Ang pinaka makabuluhang lugar sa pag-unlad ng Western European realism ay kabilang sa French art. At hindi ito nagkataon. Mula sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang France ay gumanap ng isang nangungunang papel sa panlipunan at pampulitika na buhay ng Europa, at ang tunggalian ng uri sa pagitan ng maharlika, burgesya at proletaryado ay nagkaroon ng malinaw na mga klasikal na anyo dito. Nagtatago sa likod ng maharlika at imperyal na kasuotan o igiit ang kanilang kapangyarihan sa bukas na anyo, nagtagumpay ang burgesya. “Ang industriya at kalakalan ay lumago sa napakalaking sukat,” ang isinulat ni K. Marx tungkol sa Pransya noong dekada ng 1950 at 1960, “nagdiwang ang haka-haka sa stock market ng mga kosmopolitan na kasiyahan; ang kahirapan ng masa ay tumingkad nang husto kasabay ng walang habas na karilagan ng karangyaan na natamo ng pandaraya at krimen."
Ang demokratiko at proletaryong kilusan sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay may malawak na saklaw sa France. Ang rebolusyon ng 1830 ay sinundan ng rebolusyon ng 1848; sa larangang pampulitika, lalong umusbong ang proletaryado, na namumuno sa malawak na masa ng mamamayan. Noong Hunyo 1848, hayagang bumangon siya laban sa burgesya, at noong 1871, nang iproklama ang Paris Commune, ginawa niya ang unang magiting na pagtatangka sa kasaysayan na kunin ang kapangyarihang pampulitika sa kanyang sariling mga kamay.
Ang paglala ng mga kontradiksyon sa lipunan, enggrandeng labanan sa uri, mga bagong problema sa lipunan, mga isyu ng demokratikong reorganisasyon ng lipunan ay hindi mabibigo na pukawin ang mga progresibong isipan, na pinipilit silang suriin ang mga phenomena ng katotohanan, upang maghanap ng mga bagong paraan sa sining. Sa France, na nagbibigay ng pinakamalinaw na larawan ng pagbuo at pag-unlad ng mga pangunahing uso ng ika-19 na siglo, ang pagtaas ng realismo ay naobserbahan nang mas maaga kaysa sa ibang mga bansa, ang makatotohanang kalakaran ay lumalabas na pinaka malapit na konektado sa buhay panlipunan at pampulitika. inilalagay nito ang pinakamalaking kinatawan ng sining noong ika-19 na siglo.
Ang Rebolusyong Hulyo ng 1830 ay isang makabuluhang milestone sa pag-unlad ng sining ng Pransya. Sa ilalim ng impluwensya nito, ang mga romantikong ilusyon ay inalis, ang interes sa mga paksang panlipunan ay tumindi, at ang isang independiyenteng teoretikal na programa ng realismo ay binuo. Ang mga pangunahing kinakailangan para sa bagong sining ay binuo nina Laviron at Galbaccio sa "Salon ng 1833". Natanggap nila ang kanilang karagdagang pag-unlad sa mga sinulat ng mga pangunahing teorista at tagapagtanggol ng realismo: Tore-Burger, Chanfleri, Duranty, Castagnari at iba pa. Ang lahat ng mga kritiko na ito - mga kinatawan ng henerasyon ng 1848 - ay naka-highlight sa tanong ng papel na pang-edukasyon ng sining. Ang sining, sabi nila, ay dapat mag-ambag sa pag-unlad ng lipunan sa landas ng pag-unlad, ay dapat na isang "guro ng buhay", at para dito kailangan itong maging may kaugnayan, mayaman sa lipunan, naiintindihan ng mga tao. Ang sining ay dapat makatulong sa mga tao na malaman ang mundo sa kanilang paligid, upang maunawaan ang mga kontradiksyon nito. Magagawa nito ito sa pamamagitan ng pagwawalang-bahala sa anumang ideyalisasyon, pagpapaganda ng buhay. Ang katotohanan ng imahe ay iniharap bilang isa sa mga kinakailangang kondisyon para sa pagkamalikhain - isinulat ng artist kung ano ang alam niya, kung ano ang nakikita niya sa harap niya. Ang panawagan para sa pagtanggi sa pangkalahatang tinatanggap na mga modelo at para sa kumpirmasyon ng katotohanan ng buhay sa sining ay nakatulong sa mga nangungunang artista sa pag-master ng mga bagong pamamaraan at paraan ng artistikong pagpapahayag, nagbukas ng malawak na mga prospect para sa mga malikhaing hangarin. Kasabay nito, ang ilang mga kritiko sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay minsan ay binawasan ang konsepto ng realismo sa panlabas na pagiging maaasahan ng imahe, ang hindi kapani-paniwalang likas na katangian ng paghahatid ng nakikitang mundo, na, siyempre, disorientated ang mga artist.
Philippe Jeanron. Kabilang sa mga nangunguna sa mga dakilang realist na pintor, ang ilang mas mababang master ay nararapat na banggitin. Dahil kulang sa talento ng kanilang mga tagasunod, nagtakda sila ng entablado para sa kanila. Kabilang dito si Philippe Jeanron (1809-1877). Siya ay isang kalahok sa mga rebolusyon noong 1830 at 1848, at madalas na lumitaw sa print na nagtatanggol sa mga makatotohanang prinsipyo. Nasa unang bahagi na ng kanyang gawaing Children on the Barricade (1831, Museo sa Canet), si Jeanron ay bumaling sa isang direktang paglalarawan ng mga rebolusyonaryong kaganapan. Sa mga susunod na akda, nagbigay siya ng panlipunang pagsusuri ng realidad, laban sa mga kinatawan ng iba't ibang klase ng modernong lipunan: ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado. Kapag naglalarawan ng mga manggagawa, binigyang diin ng artista ang kanilang kahirapan at pagdurusa, habang hindi iniiwasan ang ilang sentimentalidad. Si Jeanron ay kilala rin bilang isang portrait painter. Nag-iwan siya ng mga nagpapahayag na mga larawan ng mga progresibong tao sa kanyang panahon - mga kinatawan ng republican intelligentsia.

Realismo sa France at England (panitikan at sining noong ika-19 na siglo)

Sa kalagitnaan ng siglo, ang realismo ay nagiging nangingibabaw na kalakaran sa kulturang Europeo.

Ang realismo ay umusbong sa France at England sa ilalim ng mga kondisyon ng itinatag na relasyong kapitalista. Ang mga panlipunang kontradiksyon at pagkukulang ng kapitalistang sistema ang nagtukoy sa matalas na kritikal na saloobin ng mga realistang manunulat dito. Tinuligsa nila ang pag-uusig ng pera, tahasang hindi pagkakapantay-pantay, pagkamakasarili, pagkukunwari. Sa layuning pang-ideolohiya nito, nagiging kritikal na pagiging totoo. Kasabay nito, ang mga gawa ng mga dakilang realistang manunulat ay nababalot ng mga ideya ng humanismo at katarungang panlipunan.

Panitikan ng France. Ang halimbawa ng makatotohanang panulaang Pranses noong ika-19 na siglo ay ang makatang si Pierre Jean de Beranger (1780-1857) Nagtanghal siya noong panahon ng Napoleonic monarkiya at noong 1813 sa kantang "King Iveto" ay kinondena niya ang pakikipagsapalaran militar ni Napoleon at ang kanyang patakaran sa buwis. Sa panahon ng Pagpapanumbalik, siya ay naging isang tunay na manlalaban na makata. Ang kanyang masiglang mga kanta sa panahong ito ay kinukutya ang mayaman at maunlad na burgesya. Punong-puno ng demokrasya ang pampulitikang kanta ni Beranger, na may tatak ng masiglang pambansang katatawanan.

Isang napakatalino na kinatawan ng kritikal na realismo ay Stendhal(Sariling Henri Beyle, 1783-1842). Ang paghanga sa manunulat ay pinukaw ng mga taong may aktibo, malakas na karakter. Nakita niya ang gayong mga bayani sa mga pigura ng Renaissance ("Italian Chronicles"), kasama ni Shakespeare, sa kanyang mga kontemporaryo.

Isa sa mga pinakakahanga-hangang nobela Stendhal- "Pula at Itim" (1830). Ang bayani ng nobela ay si Julien Sorel, isang madamdaming tagahanga ng panahon ng Napoleonic, isang taong may kahanga-hanga at sensitibong kaluluwa, na nagsusumikap na lupigin ang isang hindi gumagalaw na kapaligiran sa lipunan. Gayunpaman, hindi siya nagtagumpay, dahil hindi siya tinanggap ng mga naghaharing uri - isang plebeian sa kapanganakan. Sa nobelang "Parma Abode" kinukundena ng manunulat ang reaksyunaryong panahon, na nagtakda ng trahedya ng matatalino, mahuhusay, malalim na pakiramdam ng mga tao.

Ang summit, ang pinakamataas na punto ng pag-unlad ng Western European realism - ang gawain ni Honore de Balzac(1799 -1850). Tulad ng ipinaglihi ni Balzac, ang kanyang pangunahing gawain - ang epikong "The Human Comedy" ay dapat na binubuo ng 143 mga libro, na sumasalamin sa lahat ng aspeto ng buhay ng lipunang Pranses. Ibinigay ni Balzac ang lahat ng kanyang lakas sa titanic na gawaing ito, lumikha siya ng 90 nobela at maikling kwento.

Sa epikong ito, ang mga nobela ay pinag-uugnay ng isang karaniwang konsepto at maraming tauhan. Kabilang dito ang mga nobela tulad ng "Hindi Kilalang Obra maestra", "Shagreen Skin", "Eugene Grande", "Father Goriot", "Caesar Biroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" at marami pang iba. Ang epiko ay isang makatotohanang larawan ng isang napakalaking saklaw, na sumasalamin sa mga kaugalian at kontradiksyon ng pampublikong buhay sa France. Binigyan ni Balzac ang kanyang mga bayani ng katalinuhan, talento, at malakas na karakter. Ang kanyang mga gawa ay malalim na dramatiko, inilalarawan nila ang kapangyarihan ng "prinsipyo sa pananalapi", na sumisira sa mga lumang patriyarkal na ugnayan at ugnayan ng pamilya, na nagpapasiklab sa apoy ng makasariling mga hilig.

Ang master ng nobela ay si Prosper Merimee(1803-1870), isang natatanging realistang manunulat. Ang kanyang mga maikling kwento ay laconic, mahigpit, matikas. Ang mga ito ay malakas at maliwanag na mga character, buong kalikasan, may kakayahang malakas na damdamin - "Carmen" (nagsilbing batayan para sa opera ng parehong pangalan ni Bizet), "Colomba", "Falk". Kahit na sa mga maikling kwento kung saan ang manunulat ay naglalarawan ng mga romantikong bayani at mga romantikong sitwasyon, ang aksyon ay hindi isinalin sa isang romantikong eroplano, ngunit isang makatotohanang pagganyak ay ibinigay.

Nagsulat Merimee at naglalaro. Ang isa sa mga natitirang gawa ng manunulat ay ang play-chronicle na "Jacqueria", na naglalarawan sa kilusang magsasaka ng siglong XIV. Isinulat niya ang tanging pangunahing nobela na "The Chronicle of the Times of Charles IX", na nagsasabi tungkol sa pakikibaka ng mga Katoliko at Protestante at ang mga kaganapan ng St. Bartholomew's Night. Pinabulaanan ng may-akda ang panatikong hindi pagpaparaan.

Kaugnay ng pagbabago sa posisyong pampulitika ng burgesya pagkatapos ng rebolusyon ng 1848 at ang pagtanggi nitong makipagtulungan sa uring manggagawa, isang bagong uri ng kritikal na realismo ang umuusbong sa panitikang Pranses - ang mga manunulat ay tumatangging lumikha ng makapangyarihang mga imahe, at ang konsepto ng tipikal ay nabawasan sa pinakalaganap, karaniwan. Sa pangkalahatan, ang sining ay mas malapit sa buhay.

Ang pinakamalaking kinatawan ng bagong yugto ng realismo ay si Gustave Flaubert(1821-1880). Ang saloobin ng manunulat sa panlipunang strata ng populasyon ay kasalungat: kinasusuklaman niya ang burgesya sa buong buhay niya, tinatrato ang masa nang may paghamak, itinuturing na walang kabuluhan ang aktibidad sa politika. Samakatuwid, tinawag ni Flaubert ang artista na "pumunta sa ivory tower", upang maglingkod sa kagandahan. Sa kabila ng hindi pagkakapare-pareho ng posisyong ito, nagbigay si Flaubert ng isang kahanga-hangang kritikal na paglalarawan ng burgis na kahalayan, na hindi lumalayo sa pakikibakang panlipunan. Isa sa mga natatanging gawa Flaubert- ang nobelang "Madame Bovary". Sa gitna ng nobela ay ang imahe ng isang babae mula sa isang burges na kapaligiran. Pinalaki ng romantikong panitikan, namatay siya sa isang banggaan sa burges na katotohanan. Ang nobelang "Edukasyon ng mga Senses" ay naglalarawan sa mga kaugalian ng lalawigan at Paris, ang kawalang-halaga sa moral ng burges. Sa nobelang ito, nabuo ang tema ng isang binata, matamlay, inert, walang kakayahan sa masiglang aktibidad. Ang mga nobelang "Salammbo", "The Legend of St. Julian the Merciful" at "Herodias" ay batay sa makasaysayang mga balangkas, kung saan ang kapaligiran ng malalayong panahon ay naibalik nang may siyentipikong objectivity. Nakamit ng manunulat ang masusing katumpakan ng pagpaparami ng mga makatotohanang detalye, ang lalim ng sikolohikal na pagsusuri, na inihayag sa pamamagitan ng panloob na monologo.

Inglatera:

Panitikan ng England. Ang Scottish na manunulat na si Walter Scott (1771-1832) ay malapit sa mga romantiko sa pamamagitan ng kanyang interes sa Middle Ages. Sa simula ng kanyang karera, nakolekta niya ang Scottish folklore at nagsulat ng mga romantikong tula. Ang makatotohanang prosa ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa buong mundo.

Si Walter Skol ang lumikha ng makasaysayang genre ng nobela na pinagsasama ang romantiko at makatotohanang mga ugali. Ang pagkamatay ng angkan ng pamilyang Scottish ay inilalarawan ng manunulat sa mga nobelang "Weverley", "Rob Roy". Ang mga nobelang "Ivanhoe" at "Quentin Dorward" ay nagpinta ng larawan ng medieval England at France. Ang mga nobelang "The Puritans" at "The Legend of Monrose" ay nagbibigay liwanag sa pakikibaka ng mga uri na naganap sa England noong ika-17-18 na siglo.

Ang gawain ni V. Scott ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na komposisyon ng mga nobela, na paunang natukoy ng pagbibigay-diin sa paglalarawan ng buhay, pang-araw-araw na buhay at kaugalian ng mga tao mismo, at hindi ng mga hari, heneral, maharlika. Kasabay nito, na naglalarawan ng pribadong buhay, ang manunulat ay muling gumagawa ng isang larawan ng mga makasaysayang kaganapan.

Isa sa mga mahusay na artista ng panitikan sa mundo - si Charles Dickens(1812-1870), siya ang nagtatag at pinuno ng kritikal na realismo sa panitikang Ingles, isang natatanging satirist at humorista. Ang kanyang unang gawain, The Pickwick Papers, ay naglalarawan ng patriyarkal na Inglatera. Tinatawanan ang kabaitan, pagiging mapanlinlang, kawalang-muwang ng kanyang bayani, si Dickens ay nakikiramay sa kanya, na tinatago ang kanyang kawalang-interes, katapatan, pananampalataya sa kabutihan.

Nasa susunod na nobela na, ang The Adventures of Oliver Twist, isang kapitalistang lungsod na may mga slum nito at ang buhay ng mahihirap ay inilalarawan. Ang manunulat, na naniniwala sa tagumpay ng katarungan, ay ginagawang malampasan ng kanyang bayani ang lahat ng mga hadlang at makamit ang personal na kaligayahan.

Gayunpaman, ang mga gawa Dickens puno ng malalim na drama. Nagbigay ang manunulat ng isang buong gallery ng mga tagapagdala ng kasamaan sa lipunan, na mga kinatawan ng uri ng burges. Ito ang usurero na si Ralph Nickleby, ang malupit na gurong Oakwiers, ang ipokrito na si Pecksniff, ang misanthropist na Scrooge, ang kapitalistang Bounderby. Ang pinakadakilang tagumpay ni Dickens ay ang imahe ni G. Dombey (ang nobelang "Dombey at Anak") - isang tao na ang mga damdamin ay namatay, at ang kanyang kasiyahan, katangahan, pagkamakasarili, kawalang-galang ay nabuo sa pamamagitan ng pag-aari sa mundo ng mga may-ari.

Ang mga katangian ni Dickens bilang hindi masisira na optimismo, maliwanag at napaka-pambansang katatawanan, matino, makatotohanang pananaw sa buhay - lahat ng ito ay ginagawa siyang pinakadakilang katutubong manunulat sa England pagkatapos ni Shakespeare.

Kontemporaryo ni Dickens - William Thackeray(1811-1863) sa pinakamahusay na nobelang "Vanity Fair" ay malinaw at matalinghagang inilalantad ang mga bisyo ng burges na lipunan. Sa lipunang ito, lahat ay gumaganap ng kanilang nilalayon na papel. Si Thackeray ay hindi nakakakita ng mga goodies, mayroon lamang siyang dalawang kategorya ng mga karakter - manlilinlang o nalinlang. Ngunit ang manunulat ay nagsusumikap para sa sikolohikal na katotohanan, iniiwasan ang katawa-tawa at pagmamalabis na likas sa Dickens. Hinahamak ni Thackeray ang burges-noble elite ng lipunan, ngunit siya ay walang pakialam sa buhay ng mga nakabababang uri. Siya ay isang pessimist, isang skeptiko.

Sa pagtatapos ng siglo XIX. ang makatotohanang direksyon ng panitikang Ingles ay pangunahing kinakatawan ng akda ng tatlong sikat na manunulat sa mundo: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Kaya, si D. Galsworthy sa trilogy na "The Forsyte Saga" at "Contemporary Comedy" ay nagbigay ng isang epikong larawan ng mga ugali ng burges na Inglatera noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. inilalantad ang mapangwasak na papel ng pagmamay-ari sa parehong pampubliko at pribadong buhay. Nagsulat siya ng mga drama. Siya ay nakikibahagi sa pamamahayag, kung saan ipinagtanggol niya ang mga prinsipyo ng realismo. Ngunit ang mga konserbatibong tendensya ay lumitaw sa End of a Chapter trilogy.

Si DB Shaw ay isa sa mga tagapagtatag at mga unang miyembro ng sosyalistang "Fabian Society", ang lumikha ng mga talakayan sa drama na nakasentro sa sagupaan ng mga pagalit na ideolohiya, isang walang-kompromisong solusyon sa mga problemang sosyo-etikal ("Widower's House", "Mrs. Warren's Propesyon", " Applecart"). Ang malikhaing pamamaraan ni Shaw ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kabalintunaan bilang isang paraan ng pagbagsak ng dogmatismo at pagtatangi (Androcles and the Lion, Pygmalion), tradisyonal na pagtatanghal (makasaysayang mga dulang Caesar at Cleopatra, St. John).

Ang H. D. Wells ay isang klasiko ng science fiction literature. Sa mga nobelang "The Time Machine", "The Nividimka Man", "War of the Worlds" ang manunulat ay umasa sa pinakabagong mga konseptong pang-agham. Ang manunulat ay nag-uugnay sa mga problema na lumitaw sa harap ng mga tao na may kaugnayan sa siyentipiko at teknolohikal na pag-unlad sa panlipunan at moral na mga pagtataya ng pag-unlad ng lipunan: "Ang kasaysayan ng sangkatauhan ay lalong nagiging isang kumpetisyon sa pagitan ng edukasyon at kalamidad."

Sining sa musika. Sa Ito at l at sa siglong XIX. sa ilalim ng mga kondisyon ng pampulitikang reaksyon, ang opera ay napatunayang ang pinakalaganap at demokratikong genre ng sining ng teatro. Ang tugatog ng realismo sa musikal na operatic art noong ika-19 na siglo. - ang gawa ng mahusay na kompositor ng Italyano na si Giusete Verdi (1813-1901), malapit na nauugnay sa kilusang pagpapalaya ng Italyano (Nabucco, Lombardy sa Unang Krusada). Sa mga operatikong gawa tulad ng "Hernani", "Macbeth", "Labanan ng Legnano", ipinahayag ang mga protesta laban sa lahat ng karahasan at pang-aapi. Ang mga pagtatanghal ng mga opera ni Verdi, na puno ng mga ideya ng pakikibaka para sa pagpapalaya at pag-iisa ng Italya, ay sinamahan ng mga mabagyo na makabayang demonstrasyon.

Ang mga obra maestra ng opera realism ay ang mga opera ni Verdi na Ayda, Othello at Falstaff. Ito ay mga musikal na drama na may patuloy na pag-unlad ng aksyon. Ang mga eksena ay malayang binuo, na may nababaluktot na paglipat mula sa recitative patungo sa monologo, mula sa solo hanggang sa grupo. Isang mahalagang lugar ang ibinibigay sa orkestra. Ang Verdi ay may kumpletong pagsasanib ng musika na may dramatikong aksyon. Ang demokrasya, ang malalim na sangkatauhan ng pagkamalikhain ni Verdi ay nagdala sa kanya ng mahusay na katanyagan. Ang kanyang mga opera ay palaging nasa repertoire ng mga opera house sa mundo.

Binuhay ng mga Italian opera ang mga bagong prinsipyo ng vocal at stage performance: ang dramatikong pagpapahayag ng pag-awit, ang mga kasanayan sa pag-arte ng mang-aawit, ang makasaysayang katumpakan ng mga set at costume. Ang mga mang-aawit na sina A. Patti, J. Pasta, I. Kolbran at iba pa, ang mga mang-aawit na sina M. Battistini, F. Galdi at iba pa ay mga kahanga-hangang bokalista, mga kinatawan ng bel canto ng tanyag na mundo.

Sa parehong panahon, isang bagong direksyon ang lumitaw sa opera - ang tama (nt. Verismo, mula sa vero - totoo, totoo). Ang mga kinatawan nito ay ang mga kompositor na sina R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). Ang mga gawa ng mga master na ito ay batay sa mahahalagang paksa; makatotohanang pagpapakita ng espirituwal na mundo ng mga ordinaryong tao; emosyonal na nagpapahayag ng musika, kawalan ng mataas na ideya sa lipunan. Ang isang tiyak na istilo ng pagganap ay nabuo din - labis na pagpapahayag, damdaming dalamhati, matinding drama. Ang pinakamahusay na mga gawa ng trend na ito ay Mascagni's Rural Honor, Leoncavallo's Pagliacci. Salamat sa sikolohikal na lalim, ang gawain ni G. Puccini, na sumulat ng "Bohemia", "Tosca" "Chio-chio-san", ay nagtagumpay sa balangkas ng verism.

Sa France, nabuo ang lyric opera, na naiiba sa malaking opera sa mas matalik na tema at mga plot na hiniram mula sa klasikal na panitikan. Ito ang mga opera na "Manon" at "Werther" ni J. Massenet, "Faust" at "Romeo and Juliet" ni C. Gounod, "Hamlet" ni A. Thomas at iba pa. Ang mga liriko na opera ay nilikha sa mga kakaibang oriental na tema. Ito ay ang "Lakme" ni L. Delibes, "The Pearl Seekers" at "Jamile" ni J. Bizet, "Samson and Delilah" ni C. Saint-Saens. Ang mga liriko na opera ay tapat at banayad na naglalaman ng mga karanasan ng tao. Ang tula ay katangian ng paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay. Ang musikal na wika ng mga opera na ito ay demokratiko, malapit sa urban folklore.

Ang tugatog ng realismo sa operatic art ng France ay kinikilala bilang opera ni J. Bizet na Carmen. Ang pagkamalikhain ni Bizet ay nailalarawan sa talas ng mga anyo, kalinawan ng presentasyon. Ang mga bayani ng opera ay mga ordinaryong tao na may malalakas at magkasalungat na karakter. Ang opera na ito ay naglalaman ng pambansang musikal na lasa ng Espanyol. Naglalaman ito ng isang tense na kurso ng mga dramatikong kaganapan, iba't ibang mga katutubong eksena. Isa ito sa pinakasikat na opera sa mundo. P.I. Kinilala ito ni Tchaikovsky bilang "isang obra maestra sa buong kahulugan ng salita."

kalagitnaan ng ika-19 na siglo naging panahon ng kapanganakan ng isang bagong genre ng musika - operetta - light opera, kabilang ang parehong sayaw at diyalogo (nagmula sa comic opera). Ang tinubuang-bayan ng operetta ay si Fr at I, at ang mga nagtatag ay ang mga kompositor na sina F. Herve at J. Offenbach.

Sa A v s t r at sa simula ng XIX na siglo. Kasama ang Vienna, Salzburg, Seisenstadt, Esterhaza at iba pa ay naging mga sentrong pangmusika. Binuksan ang Vienna Court Opera noong 1869, ang teatro na ito ay naging nangungunang musikal na teatro sa bansa. Ang kanyang repertoire ay pinangungunahan ng mga opera ng Pranses at Italyano. Sa huling ikatlong bahagi ng siglo XIX. ay binuo ng venet "operetta. Ang mga tagapagtatag nito: F. Suppe (1819-1895), na sumulat ng "Beautiful Galatea", "Boccaccio" at isa sa kanyang pinakamahusay na operetta - "Donna Juanita"; I. Strauss (anak) (1825-1849) - ang kanyang pinakamahusay na mga nilikha "The Gypsy Baron", "The Bat" at iba pa. Isang pangunahing kompositor ng genre na ito - K. Mialeker (1842-1899) - may-akda ng operettas na "The Beggar Student", "Gasparon "," Poor Jonathan ".

Sa gawain ng mga kompositor na ito, ang mga katutubong melodies, mga ritmo ng sayaw ay malawakang ginagamit, ang mga operetta ay nakikilala sa pamamagitan ng himig.

Ang Vienna waltzes ("Blue Danube", "Tales of the Vienna Woods", atbp.), salamat sa kung saan natanggap niya ang pangalang "Hari ng Waltzes", nagdala din ng katanyagan sa mundo sa I. Strauss.

Sa kabila ng katotohanan na para sa gawain ng mga kompositor ng Ingles ng siglong XIX. Sa kabuuan, ang kawalan ng binibigkas na pambansang katangian ay katangian; ang kultura ng opera sa Angl at lumago nang husto. Ang Covent Garden Theater ay ang pinakamalaking sa England at nagho-host ng mga pagtatanghal ng Italian Royal Opera. Noong 1856 nabuo ang Royal English Opera. Sa pagtatapos ng siglo XIX. ang panahon na bumaba sa kasaysayan sa ilalim ng pangalan ng English musical Renaissance ay nagsisimula - ang interes ng mga kompositor sa mga pambansang tema ay tumataas.

Art. Sa ganitong anyo ng sining, ang pangunahing tampok ng realismo ay ang pag-unawa sa panlipunang katangian ng isang tao. Gayunpaman, sa pagpipinta, ang pagiging totoo ay mas malapit na nauugnay sa mga paraan ng larawan, na lumilikha ng ilusyon ng visual authenticity.

Ang makatotohanang kalakaran sa pagpipinta ni Franz at pinalakas ang posisyon nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. pagkatapos ng rebolusyon ng 1848. Sa kasaysayan ng sining ng Pransya, hindi kailanman ang pakikibaka sa pagitan ng dalawang kampo, ang dalawang pangunahing magkasalungat na kulturang masining ay hindi gaanong talamak sa panahong ito. Ang pinakamahusay na mga tampok ng mga Pranses at ang kanilang mga advanced na sining ay katawanin ng mga artist tulad ng Millet, Courbet, Manet, Carpa. Hindi sila pinapayagan sa mga eksibisyon, hinahabol sa mga pahayagan at magasin. Sila ay tinutulan ng masa ng mga mangangalakal ng sining, mga paborito ni Napoleon III at ng buong reaksyunaryong burgesya ng Ikalawang Imperyo.

Si J. F. Mimet (1814-1875) sa kanyang epikong monumental at puno ng mga larawan ng katotohanan sa buhay ay nagpakita ng mga magsasaka ng Pransya, ang kanyang paggawa, ang kanyang lakas sa moral ("Harvesters", "Angelus").

Millet at Courbet ang naging mga nangunguna sa Impresyonismo. Ang mga gawa ni Edouard Manet (1832-1883) ay nakatuon sa Paris. Isa siya sa mga makikinang na colorist ng mundo ng sining. Sa kanyang mga kuwadro na gawa, na may kamangha-manghang pagbabantay at pagiging bago, isang tunay na paglalarawan ng lahat ng uri ng mga naninirahan sa Paris ay ipinarating ("Almusal sa Studio", "Pagbasa", "Sa Bangka", "Dana"), na dinadala hanggang sa ating mga araw. ang itsura ng France noon. Bagaman sinubukan ni Manet sa kanyang mga unang pagpipinta na muling pag-isipan ang mga imahe at plot ng mga lumang master sa diwa ng modernidad ("Almusal sa Grass", "Olympia"), pagkatapos ay nagsimula siyang lumikha ng mga pagpipinta sa pang-araw-araw, makasaysayang, rebolusyonaryong mga tema. Ang pinakamakapangyarihang pahina sa kasaysayan ng kritikal na realismo ng Pransya ay ang kanyang huling pagpipinta, The Bar at the Folies-Bergère, tungkol sa kalungkutan ng pagkakaroon ng tao. Inaasahan ang Impresyonismo, bumaling siya sa liwanag na pagpipinta ng open-air ("Argenteuil") (Plein air (French plein air, literal - open air) - sa pagpipinta ng pagpaparami ng mga pagbabago sa kapaligiran ng hangin na dulot ng sikat ng araw at ang estado ng kapaligiran).

Ang kasagsagan ng pagpipinta ng angl at y ay nasa ika-19 na siglo. para sa unang ikatlong bahagi ng siglo. Ito ay nauugnay sa pag-unlad ng makikinang na pagpipinta ng landscape.

Isa sa mga pinaka-natatanging pintor sa kanyang panahon ay si William Termou (1775-1851). Siya ay naglakbay nang husto sa Europa, at ang kanyang mga landscape ay nakakuha ng isang romantikong pokus ("Shipwreck"). Matapang sa mga coloristic at light-airry na paghahanap, na may baluktot na sukat ng mga bagay, ang kanyang mga kuwadro ay, kumbaga, ang mga nauna sa impresyonismo ("Ulan, Singaw at Bilis"). Naging tanyag din siya bilang isang makasaysayang pintor, na lumikha ng mga tanawin na may mga mitolohiko o makasaysayang eksena ("Garden-Hesperides", "Dido building Carthage", atbp.)

F. gawa ni Goya. Matapos ang pagkamatay ni Velazquez noong 1660, ang sining ng Espanyol ay humina nang malalim sa loob ng isang daang taon. At sa pagtatapos lamang ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang paatras na Espanya ay hindi inaasahang nagdala ng isang napakatalino na pintor na naging hindi lamang isa sa mga pinakadakilang pintor at graphic artist ng Espanya, ngunit nagkaroon din ng malalim na impluwensya sa lahat ng sining ng Europa noong ika-19 at ika-20 siglo - Francisco Goya (1746 - 1828). Lumikha siya ng isang malaking bilang ng mga magagandang fresco, mga kuwadro na gawa, mga ukit, lithograph, mga guhit. (Ang pag-ukit (mula sa French nitric acid) ay isang uri ng pag-uukit kung saan ang isang guhit ay kinakamot ng isang ukit na karayom ​​sa isang layer ng acid-resistant na barnis na tumatakip sa isang metal plate. Ang mga scratched na lugar ay nakaukit ng acid, at ang resulta ng malalim na imahe ay napuno ng pintura at kinakaladkad sa papel.)

Teatro. Sa pampulitikang fragmented Herman at theatrical buhay puro sa maliit na bayan, kung saan ang court theaters nilalaro ang classical repertoire.

Ang pag-aalis ng mga monopolyo ng teatro sa korte noong 1869 ay humantong sa paglitaw ng maraming mga komersyal na sinehan at pagbaba sa antas ng artistikong repertoire. Ang Meiningen Theater, na noong 1871 ay naging isang teatro sa lungsod, nagsimula ang pakikibaka upang lumikha ng mga pagtatanghal bilang isang solong yugto ng trabaho. Ang pinakamalaking aktor sa Germany sa kalagitnaan at huling bahagi ng ika-19 na siglo. ay sina B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Sa mga dula ni G. Ibsen, G. Hauptmann, nagningning ang mga dakilang trahedya na sina I. Caina at A. Zorma.

Sa pagpasok ng siglo, ang Berlin ay naging sentro ng teatro ng Alemanya. Noong 1883 binuksan ang German Theater, noong 1889 - ang Free Theater, na nag-promote ng drama ng Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoy.

Sa simula ng siglo XIX. theatrical life of A in st r at minarkahan ng isang mahusay na malikhaing pamumulaklak ng mga teatro ng mga suburb, na nauugnay sa mga aktibidad ng playwright na si F. Raimund at ang aktor na si I. N. Pestrai. Gayunpaman, pagkatapos ng rebolusyon ng 1848, ang mga teatro na ito ay nawala ang kanilang demokratikong katangian; ang mga nakakaaliw na dula ay nangingibabaw sa kanilang repertoire.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. ang nangungunang lugar sa theatrical life ng Austria ay inookupahan ng "Burg-Theater". Inaprubahan ng pinuno nito na si G. Laube ang mga klasiko sa entablado. Sa 70-8Q-e. ang teatro ay pinamunuan ni F. Dilgenstedt, na nagtanghal ng isang siklo ng mga trahedya ni Shakespeare, na ginagampanan ni Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.

Ballet. Ang lugar ng kapanganakan ng modernong European ballet ay I t at l. Ang ballet ng Italyano ay batay sa mga tradisyon ng sinaunang pantomime at sayaw at ang mayamang kultura ng katutubong sayaw. Sa pagliko ng XVIII-XIX na siglo. nagsimula ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng Italian ballet, kasabay ng panahon ng pakikibaka sa pagpapalaya ng mga mamamayang Italyano. Ang mga pagtatanghal ay nilikha batay sa prinsipyo ng epektibong ballet, puspos ng drama, dinamika, at pagpapahayag. Ang mga naturang balete ay itinanghal nina G. John at S. Vshit, mga mananayaw-pantomimist na gumanap sa kanila.

Ang teatro ng La Scala ay itinuturing na pinakamalaking sentro ng sining ng ballet sa Europa; noong 1813, isang paaralan ng ballet ang itinatag sa teatro.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. sa Italya, gayundin sa ibang mga bansa sa Kanlurang Europa, nagkaroon ng pagbaba sa sining ng ballet. Sa oras na ito, itinatag ang isang birtuoso na istilo ng pagganap. Nakatuon ang atensyon sa pagtagumpayan ng mga teknikal na paghihirap, at ang dramatikong pagpapahayag ay ibinabalik sa background. Noong 80s ng siglo XIX. nakararami ang kaakit-akit na mga pagtatanghal ay itinanghal, na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagiging kumplikado at, bilang isang panuntunan, walang ideolohikal na nilalaman.

BODLER Charles- Makatang Pranses. Ang gawaing patula ni B. ay kasabay ng pag-usbong ng romantikong at Parnassian na uso sa panitikang Pranses. Matapos ang bagyo ng rebolusyong Pranses at ang epiko ng mga digmaang Napoleoniko, isang burges na kaayusan ang naitatag sa France, na hindi tumupad hindi lamang sa mga adhikain ng malawak na masa, kundi pati na rin sa mga mithiin ng gitnang saray, ang petiburgesya na iyon, na gumawa ng pinakamalaking bilang ng mga artista sa pangkalahatan at mga manunulat at makata sa partikular.

Dapat ding tandaan na sa panahon ng 1848, nang yumanig ang isang malakas na rebolusyonaryong kombulsyon sa burges na mundo, tila nagising si Baudelaire. Sa oras na ito nabibilang ang kanyang mga gawa - "Twilight", "Dawn" at "Rag-pickers' Revel". Ang mga demokratiko at bahagyang rebolusyonaryong mga tala ay nagsimulang lumitaw sa tula ni B., ngunit sa lalong madaling panahon sila ay nawala sa mas madilim na pagkabigo.

Ang kanyang pangunahing gawain ay Flowers of Evil (Les fleurs du mal, 1857; may mga pagsasalin sa Ruso ng Yakubovich-Melshin at Ellis; marami pang ibang makata ang nagsalin nito: Sologub, Vyacheslav Ivanov, atbp.). Ang "Flowers of Evil" ay ang quintessence ng mga mood na napag-usapan natin sa itaas. Isang kontemporaryo ng mga Parnassian, na humingi ng isang pambihirang filigree poetic form, katatagan ng istraktura, ekonomiya sa mga salita, mahigpit na ritmo at pagpili ng mga imahe at isang malalim na pagkakaugnay ng mga pagpapahayag sa kanila, B. hindi lamang sinunod ang lahat ng mga kundisyong ito, ngunit naging resulta. upang maging isa sa mga pinakadakilang masters nito, classical sa kanyang sariling paraan, form verse. B. nabibilang sa lahi ng mga makata ng iskultor. Siya ay inukit o pinepeke ang kanyang mga tula. Ang kanyang mga gawa ay matatag, ang bawat salita ay tiyak na nakatayo sa kanyang lugar. Matapang ang craftsmanship dito.

Ang realismo bilang isang malayang kalakaran ay itinatag noong 1840s, na kalaunan ay naipasa sa anyo ng kritikal na realismo (ang pinakamataas na punto ng realismo - pagkakalantad ng mga bisyo ng lipunan). Ang pag-unlad ng realismo ay sinamahan ng pag-unlad ng kapitalistang paraan ng produksyon, at, dahil dito, ng paglago ng mga kontradiksyon sa lipunan, na makikita sa sining ng panahong iyon.

Realismo sa sining ng ika-19 na siglo pinagsama sa romantikismo

Pagkadismaya sa kinalabasan ng mga rebolusyon

Negatibong saloobin sa burges na katotohanan

Apela sa espirituwal na mundo ng isang tao

Ang pakikibaka para sa pagpapatibay sa sarili

Malapit na ang tema ng nasyonalidad

Gayunpaman, hindi tulad ng mga romantiko, tumakas mula sa katotohanan, isinasaalang-alang ang mga sitwasyong pang-emergency, hindi pangkaraniwang mga personalidad, mga kabayanihan na sitwasyon, mabagyo na mga hilig sa buhay, ang pagiging totoo ay tumagos nang malalim sa katotohanan, sa pampublikong buhay.

Mga bagong diskarte ng 19th century realist artist sa pagsasalamin kung ano ang tunay na nangyayari “dito at ngayon”. Ang mga artista ay kumbinsido sa posibilidad na makilala ang obhetibong umiiral na mundo sa pamamagitan ng sining. Bumaling sila sa mga eksena ng buhay burges, pinaliwanagan ang buhay ng mga magsasaka, ang pang-araw-araw na buhay ng mga nakabababang uri sa lunsod.

Isa sa mga unang realista sa French painting ay Gustave Courtbet, na tumalakay sa paksa ng paggawa ("Stone Crushers"), ay nagsulat ng mga social canvases batay sa tunay na motibo ("Funeral at Ornans"). Ang "proseism" ni Courbet ay isang bukas na hamon sa opisyal na pagpuna.

Francois Millet- isang genre ng magsasaka, na walang melodramatic at etnographic shades, ngunit sa pamamagitan ng paghahatid ng mga poses, kilos, paggalaw ng katawan, ipinahayag ang likas na katangian ng proseso ng paggawa, ang lakas at kagalingan ng mga magsasaka ("Mga babaeng magsasaka na may brushwood", "Mga kolektor ng mga tainga ") - epic monumental canvases na puno ng sigla at katotohanan ...

Si Honore Daumier ay isang artista ng kritikal na realismo na, tulad ni O. Balzac, ay lumikha ng "Human Comedy" ng panahon sa libu-libong mga lithograph, mga guhit at mga pagpipinta - mga karikatura ni King Louis Philippe sa mga satirical magazine na "Caricature" at "Sharivari" ( "Ibaba ang Kurtina" ), ang pangunahing genre nito ay pangungutya ng mga moral: ang philistine na mundo ng mga manloloko, tanga, mga probinsyano sa kabisera ("Mga Pigura ng Katarungan"). Ang "Laundress" ay hindi isang portrait, ngunit isang kolektibong imahe ng lahat ng Parisian labandera; isang larawan kung saan ipinahayag ng may-akda ang lahat ng kanyang pagmamahal sa mga tao. Isang serye ng mga guhit para kay Don Quixote, kung saan sa imahe ng pangunahing karakter sinubukan ng artista na ipakita ang kanyang sariling posisyon sa lipunan, ang tema ng pagdurusa ng tao. Ang katas ng lipunan ng kanyang mga pakana ay isang panimbang sa ipinagbabawal na censorship.

Pambansang tanawin ng Pransya:

Jean Baptiste Camille Corot- mala-tula na espirituwalidad ng kalikasan; paboritong motibo - "pagkatapos ng ulan", i.e. nababagong estado ng kalikasan; ang silvery tonality ng kanyang painting na "Koro's Grey Haze".

Paaralan ng Barbizon- ang pangunahing layunin: ang imahe ng pagka-orihinal ng pambansang tanawin, ang paglipat ng nagbabagong estado ng kalikasan, ang pagtanggi sa mga compositional canon. Theodore Russo- "Landscape na may Tulay" - isang tanawin mula sa kalikasan, espesyal na atensyon sa anyo, ang lahat ng mga puno ay indibidwal, ang pagmomolde ng larawan ay ginagawa silang napakalaki at halos sculptural, ang kanilang monumentalidad ay binibigyang diin ng isang mababang abot-tanaw.

Jules Dupre- "Autumn landscape" - ang epekto ng papalubog na araw ay binibigyang-diin ang kaibahan ng mga kulay ng taglagas na tanawin pagkatapos ng ulan, ang mga punong nangingibabaw sa komposisyon ay lalong solemne.

Charles Daubigny- mga landscape ng ilog ("Ang mga pampang ng Oise"), ang pagnanais na mahuli ang pinakamaliit na pagbabago sa estado ng kalikasan, isang banayad na nakalarawan na paghahatid ng mga liwanag na nakapaloob na mga bagay.

Mula noong katapusan ng ika-18 siglo. Malaki ang ginampanan ng France sa buhay panlipunan at pampulitika ng Kanlurang Europa. XIX na siglo. minarkahan ng isang malawak na demokratikong kilusan na yumakap sa halos lahat ng strata ng lipunang Pranses. Ang rebolusyon ng 1830 ay sinundan ng rebolusyon ng 1848. Noong 1871, ang mga taong nagproklama sa Paris Commune ay gumawa ng unang pagtatangka sa kasaysayan ng France at sa buong Kanlurang Europa na agawin ang kapangyarihang pampulitika sa estado.

Ang kritikal na sitwasyon na namamayani sa bansa ay hindi maaaring makaapekto sa saloobin ng mga tao. Sa panahong ito, ang mga progresibong French intelligentsia ay nagsusumikap na makahanap ng mga bagong landas sa sining at mga bagong anyo ng masining na pagpapahayag. Iyon ang dahilan kung bakit sa pagpipinta ng France, ang mga makatotohanang tendensya ay ipinahayag nang mas maaga kaysa sa ibang mga bansa sa Kanlurang Europa.

Ang rebolusyon ng 1830 ay nagbigay-buhay sa mga demokratikong kalayaan sa France, na hindi nabigong sinamantala ng mga graphic artist. Ang mga matatalim na cartoon na pampulitika na naglalayong laban sa mga naghaharing lupon, pati na rin ang mga bisyong namamayani sa lipunan, ay napuno sa mga pahina ng mga magasin na "Sharivari", "Caricature". Ang mga ilustrasyon para sa mga peryodiko ay ginawa gamit ang pamamaraan ng lithography. Sa genre ng mga karikatura nagtrabaho tulad ng mga artist bilang A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, pati na rin ang kahanga-hangang Pranses graphic artist O. Domier.

Ang isang mahalagang papel sa sining ng Pransya sa panahon sa pagitan ng mga rebolusyon ng 1830 at 1848 ay ginampanan ng makatotohanang kalakaran sa pagpipinta ng landscape - ang tinatawag na. paaralan ng barbizon. Ang terminong ito ay nagmula sa pangalan ng maliit na kaakit-akit na nayon ng Barbizon malapit sa Paris, kung saan noong 1830-1840s. maraming Pranses na artista ang dumating upang pag-aralan ang kalikasan. Hindi nasisiyahan sa mga tradisyon ng akademikong sining, na walang buhay na konkreto at pambansang pagkakakilanlan, nagpumilit sila sa Barbizon, kung saan, maingat na sinusuri ang lahat ng mga pagbabagong nagaganap sa kalikasan, nagpinta sila ng mga larawan na naglalarawan ng mga katamtamang sulok ng kalikasang Pranses.

Kahit na ang mga gawa ng mga masters ng Barbizon school ay kapansin-pansin sa kanilang pagiging totoo at objectivity, ang mood ng may-akda, ang kanyang mga damdamin at damdamin ay palaging nararamdaman sa kanila. Ang kalikasan sa mga tanawin ng mga taong Barbizon ay hindi mukhang marilag at malayo, ito ay malapit at naiintindihan ng tao.

Kadalasan, ang mga artista ay nagpinta ng parehong lugar (kagubatan, ilog, lawa) sa iba't ibang oras ng araw at sa ilalim ng iba't ibang kondisyon ng panahon. Pinoproseso nila ang mga sketch na ginawa sa open air sa workshop, na lumilikha ng isang larawan na mahalaga sa compositional construction. Kadalasan sa natapos na gawaing pagpipinta, ang pagiging bago ng mga kulay na likas sa mga sketch ay nawala, kaya ang mga canvases ng maraming mga Barbizonian ay nakikilala sa pamamagitan ng isang madilim na kulay.

Ang pinakamalaking kinatawan ng paaralan ng Barbizon ay si Theodore Rousseau, na, isa nang sikat na pintor ng landscape, nagretiro mula sa akademikong pagpipinta at dumating sa Barbizon. Nagprotesta laban sa barbaric deforestation, pinagkalooban ni Rousseau ang kalikasan ng mga katangian ng tao. Siya mismo ang nagsabi na naririnig niya ang mga tinig ng mga puno at naiintindihan niya ang mga ito. Ang isang mahusay na connoisseur ng kagubatan, ang artist ay napaka-tumpak na nagbibigay ng istraktura, species, sukat ng bawat puno ("Forest of Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Kasabay nito, ang mga gawa ni Rousseau ay nagpapakita na ang artist, na ang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng akademikong sining at ang pagpipinta ng mga matandang masters, ay hindi maaaring, kahit gaano siya sinubukan, upang malutas ang problema ng paglilipat ng liwanag-hangin. kapaligiran. Samakatuwid, ang liwanag at kulay sa kanyang mga landscape ay kadalasang may kondisyon.

Malaki ang impluwensya ng sining ni Rousseau sa mga batang Pranses na artista. Ang mga kinatawan ng Academy, na kasangkot sa pagpili ng mga pagpipinta para sa mga Salon, ay sinubukang pigilan ang gawain ni Rousseau mula sa mga eksibisyon.

Ang mga sikat na master sa paaralan ng Barbizon ay sina Jules Dupre, na ang mga tanawin ay naglalaman ng mga tampok ng romantikong sining (The Big Oak, 1844-1855; Landscape with Cows, 1850), at Narcis Diaz, na naninirahan sa kagubatan ng Fontainebleau na may mga hubad na pigura ng mga nymph at sinaunang diyosa. (Venus kasama si cupid ", 1851).

Si Charles Daubigny, na nagsimula sa kanyang karera sa mga ilustrasyon, ay isang kinatawan ng nakababatang henerasyon ng mga Barbizonian, ngunit noong 1840s. nakatuon sa tanawin. Ang kanyang mga liriko na landscape, na nakatuon sa mga hindi mapagpanggap na sulok ng kalikasan, ay puno ng sikat ng araw at hangin. Kadalasan ay nagpinta si Daubigny hindi lamang ng mga sketch mula sa kalikasan, ngunit natapos din ang mga pagpipinta. Nagtayo siya ng isang pagawaan ng bangka kung saan siya naglayag sa tabi ng ilog, huminto sa pinakakaakit-akit na mga lugar.

Ang pinakamalaking Pranses na artista noong ika-19 na siglo ay malapit sa mga Barbizonian. K. Corot.

Ang rebolusyon ng 1848 ay humantong sa isang pambihirang pagsulong sa pampublikong buhay ng France, sa kultura at sining nito. Sa oras na ito, dalawang pangunahing kinatawan ng makatotohanang pagpipinta ang nagtrabaho sa bansa - J.-F. Millet at G. Courtbet.

Ang French realism ay pangunahing nauugnay sa mga pangalan ng Stendhal at Balzac, at ito ay totoo sa kasaysayan. Gayunpaman, hindi natin dapat kalimutan na mayroon silang mga mahuhusay na nauna, kung saan ang mga gawa ay napakalinaw na ipinahiwatig ang mga makatotohanang prinsipyo ng pagsulat. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa makata na si Pierre-Jean Beranger, na kilala sa kanyang mga kanta, at ang manunulat ng prosa na si Paul-Louis Courier, ang sikat na pamphleteer, na nagbalik ng wikang Pranses, sa mga salita ni Stendhal, "sa dating pagiging simple nito." Ang mga kanta ni Beranger at ang mga polyeto ng Courier ay nag-ambag sa pagbuo ng makatotohanang poetics. Ang parehong layunin ay hinabol ng pang-araw-araw, moral-descriptive at "pisyolohikal" na mga sanaysay, na naging mass school ng French realism.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga mahuhusay na manunulat sa arena ng panitikan ng France, na nagdala sa kanyang katanyagan sa mundo: Frederic Stendhal (pseudonym of Henri-Marie Beyle; 1783-1842), Honore de Balzac (totoong pangalan Balsa; 1799- 1850) at Prosper Mérimée (1803 -1870).

Stendhal (mga nobela na "Armane", "Red and Black", "Parma Cloister", "Lucien Leuven", "Lamiel", ang kwentong "Memoirs of an Egoist", ang maikling kwento na "Vanina Vanini", ang mga aklat na "The Life of Haydn, Mozart at Metastasio", " History of Painting in Italy "," Rome, Naples and Florence "," About Love "," The Life of Rossini "," Racine and Shakespeare "at iba pang mga gawa) ay ang lumikha ng isang makatotohanang nobelang sikolohikal. Ito ang kanyang pangunahing merito, na hindi dinaanan ng kilusang pampanitikan sa mundo.

Si Stendhal ay isang demokrata na naghahanap ng mga sanhi ng mga phenomena sa nakapaligid na katotohanan. Siya ay nagkaroon ng pambihirang interes sa isip ng tao at ang mga koneksyon nito sa mga pandama. Iniisip noon ni Stendhal na sa batayan ng lahat ng mga aksyon ng tao ay namamalagi ang isang personal, egoistic na pagnanais, na, gayunpaman, ay dapat na subordinated sa moral na damdamin. Binigyan niya ng malaking kahalagahan ang kalooban at itinuturing itong isa sa mga pangunahing puwersa ng personalidad.

Sa kanyang mga gawa ng fiction, si Stendhal, hindi tulad ng iba pang mga realista, lalo na mula sa Balzac, ay naglalagay ng mas malakas na diin sa panloob na mundo ng isang tao kaysa sa lipunan at sa panlabas na kapaligiran ng bayani. Ang isang tao ay umaakit sa kanya hindi tulad ng isang panlipunang produkto, bilang ang buhay ng kanyang kamalayan. Gayunpaman, hindi iniiwan ni Stendhal ang socio-historical determinism. Kaya, nakapalibot kay Pietro, ang bayani ng nobelang "Vanina Vanini", na may isang romantikong halo, si Stendhal ay nag-udyok sa kanyang pagnanasa sa nasyonalidad (Italian), ang espesyal na papel ng relihiyon sa kanyang isip (pagkatapos ng pagkatalo, siya, isang makabayan, ay nakadarama ng parusa at resorts sa tulong ng relihiyon), panlipunang pakiramdam, sa mga nag-uutos sa kanya na mas gusto ang pag-ibig sa inang bayan kaysa pag-ibig ng isang babae. Sa pagpapaliwanag sa mga prinsipyo ng pagkamalikhain, ginamit ni Stendhal ang kanyang karanasan at iginuhit ang mga karakter na inilarawan niya mula sa mga taong pamilyar sa kanya: "Kumuha ako ng isa sa mga taong kilala ko at sinasabi sa aking sarili: ang taong ito ay may ilang mga gawi, na ginagawa tuwing umaga sa ang paghahanap para sa kaligayahan, at pagkatapos ay bibigyan ko siya ng kaunting katalinuhan." Naniniwala si Stendhal na ang isang tao (at sa maraming paraan ng isang lipunan) ay pinamamahalaan ng mga hilig. Ang pinakamahalaga sa kanila ay ang pag-ibig, na naging sentro ng kanyang artistikong interes.

Iniisa-isa ni Stendhal ang apat na hilig sa pag-ibig ("On Love"): "passion-love", "passion-ambition", "passion-attraction", "physical passion". Ang pangunahing pansin ay binabayaran sa unang dalawa, kung saan ang "pag-ibig-pag-iibigan" ay totoo at walang hanggan, at ang "pagnanasa-ambisyon" ay mapagkunwari at ipinanganak noong ika-19 na siglo.

Ang sikolohiya ni Stendhal ay batay sa kaibahan ng "passion-love" at "passion-ambition," sa isang banda, at sa contrast ng passion at reason, sa kabilang banda. Ang bayani ni Stendhal, bilang Pechorin mamaya sa Lermontov, ay napansin na sa kanya sa isang tao ay tila may dalawa: ang isa ay nabubuhay at kumikilos, at ang isa ay nagmamasid sa kanya. Mula sa karanasan ng pagmumuni-muni, ang manunulat ay gumuhit ng isang mahalagang konklusyon: "Ang kaluluwa ay may mga estado lamang, wala itong matatag na katangian." Ang pinakamalalim na paraan upang ihayag ang panloob na mundo, ang buhay ng kaluluwa, ay ang panloob na monologo na katangian ng lahat ng pangunahing karakter ng manunulat - Julien Sorel, Lucien Leuven, Fabrizio del Dongo, atbp.

Sa buhay ng kaisipan ni Stendhal, interesado siya sa paggalaw ng pag-iisip, dahil ang mga hilig ay napuno ng makatuwirang prinsipyo. Huminto ang manunulat bago suriin ang mga estado ng pag-iisip, itinuro lamang ang mga ito. Gayunpaman, ang mga aksyon ng mga bayani ay palaging inilalarawan niya kasabay ng mga reaksyon sa kanila, at nagbibigay ito ng isang ideya ng walang katapusang sariling katangian ng makatuwiran at pandama na karanasan ng mga tao.

Sa kailaliman ng romantikong sining sa simula ng ika-19 na siglo, nagsimulang mabuo ang realismo, na nauugnay sa mga progresibong damdamin ng publiko. Ang terminong ito ay unang ipinakilala sa paggamit noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang kritiko sa panitikan ng Pranses na si J. Chanfleury upang italaga ang sining na laban sa romantikismo at simbolismo "Ngunit ang realismo ay isang mas malalim na kategorya kaysa sa mga indibidwal na artistikong istilo sa sining. Ang realismo sa pinakamalawak na kahulugan ng salita ay naglalayong ganap na maipakita ang totoong buhay. Ito ay isang uri ng aesthetic core ng artistikong kultura, na naramdaman na sa Renaissance - "Renaissance realism", at sa Enlightenment - "Enlightenment realism". Ngunit mula noong 30s

XIX na siglo. makatotohanang sining, nagsusumikap para sa isang tumpak na pagpapakita ng kapaligiran, hindi sinasadyang tinuligsa ang burges na katotohanan. Sa oras, ang kasalukuyang ito, na nakatanggap ng pangalan kritikal na pagiging totoo, kasabay ng pag-usbong ng kilusang paggawa sa iba't ibang bansa sa Europa.

Sa una, ang realismo ay nakilala sa naturalismo, at ang paglipat dito, sabihin, sa Alemanya at Austria, ay Biedermeier - direksyon ng estilo, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng poeticization ng mundo ng mga bagay, ang kaginhawaan ng loob ng bahay, malapit na pansin sa pamilya araw-araw na mga eksena. Biedermeier sa halip ay mabilis na bumagsak sa isang petiburges na matamis na naturalismo, kung saan ang mga hindi gaanong kabuluhan na pang-araw-araw na mga detalye, ngunit nakasulat na "katulad ng sa buhay", ay nauna.

Sa France, ang realismo ay nauugnay sa pragmatismo, ang pamamayani ng materyalistikong pananaw, ang nangingibabaw na papel ng agham. Kabilang sa pinakamalaking kinatawan ng realismo sa panitikan ay sina O. Balzac, G. Flaubert, at sa pagpipinta - O. Daumier at G. Courbet.

Suportahan si de Balzac(1799-1850) na nasa isa sa kanyang mga unang gawa na "Shagreen Skin", na pinagsama ang romantikong imahe at simbolismo na may matino na pagsusuri, ay realistikong sumasalamin sa kapaligiran ng Paris pagkatapos ng rebolusyon ng 1830. Ayon sa mga batas ng kanyang sining, si Balzac, sa isang serye ng mga nobela at kwento na bumubuo sa epikong "The Human Comedy", ay nagpakita ng isang panlipunang hiwa ng lipunan kung saan ang mga kinatawan ng lahat ng klase, estado, propesyon, sikolohikal na uri ay nabubuhay at nakikipag-ugnayan. , na naging mga karaniwang pangngalan, gaya ng, halimbawa, Gobsec at Rastignac ... Ang epiko, na binubuo ng 90 nobela at kwento at pinag-ugnay ng isang karaniwang konsepto at mga karakter, ay may kasamang tatlong seksyon: pag-aaral ng moral, pilosopikal na pag-aaral at analytical na pag-aaral. Ang mga pag-aaral ng moral ay sumasalamin sa mga eksena ng probinsyal, Parisian, rural na buhay, pribado, pampulitika at militar. Kaya, maliwanag na ipinakita ni Balzac ang mga batas ng pag-unlad ng katotohanan sa isang spiral mula sa mga katotohanan hanggang sa pilosopikal na pangkalahatan. Ayon mismo sa may-akda, hinahangad niyang ilarawan ang isang lipunang "naglalaman ng batayan ng paggalaw nito." Ang epiko ni Balzac ay isang engrande sa lawak ng saklaw na makatotohanang larawan ng lipunang Pranses, na sumasalamin sa mga kontradiksyon nito, ang kabaligtaran ng burges na mga saloobin at kaugalian. Kasabay nito, higit sa isang beses ay nagtalo si Balzac na hindi siya nagpinta ng mga larawan ng ilang mga tao, ngunit mga pangkalahatang larawan: ang kanyang mga karakter sa panitikan ay hindi mapang-alipin na kinopya na mga modelo, ngunit isang uri ng ispesimen ng genus, na pinagsasama ang pinaka-katangian na mga katangian ng isa. larawan o iba pa. Ang paglalahat ay isa sa mga pangunahing utos ng estetika ni Balzac.

Estetika Gustaea Flaubert(1821-1880) natagpuan ang pagpapahayag nito sa konseptong kanyang nilikha tungkol sa natatanging papel at elitismo ng panitikan, na inihalintulad niya sa agham.Ang paglitaw ng nobela ni Madame Bovary ay nagmarka ng bagong panahon sa panitikan. Gamit ang isang simpleng kwento tungkol sa pagtataksil ng mag-asawa, si Flaubert ang aming paraan upang ipakita ang malalim na ugat ng nakapalibot na kahalayan, ang kawalang-halaga sa moral ng burgesya ng probinsiya, ang nakasusuklam na kapaligiran ng Ikalawang Imperyo na nabuo pagkatapos ng kudeta noong Hulyo ni Louis Bonaparte noong 1848. Ang nobela, ang obra maestra ng panitikang Pranses, ay hindi walang dahilan na tinatawag na encyclopedia ng lalawigan ng Pransya noong ika-19 na siglo. Ang manunulat, na pumipili ng mga detalye ng katangian, ay nagpapanumbalik ng makasaysayang larawan ng buong lipunan mula sa hindi gaanong mahalagang mga palatandaan ng panahon. Ang maliit na bayan ng Yonville, kung saan ang pagkilos ng nobela, ay kumakatawan sa buong France sa maliit na larawan: mayroon itong sariling maharlika, klero nito, sariling burgesya, mga manggagawa at magsasaka, sariling mga pulubi at bumbero, na kinuha. ang lugar ng militar. Ang mga taong ito, na namumuhay nang magkatabi, ay mahalagang hindi nagkakaisa, walang malasakit sa isa't isa at kung minsan ay palaban. Ang panlipunang hierarchy ay hindi masira dito, malakas

itinutulak ang mahina: inilalabas ng mga may-ari ang kanilang galit sa mga katulong - sa mga inosenteng hayop. Ang pagiging makasarili at kawalang-interes, tulad ng isang impeksyon, ay kumalat sa buong distrito, ang mga damdamin ng kawalan ng pag-asa at kalungkutan ay tumagos sa lahat ng mga butas ng buhay. Si Flaubert na artista ay abala sa kulay at tunog ng nobela, na nagsilbing isang uri ng saliw sa malungkot na kuwento ni Emma Bovary. "Para sa akin," ang isinulat ni Flaubert, "may isang bagay lamang na mahalaga - upang maihatid ang kulay abong kulay, ang kulay ng amag, kung saan ang mga woodlice ay namumulaklak." Sa kanyang panlalawigang drama, sinaktan ni Flaubert ang philistine taste, at pseudo-romanticism. Ito ay hindi para sa wala na Madame Bovary ay inihambing sa Don Quixote ni Cervantes, na nagtapos sa kanyang libangan para sa isang knightly romance. Pinatunayan ni Flaubert ang napakalaking potensyal ng makatotohanang sining at nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa pag-unlad ng realismo sa panitikan ng mundo.

Ang rebolusyon ng 1830 ay nagbukas ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng artistikong kultura ng France, lalo na, nag-ambag ito sa pag-unlad ng karikatura bilang isang makapangyarihang paraan ng pagpuna. Sa panitikan, tula, sa visual arts - ang mga graphic na pinakamatingkad na tumugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan. Ang kinikilalang master ng satirical graphics ay Honore Daumier(1808-1879). Bilang isang napakatalino na draftsman, master of line, gumawa siya ng mga nagpapahayag na mga imahe na may isang stroke, spot, silhouette at ginawang isang tunay na sining ang political caricature.

Mahusay na pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng pagmomolde ng liwanag at anino, gumamit si Daumier ng mga graphic technique sa kanyang mga pagpipinta at palaging binibigyang-diin ang tabas. Sa isang kalmado, tuluy-tuloy na itim na kayumanggi na linya, binalangkas niya ang mga contour ng mga figure, profile, headdress, na isang tampok ng kanyang pamamaraan ng larawan.

Ang mga pagpipinta ni Daumier ay ipinahiwatig ng mga cycle, ang una ay ang rebolusyonaryo. Makatuwirang masasabi na ang rebolusyon ng 1830 ay lumikha ng Daumier na graphic artist, ang rebolusyon ng 1848 ay lumikha ng pintor ng Daumier. Si Daumier ay isang matibay na republikano, at ang mga simpatiya ng artista ay nasa panig ng proletaryado at ng mga demokratikong intelihente. Ang pinakamahalagang gawain ng rebolusyonaryong cycle ay ang "Pag-aalsa", kung saan, sa pamamagitan ng pagpapakita lamang ng ilang mga pigura, pag-aayos ng mga ito nang pahilis, nakamit ni Daumier ang impresyon at paggalaw ng isang malaking pulutong ng mga tao, at ang inspirasyon ng masa, at ang lawak ng ang aksyon sa labas ng canvas. Nakatuon lang siya sa pigura ng isang binata na naka-light shirt. Siya ay nasa ilalim ng pangkalahatang kilusan at sa parehong oras ay nagtuturo nito, lumingon sa mga naglalakad sa likuran at nagpapakita ng daan patungo sa layunin na may nakataas na kamay. Sa tabi niya ay isang intelektwal, na ang maputlang mukha ay nagyelo sa pagkamangha, ngunit siya, na dinala ng isang karaniwang salpok, ay sumanib sa karamihan.

Ang Don Quixote cycle ay matatawag na tuluy-tuloy na cycle sa trabaho ni Daumier. Ang kanyang interpretasyon sa mga larawan ng Don Quixote at Sancho Panza ay walang kapantay sa sining ng Pranses. Sa kaibahan sa mga karaniwang ilustrador ng Cervantes, si Daumier ay interesado lamang sa sikolohikal na bahagi ng imahe, at ang leitmotif ng lahat ng kanyang 27 variation ay ang payat, hindi kapani-paniwalang matangkad at tuwid na Don Quixote, na nakasakay sa isang madilim na maburol na tanawin sa kanyang napakalaking bony. Rossinante-like gothic chimera; at sa likod niya sa isang asno ang laging nahuhuli na duwag na si Sancho Panza. Ang imahe ni Sancho ay tila nagsasabi: sapat na mga mithiin, sapat na pakikibaka, oras na upang tuluyang huminto. Ngunit si Don Quixote ay walang paltos na sumusunod pasulong, tapat sa kanyang pangarap, hindi siya pinipigilan ng mga hadlang, hindi siya naaakit ng mga pagpapala ng buhay, siya ay lahat sa paggalaw, sa paghahanap.

Kung sa "Don Quixote" na sinasalamin ni Daumier ang kalunos-lunos na kontradiksyon sa pagitan ng dalawang panig ng kaluluwa ng tao, kung gayon sa seryeng "Mga Hukom at Abogado" ay lumitaw ang isang nakakatakot na pagsalungat sa pagitan ng hitsura, panlabas na anyo ng isang tao, at ang kanyang kakanyahan. Sa mga tunay na mapanlikhang yugto, si Daumier ay naging sosyal at

Ang realismo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa kailaliman ng romantikismo sa simula ng ika-19 na siglo. Ang bagong turn na ito ay nauugnay sa mga progresibong damdamin ng publiko at ang pagtindi ng pagbuo ng mga bansa, pambansang kultura, interes sa kasaysayan at kultura ng etniko, pangunahin sa pambansang panitikan. Pag-uusapan natin ang tungkol sa romantikismo at simbolismo sa ibang pagkakataon, kahit papaano sa loob ng balangkas ng isang hiwalay na paksa. Sa ngayon, mahalaga at sapat na sabihin na ang romantikismo ay tinanggihan at tinanggihan ang nangungunang papel ng klasisismo at akademya sa pag-unlad ng sining.

Sa unang pagkakataon na termino pagiging totoo sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ito ay ipinakilala ng Pranses na manunulat at kritiko sa panitikan na si J. Chanfleurie. Ang realismo ay naunawaan bilang isang kumpleto at tumpak na pagmuni-muni ng nakapaligid na totoong buhay, na hindi sinasadyang naglantad sa mga bisyo at problema ng burges na realidad ng panahon.

J. Chanfleurie

Gayunpaman, ang realismo bilang isang aesthetic phenomenon sa artistikong kultura ay hindi ganap na balita, nang walang paggamit ng naaangkop na terminolohiya, naramdaman na ito sa Renaissance - "Renaissance realism", at sa panahon ng Enlightenment - "Enlightenment realism". Ngunit noong ika-19 na siglo, sa iba't ibang bansa, mayroon itong sariling mga partikular na tampok.

Sa France, realism, na nakatanggap ng pangalan kritikal na pagiging totoo , ay nauugnay sa pragmatismo at ang pamamayani ng materyalistikong pananaw, ang nangingibabaw na papel ng agham at pambansang panitikan ng Pranses sa pagtukoy sa mga gawain ng pag-unlad ng sining. Kabilang sa mga pinakamalaking kinatawan ng French kritikal na realismo sa panitikan ay sina O. Balzac, V. Hugo at G. Flaubert, na ang mga gawa ay kilala sa mga edukadong bahagi ng lipunang Ruso at bahagyang naisalin na.

Honore de Balzac

Victor Hugo Gustave Flaubert

Ang mga pangunahing kinatawan ng kritikal na realismo sa French painting ay sina Honore Daumier, Gustave Courbet, François Millet, Camille Corot at Theodore Rousseau.

Rebolusyon ng 1830 nagbukas ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng sining, karikatura, sa partikular na makikinang, nagpapahayag na mga imahe O. Daumier (1818-1879) ginawang tunay na sining ang satirical graphics.

Honore Daumier portrait ni O. Daumier sa genre ng caricature

Ang mga graphic at painting na gawa ni Daumier ay itinalaga ayon sa mga serye o cycle: "Don Quixote" at "People of Justice" ("Judges and Lawyers"), ngunit ang una ay isang rebolusyonaryong serye, na binubuo ng dalawang bahagi: 1830 at 1848. Ang pinakamahalagang gawain sa siklong ito ay ang "Pag-aalsa" at "Pambatasan na Asamblea".
Sa pamamagitan ng pagpapakita lamang ng ilang tao sa isang dayagonal, nakamit ng artist ang impresyon ng isang malaking pulutong ng mga tao na gumagalaw. Ang diin ay inilalagay sa pigura ng isang binata sa isang magaan na kamiseta, na parehong nasa ilalim ng pangkalahatang kilusan at ginagabayan siya, na nagpapakita ng daan patungo sa layunin na may nakataas na kamay.

Insureksyon. 1830 g.

Sa isang ukit / lithograph, inilarawan ng pintor ang Legislative Assembly o ang Legislative Womb ng mga ministro at miyembro ng gobyerno sa anyo ng isang pangit at kahabag-habag na kumpanya.

Pambatasang sinapupunan

Sa seryeng "Mga Hukom at Abogado" - nagpapakita ng nakakatakot na pagsalungat sa pagitan ng hitsura, panlabas na anyo ng isang tao, at ang kanyang kakanyahan. Ang mga abogado at hukom ni Daumier ay ang pinakabuod ng kasinungalingan, pagkukunwari at bisyo, ang personipikasyon ng hindi lamang burges na hukuman, kundi bahagi ng lipunan sa kabuuan.

Tagapagtanggol ng Hukuman

Ang interpretasyon ng mga character ng Don Quixote cycle - na nagpapakita ng trahedya na kontradiksyon sa pagitan ng dalawang panig ng kaluluwa ng tao ay walang mga analogue sa sining ng mundo. Si Don Quixote, payat, hindi kapani-paniwalang matangkad, sumakay sa isang madilim na maburol na tanawin sa isang napakalaking bony na Rocinante, palaging sumusunod pasulong, tapat sa kanyang pangarap, hindi siya napipigilan ng mga hadlang, hindi siya naaakit ng mga pagpapala ng buhay, siya ay nasa lahat. galaw, sa paghahanap. Sa likod niya ay ang kanyang kabaligtaran - sa isang asno, palaging nahuhuli, ang duwag na si Sancho Panza, na tila nagsasabi: sapat na mga mithiin, sapat na pakikibaka, oras na para sa wakas ay huminto.

Don Quixote Sancho Panza at Don Quixote

Ang pangunahing tema ng gawa ng artista ay mga ordinaryong tao: mga manggagawa, maliliit na empleyado, artisan, labandera, na kanyang isinulat, na sumasalamin hindi lamang sa kanilang kalagayan, kundi sa halaga ng kanilang trabaho at personalidad. Ang kanyang catchphrase, "kailangan mong maging isang tao sa iyong oras," sumasalamin sa pangkalahatang direksyon ng kritikal na pagiging totoo.

Nosha o ang Labandera Lover of prints

3rd class na karwahe

Ang pangunahing pigura sa French critical realism ay Gustave Courtbet (1819-1877).

Gustave Courtbet

Siya ang kauna-unahang artista sa Kanlurang Europa na hayagang nagpahayag ng pagiging totoo bilang kanyang malikhaing pamamaraan: naglalarawan sa mga pinaka-hindi magandang tingnan na mga aspeto ng buhay na walang pagpapaganda, ideyalisasyon at sentimentalidad. Ang mga character ng kanyang mga pagpipinta ay mga kinatawan ng lahat ng mga strata ng populasyon, kabilang ang pinakamababa - mga manggagawa, pulubi, mga puta.

Ang pangunahing bagay sa trabaho ni Courbet ay ang kanyang kakayahan, kapag naglalarawan ng mga partikular na tao, na ibigay ang kanilang hitsura ng mga katangian ng tipikal na kahalagahan, at ang mga simpleng eksena sa genre sa mga plot ng Courbet ay nakakuha ng mga tampok ng monumentality.

Windbreakers Stone Crusher

Libing sa Ornans

Kahit na ang mga portrait ay madalas na binibigyan ng isang genre na karakter ng artist, na naglalarawan sa modelo sa isang partikular na setting ng sambahayan. Ang isang halimbawa ay ang eksena na naglalarawan sa ama ng artista at mga kaibigan na nagpapahinga sa isang maliit na lokal na cafe.

Pahinga sa hapon Ornane

Ang iba pang mga halimbawa ng mga portrait ni Courbet ay ang paglalarawan ng isang tao bilang simbolo ng isang tiyak na direksyon sa artistikong paglikha.

kaliwa - isang larawan ni Hector Berlioz - ang tagapagtatag ng symphony ng programa
sa kanan - isang larawan ni Charles Baudelaire, isang klasiko ng Pranses na tula (Mga Bulaklak ng Kasamaan, atbp.) - ang nagtatag ng pagkabulok at simbolismo.

Ang pinaka-nagsisiwalat na pagpipinta ng Courbet Atelier o ang Artist's Workshop ay isang kumplikadong alegorikal na komposisyon, kung saan sa likod ng bawat makatotohanan, nakikilalang portrait na larawan ay mayroong isang partikular na uri, na itinaas ng artist sa ranggo ng isang simbolo.

Atelier o Workshop ng artist

Kasabay nito, binigyang-diin ng artista na ito ay isang bagong uri ng alegorya, makatotohanan, na walang kinalaman sa romantikong pantasya o ang nakakaiyak na sentimentalidad ng simbolismo.
Para kay Courbet, ang pinakamahalagang kalidad ng makatotohanang sining ay hindi pakikiramay sa mga nahihirapan at inaapi, ngunit ang pagpapakita ng kanilang pagiging kapaki-pakinabang bilang mga miyembro ng lipunan; hindi isang salamin ng panloob na mundo, ngunit ang mga katangiang panlipunan ng mga modelo.
Naniniwala si Courbet na ang kakanyahan ng realismo ay ang pagtanggi sa ideyal, sa gayon, ang katwiran ay dapat mangibabaw sa lahat ng bagay na may kinalaman sa isang tao. Ang ganoong posisyon lamang, ang paniniwala ng artista, ay humahantong sa pagpapalaya ng indibidwal at, sa huli, sa demokrasya.

Galing sa pamilyang magsasaka F. Millet (1814-1875), ang buhay at gawain ng isang magsasaka ang pangunahing tema ng kanyang mga pagpipinta, na nagpapakita ng paggawa sa kanayunan bilang natural na kalagayan ng tao, isang anyo ng kanyang pagkatao.

Jean-Francois Millet

Naniniwala ang artista na nasa trabaho ang koneksyon sa pagitan ng tao at kalikasan, na nagtuturo at nagpapalaki sa kanya.

Pagtatanim ng patatas Harvesters

Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga artista sa France, na pangunahing nagtatrabaho sa larangan ng pambansang tanawin. Nabibilang ang nangungunang papel sa makatotohanang tanawin Camille Corot (1796-1875).

Camille Corot

Nagsusumikap na lumikha ng isang makatotohanang pangkalahatang imahe ng kalikasan, sinubukan ni Corot na ipahayag ang kanyang mga damdamin at mood dito. Itinuring ng artist na ang pangunahing tool ay ang kalmado, nagkakalat, pinakamainam na liwanag ng maulap na araw. Siya ay nagtrabaho ng maraming sa paghahatid ng liwanag sa larawan, naghahanap ng maraming iba't ibang mga kulay ng parehong kulay, ang tinatawag na valeurs, sinusubukang magbigay ng sindak sa kanyang mga landscape.

Gust of Wind Source

View ng Riva. Italian Tyrol Tivoli, mga hardin ng Villa d Este, malapit sa Rome, Italy

Ang sining ng France sa Panahon ng Enlightenment ay umunlad sa gitna ng paghina ng pyudal-absolutist na sistema, ang paglago at pag-rally ng mga demokratikong anti-pyudal na pwersa ng lipunan sa bisperas ng burges na rebolusyon.

Ang pagkawatak-watak ng absolutismo, ang pagpapalakas ng mga bagong pwersang panlipunan — ito ay mga prosesong tumagal ng ilang dekada. Ang maharlika ay mahigpit na pinanghahawakan ang kanilang mga pribilehiyong pyudal, pinrotektahan sila ng absolutistang estado, suportado ng simbahan ang paniniwala sa kanilang kawalang-bisa, hinahabol ang lahat ng pagdududa at protesta. Ngunit ang progresibong kaisipang panlipunan ay umunlad nang higit at mas mabilis, na may parami nang paraming pag-aalsa ng mga magsasaka at lunsod na yumanig sa mga alipin ng France.

Kailangan ang isang matigas na pakikibaka sa ideolohiya upang ihanda ang mga isipan para sa rebolusyon, para sa pagkilos. Kinailangan na linisin ang lupa para sa pagkilos na ito, na pinalaya ang isipan ng mga tao mula sa malalim na pinag-ugatan na mga maling konsepto, mula sa paniniwala sa mga lumang pagkiling, mula sa pagsunod sa napakalaking kaayusang panlipunan, salungat sa katwiran.

Kaya naman tinawag ni V.G.Belinsky ang ika-18 siglo sa France bilang siglo ng pagtanggi. Ang mga pilosopo ng kaliwanagan, na pinamumunuan nina Voltaire at Montesquieu, Diderot at Rousseau, ay nagpailalim sa sistemang pyudal at sa simbahan sa mapangwasak na pagpuna. Ang mga aktibidad ng mga enlighteners, ang kanilang mga pilosopikal at pampulitikang pananaw ay ang pinakamahalaga at nangungunang elemento ng progresibong kultura ng panahon.

Kultura ng artistikong Pranses noong ika-18 siglo sinasalamin ang mukha ng kapanahunan. Ang pakikibaka laban sa simbahan at absolutismo, na sinisira ang kanilang awtoridad, ay nagpapahina sa kahalagahan ng mga paksa ng relihiyon at kasaysayan at ang hierarchy ng mga genre na katangian ng ika-17 siglo. Sa visual arts, ang sekular, at sa ibang pagkakataon - ang sibiko na prinsipyo ay walang alinlangan na nanalo. Ito ay nababaligtad sa relasyon ng mga genre, ang mga bagong genre ay nakakakuha ng supremacy sa kanila, mula sa magagaling na kasiyahan sa simula ng siglo hanggang sa makasaysayang larawan ng mga pre-rebolusyonaryong taon na niluluwalhati ang kabayanihan na pakikibaka.

Ang pakikibaka laban sa hindi pagkakapantay-pantay ng uri, na nakuha noong ika-18 siglo. tulad ng isang makabuluhang saklaw, nagbunga ng isang mapagpasyang paninindigan sa sining ng dignidad ng indibidwal. Ang interes sa banayad at kumplikadong mga paggalaw ng kaisipan, sa pagsusuri ng mga karanasan sa kanilang banayad na lilim, ay nagpasiya ng pagka-orihinal ng ika-18 siglong pagiging totoo. Ang paghahanap para sa indibidwal, na katangian sa sining ng panahong ito, ay higit na namumukod-tangi sa kaibahan ng apotheosis ng "hari ng araw" sa pagtatapos ng ika-17 siglo.

Ang isang mahalagang lugar sa sining ng ika-18 siglo ay samakatuwid ay inookupahan ng portrait, genre at still life - ang mga genre kung saan ang makatotohanang mga tendensya ng artistikong kultura ay nabuo nang higit pa. Hindi kailanman bago, maliban sa Holland noong ika-17 siglo, ang mga genre na ito, malapit sa pang-araw-araw na buhay, sa espirituwal na mundo ng isang ordinaryong tao, ay nabuo nang napakatindi. Ang mga bagong uso sa sining ay napansin at masiglang sinuportahan ng mga enlighteners, lalo na si Denis Diderot; ang kanyang mga pagsusuri sa mga eksibisyon - ang sikat na "Mga Salon" - ay kapansin-pansin para sa kanilang masiglang koneksyon sa artistikong kasanayan, aktibong pagtatanggol sa mga advanced na paghahanap.

Sa huli, ang kinahinatnan ng mga pagbabagong ito ay ang pagbabago ng mga tradisyunal na genre - mitolohiya at relihiyon, pati na rin ang genre ng ceremonial portrait. Sa ceremonial portrait, mas malakas ang tunog ng intimate, lyrical notes, at nakuha ng mitolohiyang larawan ang katangian ng isang magiting na eksena.

Ang mukha ng kulturang artistikong Pranses ng ika-18 siglo, na sensitibo sa mga bagong problema ng panahon, ay tila napakabagu-bago. Ang malungkot na pagmuni-muni ng magiting na kasiyahan ni Watteau, ang mapaglarong pagpapanggap ng mga pastoral ni Boucher, ang tula ng pang-araw-araw na buhay sa mga eksena sa genre ni Chardin, ang analytical acuteness ng akda ni Latour - lahat ng ito ay nalalapat lamang sa unang kalahati ng ika-18 siglo, na, tila. , ay nakikilala sa pamamagitan ng higit na mas malaking pagkakaisa ng estilista kaysa sa pangalawa.

Ang pakikipag-ugnayan at pakikibaka ng mga artistikong uso ay natukoy sa pamamagitan ng pag-unlad ng kilusang antipyudal, paglawak at pagtaas nito. Ngunit ang marangal na kultura sa kanyang pino, pinong mga anyo na tipikal para sa panahong ito sa loob ng maraming dekada ay nagpasiya ng mga tampok ng nangingibabaw na artistikong direksyon. Ang humihinang maharlika ay sinamahan ng sining na nawala ang kadakilaan ng isang maringal na istilo ng sining, na walang kabayanihan, drama at lakas. Ang pagpipinta, eskultura at mga sining na inilapat ay naging mga elemento ng matikas na dekorasyon ng mga pribadong mansyon na may maliliit na intimate na interior. Ang istilong ito, na tinatawag na Rococo, ay minarkahan ng selyo ng pagkabulok; siya ay malandi at mincing, madalas erotiko; ang hina at kakaibang mga pormang pang-adorno ay pinagsama sa pagiging sopistikado ng mga pinong kupas na kulay. Ngunit ang sining ng Rococo ay naglalaman ng sarili nitong mga liriko na birtud, lalo na kapag ito ay pinayaman ng mga damdaming nakuha sa buhay ng matalik na tula. Ang larangan ng sining ng Rococo ay medyo malawak, bagaman hindi komprehensibo, mula noong kasaysayan ng sining noong ika-18 siglo. - ito ang kwento ng isang kumplikadong pakikibaka ng mga artistikong uso, na ang pangwakas ay ang tagumpay ng rebolusyonaryong klasisismo ni Louis David.

Sa pag-unlad ng sining ng Pranses noong ika-18 siglo. mayroong ilang mga yugto ( Ang periodization na ginamit sa kasaysayan ng sining ng Pransya, ayon sa panahon ng paghahari ng mga hari, ay may kondisyon at malayong tumutugma sa tunay na proseso ng artistikong pag-unlad.).

Sa unang dalawang dekada, ang larawan ay napaka-variegated pa rin, kasama ang mga tradisyon ng akademya, ang mga pandekorasyon na prinsipyo ng Rococo ay nabuo, ngunit hindi pa sila nabuo sa isang solong sistema; sa panahong ito ng krisis, nang nanaig ang pagdududa sa pagpapatibay, ang pinakakapansin-pansing kababalaghan ay ang gawa ni Antoine Watteau.

1730-1740s - ang susunod na panahon, na nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng pandekorasyon na istilo ng Rococo, pinangunahan ng mga masters tulad ng Boucher at Nattier. Sa kabilang banda, ito ang kasagsagan ng makatotohanang genre at buhay pa rin ni Chardin at ang makatotohanang larawan ng Latour. Kaya, sa dalawang dekada na ito, tumitindi ang pakikibaka ng mga artistikong uso. Ito ay dahil sa pagpapalakas ng mga progresibong pwersang panlipunan at ang pagkikristal ng mga bagong aesthetic ideals - kasama ang paglago ng kamalayan sa sarili ng ikatlong estate.

Noong 1750s at 1760s, ang pagiging totoo nina Chardin, Latour at mga master na malapit sa kanila ay patuloy na umunlad. Ngunit ang pakikibaka ay napupunta sa isang mas aktibong yugto. Ang pangangaral ni Grezov ng moral na dignidad ng mga tao mula sa ikatlong estado ay pumapalit sa mga liriko na genre ng Chardin, at ang pagiging sensitibo at didacticity ng sentimentalismo ay sumasalungat sa kawalang-galang at kawalan ng laman ng sining ng Rococo. Sa larangan ng aesthetics at pagpuna sa sining, sa mga taong ito ay may partikular na masiglang aktibidad ng mga enlighteners, na naglantad sa katiwalian ng marangal na kultura. Ang mataas na intensidad ng panlipunang pakikibaka at ang paglago ng kamalayang sibil ay nagbunga ng interes sa sinaunang kabayanihan; ang lumalagong mga usbong ng klasisismo ay naglalarawan sa pagbuo ng mga bagong masining na mithiin na karapat-dapat sa rebolusyonaryong panahon.

Mula noong 70s. Ika-18 siglo maaari nating pag-usapan ang tungkol sa isang bagong yugto kung kailan ang klasisismo ay unti-unting nagiging nangungunang direksyon hindi lamang sa arkitektura, kung saan ito ay tinukoy nang mas maaga, kundi pati na rin sa pagpipinta at eskultura. Ang sining ng panahong ito ay kinapapalooban ng "uhaw sa masiglang pagkilos" na kinuha ang pagmamay-ari ng Pranses.

Arkitektura

Kung ang ika-17 siglo sa arkitektura ng Pransya ay minarkahan ng mga engrandeng gawaing konstruksyon para sa hari, ang pangunahing resulta nito ay ang paglikha ng isang monumental na grupo ng Versailles, kung saan ang istilo ng klasisismo mismo sa kanyang kahanga-hangang kariktan ay nagpapakita ng mga elemento ng isang panloob na koneksyon na may Baroque na arkitektura, pagkatapos ay ang ika-18 siglo ay nagdadala ng mga bagong uso.

Ang konstruksiyon ay inilipat sa mga lungsod. Ang mga bagong pangangailangan ng panahon ay nagdulot ng problema sa paglikha ng isang uri ng urban residential house-mansion. Ang pag-unlad ng mga relasyong burges, ang paglago ng kalakalan at industriya, ang pagpapalakas ng papel ng ikatlong estate sa pampublikong buhay ay nagsulong ng gawain ng pagtatayo ng mga bagong pampublikong gusali - mga stock exchange, komersyal na lugar, mga pampublikong sinehan. Ang lumalagong papel ng mga lungsod sa pang-ekonomiya at pampulitikang buhay ng bansa, ang paglitaw ng mga bagong uri ng pribado at pampublikong gusali ay nagbibigay ng mga bagong kinakailangan para sa mga arkitekto sa paglikha ng isang urban ensemble.

Jules Hardouin-Mansart, Robert de Cott. Kapilya sa Palasyo ng Versailles. 1699-1710 Panloob na view

Ang istilo ng arkitektura ng panahon ay sumasailalim din sa mga pagbabago. Ang mahusay na pagkakaisa ng mga makasagisag na solusyon ng panlabas na hitsura at panloob na espasyo, katangian ng klasiko ng huling siglo, sa simula ng ika-18 siglo. nagkakawatak-watak. Ang prosesong ito ng disintegrasyon ay sinamahan ng paghihiwalay ng pagsasanay sa gusali at mga teoretikal na turo, ang pagkakaiba sa mga prinsipyo ng panloob at disenyo ng harapan. Ang mga nangungunang arkitekto sa kanilang mga teoretikal na gawa ay sumasamba pa rin sa sinaunang panahon at sa mga alituntunin ng tatlong mga order, ngunit sa direktang pagsasanay sa arkitektura ay lumihis sila mula sa mahigpit na mga kinakailangan ng lohikal na kalinawan at rasyonalismo, subordination sa pribadong kabuuan, at malinaw na constructiveness. Ang gawain ni Robert de Cott (1656-1735), ang kahalili ni Jules Hardouin-Mansart bilang maharlikang arkitekto (natapos niya ang pagtatayo ng kapilya ng Palasyo ng Versailles, maganda sa mahigpit, marangal na arkitektura nito), ay isang nakakumbinsi na halimbawa nito. . Sa mga gusaling itinayo niya noong 1710s. Napansin ng mga mansyon ng Paris (Hotel de Toulouse at Hotel d'Estre) ang kaluwagan ng mga anyo ng arkitektura, ang libreng pag-unlad ng palamuti.

Ang bagong istilo, na tinatawag na Rococo o Rocaille, ay hindi maaaring tingnan sa isang panig lamang, na nakikita sa loob nito ay isang reaksyunaryo at walang pag-asa na produkto ng isang dekadenteng uri. Ang istilong ito ay sumasalamin hindi lamang sa hedonistikong adhikain ng aristokrasya. Sa Rococo, ang ilan sa mga progresibong tendensya ng panahon ay na-refracted din sa isang kakaibang paraan; samakatuwid - ang mga kinakailangan para sa isang mas malaya at mas angkop na pagpaplano para sa totoong buhay, isang mas natural at buhay na pag-unlad, panloob na espasyo. Ang dinamika at kagaanan ng masa ng arkitektura at palamuti ay sumalungat sa napakalaking karangyaan ng panloob na disenyo sa panahon ng pinakamataas na kapangyarihan ng French absolutism.

Sa simula ng ika-18 siglo. ang pangunahing konstruksyon ay isinasagawa pa rin ng aristokrasya, ngunit ang karakter nito ay nagbabago nang malaki. Ang lugar ng mga manor castle ay inookupahan ng mga mansyon ng lungsod, ang tinatawag na mga hotel. Ang paghina ng absolutismo ay makikita rin sa katotohanan na ang maharlika ay umalis sa Versailles at nanirahan sa kabisera. Sa luntiang suburb ng Paris - Saint Germain at Saint Oporet - isa-isa noong unang kalahati ng siglo, ang mga mararangyang mansyon-hotel na may malawak na hardin at serbisyo ay itinayo (Larawan. Sa pahina 258). Hindi tulad ng mga gusali ng palasyo noong nakaraang siglo, na nagsusumikap sa mga layunin ng kahanga-hangang pagiging kinatawan at solemne na kadakilaan, sa mga mansyon na nilikha ngayon, maraming pansin ang binabayaran sa tunay na kaginhawahan ng buhay. Iniwan ng mga arkitekto ang kadena ng mga malalaking bulwagan, na lumalawak sa isang solemne na suite, pabor sa mas maliliit na silid, na matatagpuan nang mas natural alinsunod sa mga pangangailangan ng pribadong buhay at pampublikong representasyon ng mga may-ari. Maraming matataas na bintana ang nag-iilaw nang maayos sa loob.

Sa pamamagitan ng kanilang lokasyon sa lungsod, mga hotel sa unang kalahati ng ika-18 siglo. kinakatawan sa isang malaking lawak pa rin ng isang transisyonal na kababalaghan mula sa isang bansa estate sa isang lungsod bahay. Ito ay isang saradong architectural complex, isang uri ng manor sa loob ng quarter ng lungsod, na konektado sa kalye sa pamamagitan lamang ng front gate. Ang bahay mismo ay nakatayo sa kailaliman ng site, na nakaharap sa isang malawak na patyo na may linya na may mababang opisina. Ang kabaligtaran na harapan ay nakaharap sa regular na hardin.

Sa mga hotel ng unang kalahati ng ika-18 siglo. pinaka-malinaw na ipinakita ang isang katangian na kontradiksyon ng arkitektura ng Pransya sa panahong ito - ang pagkakaiba sa pagitan ng panlabas na arkitektura at panloob na palamuti. Ang harapan ng isang gusali, bilang panuntunan, ay nagpapanatili ng mga tradisyonal na elemento ng pagkakasunud-sunod, na binibigyang-kahulugan, gayunpaman, nang mas malaya at magaan. Pagpaparehistro

ang parehong panloob na lugar ay kadalasang ganap na lumalabag sa mga batas ng tectonics, pinagsasama ang dingding sa kisame sa isang holistic na shell ng panloob na espasyo na walang tiyak na mga hangganan. Hindi sinasadya na ang gayong mahusay na papel ay nakuha sa oras na ito ng mga dekorador, na nagawang palamutihan ang interior na may kamangha-manghang kapitaganan at pagiging perpekto. Alam ng panahon ng maaga at mature na Rococo ang isang buong kalawakan ng mga masters na lumikha ng mga katangi-tanging obra maestra ng interior decoration (Gilles Marie Oppenor, 1672-1742; Just Aurel Meissonier, 1693-1750, at iba pa). Kadalasan ang isang gusali ay itinayo ng isang arkitekto at pinalamutian ng isa pa. Ngunit kahit na ang lahat ng gawain ay isinasagawa ng isang master, ang kanyang diskarte sa paglutas ng panlabas na hitsura ng hotel at ang panloob na lugar nito ay sa panimula ay naiiba. Isa sa mga pinakatanyag na arkitekto ng Rococo na si Germaine Beaufrand (1667-1754), sa kanyang treatise na "Livre d" Architecture "(1745), direktang sinabi na sa kasalukuyan, ang panloob na palamuti ay isang ganap na hiwalay na bahagi ng arkitektura, na hindi umaasa sa palamuti ng panlabas na bahagi ng gusali. Sa kanyang pagsasanay, patuloy niyang itinaguyod ang tesis na ito. Sa arkitektura ng kastilyo ng Luneville, sa mga hotel sa Naisi, na itinayo noong 1720s, madarama ng isang tao ang pagsunod sa mga tradisyon ng klasisismo - ang ang gitnang bahagi, na binibigyang-diin ng isang portiko na may mga haligi o pilaster, ay malinaw na nakikilala. mga detalye ng stucco at paghahambing na liwanag ng mga elemento ng pagkakasunud-sunod.

Jean Curton. Hotel Matignon sa Paris. Plano.

Pierre Delamere. Hotel Soubise sa Paris. 1705-1709 Facade.

Nagpapasya si Beaufrand sa kanyang mga interior sa ibang paraan. Ang isang napakatalino na halimbawa nito ay ang interior decor ng Soubise Hotel (1735-1740). Anuman ang hitsura ng mansyon, na ginawa ni Delamere noong 1705-1709. sa klasikong tradisyon, binibigyan ni Beaufrand ang mga kuwarto ng hotel ng katangian ng magagandang bonbonniere. Ang mga inukit na panel, mga palamuting stucco, mga nakamamanghang panel ay sumasakop sa mga dingding at kisame na may solidong karpet. Ang epekto ng mga katangi-tanging gayak, kakaibang magaan na mga anyo ay dapat na partikular na kahanga-hanga kumpara sa mas pinigilan na arkitektura ng harapan.

Ang pagtatayo ng relihiyon sa panahong ito ay hindi maihahambing na hindi gaanong mahalaga kaysa sekular. Ang mga gusali noong nakaraang siglo ay halos natapos na.

Ganito ang Simbahan ng Saint Roche sa Paris, na sinimulan ni Robert de Cott sa pagtatapos ng ika-17 siglo. at Nakumpleto pagkatapos ng pagkamatay ng arkitekto na ito ng kanyang anak na si J.-R. de Cottom.

Jean Nicola Servandoni. Simbahan ng Saint Sulpice sa Paris. 1733-1745 Facade.

Ang isang mas kawili-wiling Parisian church Saint-Sulpice, nagsimula din noong ika-17 siglo. Pagsapit ng 20s. Ika-18 siglo ang pangunahing harapan ay nanatiling hindi natapos. Ito ay dinisenyo ng ilang mga arkitekto. Ang proyekto ng sikat na dekorador na si Meissonier (1726), na sinubukang ilipat ang mga prinsipyo ng rocaille sa panlabas na arkitektura, ay tinanggihan. Noong 1732, ang isa pang dekorador, si Jean Nicola Servandoni (1695-1766), ay nanalo sa kumpetisyon na inihayag para sa disenyo ng harapan, na bumaling sa mga klasikal na anyo sa kanyang solusyon. Ang kanyang ideya ay naging batayan para sa karagdagang pagtatayo. Ang harapan ng simbahan ay nahahati sa dalawang tier, na ang bawat isa ay may sariling pagkakasunud-sunod. Tumataas ang mga tore sa magkabilang gilid ng façade.

Mula sa ikalawang quarter ng ika-18 siglo. ang mga mayamang komersyal na lungsod ng lalawigan ay nagsimulang gumanap ng lalong prominenteng papel sa pagtatayo ng Pranses. Kasabay nito, ang bagay ay hindi limitado sa pagtatayo ng mga indibidwal na gusali. Ang buong sistema ng lumang pyudal na lungsod na may magulong mga gusali, na may masalimuot na network ng mga kalye, kasama sa makitid na balangkas ng mga kuta ng lungsod, ay sumalungat sa mga bagong pangangailangan ng lumalaking sentro ng komersyo at industriya. Ang pagpapanatili ng maraming mahahalagang posisyon para sa absolutismo, gayunpaman, ay humantong sa isang medyo kompromiso na solusyon ng mga problema sa pagpaplano ng lunsod sa una. Sa maraming mga lungsod, ang muling pagtatayo ng ilang bahagi ng lumang lungsod ay isinasagawa sa gastos ng pag-aayos ng mga royal square. Ang tradisyon ng naturang mga parisukat ay nagsimula noong ika-17 siglo, nang sila ay nilikha hindi sa layunin ng pag-order ng kaguluhan ng isang medyebal na lungsod, ngunit bilang isang bukas na lugar para sa pag-install ng isang estatwa ng hari. Ngayon ang dahilan ay nanatili, parang, pareho - lahat na lumitaw noong ika-18 siglo. sa panahon ng monarkiya, ang mga parisukat ay tinawag na maglingkod para sa pagtatayo ng isang monumento sa monarko, ngunit ang mga arkitekto mismo ay nagsagawa ng mas malawak na mga gawain sa pagpaplano ng lunsod.

Isa sa mga unang lugar ng isang bagong uri na nauugnay sa muling pagpapaunlad at pagpapaunlad ng buong mga bloke ng lungsod ay ang parisukat sa Bordeaux. Ang taga-disenyo at tagabuo nito ay si Jacques Gabriel (1667-1742), isang kinatawan ng sikat mula sa ika-16 na siglo. dinastiya ng mga arkitekto, ama ng sikat na arkitekto na si Jacques Anges Gabriel.

Ang trabaho sa pagpaplano at pagpapaunlad ng lugar ay nagsimula noong 1731. Ang site ay inilaan para dito sa mga bangko ng malawak na Garonne. Ang arkitekto ay malawak at pinag-iba ang mga posibilidad ng paglikha ng isang bagong grupo, na sumasaklaw sa isang makabuluhang bahagi ng lungsod at pagkonekta nito sa natural na kapaligiran.

Sinimulan ni Jacques Gabriel ang kanyang trabaho sa Bordeaux sa demolisyon ng mga lumang hindi matukoy na gusali sa pampang ng ilog at ang pagtatayo ng isang napakagandang dike. Ibinaling ng lungsod ang mukha nito sa Garonne - ang pangunahing palamuti nito. Ang pagliko na ito ay inilaan upang pagsamahin ang parehong parisukat, malawak na bukas sa ilog, at ang layout ng dalawang kalye na dumadaloy sa parisukat. Gamit ang prinsipyo ng pagpaplano ng Versailles, inilapat ito ng arkitekto sa isang bagong panlipunan at artistikong organismo - ang lungsod, na nilutas ito sa mas malawak na batayan. Ang mga gusali na matatagpuan sa mga gilid ng parisukat ay inilaan para sa kalakalan at pang-ekonomiyang pangangailangan ng lungsod: sa kanan - ang stock exchange, sa kaliwa - ang gusali ng pangangasiwa ng buwis. Ang kanilang arkitektura ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at kaaya-ayang pagiging simple. Ang pagtatayo ng stock exchange at ang central pavilion sa pagitan ng dalawang kalye ay natapos pagkatapos ng pagkamatay ni Jacques Gabriel ng kanyang anak. Ang isang bilang ng mga makabagong prinsipyo ng Bordeaux square - ang bukas na karakter nito, ang pag-akit nito sa ilog, ang koneksyon nito sa mga quarters ng lungsod sa pamamagitan ng rays-streets - si Jacques-Ange Gabriel ay mabilis na umunlad sa kanyang trabaho sa Place Louis XV sa Paris .

Emmanuel Héré de Corny. Ensemble ng Stanislaus Square, Carrieres Square at Government Square sa Nancy. 1752-1755 Aerial photography.

Kung ang ensemble ng parisukat sa Bordeaux ay nagbigay ng isang solusyon na inaasahang maraming mga prinsipyo sa pagpaplano ng kasunod na panahon, kung gayon ang isa pang kapansin-pansin na grupo ng kalagitnaan ng ika-18 siglo - isang kumplikadong tatlong parisukat sa Nancy, na mas konektado sa nakaraan - kung baga, nagbubuod sa mga pamamaraan ng pag-aayos ng espasyo ng Baroque Epoch.

Emmanuel Héré de Corny. Government Square sa Nancy. 1752-1755 Pangkalahatang anyo.

Tatlong parisukat ng iba't ibang mga balangkas - ang parihabang Stanislav square, ang mahabang Carriere square at ang hugis-itlog na Government square - ay bumubuo ng isang malapit na nagkakaisa at panloob na saradong organismo na umiiral lamang sa isang napaka-kamag-anak na koneksyon sa lungsod. Ang hugis-itlog na patyo ng Government Palace ay pinaghihiwalay ng isang arcade mula sa nakapalibot na lugar ng lungsod at parke. Ang aktibong paggalaw mula dito ay maaaring, sa esensya, ay umuunlad lamang pasulong sa pamamagitan ng mala-bulevard na Carriere square at ang triumphal arch, upang, sa pagpasok sa Stanislav Square, agad itong naharang ng monumental na gusali ng town hall. Ang isa ay nakakakuha ng impresyon ng dalawang monumental na Courdoner, na nakalatag sa harap ng mga nakamamanghang palasyo at konektado sa pamamagitan ng isang tuwid na eskinita. Ito ay katangian na ang mga kalye na tinatanaw ang Stanislav Square ay pinaghihiwalay mula dito ng mga bar. Ang kagandahan ng grupo ay nilikha sa pamamagitan ng maligaya na arkitektura ng mga palasyo, kamangha-mangha na mahusay na huwad na may ginintuan na mga sala-sala, mga fountain sa dalawang sulok ng parisukat, na pinananatili sa isang eleganteng at eleganteng Rococo tonality. Ang tagaplano at arkitekto ng mga pangunahing gusali ay ang estudyante ni Beaufran na si Emmanuel Héré de Corny (1705-1763), na pangunahing nagtrabaho sa Lorraine. Itinayo noong 1752-1755, ang kumplikadong ito sa mga anyo nito at mga prinsipyo sa pagpaplano ay mukhang medyo anachronistic kumpara sa bagong kilusan sa arkitektura na nagsimula sa pagtatapos ng unang kalahati ng ika-18 siglo.

Ang kilusang ito, ang impluwensya nito ay minarkahan na ang disenyo ng parisukat sa Bordeaux, ay ipinahayag sa pag-abandona sa mga sukdulan at quirks ng Rococo sa pabor ng isang mas makatwirang maayos na arkitektura, sa isang pagtaas ng interes sa sinaunang panahon. Ang koneksyon sa pagitan ng kilusang ito at ng pagpapalakas ng mga posisyon ng burgesya ay walang pag-aalinlangan.

Sa pagliko pa lamang ng una at ikalawang kalahati ng siglo, lumitaw ang mga ensiklopedya, na naglagay ng kriterya ng katwiran bilang ang tanging sukatan ng lahat ng bagay. Mula sa mga posisyong ito, ang buong lipunang pyudal at ang mga supling nito, ang istilong Rococo, ay pinupuna bilang walang lohika, rasyonalidad, naturalidad. Sa kabaligtaran, ang lahat ng mga katangiang ito ay makikita sa arkitektura ng mga sinaunang tao. Sa mga taong ito, lumitaw ang uvrazhi, na nakatuon sa mga monumento ng sinaunang arkitektura. Noong 1752, ang kilalang baguhan at pilantropo na si Count de Cailus ay nagsimulang mag-publish ng akdang "Collection of Egyptian, Etruscan, Greek at Roman antiquities." Pagkalipas ng dalawang taon, ang arkitekto na si David Leroy ay naglakbay sa Greece at pagkatapos ay inilathala ang pamagat na "Mga Guho ng Pinakamagagandang Structure ng Greece". Kabilang sa mga teorista ng arkitektura, namumukod-tangi si Abbot Laugier, na ang "Mga Pag-aaral sa Arkitektura" na inilathala noong 1753 ay nagdulot ng masiglang tugon sa malawak na mga lupon ng lipunang Pranses. Sa pagsasalita mula sa pananaw ng rasyonalismo, siya ay nakatayo para sa makatwiran, iyon ay, natural na arkitektura. Ang presyon ng pang-edukasyon, sa huli ay mga demokratikong ideya ay napakahusay na nagkaroon ito ng epekto sa mga opisyal na artistikong bilog. Nadama ng mga pinuno ng artistikong patakaran ng absolutismo ang pangangailangan na salungatin ang isang bagay sa positibong programa ng mga ensiklopedista, ang kanilang nakakumbinsi na pagpuna sa hindi makatwiran at hindi likas na sining ng Rococo. Ang Royal Government at ang Academy ay gumagawa ng mga hakbang upang agawin ang inisyatiba mula sa mga kamay ng Third Estate at pangunahan ang umuusbong na kilusan sa kanilang sarili. Noong 1749, isang uri ng artistikong misyon ang ipinadala sa Italya, pinangunahan ng kapatid ng pinakamakapangyarihang paborito ni Louis XV, Madame Pompadour, ang hinaharap na Marquis ng Marigny, na nagsilbi bilang direktor ng mga gusali ng hari. Sinamahan siya ng engraver na si Cochin at ang arkitekto na si Jacques Germain Soufflot, ang magiging tagabuo ng Parisian Pantheon. Ang layunin ng paglalakbay ay upang makilala ang sining ng Italyano - ang duyan ng kagandahang ito. Binisita nila ang kamakailang sinimulang paghuhukay ng Herculaneum at Pompeii. Pinag-aralan din ni Souflo ang mga sinaunang monumento ng Paestum. Ang buong paglalakbay na ito ay isang tanda ng mga bagong phenomena sa sining, at ang kinahinatnan nito ay isang karagdagang pagliko patungo sa klasisismo at isang mas matinding pakikibaka sa mga prinsipyo ng rocaille, kahit na sa iba't ibang anyo ng pandekorasyon na sining. Kasabay nito, ang paglalakbay na ito ay nagbibigay ng matingkad na katibayan kung paano naiiba ang pag-unawa sa apela sa sinaunang pamana at kung ano ang iba't ibang mga konklusyon mula dito ng mga kinatawan ng naghaharing uri at ng mga artista mismo. Ang mga resulta ng mga impresyon at pagmumuni-muni ng Italyano ay bumuhos sa mga salita ni Marigny: "Hindi ko gusto ang mga kalabisan sa kasalukuyan, o ang kalubhaan ng mga sinaunang tao - kaunti niyan, medyo naiiba." Sumunod siya sa patakarang ito sa kompromiso na artistikong sa hinaharap sa kabuuan ng kanyang maraming taon ng trabaho bilang pinuno ng pinong sining.

Ang kanyang mga kasama sa paglalakbay, sina Cochin at Souflo, ay nagkaroon ng mas progresibo at proactive na paninindigan. Ang unang inilathala sa kanyang pagbabalik ng treatise na "Review of the Antiquities of Herculaneum with a few reflections on the painting and sculpture of the ancients" at pagkatapos ay pinangunahan ang isang napaka-matalim na pakikibaka sa pag-print laban sa mga prinsipyo ng rocaille art, para sa kalubhaan, kadalisayan at kalinawan ng arkitektura at pandekorasyon na mga anyo. Tulad ng para kay Souflo, ang kanyang karagdagang paglalakbay sa Paestum at ang pag-aaral sa lugar ng dalawang kahanga-hangang monumento ng arkitektura ng Griyego ay nagpapatotoo sa kanyang malalim na interes sa sinaunang panahon. Sa kanyang pagsasanay sa pagtatayo, sa kanyang pagbabalik mula sa Italya, ang mga prinsipyo ng klasisismo ay ganap at walang kompromiso na nagtagumpay.

Sa transisyonal na panahon na ito, ang pagkamalikhain ng pinakakaakit-akit na master ng Pranses na arkitektura, si Jacques Anges Gabriel (1699-1782), ay nabuo at umunlad. Ang istilo ni Gabriel ay tila nakakatugon sa mga kinakailangan ni Marigny, ngunit ito ay isang napaka orihinal at organikong kababalaghan, na nabuo ng natural, "malalim" na pag-unlad ng arkitektura ng Pranses. Ang master ay hindi pa nakapunta sa Italya, pabayaan ang Greece. Ang gawain ni Gabriel, kumbaga, ay nagpatuloy at binuo ang linya ng arkitektura ng Pransya na nakabalangkas sa mga huling gusali ng Jules Hardouin-Mansart (Grand Trianon at ang Chapel sa Versailles), sa silangang harapan ng Louvre. Kasabay nito, inisip din niya ang mga progresibong tendensya na nakapaloob sa arkitektura ng Rococo: ang pagiging malapit nito sa tao, pagpapalagayang-loob, pati na rin ang katangi-tanging kapitaganan ng mga detalye ng dekorasyon.

Ang pakikilahok ni Gabriel sa gawaing pagpaplano ng lunsod ng kanyang ama sa Bordeaux ay naghanda sa kanya ng mabuti para sa paglutas ng mga problema ng grupo na sinakop noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. isang lalong kilalang papel sa pagsasanay sa arkitektura. Sa oras na ito sa press ay tumataas ang pansin sa Paris, sa problema ng paggawa nito sa isang lungsod na karapat-dapat sa pangalan ng kabisera.

Ang Paris ay may kahanga-hangang mga monumento ng arkitektura, isang bilang ng mga parisukat na nilikha noong nakaraang siglo, ngunit lahat sila ay hiwalay, self-contained, nakahiwalay na mga isla ng organisadong pag-unlad. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, lumitaw ang isang parisukat na may malaking papel sa pagbuo ng ensemble ng sentro ng Paris - ang kasalukuyang Place de la Concorde. Utang nito ang hitsura nito sa isang buong pangkat ng mga arkitekto ng Pransya, ngunit ang pangunahing lumikha nito ay si Jacques-Ange Gabriel.

Noong 1748, sa inisyatiba ng mga mangangalakal ng kabisera, ang ideya ng pagtatayo ng isang monumento kay Louis XV ay iniharap. Ang Academy ay nag-anunsyo ng isang kompetisyon upang lumikha ng isang lugar para sa monumento na ito. Tulad ng makikita mo, ang simula ay ganap na tradisyonal, sa diwa ng ika-17 siglo - ang lugar ay inilaan para sa estatwa ng monarko.

Bilang resulta ng unang kumpetisyon, wala sa mga proyekto ang napili, ngunit ang lugar para sa parisukat ay sa wakas ay naitatag. Pagkatapos ng pangalawang kumpetisyon, na ginanap noong 1753 lamang sa mga miyembro ng Academy, ang disenyo at pag-unlad ay ipinagkatiwala kay Gabriel, upang maisaalang-alang niya ang iba pang mga panukala.

Ang lugar na pinili para sa parisukat ay isang malawak na kaparangan sa pampang ng Seine sa labas ng Paris noon, sa pagitan ng hardin ng Tuileries Palace at ang simula ng kalsadang patungo sa Versailles. Sinamantala ni Gabriel ang mga benepisyo ng bukas at baybaying lokasyon na ito na may pambihirang bunga at pangako. Ang lugar nito ay naging axis ng karagdagang pag-unlad ng Paris. Naging posible ito dahil sa kanyang versatile orientation. Sa isang banda, ang parisukat ay naisip bilang vestibule ng mga kumplikadong palasyo ng Tuileries at Louvre: hindi para sa wala na ang tatlong sinag na ibinigay ni Gabriel, na ibinigay ni Gabriel, ay humahantong dito mula sa labas ng lungsod - ang mga daanan ng Champs Elysees, ang mental point ng intersection nito ay nasa entrance gate ng Tuileries Park. Ang equestrian monument ng Louis XV ay nakatuon sa parehong direksyon - nakaharap sa palasyo. Kasabay nito, isang gilid lamang ng parisukat ang pinatingkad sa arkitektura - parallel sa Seine. Nagbibigay ito para sa pagtatayo ng dalawang maringal na mga gusaling pang-administratibo, at sa pagitan ng mga ito ay inaasahang ang Royal Street, ang axis na kung saan ay patayo sa axis ng Champs Elysees - Tuileries. Sa dulo nito, sa lalong madaling panahon, ang pagtatayo ng simbahan ng Madeleine ng arkitekto na si Contana d "Ivry ay nagsisimula, kasama ang portico at simboryo nito na nakapaloob sa pananaw. Sa mga gilid ng kanyang mga gusali, si Gabriel ay nagdidisenyo ng dalawa pang kalye na kahanay ng Royal. Kaya, ang isa pang posibleng direksyon ng paggalaw ay ibinibigay, na nagkokonekta sa parisukat sa iba pang quarters.lumalagong lungsod.

Nagpasya si Gabriel sa mga hangganan ng parisukat sa isang napaka-matalino at ganap na bagong paraan. Ang pagbuo lamang ng isa sa hilagang bahagi nito, na inilalagay ang prinsipyo ng libreng pag-unlad ng espasyo, ang koneksyon nito sa natural na kapaligiran, siya sa parehong oras ay naglalayong maiwasan ang impresyon ng amorphousness at kawalan ng katiyakan nito. Sa lahat ng apat na panig, siya ay nagpapalabas ng mababaw na tuyong kanal, na natatakpan ng mga berdeng damuhan, na napapaligiran ng mga balustrade ng bato. Ang mga puwang sa pagitan ng mga ito ay nagbibigay ng karagdagang malutong na accent sa mga beam ng Champs Elysees at ang axis ng Rue Royal.

Jacques Ange Gabriel. Pag-unlad ng hilagang bahagi ng Place de la Concorde (dating Place Louis XV) sa Paris. 1753-1765

Sa hitsura ng dalawang gusali na nagsasara sa hilagang bahagi ng Concorde Square, ang mga katangian ng gawa ni Gabriel ay mahusay na ipinahayag: isang malinaw, kalmado na pagkakaisa ng kabuuan at mga detalye, ang lohika ng mga anyo ng arkitektura na madaling makita ng mata. . Ang mas mababang baitang ng gusali ay mas mabigat at mas malaki, na binibigyang-diin ng malaking rustication ng dingding; mayroon itong dalawang iba pang mga tier, pinagsama ng mga haligi ng Corinthian, isang motif na bumalik sa klasikal na silangang harapan ng Louvre.

Ngunit ang pangunahing merito ni Gabriel ay hindi nakasalalay sa mahusay na solusyon ng mga facade kasama ang kanilang mga payat na fluted na mga haligi na tumataas sa itaas ng makapangyarihang mga arcade sa ibabang palapag, ngunit sa partikular na ensemble na tunog ng mga gusaling ito. Pareho sa mga gusaling ito ay hindi maiisip kung wala ang isa't isa, at walang espasyo ng parisukat, at walang gusali na matatagpuan sa isang malaking distansya - nang walang Madeleine Church. Ang parehong mga gusali ng Concorde Square ay nakatuon dito - hindi nagkataon na ang bawat isa sa kanila ay walang accented center at, kumbaga, isa lamang sa mga pakpak ng kabuuan. Kaya, sa mga gusaling ito, na idinisenyo noong 1753 at nagsimulang itayo noong 1757 -1758, binalangkas ni Gabriel ang mga prinsipyo ng volumetric-spatial na solusyon na bubuo sa panahon ng mature na klasisismo.

Gabriel. Maliit na Trianon sa Versailles. Plano.

Jacques Ange Gabrirl. Maliit na Trianon sa Versailles. 1762-1768

Ang hiyas ng arkitektura ng Pranses noong ika-18 siglo - ang Petit Trianon, na nilikha ni Gabriel sa Versailles noong 1762-1768 .. Ang tradisyonal na tema ng isang kastilyo ng bansa ay nalutas dito sa isang ganap na bagong paraan. Ang maliit na parisukat na gusali ay ginawang kalawakan ng lahat ng apat na harapan nito. Walang ganoong nangingibabaw na accentuation ng dalawang pangunahing facade, na hanggang kamakailan ay napaka katangian ng mga palasyo at estates. Ang bawat isa sa mga partido ay may independiyenteng kahulugan, na makikita sa kanilang iba't ibang mga solusyon. At sa parehong oras, ang pagkakaiba na ito ay hindi kardinal - ito ay, bilang ito ay, mga pagkakaiba-iba ng isang tema. Ang facade na nakaharap sa bukas na espasyo ng parterre, na nakikita mula sa pinakamalayong distansya, ay binibigyang kahulugan sa pinakaplastik na paraan. Apat na karagdagang mga haligi na nagkokonekta sa magkabilang palapag ay bumubuo ng isang uri ng bahagyang nakausli na portico. Ang isang katulad na motibo, ngunit sa isang binagong anyo - ang mga haligi ay pinalitan ng mga pilaster - tunog sa dalawang magkatabing panig, ngunit sa bawat oras ay naiiba, dahil dahil sa pagkakaiba sa mga antas sa isang kaso, ang gusali ay may dalawang palapag, sa kabilang banda - tatlo. Ang ika-apat na harapan, na nakaharap sa mga kasukalan ng parke ng landscape, ay medyo simple - ang dingding ay hinihiwalay lamang ng mga hugis-parihaba na bintana ng iba't ibang laki sa bawat isa sa tatlong tier. Ito ay kung paano nakakamit ni Gabrielle ang isang kamangha-manghang kayamanan at kayamanan ng mga impression sa kaunting paraan. Ang kagandahan ay nakuha mula sa pagkakatugma ng mga simple, madaling makitang mga anyo, mula sa kalinawan ng mga proporsyonal na relasyon.

Ang panloob na layout ay idinisenyo din na may mahusay na pagiging simple at kalinawan. Ang palasyo ay binubuo ng isang bilang ng mga maliliit na hugis-parihaba na mga silid, ang dekorasyon na kung saan, na binuo sa paggamit ng mga tuwid na linya, magaan na malamig na kulay, at ang parsimony ng mga plastik na paraan, ay tumutugma sa matikas na pagpigil at marangal na biyaya ng panlabas na anyo.

Ang gawain ni Gabriel ay isang transisyonal na ugnayan sa pagitan ng arkitektura ng una at ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.

Sa mga gusali noong 1760-1780s. ang nakababatang henerasyon ng mga arkitekto ay bumubuo na ng bagong yugto ng klasisismo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mapagpasyang pagliko patungo sa antiquity, na naging hindi lamang inspirasyon ng mga artista, kundi pati na rin isang treasury ng mga form na kanilang ginagamit. Ang mga kinakailangan para sa pagiging makatwiran ng isang gawaing arkitektura ay umabot sa pagtanggi sa mga palamuting palamuti. Ang prinsipyo ng utilitarianism ay iniharap, na iniuugnay sa prinsipyo ng pagiging natural ng gusali, ang modelo nito ay ang mga sinaunang istruktura, kasing natural ng utilitarian, ang lahat ng mga anyo nito ay idinidikta ng makatwirang pangangailangan. Ang haligi, entablature, pediment, na naging pangunahing paraan ng pagpapahayag ng imahe ng arkitektura, ay bumalik sa kanilang nakabubuo, functional na kahulugan. Alinsunod dito, ang sukat ng mga dibisyon ng order ay pinalaki. Ang pagtatayo ng parke ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong pagsisikap para sa pagiging natural. Kaugnay nito ay ang pagtanggi sa isang regular, "artipisyal" na parke at ang pagyabong ng landscape garden.

Souflo. Ang Pantheon sa Paris. Plano.

Jacques Germain Soufflot. Ang Pantheon (dating Simbahan ng St. Genevieve) sa Paris. Nagsimula noong 1755. Pangkalahatang view.

Ang isang katangiang kababalaghan ng arkitektura ng mga pre-rebolusyonaryong dekada na ito ay ang pamamayani ng mga pampublikong gusali sa pagtatayo. Ito ay sa mga pampublikong gusali na ang mga prinsipyo ng bagong arkitektura ay pinaka-malinaw na ipinahayag. At napakahalaga na ang isa sa mga namumukod-tanging gawa sa arkitektura ng panahong ito - ang Pantheon - sa lalong madaling panahon ay naging isang pampublikong monumento mula sa isang gusali ng layunin ng kulto. Ang pagtatayo nito ay ipinaglihi ni Louis XV bilang simbahan ng patroness ng Paris - St. Zhene-viev, isang lugar kung saan inilalagay ang kanyang mga labi. Ang pagbuo ng proyekto ay ipinagkatiwala noong 1755 kay Jacques Germain Souflot (1713-1780), na kamakailan lamang ay bumalik mula sa isang paglalakbay sa Italya. Naunawaan ng arkitekto ang kanyang gawain nang mas malawak kaysa sa kanyang kliyente. Nagharap siya ng isang plano na naglaan, bilang karagdagan sa simbahan, ng isang malawak na lugar na may dalawang pampublikong gusali - ang mga faculty ng batas at teolohiya. Sa karagdagang gawain ni Souflo, kinailangan niyang talikuran ang planong ito at limitahan ang kanyang gawain sa pagtatayo ng isang simbahan, ang buong hitsura nito ay nagpapatotoo, gayunpaman, sa katotohanan na inisip ito ng arkitekto bilang isang pagtatayo ng isang mahusay na pampublikong tunog. . Ang gusali, na kung saan ay cruciform sa plano, ay nakoronahan ng isang engrandeng simboryo sa isang drum na napapalibutan ng mga haligi. Ang pangunahing harapan ay binibigyang diin ng isang malakas na malalim na anim na haligi na portico na may pediment. Ang lahat ng iba pang bahagi ng dingding ay iniwang ganap na blangko, nang walang mga bakanteng. Ang malinaw na lohika ng mga anyo ng arkitektura ay malinaw na nakikita sa unang sulyap. Walang mystical at hindi makatwiran - lahat ay makatwiran, mahigpit at simple. Ang parehong kalinawan at mahigpit na pagkakapare-pareho ay katangian ng spatial na solusyon ng interior ng templo. Ang rasyonalismo ng artistikong imahe, na ipinahayag nang taimtim at napakalaki, ay naging napakalapit sa saloobin ng mga rebolusyonaryong taon, at ang bagong natapos na simbahan ay ginawa noong 1791 bilang isang monumento sa mga dakilang tao ng France.

Sa mga pampublikong gusaling itinayo sa Paris noong mga pre-rebolusyonaryong dekada, ang Surgical School of Jacques Honduin (1737-1818) ay namumukod-tangi. Ang proyekto, kung saan siya nagsimulang magtrabaho noong 1769, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malawak na hanay ng mga ideya, na sa pangkalahatan ay isang katangian ng arkitektura ng mga taong iyon. Kasabay ng pagtatayo na ito, inisip ni Gondouen ang muling pagsasaayos ng buong quarter. At kahit na ang plano ng Honduin ay hindi ganap na naisakatuparan, ang mismong gusali ng School of Surgery, na natapos noong 1786, ay napagpasyahan sa malaking sukat. Ito ay isang malawak na dalawang palapag na gusali na may malaking patyo. Ang gitna ng gusali ay minarkahan ng isang kahanga-hangang yurt. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bahagi ng interior ay ang malaking kalahating bilog na bulwagan ng anatomical na teatro na may mga bangko na tumataas tulad ng isang amphitheater at isang bihag na vault - isang uri ng kumbinasyon ng kalahati ng Roman Pantheon kasama ang Colosseum.

Ang teatro ay naging isang bagong laganap na uri ng pampublikong gusali sa panahong ito. At sa kabisera at sa maraming mga lungsod ng lalawigan, ang mga gusali ng teatro ay lumalaki nang isa-isa, na iniisip ng kanilang hitsura bilang isang mahalagang bahagi sa arkitektural na grupo ng pampublikong sentro ng lunsod. Ang isa sa pinakamagagandang at makabuluhang gusali ng ganitong uri ay ang teatro sa Bordeaux, na itinayo noong 1775-1780. arkitekto Victor Louis (1731-1807). Ang isang napakalaking dami ng mga hugis-parihaba na balangkas ay nakatakda sa isang bukas na lugar ng parisukat. Pinalamutian ng labindalawang hanay na portico ang isa sa makitid na gilid ng gusali ng teatro, na nagbibigay ng isang solemne na representasyon sa pangunahing harapan ng pasukan nito. Ang mga estatwa ng muse at diyosa ay naka-install sa entablature ng portico, na tumutukoy sa layunin ng gusali. Ang pangunahing hagdanan ng teatro, sa una ay one-marching, pagkatapos ay hiniwa-hiwalay sa dalawang manggas na humahantong sa magkasalungat na direksyon, ay nagsilbing modelo para sa marami sa mga susunod na gusali ng teatro sa Pransya. Ang simple, malinaw at solemne na arkitektura ng teatro sa Bordeaux, ang malinaw na functional na solusyon ng interior space nito ay ginagawang isa ang gusaling ito sa pinakamahalagang monumento ng French classicism.

Sa mga taon na isinasaalang-alang, ang aktibidad ng isang bilang ng mga arkitekto ay nagsisimula, na ang trabaho sa kabuuan ay nabibilang na sa susunod na panahon ng French Architecture, na inspirasyon ng mga ideya ng rebolusyon. Sa ilang mga proyekto at gusali, nakabalangkas na ang mga pamamaraan at pormang iyon na magiging mga katangian ng bagong

Realismo, simbolismo. Ang pagtatanghal ay makikilala ang gawain ng mga Pranses na artista na sina Courbet, Daumier, Millet.

Realismo sa pagpipinta ng Pransya

Ang istilong klasiko na naghari sa sining ng Enlightenment, na nasa katapusan na ng ika-18 siglo, ay napalitan ng isang bagong istilo, na resulta ng mga kaguluhang dulot ng burges na rebolusyon sa France at pagkabigo sa mga resulta nito. Naging ganitong istilo ang romantikismo. Nagtalaga ako ng ilang mga tala sa sining ng romantikismo. Ngayong araw ay pag-uusapan natin pagiging totoo, na nagsimulang mabuo sa kaibuturan ng romantikong sining. Ang Pranses na kritiko sa panitikan na si Jules François Chanfleurie, na unang gumamit ng terminong "realismo", ay inihambing ito sa simbolismo at romantikismo. Ngunit, ang makatotohanang artistikong direksyon ay hindi naging ganap na antagonist ng romantikismo, bagkus ay ang pagpapatuloy nito.

Ang realismong Pranses, na nagsusumikap para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan, ay natural na naging nauugnay sa rebolusyonaryong kilusan at natanggap ang pangalang "kritikal na realismo". Ang isang apela sa modernidad sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang pagpaparami ng mga tipikal na character sa mga tipikal na pangyayari, na umaasa sa mahalagang pagiging maaasahan ng imahe ay ang pangunahing kinakailangan ng pagiging totoo.

"Ang sining ng pagpipinta ay hindi maaaring maging anumang bagay maliban sa paglalarawan ng mga bagay na nakikita at nasasalat ng pintor ... ang isang realistang pintor ay dapat maghatid ng mga kaugalian, ideya, at hitsura ng kanyang panahon."
Gustave Courtbet

Malamang na hindi ko masasabi ang tungkol sa trabaho at kapalaran ni Gustave Courbet, na madalas na tinatawag na tagapagtatag. realismo sa pagpipinta ng Pranses, mas mahusay kaysa sa ginawa ng mga tagalikha pelikulang "Liberty Courbet" mula sa seryeng "My Pushkin"

Sa kanyang presentasyon "Realismo sa French Painting" Sinubukan ko ring ipakita ang gawa ng mga magagaling na artistang Pranses Francois Millet at Honore Daumier... Para sa mga interesado sa paksang ito, nais kong irekomenda ang pagtingin sa site Gallerix.ru

Gaya ng dati, maliit listahan ng mga libro, kung saan mababasa mo ang tungkol sa French realism at French realist artist:

• Encyclopedia para sa mga bata. T.7. Art. Ikalawang bahagi. - M .: Avanta +, 2000.
• Beckett V. Kasaysayan ng Pagpinta. - M .: LLC "Astrel Publishing House": LLC "AST Publishing House", 2003.
• Dmitrieva N.A. Isang Maikling Kasaysayan ng Sining. Isyu III: Mga Bansa ng Kanlurang Europa noong siglo XIX; Russia noong ika-19 na siglo. - M .: Sining, 1992
• Emohonova L.G. Kultura ng sining ng daigdig: Teksbuk. Isang gabay para sa mga mag-aaral. Miyerkules ped. pag-aaral. mga institusyon. - M .: Publishing Center "Academy", 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Sining ng Daigdig. XIX na siglo. Pinong sining, musika, teatro. - SPb .: Peter, 2007.
• Samin D.K. Isang daang magagaling na artista. - M .: Veche, 2004.
• Freeman J. Kasaysayan ng Sining. - M .: "Astrel Publishing House", 2003.

Makatotohanang direksyon sa sining at panitikan noong ika-19 na siglo.

Sa ika-19 na siglo, ang lipunan ay nagsimulang umunlad nang mabilis. Lumilitaw ang mga bagong teknolohiya, umuunlad ang medisina, industriya ng kemikal, power engineering, at transportasyon. Ang populasyon ay nagsimulang unti-unting lumipat mula sa mga lumang nayon patungo sa mga lungsod, nagsusumikap para sa kaginhawahan at modernong buhay.
Ang kultural na globo ay hindi maaaring hindi tumugon sa lahat ng mga pagbabagong ito. Pagkatapos ng lahat, ang mga pagbabago sa lipunan - parehong pang-ekonomiya at panlipunan - ay nagsimulang lumikha ng mga bagong istilo at artistikong direksyon. Kaya, ang romanticism ay pinalitan ng isang malaking estilistang uso - pagiging totoo. Hindi tulad ng hinalinhan nito, ang istilong ito ay ipinapalagay ang repleksyon ng buhay kung ano ito, nang walang anumang pagpapaganda at pagbaluktot. Ang hangarin na ito ay hindi bago sa sining - ito ay matatagpuan sa sinaunang panahon, at sa medieval folklore, at sa panahon ng Enlightenment.
Ang realismo ay natagpuan ang mas malinaw na pagpapahayag nito mula sa katapusan ng ika-17 siglo. Ang tumaas na kamalayan ng mga taong pagod na sa pamumuhay na may hindi umiiral na mga mithiin ay nagbibigay ng isang layunin na pagmuni-muni - pagiging totoo, na sa Pranses ay nangangahulugang "materyal". Ang ilang mga tendensya ng pagiging totoo ay maliwanag sa pagpipinta nina Michelangelo Caravagg at Rembrandt. Ngunit ang realismo ay naging pinakamahalagang istruktura ng mga pananaw sa buhay noong ika-19 na siglo lamang. Sa panahong ito, naabot nito ang kapanahunan at pinalawak ang mga hangganan nito sa buong teritoryo ng Europa, at, siyempre, Russia.
Ang bayani ng makatotohanang direksyon ay isang tao na naglalaman ng katwiran, na naghahangad na magbigay ng paghatol sa mga negatibong pagpapakita ng nakapaligid na buhay. Sa mga akdang pampanitikan, ang mga kontradiksyon sa lipunan ay ginalugad, mas madalas ang buhay ng mga taong mahihirap ay inilalarawan. Si Daniel Defoe ay itinuturing na tagapagtatag ng makatotohanang nobela sa Europa. Ang batayan ng kanyang mga gawa ay ang magandang simula ng isang tao. Ngunit maaari itong mabago sa pamamagitan ng mga pangyayari, ito ay napapailalim sa mga panlabas na kadahilanan.
Sa France, si Frederic Stendhal ang naging tagapagtatag ng isang bagong direksyon. Literal siyang lumangoy laban sa agos. Sa katunayan, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, naghari ang romantikismo sa sining. Ang pangunahing tauhan ay ang "pambihirang bayani". At biglang, may ganap na kakaibang imahe ang Stendhal. Ang kanyang mga bayani ay talagang nabubuhay hindi lamang sa Paris, kundi sa mga probinsya. Pinatunayan ng may-akda sa mambabasa na ang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, mga tunay na karanasan ng tao, nang walang pagmamalabis at pagpapaganda, ay maaaring dalhin sa antas ng sining. Mas lumayo pa si G. Flaubert. Inilalahad na nito ang sikolohikal na katangian ng bayani. Nangangailangan ito ng isang ganap na tumpak na paglalarawan ng pinakamaliit na detalye, isang pagpapakita ng panlabas na bahagi ng buhay para sa isang mas detalyadong paglipat ng kakanyahan nito. Si Guy de Maupassant ay naging kanyang tagasunod sa direksyong ito.
Sa mga pinagmulan ng pag-unlad ng realismo noong ika-19 na siglo na sining sa Russia ay ang mga may-akda tulad nina Ivan Krylov, Alexander Griboyedov, Alexander Pushkin. Ang unang pinakamaliwanag na elemento ng realismo ay lumitaw na noong 1809 sa debut na koleksyon ng mga pabula ni I.A. Krylov. Ang pangunahing bagay sa puso ng lahat ng kanyang mga pabula ay isang kongkretong katotohanan. Ang isang karakter ay nabuo mula dito, ito o ang sitwasyon ng pag-uugali ay ipinanganak, na pinalala ng paggamit ng mga itinatag na ideya tungkol sa likas na katangian ng mga karakter ng hayop. Salamat sa napiling genre, nagpakita si Krylov ng matingkad na mga kontradiksyon sa modernong buhay - ang pag-aaway ng malakas at mahina, mayaman at mahirap, tinutuya ang mga opisyal at maharlika.
Sa gawain ni Griboyedov, ang pagiging totoo ay nagpapakita ng sarili sa paggamit ng mga tipikal na karakter na nahahanap ang kanilang mga sarili sa karaniwang mga pangyayari - ang pangunahing prinsipyo ng kalakaran na ito. Salamat sa diskarteng ito, ang kanyang komedya na "Woe from Wit" ay may kaugnayan ngayon. Ang mga karakter na ginamit niya sa kanyang mga gawa ay laging makikita.
Ang realist Pushkin ay nagtatanghal ng isang bahagyang naiibang artistikong konsepto. Ang kanyang mga karakter ay naghahanap ng mga pattern sa buhay, umaasa sa mga teoryang pang-edukasyon, mga pangkalahatang halaga ng tao. Ang kasaysayan at relihiyon ay may mahalagang papel sa kanyang mga gawa. Inilalapit nito ang kanyang mga gawa sa mga tao at sa kanilang pagkatao. Ang isang mas matalas at mas malalim na nasyonalidad ay nagpakita mismo sa mga gawa ni Lermontov at Gogol, at kalaunan sa mga gawa ng mga kinatawan ng "natural na paaralan".
Kung pag-uusapan natin ang tungkol sa pagpipinta, ang pangunahing motto ng ika-19 na siglong realist artist ay isang layunin na paglalarawan ng katotohanan. Kaya, ang mga Pranses na artista, noong kalagitnaan ng 30s ng ika-19 na siglo, na pinamumunuan ni Theodore Rousseau, ay nagsimulang magpinta ng mga tanawin sa kanayunan. Ito ay naka-out na ang pinaka-ordinaryong kalikasan, nang walang embellishment, ay maaaring maging isang natatanging materyal para sa paglikha. Maging ito ay isang madilim na araw, isang madilim na kalangitan bago ang isang bagyo, isang pagod na mag-aararo - lahat ito ay isang uri ng larawan ng totoong buhay.
Si Gustave Courbet, isang Pranses na pintor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ay nagdulot ng galit sa mga lupon ng burges sa kanyang mga ipinta. Pagkatapos ng lahat, ipinakita niya ang isang tunay na buhay, kung ano ang nakikita niya sa kanyang paligid. Ang mga ito ay maaaring mga eksena sa genre, portrait at still life. Kabilang sa kanyang pinakasikat na mga gawa ang "The Burial at Ornans", "Fire", "Deer by the Water" at ang mga nakakainis na canvases na "The Origin of the World" at "Sleepers".
Sa Russia, ang nagtatag ng realismo noong ika-19 na siglong sining ay si P.A. Fedotov (The Major's Matchmaking). Dahil sa pangungutya sa kanyang mga gawa, tinutuligsa niya ang masasamang asal at nakikiramay sa mga mahihirap. Kasama sa kanyang legacy ang maraming cartoon at portrait.
Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang tema ng "folk life" ay kinuha ni I.Ye. Repin. Sa kanyang tanyag na mga painting na "Refusal of Confession" at "Barge Haulers on the Volga", nalantad ang malupit na pagsasamantala sa mga tao at ang protestang umuusad sa hanay ng masa.
Ang mga makatotohanang uso ay patuloy na umiral noong ika-20 siglo sa gawain ng mga manunulat at artista. Ngunit, sa ilalim ng impluwensya ng bagong panahon, nagsimula silang makakuha ng iba, mas modernong mga tampok.

realismong Pranses.

Realismo 30-40s

Ang realismo ay isang totoo, layunin na pagmuni-muni ng katotohanan. Ang realismo ay lumitaw sa France at England sa ilalim ng mga kondisyon ng tagumpay ng burges na kaayusan. Ang mga panlipunang antagonismo at mga pagkukulang ng kapitalistang sistema ang nagpasiya sa matalas na kritikal na saloobin ng mga realistang manunulat tungkol dito. Tinuligsa ni Οʜᴎ ang pangangamkam ng pera, lantarang hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, pagkamakasarili, pagkukunwari. Sa layuning pang-ideolohiya nito, nagiging kritikal na pagiging totoo. Kasama ang mga ideya ng humanismo at katarungang panlipunan. Sa France, noong 30s at 40s, nilikha ni Oporet de Balzac ang kanilang pinakamahusay na makatotohanang mga gawa, na sumulat ng 95-volume na "Human Comedy"; Victor Hugo - "Notre Dame Cathedral", "Ninety-third year", "Inaprubahan", atbp.
Nai-post sa ref.rf
Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "Education of the Senses", "Salammbo" Prosper Merimo - master ng maikling kwento "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen", may-akda ng mga dula, makasaysayang mga talaan "Chronicle of the times of Charles 10" at iba pa.
Nai-post sa ref.rf
Noong 30s - 40s sa England. Si Charles Dickens ay isang natatanging satirist at humorist, ang mga gawa ng "Dombie and Son", "Hard Times", "Great Expectations", na siyang pinakatuktok ng realismo. Si William Makepeace Thackeray sa nobelang "Vanity Fair", sa makasaysayang akdang "The Story of Henry Esmond", isang koleksyon ng mga satirical na sanaysay na "The Book of Snobs", ay matalinghagang ipinakita ang mga bisyong likas sa burges na lipunan. Sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ang panitikan ng mga bansang Scandinavian ay nakakakuha ng isang pandaigdigang reputasyon. Ito ay, una sa lahat, mga gawa ng mga manunulat na Norwegian: Heinrich Ibsen - ang mga drama na "A Doll's House" ("Nora"), "Ghosts", "Enemy of the People" ay nanawagan para sa pagpapalaya ng tao mula sa mapagkunwari na burges na moralidad . Bjernson na mga drama na "Bankruptcy", "Over Our Power", at tula. Knut Hamsun - mga sikolohikal na nobelang "Hunger", "Misteryo", "Pan", "Victoria", na naglalarawan ng isang pag-aalsa ng personalidad laban sa kapaligiran ng pilistino.

Rebolusyon ng 1789ᴦ., Panahon ng matinding pakikibaka sa pulitika. Sa France, limang pampulitikang rehimen ang nagbabago: 1.) 1795 - 1799 panahon ng Direktoryo, 2.) 1799 - 1804 panahon ng konsulado ni Napoleon. 3) 1804 - 1814 - ang panahon ng Napoleonic na imperyo at mga digmaan. 4) 1815 - 1830 - ang panahon ng pagpapanumbalik. 5) 1830 - 1848 ang panahon ng monarkiya ng Hulyo, 6) ang rebolusyon ng 1848, ang pagpapalakas ng burges . Ang pagiging totoo sa France ay nabuo sa teorya at ang salita. Ang panitikan ay nahahati sa dalawang yugto: ang Balzac at Flaubert. I) 30–Ang taon sa ilalim ng realismo ay nangangahulugan ng pagpaparami ng iba't ibang natural na phenomena. 40s, realism - ang pag-install ng imahe ng modernong buhay, batay hindi lamang sa imahinasyon, kundi pati na rin sa direktang pagmamasid. Mga tampok: 1) pagsusuri ng buhay, 2) ang prinsipyo ng typification ay naaprubahan, 3) ang prinsipyo ng cyclization, 4) oryentasyon patungo sa agham, 5) ang pagpapakita ng psychologism. Ang nangungunang genre ay ang nobela. II) 50s isang punto ng pagbabago sa konsepto ng realismo, na nauugnay sa kaakit-akit na pagkamalikhain ng Courbet, siya at si Chanfleury ay bumuo ng isang bagong programa. Prosa, sinseridad, objectivity sa naobserbahan.

BERANGE Pierre-Jean- Pranses na manunulat ng kanta. Ang unang makabuluhang mga gawa ni B. sa genus na ito ay ang kanyang mga polyeto sa Napoleon I: "King Iveto", "Political Treatise". Ngunit ang kasagsagan ng B. satire ay nahuhulog sa panahon ng panunumbalik. Ang pagbabalik sa kapangyarihan ng mga Bourbon, at kasama nila ang mga emigrante-aristocrats, na sa panahon ng mga taon ng rebolusyon ay walang natutunan at hindi nakalimutan ang anuman, ay nagbubunga sa B. isang mahabang serye ng mga kanta, mga polyeto, kung saan ang buong panlipunan at ang istrukturang pampulitika ng panahon ay nakakahanap ng isang makinang na satirikal na pagmuni-muni. Ang kanilang pagpapatuloy ay mga pamplet na kanta na nakadirekta laban Louis Philippe bilang kinatawan ng burgesya sa pananalapi sa trono. Sa mga kantang ito, si to-rye B. mismo ay tinawag na mga arrow na pinaputok sa trono, ang simbahan, ang burukrasya, ang bourgeoisie, ang makata ay lumilitaw bilang isang political tribune, sa pamamagitan ng tula, na nagtatanggol sa interes ng laboring bourgeoisie, na gumanap ng isang rebolusyonaryong papel. sa panahon ni B., na sa wakas ay naipasa sa proletaryado. Ang pagiging oposisyon kay Napoleon sa panahon ng kanyang paghahari, iginiit ni B. ang kulto ng kanyang memorya sa panahon ng Bourbons at Louis Philippe. Sa mga kanta ng siklong ito, si Napoleon ay idealized bilang isang kinatawan ng rebolusyonaryong kapangyarihan na nauugnay sa masa. Ang mga pangunahing motibo ng siklong ito: paniniwala sa kapangyarihan ng mga ideya, kalayaan bilang isang uri ng abstract na kabutihan, at hindi bilang isang tunay na resulta ng tunggalian ng mga uri, na lubhang mahalaga na konektado sa karahasan ("Ideya", "Pag-iisip"). Sa isa sa mga kanta ng siklong ito, tinawag ni B. ang kanyang mga guro: Owen, La Fontaine, Fourier... Sa ganitong paraan mayroon tayong nasa harap natin na tagasunod ng utopian pre-Marxian socialism. Ang unang koleksyon ng mga tula ay nag-aalis sa kanya ng awa ng kanyang mga nakatataas sa unibersidad, kung saan siya nagsilbi noon. Ang pangalawang koleksyon ay nagdadala ng B. isang pag-uusig, na nagtatapos sa tatlong buwang pagkakulong, para sa pang-insulto sa moralidad, simbahan at royalty. Ang ikaapat na koleksyon ay nagresulta sa pangalawang pagkakulong para sa may-akda, sa pagkakataong ito sa loob ng 9 na buwan. Para sa lahat ng iyon, ang pakikilahok ni B. sa buhay pampulitika sa wastong kahulugan ng salita (kung hindi upang hawakan ang rebolusyonaryong aksyon ng mga kanta) ay ibinuhos sa medyo katamtamang mga anyo, halimbawa.
Nai-post sa ref.rf
sa anyo ng suporta para sa mga liberal sa rebolusyon ng 1830. Sa mga nagdaang taon, umalis si B. mula sa pampublikong buhay, nanirahan malapit sa Paris, lumipat sa kanyang trabaho mula sa pampulitika hanggang sa panlipunang mga motibo, na pinaunlad sila sa diwa ng populismo (Ryzha Zhanna, Vagrant, Zhak, atbp.) ...

BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799-1850), Pranses na manunulat na muling lumikha ng kumpletong larawan ng buhay panlipunan noong kanyang panahon. Ang isang pagtatangkang gumawa ng kayamanan sa negosyo ng paglalathala at paglilimbag (1826-1828) ay humantong kay Balzac sa malalaking utang. Sa pagbabalik sa pagsusulat, inilathala niya noong 1829 ang nobela Huling Shuang... Ito ang unang aklat na nai-publish sa ilalim ng kanyang sariling pangalan, kasama ang isang nakakatawang manwal para sa mga asawang lalaki. Physiology ng kasal 1829) iginuhit niya ang atensyon ng publiko sa bagong may-akda. Kasabay nito, nagsimula ang pangunahing gawain ng kanyang buhay: noong 1830 ang una Mga pribadong eksena, isang hindi mapag-aalinlanganang obra maestra Bahay ng pusang naglalaro ng bola, noong 1831 ang una Mga kwento at kwentong pilosopikal... Sa loob ng ilang taon, nagtrabaho si Balzac ng part-time bilang isang freelance na mamamahayag, gayunpaman, ang mga pangunahing pwersa mula 1830 hanggang 1848 ay ibinigay sa isang malawak na ikot ng mga nobela at kuwento, na kilala sa mundo bilang Komedya ng tao. Noong 1834, inisip ni Balzac ang ideya ng pag-uugnay ng mga karaniwang bayani na isinulat mula 1829 at mga gawa sa hinaharap at pagsasama-samahin ang mga ito sa isang epiko, na kalaunan ay tinawag na "The Human Comedy". Naglalaman ng ideya ng mga unibersal na pagkakaugnay-ugnay sa mundo, nag-isip si Balzac ng isang malawakang masining na pag-aaral ng lipunan at tao ng Pransya. Ang pilosopikal na balangkas ng artistikong gusaling ito ay materyalismo noong ika-18 siglo, modernong natural-siyentipikong mga teorya kay Balzac, na kakaibang natunaw. mga elemento ng mistikal na aral. Ang Human Comedy ay may tatlong seksyon. I. Pag-aaral ng moral: 1) mga eksena ng pribadong buhay; 2) mga eksena ng buhay probinsiya; 3) mga eksena ng buhay Parisian; 4) mga eksena ng buhay pampulitika; 5) mga eksena ng buhay militar; 6) mga eksena ng buhay sa kanayunan. II. Pilosopikal na pag-aaral. III. Analytical studies. Ito ay, kumbaga, tatlong bilog ng spiral, na umaakyat mula sa mga katotohanan patungo sa mga sanhi at batayan (tingnan ang Preface to The Human Comedy, Sobr.
Nai-post sa ref.rf
cit., tomo 1, M., I960). Ang "Human Comedy" ay may kasamang 90 na gawa. Balzac b siya ang unang mahusay na manunulat na nagbigay-pansin sa materyal na background at "hitsura" ng kanyang mga karakter; bago sa kanya ay walang naglarawan sa pera-grubbing at walang awa careerism bilang ang pangunahing stimuli sa buhay. Gobseck 1830), sa Hindi kilalang obra maestra (1831), Evgenia Grande, Mga sulat sa isang estranghero tungkol sa pag-ibig para sa Polish decanter.

100 RUR bonus sa unang order

Piliin ang uri ng trabaho Diploma work Term work Abstract Master's thesis Practice report Article Report Review Examination work Monograph Problem solving Business plan Mga sagot sa mga tanong Creative work Essays Drawing Essays Translation Presentations Typing Other Increasing the uniqueness of the text PhD thesis Laboratory work Help on-line

Alamin ang presyo

Noong 1830s at 1840s, lalo na sa mga gawa ni Balzac, lumilitaw ang mga katangian ng realismo. Nakikita ng mga realista ang kanilang pangunahing gawain sa masining na pagpaparami ng realidad, sa kaalaman sa mga batas na tumutukoy sa diyalektika nito at iba't ibang anyo.

"Ang mananalaysay mismo ay dapat na lipunan ng Pransya, maaari lamang akong maging kalihim nito," itinuro ni Balzac sa paunang salita sa The Human Comedy, na nagpapahayag ng prinsipyo ng objectivity sa diskarte sa paglalarawan ng katotohanan bilang ang pinakamahalagang prinsipyo ng makatotohanang sining. Kasabay nito, sinabi ng mahusay na nobelista: "Ang gawain ng sining ay hindi kopyahin ang kalikasan, ngunit ipahayag ito!" Sa katunayan, bilang sining na nagbibigay ng isang multifaceted na larawan ng katotohanan; Ang realismo ay malayo sa limitado sa moral na paglalarawan at paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, kasama rin sa mga gawain nito ang analytical na pag-aaral ng mga layunin na batas ng buhay - historikal, panlipunan, etikal, sikolohikal, pati na rin ang isang kritikal na pagtatasa ng modernong tao at lipunan, sa sa isang banda, at ang pagkakakilanlan ng isang positibong simula sa buhay na katotohanan - sa kabilang banda ...

Isa sa mga pangunahing postulate ng realismo - ang paggigiit ng mga prinsipyo ng makatotohanang pag-type at ang kanilang teoretikal na pag-unawa - ay nauugnay din lalo na sa panitikang Pranses, kasama ang gawain ni Balzac. Ang prinsipyo ng cyclization na ipinakilala ni Balzac ay makabago rin para sa unang kalahati ng ika-19 na siglo at makabuluhan para sa kapalaran ng realismo sa pangkalahatan. Ang "The Human Comedy" ay ang unang karanasan sa paglikha ng isang serye ng mga nobela at kwento na konektado ng isang kumplikadong hanay ng mga sanhi at epekto at ang mga kapalaran ng mga karakter, sa bawat oras na lumilitaw sa isang bagong yugto ng kanilang kapalaran at moral at sikolohikal na ebolusyon. Tumugon ang cyclization sa pagnanais ng realismo para sa isang sumasaklaw sa lahat, analytical at systemic artistikong pag-aaral ng realidad.

Nasa aesthetics na ni Balzac, ang isang oryentasyon patungo sa agham, pangunahin ang biology, ay ipinahayag. Ang kalakaran na ito ay lalong umuunlad sa gawain ni Flaubert, na naglalayong ilapat ang mga prinsipyo ng siyentipikong pananaliksik sa modernong nobela. Kaya, ang "pang-agham" na katangian na katangian ng positivist aesthetics ay nagpapakita ng sarili sa masining na kasanayan ng mga realista bago pa ito maging nangunguna sa naturalismo. Ngunit kapwa ang pagpupursige nina Balzac at Flaubert para sa "scientificness" ay malaya sa hilig na likas sa mga naturalista na ganapin ang mga natural na batas at ang kanilang papel sa buhay ng lipunan.

Ang malakas at maliwanag na bahagi ng realismo sa France ay sikolohiya, kung saan ang romantikong tradisyon ay lumilitaw na mas malalim at mas maraming aspeto. Ang hanay ng mga sanhi ng motibasyon ng sikolohiya, karakter, at mga aksyon ng tao, na sa huli ay bumubuo sa kanyang kapalaran, sa panitikan ng realismo ay lumalawak nang malaki, ang diin ay ginawa nang pantay sa historikal at panlipunang determinismo, at sa personal at indibidwal na prinsipyo. Salamat sa ito, ang pinakadakilang pagiging maaasahan ng sikolohikal na pagsusuri ay nakamit.

Ang nangungunang genre ng realismo sa France, tulad ng sa ibang mga bansa, ay nagiging nobela sa mga uri nito: moral na naglalarawan, sosyo-sikolohikal, sikolohikal, pilosopiko, hindi kapani-paniwala, pakikipagsapalaran, kasaysayan.

Ang mga bagong tema ay makikita sa gawain ng mga realista: ang pag-unlad ng modernong lipunan, ang paglitaw ng mga bagong uri at relasyon, bagong moralidad at mga bagong aesthetic na pananaw. Ang mga temang ito ay nakapaloob sa mga gawa ng Stendhal, Balzac at Mérimée. Ang pambansang pagkakakilanlan ng realismong Pranses ay makikita sa pagnanais ng mga manunulat na ito na maunawaan ang kakanyahan ng mayamang karanasang panlipunan na naipon ng lipunang Pranses sa panahon ng magulong panahon na nagsimula sa rebolusyon noong 1789 at nagpatuloy sa panahon ng buhay ng mga manunulat.

Armado hindi lamang sa kanilang talento, kundi pati na rin sa isang malalim na kaalaman sa katotohanan, ang mga realista ay lumikha ng isang napakalaking panorama ng buhay ng Pranses, na ipinapakita ito sa paggalaw. Ang mga gawa ng Stendhal, Balzac, Mérimée at Beranger ay nagpatotoo na sa kurso ng makasaysayang proseso ang Pranses na maharlika ay papalapit na sa kumpletong paghina. Nakita rin ng mga realista ang pagiging regular ng paglitaw ng mga bagong panginoon ng buhay - mga kinatawan ng burgesya, na binansagan nila sa mga larawan ni Valno o Gobsek.

Ang mga tampok ng nascent realism ay agad na ipinakita sa iba't ibang paraan sa akda ng iba't ibang manunulat. Sa kabila ng katotohanan na ang mga problema ng mga gawa ng Balzac at Stendhal sa maraming paraan ay magkatulad, ang mga indibidwal na katangian ng kanilang malikhaing pamamaraan ay makabuluhang naiiba: Stendhal ay, una sa lahat, isang master ng sikolohikal na nobela, na nagsisikap na tuklasin nang malalim ang panloob na mundo. ng mga indibidwal. Lumilikha ang Balzac ng isang malaking canvas ng French reality, isang buong mundo na pinaninirahan ng maraming figure.

Parehong makasaysayan ang Stendhal at Balzac. Sa pamamagitan ng kanilang mga gawa, napupunta ang ideya na ang lipunan ay nasa isang estado ng patuloy na pagbabago, at hinahanap nila ang mga dahilan para sa ebolusyon na ito. Ang historiismo ay likas din sa Merima. Para sa kanya, ang buhay ng lipunan ay isang patuloy na pagbabago sa balanse ng mga pwersang panlipunan na nakakaapekto sa pagkatao ng tao. Sa ilan sa kanyang mga gawa, ipinakita ni Merimee ang kanyang mga kasabayan, na disfigure at napinsala ng burges na lipunan ("Double Error", "Etruscan Vase", atbp.).

Ang lahat ng mga tampok sa itaas ng realismo ng Pransya ay nagpakita ng kanilang sarili noong 1830s - 40s, pangunahin sa mga gawa ng Balzac at Stendhal. Gayunpaman, ang pangunahing bagong bagay ng realismo bilang isang masining na pamamaraan ay hindi pa rin gaanong naiintindihan ng mga manunulat at kritiko noong panahong iyon. Ang mga teoretikal na pagtatanghal ni Stendhal (kabilang sina Racine at Shakespeare, Walter Scott at The Princess of Cleves) ay ganap na naaayon sa pakikibaka para sa romantikismo. Balzac, bagama't nararamdaman niya ang pangunahing bagong bagay ng pamamaraan ng The Human Comedy, ay hindi nagbibigay ng anumang konkretong kahulugan. Sa kanyang mga kritikal na gawa, inihiwalay niya ang kanyang sarili mula sa Stendhal at Mérimée, sa parehong oras na kinikilala ang pagiging malapit na nag-uugnay sa kanya sa mga manunulat na ito. Sa kanyang "Study of Bale" (1840) sinubukan ni Balzac na uriin ang mga phenomena ng kontemporaryong panitikan, ngunit sa parehong oras ay tumutukoy sa kanyang sarili (sa "eclectic") at Stendhal (sa "panitikan ng mga ideya") sa iba't ibang mga alon. Para sa "paaralan ng mga ideya" isinasaalang-alang ni Balzac ang isang analytical na prinsipyo na naglalayong ipakita ang mga kumplikadong banggaan ng panloob na mundo bilang katangian. Sa pamamagitan ng "eclectic school" ang ibig niyang sabihin ay sining, na nagsusumikap para sa isang malawak na epikong saklaw ng katotohanan at panlipunang paglalahat na nakapaloob sa maraming uri na nilikha ng mga artista batay sa mga obserbasyon sa buhay. Kahit na ang isang makapangyarihang kritiko noong ika-19 na siglo bilang Sainte-Beuve, sa kanyang artikulong "Ten Years Later in Literature" (1840) ay hindi kasama ang terminong "realism", at sa The Human Comedy ay nakikita lamang niya ang isang manipestasyon ng labis at kapintasang katotohanan. , na inihahambing ang may-akda nito sa " isang doktor na walang modo na nagbubunyag ng mga kahiya-hiyang sakit ng kanyang mga pasyente." Tinatrato ng kritiko ang mga gawa ni Stendhal na may parehong kababawan. At sa paglitaw lamang ng "Madame Bovary" (1857) ipinahayag ni Flaubert Saint-Beuve: "... Tila nahuhuli ko ang mga palatandaan ng bagong panitikan, mga tampok na tila kakaiba para sa mga kinatawan ng mga bagong henerasyon" ("Madame Bovary" ni Gustave Flaubert "(1857)).

Ang lahat ng ito ay nagpapahiwatig na ang pagbuo ng teoretikal na konsepto ng isang bagong artistikong pamamaraan sa unang yugto ng ebolusyon nito ay nahuhuli sa pagsasanay. Sa kabuuan, ang unang yugto ng realismo ng Pransya ay ang paglikha ng isang bagong pamamaraan, ang teoretikal na pagpapatibay na kung saan ay magsisimula sa ibang pagkakataon.

Ang lumalagong kritikal na ugali sa panitikang Pranses ay nagpatuloy sa isang pataas na linya, na tumitindi habang ang anti-popular na esensya ng burges na monarkiya ni Louis Philippe ay nahayag. Bilang katibayan nito, sa ikalawang kalahati ng 30s, lumitaw ang Lost Illusions ni Balzac, na nakatuon sa tema ng pagkabigo sa burgis na katotohanan.

Sa France, ang makatotohanang aesthetics ay nakatanggap ng isang mas malinaw na teoretikal na pagbabalangkas kaysa sa ibang mga bansa, at ang salitang "realismo" mismo ay unang ginamit bilang isang termino na nagpapahayag ng isang kumplikadong mga prinsipyo ng artistikong, na ang mga tagasunod ay lumikha ng isang bagay tulad ng isang paaralan.

Tulad ng nabanggit kanina, ang terminong "realismo" ay nagsisimulang lumitaw sa mga pahina ng mga magasing Pranses noong 1820s, ngunit noong 1840s lamang ang salitang ito ay napalaya mula sa negatibong kahulugan ng pagsusuri. Ang malalim na pagbabago sa mga saloobin patungo sa konsepto ng "realismo" ay magaganap sa ibang pagkakataon, sa kalagitnaan ng 50s at maiuugnay sa mga aktibidad nina J. Chanfleury at L. E. Duranty at kanilang mga kasama.

Dapat pansinin na ang landas ng mga unang Pranses na realista ay malayo sa maayos. Inusig at inuusig ng lipunang burges ang mga sumulat ng katotohanan tungkol dito. Ang mga talambuhay ni Beranger, Stendhal, Balzac ay mayaman sa mga katotohanan na nagpapatunay kung gaano katalinong ginamit ng mga naghaharing lupon ng burges ang iba't ibang paraan upang maalis ang mga manunulat na hindi nila nagustuhan. Si Beranger ay nilitis para sa kanyang mga gawa. Sa panahon ng kanyang buhay, si Stendhal ay halos hindi kilala, si Balzac, na kilala sa ibang bansa, ay namatay nang hindi nakatanggap ng tamang pagkilala sa France. Ang karera ng serbisyo ni Merimee ay medyo matagumpay, ngunit nasuri din siya bilang isang manunulat pagkatapos lamang ng kanyang kamatayan.

Ang 1830s at 40s ay kumakatawan sa isang mahalagang panahon sa kasaysayan ng France at sa panitikan nito. Sa pagtatapos ng panahong ito, iyon ay, sa bisperas ng 1848 rebolusyon, naging malinaw na ang pinakamahalaga, ang pinakabago sa mayamang karanasang pampanitikan noong 30s at 40s ay nauugnay sa makatotohanang kalakaran, na ang mga kinatawan ay magagawang lumikha ng pinakamatingkad at makatotohanang mga larawan ng buhay Pranses sa pagitan ng dalawang rebolusyon, upang maglatag ng matibay na pundasyon para sa karagdagang pag-unlad ng pambansang panitikan ng Pranses.

Ang paaralang sining ng Pransya sa pagliko ng ika-17 at ika-18 siglo ay matatawag na nangungunang paaralan sa Europa, sa Pransya noong panahong iyon nagmula ang mga istilo ng sining tulad ng Rococo, Romanticism, Classicism, Realism, Impressionism at Post-Impresionism.

Rococo (French rococo, mula sa rocaille - isang pandekorasyon na motif sa anyo ng isang shell) - isang estilo sa European art ng ika-1 kalahati ng ika-18 siglo. Ang Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng hedonism, isang pag-alis sa mundo ng idyllic theatrical play, isang addiction sa pastoral at sensually erotic na paksa. Ang katangian ng Rococo decor ay nakakuha ng mariin na kaaya-aya, sopistikado at sopistikadong mga anyo.

Si Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard ay nagtrabaho sa istilong Rococo.

Klasisismo - estilo sa European art noong ika-17 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, isang katangiang katangian kung saan ay ang apela sa mga anyo ng sinaunang sining bilang isang perpektong aesthetic at etikal na pamantayan.

Si Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David ay nagtrabaho sa estilo ng klasisismo.

Romantisismo - ang istilo ng sining ng Europa noong ika-18-19 na siglo, ang mga tampok na katangian kung saan ay ang paggigiit ng intrinsic na halaga ng espirituwal at malikhaing buhay ng indibidwal, ang imahe ng malakas at madalas na mapanghimagsik na mga hilig at karakter.

Si Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake ay nagtrabaho sa istilo ng romantikismo.

Edouard Manet. Almusal sa workshop. 1868 g.

Realismo - ang estilo ng sining, ang gawain kung saan ay makuha ang katotohanan nang tumpak at obhetibo hangga't maaari. Sa istilo, ang realismo ay multifaceted at multivariate. Ang iba't ibang aspeto ng realismo sa pagpipinta ay kinakatawan ng Baroque illusionism ni Caravaggio at Velazquez, ang impresyonismo ni Manet at Degas, ang mga gawa ni Nynen ni Van Gogh.

Ang kapanganakan ng pagiging totoo sa pagpipinta ay madalas na nauugnay sa gawain ng Pranses na artista na si Gustave Courbet, na nagbukas ng kanyang personal na eksibisyon na "The Pavilion of Realism" sa Paris noong 1855, kahit na bago pa sa kanya ang mga artista ng paaralan ng Barbizon na si Theodore Rousseau, Jean. -Francois Millet, Jules Breton ay nagtrabaho sa isang makatotohanang paraan ... Noong 1870s. Ang realismo ay nahahati sa dalawang pangunahing lugar - naturalismo at impresyonismo.

Ang makatotohanang pagpipinta ay naging laganap sa buong mundo. Ang mga Wanderers ay nagtrabaho sa istilo ng realismo ng isang talamak na oryentasyong panlipunan sa Russia noong ika-19 na siglo.

Impresyonismo (mula sa Pranses na impresyon - impresyon) - isang estilo sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, isang katangian na katangian kung saan ay ang pagnanais na pinaka-natural na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagbabago nito, upang maihatid ang panandaliang mga impresyon. Ang impresyonismo ay hindi nagtaas ng mga isyu sa pilosopikal, ngunit nakatuon sa pagkalikido ng sandali, kalooban at pag-iilaw. Ang buhay mismo ay nagiging paksa ng mga Impresyonista, tulad ng isang linya ng maliliit na pista opisyal, mga partido, kaaya-ayang mga piknik sa kalikasan sa isang magiliw na kapaligiran. Ang mga Impresyonista ay isa sa mga unang nagpinta sa open air, nang hindi tinatapos ang kanilang trabaho sa studio.

Si Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley at iba pa ay nagtrabaho sa istilo ng impresyonismo.

Post-impressionism - isang istilo ng sining na umusbong sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang mga Post-Impresyonista ay nagsusumikap na malaya at sa pangkalahatan ay ihatid ang materyalidad ng mundo, na gumagamit ng pandekorasyon na istilo.

Ang Post-Impresyonismo ay nagbunga ng mga larangan ng sining gaya ng Expressionism, Symbolism at Art Nouveau.

Si Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec ay nagtrabaho sa istilo ng post-impressionism.

Tingnan natin ang impresyonismo at post-impresyonismo gamit ang halimbawa ng gawain ng mga indibidwal na master ng France noong ika-19 na siglo.

Edgar Degas. Self-portrait. 1854-1855

Edgar Degas (mga taon ng buhay 1834-1917) - Pranses na pintor, graphic artist at iskultor.

Simula sa mga makasaysayang pagpipinta at mga larawan na mahigpit sa kanilang komposisyon, si Degas noong 1870s ay naging malapit sa mga kinatawan ng impresyonismo at bumaling sa paglalarawan ng modernong buhay sa lunsod - mga lansangan, mga cafe, mga palabas sa teatro.

Sa mga pagpipinta ni Degas, isang pabago-bago, kadalasang walang simetriko na komposisyon, tumpak na nababaluktot na pagguhit, hindi inaasahang mga anggulo, aktibidad ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng pigura at espasyo ay maingat na pinag-isipan at napatunayan.

E. Degas. Banyo. 1885 g.

Sa maraming mga gawa, ipinakita ni Edgar Degas ang katangian ng pag-uugali at hitsura ng mga tao, na nabuo ng mga kakaibang katangian ng kanilang buhay, ay nagpapakita ng mekanismo ng isang propesyonal na kilos, pustura, paggalaw ng isang tao, ang kanyang plastik na kagandahan. Ang sining ni Degas ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng maganda at mala-prosaic; ang artista, bilang isang matino at banayad na tagamasid, ay sabay-sabay na nakukuha ang nakakapagod na pang-araw-araw na gawain na nakatago sa likod ng eleganteng entertainment.

Ang kanyang paboritong pastel technique ay nagbigay-daan kay Edgar Degas na ganap na ipakita ang kanyang talento bilang isang draftsman. Ang mga saturated tone at "shimmering" stroke ng mga pastel ay nakatulong sa artist na lumikha ng espesyal na makulay na kapaligiran, ang iridescent na airiness na nagpapakilala sa lahat ng kanyang mga gawa.

Sa kanyang mature years, madalas na bumaling si Degas sa paksa ng ballet. Ang marupok at walang timbang na mga pigura ng mga ballerina ay lumilitaw sa harap ng manonood alinman sa takip-silim ng mga klase ng sayaw, o sa liwanag ng mga spotlight sa entablado, o sa maikling sandali ng pagpapahinga. Ang tila randomness ng komposisyon at ang walang kinikilingan na posisyon ng may-akda ay lumilikha ng impresyon ng isang espiya sa buhay ng ibang tao, ipinakita sa amin ng artista ang mundo ng biyaya at kagandahan, nang hindi nahuhulog sa labis na sentimentalidad.

Si Edgar Degas ay maaaring tawaging isang banayad na colorist, ang kanyang mga pastel ay nakakagulat na magkakasuwato, kung minsan ay maselan at magaan, kung minsan ay binuo sa matalim na mga kaibahan ng kulay. Kapansin-pansin ang ugali ni Degas para sa kanyang kalayaan, naglapat siya ng mga pastel na may matapang, basag na mga stroke, kung minsan ay iniiwan ang tono ng papel na nagpapakita sa pamamagitan ng pastel o pagdaragdag ng mga stroke na may mga langis o watercolor. Ang kulay sa mga pintura ni Degas ay nagmumula sa isang iridescent na ningning, mula sa isang streaming na stream ng mga iridescent na linya na nagsilang ng anyo.

Ang mga huling gawa ni Degas ay nakikilala sa pamamagitan ng intensity at kayamanan ng kulay, na kinumpleto ng mga epekto ng artipisyal na pag-iilaw, pinalaki, halos patag na mga anyo, ang higpit ng espasyo, na nagbibigay sa kanila ng isang tensely dramatic character. Sa ganyan

Isinulat ni Degas ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa - "Blue Dancers". Gumagana dito ang artist na may malalaking mga spot ng kulay, na nagbibigay ng priyoridad sa pandekorasyon na organisasyon ng ibabaw ng pagpipinta. Sa pamamagitan ng kagandahan ng pagkakatugma ng kulay at solusyon sa komposisyon, ang pagpipinta na "Blue Dancers" ay maaaring ituring na pinakamahusay na sagisag ng tema ng ballet ni Degas, na nakamit sa pagpipinta na ito ang tunay na kayamanan ng texture at mga kumbinasyon ng kulay.

P.O. Renoir. Self-portrait. 1875 g.

Pierre Auguste Renoir (mga taon ng buhay 1841-1919) - Pranses na pintor, graphic artist at iskultor, isa sa mga pangunahing kinatawan ng impresyonismo. Ang Renoir ay pangunahing kilala bilang isang master ng sekular na larawan, hindi walang sentimentalidad. Noong kalagitnaan ng 1880s. aktwal na nasira sa impresyonismo, na bumalik sa linearity ng classicism sa panahon ng Ingres ng pagkamalikhain. Isang kahanga-hangang colorist, madalas na nakakamit ni Renoir ang impresyon ng isang monochrome na pagpipinta sa tulong ng mga pinakamahusay na kumbinasyon ng mga valers, katulad ng mga kulay ng kulay.

P.O. Renoir. Paddle pool. 1869 g.

Tulad ng karamihan sa mga Impresyonista, pinipili ni Renoir ang mga panandaliang yugto ng buhay para sa mga paksa ng kanyang mga pagpipinta, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga maligaya na mga eksena sa lunsod - mga bola, sayaw, paglalakad ("Bagong Tulay", "Bahay ng Palaka", "Moulin da la Galette" at iba pa). Sa mga canvases na ito, hindi namin makikita ang alinman sa itim o madilim na kayumanggi. Isang gamut lamang ng malinaw at makulay na mga kulay na nagsasama-sama kapag tiningnan mula sa isang tiyak na distansya. Ang mga pigura ng mga tao sa mga kuwadro na ito ay ipininta sa parehong impresyonistikong pamamaraan tulad ng nakapalibot na tanawin, kung saan madalas silang pinagsama.

P.O. Renoir. Larawan ng aktres na si Jeanne Samary. 1877 g.

Ang isang espesyal na lugar sa trabaho ni Renoir ay inookupahan ng mga mala-tula at kaakit-akit na mga imahe ng babae: sa loob ay naiiba, ngunit sa panlabas ay bahagyang katulad sa isa't isa, tila sila ay minarkahan ng karaniwang selyo ng panahon. Kasama sa mga brush ni Renoir ang tatlong magkakaibang larawan ng aktres na si Jeanne Samari. Ang isa sa kanila ay naglalarawan sa aktres sa isang magandang asul at berdeng damit laban sa isang kulay-rosas na background. Sa larawang ito, nagawa ni Renoir na bigyang-diin ang pinakamahusay na mga tampok ng kanyang modelo: kagandahan, masiglang isip, bukas na mga mata, nagliliwanag na ngiti. Ang estilo ng gawa ng artist ay napaka-libre, minsan sa punto ng kapabayaan, ngunit ito ay lumilikha ng isang kapaligiran ng pambihirang pagiging bago, espirituwal na kalinawan at katahimikan. Sa paglalarawan ng hubo't hubad, si Renoir ay nakakamit ng isang bihirang sopistikado ng mga carnation (pagpinta ng kulay ng tao. balat), na binuo sa isang kumbinasyon ng mga mainit na kulay ng laman na may sliding light greenish at grey -blue reflexes, na nagbibigay ng kinis at dullness sa ibabaw ng canvas. Sa pagpipinta na Nude in the Sunlight, pangunahing gumagamit ang Renoir ng pangunahin at pangalawang kulay, ganap na hindi kasama ang itim. Ang mga color spot, na nakuha gamit ang maliliit na color stroke, ay nagbibigay ng isang katangian ng fusion effect kapag ang viewer ay lumayo sa larawan.

Dapat pansinin na ang paggamit ng berde, dilaw, okre, rosas at pula na tono para sa paglalarawan ng balat ay nagulat sa publiko noong panahong iyon, hindi handa para sa pang-unawa ng katotohanan na ang mga anino ay dapat na may kulay, na puno ng liwanag.

Noong 1880s, ang tinatawag na "panahon ng Ingres" ay nagsisimula sa gawain ng Renoir. Ang pinakatanyag na gawain sa panahong ito ay ang "Big Bathers". Upang makabuo ng isang komposisyon, ang Renoir ay unang nagsimulang gumamit ng mga sketch at sketch, ang mga linya ng pagguhit ay naging malinaw at tiyak, ang mga kulay ay nawala ang kanilang nakaraang ningning at saturation, ang pagpipinta sa kabuuan ay nagsimulang magmukhang mas pinigilan at mas malamig.

Noong unang bahagi ng 1890s, naganap ang mga bagong pagbabago sa Renoir art. Sa isang painterly na paraan, ang iridescence ng kulay ay lilitaw, na ang dahilan kung bakit ang panahong ito ay tinatawag na "pearlescent", pagkatapos ang panahong ito ay nagbibigay daan sa "pula", kaya pinangalanan dahil sa kagustuhan para sa mga kakulay ng mapula-pula at rosas na kulay.

Eugene Henri Paul Gauguin (mga taon ng buhay 1848-1903) - Pranses na pintor, iskultor at graphic artist. Kasama sina Cezanne at Van Gogh, siya ang pinakamalaking kinatawan ng post-impressionism. Nagsimula siyang magpinta sa pagtanda, ang maagang panahon ng pagkamalikhain ay nauugnay sa impresyonismo. Ang pinakamahusay na mga gawa ni Gauguin ay isinulat sa mga isla ng Tahiti at Hiva-Oa sa Oceania, kung saan iniwan ni Gauguin ang "mabisyo na sibilisasyon". Kasama sa mga katangian ng istilo ni Gauguin ang paglikha sa malalaking flat canvases ng mga static at contrasting na komposisyon sa kulay, malalim na emosyonal at sa parehong oras ay pandekorasyon.

Sa The Yellow Christ, inilarawan ni Gauguin ang isang pagpapako sa krus laban sa backdrop ng isang tipikal na tanawin sa kanayunan ng France, na may nagdurusa na si Hesus na napapalibutan ng tatlong babaeng magsasaka ng Breton. Ang pacification ay bumuhos sa hangin, ang kalmadong sunud-sunuran na mga postura ng mga kababaihan, ang tanawin na puspos ng maaraw na dilaw na kulay na may mga puno sa pulang mga dahon ng taglagas, ang magsasaka na abala sa kanyang sariling mga gawain sa malayo, ay hindi maaaring sumalungat sa kung ano ang nangyayari sa krus. Ang kapaligiran ay kabaligtaran nang husto kay Jesus, na sa kanyang mukha ay makikita ang yugto ng pagdurusa, na may hangganan sa kawalang-interes, kawalang-interes sa lahat ng bagay sa paligid niya. Ang kontradiksyon ng walang hangganang pagpapahirap na tinanggap ni Kristo at ang "invisibility" ng sakripisyong ito ng mga tao - ito ang pangunahing tema ng gawaing ito ni Gauguin.

P. Gauguin. nagseselos ka ba 1892 g.

Pagpinta "Nagseselos ka ba?" tumutukoy sa panahon ng Polynesian ng gawa ng pintor. Ang pagpipinta ay batay sa isang eksena mula sa buhay, na tinitiktik ng pintor:

sa baybayin, dalawang magkapatid na babae - naligo lang sila, at ngayon ang kanilang mga katawan ay nakalatag sa buhangin sa kaswal na mga posisyon - nagsasalita tungkol sa pag-ibig, ang isang alaala ay nagdudulot ng pagtatalo: "Paano? Nagseselos ka ba!"

Sa pagpipinta ng masarap na buong-dugo na kagandahan ng tropikal na kalikasan, ang mga likas na tao na hindi nasisira ng sibilisasyon, inilarawan ni Gauguin ang isang utopiang pangarap ng isang makalupang paraiso, ng buhay ng tao na naaayon sa kalikasan. Ang Polynesian canvases ng Gauguin ay kahawig ng mga panel sa mga tuntunin ng decorativeness ng kulay, flatness at monumentality ng komposisyon, generalization ng stylized drawing.

P. Gauguin. saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta? 1897-1898

Ang larawang “Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" Itinuring ni Gauguin ang kahanga-hangang kasukdulan ng kanyang mga pagninilay. Ayon sa ideya ng pintor, ang pagpipinta ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa: tatlong pangunahing grupo ng mga pigura ang naglalarawan sa mga tanong na iniharap sa pamagat. Ang grupo ng mga kababaihan na may isang bata sa kanang bahagi ng larawan ay kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang grupo ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa matinding kaliwang grupo, inilarawan ni Gauguin ang katandaan ng tao, ang paglapit sa kamatayan; ang asul na idolo sa background ay sumisimbolo sa kabilang mundo. Ang pagpipinta na ito ay ang rurok ng makabagong post-impressionist na istilo ni Gauguin; sa kanyang estilo, ang isang malinaw na paggamit ng mga pintura, pandekorasyon na kulay at mga solusyon sa komposisyon, flatness at monumentality ng mga imahe na may emosyonal na pagpapahayag ay pinagsama.

Inaasahan ng gawa ni Gauguin ang maraming tampok ng istilong Art Nouveau na umuusbong sa panahong ito at naimpluwensyahan ang pagbuo ng mga master ng grupong Nabis at iba pang pintor noong unang bahagi ng ika-20 siglo.

V. Van Gogh. Self-portrait. 1889 g.

Vincent van gogh (mga taon ng buhay 1853-1890) - Ang Pranses at Dutch na post-impressionist na pintor, ay nagsimulang magpinta, tulad ni Paul Gauguin, nasa hustong gulang na, noong 1880s. Hanggang sa panahong iyon, matagumpay na nagtrabaho si Van Gogh bilang isang dealer, pagkatapos bilang isang guro sa isang boarding school, kalaunan ay nag-aral sa Protestant missionary school at nagtrabaho sa loob ng anim na buwan bilang isang misyonero sa isang mahirap na lugar ng pagmimina sa Belgium. Noong unang bahagi ng 1880s, si Van Gogh ay bumaling sa sining, nag-aral sa Academy of Arts sa Brussels (1880-1881) at Antwerp (1885-1886). Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, nagpinta si Van Gogh ng mga sketch at painting sa isang madilim, kaakit-akit na hanay, pagpili ng mga eksena mula sa buhay ng mga minero, magsasaka, at artisan bilang mga paksa. Ang mga gawa ng panahong ito ni Van Gogh ("The Potato Eaters", "The Old Church Tower in Nynen", "Shoes") ay nagpapansin ng isang masakit na talamak na pang-unawa sa pagdurusa ng tao at damdamin ng depresyon, isang mapang-aping kapaligiran ng sikolohikal na pag-igting. Sa kanyang mga liham sa kanyang kapatid na si Theo, isinulat ng artista ang sumusunod tungkol sa isa sa mga kuwadro sa panahong ito, The Potato Eaters: "Sa loob nito sinubukan kong bigyang-diin na ang mga taong ito, na kumakain ng kanilang patatas sa pamamagitan ng liwanag ng lampara, ay naghukay ng lupa. sa parehong mga kamay na kanilang iniabot sa pinggan; kaya, ang canvas ay nagsasalita tungkol sa pagsusumikap at ang katotohanan na ang mga karakter ay tapat na nakakuha ng kanilang pagkain. ”Noong 1886-1888. Si Van Gogh ay nanirahan sa Paris, dumalo sa isang prestihiyosong pribadong art studio ng sikat sa buong Europa na guro na si P. Cormon, nag-aral ng Impressionist painting, Japanese engraving, synthetic works ni Paul Gauguin. Sa panahong ito, ang palette ni Van Gogh ay naging magaan, ang makalupang lilim ng pintura ay nawala, purong asul, ginintuang dilaw, pulang tono ang lumitaw, ang kanyang katangian na dinamiko, na parang dumadaloy na brushstroke ("Agostina Segatori sa Tambourine cafe", "Bridge over the Seine ", "Papa Tanguy", "View ng Paris mula sa apartment ni Theo sa rue Lepic").

Noong 1888, lumipat si Van Gogh sa Arles, kung saan natukoy sa wakas ang pagka-orihinal ng kanyang malikhaing paraan. Ang isang nagniningas na artistikong pag-uugali, isang masakit na salpok para sa pagkakaisa, kagandahan at kaligayahan at, sa parehong oras, ang takot sa mga pwersang laban sa tao, ay nakapaloob sa alinman sa mga landscape na nagniningning na may maaraw na mga kulay ng timog ("The Yellow House", "Harvest. Valley of La Cros"), o sa mga nagbabantang larawang nakapagpapaalaala sa isang bangungot ("Night Cafe Terrace"); dynamics ng kulay at smear

V. Van Gogh. Night cafe terrace. 1888 g.

pinupuno ng espiritwal na buhay at paggalaw hindi lamang ang kalikasan at ang mga taong naninirahan dito ("Mga Pulang Ubasan sa Arles"), kundi pati na rin ang mga bagay na walang buhay ("Kwarto ni Van Gogh sa Arles").

Ang masipag na trabaho ni Van Gogh nitong mga nakaraang taon ay sinamahan ng mga sakit sa pag-iisip, na humantong sa kanya sa isang ospital para sa mga may sakit sa pag-iisip sa Arles, pagkatapos ay sa Saint-Remy (1889-1890) at sa Auvers-sur-Oise (1890), kung saan nagpakamatay siya. Ang gawain sa huling dalawang taon ng buhay ng artista ay minarkahan ng kalugud-lugod na pagkahumaling, labis na pinataas na pagpapahayag ng mga kumbinasyon ng kulay, biglang pagbabago ng mood - mula sa galit na galit na kawalan ng pag-asa at madilim na visionary ("The Road with Cypresses and Stars") hanggang sa nanginginig na pakiramdam ng paliwanag at pacification ("Landscape sa Auvers pagkatapos ng ulan") ...

V. Van Gogh. Mga iris. 1889 g.

Sa panahon ng paggamot sa klinika ng Saint-Remy, pininturahan ni Van Gogh ang isang ikot ng mga pagpipinta na "Irises". Walang mataas na tensyon sa kanyang pagpipinta ng mga bulaklak at ang impluwensya ng Japanese ukiyo-e prints ay maaaring masubaybayan. Ang pagkakatulad na ito ay nagpapakita ng sarili sa pagpili ng mga contour ng mga bagay, hindi pangkaraniwang mga anggulo, ang pagkakaroon ng mga detalyadong lugar at mga lugar na puno ng isang solidong kulay na hindi tumutugma sa katotohanan.

V. Van Gogh. Patlang ng trigo na may mga uwak. 1890 g.

"Wheat Field with Crows" - isang pagpipinta ni Van Gogh, ipininta ng pintor noong Hulyo 1890 at isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa. Ang pagpipinta ay dapat na natapos noong Hulyo 10, 1890, 19 araw bago siya namatay sa Auvers-sur-Oise. Mayroong isang bersyon na si Van Gogh ay nagpakamatay sa proseso ng pagpipinta ng larawang ito (pagkatapos lumabas sa open air na may mga materyales para sa pagguhit, binaril niya ang kanyang sarili mula sa isang pistola, nakuha upang takutin ang mga kawan ng mga ibon, sa lugar ng puso, pagkatapos nakapag-iisa na nakarating sa ospital, kung saan siya namatay mula sa pagkawala ng dugo).