Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang jazz ay isang direksyon sa musika, na nailalarawan sa kumbinasyon ng ritmo na may melody. Ang isang hiwalay na tampok ng jazz ay improvisasyon. Ang direksyon ng musika ay nakakuha ng katanyagan nito salamat sa hindi pangkaraniwang tunog nito at ang kumbinasyon ng ilang ganap na magkakaibang kultura.

Ang kasaysayan ng jazz ay nagsimula noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa Estados Unidos. Ang tradisyonal na jazz ay nabuo sa New Orleans. Kasunod nito, ang mga bagong uri ng jazz ay nagsimulang lumitaw sa maraming iba pang mga lungsod. Sa kabila ng lahat ng iba't ibang mga tunog ng iba't ibang mga estilo, ang jazz music ay maaaring agad na makilala mula sa ibang genre dahil sa mga tampok na katangian nito.

Improvisasyon

Ang musical improvisation ay isa sa mga pangunahing tampok sa jazz, na naroroon sa lahat ng uri nito. Ang mga performer ay kusang lumikha ng musika, hindi sila nag-iisip nang maaga, hindi sila nag-eensayo. Ang paglalaro ng jazz at improvising ay nangangailangan ng karanasan at kasanayan sa larangang ito ng paggawa ng musika. Bilang karagdagan, ang isang jazz player ay dapat maging maingat sa ritmo at tonality. Ang relasyon sa pagitan ng mga musikero sa grupo ay hindi maliit na kahalagahan, dahil ang tagumpay ng himig na nakuha ay nakasalalay sa pag-unawa sa kalooban ng bawat isa.

Ang improvisasyon sa jazz ay nagbibigay-daan sa iyo na lumikha ng bago sa bawat oras. Ang tunog ng musika ay nakasalalay lamang sa inspirasyon ng musikero sa oras ng laro.

Hindi masasabi na kung walang improvisasyon sa pagganap, hindi na ito jazz. Ang ganitong uri ng paggawa ng musika ay napunta sa jazz mula sa mga taong Aprikano. Dahil walang ideya ang mga Aprikano tungkol sa sheet music at rehearsal, ang musika ay ipinasa sa isa't isa lamang sa pamamagitan ng pagsasaulo ng melody at tema nito. At ang bawat bagong musikero ay maaari nang magpatugtog ng parehong musika sa isang bagong paraan.

Ritmo at himig

Ang pangalawang mahalagang katangian ng estilo ng jazz ay ritmo. Ang mga musikero ay may kakayahang kusang lumikha ng tunog, dahil ang patuloy na pagpintig ay lumilikha ng epekto ng kasiglahan, paglalaro, kaguluhan. Nililimitahan din ng ritmo ang improvisasyon, na nangangailangan sa iyo na gumawa ng mga tunog ayon sa isang ibinigay na ritmo.

Tulad ng improvisasyon, ang ritmo ay dumating sa jazz mula sa mga kulturang Aprikano. Ngunit tiyak na ang tampok na ito ang pangunahing katangian ng kilusang musikal. Ang mga unang gumaganap ng libreng jazz ay ganap na inabandona ang ritmo upang maging ganap na malaya sa paglikha ng musika. Dahil dito, ang bagong direksyon sa jazz ay hindi nakilala sa mahabang panahon. Ang ritmo ay ibinibigay ng mga instrumentong percussion.

Namana ni Jazz ang himig ng musika mula sa kulturang Europeo. Ito ay ang kumbinasyon ng ritmo at improvisasyon na may maayos at malambot na musika na nagbibigay sa jazz ng hindi pangkaraniwang tunog.

Ang salitang "jazz" ay lumitaw sa simula ng ika-20 siglo. Ito ay isang bagong kilusang musikal na nagmula sa North America at kalaunan ay kumalat sa buong mundo. Ang mga magulang ng jazz ay African at inaaping negro na mga alipin.

Noong ika-17 siglo, lumitaw ang unang mga alipin ng Aprika sa Amerika, na sapilitang inalis sa kanilang tinubuang-bayan at ipinagbili sa pagkaalipin. Nananabik sila sa kanilang sariling lupain, at ang kanilang tanging aliw ay musika. Noong una, kinakanta lamang ng mga itim ang kanilang mga tradisyonal na kanta sa saliw ng pagpalakpak ng kamay o paghampas ng mga kahon na gawa sa kahoy. Ngunit sa paglipas ng panahon, ang mga pambansang motibo ng Africa ay nagsimulang makalimutan, at ang mga dayandang ng mga kanta ng mga puting tao ay lumitaw sa mga himig ng Negro. Ang mga puti, noong panahong iyon, ay may mga kanta sa mga relihiyosong tema, at ang mga itim ay nagsimula ring kumanta ng mga espirituwal na kanta, ngunit sa kanilang sariling paraan, na may isang katangian na ritmo at himig. Ang kanilang mga espirituwal na awit (espirituwal) ay napuno ng sakit at pag-asa para sa kaligtasan.

Noong ika-19 na siglo, ang mga itim na alipin ay nagsimulang kumanta ng mga kanta na puspos ng kalungkutan, dekadenteng mood, na ginanap sa saliw (blues). Ang mga performer ay tumugtog kasama ng mga homemade musical instruments, dahil hindi nila kayang bumili ng mga tunay. Gayundin, ang mga Negro ay mahilig tumugtog sa isang orkestra, at pagkatapos ng Digmaang Sibil noong 1861- 1865 g ... nagsimula silang tumugtog ng mga propesyonal na instrumentong pangmusika, dahil ang mga banda ng militar ay binuwag at ang mga instrumento ay ibinebenta para sa mga pennies.

Ang mga bandang Negro ay tumutugtog sa lahat ng dako: sa mga kasalan, salu-salo at libing. Ang mga musikero ay hindi alam ang notasyon ng musika, at, sa pagtingin sa mga propesyonal na musikero, natutunan nilang maglaro nang mag-isa. Ang instrumental na musika, na tumpak na naghahatid ng mga motibo ng mga espirituwal at blues, ay tinawag na jazz. Ang mga natatanging tampok nito ay libre, swinging rhythm (swing) at improvisation. Bukod dito, ang mga musikero ng jazz ay nag-improvise ng solo at sama-sama.

Ang Jazz ay unang nagsimulang mabilis na kumalat sa buong Amerika, at pagkatapos ay sa buong mundo, na umaakit ng higit pang mga "puting" musikero at kompositor.

Sina Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller at Benny Goodman at iba pa ay mga jazzmen na gumawa ng malaking kontribusyon sa pagpapasikat ng jazz music, at na ngayon ay katumbas ng mas batang henerasyon ng mga musikero ng jazz.

Nakakatawa at mausisa sa aming website

Jazz- isang natatanging kababalaghan sa kultura ng musika sa mundo. Ang multifaceted art form na ito ay ipinanganak sa turn of the century (XIX at XX) sa United States. Ang jazz music ay naging brainchild ng mga kultura ng Europe at Africa, isang uri ng pagsasanib ng mga uso at anyo mula sa dalawang rehiyon ng mundo. Kasunod nito, lumampas ang jazz sa Estados Unidos at naging tanyag halos saanman. Ang musikang ito ay batay sa mga katutubong awit ng Aprika, ritmo at istilo. Sa kasaysayan ng pag-unlad ng direksyon na ito ng jazz, maraming mga anyo at uri ang kilala, na lumitaw habang pinagkadalubhasaan nila ang mga bagong pattern ng ritmo at harmonika.

Mga katangian ng jazz

Ang synthesis ng dalawang musikal na kultura ay gumawa ng jazz na isang radikal na bagong phenomenon sa mundong sining. Ang mga partikular na tampok ng bagong musikang ito ay:

• Mga syncopated na ritmo na bumubuo ng polyrhythmia.
• Ang maindayog na pulsation ng musika ay isang beat.
• Ang beat deviation complex ay isang swing.
• Patuloy na improvisasyon sa mga komposisyon.
• Isang kayamanan ng mga harmonika, ritmo at timbre.

Ang batayan ng jazz, lalo na sa mga unang yugto ng pag-unlad, ay improvisasyon na sinamahan ng isang maalalahanin na anyo (at ang anyo ng komposisyon ay hindi kinakailangang maayos sa isang lugar). At mula sa musikang Aprikano, kinuha ng bagong istilong ito ang mga sumusunod na katangian:

• Pag-unawa sa bawat instrumento bilang isang tambol.
• Mga sikat na kolokyal na intonasyon kapag gumaganap ng mga komposisyon.
• Ang isang katulad na imitasyon ng pag-uusap kapag tumutugtog ng mga instrumento.

Sa pangkalahatan, ang lahat ng mga direksyon ng jazz ay naiiba sa kanilang sariling mga lokal na katangian, samakatuwid, ito ay lohikal na isaalang-alang ang mga ito sa konteksto ng makasaysayang pag-unlad.

Ang paglitaw ng jazz, ragtime (1880-1910s)

Ito ay pinaniniwalaan na ang jazz ay nagmula sa mga itim na alipin na dinala mula sa Africa sa Estados Unidos ng Amerika noong ika-18 siglo. Dahil ang mga bihag na Aprikano ay hindi kinakatawan ng isang tribo, kailangan nilang maghanap ng isang karaniwang wika sa kanilang mga kamag-anak sa Bagong Daigdig. Ang pagsasama-sama na ito ay humantong sa paglitaw ng isang pinag-isang kulturang Aprikano sa Amerika, na kinabibilangan din ng kulturang musikal. Noong 1880s at 1890s lang lumitaw ang unang jazz music bilang resulta. Ang istilong ito ay hinimok ng pandaigdigang pangangailangan para sa sikat na musika ng sayaw. Yamang ang sining ng musikal na Aprikano ay sagana sa gayong maindayog na mga sayaw, sa batayan nito na ipinanganak ang isang bagong direksyon. Libu-libong mga middle-class na Amerikano, na hindi marunong makabisado ng mga aristokratikong klasikal na sayaw, ay nagsimulang sumayaw sa piano sa istilong ragtime. Dinala ng Ragtime ang ilan sa mga hinaharap na pundasyon ng jazz sa musika. Kaya, ang pangunahing kinatawan ng istilong ito, si Scott Joplin, ay ang may-akda ng elementong "3 versus 4" (cross sounding ng rhythmic scheme na may 3 at 4 na yunit, ayon sa pagkakabanggit).

New Orleans (1910-1920s)

Ang klasikal na jazz ay lumitaw sa simula ng ikadalawampu siglo sa katimugang estado ng Amerika, at partikular sa New Orleans (na makatuwiran, dahil sa timog na ang kalakalan ng alipin ay laganap).

Ang mga orkestra ng African at Creole ay tumugtog dito, na ginagawang naimpluwensyahan ang kanilang musika ng mga ragtime, blues at mga kanta ng itim na manggagawa. Matapos ang paglitaw sa lungsod ng maraming mga instrumentong pangmusika mula sa mga banda ng militar, nagsimulang lumitaw ang mga amateur group. Ang maalamat na musikero ng New Orleans, ang lumikha ng kanyang sariling orkestra, si King Oliver ay nagturo din sa sarili. Isang mahalagang petsa sa kasaysayan ng jazz ay noong Pebrero 26, 1917, nang ilabas ng Original Dixieland Jazz Band ang kanilang unang gramophone record. Sa New Orleans, ang mga pangunahing tampok ng estilo ay inilatag din: ang beat ng mga instrumentong percussion, isang mahusay na solo, vocal improvisation na may mga pantig - scat.

Chicago (1910-1920s)

Noong 1920s, na tinawag na "Roaring Twenties" ng mga klasiko, unti-unting pumasok ang jazz music sa sikat na kultura, na nawala ang mga pamagat nito na "nakakahiya" at "hindi disente". Nagsisimula nang magtanghal ang mga orkestra sa mga restawran, lumilipat mula sa katimugang mga estado patungo sa ibang bahagi ng Estados Unidos. Ang Chicago ay nagiging sentro ng jazz sa hilaga ng bansa, kung saan ang libreng gabi-gabi na pagtatanghal ng mga musikero ay nagkakaroon ng katanyagan (sa mga ganitong palabas, may mga madalas na improvisasyon at mga third-party na soloista). Lumilitaw ang mas kumplikadong mga kaayusan sa istilo ng musika. Ang icon ng jazz sa panahong ito ay si Louis Armstrong, na lumipat sa Chicago mula sa New Orleans. Kasunod nito, ang mga istilo ng dalawang lungsod ay nagsimulang pagsamahin sa isang genre ng jazz music - Dixieland. Ang pangunahing tampok ng istilong ito ay kolektibong mass improvisation, na nagtaas ng pangunahing ideya ng jazz sa ganap.

Swing at big bands (1930-1940s)

Ang karagdagang pagtaas sa katanyagan ng jazz ay nagdulot ng pangangailangan para sa malalaking orkestra na tumutugtog ng mga himig ng sayaw. Ganito lumitaw ang swing, na kumakatawan sa mga katangiang paglihis sa magkabilang direksyon mula sa ritmo. Ang swing ang naging pangunahing direksyon ng istilo noong panahong iyon, na nagpapakita ng sarili sa gawain ng mga orkestra. Ang pagsasagawa ng magkakatugmang komposisyon ng sayaw ay nangangailangan ng mas maayos na pagtugtog ng orkestra. Ang mga musikero ng jazz ay kailangang lumahok nang pantay-pantay, nang walang gaanong improvisasyon (maliban sa soloista), kaya ang kolektibong improvisasyon ng Dixieland ay isang bagay ng nakaraan. Noong 1930s, umunlad ang gayong mga grupo, na tinatawag na malalaking banda. Ang isang tampok na katangian ng mga orkestra noong panahong iyon ay ang kumpetisyon ng mga grupo ng mga instrumento, mga seksyon. Ayon sa kaugalian, mayroong tatlo sa kanila: saxophones, trumpets, percussion. Ang pinakasikat na musikero ng jazz at ang kanilang mga orkestra: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Ang huling musikero ay sikat sa kanyang debosyon sa Negro folklore.

Bebop (1940s)

Ang pag-alis ni Swing sa mga tradisyon ng maagang jazz at, lalo na, ang mga klasikal na melodies at istilo ng Africa, ay nagdulot ng kawalang-kasiyahan sa mga mahilig sa kasaysayan. Ang mga malalaking banda at mga swing performer, na lalong nagtatrabaho para sa publiko, ay nagsimulang sumalungat sa jazz music ng maliliit na grupo ng mga itim na musikero. Ipinakilala ng mga eksperimento ang napakabilis na melodies, nagbalik ng mahabang improvisasyon, kumplikadong mga ritmo, at mahusay na kasanayan sa isang solong instrumento. Ang bagong istilo, na nakaposisyon bilang eksklusibo, ay nagsimulang tawaging bebop. Ang mga mapangahas na musikero ng jazz na sina Charlie Parker at Dizzy Gillespie ay naging mga icon ng panahong ito. Ang pag-aalsa ng mga itim na Amerikano laban sa komersyalisasyon ng jazz, ang pagnanais na ibalik ang musikang ito sa pagiging malapit at pagiging natatangi nito ay naging isang mahalagang punto. Mula sa sandaling ito at mula sa istilong ito magsisimula ang countdown ng kasaysayan ng modernong jazz. Kasabay nito, ang mga pinuno ng malalaking banda ay pumupunta sa maliliit na orkestra, na nagnanais na magpahinga mula sa malalaking bulwagan. Sa mga ensemble na tinatawag na combos, ang mga naturang musikero ay sumunod sa isang istilo ng swing, ngunit nakakuha ng kalayaan na mag-improvise.

Cool jazz, hard bop, soul jazz at jazz-funk (1940-1960s)

Noong 1950s, nagsimulang umunlad ang isang genre ng musika tulad ng jazz sa dalawang magkasalungat na direksyon. Ang mga tagasuporta ng klasikal na musika ay "pinalamig" na bebop, na nagbabalik ng akademikong musika, polyphony, at pagsasaayos sa uso. Ang cool na jazz ay naging kilala para sa pagpipigil, pagkatuyo at kapanglawan nito. Ang mga pangunahing kinatawan ng direksyon na ito ng jazz ay: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Ngunit ang pangalawang direksyon, sa kabaligtaran, ay nagsimulang bumuo ng mga ideya ng bebop. Ipinangaral ng hard bop style ang ideya ng pagbabalik sa pinagmulan ng itim na musika. Ang mga tradisyonal na katutubong melodies, maliwanag at agresibong ritmo, paputok na soloing at improvisasyon ay bumalik sa uso. Kilala sa hard bop style: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Organically nabuo ang istilong ito kasama ng soul jazz at jazz-funk. Ang mga istilong ito ay lumapit sa mga asul, na ginagawang isang pangunahing aspeto ng pagganap ang ritmo. Ang funk jazz, sa partikular, ay ipinakilala nina Richard Holmes at Shirley Scott.

JAZZ DEVELOPMENT HISTORY

Jazz

Ano ang jazz, halos walang maglalakas-loob na magpaliwanag, dahil kahit na ang dakilang tao sa kasaysayan ng jazz, si Louis Armstrong, ay hindi ginawa ito, na nagsabi na kailangan mo lamang itong maunawaan at iyon na. Sa katunayan, ang jazz, ang kasaysayan, pinagmulan, pagbabago at mga sangay nito ay masyadong magkakaiba at multifaceted upang magbigay ng simple, komprehensibong kahulugan. Ngunit may mga punto na nagpapalinaw sa likas na direksyon ng musikal na ito.

Ang jazz ay nagmula bilang isang kumbinasyon ng ilang mga musikal na kultura at pambansang tradisyon. Sa una, ito ay dumating sa kanyang pagkabata mula sa mga lupain ng Africa, at sa ilalim ng impluwensya ng binuo na musikang Kanluranin at ang mga uso nito (blues, reg-times) at ang kumbinasyon ng African musical folklore sa kanila, isang istilo na hindi pa namatay hanggang ngayon - jazz, lumabas na.

Ang Jazz ay nabubuhay sa ritmo, sa hindi pagkakapare-pareho, sa mga intersection at sa hindi pagsunod sa mga tono at pitch ng mga tunog. Ang lahat ng musika ay binuo sa paghaharap at kontradiksyon, ngunit sa isang piraso ng musika ang lahat ng ito ay maayos na pinagsama at humanga sa himig at espesyal na apela nito.

Ang mga unang jazzmen, na may mga bihirang eksepsiyon, ay lumikha ng tradisyon ng isang jazz orchestra, kung saan mayroong improvisasyon na may tunog, bilis o tempo, posibleng palawakin ang bilang ng mga instrumento at performer, at makaakit ng mga symphonic na tradisyon. Maraming jazzmen ang nag-ambag ng kanilang sining sa pagbuo ng tradisyon ng sining ng paglalaro ng jazz ensembles.

Matapos ang paglitaw ng isang henyong performer na nabuhay sa buong buhay niya sa ritmo ng jazz, nananatili pa rin siyang isang alamat - Louis Armstrong, ang sining ng jazz performance ay nakakita ng mga bagong hindi pangkaraniwang abot-tanaw para sa sarili nito: vocal o instrumental performance-solo ang naging sentro ng buong pagganap, ganap na binabago ang ideya ng jazz.

At dito lumilitaw ang pagkakataon upang ipaliwanag ang isa pang tampok ng estilo ng jazz: ito ay isang natatanging indibidwal na pagganap ng isang birtuoso jazzman, ito ang kanyang pagganap at ang kasiyahan niya at ng mga nakikinig ng musika sa ngayon. At ang garantiya ng walang hanggang kabataan ng jazz ay improvisasyon. Si Jazz ay may espiritu, ngunit wala itong kalansay upang hawakan ang lahat ng ito. Maaari mong palitan ang saxophone sa piano, o maaari kang umalis sa upuan at kunin ang mikropono, at kung hindi iyon gumana, pagkatapos ay bumalik sa trumpeta at subukang tumugtog ng isang bagay na hindi nilalaro nina Armstrong at Bechet.

Ang jazz ay hindi lamang isang tiyak na uri ng musikal na pagtatanghal, ito rin ay isang kakaiba at masayang panahon.

Pinagmulan

Ang tanong ng lugar ng kapanganakan ng jazz ay kilala - ito ay America, ngunit saan ito nagmula?

Lumilitaw ang Jazz bilang isang natatanging pagsasanib. At isa sa mga bahagi nito na natiyak na ang pinagmulan nito ay itinuturing na nagmula sa Africa. Dinala ng mga African settler ang kanilang kultura, na nabuo laban sa backdrop ng malakas na impluwensya ng Europa at Amerikano.

Ang pamayanan at ang mga alituntunin nito (mga pamantayan ng pag-uugali, mga tradisyon) ay nasa dugo ng mga dumating, kahit na ang koneksyon sa kanilang mga ninuno ay talagang naputol. At ang musika, bilang mahalagang pagpapakita ng orihinal na kultura, ay naging isa sa mga nag-uugnay na link ng katutubong kulturang iyon para sa mga Aprikano at isang bagong buhay sa ibang kontinente.

Ang vocal music ng African-Americans, na may lasa ng ritmo at sayaw, body plastic, claps, ay lumago sa isang bagong musical subculture. Ang musikang Aprikano ay ganap na naiiba mula sa mga sample ng Europa, wala itong kalawakan ng mga instrumento, higit na pinanatili nito ang ritwalismo at kalakip sa mga kaugalian.

Mga Pinagmulan / Kasaysayan ng jazz

Ang musikang ito ng mga alipin, sa wakas, ay sinira ang mga totalitarian na rehimen, kung saan naghari ang mga klasikal na orkestra, ganap na sumusunod sa kalooban ng baton ng konduktor. Ayon sa pananaliksik ng propesor ng kasaysayan at kulturang Amerikano na si Penny Van Eschen, sinubukan ng US State Department na gamitin ang jazz bilang isang ideolohikal na sandata laban sa USSR at ang pagpapalawak ng impluwensya ng Sobyet sa ikatlong mundo. Ang mga pinagmulan ng jazz ay nauugnay sa blues.

Ang Jazz ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang pagsasanib ng mga ritmo ng Aprika at pagkakaisa ng Europa, ngunit ang mga pinagmulan nito ay dapat hanapin mula sa sandaling dinala ang mga alipin mula sa Africa patungo sa teritoryo ng Bagong Mundo. Ang mga aliping dinala ay hindi mula sa parehong angkan at kadalasan ay hindi rin nagkakaintindihan. Ang pangangailangan para sa konsolidasyon ay humantong sa pagkakaisa ng maraming kultura at, bilang resulta, sa paglikha ng isang kultura (kabilang ang musikal) ng mga African American. Ang mga proseso ng paghahalo ng kulturang musikal ng Aprika at European (na sumailalim din sa mga seryosong pagbabago sa Bagong Daigdig) ay naganap simula noong ika-18 siglo at noong ika-19 na siglo ay humantong sa paglitaw ng "protojazz", at pagkatapos ay jazz sa karaniwang kahulugan.

Ang improvisasyon ay gumaganap ng isang pangunahing papel sa tunay na jazz. Bilang karagdagan, ang jazz ay syncopated (nagha-highlight ng mahihinang beats at hindi inaasahang accent) at isang espesyal na drive. Ang huling dalawang bahagi ay bumangon sa ragtime, at pagkatapos ay inilipat sa pagtugtog ng mga orkestra (mga banda), pagkatapos ay ang salitang "jazz" ay lumilitaw na tumutukoy sa bagong istilo ng paggawa ng musika, na binabaybay muna bilang "Jass", pagkatapos ay bilang "Jasz " at mula noong 1918 ay nakuha ang modernong hitsura nito. Bilang karagdagan, maraming mga estilo ng jazz ang nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na pamamaraan ng pagganap: "swinging" o swing. Ang duyan ng jazz ay ang American South at, higit sa lahat, New Orleans. Noong Pebrero 26, 1917, sa Victor studio sa New York, limang puting musikero mula sa New Orleans ang nagtala ng unang jazz gramophone record. Ang kahalagahan ng katotohanang ito ay halos hindi ma-overestimated: bago ang hitsura ng disc na ito, ang jazz ay nanatiling isang marginal phenomenon, musical folklore, at pagkatapos nito ay nabigla ang buong America sa loob ng ilang linggo. Ang pag-record ay kabilang sa maalamat na Original Dixieland Jazz Band.

Mga Pinagmulan / Pagtaas ng jazz

Ang pinagmulan ng direksyong pangmusika na ito ay makikita sa pinaghalong kultura ng Aprika at Europa. Kakatwa, ngunit nagsimula ang jazz kay Christopher Columbus mismo. Siyempre, ang mahusay na manlalakbay at tumuklas ay hindi ang unang jazz performer. Ang pagbubukas ng Amerika sa Europa, naglatag si Columbus ng isang mahusay na pundasyon para sa interpenetration ng African at European musical tradisyon.

Habang ginalugad ang kontinente ng Amerika, dinala ng mga Europeo dito ang isang malaking bilang ng mga itim na kaaway, na ang bilang ng 1700 ay lumampas sa higit sa isang daang libo. Ang mga alipin ay dinala mula sa kanlurang baybayin ng Africa sa kabila ng Atlantiko.

Ang mga Europeo ay hindi man lang mahulaan na, kasama ang mga alipin, sila ay dinala sa America at African musical culture, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang kamangha-manghang ritmo ng musika. Mula noong sinaunang panahon, sa Africa, ang musika ay isang kailangang-kailangan na bahagi ng iba't ibang mga ritwal. Ang ritmo ng musika ay napakalaking kahalagahan dito.

Ang kulturang Europeo, sa kabilang banda, ay nagdala ng pagkakatugma, menor de edad at pangunahing mga pamantayan, melody, pati na rin ang solong melodic na simula sa jazz.

Kumanta sa jazz

Ang pag-awit ng jazz ay hindi maitutumbas sa pag-awit sa pangkalahatang kahulugan ng salita. Sa una, ang jazz ay walang solong boses, mayroon lamang isang instrumento, at mula pa lamang sa panahon ng mga pagtatanghal ni Louis Armstrong (ibig sabihin ay ang kanyang huling trabaho) ang mga vocal ay naging bahagi ng "toolbox" ng mga jazzmen. Ngunit muli - jazz vocals, na iba pa.

Ang mga vocal ng jazz ay dapat magkaroon ng ilang mga kakaiba, ang ibig kong sabihin ay ang boses ng tagapalabas. Isinasaalang-alang ang batayan ng jazz - improvisasyon, ang kawalan ng mga patakaran, dapat na maunawaan ng isa na ang parehong naaangkop sa boses ng tagapalabas: ang kakayahang palawakin ang saklaw ng isang "regular" na kanta, tumugtog gamit ang isang boses, madaling mag-improvise, at magkaroon ng isang mahusay na. saklaw. Ang performer ay dapat sumunod sa jazz na paraan ng pagganap: pagbigkas at "pag-atake".

"Scat singing" - lumitaw ang terminong ito noong nagtrabaho si Louis Armstrong sa entablado, na kumanta habang tumutugtog siya: ang mga tunog na ginawa ng kanyang boses ay halos kapareho ng mga tunog na ginawa ng kanyang trumpeta. Ang jazz vocals ay magsisimulang magbago at maging mas kumplikado sa ibang pagkakataon, kapag ang "bop" na istilo ay nauso. Dumating ang oras para sa "bop" -skeet, at ang "first lady of jazz" - si Ella Fitzgerald ang naging bituin.

Kung ang koneksyon sa pagitan ng jazz at blues ay hindi masyadong malakas, kung gayon ang koneksyon sa pagitan ng mga vocal ay may mas malinaw na koneksyon. Ang mga ginamit na posibilidad ng pagkuha ng mga tunog (ang gawain ng larynx, wheezing at whispering, falsetto, atbp.) Ng blues ay malugod na tinanggap ng mga tradisyon ng jazz.

Ang mga pangalan ng mga bokalista na naging tanyag sa kasaysayan ng jazz para sa kanilang pag-awit: siyempre, ang tagapagtatag - si Louis Armstrong, na sinusundan ni Bing Crosby, sa tabi niya, na binansagan lamang na "ang boses", Frank Sinatra, Nat King Cole. Ang mga kababaihan ay gumawa ng kanilang kontribusyon at malaki: Bessie Smith, na binansagang "Empress of the Blues", na sinundan ng mga pangalan ni Billy Halliday, Ella Fitzgerald, isang natatanging mang-aawit na si Sarah Voen.

ANG PINAGMULAN NG JAZZ AT ANG STYLE NITO.

Panimula

Minsan ang editor-in-chief ng pinakasikat na American jazz magazine na "Down Beat", na ipinamahagi sa 124 na bansa sa mundo, isang reporter ang nagtanong sa isang panayam: "Ano ang jazz?" "Hindi ka pa nakakita ng isang tao na nahuli nang ganoon kabilis sa isang simpleng tanong!" Sinabi ng editor na ito nang maglaon. Hindi tulad niya, ang anumang ibang jazz figure, bilang isang sagot sa parehong tanong, ay maaaring sabihin sa iyo ang tungkol sa musikang ito sa loob ng dalawang oras o higit pa, nang hindi nagpapaliwanag ng anuman nang konkreto, dahil sa katotohanan ay wala pa ring tumpak, maikli at kahit na parehong oras ng kumpletong at layunin na kahulugan ng salita at ang mismong konsepto ng "jazz".

Ngunit may malaking pagkakaiba sa pagitan ng musika nina King Oliver at Miles Davis, Benny Goodman at ng Modern Jazz Quartet, Stan Kenton at John Coltrane, Charlie Parker at Dave Brubeck. Maraming mga bahagi at ang napaka-pare-parehong pag-unlad ng jazz sa loob ng 100 taon ay humantong sa ang katunayan na kahit na ang hanay ng mga eksaktong katangian nito kahapon ay hindi ganap na mailalapat ngayon, at ang mga pormulasyon bukas ay maaaring salungat sa diametrically (halimbawa, para sa Dixieland at Bebop, swing big band at combo jazz rock).

Mayroon ding mga kahirapan sa pagtukoy ng jazz. ang katotohanan na palagi nilang sinisikap na lutasin ang problemang ito nang direkta at pinag-uusapan ang jazz na may maraming salita na may maliit na resulta. Malinaw, maaari itong malutas nang hindi direkta sa pamamagitan ng pagtukoy sa lahat ng mga katangiang pumapalibot sa mundong ito ng musika sa lipunan, at pagkatapos ay mas madaling maunawaan kung ano ang nasa gitna. Kasabay nito, ang tanong na "Ano ang jazz?" ay pinalitan ng "Ano ang ibig sabihin ng jazz?" At pagkatapos ay natuklasan natin na ang salitang ito ay may ibang kahulugan para sa iba't ibang tao. Pinupuno ng bawat tao ang lexical neologism na ito ng isang tiyak na kahulugan sa kanyang sariling paghuhusga.

Mayroong dalawang kategorya ng mga taong gumagamit ng salitang ito. Ang ilang mga tao ay mahilig sa jazz, habang ang iba ay hindi interesado dito. Karamihan sa mga mahilig sa jazz ay may napakalawak na paggamit ng salitang ito, ngunit wala sa kanila ang maaaring matukoy kung saan magsisimula at magtatapos ang jazz, dahil ang bawat isa ay may sariling opinyon sa bagay na ito. Maaari silang makahanap ng isang karaniwang wika sa isa't isa, ngunit ang bawat isa ay kumbinsido na siya ay tama at alam kung ano ang jazz, nang hindi naglalagay ng mga detalye. Maging ang mga propesyonal na musikero mismo, na nakatira sa jazz at regular na gumaganap nito, ay nagbibigay ng ibang-iba at malabong kahulugan ng musikang ito.

Ang walang katapusang pagkakaiba-iba ng mga interpretasyon ay hindi nagbibigay sa amin ng anumang pagkakataon na makarating sa isang solong at hindi mapag-aalinlanganan na konklusyon na ito ay jazz mula sa isang purong musikal na pananaw. Gayunpaman, posible ang ibang paraan dito, na iminungkahi noong ikalawang kalahati ng 50s ng sikat na musicologist sa mundo, Presidente at Direktor ng New York Institute for Jazz Research Marshall Stearns (1908-1966), na palaging nagtatamasa ng walang limitasyong paggalang sa jazz circles ng lahat ng mga bansa ng Luma at Bagong Mundo. Sa kanyang mahusay na aklat-aralin na The History of Jazz, unang inilathala noong 1956, ibinigay niya ang kanyang kahulugan ng musikang ito mula sa isang makasaysayang pananaw.

Sumulat si Stearns: "Una sa lahat, kahit saan mo marinig ang jazz, palaging mas madaling makilala ito kaysa ilarawan ito sa mga salita. mga tradisyon - Kanlurang Europa at Kanlurang Aprika - iyon ay, ang aktwal na pagsasanib ng puti at itim na kultura. At bagaman sa paggalang sa musika, ang tradisyong Europeo ay may pangunahing papel dito, ang mga ritmikong katangian na naging dahilan ng jazz na isang katangian, hindi pangkaraniwan at madaling makilala na musika ay walang alinlangan na humahantong sa pinagmulan nito mula sa Africa. Samakatuwid, ang mga pangunahing bahagi ng musikang ito ay European harmony, Euro-African melody at African ritmo."

Ngunit bakit nagmula ang jazz sa North America, at hindi sa Timog o Central, kung saan mayroon ding sapat na mga puti at itim? Pagkatapos ng lahat, kapag pinag-uusapan nila ang tungkol sa tinubuang-bayan ng jazz, ang Amerika ay palaging tinatawag na duyan nito, ngunit sa parehong oras ay karaniwang ang ibig nilang sabihin ay ang modernong teritoryo ng Estados Unidos. Ang katotohanan ay kung ang hilagang kalahati ng kontinente ng Amerika ay pangunahing pinaninirahan ng mga Protestante (British at Pranses), kung saan mayroong maraming mga misyonerong relihiyon na naghahangad na i-convert ang mga itim sa pananampalatayang Kristiyano, kung gayon sa timog at gitnang bahagi ng malawak na ito. kontinente, nangingibabaw ang mga Katoliko (mga Kastila at Portuges), na tumitingin sa mga itim na alipin na parang mga hayop na naka-draft, walang pakialam sa kaligtasan ng kanilang mga kaluluwa. Samakatuwid, hindi maaaring magkaroon ng isang makabuluhan at sapat na malalim na interpenetration ng mga lahi at kultura, na kung saan ay may direktang epekto sa antas ng pangangalaga ng katutubong musika ng mga aliping Aprikano, pangunahin sa larangan ng kanilang ritmo. Hanggang ngayon, sa mga bansa ng Timog at Gitnang Amerika, mayroong mga paganong kulto, ang mga lihim na ritwal at walang pigil na mga karnabal ay ginaganap na sinamahan ng mga ritmo ng Afro-Cuban (o Latin American). Hindi kataka-taka na sa ritmikong paggalang na ito na ang katimugang bahagi ng New World ay kapansin-pansing naimpluwensyahan ang lahat ng sikat na musika sa mundo sa ating panahon, habang ang North ay nagbigay ng isang bagay na naiiba sa kabang-yaman ng modernong musikal na sining, halimbawa, mga espiritwal. at blues.

Dahil dito, nagpapatuloy si Sterns, sa makasaysayang aspeto, ang jazz ay isang synthesis na nakuha sa orihinal mula sa 6 na pangunahing mapagkukunan. Kabilang dito ang:

1. Mga ritmo ng Kanlurang Aprika;

2. Mga kanta sa trabaho (field hollers);

3. Negro relihiyosong mga awit (espirituwal);

4. Negro sekular na mga kanta (blues);

5. American folk music ng nakalipas na mga siglo;

6. Musika ng mga minstrels at street brass band.

1. Ang pinagmulan ng jazz

Ang mga unang kuta ng mga puting tao sa Gulpo ng Guinea sa baybayin ng Kanlurang Aprika ay lumitaw na noong 1482. Eksaktong 10 taon mamaya, isang makabuluhang kaganapan ang naganap - ang pagtuklas ng Amerika ni Columbus. Noong 1620, lumitaw ang mga unang itim na alipin sa modernong teritoryo ng Estados Unidos, na maginhawang dinala ng mga barko sa Karagatang Atlantiko mula sa Kanlurang Africa. Sa susunod na daang taon, ang kanilang bilang ay lumago doon sa isang daang libo, at noong 1790 ang bilang na ito ay tumaas ng sampung ulit.

Kung sasabihin natin ang "ritmo ng Africa", dapat nating tandaan, siyempre, na ang mga itim sa Kanlurang Aprika ay hindi kailanman naglaro ng "jazz" tulad nito - pinag-uusapan lamang natin ang tungkol sa ritmo bilang isang mahalagang bahagi ng kanilang buhay sa kanilang tinubuang-bayan, kung saan ito ay kinakatawan ng isang ritwal na "koro ng mga tambol "na may kumplikadong polyrhythmia at marami pang iba. Ngunit ang mga alipin ay hindi maaaring magdala ng anumang mga instrumentong pangmusika kasama nila sa Bagong Mundo, at noong una sa Amerika ay ipinagbawal pa nga silang gumawa ng mga gawang bahay na tambol, ang mga halimbawa nito ay makikita lamang sa mga museong etnograpiko sa ibang pagkakataon. Bilang karagdagan, wala sa mga tao ng anumang kulay ng balat ang ipinanganak na may handa na kahulugan ng ritmo, ito ay tungkol sa mga tradisyon, i.e. sa pagpapatuloy ng mga henerasyon at kapaligiran, samakatuwid, ang mga kaugalian at ritwal ng Negro ay napanatili at ipinadala sa Estados Unidos nang eksklusibo sa bibig at mula sa memorya mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon ng mga African American Negro. Gaya ng sinabi ni Dizzy Gillespie: "Sa palagay ko ay hindi kayang ibigay ng Diyos ang isang tao nang higit pa kaysa sa iba kung makikita nila ang kanilang sarili sa parehong mga kondisyon. Maaari mong kunin ang sinumang tao, at kung ilalagay mo siya sa parehong kapaligiran, kung gayon ang kanyang paglalakbay sa buhay ay tiyak na maging katulad sa atin."

Nagmula ang jazz sa Estados Unidos bilang resulta ng pagbubuo ng maraming elemento ng mga kulturang musikal ng mga mamamayan ng Europa, sa isang banda, at mga alamat ng Africa, sa kabilang banda. Ang mga kulturang ito ay may iba't ibang katangian. Ang musikang Aprikano ay likas na improvisational, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kolektibong anyo ng paggawa ng musika na may malakas na polyrhythm, polymetry at linearity. Ang pinakamahalagang pag-andar dito ay ang ritmikong simula, ang ritmikong polyphony, kung saan lumitaw ang epekto ng cross ritmo. Ang melodic, at higit pa ang maayos na simula, sa African music-making ay binuo sa isang mas maliit na lawak kaysa sa European. Ang musika para sa mga Aprikano ay may higit na inilapat na halaga kaysa sa mga Europeo. Madalas itong nauugnay sa mga aktibidad sa trabaho, sa mga ritwal, kabilang ang pagsamba. Ang syncretism ng iba't ibang uri ng sining ay nakakaapekto sa likas na katangian ng paggawa ng musika - hindi ito lumilitaw nang nakapag-iisa, ngunit kasabay ng sayaw, plastik, panalangin, at pagbigkas. Sa isang nasasabik na estado ng mga Aprikano, ang kanilang intonasyon ay higit na libre kaysa sa mga Europeo, na nakakadena sa isang normal na sukat. Ang pag-awit ng tawag at tugon ay malawakang binuo sa musikang Aprikano.

Sa bahagi nito, ang musikang Europeo ay gumawa ng mayamang kontribusyon nito sa hinaharap na synthesis: melodic constructions na may nangungunang boses, modal major-minor standards, harmonic na posibilidad at marami pang iba. Sa pangkalahatan, medyo nagsasalita, ang emosyonalidad ng Aprikano, isang intuitive na simula, ay bumangga sa rasyonalismong Europeo, lalo na ipinakita sa musikal na pulitika ng Protestantismo.

2. "Ikatlong kasalukuyang"

Ang terminong "ikatlong batis" ay nilikha ng kritikong si John Wilson. Binalangkas niya ang isang alternatibo, o sa halip, mga variant ng synthesis ng una at pangalawang stream, i.e. akademikong musika at jazz. Ang direksyong ito ay nabuo noong 50s at hindi nauugnay sa isang partikular na istilo. Ang mga eksperimental na gawa ng iba't ibang musikero ay nakakuha ng symphonic jazz, jazz-rock, at avant-garde trend.

Ang Jazz, bilang isa sa mga pinaka-natatanging uri ng musikal na sining noong ika-20 siglo, ay unti-unting nagsimulang sakupin ang buong mundo at, sa wakas, ay nakakuha ng isang pang-internasyonal na karakter. Nangyari ito lalo na dahil sa ang katunayan na ang kanyang mga kompositor at performer sa kanilang trabaho ay madalas na bumaling sa musika ng ibang mga bansa at mga tao - Indian, South American, Arab at, siyempre, sa kanilang sariling alamat. Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon para sa mga jazzman sa paghahanap ng mga bagong direksyon para sa ebolusyon ng kanilang genre ay ang pinakamahusay na mga halimbawa ng European classical na musika at ang medyo mas sikat na mga uri nito.

Ang mga makasaysayang contact sa jazz ng mga klasikal na kompositor ay kilala, at dito dose-dosenang mga sikat na pangalan ang maaaring pangalanan bilang isang halimbawa (ito ay Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Millau, Honegger, Kschenek, pati na rin ang Copland, Gershwin at Bernstein), ngunit ang kanilang mga pagtatangka ay pinangunahan ng pagnanais na magdala lamang ng ilang mga elemento ng jazz sa akademikong musika. Sa kabaligtaran, mayroong maraming mga eksperimentong gawa ng mga interesadong jazzmen na sinubukang ilapat ang ilang mga prinsipyo ng symphonic development at gamitin ang orihinal na mga prinsipyo ng klasikal na musika sa kanilang mga marka ng jazz.

Sa iba't ibang mga dekada, ang gayong mga eksperimento kung minsan ay humantong sa paglitaw ng mga bago, kung hindi mga istilo, kung gayon, sa anumang kaso, mga independiyenteng sangay sa genealogical tree ng kasaysayan ng jazz - kaya, noong 1920s ito ay "symphonic jazz" (Paul Whiteman, na gustong "gumawa ng isang babae sa labas ng jazz"), noong 40s - "progresibo" (Stan Kenton), at noong 60s - "ang ikatlong kilusan".

"Ang ikatlong kasalukuyang" ay tiyak na binanggit sa kasaysayan ng jazz, dahil pagkatapos ay dumating ang mga jazzman mula sa kanilang panig, at hindi ang mga klasiko. Isa itong pang-eksperimentong direksyon ng modernong jazz, na sinubukan ng mga kinatawan na lumikha ng malawak na mga gawa para sa halo-halong mga ensemble ng orkestra, kabilang ang parehong mga akademikong performer at jazz improvisers.

Ang mga komposisyon ng "ikatlong trend" ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mas organikong pagsasanib ng European compositional technique na may mga tradisyon ng jazz. Ang pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito sa Estados Unidos ay ang mga musikero at kompositor na sina Gunther Schuller, John Lewis (pinuno ng Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Juffrey, at iba pa.

Kilala, halimbawa, ang magkasanib na pagtatanghal (at mga pag-record) ni Duke Ellington kasama ang mga orkestra ng La Scala at ang London Symphony. Sa kumbinasyong ito, lumilitaw ang mga bagong harmonic at instrumental shade, kaya na magsalita, nakuha ang modernong "intelektwal na musika". Mayroon itong klasikong diskarte sa tema, ngunit sa kaibuturan nito, nananatili itong napaka jazzy. Posible na i-synthesize ang dalawang sangkap na ito sa isang anyo ng musika, malapit sa parehong jazz (kalayaan ng improvisasyon, pakiramdam ng pag-indayog, pagiging bago ng mga bagong timbre) at ang pamamaraan ng "seryosong" komposisyon (mga diskarte mula sa larangan ng 12- tono ng musika, polyphony, polytonality, polyrhythm, pangkalahatang thematic evolution, atbp.).

Gumawa ng malaking kontribusyon si Dave Brubeck sa ikatlong kilusan na may mga komposisyon para sa jazz quartet at symphony orchestra. Ang tradisyon ng pagsasama ng isang symphony orchestra at isang jazz ensemble o kahit isang orkestra ay ipinagpatuloy ni Wynton Marsalis at ng kanyang Lincoln Center Orchestra.

3. Contemporary blues. Post Swing Era Big Bands

Sa kasaysayan, ang mga asul ay unti-unting nakapasok sa mga pangunahing sentro ng industriya at mabilis na nakakuha ng katanyagan doon. Itinatag nito ang mga katangiang katangian na minana mula sa musika ng mga African American, at malinaw na tinukoy ang 12-bar form (bilang ang pinakakaraniwang) at tinukoy ang harmonic accompaniment batay sa blues scale. Kabilang sa mga pinakasikat na jazz blues performer noong 50-60s. sina Jimmy Rushing (1903-1972) at Joe Williams (1918-1999).

Sa huling bahagi ng 40s at unang bahagi ng 50s, lumitaw ang isang bagong uri - "ritmo at asul" - ito ay isang pagbabago sa lunsod ng mga klasikong blues, na naging laganap sa mga itim na lugar ng pinakamalaking lungsod sa Estados Unidos. Gamit ang pangunahing melodic - harmonic na paraan ng blues, ang "rnb" ay nakikilala sa pamamagitan ng isang makabuluhang pagtaas sa instrumental accompaniment, isang nagpapahayag na paraan ng pagganap, mas mabilis na tempo, isang malinaw na binibigkas na ritmo at masiglang beat, na nakamit sa anyo ng alternating massive at matunog na beat sa 1 at 3 beats ng measure na may tuyo at basag na accent sa beats 2 at 4. Ang pagganap ay nailalarawan sa pamamagitan ng walang humpay na emosyonal na pag-igting, malakas na tunog, binibigyang-diin ang "mga blues na tala", madalas na paglipat ng bokalista sa falsetto, maximum na intensity (pressure, "drive") ng saliw ng tunog at batay sa antiphon ng maikling "riffs" ng mang-aawit at accompaniment.

Hanggang sa katapusan ng 40s. Ang "rnb" sa "live" na tunog at sa mga talaan (sa isang serye ng tinatawag na "mga pag-record ng lahi") ay kilala lamang sa populasyon ng Negro sa malalaking lungsod ng industriya. Ang mga paborito ng trend na ito noong mga taong iyon ay ang mga saxophonist na sina Louis Jordan at Earl Bostic, mga gitarista na "T-Bone" Walker at Muddy Waters, mga pianista na si Jay McShann at, kalaunan, si Ray Charles, ang vocalist na si Big Joe Turner.

Gayunpaman, noong unang bahagi ng 50s, ang interes sa maindayog na musikang ito ay lumitaw din sa mga puti. Unti-unti, tumataas ang pangangailangan para sa mga dulang "rnb" mula sa puting kabataan, at maraming musikero ang bumaling sa direksyong ito, at naging aktibong propagandista sila ng "rnb" noong mga taong iyon, na pagkatapos ay nagbago ng tanyag na musika at humantong sa paglitaw ng " Rock and roll". Nang i-record ng puting gitarista na si Bill Haley at ng kanyang banda ang sikat na R&B number na Rock Around the Clock noong Abril 12, 1954, ang petsa ng pagpapalabas ng recording na iyon ay itinuturing na kaarawan ng Rock and Roll, at ang tema mismo ay ang kanyang awit.

Sa mga taong iyon, ang puting disc jockey na si Alan Freed (1922-1965) ay lumitaw sa istasyon ng radyo ng Cleveland, na nagsimulang regular na magpalabas ng mga pag-record ng mga "rhythm and blues" na mga artist, at ngayon ay masasabi natin na si Freed ay halos tanging responsable para sa pagbabago ng buong kurso. Amerikanong sikat na musika. Siya ang naglabas ng mga itim na manunulat ng kanta at mga artista ng ritmo at blues mula sa tabing ng lahi at ipinakilala sila sa malawak na madla ng mga puting tinedyer. Dahil sa inspirasyon, tinawag niya ang mga recording na ito na "rock and roll" at pinasikat ang termino sa mga kabataan sa buong mundo.

Ang inangkop na bersyon na ito ng "rnb" ay pinakuluan hanggang sa tatlong pangunahing chord, ilang simpleng electric guitar na "riffs" at isang mabigat, monotonous na beat na may malalakas na accent sa 2nd at 4th beats ng measure (ibig sabihin, sa "off beat"). Gayunpaman, ang pagkakatugma ng "rock and roll" ay batay pa rin sa 12-bar blues scheme, kaya ang kanyang pangunahing merito ay itinatag niya sa mass musical consciousness ng mga puting Amerikano, at pagkatapos ng mga ito ay Europeans, ang pangunahing konsepto ng blues , na may malaking potensyal para sa pagbuo ng ritmo, himig at pagkakatugma. Hindi lamang binuhay ng blues ang sikat na musika sa pangkalahatan, ngunit binago din nito ang dating "puting" European na oryentasyon at nagbukas ng pinto sa malawak na daloy ng mga inobasyon at paghiram mula sa mga kulturang pangmusika mula sa ibang bahagi ng mundo, halimbawa, Latin American music.

Ang malupit na mga kondisyon sa ekonomiya pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, at ang pagbabago ng mga interes ng publiko at mga tagapamahala, ay nagkaroon ng radikal na epekto sa maraming malalaking banda ng panahon ng swing. Karamihan sa kanila ay wala nang tuluyan. Gayunpaman, noong unang bahagi ng 50s, nagsimula ang muling pagbabangon ng genre. Sa kahirapan, ngunit ang mga orkestra ni Benny Goodman, si Count Basie ay naibalik, ilang sandali - ang orkestra ng Duke Ellington. Ang madla ay muling gustong makinig sa mga pre-war hits. Sa kabila ng makabuluhang pag-renew ng mga line-up at pagdating ng mga batang musikero, ang mga pinuno, na nagpapasaya sa kalooban ng madla, ay ibinalik ang lumang repertoire. Sa tatlong haliging ito ng panahon ng pag-indayog, tanging si Duke Ellington ang naging daan patungo sa pagbabago. Nababahala ito sa kanyang malawakang paggamit ng suite form, na nagsimula noong mga taon ng digmaan. Ang mga malalaking suite na may nilalaman ng programa ay lumitaw sa kanyang repertoire. Ang isang makabuluhang yugto ay ang paglikha ng "Concerts of Sacred Music" (1965-66) para sa orkestra, koro, soloista at mananayaw. Nagpatuloy ang masiglang pagtatanghal ng big band vibraphoneist na si Lionel Hampton, na pangunahing nakatuon sa musika at kagandahan ng kanilang pinuno.

Unti-unti, ang ilan sa mga orkestra ay naging mga pormasyong pang-alaala na sumusuporta sa itinatag na mga tradisyon. Kabilang dito ang Glenn Miller Orchestra, na namatay noong 1944, ang Count Basie Orchestra, na umiiral sa ilalim ng parehong pangalan pagkatapos ng pagkamatay ng pinuno noong 1984, pinangunahan ni Mercer Ellington (anak ni Duke), at pagkatapos ay ng kanyang apo na si Paul Mercer Ellington, ang Duke Ellington Orchestra (isip . 1974).

Ang mga progresibong orkestra ay unti-unting nawala ang kanilang eksperimentong espiritu at nakakuha ng isang medyo karaniwang repertoire. Ang mga orkestra nina Woody Herman at Stan Kenton, na nanganak sa mga pinaka-kagiliw-giliw na soloista, ay ipinasa ang baton sa kanilang mga nakababatang kasamahan. Kabilang sa mga ito, kinakailangang tandaan ang mga banda na lumikha ng isang bagong tunog batay sa maliwanag na kaayusan, polystylistic, isang bagong paggamit ng tunog ng mga instrumentong tanso, lalo na ang mga trumpeta. Ang mga banda ng trumpet player na sina Maynard Fergusson at Don Ellis ay naging mga sentro ng pag-unlad sa tunog ng orkestra noong dekada 60. Ang isang pare-parehong paggalaw sa napiling direksyon ay naganap sa malikhaing laboratoryo ng isa sa mga tagapagtatag ng Cool Gil Evans. Ang kanyang sariling mga pagtatanghal, mga pag-record na may partisipasyon ni Miles Davis sa pagliko ng 50s - 60s, karagdagang mga eksperimento sa modal na musika at mga elemento ng jazz-rock noong 70s ay isang mahalagang indibidwal na kilusan sa kasaysayan ng jazz.

Noong dekada 70, isang malakas na impetus sa kilusan ng banda ang ibinigay ng isang orkestra, na binuo mula sa mga bata at napakalakas na musikero ng New York jazz scene, trumpet player na si Thad Jones, isang dating miyembro ng Basie band, at drummer na si Mel Lewis, na tumugtog sa orkestra. Stan Kenton. Sa loob ng isang dekada, ang banda na ito ay itinuturing na pinakamahusay, salamat sa mga kahanga-hangang modernong kaayusan at ang mataas na antas ng mga instrumentalista. Nasira ang orkestra dahil sa paglipat ni Jones sa Denmark, ngunit sinubukan ni Mel Louis na suportahan siya sa mahabang panahon sa pakikipagtulungan ng trombonist at arranger na si Bob Brookmeier. Noong dekada 80, ang unang lugar sa hierarchy ng mundo ay inookupahan ng isang banda na nilikha ng Japanese pianist at arranger na si Toshiko Akiyoshi kasama ang kanyang asawa, ang saxophonist na si Lew Tabakin. Ang orkestra na ito ay hindi pangkaraniwan dahil nilikha ito ng isang babae, pangunahing gumaganap ito sa kanyang mga gawa, ngunit patuloy na sumusunod sa mga tradisyon ng orkestra ng Amerika. Noong 1985 ang orkestra ay binuwag at si Akiyoshi ay bumuo ng isang bagong banda na tinatawag na "Toshiko Akiyoshi" ng New York Jazz Orchestra ".

Noong 90s, ang genre ng malalaking banda ay hindi natuyo, ngunit, marahil, pinalakas. Kasabay nito, ang hanay ng mga estilista ng orkestra ay lumawak. Ang konserbatibong pakpak, bilang karagdagan sa mga memorial orchestra, ay kinakatawan ng Lincoln Center Orchestra, na pinamumunuan ng isa sa pinakapaboritong opisyal na musikero ng jazz, ang mahuhusay na trumpeter at kompositor na si Winton Marsalis. Sinusubukan ng orkestra na ito na sundin ang linya ni Duke Ellington sa paglikha ng mga piraso ng malalaking anyo at karakter na programmatic. Mas magkakaibang ang gawa ng napakalakas at mas modernong Charles Mingus Big Band. Ang banda na ito ay umaakit ng mga malikhaing musikero. Higit pang mga radikal na ideya ang ipinapahayag ng iba't ibang "workshop" na pansamantalang kalikasan, at ng iba't ibang banda na nagpapakilala ng higit pang mga ideyang avant-garde. Kabilang sa mga nasabing orkestra ang mga banda ni Sam Rivers, George Gruntz, at maraming European conglomerates.

4. Hardbop. Nakakatuwa

Sa kaibahan sa refinement at coolness ng cool na istilo, ang rasyonalidad ng progresibo sa East Coast ng United States, ang mga kabataang musikero noong unang bahagi ng 50s ay nagpatuloy na bumuo ng tila pagod na bebop style. Ang pagtaas ng kamalayan ng mga African American, na katangian ng 1950s, ay may mahalagang papel sa kalakaran na ito. Muling iginuhit ang atensyon sa pagpapanatili ng pananampalataya sa mga tradisyong improvisasyon ng African American. Kasabay nito, ang lahat ng mga nagawa ng bebop ay napanatili, ngunit marami sa mga nakamit ng kul ay idinagdag sa kanila kapwa sa larangan ng pagkakaisa at sa larangan ng mga ritmikong istruktura. Ang bagong henerasyon ng mga musikero, bilang panuntunan, ay may magandang edukasyon sa musika. Ang kilusang ito, na tinatawag na "hardbop", ay naging napakarami. Kabilang dito ang mga trumpet player na sina Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianists na Thelonious Monk, Horace Silver, drummer Art Blakey, saxophonists Sonny Rollins (Hank Mobley) Hank Mobley), Cannonball Adderly, double bass player Paul Chambers at marami pang iba.

Para sa pagbuo ng bagong istilo, isa pang teknikal na pagbabago ang naging mahalaga, na binubuo sa hitsura ng mga LP. Ngayon ay maaari ka nang mag-record ng mahabang solo. Para sa mga musikero, ito ay naging isang tukso at isang mahirap na pagsubok, dahil hindi lahat ay ganap at maikli na ipahayag ang kanilang sarili sa loob ng mahabang panahon. Ang unang nagsamantala sa mga kalamangan na ito ay mga trumpeter, na binago ang istilo ni Dizzy Gillespie sa isang mas kalmado ngunit malalim na pagtugtog. Ang pinaka-maimpluwensyang ay sina Fats Navarro at Clifford Brown (parehong nakatadhana na kumuha ng napakaikling landas sa buhay). Ang pangunahing pansin ng mga musikero na ito ay binayaran hindi sa mga virtuoso na high-speed na sipi sa itaas na rehistro, ngunit sa maalalahanin at lohikal na melodic na mga linya.

Ang pagiging kumplikado ng musika na nakamit ni Art Blakey, halimbawa, gamit ang mga kumplikadong ritmikong istruktura, ay hindi humantong sa pagkawala ng jazz, emosyonal na espirituwalidad. Ang parehong naaangkop sa bagong paghubog sa mga improvisasyon ni Horace Silver o sa polyrhythmic figurations sa solo ni Sonny Rollins. Ang musika ay naging malupit, acrimony at isang bagong dimensyon ng swing. Ang isang espesyal na papel sa pagbuo ng hardbop ay ginampanan ni Art Blakey, na lumikha ng "Jazz Messengers" ensemble noong 1955. Ginampanan ng komposisyong ito ang papel ng isang paaralan kung saan ang talento ng maraming kinatawan ng trend na ito ay ipinahayag at umunlad. Kabilang dito ang mga pianista na sina Bobby Timmons at Horace Silver, mga saxophonist na sina Benny Golson, Hank Mobley, mga trumpeter na sina Lee Morgan, Kenny Dorham, Winton Marsalis at marami pang iba. Ang "Mga Mensahero ng Jazz" sa isang anyo o iba ay umiiral hanggang sa araw na ito, na nalampasan ang kanilang pinuno (1993).

Sinakop ng tenor saxophonist na si Sonny Rollins ang isang espesyal na lugar sa kalawakan ng mga hard-bop na musikero. Ang kanyang istilo ay binubuo ng mga linya ng Parker at ang malawak na tono ng Coleman Hawkins, at ang pagbabago ay dahil sa kanyang ugali at spontaneity bilang isang improviser. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na kalayaan sa paggamit ng maharmonya na materyal. Noong kalagitnaan ng 1950s, naakit ni Rollins ang atensyon sa mga kakaiba ng kanyang pagbigkas, na isang napakagandang polyrhythmic figure na pumupunit sa harmonic material na nagmumula sa tema. Sa kanyang melodic improvisations mayroong isang malupit na tunog, musikal na panunuya.

Ang ilan sa mga musikang umusbong sa panahon ng "hardbop" ay natural na sumisipsip ng mga asul, na ginamit sa mabagal hanggang katamtamang tempo na may espesyal na ekspresyon, batay sa isang binibigkas na beat. Ang istilong ito ay tinatawag na "funky". Ang salita ay balbal at nangangahulugang isang nagpapalawak na kahulugan ng isang masangsang, masangsang na amoy o lasa. Sa jazz ito ay kasingkahulugan ng down-to-earth, "tunay" na musika. Ang paglitaw ng sangay na ito ay hindi sinasadya. Noong 50s sa jazz nagkaroon ng pag-alis mula sa lumang negro na kakanyahan ng jazz, at ang pagpapahina ng jazz idiom ay naging kapansin-pansin. Ito ay naging lalong mahirap upang matukoy kung anong uri ng musika ang dapat makita bilang jazz. Ang mga musikero ng jazz ay nag-eksperimento sa alamat ng iba't ibang mga tao, naaakit sila ng impresyonismo at atonalismo, nagsimula silang madala sa maagang musika. Ang mga prosesong ito ay hindi sapat na nakakumbinsi para sa lahat. Ang ilang mga musikero ay bumaling sa mga komposisyon na may matinding lasa sa tunog ng mga tradisyonal na blues at mga relihiyosong awit. Sa una, ang elemento ng relihiyon ay mas pandekorasyon kaysa functional. Minsan ang mga makalumang iyak ng mga cotton field ay gumaganap ng papel ng isang pagpapakilala sa medyo tradisyonal na bebop figure. Si Sonny Rollins ay nagpapakita ng mga palatandaan ng istilong ito, ngunit ang pinakakapansin-pansing ekspresyon nito ay makikita sa pianist na si Horace Silver, na lumikha ng funky blues. Ang katapatan ng kanyang musika ay pinalakas ng mga relihiyosong motibo na gumabay sa musikero.

Mula sa istilong funky, lumaki ang pigura ni Charles Mingus - isang double bass player, kompositor at pinuno ng banda, isang musikero na hindi umaangkop sa balangkas ng isang partikular na istilo. Itinakda ni Mingus sa kanyang sarili ang gawain na pukawin ang napaka tiyak na emosyonal na sensasyon sa nakikinig. Kasabay nito, ang pag-load ay ibinahagi sa pagitan ng komposisyon mismo at ng mga musikero, na kailangang mag-improvise, nakakaranas ng tiyak na mga emosyong ito. Maaaring maibilang si Minusa sa napakakaunting mga kompositor ng jazz. Itinuring niya mismo ang kanyang sarili na isang tagasunod ni Duke Ellington at bumaling sa parehong lugar ng kultura ng Aprikano-Amerikano, pagiging relihiyoso, mistisismo - isang lugar na nangangailangan ng paggamit ng mga diskarte sa istilong funky..

5. Libreng jazz

Noong unang bahagi ng 60s, ang susunod na round sa pagbuo ng mga estilo ng jazz ay dahil, sa isang malaking lawak, sa pagpapalakas ng pagkakakilanlan ng lahi ng mga itim na musikero. Sa mga kabataan noong panahong iyon, ang prosesong ito ay ipinahayag sa napaka-radikal na mga anyo, kabilang ang jazz, na palaging naging outlet sa kultura ng mga African American. Sa musika, muli itong nagpakita ng sarili sa pagnanais na talikuran ang bahagi ng Europa, upang bumalik sa mga pinagmumulan ng ugat ng jazz. Sa bagong jazz, ang mga itim na musikero ay bumaling sa mga di-Kristiyanong relihiyon, pangunahin ang Budismo at Hinduismo. Sa kabilang banda, ang oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw ng mga alon ng protesta, kawalang-tatag ng lipunan, independiyenteng kulay ng balat (kilusang hippie, anarkismo, pagkahumaling sa mistisismo ng Silangan). Ang "libreng jazz" na lumitaw sa oras na iyon ay tumalikod sa buong pangunahing landas ng pag-unlad ng jazz, mula sa mainstream. Ang kumbinasyon ng pagkakumpleto ng espirituwal at aesthetic na mga karanasan na may panimulang bagong diskarte sa organisasyon ng musikal na materyal ay ganap na nabakuran sa bagong jazz mula sa globo ng sikat na sining. Ito ay isang dramatikong acceleration sa proseso na sinimulan ng Boppers.

Gumawa ng melodic improvisation ang Dixieland at swing stylists, kasama ang mga bebop, cool at hardbop na musikero na sumusunod sa mga istruktura ng chord sa kanilang mga solo. Ang libreng jazz ay isang radikal na pag-alis mula sa mga nakaraang estilo, dahil sa istilong ito ang soloista ay hindi kinakailangan na sundin ang isang naibigay na direksyon o bumuo ng isang form alinsunod sa mga kilalang canon, maaari siyang pumunta sa anumang hindi mahuhulaan na direksyon. Sa una, ang pangunahing hangarin ng mga pinuno ng libreng jazz ay isang mapanirang oryentasyon na may kaugnayan sa ritmo, istraktura, pagkakaisa, himig. Ang pangunahing bagay para sa kanila ay ang sukdulang pagpapahayag, espirituwal na kahubaran, lubos na kaligayahan. Ang mga unang eksperimento ng mga bagong musikero ng jazz na sina Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler ay hindi sinira ang koneksyon sa mga pangunahing pamantayan. Ang unang libreng jazz recording ay umaapela pa rin sa mga harmonic na batas. Gayunpaman, ang prosesong ito ay unti-unting umabot sa matinding punto ng pagsira sa tradisyon. Nang ganap na ipinakilala ni Ornette Coleman ang libreng jazz sa mga madla sa New York (sa kabila ng katotohanan na si Cecil Taylor ay kilala noon at medyo mahusay), marami sa mga bebop na musikero at jazz connoisseurs ang dumating sa konklusyon na ang musikang ito ay hindi maaaring ituring na hindi lamang jazz, kundi pati na rin. , sa katunayan, musika. Kaya, ang mga dating radikal ay naging konserbatibo sa wala pang 15 taon.

Ang isa sa mga pinakaunang naninira sa canon ay si Cecil Taylor, na sa panahon ng kanyang pagtanda ay isang lubos na sinanay na musikero. Nagtapos siya mula sa konserbatoryo, alam ang jazz at naisip tungkol sa paglalapat ng mga prinsipyo ng kompositor ng musika sa proseso ng improvisational. Noong 1956 siya, kasama ang saxophonist na si Steve Lacy (Steve Lacy) ay nakapaglabas ng isang disc na naglalaman ng ilang ideya ng bagong jazz. Ang maagang namatay na pianist at kompositor na si Herbie Nichols ay sumunod sa parehong landas, higit sa lahat ay mula sa Thelonious Monk. Sa kabila ng kahirapan sa pag-unawa sa musika na hindi naglalaman ng mga ordinaryong landmark, si Cecil Taylor ay naging isang sikat na pigura noong 1958, na pinadali ng kanyang mga pagtatanghal sa "Five Spot" club.

Hindi tulad ni Taylor, ang iba pang tagapagtatag ng libreng jazz, si Ornette Coleman, ay nagkaroon ng malawak na karanasan sa pagganap noon at hindi kailanman naglaro ng "tama." Marahil si Coleman, nang hindi nalalaman, ay nabuo bilang isang master ng primitivism. Ito naman, ay nagbigay sa kanya ng batayan para sa isang madaling paglipat sa non-normative music, na isinagawa niya kasama ang trumpet player na si Don Cherry. Masuwerte ang mga musikero, naging interesado sila sa kontrabassist na si Red Mitchell at pianist na si John Lewis, na may timbang sa kapaligiran ng musikero. Noong 1959 inilabas ng mga musikero ang disc na "Something Else !!" at nakipag-ugnayan sa "Five Spot". Isang milestone para sa bagong jazz ay ang double-band record ni Ornette Coleman na "Free Jazz" noong 1960.

Ang libreng jazz ay madalas na magkakapatong sa iba pang mga paggalaw ng avant-garde, na, halimbawa, ay maaaring gumamit ng anyo at pagkakasunud-sunod ng mga ritmikong istruktura. Mula noong ito ay nagsimula, ang libreng jazz ay nanatili sa mga kamay ng isang maliit na bilang ng mga tao at kadalasang matatagpuan sa ilalim ng lupa, ngunit napakalakas na nakakaimpluwensya sa modernong mainstream. Sa kabila ng kabuuang pagtanggi, ang isang tiyak na normativeness ay nabuo sa libreng jazz, na ginagawang posible na makilala ito mula sa iba pang mga bagong-jazz na uso. Ang mga kombensyong ito ay nauugnay sa pangkalahatang plano ng piyesa, ang pakikipag-ugnayan ng mga musikero, ritmikong suporta at, siyempre, ang emosyonal na plano. Dapat pansinin na ang lumang anyo ng kolektibong improvisasyon ay muling lumitaw sa libreng jazz. Para sa libreng jazz, ito ay naging katangian upang gumana sa isang "bukas na anyo" na hindi nakatali sa mga partikular na istruktura. Ang diskarte na ito ay nagsimulang magpakita mismo sa mga musikero na hindi puro libreng jazz - tulad, halimbawa, ang mga kusang improvisasyon ni Keith Jarrett sa kanyang mga recital.

Ang pagtanggi sa "bagong jazz" mula sa European musical norms ay humantong sa isang malaking interes sa mga kulturang hindi European, pangunahin sa Silangan. Si John Coltrane ay napakaseryoso sa musikang Indian, Don Cherry - Indonesian at Chinese, Farrow Sanders - Arabic. Bukod dito, ang oryentasyong ito ay hindi mababaw, pandekorasyon, ngunit sa halip malalim, na may pagnanais na maunawaan at maunawaan ang buong katangian ng hindi lamang ang kaukulang musika, kundi pati na rin ang aesthetic at espirituwal na kapaligiran nito.

Ang mga libreng jazz idiom ay madalas na naging mahalagang bahagi ng polystylist na musika. Isa sa mga pinaka-kapansin-pansing pagpapakita ng diskarteng ito ay ang pagkamalikhain ng grupo ng mga itim na musikero sa Chicago, na nagsimulang magtanghal noong 60s sa ilalim ng tangkilik ng Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Nang maglaon, nilikha ng mga musikero na ito (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) ang "Chicago Art Ensemble", mula sa African ritual spells at gospel music hanggang sa libreng jazz. Ang isa pang bahagi ng parehong proseso ay makikita sa gawain ng clarinetist at saxophonist na si Anthony Braxton, malapit na nauugnay sa Chicago Artistic Ensemble. Ang kanyang musika ay parehong libre at intelektwal. Minsan gumagamit si Braxton ng mga prinsipyo sa matematika para sa kanyang mga komposisyon, halimbawa, teorya ng grupo, ngunit hindi nito binabawasan ang emosyonal na epekto ng kanyang musika. Ang debate tungkol sa posibilidad ng ganitong uri ng musika ay nagpapatuloy hanggang ngayon. Kaya, ang opisyal na awtoridad ng American jazz establishment, si Winton Marsalis, ay mapanlait na tinawag si Braxton na isang "mabuting manlalaro ng chess", sa parehong oras, sa mga botohan ng American Association of Jazz Journalists, ang Marsalis ay tumatagal ng susunod na linya pagkatapos ng Braxton sa kategorya ng mga kompositor ng jazz.

Dapat pansinin na sa simula ng 70s, ang interes sa libreng jazz ay nagsimulang makuha ang mga malikhaing musikero ng Europa, na madalas na pinagsama ang mga prinsipyo nito ng "kalayaan" sa mga pag-unlad ng European musical practice noong ika-20 siglo - atonality, serial technique, aleatorics, sonoristics, atbp. Sa kabilang banda, ang ilang mga libreng lider ng jazz ay lumalayo sa matinding radikalismo at, noong dekada 80, ay lumilipat patungo sa ilang uri ng kompromiso, kahit na orihinal, na mga bersyon ng musika. Kabilang sa mga ito ay Ornette Coleman na may "Prime Time" na proyekto, Archie Shepp at iba pa.

6. Pagbuo ng pagsasanib: jazz-rock. Fusion. ECM. World jazz

Ang orihinal na kahulugan ng "jazz rock" ay ang pinakamalinaw: pinagsasama ang jazz improvisation sa enerhiya at ritmo ng rock music. Hanggang 1967, halos magkahiwalay ang mundo ng jazz at rock. Ngunit sa oras na ito rock ay nagiging mas malikhain at kumplikado, psychedelic rock, soul music ay lilitaw. Kasabay nito, nagsimulang magsawa ang ilang musikero ng jazz sa purong hardbop, ngunit ayaw nilang tumugtog ng avant-garde na musikang mahirap maunawaan. Dahil dito, nagsimulang magpalitan ng ideya ang dalawang magkaibang idyoma at magsanib-puwersa. Simula noong 1967, ang gitaristang si Larry Coryell, ang vibraphonist na si Gary Burton, ang drummer na si Billy Cobham noong 1969 kasama ang banda na "Dreams", kung saan tumugtog ang Brecker Brothers, ay nagsimulang makabisado ang bagong lawak ng istilo. Sa huling bahagi ng 1960s, si Miles Davis ay may potensyal na lumipat sa jazz rock. Isa siya sa mga tagapagtatag ng modal jazz, batay sa kung saan, gamit ang 8/8 na ritmo at mga elektronikong instrumento, gumawa si Miles ng bagong hakbang sa pamamagitan ng pag-record ng mga album na "Bitches Brew", "In a Silent Way". Kasama niya sa oras na ito mayroong isang napakatalino na kalawakan ng mga musikero, na marami sa kanila ay naging pangunahing mga pigura ng direksyong ito - sina John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Ang asetisismo, laconicism, pilosopikal na pagmumuni-muni, katangian ni Davis, ay naging lubhang kapaki-pakinabang sa bagong istilo. Noong unang bahagi ng 1970s, ang jazz rock ay may sariling natatanging personalidad bilang isang malikhaing istilo ng jazz, bagama't ito ay kinutya ng maraming jazz purists. Ang mga pangunahing banda ng bagong direksyon ay "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", iba't ibang ensembles ng Miles Davis. Naglaro sila ng mataas na kalidad na jazz rock na pinagsama ang malaking hanay ng jazz at rock techniques.

Fusion

Ang pinaka-kagiliw-giliw na mga komposisyon ng jazz-rock ay nailalarawan sa pamamagitan ng improvisasyon na sinamahan ng mga solusyon sa komposisyon, ang paggamit ng mga harmonic at ritmikong prinsipyo ng musikang rock, ang aktibong sagisag ng melody at ritmo ng Silangan, ang malakas na pagpapakilala ng mga elektronikong paraan ng pagproseso at synthesizing ng tunog sa musika. Sa istilong ito, lumawak ang hanay ng paggamit ng mga prinsipyo ng modal, ang mismong hanay ng iba't ibang, kabilang ang mga kakaibang, mga mode. Noong dekada 70, ang jazz-rock ay naging napakapopular, ang pinaka-aktibong musikero ay sumali dito. Ang jazz-rock, na mas binuo na may kaugnayan sa synthesis ng iba't ibang paraan ng musika, ay tinawag na "fusion" (fusion, fusion). Ang isang karagdagang impetus para sa "fusion" ay ang susunod (hindi ang una sa kasaysayan ng jazz) na yumuko patungo sa European akademikong musika. Sa katunayan, sa yugtong ito, ang pagsasanib ay nagpapatuloy sa linya ng "ikatlong kalakaran" ng 50s.

Ang kumbinasyon ng iba't ibang impluwensya sa kultura ay nakakaapekto sa kahit na ang pinaka-kagiliw-giliw na mga ensemble. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Weather Report", na pinamunuan ng unang Amerikanong Austrian na keyboardist na si Joseph Zawinul at American saxophonist na si Wayne Shorter, na ang bawat isa ay nag-aral sa Miles Davis school sa iba't ibang oras. Pinagsasama-sama ng grupo ang mga musikero mula sa Brazil, Czechoslovakia, Peru. Nang maglaon, nagsimulang makipagtulungan sa Zawinul ang mga instrumentalist at vocalist mula sa halos buong mundo. Sa kahalili ng "Weather Report", ang "Syndicat" na proyekto, ang heograpiya ng mga musikero ay umaabot mula Tuva hanggang South America.

Sa kasamaang palad, sa paglipas ng panahon, ang jazz-rock ay higit na nakakakuha ng mga tampok ng komersyal na musika, sa kabilang banda, ang rock mismo ay umaabandona sa marami sa mga malikhaing pagtuklas na ginawa noong kalagitnaan ng 1970s. Sa maraming kaso, ang fusion ay talagang nagiging kumbinasyon ng jazz na may regular na pop at light ritmo at blues; crossover. Ang ambisyon ng fusion music para sa musical depth at empowerment ay nanatiling hindi natutupad, bagama't sa mga bihirang pagkakataon ay nagpapatuloy ang paghahanap, tulad ng sa mga banda tulad ng Tribal Tech at Chick Corea ensembles.

Electric jazz

Ang paggamit ng mga electronic sound converter at synthesizer ay napatunayang lubhang kaakit-akit sa mga musikero na pangunahing nasa hangganan ng rock o komersyal na musika. Sa katunayan, medyo kakaunti ang mga mabungang halimbawa sa pangkalahatang masa ng electric music. Kaya, halimbawa, si Joe Zawinul sa proyektong "Weather Report" ay nakamit ang isang napaka-epektibong pagsasanib ng mga elemento ng etniko at tonal. Matagal nang naging idolo si Herbie Hancock hindi masyado ng publiko kundi ng mga musikero, gamit ang mga synthesizer, maraming keyboard at iba't ibang electronic trick noong 70s at 80s. Noong dekada 90, ang lugar na ito ng musika ay lalong lumilipat sa non-jazz sphere. Ito ay pinadali ng pinalawak na mga posibilidad ng paglikha ng musika sa computer, na, na may ilang mga pakinabang at kakayahan, ay nawawalan ng koneksyon sa pangunahing kalidad ng jazz - improvisasyon.

Ang isang hiwalay na angkop na lugar sa komunidad ng mga estilo ng jazz mula noong unang bahagi ng 70s ay inookupahan ng kumpanyang Aleman na ECM (Edition of Contemporary Music), na unti-unting naging sentro para sa pag-iisa ng mga musikero na hindi nagpahayag ng kalakip sa African-American na pinagmulan ng jazz. bilang kakayahang malutas ang isang malawak na iba't ibang mga gawaing masining, hindi nililimitahan ang kanilang mga sarili sa isang tiyak na istilo, ngunit naaayon sa proseso ng malikhaing improvisasyon. Sa paglipas ng panahon, gayunpaman, ang isang tiyak na mukha ng kumpanya ay nabuo, na humantong sa paghihiwalay ng mga artista ng label na ito sa isang malakihan at binibigkas na istilong direksyon. Ang oryentasyon ng lumikha ng label, si Manfred Eicher, na pag-isahin ang iba't ibang jazz idioms, world folklore at bagong akademikong musika sa isang solong impresyonistikong tunog, naging posible sa tulong ng mga paraan na ito upang maangkin ang lalim at pilosopikal na pag-unawa sa mga halaga ng buhay.

Ang pangunahing recording studio ng kumpanyang nakabase sa Oslo ay malinaw na nauugnay sa isang nangungunang papel sa catalog ng mga musikero ng Scandinavian. Una sa lahat, ito ang mga Norwegian na sina Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. Gayunpaman, ang heograpiya ng ECM ay sumasaklaw sa buong mundo. Narito ang mga European na sina John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin at mga kinatawan ng mga kulturang hindi European Egberto Gismonti (Egberto Gismonti) , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem at marami pang iba. Ang pantay na kinatawan ay ang American Legion - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie, Leo Smith. Ang unang rebolusyonaryong salpok ng mga publikasyon ng kumpanya ay naging isang meditative-detached na tunog ng mga bukas na anyo na may maingat na pinakintab na mga layer ng tunog. Naturally, tumawid si Eicher sa hindi nakikitang linyang iyon na naghihiwalay sa maraming pagtatangka na pagsamahin ang jazz at akademikong European music. Hindi na ito pangatlong trend, ngunit isang trend lamang na dumadaloy sa "Bagong Serye" ng ECM na may pang-akademikong musika na halos kapareho sa diwa ng mga paglabas ng jazz. Ang oryentasyon ng patakaran ng label sa ibang bansa ng kulturang masa, gayunpaman, ay humantong sa pagtaas ng katanyagan ng ganitong uri ng musika, na maaaring ituring bilang isang uri ng kabalintunaan. Ang ilang mga adherents ng mainstream ay tinatanggihan ang landas na pinili ng mga musikero ng direksyong ito; gayunpaman, ang jazz, bilang isang kultura ng mundo, ay umuunlad sa kabila ng mga pagtutol na ito at nagbubunga ng napakakahanga-hangang mga resulta.

World jazz

"World Jazz" (World Jazz) - isang terminong kakaiba ang tunog sa Russian, ay tumutukoy sa pagsasanib ng musika ng Third World, o "musika sa mundo" (World Music), na may jazz. Ang napakaraming direksyon na ito ay maaaring nahahati sa ilang uri.

Ethnic na musika na may kasamang jazz improvisations gaya ng Latin jazz. Sa kasong ito, kung minsan ang solo lamang ang improvised. Ang saliw at komposisyon ay mahalagang kapareho ng sa musikang etniko mismo;

Jazz, na kinabibilangan ng limitadong aspeto ng musikang hindi Kanluranin. Kasama sa mga halimbawa ang mga lumang recording ni Dizzy Gillespie ng A Night in Tunisia, musika sa ilang Keith Jarrett quartets at quintet na inilabas noong 1970s sa Impulse! Gamit ang bahagyang binagong mga instrumento sa Middle Eastern at mga katulad na harmonic technique. Kabilang dito ang ilan sa mga musika ni Sun Ra mula 50s hanggang 90s, na kinabibilangan ng African rhythms, ang ilan sa mga recording ni Yusef Lateef gamit ang tradisyonal na mga instrumento at pamamaraan ng Islam;

Mga bagong istilong musikal na umuusbong sa pamamagitan ng mga organikong paraan ng pagsasama-sama ng jazz improvisation sa mga orihinal na ideya at instrumento, harmonies, compositional technique at ritmo ng umiiral na etnikong tradisyon. Lumalabas na orihinal ang resulta, at malinaw na sinasalamin nito ang mahahalagang aspeto ng etnisidad. Ang mga halimbawa ng diskarte na ito ay marami at kasama ang Don Cherry, Codona at Nu ensembles; ilan sa mga musika ni John McLaughlin mula 70s hanggang 90s, batay sa mga tradisyon ng India; ilan sa mga musika ni Don Ellis ng dekada 70, nanghihiram ng mga ideya mula sa musika ng India at Bulgaria; ang gawa ni Andy Narell noong dekada 90, na pinaghalo ang musika at mga instrumento ni Trinidad sa jazz improvisation at funky.

Hindi ito ang unang pagkakataon na sinundan ng "World Fusion Jazz" ang landas na ito sa kasaysayan ng jazz, at ang trend na ito mismo ay hindi nalalapat ng eksklusibo sa American jazz. Halimbawa, ang musikang Polynesian ay hinaluan ng mga istilong pop sa Kanluran noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo, at ang tunog nito ay makikita sa ilan sa mga pinakaunang musikero ng jazz. Ang Caribbean dance beats ay naging isang mahalagang bahagi ng kulturang pop ng Amerika sa buong ikadalawampu siglo, at dahil ang mga musikero ng jazz ay kadalasang nag-improvised sa mga tema ng pop, halos tuluy-tuloy silang naghalo. Pinagsama ni Django Reinhardt ang mga tradisyon ng gypsy music, French impressionism at jazz improvisation noong 30s sa France. Ang listahan ng mga musikero na aktibo sa rehiyon ng hangganan ay maaaring magsama ng daan-daan o libu-libong mga pangalan. Kabilang sa mga ito, halimbawa, ang iba't ibang tao tulad ng Al DiMeola, Dead Can Dance, Joe Zawinul, Shakti, Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu at marami pang iba.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

Ang modernong funk ay tumutukoy sa mga sikat na istilo ng jazz noong 70s at 80s, kung saan tumutugtog ang mga accompanist sa istilong black pop soul at funk music, habang ang malawak na solo improvisation ay mas malikhain at jazz sa kalikasan. Sa halip na gamitin ang magkakaibang naipon na hanay ng mga jazz idiom mula sa arsenal ng modernong jazz saxophonists (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), karamihan sa mga saxophonist ng ganitong istilo ay gumagamit ng sarili nilang hanay ng mga simpleng parirala, na binubuo ng mga blues na sigaw at daing. Binubuo nila ang tradisyon na hiniram mula sa mga saxophone solo sa ritmo at blues na mga pag-record ng boses tulad ng King Curtis sa Coasters, Junior Walker kasama ang Motown vocal group, David Sanborn Sanborn kasama ang Blues Band ni Paul Butterfield. Ang isang kilalang tao sa genre ay si Grover Washington, Jr, na madalas na tumugtog ng Hank Crawford-style solo na may funky-like accompaniment. Ganito ang hitsura niya sa kanyang pinakatanyag na mga pag-record, bagaman ang Washington ay may kakayahang tumugtog ng musika sa iba pang mga estilo ng jazz. Nakamit ng Jazz Crusaders, Felder Wilton at Joe Sample, ang malawak na katanyagan, na makabuluhang binago ang kanilang repertoire noong dekada 70 at inalis ang salitang "jazz" sa pangalan ng banda. Karamihan sa musika nina Michael Brecker, Tom Scott at kanilang mga mag-aaral ay gumagamit ng pamamaraang ito, bagama't maaari rin silang tumugtog sa mga istilo ni John Coltrane o Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott at ang kanilang mga kasabayan ay gumagana din sa "modernong funk" na istilo. Sa pagitan ng 1971 at 1992, pinangunahan ni Miles Davis ang mga ensemble na gumaganap ng isang kumplikadong uri ng istilong ito, bagaman ang mga saxophonist ng kanyang grupo ay naimpluwensyahan ni John Coltrane, at ang kanyang mga gitarista ay nagpakita ng modernong jazz mindset kasama ang impluwensya ni Jimy Hendrix. Ang maraming modernong funk ay maaari ding mauri bilang "crossover".

Acid jazz

Itinuturing ng marami na ang mga huling komposisyon ni Miles Davis ang ninuno ng kalakaran na ito. Ang terminong "acid jazz" ay nananatili sa isa sa mga uri ng light jazz na musika, pangunahin sa genre ng sayaw, na pinag-isa ng katotohanang ito ay bahagyang nilalaro ng "live" na mga musikero, at ang iba ay kinuha alinman sa isang sample na anyo o sa anyo ng mga tunog, kung saan nakuha gamit ang mga rekord, kadalasang luma, vinyl apatnapu't lima, na ginawa para sa mga disco. Ang resulta ng musika ay maaaring maging anumang istilo, gayunpaman, na may nabagong tunog. Ang higit na kanais-nais para sa mga layuning ito ay ang radikal na "punk jazz", "soul", "fusion". Ang acid jazz ay mayroon ding mas radikal na avant-garde wing, tulad ng gawa ng British guitarist na si Derek Bailey. Ito ay naiiba sa disco version ng acid jazz sa malaking kontribusyon ng "live" na pagtugtog ng mga musikero. Tila, ang direksyong ito ay may kinabukasan na nagpapahintulot dito na umunlad.

Crossover

Sa unti-unting pagbaba sa aktibidad ng rock music (mula sa artistikong pananaw), simula noong unang bahagi ng 70s, na may pagbaba sa daloy ng mga ideya mula sa mundo ng rock, fusion music (ang kumbinasyon ng jazz improvisation na may mga ritmo ng bato) ay naging mas prangka. Kasabay nito, marami ang nagsimulang mapagtanto na ang electric jazz ay maaaring maging mas komersyal, ang mga producer at ilang mga musikero ay nagsimulang maghanap ng mga naturang kumbinasyon ng mga estilo upang mapataas ang kakayahang maibenta. Talagang matagumpay silang nakagawa ng isang uri ng jazz na mas naa-access sa karaniwang tagapakinig. Sa nakalipas na dalawang dekada, maraming iba't ibang kumbinasyon ang lumitaw, kung saan gustong gamitin ng mga promotor at publicist ang ekspresyong "Contemporary Jazz", na ginamit upang ilarawan ang "fusion" ng jazz na may mga elemento ng pop, rhythm at blues at world music. Gayunpaman, ang salitang "crossover" ay mas tumpak na tumutukoy sa kakanyahan ng bagay. Naabot ng crossover at fusion ang kanilang layunin at nadagdagan ang audience para sa jazz, lalo na salamat sa mga nagsawa na sa ibang mga istilo. Sa ilang mga kaso, ang musikang ito ay nararapat pansin, bagaman sa karamihan ng mga kaso, ang nilalaman ng jazz dito ay nabawasan sa zero. Para sa isang istilo na, sa katunayan, pop na may kaunting improvisasyon na lumalampas sa jazz, ang terminong "instrumental pop" ang pinakaangkop. Mga halimbawa ng crossover style mula sa mga vocal nina Al Jarreau at George Benson hanggang Kenny G, Spyro Gyra at ang Rippingtons. Mayroong impluwensyang jazz sa lahat ng ito, ngunit gayunpaman, ang musikang ito ay umaangkop sa larangan ng pop art, na kinakatawan nina Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders ", George Duke, saxophonist Bill Evans , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Manjone Mangione, Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Makinis

Ang "Smooth jazz" ay isang fusion style na produkto na nagbibigay-diin sa pinalambot at pinakinis na bahagi ng musika. Sa pangkalahatan, ang "smooth jazz" ay higit na umaasa sa mga ritmo at melodic na linya sa halip na improvisasyon. Gumagamit ito ng mga sound layer ng mga synthesizer, funk rhythms, funk bass, nababanat na linya ng gitara at trumpeta, alto o soprano saxophone. Ang musika ay hindi kasing talino ng hardbop, ngunit hindi ito kasing lakas ng funky o soul jazz. Ang mga komposisyon ng "smooth jazz" ay mukhang simplistic, mababaw at makintab, na ang pangkalahatang tunog ay mas mahalaga kaysa sa mga indibidwal na bahagi. Ang mga karaniwang kinatawan ng "makinis" na istilo ay sina George Benson, Kenny G., Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Ang kilusang jazz sa musika, na itinatag sa USA sa estado ng New Orleans, pagkatapos ay unti-unting kumalat sa buong mundo. Ang musikang ito ay tinangkilik ang pinakatanyag na katanyagan noong 30s, ito ay sa oras na ito na ang kasagsagan ng genre na ito ay bumagsak, na pinagsama ang kulturang European at African. Ngayon ay maririnig mo na ang maraming subgenre ng jazz, gaya ng: bebop, avant-garde jazz, soul jazz, cool, swing, free jazz, classical jazz at marami pang iba.

Pinagsama ng Jazz ang ilang mga musikal na kultura at, siyempre, dumating sa amin mula sa mga lupain ng Africa, mauunawaan ito ng kumplikadong ritmo at istilo ng pagganap, ngunit ang istilong ito ay mas nakapagpapaalaala sa ragtime, bilang isang resulta, pinagsasama ang ragtime at blues, ang mga musikero. nakakuha ng bagong tunog, na tinawag nilang - jazz. Salamat sa pagsasanib ng ritmo ng Aprika at melody ng Europa, maaari na nating tangkilikin ang jazz, at ang pagganap at improvisasyon ng virtuoso ay ginagawang kakaiba at walang kamatayan ang istilong ito, habang ang mga bagong ritmikong pattern ay patuloy na ipinakilala, isang bagong istilo ng pagganap ang naimbento.

Palaging sikat ang jazz sa lahat ng bahagi ng populasyon, nasyonalidad, at interesado pa rin ito sa mga musikero at tagapakinig sa buong mundo. Ngunit ang Art Ensemble ng Chicago ay isang pioneer sa pagsasanib ng blues at African ritmo, ang mga taong ito ang nagdagdag ng mga jazz form sa African motive, na nagdulot ng hindi pangkaraniwang tagumpay at interes sa mga tagapakinig.

Sa USSR, ang Jazz Tour ay nagsimulang lumitaw noong 20s (tulad ng sa USA) at ang unang lumikha ng isang jazz orchestra sa Moscow ay ang makata at aktibistang teatro na si Valentin Parnakh, ang konsiyerto ng grupong ito ay naganap noong Oktubre 1, 1922 , na itinuturing na kaarawan ng jazz sa USSR. Siyempre, ang saloobin ng gobyerno ng Sobyet sa jazz ay dalawang panig, sa isang banda, tila hindi nila ipinagbabawal ang genre na ito ng musika, ngunit sa kabilang banda, ang jazz ay sumailalim sa malupit na pagpuna, pagkatapos ng lahat, pinagtibay namin. ang istilong ito mula sa Kanluran, at lahat ng bago at banyaga sa lahat ng oras ay mahigpit na pinuna ng mga awtoridad. Ngayon, taun-taon ang Moscow ay nagho-host ng mga festival ng jazz music, may mga club venue kung saan ang mga sikat na jazz band, blues performers, soul singer ay iniimbitahan, iyon ay, para sa mga admirer ng direksyong ito ng musika ay palaging may oras at lugar upang tamasahin ang buhay na buhay. at kakaibang tunog ng jazz.

Siyempre, nagbabago ang modernong mundo, nagbabago rin ang musika, nagbabago ang panlasa, istilo at pamamaraan ng pagganap. Gayunpaman, maaari nating sabihin nang may kumpiyansa na ang jazz ay isang klasikong genre, oo, ang impluwensya ng mga modernong tunog ay hindi rin nagpaligtas sa jazz, ngunit kahit na hindi mo malito ang mga tala na ito sa iba pa, dahil ito ay jazz, isang ritmo na ay walang mga analogue, ritmo na may sariling mga tradisyon at naging musika sa mundo (World Music).