Sa tulong ng mga Japanese storytellers o singer na sinamahan ang kanilang mga sarili sa pagtatanghal. Ang pinakamalapit na European analogue ng shamisen ay . Shamisen kasama ang hayashi at shakuhachi flute, tsuzumi drum at . Tumutukoy sa tradisyonal na mga instrumentong pangmusika ng Hapon.

Ang pangalan ay kaibahan sa genre ng musika para sa bunraku at kabuki - nagauta (mahabang kanta). Ang pinakasikat at pinakakumplikado sa mga istilo ng pagganap ay ang gidayu, na pinangalanan kay Takemoto Gidayu (1651-1714), isang bunraku puppeteer mula sa Osaka. Ang mga instrumento at plectrum ang pinakamalaki, at ang gabay mismo ay parehong mang-aawit at komentarista sa kung ano ang nangyayari sa entablado. Napakakomplikado ng gawain ng mananalaysay kaya sa kalagitnaan ng pagtatanghal, nagbabago ang gabay. Dapat na ganap na alam ng tagapagsalaysay ang teksto at ang himig. Mula noong ika-19 na siglo, lumitaw din si onna-gidayu, mga babaeng mananalaysay.

Pinanggalingan

Ang Shamisen sa orihinal nitong anyo ay nagmula sa kailaliman ng Kanlurang Asya, mula roon ay dumating ito sa Tsina (XIII siglo), kung saan tinawag itong "sanxian", pagkatapos ay lumipat sa Ryukyu Islands (modernong Okinawa) at mula doon ay dumating sa Japan. Ang kaganapang ito ay napakalinaw na minarkahan sa kasaysayan - sa kaibahan sa panahon ng paglitaw ng iba pang mga instrumentong pangmusika - at nagsimula noong 1562.

Ang forerunner ng shamisen, ang sanshin, ay nilalaro sa Ryukyu Kingdom, na sa oras na iyon ay naging isang prefecture. Ang Sanshin naman ay nagmula sa instrumentong Tsino na sanjian, na nagmula sa mga instrumento sa Gitnang Asya.

Ang shamisen din ang pinakamahalagang instrumento para sa mga itinerant na blind goze na musikero na lumitaw sa simula ng Tokugawa shogunate.

Hindi tulad ng Europa, kung saan ang mga tradisyunal/antigong instrumento ay hindi gaanong natatanggap ng pansin, ang shamisen at iba pang pambansang instrumento sa Japan ay kilala at minamahal. Ang katanyagan ay dahil hindi lamang sa paggalang ng mga Hapon para sa kanilang kultura at kasaysayan, kundi pati na rin sa paggamit ng mga pambansang instrumento, lalo na, ang shamisen, sa tradisyonal na teatro ng Hapon - lalo na sa mga teatro ng Kabuki at Bunraku.

Ang Shamisen ay pinakalaganap sa panahon ng Tokugawa, at ang kasanayan sa paglalaro nito ay bahagi ng mandatoryong programa ng pagsasanay para sa mga mag-aaral ng maiko - geisha. Kaya naman ang "fun quarters" ay madalas na tinatawag na "quarters where shamisen does not stop."

Mga uri at aplikasyon

Mayroong ilang mga uri ng mga instrumento na naiiba sa bawat isa sa kapal ng leeg.

Mga tool na may makitid na leeg tinawag hosozao at pangunahing ginagamit sa musika nagauta.

Mga tool na may daluyan ng buwitre ang mga kapal ay tinatawag chuzao at ginagamit sa mga genre ng musika tulad ng kiyomoto, tokiwazu, jiuta atbp.

Sa hilaga ng Japan, lalo na sa lugar ng Tsugaru (kanlurang bahagi ng Aomori Prefecture), isang hiwalay makapal ang leeg na bersyon ng shamisen — tsugarujamisen, ang laro kung saan nangangailangan ng espesyal na virtuosity. Ang Tsugarujamisen na may pinakamakapal na leeg ay tinatawag futozao at ginagamit sa joruri.

Device

Ang katawan ng shamisen ay isang kahoy na frame na mahigpit na natatakpan ng balat. Sa Ryukyu Islands, halimbawa, ang balat ng ahas ay ginamit, at sa Japan mismo, ang balat ng pusa o aso ay ginamit para sa layuning ito. Ang kaso ay natatakpan ng katad sa magkabilang panig, kasama ang isang maliit na piraso ng katad na nakadikit sa harap na lamad upang maprotektahan ito mula sa plectrum (bati) na mga suntok.

Tatlong mga string na may iba't ibang kapal ay nakasabit sa pagitan ng mga peg at sa ibabang dulo ng leeg, na nakausli mula sa gitna ng ilalim ng katawan. Ang mga string ay gawa sa sutla, naylon at tetlon. Ang haba ng shamisen ay halos 100 cm.

Ang shamisen ay nilalaro gamit ang isang malaking bachi plectrum, na gawa sa mga materyales tulad ng kahoy, garing, bao ng pagong, sungay ng kalabaw, at plastik. Ang Bati para sa nagaut at jiuta ay halos regular na mga tatsulok, na may napakatulis na mga gilid.

Ang Tsugarujamisen ay nagmumungkahi ng mas maliit na plectrum, mas katulad ng dahon ng ginkgo.

Pamamaraan ng paglalaro ng Shamisen

Tatlong istilo ng paglalaro ng shamisen ang nabuo:

Uta-mono - istilo ng kanta. Isa sa mga pangunahing genre ng musikal na saliw ng mga palabas sa teatro kabuki. Ang genre na ito ay kinakatawan ng mahabang musical interludes na ginagampanan ng hayashi ensemble (ang ensemble na ito ay kadalasang kasama ng mga pagtatanghal sa teatro, ito ay binubuo ng isang plauta at tatlong uri ng mga tambol).

Ang Katari-mono ay isang pantasiya na istilo. Ito ay pinaka-katangian ng tradisyonal na musika ng Hapon at kinakatawan ng isang tiyak na uri ng pag-awit.

Ang Minyo ay isang awiting bayan.

Noong unang lumitaw ang shamisen sa Japan, ang mga kuwerdas ay hinugot gamit ang isang maliit na plectrum (yubikake) at sa paglipas ng panahon ay nagsimulang gamitin ng mga musikero ang plectrum, na lubos na nagpalawak ng mga posibilidad ng timbre ng instrumento. Sa tuwing kinukuha ang lower string, bukod pa sa tunog nito, maririnig ang overtones at bahagyang ingay, ang phenomenon na ito ay tinatawag na "savari" ("touch"). Lumalabas din ang mga savary kapag ang ibang mga string ay tumutunog sa ilalim na string, lalo na kapag ang pagitan ng pitch sa pagitan ng mga string ay isang octave (dalawang octaves, tatlo, fifths, atbp.). Ang kakayahang gamitin ang karagdagang tunog na ito ay tanda ng mataas na kasanayan ng tagapalabas, at ang acoustic effect mismo ay mahigpit na kinokontrol ng mga gumagawa ng shamisen.

Ang plectrum ay hawak sa kanang kamay, at sa tamang sandali, ang tunog ng mga kuwerdas ay pinipigilan ng tatlong daliri ng kaliwang kamay sa isang walang kabuluhang leeg. Ang hinlalaki at maliit na daliri ay hindi ginagamit sa laro. Ang pinaka-katangian na paraan ng paglalaro ng shamisen ay ang sabay-sabay na hampas ng plectrum sa lamad at sa string. Bilang karagdagan, mayroong maraming iba pang mahahalagang kadahilanan na tumutukoy sa mga detalye ng tunog, tulad ng kapal ng mga string, leeg, lamad, ang lugar kung saan ang plectrum ay tumama sa mga string, atbp. Gayundin sa shamisen, maaari mong kunin ang mga string gamit ang iyong kaliwang kamay, upang makakuha ng mas eleganteng timbre. Ang kakayahang baguhin ang tono ay isa sa mga tanda ng shamisen.

Bilang karagdagan sa paraan ng paglalaro, ang timbre ng instrumento ay maaaring mabago sa pamamagitan ng pag-iiba-iba ng haba ng string, leeg o plectrum, pati na rin ang kanilang mga sukat, kapal, timbang, materyal - mga tagapagpahiwatig ng masa! Mayroong halos dalawang dosenang shamisen, na naiiba sa bawat isa sa pitch at timbre, at pinipili ng mga musikero ang instrumento na pinaka malapit na tumutugma sa kanilang genre ng musika, o muling i-tune ito bago ang pagtatanghal.

Sa musikang shamisen, ang linya ng boses ay halos tumutugma sa tinutugtog sa instrumento: ang boses ay nauuna lamang ng bahagya sa himig, na ginagawang posible na marinig at maunawaan ang teksto, at binibigyang-diin din ang kaibahan sa pagitan ng tunog ng boses at ng shamisen.

Shamisen sa modernong musika

Ang Shamisen, dahil sa espesipikong tunog nito, ay kadalasang ginagamit upang pahusayin ang "pambansang" tunog sa ilang mga pelikula at anime sa Hapon (tulad ng sa Russia). Kaya, ang shamisen ay tumutunog sa soundtrack ng Naruto anime series, Puni Puni Poemi.

Si Agatsuma Hiromitsu ay gumaganap sa istilong Bagong Panahon.

Ginagamit ito ng mga kinatawan ng European musical avant-garde (halimbawa, Henri Pousseur).

Ang mga komposisyon na ginanap ng Yoshida Brothers ay medyo sikat, ang kanilang mga shamisen tunog tulad ng.

Si Michiro Sato ay gumaganap ng mga improvisasyon sa shamisen, at ang jazz pianist na si Glenn Horiuchi ay nagpasok ng mga fragment ng shamisen na tumutugtog sa kanyang mga komposisyon.

Ang gitarista na si Kevin Kmetz ay namumuno sa bandang California na God of the Shamisen, kung saan siya ang tumutugtog ng tsugarujamisen.

Video: Shamisen sa video + tunog

Salamat sa mga video na ito, maaari kang maging pamilyar sa instrumento, panoorin ang totoong laro dito, pakinggan ang tunog nito, pakiramdam ang mga detalye ng pamamaraan:

Sale: saan bibili/order?

Ang encyclopedia ay hindi pa naglalaman ng impormasyon kung saan bibili o mag-order ng instrumentong ito. Maaari mong baguhin ito!

Minsan akong nangako na pag-uusapan ang tungkol sa mga instrumentong pangmusika ng Hapon. Dumating ang oras na ito. Si Biva ay nahulog sa aking mga kamay nang hindi sinasadya, ngunit nahulog sa kanya upang buksan ang paksa :)

Ngayon, ang ating atensyon ay makukuha ng mahiwagang - bagama't hindi banayad, at hindi mahangin, bagkus ay malupit, metal at maindayog - ang mga tunog ng tradisyonal na instrumentong pangmusika ng Hapon na tinatawag na biwa (biwa).
Ang Biwa ay isang Japanese variety ng lute o mandolin, dumating ito sa Japan mula sa China noong ika-7 siglo, sa China ang isang katulad na instrumento ay tinatawag na pipa (pipa), ngunit dumating ito sa China mula sa Persia noong ika-apat na siglo AD.
At ang mga ugat ng European lute ay napupunta din sa Gitnang Asya.
Sa Japan, mahigit isang libong taon ng pag-unlad ng biwa, maraming modelo, maraming paaralan ng pagtugtog at pag-awit ang lumitaw.

(Ito ay isang uri ng biwa concerto na may orkestra. Gion shoja. Composer na si Hirohisa Akigishi
Sa pag-record ng prologue ng "The tale" s of Heike" (ang kwento ni Heike, tinatawag ding "Taira monogatari") Ito ang pangunahing modernong gawain na ginanap sa biwa. Ang recording na ito ay ginawa sa Seoul, noong 2004 sa ang Sejong center)

Ang tool ay katulad sa hugis ng almond nut na nakaturo paitaas. Ang harap na dingding ng katawan ay bahagyang hubog pasulong, ang likod ay patag. Ang mga dingding - iyon ay, dalawang kahoy na tabla - ay hindi magkalayo, ang instrumento ay medyo patag. May tatlong butas sa dingding sa harap.
Ang biwa ay may apat o limang string na gawa sa pinakamagagandang sinulid na sutla na pinagdikit ng rice glue. Ang fretboard ay may limang napakataas na fret.

Ang mga string ay medyo malaya, iyon ay, hindi sila masyadong mahigpit. Ang musikero, na mas pinipindot ang string, ay nagbabago ng pag-igting nito, iyon ay, itinaas ang pitch. Masasabi nating ang instrumento ay hindi nakatutok sa kahulugan ng salita ng Kanlurang Europa, ngunit ang musikero ay maaaring tumugtog ng ilang mga nota sa pamamagitan ng pagbabago ng puwersa ng pagpindot sa mga string.
Ngunit ang punto ng laro ay hindi sa lahat na matumbok ang tamang nota. Samakatuwid, walang death grip sa string, nagbabago ang presyon ng daliri sa lahat ng oras, na nagpapalutang ng tunog. Bilang karagdagan, maaari mong ilipat ang string kasama ang malalawak na frets gamit ang iyong daliri, kung saan nagsisimula ang pag-buzz ng string, tulad ng sa mga instrumentong may kuwerdas na Indian tulad ng sitar o alak.

Ang biwa ay hinahawakan nang patayo at isang tatsulok na kahoy na plectrum, na hugis maliit na pamaypay, ay ginagamit kapag naglalaro. Ang isa sa mga gilid nito ay umaabot sa 30 sentimetro ang haba, ito ay isang uri ng talim ng balikat. Ang paggawa ng mga blades na ito ay isang mahusay na sining, dapat silang maging matigas at nababanat sa parehong oras. Ang puno para sa tagapamagitan ay tuyo sa loob ng sampung taon. Siyempre, isang bihirang species ng puno ang ginagamit.
Sa pamamagitan ng isang pick maaari mong pindutin hindi lamang ang mga string, kundi pati na rin ang katawan, pati na rin ang scratch ang mga string, gayunpaman, ang mga masters sabihin na ito ay isang modernong pamamaraan, hindi ito ang kaso bago.
Ngunit ito ay malinaw na mayroong higit sa isang paraan upang hampasin ang isang string na may tulad na isang malaking plectrum - at ito, siyempre, ay ganap na naririnig.

BIWA (King Records, 1990)
Ang CD ay may dalawang instrumental track at apat na vocal-instrumental track. Ang pinakakahanga-hanga ay ang epikong kanta na "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") na ginanap ni Enomoto Shisui.
Namatay si Enomoto Shizui noong 1978 at ipinanganak noong ika-19 na siglo. Siya ay kabilang sa mga sikat na biwa masters noong panahon bago ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig.
Noong ika-19 na siglo at sa unang kalahati ng ika-20, ang sining ng biwa ay nakaranas ng muling pagbabangon, sa Tokyo lamang ay mayroong 30 masters na gumagawa ng mga instrumentong pangmusika, pagkatapos ng digmaan sa buong Japan - at sa buong mundo - isa na lang ang natitira. . Ang sining na ito ay nagkaroon ng pagkakataong mawala magpakailanman, dahil ang mga liriko ay napuno ng ngayon ay hindi tama sa pulitika na espiritu ng samurai.
Kung ikukumpara sa bagong henerasyon ng mga mang-aawit, ang boses ni Enomoto Shizuya ay parang mas trahedya, mas hysterical at, masasabi ko, mas malupit.
Ang isla kung saan nakatuon ang kantang ito ay isang piraso ng lupa sa pagitan ng dalawang ilog. Sa lugar na ito noong ika-16 na siglo, maraming labanan ang naganap sa pagitan ng mga hukbo ng dalawang pinuno ng militar.
Hindi ako makapaniwala na ito ay nakakaaliw na musika na pinakikinggan ng mga tao sa gabi, pagod sa mahahalagang bagay. Hindi, hindi, ang musikang ito ay malinaw na nagpapaalala sa samurai ng kanilang tungkulin at nag-aapoy sa kanilang pakikipaglaban.

Ang isa pang kilalang bagay ay si Atsumori, na isa ring biwa sa larawan.

Matulis na metal strike - katulad ng isang sword strike - kaibahan sa dahan-dahang paglalahad ng boses ng mang-aawit. Ang mga patinig ay tumatagal ng mahabang panahon, ang ritmo ay libre, maraming mga paghinto sa musika, ngunit hindi ito matatawag na tamad. Masyado siyang tense at focused.
Sa pamamagitan ng paraan, ang mga pag-pause, kawalan ng laman, mga sandali ng katahimikan sa tradisyon ng Hapon ay itinuturing din na isang elemento ng tunog, iyon ay, tunog. Tinatawag itong salitang "ma". Ang katahimikan ay maaaring maikli o mahaba, panahunan o kalmado, hindi inaasahan o lohikal. Binibigyang-diin ng katahimikan ang ilang mga tunog at inililipat ang diin sa isang pariralang pangmusika.

Mayroong dalawang magkatulad na batis sa kasaysayan ng biwa: una, ang biwa ay bahagi ng orkestra ng hukuman. Isang sinaunang biwa ang nakahiga nang pahalang sa sahig at nilalaro ng maliit na plectrum. Isa siyang percussion instrument.
Noong Middle Ages, ang biwa ay tinutugtog ng mga aristokrata at kanilang mga basalyo, pinaniniwalaan na ang musikang ito ay purong instrumental. Sa klasikal na panitikan, maraming mga paglalarawan ng medieval solo biwa, ang maganda at pinong tunog nito at mga kahanga-hangang melodies na nagmula sa China ay napanatili, ngunit ang solo biwa ay hindi pa napreserba sa tradisyon ng court music hanggang ngayon. Sa orkestra ng Gagaku, ang bahagi ng biwa ay napakasimple na imposibleng maalis ang impresyon na may mahalagang bagay na nawala sa paglipas ng mga panahon.
Ang tradisyon ng biwa bilang solong instrumento ay naputol noong ika-13 siglo at nabuhay muli noong ika-20.

"Ichinotani" en laúd Biwa ni Silvain Guignard (fragmento). European na bersyon, tulad ng nakikita mo

Ngunit ang pangunahing tungkulin ng biwa ay sumabay sa mahahabang kanta at kwento.
Hanggang sa ika-20 siglo, ang biwa ay nilalaro halos ng mga bulag na musikero, tinawag silang biwahoshi. Ang ilan sa kanila ay mga monghe ng Budista at nagbigkas ng mga sutra at himno, ngunit gayon pa man, karamihan sa mga mang-aawit ay nagsasalaysay tungkol sa mga digmaan at labanan ng mga maalamat na bayani.
Ang pinakasikat na heroic epic mula sa biwahoshi repertoire ay ang Heike Monogatari.
Ito ay isang napakalaking at medyo madugong tula tungkol sa kung paano ang Heike clan (aka Taire), pagkatapos ng maikling panahon, ay natalo ng Genji clan (Genji, aka Minamoto) sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo.
Ang tula ay may 200 na yugto, kung saan 176 ay karaniwan, 19 ay sikreto, at ang natitirang 5 ay ang pinakamataas na lihim.

(pasensya na sa picture at sound quality. Pinatugtog ni Yukihiro Goto)
Ang lahat ng mga kuwento sa isang paraan o iba pa ay naglalarawan ng mga ideya ng Budismo ng sanhi at epekto, pati na rin ang impermanence ng kapalaran.
Ngayon, ang "Heike Monogatari" ay ginaganap ng iilan lamang sa mga musikero na tumutugtog ng biwa. Ang iba ay may mas modernong repertoire.
Gayunpaman, mayroong isang opinyon na ang mga kabayanihang kanta na ginanap noong Middle Ages ng mga bulag na monghe ay nawala, pati na rin ang tradisyon ng instrumental court biwa. Ang tradisyon ng kabayanihan na pag-awit ay muling nabuhay nang maraming beses, at, malamang, hindi sa lahat sa anyo kung saan ito umiral 700 taon na ang nakalilipas.
Bagaman ang kasaysayan ng instrumento ay bumalik sa ika-7 siglo, ngunit ang musika na nakaligtas hanggang sa araw na ito, tila, ay wala nang anumang kinalaman sa Middle Ages, ang estilo, na ngayon ay tinatawag na sinaunang at klasikal, ay nabuo hindi. matagal na ang nakalipas.
Ang isang mahalagang sandali sa kasaysayan ng biwa ay ang ika-16 na siglo.
Pagkatapos ay isang bagong instrumento, ang Satsuma biwa, ay nilikha: ang pinuno ng angkan ng Satsuma ay nag-utos na pagbutihin ang mahina at katamtamang lute ng mga bulag na monghe sa paraang ito ay magiging isang malakas na instrumento na may kahanga-hanga at matalas na tunog. Lumaki ang biwa, ang katawan nito ay gawa sa mas matigas na kahoy. Ang kanyang tunog ay naging mas panlalaki, kung hindi agresibo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(mas magandang tunog, ngunit hindi pinapayagan ang pag-embed)
Naisulat din ang mga bagong kanta. Ang layunin ng aksyon na ito ay pang-edukasyon at propaganda: ang mga kabataang lalaki na sumailalim sa pagsasanay sa militar - iyon ay, ang hinaharap na samurai, ay kailangang lumago sa espiritu at matutunan ang mga pangunahing kaalaman ng pagiging kabalyero sa mga kantang ito.
Pagkatapos ay walang kanon ng pagtugtog at pag-awit - sinumang samurai ay maaaring sumigaw ng isang kabayanihan na teksto at, para sa higit na pagpapahayag, matalo ang mga string paminsan-minsan. Ang mga kanta ay hindi na lamang nanawagan sa mga kabataan na magsamantala, ang samurai na nakaligtas sa digmaan ay nagkuwento tungkol sa kanilang mga kampanya, pati na rin sa mga tunog ng biwa.
Sa paglipas ng panahon, ang medyo mapayapang populasyon ay nagsimulang magkaroon ng matinding interes sa militaristikong musikang ito. Alinsunod dito, lumitaw ang isang istilo para sa mga sibilyan: machi fu (estilo ng lungsod) - at para sa militar: shi fu (estilo ng samurai).
Lumitaw ang mga bagong uri ng instrumento. Sabihin nating lumitaw ang chikuzen biwa (chikuzen-biwa) noong ika-19 na siglo, mayroon itong isang karagdagang - isang mataas na string. Samakatuwid, ang biwa na ito ay itinuturing na pambabae, mas malambot. I-play ito, ayon sa pagkakabanggit, mga babae.

Sa lahat ng epikong awit na itinatanghal sa saliw ng isang biwa, ang teksto ay maindayog na prosa na sinasalihan ng mga maiikling talatang patula. Ang ilang mga parirala ay inaawit sa canonical melodies, na sinusundan ng maikling instrumental break. Ngunit, bilang panuntunan, ang isang suntok o dalawa sa mga kuwerdas ng biwa ay tumutunog sa dulo ng bawat parirala o saknong. Ang mga beats na ito ay naiiba sa timbre - ang biwa ay may mas maraming posibilidad kaysa sa drum.
Kung ang mga tunog ng biwa ay naglalarawan kung ano ang kinakanta ng tagapagsalaysay, kung gayon ito ay nasa timbre lamang - isang manipis na tunog o isang bingi, ito ay tunog metal o sumisitsit ... Ang teksto ay inaawit sa klasikal na Hapon, ang mga tagapakinig ay dapat na maunawaan kung ano ang ginagawa. sinabi: may kaugnayan ang intonasyon, ritmo at pangkulay na tunog sa nilalaman ng dula.
Ito ay musika para sa direktang pakikinig, para sa mga nakikiramay sa aksyon, ganap na nakuha nito.
Kami, na hindi alam ang wika, ay tila hindi gaanong nakikita sa musikang ito, ngunit, nakakagulat, hindi ito nagiging kakaiba, kakaiba o hindi kapani-paniwala mula dito. Hindi, hindi, napapanatili nito ang kabuluhan at pagiging mapanghikayat.
Ito rin ay kagiliw-giliw na ito ay napaka-emosyonal na musika, napakatindi, bukas. At ang mga Hapones - tulad ng lahat ng iba pang mga Budista - ay tila umiiwas na ipakita ang kanilang nararamdaman.

Sa Japan, ang puwersang nagpapagalaw sa uniberso ay tinatawag na ki. Ito ay isang espirituwal na puwersa na katulad ng Greek pneuma.
Ang ekspresyong ki ay may pinakamataas na precedence sa lahat ng Japanese arts. Sa macrocosm, ang ki ay tumutugma sa hangin; sa microcosm, sa hininga ng tao. Sa Japanese, maraming salitang nauugnay sa ki: ki-shФ (panahon), ki-haku (espiritu).
Ang batayan ng boses ng pag-awit ay paghinga, at samakatuwid ang pag-awit ay isa sa mga pagpapakita ng ki.
Naniniwala ang mga sinaunang Hapones na sa pamamagitan ng pagbigkas o, mas mabuting sabihin, pagbuga, pagbuga ng isang salita, nagsasagawa sila ng isang espirituwal na kilos. At sa Ruso ang mga salitang "hininga" at "espiritu" ay hindi sa lahat ng dayuhan sa bawat isa.
Ang tradisyon ng Hapon ng pag-awit ay direktang nauugnay sa saloobing ito sa salita bilang isang hininga na puno ng kahulugan.

At ang maikling recording na ito ay hindi lamang isang piraso ng musika, ito ay Gagaku - ang seremonyal na musika ng Japanese Imperial Palace.

Ang pag-awit sa Europa - tulad ng lahat ng iba pang musika - ay batay sa pitch at tagal ng mga tunog. Sa sinaunang Japan, pinagsama ng pag-awit ang mga elemento ng tunog tulad ng kulay ng tunog, enerhiya, lakas at kalidad nito sa isang solong hieroglyph ng tunog.
Ito ay isang bagay na hindi masusukat kaysa sa tamang nota.
At ang biwa music ay sa maraming aspeto hindi katulad ng Western European music. Ipinagpapalagay ng instrumento ng Hapon ang isang ganap na naiibang saloobin sa tunog, sa ritmo.
Ang Japanese modernist composer na si Toru Takemitsu ay nagsulat ng ilang komposisyon na gumagamit ng biwa kasama ang symphony orchestra. Mayroong isang tradisyunal na paraan ng pagre-record ng musika ng biwa - kumpara sa Kanlurang Europa ay tila tinatayang.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Ito ay nakatuon kay Toru Takemitsu

Nang magboluntaryo ang isang biwa performer sa isa sa kanyang mga komposisyon na mag-aral ng notasyon sa Kanlurang Europa, pinagbawalan siya ni Takemitsu na gawin iyon. "Ito ang huling bagay na inaasahan ko mula sa iyo," sabi ng kompositor. "Pag-aaralan ko ang tradisyonal na pag-record ng musika ng biwa sa aking sarili at matutunan kung paano gamitin ito, hindi mo kakailanganin ang mga tala sa Kanluran. Ngayon, ang tradisyunal na kahulugan ng tunog ay namamatay dahil sa Kanluraning sistema ng fine tuning ng mga instrumentong pangmusika at pag-notate ng musika."

Noong unang panahon, isang sinaunang biwa ang nawala sa palasyo ng Emperador Tennoh. Ang pangalan niya ay Genjo. Wala siyang presyo, napakamahal niya. Ang emperador ay hindi makahanap ng isang lugar para sa kanyang sarili. Kung ito ay ninakaw, kung gayon ang magnanakaw ay kailangang basagin ito - imposibleng ibenta ito. Natitiyak ng emperador na ninakaw ang kanyang biwa para madilim ang kanyang kaluluwa.
Minamoto no Hiromasa ay isang aristokrata at isang mahusay na musikero. Siya rin ay labis na nalungkot sa pagkawala.
Isang gabi ay narinig niya ang tunog ng isang kuwerdas - walang alinlangan: ito ay biwa ni Genjo. Ginising ni Hiromasa ang katulong na lalaki at pinuntahan nila ang magnanakaw. Papalapit na sila sa tunog, ngunit patuloy itong lumalayo. Ilang uri ng espiritu ang tumutugtog sa biwa - tanging si Hiromasa lamang ang nakakarinig ng mga tunog ng mga kuwerdas.
Sinundan niya ang tunog hanggang sa marating niya ang pinakatimog na punto ng Kyoto - ang nakakatakot na Rashomon Gate. Si Hiromasa at ang kanyang tagapaglingkod ay nakatayo sa ilalim ng tarangkahan, ang tunog ng isang lute ay narinig mula sa itaas. "Hindi ito tao," bulong ni Hiromasa, "ito ay isang demonyo."
Nagtaas siya ng boses, "Hoy, sino ang tumutugtog ng Genjo! Hinahanap ng Tenno Emperor ang tool mula noong nawala ito. Alam kong nandito ka, sinusundan kita hanggang sa palasyo!"
Tumigil ang musika, may nahulog mula sa itaas at nakasabit sa aisle. Napaatras si Hiromasa - akala niya ito ay isang demonyo. Ngunit ang lute ni Genjou ay nakasabit sa isang lubid sa ibabaw.
Tuwang-tuwa ang emperador sa pagbabalik ni Genjo, walang sinuman ang nag-alinlangan na ang demonyo ang nagnakaw ng kayamanan at pagkatapos ay ibinigay. Si Hiromasa ay binigyan ng malaking gantimpala.
Si Genjo ay nasa imperial palace pa rin. Ito ay hindi lamang isang lute, ito ay isang bagay na may sariling katangian. Kung ito ay kinuha ng isang walang kakayahan na musikero, hindi ito gumagawa ng tunog.
Isang araw nagkaroon ng sunog sa palasyo. Nagtakbuhan ang lahat at walang nakaisip na iligtas si Genjo. Ngunit, misteryoso, natagpuan siya sa damuhan sa harap ng palasyo, kung saan tila nakuha niya ang sarili!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Instrumentong Musikal: Lute

Sa panahon ng supersonic na bilis at nanotechnologies, minsan gusto mo talagang mag-relax, talikuran ang lahat ng makamundong kaguluhan at mahanap ang iyong sarili sa ibang mundo kung saan walang modernong kaguluhan, halimbawa, sa romantikong panahon ng Renaissance. Sa kasalukuyang panahon, hindi mo kailangang mag-imbento ng time machine para dito, ngunit bisitahin lamang ang isang konsiyerto ng tunay na musika sa isang lugar sa Izmailovsky Kremlin o sa Sheremetyevo Palace. Doon ay maririnig mo hindi lamang ang magagandang melodies na dala ng pag-iisip sa mga nakaraang panahon, ngunit makikilala mo rin ang mga kagiliw-giliw na mga instrumentong pangmusika kung saan tumugtog ng musika ang ating malalayong mga ninuno ilang siglo na ang nakalilipas. Ang interes sa sinaunang musika ay lumalaki ngayon, ang mga modernong performer ay masigasig na pinagkadalubhasaan ang mga instrumento ng mga nakaraang panahon, na kinabibilangan ng traverse flute, viola da gamba, treble viola, baroque contrabass violon, harpsichord at, walang alinlangan, ang lute ay isang instrumento ng mga privileged classes at nararapat ng espesyal na atensyon. Ang mga Arabo noong Middle Ages ay may karapatang tinawag siyang reyna ng mga instrumentong pangmusika.

Tunog

Ang lute ay kabilang sa pamilya ng mga stringed-plucked na mga instrumento, sa likas na katangian ng tunog nito ay medyo katulad ng isang gitara, gayunpaman, ang boses nito ay mas malambot at mas banayad, at ang timbre nito ay makinis at nanginginig, dahil ito ay mas puspos. may overtones. Ang pinagmumulan ng tunog sa lute ay ipinares at nag-iisang mga kuwerdas, na kinukuha ng tagapalabas gamit ang kanyang kanang kamay at idiniin ang frets gamit ang kanyang kaliwa, binabago ang haba nito, at sa gayon ay binabago ang pitch.

Ang musikal na teksto para sa instrumento ay isinulat gamit ang mga titik sa isang anim na linya na linya, at ang tagal ng mga tunog ay ipinahiwatig ng mga tala na inilagay sa itaas ng mga titik. Saklaw instrumento tungkol sa 3 octaves. Ang tool ay walang tiyak na karaniwang setting.

Isang larawan:

Interesanteng kaalaman

• Para sa maraming mga bansa, ang imahe ng lute ay nagsilbing simbolo ng pagkakaisa, kabataan at pag-ibig. Sa mga Tsino, ang ibig sabihin nito ay karunungan, gayundin ang pagkakapare-pareho sa pamilya at lipunan. Para sa mga Budista - pagkakaisa sa mundo ng mga diyos, para sa mga Kristiyano - isang lute sa mga kamay ng mga anghel ang minarkahan ang kagandahan ng langit at ang pagkakasundo ng mga natural na puwersa. Sa sining ng Renaissance, sinasagisag niya ang Musika, at ang isang instrumento na may mga sirang kuwerdas ay nagpapahiwatig ng hindi pagkakasundo at hindi pagkakasundo.
• Ang lute ay isang sagisag - isang simbolikong imahe ng mga magkasintahan.
• Ang lute sa Renaissance ay madalas na ipinapakita sa mga kuwadro na gawa, kahit na sina Orpheus at Apollo ay pininturahan ng mga artista noong panahong iyon hindi gamit ang isang lira, ngunit may isang lute. At imposibleng isipin ang isang mas maayos na komposisyon kaysa sa isang batang babae o isang binata na may ganitong romantikong instrumento.
• Sa isang pagkakataon, ang lute, na napakapopular, ay itinuturing na isang pribilehiyong instrumento ng sekular na bilog, ang maharlika at maharlika. Sa Silangan, tinawag itong sultan ng mga instrumento, at sa mga bansang Europeo mayroong isang kasabihan na ang organ ay ang "Hari ng lahat ng mga instrumento", at ang lute ay "ang instrumento ng lahat ng mga hari".
• Madalas na binanggit ng mahusay na makata at manunulat ng dulang Ingles na si W. Shakespeare ang lute sa kanyang mga gawa. Hinangaan niya ang kanyang tunog, na iniuugnay sa kanya ang kakayahang magdala ng mga tagapakinig sa isang kalugud-lugod na kalagayan.
• Ang pinakadakilang Italyano na iskultor, artista, makata at palaisip na si Michelangelo Buonarroti, na humahanga sa pagganap ng sikat na lute player na si Francesco da Milano, ay nagsabi na siya ay banal na inspirasyon ng musika at ang lahat ng kanyang mga iniisip sa oras na iyon ay napunta sa langit.
• Ang gumaganap sa lute ay tinatawag na lute player, at ang master na gumagawa ng mga instrumento ay tinatawag na lute.
• Ang mga instrumento ng Bolognese craftsmen - lute L. Mahler at G. Frey, pati na rin ang mga kinatawan ng pamilyang Tieffenbrucker mula sa Venice at Padua, na nilikha noong 17-18 siglo, ay nagkakahalaga ng astronomical na pera sa pamamagitan ng mga pamantayang iyon.
• Hindi gaanong mahirap matutunan kung paano tumugtog ng lute, ngunit may problemang mag-tune ng isang instrumento na maraming mga string na gawa sa mga likas na materyales, ngunit hindi napanatili nang maayos ang system dahil sa mga pagbabago sa temperatura at halumigmig. Nagkaroon ng isang napaka-tanyag na biro: ang isang lute player ay gumugugol ng dalawang-katlo ng oras sa pag-tune ng instrumento, at isang-katlo ay nagpapatugtog ng musika sa isang hindi nakatutok na instrumento.

Disenyo

Ang isang napaka-eleganteng disenyo ng lute ay may kasamang katawan at leeg, na nagtatapos sa isang peg block. Ang katawan, na may hugis na peras, ay may kasamang deck at isang katawan na nagsisilbing resonator.

• Ang katawan ay gawa sa hubog, na bumubuo ng isang hemispherical na hugis, mga segment na gawa sa hardwood: ebony, rosewood, cherry o maple.
• Ang deck ay ang harap na bahagi ng katawan na sumasakop sa katawan. Ito ay patag, hugis-itlog at kadalasang gawa sa resonator spruce. May isang stand sa deck sa ibabang bahagi, at sa gitna ay may sound hole sa anyo ng isang eleganteng masalimuot na pattern o isang magandang bulaklak.

Ang isang medyo malawak, ngunit maikling lute neck ay nakakabit sa katawan sa parehong antas ng soundboard. Nakadikit dito ang isang ebony overlay, at nakatali din ang mga catgut fret delimiter. Sa tuktok ng leeg ay isang nut na kumokontrol sa pag-igting ng mga string.

Ang peg block ng lute, kung saan mayroong mga adjusting pin para sa string tension, ay mayroon ding sariling natatanging tampok. Ito ay nakasalalay sa katotohanan na ang bloke ay matatagpuan na may kaugnayan sa leeg ng leeg sa isang medyo malaki, halos tamang anggulo.

Ang bilang ng mga nakapares na mga string sa iba't ibang lute ay lubhang nag-iiba: 5 hanggang 16, at kung minsan ay 24.

Ang bigat ang tool ay napakaliit at humigit-kumulang 400 gr., haba tool - mga 80 cm.

Mga uri

Ang lute sa isang pagkakataon, na napakapopular, ay umunlad nang napakatindi. Ang mga musical masters ay patuloy na nag-eksperimento sa hugis nito, bilang ng mga string at tuning. Bilang isang resulta, isang medyo makabuluhang bilang ng mga uri ng instrumento ang lumitaw. Halimbawa, ang Renaissance lutes, bilang karagdagan sa mga tradisyunal na instrumento, kabilang ang mga instrumento na may iba't ibang bilang ng mga ipinares na mga string - mga koro, ay may mga uri ng iba't ibang laki na katulad ng mga rehistro ng boses ng tao: maliit na oktaba, maliit na treble, treble, alto, tenor, bass at octave bass. Bilang karagdagan, ang pamilya ng lute ay kinabibilangan ng baroque lute, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, zither, bandora, cantabile lute, orfarion, wandervogel lute, mandora, mandola.

Aplikasyon

Isinasaalang-alang ng mga istoryador ng sining ang lute hindi lamang isa sa mga pinaka-kawili-wili, kundi pati na rin ang isang pangunahing mahalagang instrumento sa kasaysayan ng musikang European noong ika-16 at ika-17 siglo. Nakatanggap ito ng pagkilala mula sa mga kinatawan ng iba't ibang antas ng pamumuhay, mula sa mga karaniwang tao hanggang sa royalty, at ginamit bilang isang kasama, solo at ensemble na instrumento. Ang mabilis na lumalagong katanyagan ng lute ay patuloy na nangangailangan ng muling pagdadagdag at pag-update ng repertoire. Kadalasan, ang mga kompositor ng mga gawa ay sabay-sabay na gumaganap, kaya isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang kompositor ng lute ay lumitaw sa mga bansang Europa. Sa Italya - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Sa Spain - L. Milan, M. Fuenlyana. Sa Germany - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Sa England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Sa Poland - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Sa France - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Dapat ding tandaan na kahit na ang mga dakilang masters bilang I.S. Bach, A. Vivaldi, G. Handel, J. Haydn binigyang pansin ang lute, pinayaman ang repertoire nito sa kanilang mga gawa.

Sa kasalukuyang panahon, ang interes sa unang bahagi ng musika, at sa parehong oras sa lute, ay hindi humina. Mas madalas na maririnig ang tunog nito sa mga stage ng mga concert hall. Sa mga makabagong kompositor na sumusulat para sa instrumento ngayon, maraming kawili-wiling mga gawa ang dapat pansinin ni I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Mga kilalang artista

Ang hindi pangkaraniwang uso sa panahon ng Renaissance at Baroque, ngunit pinalitan ng iba pang mga instrumento at hindi patas na nakalimutan, ang lute ngayon ay muling nakakapukaw ng malaking interes, at hindi lamang sa mga tunay na musikero. Mas madalas na maririnig ang tunog nito sa iba't ibang lugar ng konsiyerto, hindi lamang solo, kundi pati na rin sa isang ensemble kasama ng iba pang magagandang sinaunang instrumentong pangmusika. Sa ika-21 siglo, ang pinakasikat na virtuoso performer na maraming ginagawa upang gawing popular ang instrumento ay V. Kaminik (Russia), P. O "Dett (USA), O. Timofeev (Russia), A. Krylov (Russia, Canada) , A Suetin (Russia), B. Yan (China), J. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norway), E. Karamazov (Croatia), J. Held (Germany), L. Kirchhoff (Germany), E . Eguez (Argentina), H. Smith (USA), J. Lindbergh (Sweden), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Netherlands) at marami iba pa.

Kwento

Imposibleng masubaybayan ang buong kasaysayan ng paglitaw ng lute, na itinuturing na isa sa mga pinaka perpektong instrumento sa mga bansa sa Silangan. Ang ganitong mga tool ay laganap na sa maraming bansa sa mundo apat na millennia na ang nakalipas. Ang mga ito ay nilalaro sa Egypt, Mesopotamia, China, India, Persia, Assyria, Ancient Greece at Rome. Gayunpaman, iminumungkahi ng mga iskolar ng sining na ang lute ay nagkaroon ng agarang hinalinhan - ang oud, isang instrumento na ginagamot pa rin nang may espesyal na pagpipitagan sa Gitnang Silangan, na nagsasabing ito ay resulta ng paglikha ng apo ng Propeta. Ang oud ay may hugis-peras na katawan, na gawa sa walnut o peras na kahoy, isang pine soundboard, isang maikling leeg at isang likod na hubog na ulo. Ang tunog ay nakuha gamit ang isang plectrum.

Ang pagsakop sa Europa sa pamamagitan ng lute ay nagsimula noong ika-8 siglo mula sa Espanya at Catalonia, pagkatapos na sakupin ng mga Moor ang Iberian Peninsula. Ang tool ay hindi lamang napakabilis na sumali sa mga kultura ng mga bansang ito, ngunit din, bilang isang resulta ng mga Krusada, ay nagsimulang kumalat nang mabilis sa iba pang mga bansa sa Europa: Italya. France, Germany, inilipat ang iba pang mga instrumento na umiiral sa oras na iyon, tulad ng cistern at pandura. Ang lute, na nakakakuha ng katanyagan, ay patuloy na sumailalim sa iba't ibang mga pagpapabuti. Ang mga master ay gumawa ng mga pagbabago sa disenyo ng instrumento, binago ang katawan at leeg, nagdagdag ng mga string. Kung sa una ay mayroon siyang 4 - 5 na ipinares na mga string - mga koro, pagkatapos ay unti-unting tumaas ang bilang. Sa pamamagitan ng ika-14 na siglo, ang lute sa Europa ay hindi lamang ganap na nabuo, ngunit naging isa rin sa mga pinakasikat na instrumento hindi lamang sa korte, kundi pati na rin sa home music-making. Ito ay ginamit hindi lamang bilang isang saliw, kundi pati na rin bilang isang solong instrumento. Para sa lute, gumawa sila ng maraming magkakaibang musika, gumawa ng mga transkripsyon hindi lamang ng mga sikat na kanta at sayaw, kundi pati na rin ng sagradong musika. Noong ika-15 siglo, lalo pang tumaas ang katanyagan ng instrumento, madalas itong inilalarawan ng mga pintor sa kanilang mga art canvases. Patuloy na pinayaman ng mga kompositor ang repertoire. Ang mga performer ay abandunahin ang plectrum, mas pinipili ang paraan ng pagkuha ng daliri, na makabuluhang pinalawak ang mga teknikal na posibilidad, na nagpapahintulot sa pagganap ng parehong harmonic accompaniment at polyphonic music. Ang mga lutes ay nagpatuloy na umunlad, at ang mga instrumento na may anim na ipinares na mga kuwerdas ay naging pinakahinahangad.

Noong ika-16 na siglo, ang katanyagan ng lute ay umabot sa rurok nito. Pinamunuan niya ang parehong mga propesyonal na musikero at amateurs. Ang instrumento ay tumunog sa mga palasyo ng mga hari at pinakamataas na maharlika, gayundin sa mga tahanan ng mga ordinaryong mamamayan. Nagsagawa ito ng mga solo at ensemble na gawa, sinamahan ang mga vocalist at koro, at, bilang karagdagan, ipinakilala sila sa mga orkestra. Sa iba't ibang mga bansa, nilikha ang mga paaralan para sa paggawa ng mga instrumento ng lute, ang pinakatanyag sa kanila ay sa Italya sa lungsod ng Bologna. Ang mga instrumento ay patuloy na binago, ang bilang ng mga ipinares na mga string ay tumaas: una sampu, pagkatapos ay labing-apat, at kalaunan ang kanilang bilang ay umabot sa 36, ​​na naaayon ay nangangailangan ng mga pagbabago sa disenyo ng instrumento. Mayroong maraming mga uri ng lute, kasama ng mga ito mayroong pito na tumutugma sa tessitura ng boses ng tao, mula sa diskwento hanggang sa bass.

Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang katanyagan ng lute ay nagsimulang bumaba nang kapansin-pansin, dahil ito ay unti-unting napalitan ng mga instrumento tulad ng gitara, harpsichord, at mamaya ang piano. Noong ika-18 siglo, hindi na talaga ito ginagamit, maliban sa ilang mga varieties na umiral sa Sweden, Ukraine at Germany. At lamang sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, dahil sa nabagong interes sa mga sinaunang instrumento ng mga mahilig sa Ingles na pinamumunuan ng instrumental master, propesyonal na musikero at musicologist na si Arnold Dolmich, muling tumaas ang pansin sa lute.

Ang lute ay isang sinaunang eleganteng instrumentong pangmusika na may magandang banayad na tinig, na minsan ay pinilit na hindi magamit at hindi patas na nakalimutan. Lumipas ang oras, naalala siya ng mga musikero, naging interesado at muli siyang dinala sa entablado ng konsiyerto upang sakupin ang mga tagapakinig na may sopistikadong tunog. Ngayon, ang lute ay kadalasang kalahok sa mga tunay na konsiyerto ng musika, na gumaganap bilang solo at ensemble na instrumento.

Video: makinig sa lute

Dutar. Du - dalawa. Tar - string. Isang instrumento na may mga huwad na frets at dalawang vein string. Sa palagay mo ba ang mas kaunting mga string ay mas madaling laruin?

Kung gayon, makinig sa isa sa pinakamahuhusay na manlalaro ng dutar, si Abdurahim Khait, isang Uighur mula sa Xinjiang, China.
Mayroon ding Turkmen dutar. Ang mga string at frets ng Turkmen dutar ay metal, ang katawan ay hungkag sa isang solong piraso ng kahoy, ang tunog ay napakaliwanag, tunog. Ang Turkmen dutar ay isa sa aking mga paboritong instrumento sa nakalipas na tatlong taon, at ang dutar na ipinakita sa larawan ay dinala sa akin mula sa Tashkent kamakailan lamang. Kamangha-manghang tool!

Azerbaijani saz. Ang siyam na mga kuwerdas ay nahahati sa tatlong grupo, na ang bawat isa ay nakatutok nang sabay-sabay. Ang isang katulad na instrumento sa Turkey ay tinatawag na baglama.

Tiyaking pakinggan kung paano tumutunog ang instrumentong ito sa mga kamay ng isang master. Kung mayroon kang kaunting oras, pagkatapos ay manood ng hindi bababa sa simula sa 2:30.
Mula saz at baglama nanggaling ang Greek instrument bouzouki at ang Irish na bersyon nito.

Oud o al-ud, kung tawagin mo itong instrumento sa Arabic. Ito ay mula sa Arabic na pangalan ng instrumento na ito na ang pangalan ng European lute ay nagmula. Al-ud - lute, lute - naririnig mo ba? Ang karaniwang oud ay walang frets - ang mga frets sa ispesimen na ito mula sa aking koleksyon ay lumabas sa aking inisyatiba.

Makinig sa kung paano tumugtog ng oud ang isang master mula sa Morocco.

Mula sa Chinese two-stringed erhu violin na may simpleng resonator body at isang maliit na leather membrane, nagmula ang Central Asian gidjak, na tinawag na kemancha sa Caucasus at Turkey.

Makinig sa kung paano tumunog ang kemancha kapag tinutugtog ito ni Imamyar Khasanov.

Ang rubab ay may limang kuwerdas. Ang unang apat sa kanila ay dinoble, ang bawat pares ay nakatutok nang sabay-sabay, at ang bass string ay isa. Ang mahabang leeg ay may frets alinsunod sa chromatic scale para sa halos dalawang octaves at isang maliit na resonator na may leather membrane. Ano sa palagay mo ang ibig sabihin ng pababang mga hubog na sungay na nagmumula sa leeg patungo sa instrumento? Ang hugis ba nito ay nagpapaalala sa iyo ng ulo ng tupa? Ngunit okay na anyo - anong tunog! Dapat narinig mo ang tunog ng instrumentong ito! Ito ay nanginginig at nanginginig kahit na sa kanyang napakalaking leeg, pinupuno nito ang lahat ng espasyo sa paligid ng kanyang tunog.

Makinig sa tunog ng Kashgar rubab. Pero mas maganda ang tunog ng rubab ko, sa totoo lang.

Ang Iranian tar ay may double hollowed-out na katawan na gawa sa iisang piraso ng kahoy at isang lamad na gawa sa pinong balat ng isda. Anim na ipinares na mga string: dalawang bakal na string, na sinusundan ng kumbinasyon ng bakal at manipis na tanso, at ang susunod na pares ay nakatutok sa isang octave - isang makapal na tansong string ay nakatutok ng isang oktaba sa ibaba ng manipis na bakal. Ang Iranian tar ay may pilit na frets na gawa sa mga ugat.

Makinig sa kung paano tumunog ang Iranian tar.
Ang Iranian tar ay ang ninuno ng ilang mga instrumento. Ang isa sa kanila ay isang Indian setar (se - three, tar - string), at pag-uusapan ko ang dalawa pa sa ibaba.

Ang Azerbaijani tar ay walang anim, ngunit labing-isang string. Anim na pareho sa Iranian tar, isa pang dagdag na bass string at apat na hindi pa natutugtog na mga string na tumutunog kapag tinutugtog, nagdaragdag ng mga dayandang sa tunog at nagpapatagal sa tunog. Ang tar at kemancha ay marahil ang dalawang pangunahing instrumento ng musikang Azerbaijani.

Makinig nang ilang minuto, simula sa 10:30 o hindi bababa sa simula sa 13:50. Hindi mo pa narinig ang ganoong bagay at hindi mo maisip na posible ang gayong pagganap sa instrumentong ito. Ito ay ginampanan ng kapatid ni Imamyar Khasanov - Rufat.

Mayroong hypothesis na ang tar ay ang ninuno ng modernong European guitar.

Kamakailan lamang, nang pag-usapan ko ang tungkol sa electric cauldron, sinisiraan nila ako - sabi nila, inaalis ko ang kaluluwa mula sa kaldero. Marahil, tungkol sa parehong bagay ang sinabi sa isang tao na, 90 taon na ang nakalilipas, nahulaan na maglagay ng pickup sa isang acoustic guitar. Makalipas ang mga tatlumpung taon, ang pinakamahusay na mga halimbawa ng mga electric guitar ay nilikha, na nananatiling pamantayan hanggang sa araw na ito. Makalipas ang isang dekada, sumunod ang Beatles, Rolling Stones, at Pink Floyd.
At ang lahat ng pag-unlad na ito ay hindi humadlang sa mga tagagawa ng mga acoustic guitar at classical guitar player.

Ngunit ang mga instrumentong pangmusika ay hindi palaging kumakalat mula silangan hanggang kanluran. Halimbawa, ang akurdyon ay naging napakapopular na instrumento sa Azerbaijan noong ika-19 na siglo, nang dumating doon ang unang mga naninirahan sa Aleman.

Ang aking akurdyon ay ginawa ng parehong master na gumawa ng mga instrumento para kay Aftandil Israfilov. Pakinggan kung ano ang tunog ng instrumentong ito.

Ang mundo ng mga oriental na instrumentong pangmusika ay malaki at magkakaibang. Hindi ko pa naipakita sa iyo ang isang bahagi ng aking koleksyon, na malayo sa kumpleto. Ngunit kailangan kong sabihin sa iyo ang tungkol sa dalawa pang instrumento.
Ang tubo na may kampana sa itaas ay tinatawag na zurna. At ang instrument sa ilalim nito ay tinatawag na duduk o balaban.

Ang mga pagdiriwang at kasal ay nagsisimula sa mga tunog ng zurna sa Caucasus, Turkey at Iran.

Narito ang hitsura ng isang katulad na instrumento sa Uzbekistan.

Sa Uzbekistan at Tajikistan, ang zurna ay tinatawag na surnay. Sa Gitnang Asya at Iran, ang mga nagtatagal na tunog ng isa pang instrumento, ang karnay, ay kinakailangang idagdag sa mga tunog ng surnay at tamburin. Ang Karnay-surnay ay isang matatag na parirala na nagsasaad ng simula ng holiday.

Kapansin-pansin, ang isang instrumento na may kaugnayan sa karnay ay umiiral sa mga Carpathians, at ang pangalan nito ay pamilyar sa marami - trembita.

At ang pangalawang tubo, na ipinapakita sa aking larawan, ay tinatawag na balaban o duduk. Sa Turkey at Iran, ang instrumentong ito ay tinatawag ding mey.

Makinig sa kung paano gumaganap ng balaban si Alikhan Samedov.

Babalik tayo sa balaban, pero sa ngayon gusto kong pag-usapan ang nakita ko sa Beijing.
Sa pagkakaintindi mo, nangongolekta ako ng mga instrumentong pangmusika. At nang magkaroon ako ng libreng sandali sa aking paglalakbay sa Beijing, agad akong pumunta sa tindahan ng mga instrumentong pangmusika. Kung ano ang binili ko sa aking sarili sa tindahan na ito, sasabihin ko sa iyo sa ibang pagkakataon. At ngayon na hindi ako bumili at kung ano ang pinagsisisihan ko nang husto.
Sa bintana ay may isang tubo na may kampana, ang disenyo ay eksaktong kahawig ng isang zurna.
- Paano ang tawag? Tanong ko sa pamamagitan ng isang interpreter.
- Sona, - sagot nila sa akin.
- How similar to "sorna - surnay - zurna" - I thought loud. At kinumpirma ng tagasalin ang aking hula:
- Hindi binibigkas ng mga Intsik ang letrang r sa gitna ng isang salita.

Maaari kang magbasa nang higit pa tungkol sa Chinese variety ng zurna
Pero, alam mo, magkasabay sina zurna at balaban. Ang kanilang disenyo ay may maraming pagkakatulad - marahil iyon ang dahilan. At ano sa tingin mo? Sa tabi ng instrumentong sona ay isa pang instrumento - ang guan o guanji. Narito ang hitsura nito:

Narito kung ano ang hitsura nito. Guys, comrades, gentlemen, pero ito ang upuan!
At kailan siya nakarating doon? Noong ikawalong siglo. Samakatuwid, maaaring ipagpalagay na ito ay nagmula sa China - ang tiyempo at heograpiya ay nag-tutugma.
Sa ngayon, dokumentado lamang na ang tool na ito ay kumalat sa silangan mula sa Xinjiang. Well, paano nila tinutugtog ang instrumentong ito sa modernong Xinjiang?

Panoorin at pakinggan mula sa ika-18 segundo! Pakinggan lamang kung ano ang isang marangyang tunog ng Uighur balaman - oo, narito ito ay tinatawag na eksaktong kapareho ng sa wikang Azerbaijani (mayroong isang pagbigkas ng pangalan).

At maghanap tayo ng karagdagang impormasyon sa mga independiyenteng mapagkukunan, halimbawa, sa Iranian encyclopedia:
BALABAN
CH. ALBRIGHT
isang cylindrical-bore, double-reed wind instrument na mga 35 cm ang haba na may pitong butas sa daliri at isang thumb hole, na nilalaro sa silangang Azerbaijan sa Iran at sa Republika ng Azerbaijan.

O nakikiramay ba ang Iranika sa mga Azerbaijani? Buweno, sinasabi rin ng TSB na ang salitang duduk ay mula sa Turkic na pinagmulan.
Sinuhulan ng mga Azerbaijanis at Uzbek ang mga compiler?
Well, well, tiyak na hindi ka maghihinala sa mga Bulgarian ng simpatiya para sa mga Turko!
sa isang napakaseryosong Bulgarian na site para sa salitang duduk:
nakaupo, dudyuk; duduk, dudyuk (mula sa Turkish düdük), squeaker, svorche, glasnik, karagdagang - Ang Naroden darven ay isang instrumentong pangmusika ng uri ng aerophonite, kalahating pagsasara ng mga tubo.
Muli nilang itinuro ang Turkish na pinagmulan ng salita at tinawag itong kanilang katutubong instrumento.
Ang tool na ito ay laganap, tulad ng nangyari, pangunahin sa mga taong Turkic, o sa mga taong nakipag-ugnayan sa mga Turko. At ang bawat bansa ay makatuwirang isinasaalang-alang ito bilang kanyang katutubong, pambansang instrumento. Ngunit isa lamang ang kumukuha ng kredito para sa paglikha nito.

Pagkatapos ng lahat, ang mga tamad lamang ang hindi nakarinig na "ang duduk ay isang sinaunang instrumento ng Armenia." Kasabay nito, ipinapahiwatig nila na ang duduk ay nilikha tatlong libong taon na ang nakalilipas - iyon ay, sa isang hindi mapapatunayang nakaraan. Ngunit ang mga katotohanan at elementarya na lohika ay nagpapakita na ito ay hindi gayon.

Bumalik sa simula ng artikulong ito at tingnan muli ang mga instrumentong pangmusika. Halos lahat ng mga instrumentong ito ay tinutugtog din sa Armenia. Ngunit malinaw na ang lahat ng mga instrumentong ito ay lumitaw sa mas maraming mga tao na may malinaw at naiintindihan na kasaysayan, kung saan nanirahan ang mga Armenian. Isipin ang isang maliit na tao na naninirahan sa pagkakalat sa iba pang mga tao na may sariling mga estado at imperyo. Makakagawa ba ang gayong mga tao ng kumpletong hanay ng mga instrumentong pangmusika para sa isang buong orkestra?
Sa totoo lang, naisip ko rin: "Okay, malalaki at masalimuot na instrumento iyon, iwan muna natin sila. Pero at least makakapag-isip ng tubo ang mga Armenian?" At lumalabas na hindi, hindi nila ginawa. Kung naisip nila ito, kung gayon ang tubo na ito ay magkakaroon ng isang purong Armenian na pangalan, at hindi ang patula at metaporikal na tsiranopokh (ang kaluluwa ng isang puno ng aprikot), ngunit isang bagay na mas simple, mas sikat, na may isang ugat, o ganap na onomatopoeic. Sa ngayon, ang lahat ng mga mapagkukunan ay tumuturo sa Turkic etymology ng pangalan ng instrumentong pangmusika na ito, at ang heograpiya at mga petsa ng pamamahagi ay nagpapakita na ang duduk ay nagsimula ng pamamahagi nito mula sa Gitnang Asya.
Buweno, gumawa tayo ng isa pang pagpapalagay at sabihin na ang duduk ay dumating sa Xinjiang mula sa sinaunang Armenia. Pero paano? Sino ang nagdala sa kanya doon? Anong mga tao ang lumipat mula sa Caucasus patungo sa Gitnang Asya sa pagpasok ng unang milenyo? Walang ganoong mga bansa! Ngunit ang mga Turko ay patuloy na lumilipat mula sa Gitnang Asya patungo sa kanluran. Mahusay nilang maikalat ang tool na ito sa Caucasus, at sa teritoryo ng modernong Turkey at maging sa Bulgaria, tulad ng ipinahiwatig ng mga dokumento.

Nakikita ko ang isa pang argumento ng mga tagapagtanggol ng bersyon ng Armenian na pinagmulan ng duduk. Tulad ng, ang isang tunay na upuan ay ginawa lamang mula sa isang puno ng aprikot, na sa Latin ay tinatawag na Prúnus armeniáca. Ngunit, una, ang mga aprikot sa Gitnang Asya ay hindi gaanong karaniwan kaysa sa Caucasus. Ang Latin na pangalan ay hindi nagpapahiwatig na ang punong ito ay kumalat sa buong mundo mula sa teritoryo ng lugar na nagdadala ng heograpikal na pangalan ng Armenia. Mula doon ay tumagos ito sa Europa at inilarawan ng mga botanist mga tatlong daang taon na ang nakalilipas. Sa kabaligtaran, mayroong isang bersyon na kumalat ang aprikot mula sa Tien Shan, na bahagi nito ay nasa China, at bahagi sa Gitnang Asya. Pangalawa, ang karanasan ng mga napakatalino na tao ay nagpapakita na ang instrumento na ito ay maaari pang gawin mula sa kawayan. At ang paborito kong balaban ay gawa sa mulberry at mas maganda ang tunog kaysa sa mga aprikot, na mayroon din ako at ginawa lamang sa Armenia.

Makinig sa kung paano ko natutunan ang pagtugtog ng instrumentong ito sa loob ng ilang taon. Ang People's Artist ng Turkmenistan Gasan Mammadov (violin) at People's Artist ng Ukraine, ang aking kababayan mula sa Ferghana, Enver Izmailov (gitara) ay lumahok sa pag-record.

Sa lahat ng ito, nais kong magbigay pugay sa mahusay na tagapalabas ng Armenian duduk na si Jivan Gasparyan. Ang taong ito ang gumawa ng duduk na isang instrumento na kilala sa buong mundo, salamat sa kanyang trabaho isang magandang paaralan ng pagtugtog ng duduk ang lumitaw sa Armenia.
Ngunit ang pagsasalita ng "Armenian duduk" ay makatwiran lamang tungkol sa mga tiyak na instrumento, kung sila ay ginawa sa Armenia, o tungkol sa uri ng musika na lumitaw salamat kay J. Gasparyan. Tanging ang mga taong pinahihintulutan ang kanilang mga sarili na walang katibayan na mga pahayag ang maaaring tumuro sa Armenian na pinagmulan ng duduk.

Mangyaring tandaan na ako mismo ay hindi nagpapahiwatig ng alinman sa eksaktong lugar o ang eksaktong oras ng paglitaw ng nakaupo. Malamang, imposible na itong maitatag at ang prototype ng duduk ay mas matanda kaysa sa alinman sa mga nabubuhay na tao. Ngunit binubuo ko ang aking hypothesis tungkol sa pagkalat ng duduk, batay sa mga katotohanan at elementarya na lohika. Kung may gustong tumutol sa akin, gusto kong magtanong nang maaga: mangyaring, kapag nagtatayo ng mga hypotheses, sa parehong paraan, umasa sa napapatunayan at na-verify na mga katotohanan mula sa mga independiyenteng mapagkukunan, huwag mahiya sa lohika at subukang maghanap ng isa pang maliwanag na paliwanag para sa mga nakalistang katotohanan.

Si Xi Jinping, Tagapangulo ng People's Republic of China, ay nagsasalita sa isang symposium na nakatuon sa ika-69 na anibersaryo ng tagumpay laban sa mga mananakop na Hapones noong Digmaang Pandaigdig, na nananawagan sa Japan na gumawa ng mas responsableng diskarte sa pagtatasa...

idinagdag: 04 Mar 2014

Pambansang Hapon na musika at mga instrumento

Ang Land of the Rising Sun Japan ay may kakaiba at kakaibang kultura. Ang pamana ng isang mahusay na bansa ay malapit na nauugnay sa musika. Ang pambansang musikang Hapones ay ang parehong orihinal na kababalaghan, na dahil sa paghihiwalay ng bansa.

Ang mga tao ng Japan ay palaging maingat at magalang na tinatrato ang mga monumento ng kultura ng kanilang tinubuang-bayan. Ang anumang musika ay imposible nang walang mga instrumentong pangmusika. Ang kultura ng musika ng Japan ay may sariling kakaibang genre. Ipinapaliwanag nito ang iba't ibang mga instrumento na ginagamit upang lumikha ng mga obra maestra sa musika.

Mga kilalang instrumentong pangmusika

Isa sa pinakasikat na instrumentong pangmusika ng Hapon ay shamisen, na kahalintulad sa lute. Ito ay kabilang sa kategorya ng tatlong-kuwerdas na plucked na mga instrumento. Nagmula siya sa sanshina, na nagmula naman sa sanxian na katutubong sa China.

Ang musika at sayaw ng Hapon ay hindi kumpleto nang walang shamisen, na iginagalang pa rin sa mga isla ng Hapon ngayon at kadalasang ginagamit sa teatro ng Hapon. Bunraku at Kabuki. Mahalaga rin na ang paglalaro ng shamisen ay kasama sa programa ng pagsasanay para sa mga geisha - maiko.

Ang pambansang musikang Hapones ay hindi rin mapaghihiwalay na nauugnay sa mga plauta. Instrumentong pangmusika fue nabibilang sa isang pamilya ng mga plauta na kilala sa kanilang mataas na tono. Gawa sila sa kawayan. Ang flute na ito ay nagmula sa Chinese flute - " paixiao«.

Ang pinakasikat na plauta mula sa pamilyang fue ay shakuhachi, na ginagamit bilang instrumentong pangmusika ng mga monghe ng Zen Buddhist. Ayon sa alamat, ang shakuhachi ay naimbento ng isang ordinaryong magsasaka. Nang siya ay nagdadala ng kawayan, narinig niya ang isang kahanga-hangang himig na nagmula sa kawayan nang umihip ang hangin dito.

Ang fue flute, pati na rin ang shamisen, ay kadalasang ginagamit bilang isang saliw sa mga teatro ng Banraku at Kabuki, at iba't ibang mga ensemble. Ang ilan sa mga fuet ay maaaring iayon sa Kanluraning paraan, at sa gayon ay maging mga soloista. Ito ay kagiliw-giliw na ang mas maagang paglalaro ng fue ay katangian lamang para sa mga Japanese na gumagala na monghe.

Suikinkutsu

Ang isa pang instrumento na kumakatawan sa kultura ng Hapon ay suikinkutsu. Ito ay may hugis ng isang baligtad na pitsel, kung saan dumadaloy ang tubig. Ang pagpasok sa loob sa pamamagitan ng ilang mga butas, nagiging sanhi ito ng instrumento na gumawa ng tunog na halos kapareho ng pagtunog ng isang kampana. Ang instrumentong ito ay tinutugtog bago ang seremonya ng tsaa, at ginagamit din bilang katangian ng tradisyonal na hardin ng Hapon.

Sa pamamagitan ng paraan, para sa kaginhawahan, ang seremonya ng tsaa ay maaaring maganap sa hardin. Ang tunog ng instrumento ay bumulusok sa isang tao sa isang hindi maipaliwanag na pakiramdam ng pagpapahinga, lumilikha ng isang mapagnilay-nilay na kalooban. Ang ganitong estado ay napaka-angkop para sa paglubog ng iyong sarili sa Zen, dahil ang pagpapahinga sa hardin sa panahon ng seremonya ng tsaa ay bahagi ng tradisyon ng Zen.

Ang mas naiintindihan para sa aming pang-unawa ay ang tool taiko,na sa pagsasalin sa Russian ay nangangahulugang "tambol". Si Taiko pala ay naging tanyag sa mga usaping militar, pati na rin ang mga katapat nito sa ibang bansa. Tulad ng sinasabi nila, sa mga talaan ng Gunji Yeshu, ang siyam sa pamamagitan ng siyam na suntok ay nangangahulugan ng isang tawag sa labanan, at sa turn, ang siyam sa pamamagitan ng tatlo ay nangangahulugan na ang kaaway ay dapat na habulin.

Dapat tandaan na sa panahon ng pagtatanghal ng isang drummer, binibigyang pansin ang mga estetika ng pagganap na kanyang inaalok, dahil hindi lamang ang himig at ritmo ng pagtatanghal ang mahalaga, kundi pati na rin ang hitsura ng instrumento kung saan tinutugtog ang melody. .

Mga genre ng musikang Hapon

Malayo na ang narating ng katutubong musika ng Japan sa pag-unlad nito. Ang mga pinagmulan nito ay mga mahiwagang kanta, nang maglaon ay naimpluwensyahan ng Confucianism at Budismo ang pag-unlad at pagbuo ng genre ng musika. Kaya, ang musikang Hapon, sa isang paraan o iba pa, ay nauugnay sa mga ritwal, tradisyonal na mga pista opisyal, mga pagtatanghal sa teatro at iba pang mga aktibidad. Ang musikang etniko ng Hapon, na, sa modernong mundo, ay maaaring pakinggan online sa anumang oras ng araw at saanman, ay naging isang mahalagang bahagi ng kultural na pamana ng bansa.

Mayroong dalawang pangunahing pinakasikat na uri ng pambansang musikang Hapones.

• Ang una ay shomyo, na isang Buddhist chants.
• Pangalawa - gagaku, na kung saan ay musika ng orchestral court.

Ngunit, gayundin, may mga ganitong genre na walang mga sinaunang ugat. Nabibilang sila sa yasugi bushi at enka.

Ang pinakasikat na genre ng Japanese folk songs ay yasugi bushi, na ipinangalan sa lungsod ng Yasugi. Ang tema ng genre ay konektado sa sinaunang kasaysayan at mytho-poetic na mga kuwento. Ngunit ang yasugi bushi ay hindi lamang mga kanta, kundi isang sayaw din sukui dojo pati na rin ang sining ng juggling sa musika zeni daiko, kung saan ang mga tangkay ng kawayan ay ginagamit bilang isang instrumentong pangmusika, na puno ng mga barya.

Enka, bilang isang genre, ay lumitaw kamakailan lamang, sa panahon pagkatapos ng digmaan. Sa loob nito, ang mga Japanese folk motif ay magkakaugnay sa jazz at blues na musika. Kaya, ang musikang Hapones ay may sariling pambansang katangian, at sa gayon ay naiiba sa ibang mga genre ng musika sa ibang mga bansa. Kaya, may mga instrumentong pangmusika na tinatawag na mga balon sa pag-awit, na hindi mo makikita saanman sa mundo, maliban marahil sa Tibet.

Ang musikang Hapones ay nailalarawan sa pamamagitan ng patuloy na pagbabago ng tempo at ritmo. Kadalasan walang sukat dito. Ang musika ng Hapon ay malapit sa mga tunog ng kalikasan, na ginagawang mas mahiwaga at hindi pangkaraniwan.

Video: Japanese music online