamamaraan ng boses "(B. Kremnev).

Opera fairy tale "Magical flute"(1791) - Ang paboritong gawa ni Mozart, ang kanyang "swan song" - ay naging isang uri ng epilogue sa buhay ng mahusay na kompositor (na itinanghal sa Vienna dalawang buwan bago siya namatay). Sa isang madali at kaakit-akit na anyo, isinama ni Mozart dito ang tema ng hindi maiiwasang tagumpay ng maliwanag at makatwirang simula ng buhay laban sa mga puwersa ng pagkawasak at kasamaan. Ang wizard na si Sarastro at ang kanyang mga tapat na katulong, na nagtagumpay sa maraming malupit na pagsubok, ay lumikha pa rin ng mundo ng Karunungan, Kalikasan at Dahilan. Ang itim na paghihiganti, malisya at panlilinlang ng Reyna ng Gabi ay lumalabas na walang kapangyarihan bago ang lahat ng mapanakop na spell ng pag-ibig.

Ang opera ay isang matunog na tagumpay. Tumunog ito ng mga himig ng mga larong fairytale, magic opera, folk fair booth at puppet show.

Sa symphonic music, naabot ni Mozart ang hindi bababa sa taas. Lalo na sikat ang huling tatlong symphony ni Mozart: sa E-flat major (1788), sa G minor (1789), at sa C major, o "Jupiter" (1789). Pinatunog nila ang liriko na pag-amin ng kompositor, ang kanyang pilosopikal na pag-unawa sa landas ng buhay na kanyang tinahak.

Kinilala si Mozart sa paglikha ng genre ng classical concerto para sa iba't ibang instrumentong pangmusika. Kabilang sa mga ito ang 27 concerto para sa piano at orkestra, 7 para sa byolin at orkestra, 19 sonata para sa piano, na gumagana sa genre ng pantasiya batay sa libreng improvisasyon. Mula sa isang maagang edad, naglalaro halos araw-araw, bumuo siya ng isang birtuoso na istilo ng pagganap. Sa bawat oras na nag-alok siya sa mga tagapakinig ng mga bagong komposisyon, na hinahangaan sila ng malikhaing imahinasyon at hindi mauubos na kapangyarihan ng inspirasyon. Isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Mozart sa genre na ito - "Concerto para sa Piano at Orchestra sa D Minor" (1786).

Ang gawa ni Mozart ay kinakatawan din ng mga natatanging gawa ng sagradong musika: mga misa, cantatas, oratorio. Ang tuktok ng kanyang espirituwal na musika ay "Requiem"(1791) ay isang engrandeng obra para sa koro, soloista at symphony orchestra. Ang musika ng requiem ay malalim na kalunos-lunos, puno ng pigil at marangal na kalungkutan. Ang leitmotif ng trabaho ay ang kapalaran ng isang taong nagdurusa, na nahaharap sa malupit na paghatol ng Diyos. Sa pamamagitan ng kamangha-manghang dramatikong kapangyarihan, sa ikalawang koro ng "Dies irae" ("Araw ng Poot"), inihayag niya ang mga eksena ng kamatayan at pagkawasak, na naiiba sa malungkot na pagsusumamo at nakakaantig na mga panaghoy. Ang lyrical culmination ng Requiem ay Lacrimosa (Lacrimosa - This Tearful Day), musikang puno ng nanginginig na pananabik at kalungkutan. Ang pambihirang kagandahan ng himig na ito ay ginawa itong malawak na kilala at tanyag sa lahat ng oras.

Ang may karamdaman na si Mozart ay walang oras upang tapusin ang gawaing ito. Ayon sa mga sketch ng kompositor, ito ay pinal ng isa sa kanyang mga estudyante.

"Musikang nagmumula sa puso ng tao." Ludwig van Beethoven

Noong tagsibol ng 1787, isang tinedyer na nakasuot ng kasuutan ng isang musikero sa korte ang kumatok sa pintuan ng isang maliit na mahirap na bahay sa labas ng Vienna, kung saan nakatira ang sikat na Mozart. Mahinhin niyang hiniling sa mahusay na maestro na makinig sa kanyang mga improvisasyon sa isang ibinigay na tema. Si Mozart, na nakatuon sa trabaho sa opera na Don Juan, ay nagbigay sa bisita ng dalawang linya ng polyphonic presentation. Ang batang lalaki ay hindi nawalan ng ulo at gumawa ng isang mahusay na trabaho sa gawain, na tinamaan ang sikat na kompositor ng kanyang hindi pangkaraniwang mga kakayahan. Sinabi ni Mozart sa kanyang mga kaibigan na naroroon dito: "Bigyang-pansin ang batang ito, darating ang oras, pag-uusapan siya ng buong mundo." Ang mga salitang ito ay naging makahulang. Musika ng mahusay na kompositor ng Aleman Ludwig van Beethoven(1770-1827) ngayon ay talagang alam na ng buong mundo.

Ang landas ni Beethoven sa musika ay isang landas mula sa klasisismo tungo sa isang bagong istilo, romantikismo, isang landas ng matapang na eksperimento at malikhaing paghahanap. Ang musical heritage ni Beethoven ay napakalaki at nakakagulat na magkakaibang: 9 symphony, 32 so-natas para sa pianoforte, 10 para sa violin, isang bilang ng mga overture, kabilang ang drama na Egmont ni J. W. Goethe, 16 string quartets, 5 concerto para sa piano at orkestra, Solemn Mass, cantatas, opera Fidelio, romansa, pag-aayos ng mga katutubong kanta (mayroong mga 160 sa kanila, kabilang ang mga Ruso), atbp.

Naabot ni Beethoven ang hindi maaabot na taas sa symphonic na musika, na nagtutulak sa mga hangganan ng sonata-symphonic na anyo. Ang awit ng tibay ng espiritu ng tao, ang paninindigan ng tagumpay ng liwanag at katwiran ay naging Pangatlong "Kabayanihan" symphony(1802-1804). Ang kahanga-hangang paglikha na ito, na lumalampas sa mga symphony na kilala hanggang sa panahong iyon sa sukat nito, bilang ng mga tema at yugto, ay sumasalamin sa magulong panahon ng Rebolusyong Pranses. Sa una, nais ni Beethoven na ialay ang gawaing ito sa kanyang idolo na si Napoleon Bonaparte. Ngunit nang iproklama ng "heneral ng rebolusyon" ang kanyang sarili bilang emperador, naging malinaw na siya ay hinihimok ng pagkauhaw sa kapangyarihan at kaluwalhatian. Tinawid ni Beethoven ang dedikasyon mula sa pahina ng pamagat, na nagsusulat ng isang salita - "Heroic".

Ang symphony ay nasa apat na galaw. Sa una, mabilis na paraiso na musika ang tunog, na naghahatid ng diwa ng kabayanihan na pakikibaka, ang pagnanais para sa tagumpay. Sa pangalawa, mabagal na bahagi, isang martsa ng libing ang maririnig, puno ng matinding kalungkutan. Sa unang pagkakataon, ang minuet ng ikatlong kilusan ay napalitan ng mabilis na scherzo na nananawagan ng buhay, liwanag at saya. Ang pangwakas, ikaapat na bahagi ay puno ng dramatiko at liriko na mga pagkakaiba-iba. Tinanggap ng madla ang "Heroic" symphony ni Beethoven nang higit pa kaysa sa pagpigil: ang gawain ay tila masyadong mahaba at mahirap maunawaan.

Ikaanim na "Pastoral" symphony(1808) ay isinulat sa ilalim ng impluwensya ng mga awiting bayan at masasayang himig ng sayaw. Ito ay may subtitle na "Memories of Rural Life". Nilikha muli ng soloist cello ang larawan ng bulung-bulungan ng batis, kung saan narinig ang mga tinig ng mga ibon: isang nightingale, isang pugo, isang cuckoo, ang pagtatatak ng mga mananayaw na sumasayaw sa isang masayang kanta ng nayon. Ngunit ang isang biglaang pagkulog ay nakakagambala sa kasiyahan. Ang mga larawan ng isang bagyo at isang bagyong may pagkidlat ay humahanga sa imahinasyon ng mga nakikinig.

“Bagyo, bagyo ... Makinig sa mga bugso ng hangin na nagdadalaulan, sa mapurol na tibok ng bass, sa tumutusok na sipol ng maliliit na plauta ... Ang bagyo ay lumalapit, lumalaki ... Pagkatapos ay pumasok ang mga trombone, ang kulog ng timpani ay doble, ito ay hindi na ulan, hindi hangin, ngunit isang kakila-kilabot na baha "(G. L. Berlioz). Ang mga larawan ng masamang panahon ay napalitan ng maliwanag at masayang himig ng sungay at plauta ng pastol.

Ang tugatog ng symphonic work ni Beethoven ay "Ikasiyam na Symphony"(1822-1824). Ang mga imahe ng mga makamundong bagyo, malungkot na pagkalugi, mapayapang larawan ng kalikasan at buhay sa kanayunan ay naging isang uri ng paunang salita sa isang hindi pangkaraniwang pagtatapos, na isinulat sa teksto ng ode ng makatang Aleman na si I.F. Schiller (1759-1805):

Ang iyong kapangyarihan ay nagbubuklod na banal

Lahat ng namumuhay nang hiwalay sa mundo:

Nakikita ng lahat ang isang kapatid sa lahat

Kung saan sumabog ang iyong flight...

Yakap, milyon-milyon!

Pagsamahin sa isang halik, liwanag!

Sa kauna-unahang pagkakataon sa symphonic music, ang tunog ng orkestra at ang tunog ng koro ay pinagsama sa isa, nagpapahayag ng isang himno sa kabutihan, katotohanan at kagandahan, na nananawagan sa kapatiran ng lahat ng tao sa lupa.

Ang mga sonata ni Beethoven ay pumasok na rin sa kaban ng kulturang pangmusika ng mundo. Ang pinakamaganda sa kanila ay ang violin na "Kreutzer" (No. 9), ang piano na "Lunar" (No. 14), "Aurora" (No. 21), "Appassionata" (No. 23).

"Sonata ng Moonlight(Ang pangalan ay ibinigay pagkatapos ng kamatayan ng kompositor) ay nakatuon kay Juliet Guicciardi, na ang hindi nasusuktong pag-ibig ay nag-iwan ng malalim na marka sa kaluluwa ni Beethoven. Ang liriko, parang panaginip na musika, na naghahatid ng damdamin ng malalim na kalungkutan, at pagkatapos ay tinatamasa ang kagandahan ng mundo, ay pinalitan sa pagtatapos ng isang mabagyo na dramatikong pagsabog ng damdamin.

Walang gaanong sikat "Appassionata"(Italian appassionato - passionately), na nakatuon sa isa sa mga malapit na kaibigan ng kompositor. Sa mga tuntunin ng sukat nito, ito ay mas malapit hangga't maaari sa isang symphony, ngunit kabilang ang hindi apat, ngunit tatlong bahagi na bumubuo sa isang solong kabuuan. Ang musika ng sonata na ito ay natatakpan ng diwa ng isang madamdamin, walang pag-iimbot na pakikibaka, ang kapangyarihan ng mga elementong pwersa ng kalikasan, ang kalooban ng isang taong nagpapaamo at nagpapatahimik sa mga natural na elemento.

Sonata "Aurora”, na may subtitle na “Sunrise Sonata”, nakakahinga ng saya at solar energy. Ang unang bahagi nito ay naghahatid ng impresyon ng isang masigla at maingay na araw, na napalitan ng isang tahimik na gabi. Ang pangalawa ay nagpinta ng isang larawan ng pagsikat ng umaga ng isang bagong umaga.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, medyo maliit at mabagal ang komposisyon ni Beethoven. Ang kumpletong pagkabingi, na nangyari sa kanya sa gitna ng kanyang malikhaing landas, ay hindi pinahintulutan siyang makaalis sa isang estado ng malalim na depresyon. Gayunpaman, ang nakasulat sa oras na ito ay minarkahan din ng isang kahanga-hangang pagtaas sa kanyang talento.

Mga tanong at gawain

isa*. Ano ang kahalagahan ng gawain ni Haydn sa kasaysayan ng kulturang pangmusika ng mundo? Ano ang klasikal na uri ng symphony na kanyang nilikha? Makatarungan bang sabihin na ang musika ni Hydn ay "ang musika ng kagalakan at paglilibang"?

Anong kontribusyon ang ginawa ni Mozart sa pag-unlad ng kulturang musikal sa mundo? Ano ang kanyang mga pangunahing tagumpay sa paglikha ng operatic art?
Sinabi ni Beethoven: "Upang lumikha ng isang bagay na tunay na maganda, handa akong suwayin ang anumang tuntunin." Anong mga patakaran ng paglikha ng musika ang tinanggihan ni Beethoven, at sa ano siya kumilos bilang isang tunay na innovator?

malikhaing workshop

Maghanda ng isang programa sa radyo o TV (konsiyerto o musikal na programa sa gabi) sa paksang "Mga kompositor ng Vienna Classical School". Anong uri ng musika ang pipiliin mo? Pag-usapan ang iyong pinili.
Ang mananaliksik ng kasaysayan ng kultura ng musika na si D. K. Kirnarskaya ay nagsasaad ng "pambihirang theatricality" ng klasikal na musika. Sa kanyang opinyon, "ang nakikinig ay maaari lamang i-on ang imahinasyon at makilala ang mga karakter ng isang klasikong trahedya o komedya sa" mga damit pangmusika ". Ganoon ba? Makinig sa isa sa mga opera ni Mozart at, batay sa iyong sariling mga impresyon, ipaglaban ang iyong opinyon.
Si B. Kremnev, ang may-akda ng aklat na "Wolfgang Amadeus Mozart", ay sumulat: "Tulad ni Shakespeare, sa pagsunod sa katotohanan ng buhay, determinado niyang hinahalo ang komiks sa trahedya. Hindi para sa wala na tinukoy ng kompositor ang genre ng opera, na sinusulat niya ngayon, "Don Giovanni", hindi bilang isang opera buffa o opera seria, ngunit bilang "bgatta ^shsovo" - "isang masayang drama". Gaano katuwiran ang paghahambing ng mga tragicomic opera ni Mozart sa gawa ni Shakespeare?
Bakit sa palagay mo ang manunulat ng XX siglo. Napansin ni R. Rolland sa kanyang aklat na "The Life of Beethoven" na ang gawa ni Beethoven ay "naging mas malapit sa ating panahon"? Bakit kaugalian na isaalang-alang ang gawa ni Beethoven sa loob ng balangkas ng klasisismo at isang bagong artistikong istilo - romantisismo?
Itinuring ng kompositor na si R. Wagner na isang walang kabuluhang trabaho ang bumaling sa symphonic genre pagkatapos ng Beethoven's Ninth Symphony, na tinawag niyang "universal drama", "ang ebanghelyo ng tao ng sining ng hinaharap." Makinig sa musikang ito at subukang ipaliwanag kung ano ang mga dahilan ni Wagner para sa naturang pagtatasa. Para-mit ang iyong mga impression sa anyo ng isang sanaysay o pagsusuri.

Mga paksa ng mga proyekto, abstract o mensahe

"Musika ng Baroque at Klasisismo"; "Musical Achievement at Discoveries in the Works of Viennese Classical Composers"; "Ang gawain ni Haydn, Mozart at Beethoven - isang musikal na talambuhay ng Enlightenment"; "Musical portrait of the hero of symphonic works by I. Haydn"; "Bakit tinawag ng mga kontemporaryo ang mga symphony ni J. Haydn na "musika ng kagalakan at paglilibang" at "mga isla ng kagalakan"?"; "Mastership at innovation ng operatic art ni Mozart"; "Ang buhay ni Mozart at ang" maliit na trahedya" ni A.S. Pushkin "Mozart at Salieri""; "Pag-unlad ng genre ng symphony sa gawain ng Beethoven"; "Mga Ideyal ng Napoleonic Era at Ang Kanilang Pagninilay sa mga Gawa ni L. van Beethoven"; "Goethe at Beethoven: isang dialogue tungkol sa musika"; "Mga tampok ng artistikong interpretasyon ng "Kreutzer" na sonata ni Beethoven sa kuwento ng parehong pangalan ni L. N. Tolstoy"; "Beethoven: Kanyang mga Predecessors at Successors sa Music".

Mga libro para sa karagdagang pagbabasa

Alshvang A. A. Beethoven. M., 1977.

Butterworth N. Haydn. Chelyabinsk, 1999.

Bach. Mozart. Beethoven. Schumann. Wagner. M., 1999. (ZhZL. Biographical library ng F. Pavlenkov).

Weiss D. Dakila at makalupa. Isang nobela tungkol sa buhay ni Mozart at sa kanyang panahon. M., 1970.

Mahusay na musikero ng Kanlurang Europa: isang mambabasa para sa mga mag-aaral sa high school / comp. V. B. Grigorovich. M., 1982.

Woodforth P. Mozart. Chelyabinsk, 1999.

Kirnarskaya D. K. Classicism: isang libro para sa pagbabasa. J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven. M., 2002.

Korsakov V. Beethoven. M., 1997.

Levin B. Musical literature ng mga dayuhang bansa. M., 1971. Isyu. III.

Popova T.V. Banyagang musika noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. M., 1976.

Rosenshild K. Kasaysayan ng banyagang musika. M., 1973. Isyu. isa.

Rolland R. Buhay ni Beethoven. M., 1990.

Chicherin G. V. Mozart. M., 1987.

Sa paghahanda ng materyal, ang teksto ng aklat na “World Artistic Culture. Mula sa ika-18 siglo hanggang sa kasalukuyan” (May-akda Danilova G. I.).