Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Panimula

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang krisis ng pyudal-serf system, na humadlang sa pagbuo ng kapitalistang sistema, ay lalong tumitindi. Sa mga advanced na bilog ng lipunang Ruso, ang mga ideyang mapagmahal sa kalayaan ay kumakalat at lumalalim. Ang mga kaganapan ng Patriotic War, ang tulong ng mga tropang Ruso sa pagpapalaya ng mga estado ng Europa mula sa paniniil ni Napoleon, ay nagpalala ng damdaming makabayan at mapagmahal sa kalayaan. Ang lahat ng mga pangunahing prinsipyo ng estadong pyudal-serf ay pinupuna. Ito ay nagiging malinaw na ang mga pag-asa para sa pagbabago ng panlipunang realidad sa tulong ng mga aktibidad ng estado ng isang napaliwanagan na tao ay ilusyon. Ang pag-aalsa ng mga Decembrist noong 1825 ay ang unang armadong pag-aalsa laban sa tsarismo. Nagkaroon ito ng napakalaking epekto sa progresibong kultura ng sining ng Russia. Ang panahong ito ay nagsilang ng henyong pagkamalikhain ng A.S. Pushkin, pambansa at buong-tao, puno ng mga pangarap ng kalayaan.

Ang mga pinong sining ng unang kalahati ng ika-19 na siglo ay may panloob na komunidad at pagkakaisa, isang natatanging kagandahan ng magaan at makataong mga mithiin. Ang klasisismo ay pinayaman ng mga bagong tampok, ang mga kalakasan nito ay malinaw na ipinakita sa arkitektura, makasaysayang pagpipinta, at bahagyang sa iskultura. Ang pang-unawa sa kultura ng sinaunang mundo ay naging mas makasaysayan kaysa sa ika-18 siglo, at mas demokratiko. Kasama ng klasisismo, ang romantikong direksyon ay masinsinang umuunlad at isang bagong makatotohanang pamamaraan ay nagsisimulang mabuo.

Matapos ang pagsupil sa pag-aalsa ng Decembrist, itinatag ng autokrasya ang isang brutal na reaksyunaryong rehimen. Ang mga biktima nito ay sina A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, T.G. Shevchenko at marami pang iba. Ngunit hindi mapigilan ni Nicholas I ang kawalang-kasiyahan ng mga tao at progresibong kaisipang panlipunan. Ang mga ideya sa pagpapalaya ay kumalat, na yumakap hindi lamang sa maharlika, kundi pati na rin sa magkakaibang mga intelihente, na nagsimulang gumanap ng lalong makabuluhang papel sa kulturang sining. Si V.G.Belinsky ay naging tagapagtatag ng Russian revolutionary-demokratikong aesthetics, na nakaimpluwensya sa mga artista. Isinulat niya na ang sining ay isang anyo ng pambansang kamalayan sa sarili, pinamunuan niya ang ideolohikal na pakikibaka para sa pagkamalikhain, malapit sa buhay at mahalaga sa lipunan.

Ang artistikong kultura ng Russia noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo ay nabuo sa panahon ng panlipunang pagsulong na nauugnay sa mga kabayanihan na kaganapan ng Digmaang Patriotiko noong 1812 at ang pagbuo ng mga ideyang anti-serfdom at mapagmahal sa kalayaan noong pre-Decembrist period. Sa panahong ito, ang lahat ng uri ng sining at ang kanilang synthesis ay umabot sa isang napakatalino na kasaganaan.

Sa ikalawang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, dahil sa tumindi na reaksyon ng gobyerno, ang sining ay higit na nawala ang mga progresibong katangian na naging katangian nito kanina. Ang klasisismo sa panahong ito ay mahalagang naubos ang sarili nito. Ang arkitektura ng mga taong ito ay nagsimula sa landas ng eclecticism - ang panlabas na paggamit ng mga estilo mula sa iba't ibang panahon at mga tao. Ang iskultura ay nawala ang kahalagahan ng nilalaman nito, nakakuha ito ng mga tampok ng mababaw na pagpapakita. Ang mga prospective na paghahanap ay nakabalangkas lamang sa iskultura ng mga maliliit na anyo, dito, tulad ng sa pagpipinta at mga graphic, ang mga makatotohanang prinsipyo ay lumago at pinalakas, na pinagtibay sa kabila ng aktibong pagtutol ng mga kinatawan ng opisyal na sining.

Ang Classicism sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, alinsunod sa mga romantikong tendensya, ay lumikha ng mga imahe na nakataas at espiritwal, emosyonal na kahanga-hanga. Gayunpaman, ang apela sa isang masiglang direktang pang-unawa sa kalikasan at ang pagkawasak ng sistema ng tinatawag na mataas at mababang genre ay sumasalungat na sa akademikong aesthetics, batay sa mga klasikong canon. Ito ay ang romantikong kalakaran ng sining ng Russia noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo na nagbigay daan para sa pag-unlad ng realismo sa mga sumunod na dekada, dahil sa isang tiyak na lawak ay inilapit nito ang mga romantikong artista sa realidad, sa simpleng totoong buhay. Ito ang panloob na kakanyahan ng kumplikadong kilusang masining sa buong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ito ay hindi nagkataon na sa pagtatapos ng panahong ito ang satirical genre ng genre ay nabuo sa pagpipinta at graphics. Sa pangkalahatan, ang sining ng yugtong ito - arkitektura, pagpipinta, graphics, eskultura, inilapat at katutubong sining - ay isang natatanging kababalaghan na puno ng pagka-orihinal sa kasaysayan ng kulturang sining ng Russia. Ang pagbuo ng mga progresibong tradisyon ng nakaraang siglo, ito ay lumikha ng maraming kahanga-hangang mga gawa ng mahusay na aesthetic at panlipunang halaga, na nag-aambag sa pamana ng mundo.

Ang isang mahalagang katibayan ng mga pagbabagong naganap sa sining ng Russia noong unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang pagnanais ng malawak na bilog ng mga manonood na makilala ang mga eksibisyon. Noong 1834, sa "Northern Bee", halimbawa, iniulat na ang pagnanais na makita ang "Ang Huling Araw ng Pompeii" ni K. P. Bryullov ay winalis ang populasyon ng Petersburg, na kumalat "sa lahat ng estado at klase." Ang larawang ito, gaya ng pinagtatalunan ng mga kontemporaryo, ay higit na nagsilbi upang ilapit ang "ating publiko sa artistikong mundo".

Ang ikalabinsiyam na siglo ay nakikilala din sa pamamagitan ng pagpapalawak, pagpapalalim ng mga ugnayan ng sining ng Russia hindi lamang sa buhay, kundi pati na rin sa mga artistikong tradisyon ng ibang mga tao na naninirahan sa Russia. Sa mga gawa ng mga artistang Ruso, nagsimulang lumitaw ang mga motibo at larawan ng pambansang labas ng Siberia. Ang etnikong komposisyon ng mga mag-aaral sa mga institusyong sining ng Russia ay naging mas magkakaibang. Ang mga katutubo ng Ukraine, Belarus, Baltic States, Transcaucasia at Central Asia ay nag-aral sa Academy of Arts, sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, na inayos noong 1830s.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo, kakaunti lamang ang mga masters, at lalo na si A. A. Ivanov, ang pumukaw ng interes sa artistikong mundo ng Russia. Sa mga taon lamang ng kapangyarihang Sobyet na ang sining ng panahong ito ay tumanggap ng malawak na pagkilala. Sa nakalipas na mga dekada, ang kasaysayan ng sining ng Sobyet ay nagbigay ng malaking pansin sa pag-aaral ng gawain ng mga masters ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, lalo na may kaugnayan sa malaking anibersaryo ng mga eksibisyon ng AG Venetsianov, AAIvanov, OAKiprensky, at ang ika-225 na anibersaryo ng USSR Academy of Arts.

32.Russian painting ng unang kalahatiXIXsiglo. Ang pag-unlad ng genre, ang master.

Ang romantikismo at realismo ay katangian ng sining ng sining ng Russia. Gayunpaman, ang opisyal na kinikilalang pamamaraan ay klasisismo. Ang Academy of Arts ay naging isang konserbatibo at inert na institusyon na nagpapahina sa anumang pagtatangka sa malikhaing kalayaan. Hiniling niya ang mahigpit na pagsunod sa mga canon ng klasisismo, hinikayat ang pagsulat ng mga pagpipinta sa mga paksang biblikal at mitolohiya. Ang mga batang mahuhusay na artistang Ruso ay hindi nasiyahan sa balangkas ng akademiko. Samakatuwid, madalas silang bumaling sa genre ng portrait.

Ang pagpipinta ay naglalaman ng mga romantikong mithiin ng panahon ng pambansang pagtaas. Tinatanggihan ang mahigpit, hindi nakakasira na mga prinsipyo ng klasisismo, natuklasan ng mga artista ang pagkakaiba-iba at pagiging natatangi ng mundo sa kanilang paligid. Hindi lamang ito makikita sa pamilyar na mga genre - portrait at landscape - ngunit nagbigay din ng lakas sa pagsilang ng pang-araw-araw na pagpipinta, na naging pokus ng atensyon ng mga masters ng ikalawang kalahati ng siglo. Samantala, nanatili ang primacy sa makasaysayang genre. Ito ang huling kanlungan ng klasisismo, ngunit kahit dito ang mga romantikong ideya at tema ay nakatago sa likod ng pormal na klasikong "facade".

Romantisismo - (French romantisme), isang ideolohikal at artistikong kalakaran sa kulturang espirituwal ng Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - ika-1 bahagi. ika-19 na siglo Sinasalamin ang pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses noong huling bahagi ng ika-18 siglo, sa ideolohiya ng Enlightenment at panlipunang pag-unlad. Inihambing ng Romantisismo ang utilitarianismo at ang pagpapatag ng personalidad sa pagsusumikap para sa walang limitasyong kalayaan at "walang hanggan", ang pagkauhaw sa pagiging perpekto at pagpapanibago, ang kalunos-lunos ng personal at civic na kalayaan. Ang isang masakit na alitan sa pagitan ng ideal at panlipunang katotohanan ay ang batayan ng romantikong pananaw sa mundo at sining. Ang paggigiit ng intrinsic na halaga ng espirituwal at malikhaing buhay ng isang tao, ang imahe ng malakas na hilig, ang imahe ng malakas na hilig, isang espiritwal at nakapagpapagaling na kalikasan, para sa maraming mga romantiko - mga kabayanihan ng protesta o pakikibaka ay magkakasamang nabubuhay sa mga motibo ng "mundo kalungkutan", "kasamaan sa mundo", ang "gabi" na bahagi ng kaluluwa, na nakadamit ng mga anyo ng kabalintunaan, kakatuwa na mga tula ng dobleng mundo. Interes sa pambansang nakaraan (kadalasan ang idealization nito), ang mga tradisyon ng alamat at kultura ng sarili at ibang mga tao, ang pagnanais na lumikha ng isang unibersal na larawan ng mundo (pangunahin ang kasaysayan at panitikan), ang ideya ng isang synthesis ng sining. natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at praktika ng Romantisismo.

Sa visual arts, ang Romantisismo ay nagpakita ng sarili nitong pinakamalinaw sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong malinaw sa eskultura at arkitektura (halimbawa, huwad na Gothic). Karamihan sa mga pambansang paaralan ng Romantisismo sa visual arts ay binuo sa paglaban sa opisyal na akademikong klasisismo.

Sa kailaliman ng opisyal na kultura ng estado, mayroong isang layer ng "elite" na kultura na naglilingkod sa naghaharing uri (aristocracy at royal court) at nagtataglay ng isang espesyal na pagkamaramdamin sa mga dayuhang pagbabago. Sapat na upang alalahanin ang romantikong pagpipinta ng O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov at iba pang mga pangunahing artista ng ika-19 na siglo.

Kiprensky Orest Adamovich , artistang Ruso. Isang namumukod-tanging master ng Russian fine art of romanticism, kilala siya bilang isang kahanga-hangang pintor ng portrait. Sa pagpipinta na "Dmitry Donskoy sa Kulikovo Field" (1805, Russian Museum), nagpakita siya ng isang tiwala na kaalaman sa mga canon ng akademikong makasaysayang larawan. Ngunit sa simula pa lang, ang isang larawan ay naging lugar kung saan ang kanyang talento ay pinaka-natural at natural na ipinapakita. Ang kanyang unang larawang larawan ("A. K. Schwalbe", 1804, ibid.), na isinulat sa paraang "Rembrandt", ay namumukod-tangi para sa kanyang nagpapahayag at dramatikong cut-and-shadow system. Sa paglipas ng mga taon, ang kanyang kasanayan - na ipinakita sa kakayahang lumikha, una sa lahat, mga natatanging indibidwal na katangian ng mga imahe, pagpili ng mga espesyal na paraan ng plastik upang lilim ang katangiang ito - ay nagiging mas malakas. Puno sila ng kahanga-hangang sigla: isang larawan ng isang batang lalaki na si A.A. Chelishchev (circa 1810-11), ipinares na mga larawan ng mag-asawang F.V. at E.P. Tretyakov Gallery). Ang artist ay lalong naglalaro ng mga posibilidad ng kulay at cut-and-light contrasts, landscape background, symbolic details (E. S. Avdulina, circa 1822, ibid.). Alam ng artista kung paano gumawa ng kahit na malalaking seremonyal na mga portrait na liriko, halos malapit sa kaginhawahan ("Portrait of the Life-Hussar Colonel Evgraf Davydov", 1809, Russian Museum). Ang kanyang larawan ng kabataan, na pinaypayan ng makatang kaluwalhatian ng A.S. Si Pushkin ay isa sa mga pinakamahusay sa paglikha ng isang romantikong imahe. Sa gawa ni Kiprensky, si Pushkin ay mukhang solemne at romantiko, sa isang aura ng mala-tula na kaluwalhatian. "You flatter me, Orest," bumuntong-hininga si Pushkin, sumulyap sa natapos na canvas. Si Kiprensky ay isa ring birtuoso na draftsman, na lumikha (pangunahin sa pamamaraan ng Italian na lapis at pastel) ng mga halimbawa ng graphic na kasanayan, na kadalasang nahihigitan ang kanyang mga larawang larawan na may bukas, kapana-panabik na magaan na emosyonalidad. Ito ang mga pang-araw-araw na uri ("The Blind Musician", 1809, Russian Museum; "Kalmychka Bayusta", 1813, Tretyakov Gallery), at ang sikat na serye ng mga larawan ng lapis ng mga kalahok sa Patriotic War ng 1812 (mga guhit na naglalarawan sa E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilov , PAOlenin, ang parehong pagguhit kasama ang makata na si Batyushkov at iba pa; 1813-15, Tretyakov Gallery at iba pang mga koleksyon); ang kabayanihan na simula dito ay may madamdaming kahulugan. Ang isang malaking bilang ng mga sketch at textual na katibayan ay nagpapakita na ang artist sa buong kanyang mature na panahon gravitated patungo sa paglikha ng isang malaki (sa kanyang sariling mga salita mula sa isang sulat sa A. N. Olenin noong 1834), "kahanga-hanga, o, sa Russian, isang kapansin-pansin at mahiwagang larawan" kung saan ang mga resulta ng kasaysayan ng Europa ay ipapakita sa alegorikong anyo, gayundin ang tadhana ng Russia. "Mga Mambabasa ng Pahayagan sa Naples" (1831, Tretyakov Gallery) - tila isang larawan lamang ng grupo - sa katunayan ay isang lihim na simbolikong tugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan sa Europa. Gayunpaman, ang pinakaambisyoso sa mga larawang alegorya ni Kiprensky ay nanatiling hindi natupad o nawala (tulad ng Anacreon Tomb, na natapos noong 1821). Ang mga romantikong paghahanap na ito, gayunpaman, ay nakatanggap ng malakihang pagpapatuloy sa mga gawa ni K. P. Bryullov at A. A. Ivanov.

Ang makatotohanang istilo ay makikita sa mga gawa ni B .A. Tropinin. Ang mga unang larawan ng Tropinin, na ipininta sa isang pinigilan na makulay na sukat (mga larawan ng pamilya ng Counts Morkovs noong 1813 at 1815, pareho sa Tretyakov Gallery), ay ganap pa ring nabibilang sa tradisyon ng Age of Enlightenment: sa kanila ang modelo ay ang walang kondisyon at matatag na sentro ng imahe. Nang maglaon, ang pangkulay ng pagpipinta ni Tropinin ay nagiging mas matindi, ang mga volume ay karaniwang nililok nang mas malinaw at sculpturally, ngunit ang pinakamahalaga, ang isang purong romantikong pakiramdam ng mobile na elemento ng buhay ay insinuatingly lumalaki, isang bahagi lamang kung saan ang bayani ng portrait ay tila. upang maging isang fragment (Bulakhov, 1823; KG Ravich), 1823; self-portrait, circa 1824; lahat ng tatlo ay nasa iisang lugar). Ganito ang AS Pushkin sa sikat na larawan noong 1827 (All-Russian Museum of AS Pushkin, Pushkin): ang makata, na inilalagay ang kanyang kamay sa isang stack ng papel, na parang "nakikinig ng muse", nakikinig sa malikhaing panaginip na pumapalibot sa larawan na may hindi nakikitang halo ... Nagpinta rin siya ng portrait ng A.S. Pushkin. Ang manonood ay ipinakita sa isang matalinong karanasan sa buhay, hindi isang napakasayang tao. Sa larawan ni Tropinin, ang makata ay kaakit-akit sa bahay. Ang isang espesyal na lumang Moscow init at coziness ay nagmumula sa mga gawa ng Tropinin. Hanggang sa edad na 47, siya ay nasa serf captivity. Kaya naman, malamang, ang mga mukha ng mga ordinaryong tao ay napakasariwa, napaka-espirituwal sa kanyang mga canvases. At walang katapusang kabataan at alindog ng kanyang "Lacemaker". Kadalasan ang V.A. Si Tropinin ay bumaling sa imahe ng mga tao mula sa mga tao ("The Lacemaker", "Portrait of a Son", atbp.).

Ang masining at ideolohikal na paghahanap ng panlipunang pag-iisip ng Russia, ang inaasahan ng pagbabago ay makikita sa mga kuwadro na gawa K.P. Bryullova"Ang Huling Araw ng Pompeii" at A.A. Ivanov "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao".

Ang pagpipinta na "The Last Day of Pompeii" ni Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ay isang mahusay na gawa ng sining. Noong 1830, binisita ng Russian artist na si Karl Pavlovich Bryullov ang mga paghuhukay ng sinaunang lungsod ng Pompeii. Naglakad siya sa mga sinaunang simento, hinangaan ang mga fresco, at ang kalunos-lunos na gabi ng Agosto 79 AD ay bumangon sa kanyang imahinasyon. e., nang ang lungsod ay natatakpan ng maliwanag na abo at pumice ng nagising na si Vesuvius. Pagkalipas ng tatlong taon, ang pagpipinta na "Ang Huling Araw ng Pompeii" ay gumawa ng isang matagumpay na paglalakbay mula sa Italya hanggang Russia. Nakakita ang pintor ng mga kamangha-manghang kulay upang ilarawan ang trahedya ng isang sinaunang lungsod na namamatay sa ilalim ng lava at abo ng nagbubuga na Vesuvius. Ang larawan ay puno ng matayog na humanistic ideals. Ipinapakita nito ang tapang ng mga tao, ang kanilang dedikasyon, na ipinakita sa panahon ng isang kakila-kilabot na sakuna. Nasa Italy si Bryullov sa isang business trip sa Academy of Arts. Sa institusyong pang-edukasyon na ito, ang pagsasanay sa pamamaraan ng pagpipinta at pagguhit ay maayos na naayos. Gayunpaman, ang Academy ay hindi malabo na ginabayan ng sinaunang pamana at kabayanihan na mga tema. Ang akademikong pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pandekorasyon na tanawin, theatricality ng pangkalahatang komposisyon. Ang mga eksena mula sa modernong buhay, isang ordinaryong tanawin ng Russia ay itinuturing na hindi karapat-dapat sa brush ng artist. Ang klasiko sa pagpipinta ay tinatawag na akademiko. Si Bryullov ay nauugnay sa Academy sa lahat ng kanyang trabaho.

Siya ay nagtataglay ng isang malakas na imahinasyon, isang matalas na mata at isang tapat na kamay - at ipinanganak niya ang mga buhay na nilikha, na naaayon sa mga canon ng akademya. Tunay na sa biyaya ni Pushkin, nagawa niyang makuha sa canvas ang kagandahan ng hubad na katawan ng tao, at ang panginginig ng isang sinag ng araw sa isang berdeng dahon. Ang kanyang mga kuwadro na "Horsewoman", "Bathsheba", "Italian Morning", "Italian Noon", maraming seremonyal at intimate portrait ay mananatiling walang kupas na mga obra maestra ng pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, ang artist ay palaging nakahilig sa malalaking makasaysayang mga tema, patungo sa paglalarawan ng mga makabuluhang kaganapan sa kasaysayan ng tao. Marami sa kanyang mga plano sa bagay na ito ay hindi naipatupad. Hindi iniwan ni Bryullova ang ideya ng paglikha ng isang epikong canvas batay sa isang balangkas mula sa kasaysayan ng Russia. Sinimulan niya ang pagpipinta na "The Siege of Pskov ng Troops of King Stefan Batory". Inilalarawan nito ang kasukdulan ng pagkubkob noong 1581, nang ang mga mandirigma ng Pskov at. ang mga taong-bayan ay nagmamadali sa pag-atake sa mga Pole na pumasok sa lungsod at itinapon sila pabalik sa likod ng mga pader. Ngunit ang larawan ay nanatiling hindi natapos, at ang gawain ng paglikha ng tunay na pambansang makasaysayang mga pagpipinta ay hindi isinagawa ni Bryullov, ngunit sa susunod na henerasyon ng mga artistang Ruso. Ang isang taong gulang na Pushkin, si Bryullov ay nabuhay sa kanya ng 15 taon. Nagkasakit siya nitong mga nakaraang taon. Mula sa isang self-portrait, na ipininta sa oras na iyon, ang isang mapula-pula na lalaki na may maselan na mga katangian at isang kalmado, nag-iisip na titig ay nakatingin sa amin.

Sa unang kalahati ng siglo XIX. ang artista ay nabuhay at nagtrabaho Alexander Andreevich Ivanov(1806-1858). Inilaan niya ang kanyang buong malikhaing buhay sa ideya ng espirituwal na paggising ng mga tao, na isinasama ito sa pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Sa loob ng higit sa 20 taon ay nagtrabaho siya sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People", kung saan inilagay niya ang lahat ng kapangyarihan at ningning ng kanyang talento. Sa harapan ng kanyang maringal na canvas, ang matapang na pigura ni Juan Bautista ay nakakuha ng mata, na itinuro ang mga tao sa papalapit na Kristo. Ang kanyang pigura ay ibinigay sa malayo. Hindi pa siya dumarating, darating siya, darating talaga siya, sabi ng artista. At ang mga mukha at kaluluwa ng mga naghihintay sa Tagapagligtas ay lumiliwanag at naglilinis. Sa larawang ito, ipinakita niya, tulad ng sinabi ni Ilya Repin sa kalaunan, "isang inaapi na mga tao na nananabik sa salita ng kalayaan."

Sa unang kalahati ng siglo XIX. Kasama sa pagpipinta ng Russia ang isang plot ng sambahayan. Isa sa mga unang bumaling sa kanya Alexey Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Inilaan niya ang kanyang trabaho sa paglalarawan ng buhay ng mga magsasaka. Ipinakita niya ang buhay na ito sa isang ideyal, pinalamutian na anyo, na nagbibigay pugay sa noon ay naka-istilong sentimentalismo. Gayunpaman, ang mga kuwadro na gawa ni Venetsianov na "The threshing floor", "Sa pag-aani. Tag-init "," Sa lupang taniman. Spring "," Babaeng Magbubukid na may Cornflowers "," Zakharka "," Umaga ng May-ari ng Lupa "na sumasalamin sa kagandahan at maharlika ng mga ordinaryong mamamayang Ruso, ay nagsilbi upang igiit ang dignidad ng isang tao, anuman ang kanyang katayuan sa lipunan.

Ipinagpatuloy ang kanyang mga tradisyon Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Ang kanyang mga canvases ay makatotohanan, puno ng satirical na nilalaman, na naglalantad sa mercantile na moralidad, buhay at kaugalian ng tuktok ng lipunan ("The Courtship of a Major", "Fresh Cavalier", atbp.). Sinimulan niya ang kanyang karera bilang isang satirist bilang isang officer-guard. Pagkatapos ay gumawa siya ng nakakatawa, malikot na sketch ng buhay hukbo. Noong 1848, ang kanyang pagpipinta na "The Fresh Cavalier" ay ipinakita sa isang akademikong eksibisyon. Ito ay isang matapang na panunuya hindi lamang sa hangal, makasarili na burukrasya, kundi pati na rin sa mga tradisyong pang-akademiko. Ang maruming balabal na isinuot ng bida sa larawan ay parang isang antigong toga. Tumayo si Bryullov sa harap ng canvas nang mahabang panahon, at pagkatapos ay sinabi sa may-akda na kalahating biro na kalahating seryoso: "Binabati kita, natalo mo ako." Ang iba pang mga kuwadro na gawa ni Fedotov ("Almusal ng isang Aristocrat", "Ang Panliligaw ng isang Major") ay mayroon ding isang komedyante at satirical na karakter. Ang kanyang mga huling painting ay napakalungkot ("Angkla, anchor pa rin!", "Ang Balo"). Tamang inihambing ng mga kontemporaryo ang P.A. Fedotov sa pagpipinta kasama ang N.V. Gogol sa panitikan. Ang paglalantad ng mga ulser ng pyudal na Russia ay ang pangunahing tema ng gawain ni Pavel Andreevich Fedotov.

Sa panahon ng paghahari ni Alexander 1, ang sining ng Russia ay umabot sa isang mataas na antas ng masining, ang arkitektura ng Russia ay umabot sa rurok nito. Sa oras na ito, ang isang makabuluhang bahagi ng mga natitirang istruktura ng arkitektura, na naging mga monumento ng arkitektura ng klasiko ng Russia, ay itinayo sa St. Ito ay: ang Kazan Cathedral, ang gusali ng Mining Institute (architect A. Voronikhin), ang Mikhailovsky Palace, ang Alexandrinsky Theater (architect K. Russia), ang Exchange building (architect JF Thomas de Thomon), ang Admiralty (architect Andrey Zakharov), Trinity Cathedral, Transfiguration Cathedral (arkitekto V. Stasov).

Matapos ang tagumpay ng Russia sa digmaan noong 1812, umuunlad ang Russia istilo ng imperyo, na binuo batay sa "Alexandrovsky classicism". Ang mga pandekorasyon na elemento ng istilo ng St. Petersburg Empire ay binubuo ng mga elemento ng sinaunang kagamitang militar ng Roma (tradisyonal na may istilong French Empire). Ang mga ito ay legionary insignia na may mga agila, mga bundle ng mga sibat, mga palakol, mga bungkos ng mga arrow, mga imahe ng mga kalasag, mga elemento ng Egyptian art ay ginamit din: Egyptian ornament, mga imahe ng sphinxes. Ang maputlang dilaw na kulay ng mga gusali at ang puting kulay ng mga haligi, pediment, pilaster, at iba pang mga detalye ng dekorasyong arkitektura (ang mga kulay ng istilo ng Napoleonic Empire ay pula, asul na puti na may ginto) ay katangian ng istilo ng Imperyo ng Russia. Ang nangungunang arkitekto na nagpahayag ng mga ideya ng Imperyong Ruso ay Carl Rossi. Nagtayo siya ng 12 kalye at 13 parisukat sa gitna ng St. Petersburg. Mga nilikha ng K. Rossi: Palace Square, Mikhailovsky Palace na may malawak na parke at serbisyo, Alexandrinsky Theater. Mahusay na pinagsama ni Rossi ang mga anyong arkitektura na may sculptural at pictorial na dekorasyon sa labas at loob. Dinisenyo niya ang lugar at katangian ng mga relief, painting, statues, draperies, furniture. Ang palamuti sa loob ay sumunod sa parehong prinsipyo tulad ng panlabas. Ang isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng interior ng istilo ng Empire ay White Hall ng Mikhailovsky Palace... Ang kalmado na kaputian ng mga dingding at mga haligi ay nagmumula sa pamamagitan ng pagtubog ng mga stucco cornice at mga kabisera ng Corinthian. Sa itaas ng mga pintuan ay may mga bas-relief na may mga figure ng resting bacchantes, wreaths, garlands at iba pang katangian ng Empire. Pinagsasama ng pagpipinta sa kisame at sa itaas na bahagi ng mga dingding ang maraming kulay na pagpipinta, mga pattern ng ginto at grisaille (single-color na pagpipinta). Ang ginintuang tono ng parquet at mga pinto ay kasuwato ng asul na tapiserya ng mga ginintuan na kasangkapan. Ang interior ay kinukumpleto ng matataas na hugis haligi na mga lampara sa sahig, mga chandelier, candelabra, mga kandelero na gawa sa tanso, bato at kristal. Sa lahat ng iba't-ibang, ang panloob na dekorasyon ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng proporsyon, na karaniwang katangian ng istilo ng Imperyo.

Sa mga unang taon ng paghahari ni Emperor Nicholas 1. ang mga aktibidad ng K. Russia, nagpatuloy si V. Stasov. "Nikolaev Empire" naging huling yugto sa pag-unlad ng klasisismo sa arkitektura ng Russia. Ang mga gusali ng St. Isaac's Square sa St. Petersburg ay nagbibigay ng isang malinaw na ideya ng arkitektura ng panahong ito. Saint Isaac's Cathedral itinayo ng arkitekto na si Auguste Montferrand. Ang isang malaking hugis-parihaba na gusali sa apat na gilid ay pinalamutian ng parehong multi-column portico na may mabibigat na pediment, na pinalamutian ng matataas na relief. Ang isang ginintuan na simboryo ay tumataas sa itaas ng katedral sa taas na 101 m, ang drum ay napapalibutan ng isang colonnade na nakoronahan ng isang balustrade na may mga estatwa. Ang eskultura, mosaic, pagpipinta (ginawa ng mga pintor ng akademikong klasiko K. Bryullov, F. Bruni, P. Basin) ay may mahalagang papel sa loob ng katedral.

Pagpipinta unang kalahati ng ika-19 na siglo kinakatawan ng iba't ibang direksyon: nagkaroon ng klasisismo, nabuo ang romantikismo.

Ang romantikong Ruso ay hindi kasing lakas ng isang kilusang sining tulad ng sa France at Germany. Walang matinding pananabik sa kanya, walang kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa.

Sa genre ng portrait, ipinakita ang pagiging romantiko sa mga gawa ng Orest Kiprensky at Vasily Tropinin.

Si O. Kiprensky ay nagtapos mula sa St. Petersburg Academy of Painting, klase ng makasaysayang pagpipinta. Sa kanyang mga kabataan, lumipat siya sa bilog ng malayang pag-iisip na aristokratikong intelihente. Alam niya ang mga romantikong makata na sina Batyushkov at Vyazemsky, V. Zhukovsky na nag-pose para sa kanya, at kalaunan ay si A. Pushkin. Sa kanyang mga larawan, sinikap ni Kiprensky na ipakita ang iba't ibang mga aspeto ng pagkatao ng tao at ang espirituwal na mundo ng isang tao. Upang gawin ito, gumagamit siya ng iba't ibang mga diskarte sa larawan sa bawat oras. Mula sa klasisismo, kinuha ni Kiprensky ang idealization ng imahe, ngunit naglalayong ipakita ang romantikong paglipad ng kaluluwa. Kabilang sa mga pinakamahalagang gawa ay isang serye ng mga larawan ng militar - mga kalahok sa digmaan noong 1812. (E. Davydova, I. at A. Lansky at iba pa). Ang pagpipinta ni Kiprensky ay nakikilala sa pamamagitan ng artistikong kalayaan. Sa isang libreng pose, maingat na tumitingin sa gilid, kaswal na isinandal ang kanyang mga siko sa isang stone slab, nakatayo si Colonel E.B. Davydov (1809, RM). Ang larawang ito ay itinuturing bilang isang kolektibong imahe ng bayani ng digmaan noong 1812, bagaman ito ay medyo tiyak. Ang romantikong kalooban ay pinahusay ng imahe ng isang mabagyo na tanawin, kung saan ipinakita ang pigura. Ang scheme ng kulay ay batay sa mga tunog na kulay na kinuha nang buong lakas - pula at ginto at puti at pilak sa mga damit ng isang hussar - at sa kaibahan ng mga kulay na ito na may madilim na tono ng tanawin. Ang obra maestra ni Kiprensky ay "Portrait of Pushkin" (1827). Ang tunay na anyo ng makata at ang mukha na naliliwanagan ng inspirasyon. Ang makata ay sumulat tungkol dito: "Nakikita ko ang aking sarili na parang nasa salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa larawan, lumikha si Kiprensky ng isang kolektibong imahe. Si Kiprensky ay naging tagapagtatag ng larawan ng lapis ng Russia.

Kasama sa mga romantikong artista si Vasily Tropinin (pinalaya mula sa serfdom sa edad na 45). Nabuhay siya ng mahabang mabungang buhay, nakatanggap ng panghabambuhay na pagkilala, ang pamagat ng akademiko, naging pinakasikat na artista ng Moscow portrait school noong 1920s at 1930s. Sa mga portrait ng Tropinin's brush, walang romantikong salpok ng Kiprensky. Ang pinakamahusay sa mga larawan ng Tropinin ay kilala para sa kanilang mataas na kahusayan sa sining. Ito ay lalo na maliwanag sa larawan ng anak ni Arseny, isang hindi pangkaraniwang taos-pusong imahe, ang kasiglahan at spontaneity na kung saan ay binibigyang diin ng mahusay na pag-iilaw: ang kanang bahagi ng pigura, ang buhok ay tinusok, binaha ng sikat ng araw, mahusay na ipinarating ng master. Ang hanay ng mga kulay mula sa golden ocher hanggang pink-brown ay hindi pangkaraniwang mayaman, ang malawakang paggamit ng glazes ay nagpapaalala pa rin sa mga nakalarawang tradisyon noong ika-18 siglo.

Bilang isang patakaran, ang imahe ni Tropinin ay ibinigay laban sa isang neutral na background na may isang minimum na mga accessory. Ganito ang paglalarawan ni Tropinin A.S. Pushkin (1827) - nakaupo sa mesa sa isang libreng pose, nakasuot ng damit sa bahay, na binibigyang diin ang natural na hitsura ng hitsura. Sa mga larawan ng Tropinin, katapatan ng pagpapahayag, pagiging simple, kawalan ng sining, pagiging totoo ng mga character, pagiging maaasahan ng mga pang-araw-araw na detalye. Si Tropinin ay naging tagalikha ng painting-portrait, iyon ay, isang larawan kung saan ipinakilala ang mga tampok ng genre. "Lacemaker", "Spinner", "Guitarist", "Gold Embroidery" - ito ay mga typified na imahe na may isang tiyak na balangkas. Inihahatid ng artista ang panloob na mundo ng kanyang mga bayani.

Ang romantikong tanawin ay ipinakita sa mga canvases ni Sylvester Shchedrin. Siya ay nanirahan sa ibang bansa pagkatapos ng Academy of Arts, pininturahan ang daungan sa Sorrento, ang mga pilapil ng Naples, iba't ibang tanawin ng Roma. Inihahatid ng artista ang lahat sa kumplikadong pakikipag-ugnayan ng kapaligiran ng liwanag-hangin, gumagamit ng mga kulay-pilak na kulay-abo na kulay na may mga stroke ng pula (sa kalawangin na mga dahon ng mga puno ng taglagas, sa mga damit, atbp.). Ang kanyang mga pintura: "Ang baybayin sa Sorrento na tinatanaw ang . Capri "," View ng Naples sa gabing naliliwanagan ng buwan. "

Ang romantikismo sa pagpipinta ng landscape ay pinaka malinaw na kinakatawan ng gawain ni Alexei Venetsianov (isang mag-aaral ng Borovikovsky). Ang isang matahimik na buhay magsasaka ay ipinakita sa kanyang mga pintura: "Sa lupang taniman. Spring "," Sa pag-aani. Tag-init "," Umaga ng may-ari ng lupa "," Mowers ". Inihatid ni Venetsianov ang tula ng katutubong buhay, ito ang romantikong kagandahan ng kanyang mga kuwadro na gawa. Hindi ibinunyag ni Venetsianov ang pinaka matinding kontradiksyon sa modernong buhay ng magsasaka ng Russia, hindi nagtaas ng "masakit na mga tanong" sa ating panahon. Ito ay isang patriarchal idyllic na paraan ng pamumuhay. Sa mga kuwadro na "walang nangyayari", ang mga bayani ay static, ngunit ang tao ay palaging nasa pagkakaisa sa kalikasan, sa walang hanggang paggawa, at ito ay gumagawa ng mga imahe ni Venetsianov na tunay na monumental.

Ang makasaysayang pagpipinta ng Russia noong 30-40s ng ika-19 na siglo ay nabuo din sa ilalim ng tanda ng romantikismo. Si Karl Bryullov ay ang pintor na nakahanap ng kompromiso sa pagitan ng mga mithiin ng klasisismo at ng mga inobasyon ng romantikismo. Pagkatapos ng Academy of Arts, nanirahan siya sa Italya, pagkatapos ng isang paglalakbay sa Pompeii, nagtrabaho siya sa kanyang pangunahing gawain na "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833). Ipinakita niya ang isang tunay na kaganapan sa sinaunang kasaysayan - ang pagkamatay ng lungsod sa panahon ng pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. AD (ang mga tema sa klasisismo ay palaging historikal). Ang tema ng kamatayan ay katangian ng romantikismo, kahit na sa kamatayan, ang isang tao ay nananatiling maganda: iniligtas ng isang binata ang kanyang minamahal, tinakpan ng ina ang isang bata, inalis ng artista ang mga pintura, ngunit iniwan ang nawasak na lungsod, sinubukan niyang makuha ang isang kakila-kilabot. paningin. Ipinakita ng artista ang kadakilaan at dignidad ng isang tao sa harap ng kamatayan. Ginagawa ang magagandang ilaw na may mga romantikong epekto.

Si Alexander Ivanov ay isang sentral na pigura sa pagpipinta noong kalagitnaan ng siglo. Pagkatapos ng Academy of Arts, nanirahan siya sa Italya, at bumalik sa kanyang tinubuang-bayan 1.5 buwan bago siya namatay. Ang pangunahing larawan ay "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao". Si Ivanov ay nagpunta sa gawaing ito sa loob ng mahabang panahon. Naniniwala siya sa ideya ng makahulang tadhana ng artist sa mundong ito, naniniwala sa pagpapabuti ng isang taong naghahanap ng kalayaan at katotohanan. Ipinakita niya ang espirituwal na pananaw ng mga taong nakakita kay Hesus, ito ay kung paano niya ipinahayag ang ideya ng moral na pagpapabuti ng sangkatauhan. Ang pag-aari ng larawang ito sa romantikismo ay pinagtatalunan: walang dramatikong balangkas, walang dinamika ng pagkilos, walang nagngangalit na hilig, walang kulay at liwanag na epekto. Kasabay nito, ang ideya at pangkalahatang plano ay walang alinlangan na romantiko: ang tawag ni Juan Bautista at ang pangangaral ni I. Si Kristo ay dapat na gumising sa mga tao ng Judea mula sa "matandang katahimikan".

Paglililok.

Noong 1838 natanggap ni P.K. K. Klodt ang titulong akademiko at hinirang na propesor ng iskultura sa Academy of Arts.

Si Petr Klodt ay isang pambihirang sculptor na lumikha ng mga sculptural na grupo ng mga kabayo. Pinalamutian nila ang Anichkov Bridge mula sa St. Petersburg, ang Bolshoi Theater (quadriga kasama si Apollo sa pediment ng teatro). Ang engrandeng pagbubukas ng tulay na may mga eskultura ni Klodt ay naganap noong Nobyembre 20, 1841, na may malaking pulutong ng mga humahangang madla.

Sa una sa mga gawaing ito, ang kabayo ay umayos, siya ay nabalisa, ang kanyang mga butas ng ilong ay namamaga, siya ay nagsisikap na tumakas, ngunit ang batang karwahe ay pinigilan siya at tinakpan siya ng isang kumot. Sa pangalawa - ang kabayo ay nananatiling nasasabik, ngunit sinunod ang lalaki, ang binata ay umakay sa kanya sa tabi niya - naka-bridled, nakasapatos at natatakpan ng kumot. Lumahok ang PKKlodt sa dekorasyon ng mga interior ng St. Isaac's Cathedral (high relief na "Christ in Glory"). Siya ang may-akda ng monumento kay I.A. Krylov sa Summer Garden sa St. Petersburg, ang estatwa ni St. Vladimir sa Kiev. Ang huli sa kanyang mga dakilang gawa ay isang monumento sa kanyang patron, si Emperador Nicholas I ng St. Petersburg.

Ang pangunahing kilusan ay tungo sa realismo, ngunit itinatag nito ang sarili sa paglaban sa awtoritatibong klasisismo na ipinakita ng Academy at samakatuwid ay nakakuha ng mga posisyon nang mas huli kaysa sa panitikan. Habang si Pushkin ay naging "Poet of Reality" sa edad na 25-26, ang pagpipinta ng Russia ay nahirapan na malampasan ang hindi gumagalaw na impluwensya ng nakaraang panahon. Sa una, ang bagong pagpipinta ng Russia ay nauugnay mismo sa romantikismo.
Orest Adamovich Kiprensky (1782 - 1836)
Ang artist na ito ay nakatayo sa pinagmulan ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo. Ang kanyang sining ay nakikilala sa pamamagitan ng simbuyo ng damdamin at salpok, ang pagnanais na ihatid ang paggalaw ng panloob na buhay. Hinanap niya ang kahanga-hanga sa isang tao, inilalarawan ang mga bayani sa kanyang pinakamahusay na mga sandali, naihatid ang kakayahang madama, ang pagnanais na mamuhay ng isang espirituwal na buhay. Ang pinakamagandang bahagi ng kanyang trabaho ay ang mga larawan ng huling bahagi ng 1800s at 1810s. Si Kiprensky ay naghahanap ng mga pagmuni-muni ng perpekto sa mga mukha ng mga tao. Siya ay interesado sa isang tao na walang kinalaman sa pampublikong serbisyo, naninirahan sa globo ng mga pribadong interes, sa mundo ng mga damdamin.
Mga larawan: larawan ni Evgraf Davydov (1809), larawan ng batang si Chelishchev (1808 - 1809), larawan ng makata na si V.A. Zhukovsky (1816). Ang mga pangunahing pamamaraan ng pagpipinta ay ang mga sumusunod:
isang matalim na kaibahan ng liwanag at anino, kung minsan ay isang malapit na gradasyon ng mga kalapit na kulay. Nakararami ang pula, asul at puti ang bumubuo sa pangunahing chord ng kulay. Ang bawat mukha ni Kiprensky ay natatangi, masasabi natin ang tungkol sa isang bayani na siya lamang ang nag-iisa. Ito ay isang katangian ng romantikismo.
Ang pinakatanyag na larawan ni Kiprensky ay nilikha noong 1827. Ito larawan ng A.S. Pushkin, tungkol sa kung saan ang lahat ng mga kamag-anak ay nagsabi na siya ay mas malapit kaysa sa iba sa orihinal.

Sylvester Shchedrin (1791 - 1830)
Landscape ng romanticism. Pagkatapos ng isang paglalakbay sa Italya, inalis ni Shchedrin ang akademikong pagsalakay at nakahanap ng kalayaan. Gumugol siya ng 10 taon doon, naranasan ang pamumulaklak ng pagkamalikhain at namatay, na walang oras upang bumalik sa kanyang tinubuang-bayan. Nagpinta siya ng mga tanawin ng Italyano. Ang kalikasan sa kanyang mga canvases ay lumilitaw na nagliliwanag, masaya, nakakalasing. Ang mga kulay ay kumikinang. Ang tao at kalikasan ang naging batayan ng kanyang pananaw sa mundo. Sinundan ni Shchedrin ang parehong landas tulad ng Constable sa England at Corot sa France. Ang hamon ay buksan ang panloob na buhay sa pagiging naaayon sa kalikasan. Si Shchedrin ang naging unang Russian artist na nagtrabaho sa open air - sa open air. "Bagong Roma", "Babayin sa Sorrento kung saan matatanaw ang isla ng Capri".
Hinahanap ni Shchedrin ang katotohanan ng liwanag at hangin, ang kanilang pakikipag-ugnayan, pinagkadalubhasaan ang mga batas ng bukas na hangin. Pinalayas niya ang museo na "kayumanggi" na mga tono. Gusto niya ang malamig na kulay-pilak, kulay abo. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, ang artista ay bumalik sa mga maiinit na pintura. "Terrace sa tabi ng dagat".

Ang nagtatag ng genre ng genre. Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780 - 1847).
Isang simpleng klerk, surveyor ng lupa, ang nagpinta sa simula ng ika-19 na siglo. Inilipat mula sa Moscow patungong St. Petersburg, kumuha ng mga aralin mula sa Borovikovsky. Si Venetsianov ay malapit sa mga advanced na bilog ng lipunan. Ito ay pinatunayan ng kanyang pag-ukit. "Grande"... Sa pagliko ng 10-40s. Natuklasan ni Venetsianov ang genre ng pang-araw-araw na buhay, nakakuha ng isang maliit na ari-arian sa lalawigan ng Tver at nagsimulang ilarawan ang mundo ng mga magsasaka.
Siya ay nahaharap sa gawain ng pagpapakita ng liwanag na pagbuhos mula sa iba't ibang mga mapagkukunan, na nagpapakita ng mga magsasaka sa iba't ibang posisyon. Nakita niya ang tula sa pang-araw-araw na buhay, sa buhay ng nayon. Dito siya ay malapit kay Pushkin. Walang espesyal na nangyayari sa mga painting ni Venetsianov. Ang aksyon ay karaniwang monosyllabic. Ang artista ay hindi naglalarawan ng mga salungatan. Ang lalaki sa kanyang mga canvases ay inilalarawan na napapalibutan ng kalikasan. Si Venetsianov ang unang nakatuklas ng kagandahan ng kanyang katutubong kalikasan. Ang pinakamahusay na mga likha ng Venetsianov “Sa lupang taniman. Spring "," Sa pag-aani, Tag-init ".

Karl Pavlovich Bryullov (1799 - 1852)
Ang parehong edad bilang Pushkin, Bryullov madalas intersects sa mahusay na makata sa kanyang trabaho. Ngunit kung ang Pushkin ay mabilis na lumipat mula sa romantikismo patungo sa isang makatotohanang paraan, sa "tula ng katotohanan", kung gayon maaari lamang pagsamahin ni Bryullov ang malamig na kasanayan sa akademiko sa isang romantikong saklaw, lalo na sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta. Siya ay naghahanap para sa perpekto, magaan at masaya, ngunit hindi pumunta sa mahirap na paraan sa sining. Pagkatapos ng Academy, si Bryullov, gaya ng palaging nangyayari sa mga pinakamahusay na nagtapos, ay napunta sa Italya. Sa mga pagpipinta noong 1920s, sa mga paksa ng sinaunang panahon, mula sa Italian Renaissance, mula sa Bibliya, ang mga elemento ng dekorasyon at panlabas na ningning ay nananaig. Sa 30s, lumilitaw ang isang trahedya na pang-unawa sa buhay. Sa oras na ito, ang pangunahing ideya ng Bryullov ay tumatanda na.
"Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830 - 1833)
Noong 30s. Si Bryullov ay lumilikha ng isang bilang ng mga seremonyal na larawan. Siya ay naging isang hindi pangkaraniwang naka-istilong artista, binaha ng mga order. Hinahangad ni Bryullov na makuha ang isang tiyak na kahanga-hangang sandali. Ganyan "Rider"- Countess Samoilova's pupil - Dzhovanina.
Noong 40s. ang artista ay naghahanap ng sikolohikal na pagpapahayag. Kahanga-hanga "Larawan sa sarili" 1848 na ipininta ng pintor pagkatapos ng malubhang karamdaman. Sa harap natin ay isang pagod, bigo, pagod na tao. Ang larawang ito ay malayo sa malamig na akademya. Ito ay nakasulat sa isang libreng paraan, isang malawak na brushstroke, hindi licked, na nagsasalita ng hinaharap ng Russian sining.

Alexander Ivanov (1806 - 1858)
Siya ay isang tao na may pambihirang lakas ng pag-iisip, karakter, "gintong kaluluwa", na alam kung paano alagaan ang mga mahal sa buhay, at sa parehong oras ay napakahigpit sa kanyang buhay tahanan. Siya ay isang tunay na makata at hinamak ang lahat ng panlabas na epekto, benepisyo. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng isang napakalaking, walang hanggan na pag-ibig para sa kanyang tinubuang-bayan, isang pangarap ng kanyang pagtaas. Isang walang katapusang pagkauhaw para sa pagpapabuti ng sarili, patuloy na pag-unlad ng sarili, kawalang-kasiyahan sa kanyang sarili - lahat ng ito ay ginawa siyang isang kakaibang maliwanag na personalidad. Si Alexander Ivanov ay pinahahalagahan nina Herzen at Ogarev, Chernyshevsky, ang kanyang kaibigan ay si N.V. Gogol.
Si Ivanov ay ipinanganak sa St. Petersburg sa pamilya ng isang artista. Nagtapos siya sa Academy at noong 1830 ay dumating sa Italya, sa Roma. Siya ay babalik lamang isang buwan at kalahati bago ang kanyang kamatayan at magdadala ng "Pagpapakita ni Kristo sa mga tao." Ang mga gawain na itinakda ni Ivanov para sa kanyang sarili ay naging mas kumplikado. Sa una ay nais niyang maunawaan ang paaralang Italyano at ang espiritu nito, pagkatapos ay ikonekta ang relihiyon at mitolohiya sa mga problema ng mabuti at masama.
"Ang Pagpapakita ni Kristo kay Magdalena"- ang unang diskarte sa isang bagong problema, higit sa lahat ay pang-akademiko.
"Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao."
Mula 1836 hanggang 1848 isinulat ni Ivanov ang kanyang pangalawa at pangunahing gawain. Sa katunayan, ipinagpatuloy niya ito hanggang sa kanyang kamatayan. Ang canvas na ito ay puno ng mga kamangha-manghang pakinabang: ang imahe ng kalikasan at mga tao, mga karakter, mga pagpapakita ng kaisipan, paggalaw ng puso, ang ideya mismo ay napakatalino - upang ilarawan ang katotohanan at pag-asa para sa kaligtasan na ipinahayag sa mga tao. Hindi ipinakilala ni Ivanov ang mga figure ng tao o genre motif sa mga sketch. Ang kanyang mga tanawin ay pilosopiko at makasaysayan. Sa "Appian Way" nagpapakita ng daan kung saan may mga krus na may mga ipinako sa krus pagkatapos ng pag-aalsa ng Spartacus. Sa isang sangay, kumikinang sa araw, naramdaman ni Ivanov ang Uniberso. Pagkatapos ng 1848, pagkatapos ng mga rebolusyon sa Europa, ang pera mula sa Russia ay tumigil sa pag-agos. Namatay si tatay. Hindi na makumpleto ni Ivanov ang larawan sa paraang gusto niya. At ang kanyang mga bagong ideya ay mas engrande: isang ikot ng mga pagpipinta sa Bibliya sa dingding ng isang espesyal na gusali. Ang mga sketch ay nagiging mas malaya. Nakalaya mula sa mga labi ng akademya. Ngunit, tulad ni Michelangelo, Bazhenov, Rodin, nabigo si Ivanov na mapagtanto ang lahat ng kanyang mga ideya. Si Ivanov ay hindi nakatanggap ng pagkilala sa Russia, ngunit ang kanyang trabaho ay may malaking papel sa pag-unlad ng lahat ng sining ng Russia noong ika-19 na siglo.
Pavel Andreevich Fedotov. (1815 - 1852)
Ang kasaganaan at kamatayan nito ay bumagsak sa 40s. Ika-19 na siglo - ang oras ng tagumpay ng reaksyon ni Nikolaev. Kalunos-lunos ang kapalaran ng artista, na nagbayad ng isang mahal na presyo para sa katotohanan na ang unang matapang na nagsimulang sumilip sa mga tampok ng buhay ng Russia. Nagtapos siya sa Moscow cadet corps, natapos sa St. Petersburg sa Finnish Guards regiment, karamihan sa kanyang buhay ay konektado sa hukbo ng Russia. Kung hindi dahil sa kaalamang ito sa kapaligiran ng hukbo, hindi niya maiguguhit ang imahe ng kanyang mayor sa napakagandang larawan nang tumpak. Sa hukbo, si Fedotov ay naging interesado sa pagguhit, karikatura, sketching, madalas na gumuhit ng kanyang mga kaibigan, araw-araw na mga eksena sa digmaan, mga paglalakbay sa mga kampo ng tag-init, atbp. Nag-aral siya ng pagpipinta sa kanyang sarili, nagsimulang kumuha ng mga aralin sa Academy. Kilala sa kanyang kahanga-hangang mga guhit na "The Consequence of the Death of Fidelka", "The Husband of a Deceived Wife", A Girl Seduced by an Officer at the Bed of a Sick Mother ". Ang mga pamagat ng mga akdang ito ay nagpapaalala sa natural na paaralan. sa panitikan, ang kahulugan nito ay isang direktang paglalarawan ng pinakakaraniwang aspeto ng buhay ng Russia. Ngunit si Fedotov ay hindi miyembro ng bilog ng mga manunulat na nauugnay sa ideologist ng natural na paaralan - Belinsky. Siya ay pumunta sa kanyang sariling paraan. Noong 40s. Sinimulan ni Fedotov na subukan ang kanyang sarili sa pagpipinta ng langis. Sinisiyasat niya ang kakanyahan ng buhay, ang kanyang mga gawa ay nagiging mas trahedya.
Ang pinaka makabuluhang canvases na nilikha ni Fedotov mula 1846 hanggang 1852. Ang bawat isa sa kanyang mga pagpipinta ay isang milestone sa landas ng isang bagong sistema ng artistikong pag-unawa sa katotohanan.
"Fresh Cavalier" 1846... Isang akusatoryong ideya ang ipinakita.

"Major's matchmaking" 1848
Ito ang tugatog ng pagkamalikhain ni Fedotov. Ang kakanyahan ng sikat na canvas ay ang imahe ng mundo ng panlilinlang, kasinungalingan, kasal, na, siyempre, ay lilitaw bilang isang ordinaryong deal. Ang mundo sa mga canvases ng artist ay nagiging mas kakila-kilabot. Nasira ang mga bagay, lumilitaw ang isang malakas na expression. Ang satire ay nawawala sa larawan "Balong babae", kung saan ipinakilala ni Fedotov ang kanyang sarili sa larawan ng namatay na asawa ng babae.
"The Gamblers" 1852... Ang eksena ay halos hindi totoo, hindi kapani-paniwala. Hindi nagtagal ay nagkasakit si Fedotov ng sakit sa pag-iisip at natapos ang kanyang mga araw sa isang tahanan para sa mga baliw. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Alexander Nevsky Lavra sa St. Si Fedotov mismo, tulad ng isinulat ng kritiko na si Stasov, ay malamang na magugulat kung malaman niya na ang kanyang mga paghahanap ay papunta sa parehong direksyon tulad ng mga paghahanap para sa pinakamahusay na Pranses na mga artista noong ika-19 na siglo, na nagbigay daan para sa isang makatotohanang direksyon. Nagbayad siya ng mataas na presyo para sa lakas ng loob na sinilip niya ang katotohanan ni Nicholas, ngunit ang kanyang mga nagawa, ang kabigatan na hindi agad naunawaan ng mga akademiko, ay nagbigay daan para sa mga realistang artista ng Russia - ang mga Itinerant.

Ang landas ng kulturang sining ng Russia, na nagsisimula sa klasisismo, ay tumakbo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo sa pamamagitan ng romantikismo tungo sa realismo. Ang mga pintor na sumunod sa natalo na landas ng klasisismo, na nakakuha ng isang akademikong konotasyon sa pagpipinta sa simula ng ika-19 na siglo, ay hindi umabot sa mataas na taas. Totoo, ang kanilang sining ay lubos na pinahahalagahan ng kanilang mga kontemporaryo; ang makasaysayang genre kung saan sila nagtrabaho ay itinuturing na pinakamataas sa Academy. Totoo, may mga pagbabago rin na naganap sa makasaysayang pagpipinta. Binubuo sila sa katotohanan na ang mga pambansang tema ay nakakakuha ng higit at higit na timbang.

Isa sa mga pinakatanyag na makasaysayang pintor ng unang bahagi ng siglo Andrey Ivanov - ang ama ng dakilang Alexander Ivanov - madalas na itinalaga niya ang kanyang mga gawa sa mga bayani mula sa sinaunang kasaysayan ng Russia - Mstislav the Utter o isang batang Kievite. Isa pang artista noong unang bahagi ng ika-19 na siglo Dmitry Ivanov Inialay ang kanyang pagpipinta kay Martha Posadnitsa, na sa oras na iyon, sa isipan ng mga progresibong tao noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, ay isang pare-parehong manlalaban para sa mga freemen ng Novgorod. Ang mga makasaysayang karakter sa lahat ng mga gawang ito ay kumilos bilang mga tunay na bayani. Ang kanilang mga pagsasamantala ay dapat na magsilbing isang dahilan para sa paghahambing ng kasaysayan sa modernidad.

At gayunpaman, ang makasaysayang pagpipinta sa isang bagay na mahalaga ay hindi sumulong kumpara sa mga masters ng huling bahagi ng ika-18 siglo.

Ang klasiko bilang isang kalakaran sa kulturang sining ng Russia ay nakakakuha na ngayon ng isang malakas na resonance ng sibil. Sa siyentipikong panitikan, ang panahong ito ay karaniwang tinatawag na mataas na klasisismo.

Naaninag din sa pagpipinta ang mataas na klasisismo, ngunit dito mas naging mabunga ang pagnanais ng mga artista na ilapit ang sining sa buhay. Karaniwan para sa mga pintor sa panahong ito ay ang romantikong paggigiit ng kagandahan ng walang katulad, indibidwal, at hindi pangkaraniwan.

Isa sa mga artista na tumayo sa pinagmulan ng ika-19 na siglong sining ay Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) ... Kung ilalagay natin sa mga sukat ng kasaysayan, sa isang banda, ang lahat ng mga larawan ng mga makasaysayang pintor, at sa kabilang banda, maraming mga larawan ng Kiprensky, kung gayon ang huli ay walang alinlangan na mas matimbang. Sila ang nagsasabi sa atin tungkol sa panahong iyon; ang kaluluwa ng mga taong iyon ay nasa kanila. Mayroon silang kagandahan ng kaguluhan at salpok, ang pagnanais para sa dinamika ng panloob na buhay. Hindi nasisiyahan si Kiprensky sa katotohanan sa paligid niya; naghahanap siya ng isang kahanga-hangang prinsipyo sa isang tao, na naglalarawan sa kanyang mga bayani sa kanilang pinakamagagandang sandali, naghahatid ng kanilang kakayahang madama, ang kanilang pagnanais na mamuhay ng isang espirituwal na buhay. Ang mga bayani ni Kiprensky ay sumilip sa mundo, ipinagkatiwala ang kanilang sarili sa kausap. Hindi nagkataon na ang mga larawang ito ay minsan ay inihahambing sa mga patula na mensahe sa isang kaibigan - na may genre ng lyric na tula na laganap noong pre-Pushkin at Pushkin times.

Natuklasan ni Kiprensky hindi lamang ang mga bagong katangian ng tao, kundi pati na rin ang mga bagong posibilidad ng pagpipinta. Ang bawat isa sa kanyang mga larawan ay may sariling espesyal na sistema ng larawan. Ang ilan ay binuo sa ganap na kaibahan ng liwanag at anino. Sa iba, ang pangunahing paraan ng pictorial ay isang banayad na gradasyon ng mga kulay na malapit sa isa't isa. Ang iba't ibang mga pagpapakita ng malikhaing mukha ng artist ay kabilang din sa bagong edad - ang romantikong konsepto ng malikhaing.

Ang romantikong Ruso sa unang yugto nito ay kinakatawan ng isang pintor ng landscape Sylvester Shchedrin (1791-1830) ... Nagsimula siya sa isang oras kung saan ang isang tiyak na pagwawalang-kilos ay naobserbahan sa landscape ng Russia: ang pandekorasyon na tanawin ng ika-18 siglo ay nakumpleto ang pag-unlad nito, at ang mga umuusbong na uso ng liriko na interpretasyon ng kalikasan ay pinalitan ng kalubhaan ng protocol at pagkatuyo ng videography at klasikal na schematism . Ang artista ay gumugol ng higit sa sampung taon sa Italya, na pagkatapos ay ipininta ng mga artista at makata ng Russia bilang "lupaang pangako". Doon niya naranasan ang pag-usbong ng pagkamalikhain; namatay siya doon, walang oras upang bumalik sa kanyang sariling bayan. Ito ang pinakamahusay na mga taon ng kanyang maikling buhay at pagkamalikhain na puno ng mga paghahanap. Si Shchedrin ay nagpinta ng mga tanawin ng Italyano. Ang Italya, na may kaakit-akit, kahanga-hangang kalikasan, ay naakit sa kanya bilang isang lugar lamang kung saan ang isang pintor ng landscape ay maaaring at dapat lumikha. Ang kalikasan ni Shchedrin ay laging dakila, nagniningning na may masayang kulay; ito ay nakalalasing sa isang tao, nagdudulot sa kanya ng isang matamis na sensasyon ng kaligayahan. Tila nahuhulaan ang "dolce far niente" na iyon ("maganda ang walang ginagawa"), na sa mata ng mga Ruso ay ang tunay na batayan ng buhay Italyano. Ang landas sa gayong pag-unawa sa kalikasan ay binuksan para sa artist sa pamamagitan ng mga bagong romantikong ideya tungkol sa relasyon sa pagitan ng tao at ng natural na kapaligiran sa paligid niya; ang kalikasan ay naging magagawang sugpuin ang isang tao sa kanyang napakalaking kadakilaan, o upang buksan ang kanyang panloob na buhay sa kanya para sa magkasanib na pagkatao.

V.A. Tropinin (1776-1857) Ipinakita niya sa kanyang trabaho ang isang unti-unti, at hindi biglaan, tulad ng sa Kiprensky, ang paglipat mula sa ika-18 hanggang ika-19 na siglo. Pinagtibay ni Tropinin ang mga tradisyon ng sentimentalismo ni Borovikovsky at sa pangkalahatan ay ginamit ang pamana ng ika-18 siglo, na lalong kapansin-pansin sa kanyang mga unang gawa ("The Girl from Podol").

Gayunpaman, sa lalong madaling panahon itinatag ng artist ang kanyang sariling prinsipyo ng pagbibigay-kahulugan sa isang tao. Ang kanyang mga larawan noong 1920s at 1930s, i.e. ang kasagsagan, ay nagpapatotoo na sa isang ganap na independiyenteng mapanlikhang konsepto. Ang Tropinin ay maaaring ituring na antipode ng Kiprensky. Ang mga larawan ng master ng Moscow ay palaging simple, "homey". Walang partikular na panloob na kaguluhan sa kanyang mga karakter. Ngunit sa kabilang banda, sila ay kumilos nang maluwag, mahinahon. Nakikita at inihahatid ng artista ang mga tampok ng modelo at ang kapaligiran kung saan naninirahan ang modelong ito nang may mahusay na spontaneity. Sa mga larawang ito ay mayroong katotohanan ng mga tauhan at katotohanan ng kapaligiran. Nagpapakita sila ng interes sa partikular na kapaligiran ng isang tao, sa kanyang mga damit, sa isang tiyak na minarkahang sandali kung saan ang partikular na kalagayan ng isang tao ay ipinahayag. Kasabay nito, ang mga portrait na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na pictorial merito: malambot na pagmomodelo ng lakas ng tunog, na sinamahan ng pagkakaisa ng tonal, ay hindi pumipigil sa Tropinin na makita kung minsan ang halaga ng mga independiyenteng katangian ng kulay at ang kagandahan ng texture. Ang lahat ng mga tampok na ito ay maaaring obserbahan sa mga larawan ng kanyang anak na lalaki (c. 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834), atbp.

Ang interes ng artist sa kapaligiran, sa kapaligiran kung saan nakatira ang mga tao, ay humantong sa kanya sa isang espesyal na uri ng pagpipinta kung saan ang larawan ay pinagsama sa genre. Maraming "Lacemakers", "Gold Embroidery", "Guitarists", bilang isang panuntunan, ay naglalaman ng isang typified portrait na imahe at sa parehong oras ang artist ay muling lumilikha ng isang tiyak na aksyon, kahit na hindi malabo at simple. Sa mga gawaing ito, ang koneksyon sa pagitan ng Tropinin at ng sentimentalist na pamana ng mga nakaraang pintor ay lalong malinaw, ngunit ang mga imahe ni Tropinin ay higit na nauukol sa genre, patungo sa elemento ng pang-araw-araw na buhay.

Ang pagkamalikhain ni Tropin ay higit na tinutukoy ang mga partikular na tampok ng Moscow ng pagpipinta. Si Tropinin ay isang sentral na pigura sa pagpipinta ng Moscow. Kahit na siya mismo ay hindi nagtuturo, ang mga guro at mag-aaral ng Moscow School ay ginabayan ng karanasan ni Tropinin at ang kanyang tradisyon ay nagpatuloy hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo.

Ang tunay na ninuno ng genre ng genre sa pagpipinta ng Russia ay Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) ... Ang mga larawan ng lapis, pastel at langis na ginawa ni Venetsianov noong unang dekada ng siglo ay may maagang romantikong karakter. Pagkatapos ang artist ay lumiliko sa caricature at araw-araw na sketching.

Sa pagliko ng 10-20s ng ika-19 na siglo, natagpuan ni Venetsianov ang kanyang sarili sa genre ng pang-araw-araw na buhay. Ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nilikha noong 1920s ("Gumno"). Ang mga paksa ng kanyang mga pagpipinta, sinimulan niyang kunin ang pinaka-ordinaryong phenomena ng buhay: ang mga magsasaka na nagbabalat ng mga beet, isang may-ari ng lupa na nagbibigay sa kanyang mga aliping babae ng "aralin" para sa araw, isang pastol na nakatulog sa tabi ng isang puno, isang eksena ng pag-aararo, pag-aani. at paggawa ng hay. Sa wakas, lumikha siya ng mga larawan ng mga magsasaka - isang batang lalaki na si Zakharka, isang matandang magsasaka, isang batang babae na may mga cornflower. Ang artista ay niluwalhati ang mga ordinaryong tao, hindi nag-iisip tungkol sa mga kontradiksyon ng buhay magsasaka, sinusubukang hanapin, una sa lahat, ang mga tula sa mismong mga pundasyon ng buhay sa nayon ng kanyang panahon.

Ang mga kontemporaryo ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa makasaysayang pagpipinta. Ang pagpipinta na "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833) ay malawak na kilala Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ; Binati siya ni Gogol, nag-alay si Pushkin ng ilang linya sa kanya. Sa kidlat ng kidlat na tumatagos sa makapal na ulap, sa matinding kaibahan ng liwanag at anino, ipinakita ng pintor ang pagkamatay ng mga naninirahan sa sinaunang Pompeii sa panahon ng pagsabog ng Vesuvius. Ang kahanga-hangang kagandahan ng tao at ang hindi maiiwasang kamatayan ng kanyang kamatayan ay narito sa kalunos-lunos na kontradiksyon. Karamihan sa mga larawan ni Bryullov (“Self-portrait” 1848) ay romantiko din sa kalikasan.

Ang pinakadakilang master ng makasaysayang pagpipinta ay Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) , isang artista kung saan, ayon kay Chernyshevsky, "isang malalim na pagkauhaw sa katotohanan" ay pinagsama sa "kadalisayan ng kaluluwa". Isang taong may pambihirang katalinuhan, si Ivanov ay masigasig na kumbinsido sa mahusay na makasaysayang hinaharap ng mga mamamayang Ruso. Sa kanyang mga gawa, sinikap niyang maunawaan ang elemento ng mga tanyag na kilusan sa kasaysayan, na inaasahan ang maraming paghahanap para sa makatotohanang pagpipinta ng Russia sa susunod na mga dekada.

Sa kalagitnaan ng siglo, sa panahon ng Belinsky at Gogol, ang pagkakalantad ng mga bisyo ng buhay panlipunan ay nauna sa visual arts. Ang mga graphic na Ruso - isang mapanukso at mapanlinlang na paglalarawan ng libro at magazine - ang unang nagsimula sa kilusang ito. Sumunod ang pagpipinta. Ang satirical na direksyon sa pagpipinta ay pinakamaliwanag sa lahat iniharap ni Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) ... Ang kanyang mga pagpipinta, na naglalarawan sa madilim na panig ng katotohanan ng Russia, ay naglatag ng pundasyon para sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.