Kabanata I. Klasikal na gitara: kasaysayan ng paglikha, pagpapabuti at paggana.

§ 1. Kasaysayan ng sining ng gitara sa Kanlurang Europa.

§ 2. Ang kasaysayan ng pagganap sa klasikal na gitara sa Russia.

§ 3. Klasikong gitara sa lalawigan ng Russia.

Kabanata II. Ang akademikong sining ng pagtugtog ng klasikal na gitara: kakanyahan, istraktura, pag-andar.

§ 1. Kakanyahan, istraktura at mga tungkulin ng akademikong sining ng pagganap.

§ 2. Propesyonal na pagganap bilang unang bahagi ng akademikong sining.

§ 3. Ang sistema ng edukasyong bokasyonal bilang pangalawang bahagi ng sining pang-akademiko.

§ 4. Ang istraktura ng klasikal na repertoire ng gitara bilang ikatlong bahagi ng akademikong sining.

Kabanata III. Classical na gitara sa sistema ng domestic professional music education.

§ 1. Ang modernong sistema ng propesyonal na pagsasanay sa pagtugtog ng klasikal na gitara sa Russia.

§ 2. Modelong pang-edukasyon bilang isang paraan ng pagbuo ng isang propesyonal na tagapalabas ng klasikal na gitara.

§ 3. Impormasyon at mga teknolohiya sa kompyuter sa sistema ng propesyonal na edukasyon sa musika.

Panimula ng disertasyon (bahagi ng abstract) sa paksang "Classical Guitar in Russia: Tungo sa Problema ng Academic Status"

Konklusyon ng thesis sa paksang "Musical art", Ganeev, Vitaly Rinatovich

Listahan ng mga literatura sa pananaliksik sa disertasyon PhD sa Art History Ganeev, Vitaly Rinatovich, 2006

Pakitandaan na ang mga tekstong siyentipiko sa itaas ay nai-post para sa impormasyon at nakuha sa pamamagitan ng pagkilala sa mga orihinal na teksto ng disertasyon (OCR). Kaugnay nito, maaaring maglaman ang mga ito ng mga error na nauugnay sa di-kasakdalan ng mga algorithm ng pagkilala. Walang ganoong mga error sa mga PDF file ng mga disertasyon at abstract na inihahatid namin.

Ang duyan nito ay ang mga bansa sa Malapit at Gitnang Silangan, kung saan ito lumitaw ilang millennia na ang nakalipas.
Ngunit ang hitsura nito sa tradisyonal na anyo ay nauna sa isang mahabang landas ng pag-unlad. Ayon sa isang bilang ng mga mananaliksik, ang busog ng isang primitive na mangangaso ay maaaring gamitin hindi lamang bilang isang sandata, kundi pati na rin bilang isang instrumentong pangmusika. Kaya, kung humila ka ng higit sa isang bowstring sa bow, pagkatapos ay dahil sa kanilang iba't ibang haba, lakas ng pag-igting at kapal, ang taas ng tunog na ibinubuga ay nagbabago. Malamang, ito mismo ang uri ng instrumentong pangmusika na naging prototype ng Assyrian-Babylonian at Egyptian cithara. Sa turn, ang mga sinaunang cithara ay naging "mga ninuno" ng gitara.

Sa sinaunang Egyptian pyramids at Assyrian architectural monuments, may mga hieroglyph na naglalarawan sa instrumentong nablu, na malabo na kahawig ng isang gitara sa hugis. Kapansin-pansin na ginamit ng mga sinaunang Egyptian ang parehong hieroglyph upang tukuyin ang mga konsepto ng "mabuti", "mabuti", "maganda".
Sa Mesopotamia at Egypt, ang ilang uri ng kifar (kabilang ang Egyptian nabla at Arab el-aud) ay nakatanggap ng karagdagang nakabubuo na pag-unlad at kumalat sa buong baybayin ng Mediterranean na nasa III-II millennia BC. Hanggang ngayon, sa mga bansa sa Asia Minor, mayroong isang instrumentong pangmusika na "kinira", katulad ng gitara.

Sa sinaunang Greece, ang pinakasikat na mga instrumentong pangmusika ay kitara (kitarra), lira, alpa, pandora.
Sa mga unang siglo ng bagong panahon, ang Latin na gitara, na katulad ng Griyego, ay laganap sa mga bansang Mediterranean sa Europa. Ang pinakamalapit na kamag-anak ng gitara, ang lute, ay kilala rin. Ang mismong pangalan na "lute" ay nagmula sa salitang Arabic na "el-aud", na nangangahulugang "kahoy" o "euphonious".
Mayroong isang palagay na dinala ng mga Arabo ang lute at gitara sa Europa - sa pamamagitan ng Espanya, na kanilang nasakop noong ika-8 siglo. Malamang, gayunpaman, ang mga instrumentong ito ay kumalat sa Europa sa pamamagitan ng Sinaunang Greece - salamat sa kultural na ugnayan nito sa mga bansa sa Malapit at Gitnang Silangan.

Hanggang sa ika-16 na siglo, ang gitara ay tatlo at apat na kuwerdas. Nilaro nila ito gamit ang mga daliri at plectrum (buto at tortoiseshell plate).
Noong ika-16 na siglo, ang limang-kuwerdas na gitara ay lumitaw sa Espanya, at mula noon ay naging kilala ito bilang Espanyol na gitara. Ang mga string ay itinakda nang doble, kung minsan ang unang string ("songstress") ay iisa. Sa lahat ng mga bansa sa Europa, ang gitara ay nakatanggap ng pinakamalaking pamamahagi sa Espanya, kung saan ito ay naging isang tunay na katutubong instrumento.
Sa pagdating ng ikalimang kuwerdas at ang pagtaas ng artistikong kakayahan at pagganap nito, ang gitara ay nagsimulang matagumpay na makipagkumpitensya sa lute at vihuela, ang hinalinhan nito, at unti-unting pinatalsik ang mga ito mula sa paggamit ng musika.
Lumitaw ang ilang mahuhusay na birtuoso at kompositor na nagtaas ng sining ng pagtugtog ng gitara sa napakataas na antas. Kabilang sa mga ito ay si F. Corbetta (1620-1681), ang court guitarist ng mga hari ng Spain, France at England, ang kanyang estudyante na si R. de Vise (1650-1725), ang court guitarist ng King of France na si Louis XIV, F. Campion (1686-1748), G. Suns (1640-1710) at marami pang iba.
Ang mga unang koleksyon ng tablature at mga aklat-aralin para sa gitara ay nagsimulang lumitaw: "The Book of Guitar" ni R. de Wiese (1682), "New Discoveries of the Guitar" ni F. Campion (1705) at marami pang iba.

Naglimbag sila ng mga sinaunang sayaw na Espanyol - passagli, chacon, saraband, folio at iba pang dula.
Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, lumitaw ang isang anim na kuwerdas na gitara (ayon sa mga istoryador - muli sa Espanya). Sa pagdating ng ikaanim na kuwerdas at pagpapalit ng dobleng kuwerdas na may iisang kuwerdas, magsisimula ang matagumpay na prusisyon ng gitara sa mga bansa at kontinente; sa anyong ito ay umiiral pa rin ito. Ang mga posibilidad sa musika ng anim na string na gitara ay naging napakahusay na ito ay naging isa sa mga pinakamamahal na instrumento.
Ang "gintong edad" ng gitara ay nagsisimula. Ito ay nauugnay sa mga pangalan ng mga Espanyol na kompositor at birtuoso na gitarista na sina F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) at Italian F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853).

Mga performer

Espanya

COP Jose Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Espanyol na gitarista, kompositor at guro. Sa maagang pagkabata, nagpakita siya ng pambihirang talento at nakatanggap ng isang musikal na edukasyon sa isa sa mga monasteryo ng Katoliko, na pinahusay ang kanyang pagtugtog ng gitara sa kanyang sarili. Ang pagtugtog ng gitara ni Sora ay gumawa ng tunay na sensasyon sa London, kung saan siya nagpunta pagkatapos ng maikling pamamalagi sa Paris. Noong taglagas ng 1823, pumunta si Sor sa Russia kasama ang kanyang asawa, isang French ballerina, kung saan naging matagumpay ang kanyang mga pagtatanghal. Ang ballet ni Sora na Sandrillon ay itinanghal sa Moscow sa Bolshoi Theater. Noong 1826, bumalik si Sor sa Paris at nanatili doon hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Siya ay binansagang "Beethoven ng gitara", ang kanyang malalim at emosyonal na musika, malambot, malambot na sonority ng kanyang pagtugtog ay naging isa sa mga pinakadakilang gitarista sa kanyang panahon.
Ipinanganak si Sor sa Barcelona. Sa edad na limang taong gulang, gumagawa na siya ng mga kanta, sinasabayan ang sarili sa lumang gitara ng kanyang ama. Natanggap niya ang kanyang edukasyon sa musika sa monasteryo ng Katoliko ng Montserrat malapit sa Barcelona at sa edad na 13 siya ay bumubuo na ng kumplikadong musika. Minsan ang kanyang guro ay inutusan na gumawa ng isang solemne na misa para sa mga soloista, koro at organ, ngunit dahil sa sakit, hindi niya ito naihanda sa takdang oras. Tinulungan ni Sor ang kanyang guro sa pamamagitan ng pagkumpleto ng order nang buong magdamag.
Matapos makumpleto ang kanyang edukasyon sa musika at makahanap ng mga patron para sa kanyang sarili, nanirahan si Sor sa Madrid at buong-buo niyang inilaan ang kanyang sarili sa pag-compose ng musika at pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan sa gitara. Noong 1813 nagpunta siya sa Paris, kung saan nakakuha siya ng reputasyon bilang isa sa mga pinakamahusay na birtuoso, na nakakabighani sa kanyang pagtugtog na Berlioz, Cherubini at iba pang musikero na naninirahan sa kabisera ng Pransya. Noong 1815, pumunta si Sor sa London, kung saan gumawa siya ng tunay na sensasyon sa kanyang pagtugtog ng gitara. Noong 1823 si Sor ay nasa Russia na, kung saan binigyan din siya ng pambihirang pagtanggap. Sa isa sa kanyang mga paglalakbay sa St. Petersburg, inanyayahan si Sor sa korte ni Empress Elizabeth Alekseevna, asawa ni Alexander I, na nagpakita ng malaking pabor sa gitarista. Ang kalapitan sa korte ay nangako kay Sora ng napakatalino na mga prospect, at nilayon niyang manatili sa Russia magpakailanman, ngunit napilitang iwanan ito pagkatapos ng pagkamatay ng empress.
Pagkatapos bumalik sa Kanlurang Europa, patuloy na tinamasa ni Sor ang hindi pa nagagawang tagumpay. Ang kanyang awtoridad sa mga gitarista ay napakataas. Gayunpaman, noong 30s ng ika-19 na siglo, ang gitara ay tumigil na maging isang naka-istilong instrumento, at si Sor, bilang isang gitarista at bilang isang kompositor, ay nahulog din sa uso. Noong Hunyo 1839 namatay si Sor, kalahating nakalimutan kahit ng kanyang mga kaibigang musikero.
Ang musika ni Sora ay naging pag-aari ng kasaysayan, marami sa kanyang mga gawa sa gitara ang patuloy na nabubuhay sa entablado ng konsiyerto, at ang kanyang "School for Guitar" (1830) ay itinuturing ng marami bilang ang pinaka-namumukod-tanging gawa sa diskarteng gumaganap ng gitara.

Italya

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Namumukod-tanging Italian virtuoso na gitarista, kompositor, na kinilala ng mga awtoridad gaya nina J. Haydn at L. Beethoven. Ipinanganak malapit sa Naples. Bilang isang bata, natuto siyang tumugtog ng biyolin at plauta, sa parehong oras na itinuro sa sarili na pinagkadalubhasaan niya ang gitara: sa edad na dalawampu't, nakamit na niya ang napakatalino na mga resulta na nakuha niya ang katanyagan ng pinakamahusay na gitarista sa Italya. Mula noong 1800, sinimulan niya ang kanyang aktibidad sa konsiyerto, na unang ginanap sa Italya at Pransya. Noong 1807, pumunta siya sa Vienna para sa mga konsyerto, kung saan ang mga kritiko ng musika ay nagkakaisa na kinilala siya bilang ang pinakadakilang gitarista sa mundo.
Pagkatapos manirahan sa Vienna, kinuha ni Giuliani ang mga aktibidad sa konsyerto at pagtuturo. Kabilang sa kanyang mga kaibigan sina L. Beethoven at J. Haydn, mga violinist na sina L. Spor at I. Maiseder, mga pianista na sina I. Hummel, I. Mosheles at A. Diabelli.
Noong 1816, nilibot ni Giuliani ang Alemanya nang may malaking tagumpay. Noong 1819 nagpakita siya sa Roma sa mga konsyerto kasama sina D. Rossini at N. Paganini.
Pinatunayan ng makikinang na pagtatanghal ni Giuliani at ng kanyang sariling mga konsiyerto para sa gitara at orkestra ang pagkakapantay-pantay ng gitara bilang instrumento ng konsiyerto na may violin, cello at piano. "Little Orchestra" - ganito ang pagkilala ni L. Beethoven sa tunog ng gitara ni Giuliani.
Noong 1821 bumalik si Giuliani sa Italya at nanirahan sa Roma. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, nilibot niya ang Germany, Poland, Russia at England, kahit saan ay nagdulot ng kasiyahan at pagkamangha sa kanyang sining.
Namatay si M. Giuliani noong 1829 sa Naples.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Italyano na gitarista, guro at kompositor. Sa una ay nag-aral siya ng cello. Ang pagkakaroon ng pag-aaral ng gitara sa kanyang sarili, siya ay naging isang propesyonal na gitarista. Ang kanyang magandang tono, kadalisayan at katatasan sa pagtugtog ng gitara ay nagsisiguro sa kanya ng tagumpay sa Naples at pagkatapos ay sa Paris, kung saan siya ay naging paborito ng mga salon. Si Carulli ay nanirahan sa Paris noong 1818. Sa pagkakaroon ng katanyagan ng pinakamahusay na gitarista sa kanyang panahon, ibinahagi niya ang primacy kay Matteo Carcassi at pinanatili ito hanggang sa pagbabalik ni Fernando Sora.
Isang kilalang guro at napakatalino na tagapalabas, si Karulli ay naglathala ng humigit-kumulang tatlong daan sa kanyang mga komposisyon: mga piraso para sa solong gitara, mga konsiyerto para sa gitara at orkestra, mga gawa sa silid, na nakikilala sa pamamagitan ng mataas na instrumental at teknikal na kasanayan. Dalawa sa kanyang mga teoretikal na gawa ay malawak na kinikilala; ito ay ang "School of playing the lyre or guitar" (1810) at isang pag-aaral sa saliw na "Harmony as applied to the guitar" (1825). Ang "School" ni Karulli ay nakakuha ng partikular na katanyagan: dumaan ito sa limang edisyon nang sabay-sabay at nai-publish nang maraming beses pagkatapos ng pagkamatay ng may-akda.

Carcassi Matteo (1792 -1853)

Isa sa pinakasikat na Italian guitarist sa kanyang panahon, kompositor at guro, tagasunod ni F. Carulli. Sa kasaysayan ng gitara siya ay kilala bilang may-akda ng "School of Guitar Playing" (1836) at pedagogical compositions. Ang kanyang mga etudes para sa gitara ay nakaligtas hanggang sa araw na ito, na bumubuo ng materyal sa pagsasanay para sa anumang modernong gitarista at itinuturing na mga klasiko.
Si Matteo Carcassi ay nag-aral ng gitara mula sa murang edad sa kanyang katutubong Italya. Wala pa siyang beinte anyos nang magkaroon na siya ng reputasyon sa Italya bilang isang gitara na birtuoso. Noong 1815 nagsimula siyang magturo ng gitara at piano sa Paris. Sa isang paglalakbay sa konsyerto sa Alemanya noong 1819, nakilala ni Carcassi ang Pranses na gitarista na si Meissonier, na noong 1812 ay nagtatag ng kanyang publishing house sa Paris. Naging malapit na magkaibigan ang dalawang gitarista at inilathala ni Mesognier ang karamihan sa mga gawa ni Carcassi.
Noong 1822 sa London, pagkatapos lamang ng ilang konsiyerto, si Carcassi ay pinag-usapan bilang isang pambihirang gitarista at guro. Hindi nagtagal ay bumalik siya sa Paris, ngunit bumisita sa London bawat taon, kung saan ang kanyang talento sa gitara ay lubos na iginagalang, at kung saan siya ay palaging tinatanggap at iginagalang.
Noong unang lumitaw si Carcassi sa Paris, ang kanyang talento ay sa loob ng ilang panahon ay natabunan ng isa pa, mas senior Italian virtuoso guitarist na si Ferdinando Carulli, ngunit pagkaraan ng ilang taon ay nakamit ni Carcassi ang pagkilala at mahusay na tagumpay. Nagbigay siya ng mga konsyerto taun-taon sa karamihan sa mga pangunahing lungsod ng Europa. Noong 1836, bumalik si Carcassi sa Italya sa maikling panahon, ngunit nanatili ang Paris sa kanyang permanenteng tirahan, hanggang sa kanyang kamatayan noong 1853.

France

Coast Napoleon (Napol Jon Coste / Claude Antoine Jean George Napol Jon Coste 1805 - 1883

Pranses na gitarista at kompositor. Ipinanganak sa Franche-Comte. Dahil napakabata pa niya, sinisimulan na niya ang mga aktibidad ng isang performer at guro. Noong 1830 lumipat siya sa Paris, kung saan nakipagkaibigan siya, na nakatira doon nang sabay-sabay sa kanya, sina F. Sor, D. Aguado, F. Carulli at M. Carcassi, na may malaking impluwensya sa kanyang trabaho. Noong 1856, sa internasyonal na kumpetisyon para sa pinakamahusay na komposisyon at pinakamahusay na instrumento, na inayos sa Brussels ng Russian guitarist na si N. Makarov, natanggap niya ang pangalawang premyo para sa kanyang komposisyon na "Big Serenade".
Si Costa ay isa sa pinakamagaling na French performer noong ika-19 na siglo at kadalasang inihahambing sa Sor. Dahil sa pinsala sa kamay bilang resulta ng isang aksidente, napilitan siyang ihinto ang kanyang aktibidad sa konsiyerto. Ang sariling gawa ni Costa ay medyo maliit, ngunit nagpapatotoo sa isang hindi pangkaraniwang talento sa pag-compose. Sumulat siya ng mga 70 piraso para sa gitara: waltzes, variations, "Concert Rondo", "Big Serenade", cycle "Autumn Leaves", "25 Etudes" (op. 38), mga piraso para sa oboe at gitara, atbp. Sa kanyang kahit maliit ang mga piraso ay palaging nakadarama ng maayos na pagkakaisa at orkestra polyphony.
Ang isang bago, binago at pinalaki na edisyon ng Sora's School for Guitar ay nauugnay din sa pangalan ni Costa, kung saan isinama ni Costa ang isang transkripsyon ng suite ni Robert de Wiese. Namatay siya sa Paris.

Gitara sa Russia

Ang kasaysayan ng gitara sa Russia ay kawili-wili at napaka orihinal.
Sa pag-unlad nito, dumaan ito sa humigit-kumulang sa parehong mga yugto tulad ng sa mga bansa sa Kanlurang Europa.
Isinulat ng mananalaysay na Ruso na si N. Karamzin na noong ika-6 na siglo ang mga Slav ay gustung-gusto na tumugtog ng cithara at alpa, hindi humiwalay sa kanila kahit na sa malupit na mga kampanyang militar. Pinatugtog sa Russia at ang four-string guitar.
Noong 1769, isinulat ni Academician Shtelin ang tungkol sa hitsura sa panahon ng paghahari ni Empress Elizabeth ng Italian five-string na gitara, kung saan nai-publish ang mga espesyal na magazine ng musika.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, lumilitaw ang isang anim na kuwerdas na gitara sa Russia... Sa lalong madaling panahon ito ay naging tanyag sa lahat ng antas ng pamumuhay. Ang mga unang Paaralan ng pagtugtog ng instrumentong ito at iba't ibang edisyong pangmusika ay nai-publish. Ang pinakamatandang paaralan na inilathala sa Russia ay ang Improved Guitar School for Six Strings, o A Guide to Playing a Self-Taught Guitar ni Ignatius von Geld. Nai-publish ito sa simula ng ika-19 na siglo sa Russian at German.
Sa parehong panahon sa St. Petersburg inilathala ang "Etudes" at "Four Sonatas" para sa piano at anim na string na gitara ng sikat na birtuoso, kompositor at guro na si P. Galyani, "Bagong magazine para sa anim na string na gitara" A. Berezovsky, " Konsiyerto para sa anim na string na gitara na sinamahan ng orkestra" kompositor na si Ashanin (1815).
Noong 1821 - 1823 sa Moscow at Nizhny Novgorod, binuksan ang "Musical academies", kung saan natutong tumugtog ng gitara ang mga kabataang lalaki at babae. Ang mga natitirang Russian virtuoso guitarist ay lumitaw - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (c. 1791-1837)

Russian virtuoso guitarist at guitar composer. Nag-aral siya ng gitara sa ilalim ng S. N. Aksenov. Siya ay mahilig sa mga klasiko, lalo na si Bach, na ang mga fugues ay sinubukan niyang ilipat para sa gitara. Ito ay makikita sa seryoso at marangal na istilo ng kanyang mga komposisyon sa gitara: karamihan ay mga pantasya at mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng katutubong Ruso (mga cycle ng 4-5 na mga pagkakaiba-iba, na naka-frame ng "mga headpieces" at "mga pagtatapos"), mayroon ding mga pagsasaayos para sa gitara ng V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (kung kanino malapit ang musikero) at iba pa. Sa mga ito, 83 ang nai-publish; inilathala din ang kanyang "Practical and theoretical school for the guitar" (1836).

Makarov Nikolay Petrovich (1810-1890)

Russian guitar virtuoso, isang aktibong propagandista ng sining ng gitara.
Ipinanganak sa lungsod ng Chukhloma, lalawigan ng Kostroma. Ginugol niya ang kanyang pagkabata sa mga estates ng M.P. Volkonskaya. Naglingkod siya bilang isang opisyal sa hukbo.
Siya ay tumugtog ng biyolin mula pagkabata. Sa dalawampu't walo, naging interesado siya sa gitara at, nagsasanay ng sampu hanggang labindalawang oras sa isang araw, sa lalong madaling panahon ay nakamit niya ang makabuluhang tagumpay.
Ang unang konsiyerto ni Makarov ay naganap noong 1841 sa Tula, sa bulwagan ng Nobility Assembly, kung saan nilaro niya ang unang bahagi ng ikatlong konsiyerto ni Giuliani.
Noong 1852, nagpunta si Makarov sa ibang bansa, kung saan nakilala niya ang pinakamalaking gitarista sa Europa: Tsani de Ferranti, Carcassi, Costa, Mertz, master ng gitara na si Scherzer. Noong 1856 inorganisa niya sa Brussels ang I International Competition para sa pinakamahusay na komposisyon para sa gitara at ang pinakamahusay na instrumento, kung saan gumanap siya bilang isang soloista na may mahusay na tagumpay. Ang 1st prize para sa pinakamahusay na komposisyon ay napunta kay J.K. Mertz, 2nd - kay N. Kost, 1st prize para sa pinakamahusay na instrumento - Austrian master I. Scherzer, 2nd - Russian master I. Arhuzen. Namatay si N. Makarov sa nayon ng Funtikovo-Rozhdestvenskoe, Rehiyon ng Tula.

Sokolovsky Mark Danilovich (1818-1883)

Ipinanganak sa Ukraine malapit sa Zhitomir. Natuto siyang tumugtog ng gitara sa kanyang sarili, sa Giuliani, Leniani at Mertz Schools.
Noong 1841 nagbigay siya ng kanyang unang recital sa Zhitomir, kung saan ginanap niya ang Concerto sa E minor ni F. Karulli. Noong 1846 nagbigay siya ng isang recital sa bulwagan ng Noble Assembly. Naging matagumpay ang konsiyerto at dinaluhan ng mahigit isang libong tao.
Noong 1858 nagpunta si Sokolovsky sa ibang bansa. Ang kanyang mga konsiyerto ay gaganapin sa Vienna na may malaking tagumpay. Noong 1863-1868, gumawa siya ng matagumpay na paglilibot sa mga pangunahing lungsod sa Europa: Paris, London, Berlin, Brussels, Dresden, Milan, Krakow, Warsaw. Tinatawag nila siyang "Great Artist" sa Germany, "Paganini Guitars" - sa England, "Kosciuszko Guitarists" - sa Poland.
Noong Enero 25, 1869, si Sokolovsky ay nagbigay ng isang konsiyerto sa masikip na bulwagan ng Bolshoi Theater. Ang kanyang paalam na konsiyerto (dahil sa sakit) ay naganap noong 1877 sa St. Petersburg, sa bulwagan ng Court Singing Chapel.
Ginugol ni Sokolovsky ang mga huling taon ng kanyang buhay sa Vilna (Vilnius), na nakikibahagi sa mga aktibidad sa pagtuturo. Isang malaking dagok para sa kanya ang pagtanggi ni N. Rubinstein na magbukas ng klase ng gitara sa Moscow Conservatory.
Namatay si Mark Sokolovsky noong 1883 sa Vilna at inilibing sa sementeryo ng Rasu sa Vilna; hindi malayo mula dito ay inilibing ang sikat na Lithuanian artist at kompositor na si Mikaelius Konstintinis Čiurlionis.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Ipinanganak sa lalawigan ng Samara. Isang estudyante ng sikat na Russian guitarist na si I. Dekker-Schenk.
Matagumpay na nakapagbigay ng mga konsiyerto sa St. Petersburg at iba pang mga lungsod ng Russia. Noong 1900 nagtanghal siya kasama ang Orchestra ng Russian Folk Instruments V.V. Andreev sa Paris, sa World Exhibition. Binanggit ng press ang malaking tagumpay ng artista. Si Lebedev ang unang tagapalabas ng bahagi ng gitara sa Quartet ni N. Paganini para sa Guitar, Violin, Viola at Cello. Nagturo siya sa St. Petersburg sa Pedagogical Museum at sa mga bahagi ng distrito ng militar. Namatay siya sa St. Petersburg.

Tanggihan

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay nakita ang pagbaba ng sining ng gitara. Nang maabot ang buong pamumulaklak nito, ang opera, symphonic at instrumental na musika ay nagtulak sa gitara sa background at naantala ang pag-unlad nito sa loob ng maraming dekada. Ngunit ang philistine fashion at panlasa, na lumaganap sa lahat ng saray ng lipunan, ay higit na nag-ambag dito. Ayon sa makasagisag na pagpapahayag ng Segovia, ang pinakadakilang gitarista ng ika-20 siglo, "ang gitara ay nakabitin sa mga dingding ng mga tagapag-ayos ng buhok", ang pangunahing layunin nito ay isang primitive na saliw sa mga kanta at romansa, ang mga musikero ay tumigil sa pagsasaalang-alang sa gitara bilang isang seryosong instrumento. Maraming mga lumang tradisyon ang nawala, hindi mabilang na bihirang mga tala at manuskrito ang nawala; Ang mga mahuhusay na performer at kompositor ay naging mas kaunti - ang pagiging baguhan at kamangmangan ay nanaig sa sining ng gitara.
Ang pagtanggi ay kumalat sa lahat ng mga bansang Europeo, ngunit mas mababa kaysa sa iba ang naantig nito sa Espanya, kung saan nagsimula ang isang bagong renaissance ng gitara.
Ang musikero na nagbalik ng magandang pangalan sa gitara at itinaas ang sining nito sa isang bago, hindi pa nagagawang taas hanggang sa panahong iyon, ay si Francisco Eshea Tarrega, isang natatanging Spanish guitar virtuoso, kompositor, tagapagtatag ng modernong paaralan ng pagtugtog ng gitara.

Pagkabuhay-muli

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Natitirang Spanish virtuoso guitarist at composer, tagapagtatag ng Spanish school of guitar playing. Ipinanganak noong Nobyembre 21, 1852, namatay noong Disyembre 5, 1909. Siya ay tumutugtog ng gitara mula pagkabata. Ang mga kakayahan sa musika ni Tarrega ay nakakuha ng pansin, at sa suporta ng isang mayamang pamilya, nagawa niyang pumunta sa Madrid at noong Oktubre 1874 ay pumasok sa konserbatoryo, kung saan siya ay nagtapos nang mahusay sa dalawang specialty - piano at komposisyon. Sa kabila ng kanyang mahusay na mga kasanayan sa pianist, ginusto ni Tarrega ang gitara, kung saan napabuti niya nang husto na nagpasya siyang magbigay ng kanyang sariling konsiyerto sa Alhambra theater sa Madrid. Ang napakalaking tagumpay na sinamahan ng pagtatanghal na ito sa wakas ay nalutas ang isyu - si Tarrega ay naging isang gitarista. Ang mga paglalakbay sa konsyerto sa France, Italy, Austria, Holland at iba pang mga bansa ay nakumpirma ang natitirang mga kakayahan ng gitarista. Inihambing ng press si Tarrega sa mga pinakadakilang kontemporaryong performer - ang violinist na si Pablo de Sarasate at ang pianist na si Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Augustine (Agustin Barrios Mangore 23.05.1885-7.08.1944)

Ang napakatalino na Paraguayan guitarist virtuoso, na ang kahalagahan ay lubos na pinahahalagahan halos 50 taon pagkatapos ng kanyang kamatayan. Ipinanganak sa isang pamilya ng mga musikero, kung saan, bilang karagdagan kay Augustine, mayroong pitong higit pang mga bata. Maaga siyang nagsimulang tumugtog ng gitara. Ang unang guro ay si Gustavo Escalda, na nagpakilala sa batang gitarista sa mundo ng musika nina Sora, Tarrega, Aguado at iba pang mga kompositor, na ang mga gawa ay naging batayan ng tradisyonal na repertoire ng gitara. Sa edad na 13, napansin ang kahanga-hangang talento ng bata, na ipinakita na sa maraming lugar (mahusay siya sa pagguhit, may kamangha-manghang mga kakayahan sa matematika at talento sa panitikan), ipinadala siya upang mag-aral sa National College sa Asuncion.
Noong 1910, si Barrios, na noong panahong iyon ay kilala na bilang isang birtuoso na gitarista, ay umalis sa Paraguay at pumunta sa Argentina. Sa susunod na 34 na taon, nilibot niya ang kontinente ng Timog Amerika, na nagbibigay ng mga konsiyerto sa mga lungsod ng Argentina, Uruguay, Brazil, Venezuela, Costa Rica at El Salvador. Bumisita rin siya sa Chile, Mexico, Guatemala, Honduras, Panama, Colombia, Cuba at Hawaii. Sa pagitan ng 1934 at 1936 naganap ang kanyang paglalakbay sa Europa - naglaro siya sa Espanya, Alemanya at Belgium.
Noong 1932, si Barrios mismo ay nagsimulang tumawag sa kanyang sarili na "Nitsuga Mangori - Paganini guitars" (Nitsuga ay ang reverse reading ni Augustine, at Mangori ang pangalan ng maalamat na pinuno ng Guarani Indians). Sa bandang kalagitnaan ng 30s, nagkaroon si Barrios ng mga problema sa kalusugan - hindi na siya pinahintulutan ng masamang puso na gumawa ng mahaba at mabigat na paglalakbay sa konsiyerto. Ginugol niya ang mga huling taon ng kanyang buhay sa San Salvador, ang kabisera ng maliit na estado ng Central America ng El Salvador, pagtuturo at pag-compose ng musika, paminsan-minsan lamang nagbibigay ng mga recital ng gitara.
Si Mangori ay hindi lamang isang namumukod-tanging performer, ngunit isa ring kompositor, na nagmamay-ari ng higit sa 300 mga gawa para sa gitara, na marami sa mga ito ay niraranggo na ngayon sa mga pinakamahusay na gawa na isinulat para sa solong gitara.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Natitirang Brazilian na kompositor, connoisseur ng musical folklore, conductor, guro. Ipinanganak noong Marso 5, 1887, namatay noong Nobyembre 17, 1959. Kumuha ng mga aralin mula kay F. Braga. Noong 1905-1912 naglakbay siya sa buong bansa, nag-aral ng katutubong buhay, musikal na alamat (naitala ang higit sa 1000 katutubong melodies). Mula noong 1915 ay gumanap na siya sa mga konsiyerto ng may-akda.
Noong 1923-30. pangunahing nanirahan sa Paris, nakipag-ugnayan sa mga kompositor na Pranses. Noong 30s, gumawa siya ng maraming trabaho sa pag-aayos ng isang pinag-isang sistema ng edukasyon sa musika sa Brazil, nagtatag ng isang bilang ng mga paaralan ng musika at mga grupo ng koro. Si Vila-Lobos ang may-akda ng mga espesyal na aklat-aralin ("Practical Guide", "Choral Singing", "Solfeggio", atbp.), ang theoretical work na "Musical Education". Gumanap din siya bilang isang konduktor at nag-promote ng musikang Brazilian sa bahay at sa ibang mga bansa. Natanggap niya ang kanyang edukasyon sa musika sa Paris, kung saan nakilala niya si A. Segovia at kung kanino niya inilaan ang lahat ng kanyang komposisyon para sa gitara. Ang mga komposisyon ng Vila-Lobos para sa gitara ay may malinaw na pambansang karakter, ang mga modernong ritmo at harmonies sa mga ito ay malapit na magkakaugnay sa mga orihinal na kanta at sayaw ng mga Brazilian na Indian at Negro. Pinuno ng pambansang paaralan ng pagbubuo. Pinasimulan ang paglikha ng Brazilian Academy of Music (1945, presidente nito). Bumuo ng isang sistema ng edukasyong pangmusika para sa mga bata. Sumulat ng 9 na opera, 15 ballet, 20 symphony, 18 symphonic na tula, 9 na konsyerto, 17 string quartets; 14 "Shoros" (1920-29), "Brazilian Bachians" (1944) para sa mga instrumental na ensemble, hindi mabilang na mga koro, mga kanta, musika para sa mga bata, mga pagsasaayos ng mga sample ng alamat, atbp. - higit sa isang libo sa mga pinaka magkakaibang komposisyon.

Segovia Andres (1893-1987)

Namumukod-tanging Espanyol na gitarista at guro. Ipinanganak sa Andalusia, sa lungsod ng Linares, noong Pebrero 21, 1893, at pagkaraan ng ilang linggo lumipat ang pamilya sa Jaén. Ang kahanga-hangang sining ng improvisasyon ng mga katutubong gitarista ng Andalusia at ang natatanging kultura ng sinaunang lupaing ito ay lubos na nakaimpluwensya sa kanyang pang-unawa sa mundo.
Noong 1910, ang unang pampublikong konsiyerto ni Andrés Segovia, na inayos ng kanyang mga kaibigan, ay naganap sa Granada Art Center.
Noong 1915, nakilala ni Segovia ang gitarista na si Miguel Llobet, salamat sa kung kanino siya nakapagbigay ng konsiyerto sa Barcelona noong Enero 1916. Gayunpaman, hindi nila hinangad na ipasok ang gitara sa malalaking bulwagan. Hindi siya sikat na instrumento, at naniniwala ang lahat na hindi sapat ang lakas ng kanyang tunog, at hindi siya maririnig sa isang malaking silid.
Ang isang pagbabago sa kapalaran ng gitara ay isang konsiyerto sa Palau Palace of Chamber Music sa Barcelona, ​​​​kung saan sa wakas ay nakatanggap si Segovia ng pahintulot na magtanghal. Literal na nabighani sa mga nakikinig ang kagandahan ng tunog ng acoustic guitar.
Ang karagdagang tagumpay ng Segovia ay pinadali ng kapaligiran ng Renasimiento, isang kilusan para sa muling pagkabuhay ng mga katutubong tradisyon sa musika at kultura ng Espanya. Sa susunod na anim na taon, ang gitarista ay nanalo ng pagkilala para sa kanyang instrumento hindi lamang sa mga bulwagan ng konsiyerto ng Madrid at Barcelona, ​​​​kundi pati na rin sa iba pang mga lungsod ng Espanya. Dito dapat idagdag ang tagumpay ng dalawang paglalakbay sa Timog Amerika noong 1919 at 1921.
Ang 1920s ay minarkahan ang pagsilang ng isang bagong panahon sa sining ng gitara at ang simula ng pagkilala sa mundo ng Segovia. Ang bawat pagganap ng Segovia ay itinuturing na isang himala, bilang isang pagtuklas ng isang bagong bagay. Sinikap niyang madaig ang mga stereotype at itatag ang gitara bilang solong instrumento.
Tatlong beses, noong 1926, 1927, 1935-1936, dumating siya sa USSR at nagbigay ng mga konsiyerto na may hindi nagbabagong tagumpay sa Moscow, Leningrad, Kiev at Odessa. Si Segovia ay gumanap hindi lamang sa mga konsyerto, ngunit nakipagkita din sa mga lokal na gitarista, nakinig sa kanilang pag-play, nagsagawa ng mga metodolohikal na pag-uusap at bukas na mga aralin. Naapektuhan din nito ang pag-unlad ng sining ng gitara sa Unyong Sobyet: pagkatapos ng paglilibot, maraming mga propesyonal na musikero ang nagsimulang tumingin sa gitara bilang isang instrumento na karapat-dapat sa seryosong pag-aaral. Ang kinahinatnan ay ang pagbubukas ng mga klase ng gitara sa mga kolehiyo ng musika (noon ay mga teknikal na paaralan), gayundin sa mga indibidwal na unibersidad ng musika. Ang isang masigasig na tagasunod ng Segovia ay si PS Agafoshin, na siyang una sa USSR na lumikha ng Six-String Guitar School, batay sa mga patnubay na pamamaraan ng natitirang gitarista. Kaya, si Segovia ay hindi lamang isang artista, kundi isang aktibong tagataguyod ng kanyang instrumento.

Gitara sa Russia 2

Agafoshin Peter (1874-1950)

Isang kahanga-hangang Russian guitarist, isa sa mga unang guro ng six-string guitar. P.S. Si Agafoshin ay ipinanganak sa nayon ng Pirogovo, lalawigan ng Ryazan, sa isang pamilyang magsasaka. Namana niya ang hilig niya sa gitara mula sa kanyang ama (orihinal na tumutugtog siya ng seven-string guitar). Ang paglipat sa Moscow, pinahusay ni Pyotr Agafoshin ang paglalaro ng kanyang paboritong instrumento sa kanyang sarili, paminsan-minsan lamang na gumagamit ng payo ng mga guro, na kung saan ay si V. Rusanov, editor ng Moscow magazine na "Guitarist. Ang isang mahalagang papel sa artistikong pag-unlad ng Agafoshin ay nilalaro. sa pamamagitan ng kanyang pakikipagkaibigan sa mga artist na sina VISurikov at DE. Martin, madamdaming tagahanga ng gitara. Lumahok bilang isang performer sa maraming mga konsiyerto. Sinamahan ang mga natatanging mang-aawit na sina F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Ang pagkilala sa mga sining ni Agafoshin ay isang imbitasyon upang lumahok sa opera ng Massenet na "Don Quixote" sa Bolshoi Theater noong 1916 taon, kung saan sinamahan niya si F.I. Chaliapin.
Ang pagpupulong noong 1926 kay Segovia ay nagbigay inspirasyon kay Agafoshin. Hindi niya pinalampas ang isang konsiyerto ng Espanyol na artista, personal niyang nakilala ito. "Pagkatapos ng pag-alis ng Segovia," isinulat ni Agafoshin, "agad akong muling itinayo, ginawa ang mga kinakailangang pagsasaayos sa aking pagganap, sa mga diskarte sa paglalaro. Samakatuwid, ang aking karagdagang mga obserbasyon sa kanyang pagganap ay mas produktibo, maaari kong ituon ang mga ito sa mga indibidwal na sandali at mga detalye ng kanyang pagganap, lalo na ang mga piraso na nasa proseso ng aking pag-aaral."
P.S. Si Agafoshin ay nagtrabaho nang higit sa 40 taon bilang isang orkestra artist sa State Maly Theatre. Noong 1930-1950, nagturo siya ng kursong gitara sa Musical College. Rebolusyong Oktubre at ang Moscow State Conservatory. Maraming mga sikat na gitarista ng Sobyet ang kanyang mga mag-aaral (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov at iba pa).

Alexander Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Natitirang Russian Soviet guitarist, kompositor, conductor, guro, may-akda ng Six-String Guitar School, isa sa ilang mga Sobyet na musikero-guitarist na iginawad ang titulong Honored Artist ng RSFSR (1959). Ipinanganak noong Hulyo 26, 1912 sa Moscow. Nag-aral sa October Revolution Music College sa ilalim ng Pyotr Spiridonovich Agafoshin (six-string guitar), pagkatapos ay sa Moscow Conservatory (advanced na mga kurso sa pagsasanay). Malaki ang papel niya sa pagbuo ng anim na string na gitara sa Russia.
Siya ay gumanap bilang isang soloista at sa isang grupo kasama ang mga mang-aawit (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Mula noong 1932 nagtrabaho siya sa All-Union Radio. Noong 1939 natanggap niya ang 2nd prize sa All-Union Competition of Performers on Folk Instruments. Noong 1939-45. Konduktor ng Song and Dance Ensemble ng NKVD ng USSR. Noong 1947-52, konduktor ng Russian Folk Choir at ang Orchestra of Folk Instruments ng All-Union Radio.
May-akda ng mga piraso at paaralan para sa anim na string na gitara. Ang kanyang mga gawa sa gitara (kabilang ang dalawang konsyerto para sa gitara at orkestra) ay napakapopular sa mga gitarista.
Ang aktibidad ng pedagogical ni A.M. Ivanov-Kramskoy ay nagpatuloy sa Academic Music School sa Moscow Conservatory, kung saan mula 1960 hanggang 1973 pinamunuan niya ang klase ng gitara, na nagsanay ng maraming mahuhusay na musikero. Pagkatapos ay nagturo siya sa Institute of Culture.
Si Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy ay isang kilalang musikal at pampublikong pigura na itinalaga ang lahat ng kanyang lakas sa pagtataguyod ng sining ng gitara. Matapos ang maraming taon ng pagkalimot, salamat sa isang natatanging tagapalabas at guro, ang gitara ay nabawi ang katayuan ng isang propesyonal na instrumento ng konsiyerto at nagsimulang ituro sa pangalawa at mas mataas na mga institusyong pangmusika ng bansa. Namatay si A.M. Ivanov-Kramskoy sa Minsk sa paglilibot. Siya ay inilibing sa Moscow sa sementeryo ng Vvedenskoye.

Komolyatov Nikolay (b. 1945)

Isa sa mga pinakamahusay na kontemporaryong Russian guitarist-performer, guro. Ipinanganak noong 1945 sa lungsod ng Saransk, noong 1962-70. nag-aral sa paaralan, at pagkatapos ay sa Institute. Ang Gnesins sa klase ng kilalang Russian guitarist na si A.M. Ivanov-Kramskoy. Nagtapos mula sa Ural State Conservatory. M.P. Mussorgsky. Mula noong pagbubukas ng klase ng gitara sa Russian Academy of Music. Nagtatrabaho si Gnessin bilang isang guro, na naghanda ng maraming mga nanalo sa iba't ibang mga kumpetisyon sa mga nakaraang taon. Siya ay kasalukuyang propesor ng klase ng gitara sa Russian Academy of Music. Gnesins.
Noong 1996 siya ay naging isang laureate ng isang internasyonal na kumpetisyon sa pagdiriwang ng sining ng Latin America. Siya ang unang performer ng maraming mga gawa ng mga kontemporaryong kompositor. Ang firm na "Melodiya" ay naglabas ng dalawang solo disc ng performer. Ang unang disc ay binubuo ng mga pag-aaral at preludes ni E. Vila-Lobos, at ang pangalawa ay kasama ang mga gawa ni P. Panin (Dalawang pag-aaral, dalawang preludes, Sayaw ng Shaman at Humoresque) at I. Rekhin's suite na "In memory of E. Vila -Lobos".
Sa mga pagsusuri ng mga konsiyerto ni N. Komolyatov, binanggit ng press ang kayamanan ng timbre ng kanyang instrumento at virtuoso technique, biyaya at kahusayan ng artistikong panlasa ng musikero.
Para sa mga natitirang tagumpay sa larangan ng sining ng gitara N. Komolyatov ay iginawad ang pamagat ng Pinarangalan na Artist ng Russia. Sa loob ng higit sa 25 taon siya ay isang soloista ng Moscow State Philharmonic Society.

ErzunovV Victor (b. 1945)

Gitara, kompositor, guro ng musika. Ipinanganak noong 1945 sa Saransk. Namatay si tatay sa harapan. Ang kakayahan sa musika ay nagpakita ng maaga, ngunit walang pagkakataong matuto.
Nagsimula siyang matutong maglaro lamang sa edad na 17, sa bakuran. Nasiyahan sila sa tatlong pangunahing chord ... Ang naging punto ay ang kakilala kay Nikolai Komolyatov, ang tanging tao sa Saransk na nag-aral kay Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Naaalala ko pa ang unang prelude ng Vila-Lobos, na kanyang nilalaro noong una naming pagkikita.
At pagkatapos ay nagpatuloy ang pagsasanay sa tulong ng isang manu-manong pagtuturo sa sarili para sa pagtugtog ng gitara at "sa pamamagitan ng sulat". Si Nikolai Komolyatov, na noon ay nagsilbi bilang isang mandaragat at naglaro sa ensemble ng Pacific Fleet, ay naitala sa isang tape recorder sa kanyang sariling pagganap ang mga piraso na mayroon si Victor, at ipinadala ang mga ito sa pamamagitan ng koreo mula sa Vladivostok. Kaya, "sa pamamagitan ng tainga", naunawaan niya ang mga tala, naglalaro sa modelo ng kanyang malayong guro. Noong 1963, pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, nagtrabaho siya bilang isang assembly fitter sa planta ng Elektrovypryamitel. Nagawa niyang tumugtog ng gitara kahit sa oras ng tanghalian, at pagkatapos ng trabaho - hanggang sa dilim ng gabi. Ako mismo ang naghanda ng programa para sa pagpasok sa paaralan ng musika. Hindi ako nakarating sa paaralan sa Moscow Conservatory, dahil ayon sa utos ng Ministri ng Kultura sa taong iyon ay nagkaroon ng recruitment ng mga mag-aaral mula sa Kazakhstan at Uzbekistan. Ngunit sa parehong taon, isang maliit na klase ng anim na string na gitara ang binuksan sa Gnessin School sa departamento ng mga katutubong instrumento. Sa tatlumpung aplikante, dalawa ang tinanggap. Ang isa sa kanila ay si Viktor Erzunov. Pagkatapos ng 3.5 buwan ng pag-aaral, si Viktor ay na-draft sa hanay ng Soviet Army, kung saan nagsilbi siya sa isang yunit ng labanan sa loob ng tatlong taon. Sa pagbabalik sa paaralan, nag-aral siya ng sampung oras sa isang araw para makahabol. Kasabay nito, sinimulan niyang makuha ang kanyang unang karanasan sa pedagogical. Ako mismo ang pumili ng repertoire para sa mga mag-aaral upang maitanim sa kanila ang magandang lasa ng musika.
Ang guro ni V. Erzunov na si Boris Khlopovsky ay naglaro sa Moskontsert at inirekomenda ang kanyang pinakamahusay na estudyante para sa isang trabaho sa pagtuturo. Ang bakanteng posisyon ng isang guro ng gitara ay gaganapin sa loob ng anim na buwan para kay Viktor Alekseevich habang tinatapos niya ang kanyang pag-aaral. Noong 1971 nagsimula siyang magtrabaho sa Musical College. Gnesins. Kasabay nito, sa imbitasyon ni Marina Davydovna Khidekel, binuksan niya ang isang klase ng gitara sa Chernogolov Art School.
Ang mga unang piraso na pagmamay-ari ng isang mature master, na pinili pagkatapos ng maraming taon ng pagsubok sa oras, ay nai-publish noong 1989 sa "Collection of Pedagogical Repertoire for Guitar" kasama ang mga gawa ng mga classic. Inilabas din ang isang ganap na koleksyon ng may-akda ng sariling komposisyon ni Viktor Erzunov na "The Guitarist's Album" para sa mga paaralan ng musika ng mga bata.

Vinitsky Alexander
(b. 1950)

Ruso na gitarista, kompositor, guro ng musika. Nagwagi sa mga internasyonal na kumpetisyon. Nagtapos ng Russian Academy of Music. Gnesins. Nagtuturo sa State Musical College na pinangalanang V.I. Gnesins classical guitar, gumaganap sa mga recital, nagsusulat ng musika para sa gitara, nagsasagawa ng mga seminar at master class sa paksang "Classical guitar in jazz". Nakikilahok sa mga internasyonal na pagdiriwang ng musika ng gitara at jazz, matagumpay na gumaganap sa ibang bansa at sa malalaking lungsod ng Russia. Sa mga programa ng konsiyerto ni Alexander Vinitsky, ang mga komposisyon ng may-akda ay nilalaro, pinagsasama ang iba't ibang mga estilo, pati na rin ang mga pag-aayos ng musika ni Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rogers at iba pang mga kompositor. Nag-record ng 7 disc. Inilalathala niya ang kanyang mga gawa sa mga pangunahing publisher ng musika sa buong mundo. Ilang beses siyang naging chairman at miyembro ng hurado ng mga internasyonal na kumpetisyon sa klasikal na gitara sa France, Poland, Russia.

Frauchi Alexander (b. 1954)

Isa sa mga pinakamahusay na Russian classical guitarists-performer. Ipinanganak sa Rostov noong 1954. Sinimulan niyang gawin ang kanyang mga unang hakbang sa musika sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama, si Kamill Arturovich Frauchi, isang sikat na biyolinista at, tulad ng sinasabi nila, isang kahanga-hangang gitarista at guro. Nag-aral sa Central Music School sa Conservatory na pinangalanan Tchaikovsky sa Moscow sa klase ng N. A. Ivanova-Kramskoy at sa Conservatory. Mussorgsky sa Sverdlovsk kasama si G. Mineev. Noong 1979 nanalo siya ng unang gantimpala sa pambansang kumpetisyon ng musika ng mga performer sa Leningrad, at noong 1986 - unang premyo sa International Competition para sa mga Guitarist sa Havana (Cuba). Nagtanghal sa mga recital at nagturo ng mga master class sa Germany, France, Belgium, Great Britain, USA, Austria, Italy, Yugoslavia, Poland, Cuba, Hungary, Czech Republic, Bulgaria, Turkey at Greece. Si Alexander Frauchi ay paulit-ulit na inanyayahan bilang isang miyembro ng hurado sa mga internasyonal na kumpetisyon sa gitara. Ang isang disc ay inilabas sa kumpanya na "Melodiya", pati na rin ang isang CD-disk (1994) kasama ang pag-record ng mga gawa ni Nikita Koshkin.
Pinarangalan na Artist ng Russia, guro ng musika, propesor ng Russian Academy of Music (dating Gnessin Institute of Music and Pedagogy) sa Moscow.

Ang pinagmulan ng gitara ay nawala sa kadiliman ng mga siglo: hindi alam ng mga siyentipiko kung kailan at saan ito nanggaling. Ang makasaysayang landas ng pag-unlad ng gitara ay maaaring nahahati sa limang yugto, na tatawagin kong pagbuo, pagwawalang-kilos, muling pagsilang, pagtanggi at kasaganaan.

Sa panahon ng pagbuo nito sa kultura ng Europa noong XI-XIII na siglo, pinalitan ng gitara ang maraming mga instrumento ng string, lalo itong minamahal sa Espanya. Dagdag pa, nagsimula ang panahon ng pagwawalang-kilos para sa gitara, na nagsimula pagkatapos dalhin ang Arab lute sa Europa. Sa loob ng apat na buong siglo, karamihan sa mga musikero sa Europa, na dinala ng lute (kung saan nilikha ang isang malawak na repertoire), nakalimutan ang tungkol sa gitara. Gayunpaman, ang mga tunay na tagasuporta ng gitara ay natutong tumugtog ng lute repertoire, ginamit, sa isang banda, ang mga katangiang pamamaraan ng pagtugtog ng instrumentong ito, at, sa kabilang banda, ang mga pakinabang ng gitara mismo, na binubuo ng higit na kadalian ng pagganap dahil sa mas manipis at mas mahabang leeg at mas kaunting mga string. Bilang resulta, nagsimula ang proseso ng muling pagkabuhay ng gitara noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Noong ika-19 na siglo, maraming musikero ang umibig sa instrumentong ito at naunawaan ang kaluluwa nito. Ang musika para sa gitara ay isinulat ni F. Schubert, K. Weber, G. Berlioz at iba pa. Niccolo Paganini (1782-1840) ay lumikha ng isang makabuluhang bilang ng mga komposisyon para sa gitara at sa kanyang paglahok (kanyang Anim na sonatina para sa violin na may saliw ng gitara). Lumitaw ang mga performer at kompositor na nag-alay ng kanilang buhay sa gitara, halimbawa, F. Carulli (1770-1841), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853) sa Italy. Sa Espanya - F. Sor (1788-1839) at F. Tarrega (1852-1909), na nararapat na tinawag na mga klasiko ng sining ng gitara. Sa hinaharap, ang tradisyon ay ipinagpatuloy ni M. Llobet (1875-1938), E. Pujol (1886-1980) at lalo na ang dakilang Espanyol na gitarista noong ika-20 siglo na si Andres Segovia (1893-1987), na kinuha ang gitara mula sa ang salon sa pinakamalaking yugto sa mundo.

Sa Russia, sapat na nakakagulat, ito ay mula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo na ang pagbaba ng sining ng gitara ay naging maliwanag. Ang mga klase ng gitara ay sarado sa mga institusyong pang-edukasyon sa musika, na sa oras na iyon ay laganap lamang salamat sa mga aktibidad ng Russian Musical Society. Ang pag-aaral ng gitara ay nakatuon sa mga kamay ng mga pribadong guro, at ang mga nakakaantig na tunog nito ay madalas na maririnig mula sa mga tavern, at pinakamahusay na mula sa mga salon at garden pavilion. Sa pagliko lamang ng XIX-XX na mga siglo sa Russia nagsimula ang isang muling pagkabuhay ng isang seryosong saloobin sa gitara, at pagkatapos ay ang unti-unting pag-unlad ng pagganap ng gitara. Ito ay higit sa lahat dahil sa paglilibot ni Andres Segovia sa Russia, na nakumbinsi ang aming mga tagapakinig na ang gitara bilang instrumento sa konsiyerto ay kapantay ng violin, cello, at piano. Ang mga kasamang Ruso ng master ng Espanyol na si Peter Agafoshin at ang kanyang mag-aaral na si Alexander Ivanov-Kramskoy sa maraming paraan ay nag-ambag sa pag-alis ng gitara mula sa buhay ng pilisteo sa larangan ng musikal at akademikong sining. Kaya nagsimula ang isang bagong panahon sa Russia - isang panahon ng masinsinang pagbuo at pag-unlad ng akademikong (solo at ensemble) na pagganap ng gitara. Ang mga tagumpay ng musikang gitara ng Russia ay nakakumbinsi na napatunayan ng gawain ng mga gitarista ng konsiyerto - mga nagtapos sa mga unibersidad ng musika sa Russia.

Kasama ang hindi mapag-aalinlanganan na mga tagumpay ng modernong paaralan ng pagtugtog ng gitara ng Russia sa lugar na ito, naipon namin ang maraming talamak na hindi nalutas na mga problema - parehong musikal at masining, pati na rin ang sikolohikal at pedagogical, teknolohikal, kahit na sociocultural. Marahil ang pinaka kapana-panabik ay ang kakulangan ng mataas na kwalipikado, propesyonal na paglalaro at, higit pa rito, malikhaing pag-iisip ng mga guro. Oo, ang pamana ng mga domestic guitarist ay isang bilang ng mga performing school na nilikha ng mahuhusay na mentor, seryosong tagapagturo ng mga kabataan, at mahuhusay na musikero. Kilalang-kilala ang kanilang mga pangalan. Ito ay M. Karkassi, A. Ivanov-Kramskoy, E. Larichev, V. Yashnev, B. Volman, P. Veshitsky, P. Agafoshin, V. Kiryanov at iba pa. Ang malikhaing gawain at paaralan ni E. Pujol, na nag-aral sa ilalim ng dakilang F. Tarrega, ay nararapat na seryosong pag-aralan. Ang isa pang halimbawa ay ang gawain ng Samara guitarist na si A.I. Matyaev, isang makapangyarihang guro at metodologo, na ang mga mag-aaral ay naghahanap at bumuo ng kanilang sariling mga landas sa pagganap ng gitara at mga pamamaraan ng pagtuturo. Kaya, sa katunayan, ito ay dapat na. Samakatuwid, itinaas dito ang problema ng pagkakaiba sa pagitan ng lumalagong katanyagan ng gitara, ang pangangailangan para sa pagsasanay dito at ang bilang ng mga kwalipikadong guro, binibigyang-diin ko ang pangangailangan na ayusin ang isang pagpapalitan ng mga pananaw sa pagitan ng mga guro ng gitara, nang mas malawak, upang maitaguyod ang seryoso metodolohikal na gawain sa isang panrehiyong sukat at sa buong Russia. Kung hindi, ang estado ng ating metodolohikal na panitikan na umiiral ngayon ay maaaring mag-ugat nang mahabang panahon.

Sa kasamaang palad, ang merkado ng domestic gitara ay binabaha na ngayon ng mga mababang kalidad na "mga paaralan ng gitara" (o "mga manu-manong pagtuturo sa sarili"), na sa anumang paraan ay hindi bumuo ng alinman sa mga pundasyon ng propesyonalismo o isang seryosong saloobin sa gitara sa pangkalahatan. Ang mga may-akda ng naturang mga manwal ay kadalasan sa ganitong paraan ay naghahangad na itatag ang kanilang mga sarili sa kanilang makitid na "mundo" ng gitara kung saan sila mismo ay diumano'y "pinagkadalubhasaan" ang gitara. Karaniwan ang teksto o musikal na materyal ay muling isinulat, kung minsan ang daliri ay nagbabago dito at doon, isa o dalawang bagong pagsasanay ay naimbento - at ang "Paaralan" para sa self-taught ay handa na. Siyempre, walang ganoong uri tungkol sa pag-aaral na tumugtog ng biyolin, piano, o, sabihin nating, anumang instrumento ng hangin, at hindi maaaring. Ngunit ang gitara ay isang espesyal na instrumento: simple at kumplikado. Pagdating sa paglalaro sa pang-araw-araw na buhay, tila ito ang pinakasimple. Kung maglaro ka talaga, propesyonal, kung gayon ito ay napakahirap. Ngunit dapat isa pa rin ang kultura ng gitara. At tiyak na mula sa akademikong pagtugtog ng gitara na kailangan nating buuin sa lahat ng mga pagpapakita nito - parehong propesyonal at baguhan, kung gusto nating maging bahagi ng ating kulturang musikal ang sikat na instrumento na ito, tulad ng alam mo, napakataas sa antas ng sining nito. .

Dapat, siyempre, isaisip na ang gitara at ang sining ng gitara ay umiiral na parang nasa dalawang dimensyon - katutubong at propesyonal. Bilang isang katutubong instrumento, ang gitara ay sumasailalim sa halos walang mga pagbabago: ang mga piraso, kanta at romansa na ginanap dito ay napanatili sa saliw nito, ang mga diskarte sa pagtugtog ay nananatiling hindi nagbabago. Ngunit bilang isang propesyonal na instrumentong pangmusika, ang gitara ay umuunlad sa lahat ng oras: ang repertoire ay nagiging mas kumplikado sa musika at teknikal, ang mga bagong uso sa teknolohiya ng pagganap ng gitara ay lumilitaw, mas perpektong mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, coloristic na paraan, mga paaralan, at lumalabas ang mga teknik. Nagkataon, ang hindi pagkakaunawaan minsan ay umuusbong din dito.

Naimbento pala ang isang bagong gitara, na tinatawag na Gran. Naaalala ko ang isang pulong kasama ang mga dakilang gitarista na pumunta sa Togliatti Institute of Arts para sa isang pagsusuri. Nagkaroon din sila ng patent para sa "imbensyon" ng isang bagong gitara, at diumano ay isang mas mataas na edukasyon sa gitara (pribadong akademya ng grand guitar!), Gayunpaman, sa katotohanan ay lumabas na ang instrumento na ito ay hindi isang imbensyon ng kasalukuyang panahon. Sa Norway, mayroong isang uri ng violin, na, bilang karagdagan sa apat na pangunahing mga kuwerdas, ay may parehong bilang ng mga matunog na mga kuwerdas na matatagpuan sa ibaba at nagbibigay sa tunog ng instrumento ng isang espesyal na kulay, na nagpapayaman sa timbre nito. Ang violin na ito ay nakatutok sa iba't ibang paraan at ginamit lamang bilang pantulong na instrumento sa orkestra. Tulad ng alam mo, ang parehong acoustic na prinsipyo ay sumasailalim sa pagtatayo ng maraming viols. Ang Grand Guitar ay may 12 string na may kaugnayan sa abot-tanaw ng soundboard, anim na mas mababa (metal) at anim na itaas (nylon). Sinusubukan ng mga lolo't lola na laruin ang lahat ng labindalawang kuwerdas! Sa partikular, aktibong ginagamit nila sa kanilang pagtugtog ang mga kuwerdas na tumutunog lamang para sa mga biyolinistang Norwegian. Bilang isang resulta, kapag naglalaro ng gayong instrumento, lumitaw ang hindi kapani-paniwalang kasinungalingan - at, higit sa lahat, marumi (random) na mga kumbinasyon ng chord. Malinaw na ang ganoong malaking bilang ng mga string ay lilikha ng malalaking paghihirap na puro teknikal na katangian sa laro, na, marahil, isang robot lamang ang ganap na makayanan, at hindi isang taong kulang sa perpektong gumaganang mga reaksyon sa oryentasyon at isang matinding nerbiyos. sistema.

Gayunpaman, in fairness, dapat sabihin na ang tunog ng grand guitar ay medyo malalim at maganda sa timbre, dahil ito ay resulta ng sabay-sabay na pagtunog ng nylon at metal strings. Samakatuwid, posible na ang karagdagang paghahanap ay makakatulong sa mga tumutugtog ng instrumentong ito, na malampasan ang mga paghihirap sa organiko, upang maihayag ang mga kapaki-pakinabang na katangian nito. Ngunit habang ang mapagpanggap na mga pahayag ng mga apologist na ngayon ay dumating na ang panahon ng grand guitar, at lahat ng iba pang uri ng gitara ay naging isang bagay na ng nakaraan, sa aking opinyon, ay malalim na nagkakamali.

Tila ang bawat guro-gitista ay kailangang tanungin ang kanyang sarili ang tanong ng mga pangunahing halaga ng pag-aaral na tumugtog ng gitara. Ito ay malamang na hindi sila maaaring maging paghanga para sa mga makabagong pamamaraan, kahanga-hangang na-advertise na mga makabagong ideya, mabilis na binubuo at "tanyag" na repertoire. Sa pagganap ng gitara, tulad ng sa lahat ng iba pang mga uri ng musikal na gumaganap na sining, ang isa ay dapat, una sa lahat, magsikap para sa kultura ng pagganap, para sa pagbubunyag ng masining na nilalaman ng gumanap na pagganap, para sa mataas na kalidad na tunog at, siyempre, nang libre. , binuong pamamaraan. Iyon ay, sa madaling salita, sa lahat ng bagay na bumubuo ng isang mahalagang musikal at masining na impresyon, kaakit-akit at mapang-akit sa nakikinig. Kasabay nito, ang isang guro na sumusunod sa kanyang sining ang mga klasikal na tradisyon na inaprubahan ng pagsasanay ay hindi dapat balewalain ang mga paghahanap at mga pagbabago (kung, siyempre, sila ay nagmula sa mga kwalipikado, karampatang musikero). Mahalaga sa lahat ng pagkakataon na ilaan ang karapatang suriin, i-generalize at i-synthesize ang pinakamahusay, pinaka-progresibo at kapaki-pakinabang na mga aspeto. Ito ay kinakailangan upang malaman upang makita at gamitin ang pinaka-kailangan, sinusubukang hulaan kung alin sa mga bago ang talagang makikinabang sa isang partikular na sitwasyong pang-edukasyon - sabihin, maging kapaki-pakinabang sa pag-unlad ng mag-aaral para sa hinaharap (sa isang taon o dalawa). Pagkatapos ng lahat, ang tagumpay sa huli ay nakasalalay sa pagiging angkop ng indibidwal na aplikasyon ng isang partikular na pamamaraan, stroke, pamamaraan, diskarte, atbp. tiyak sa ganitong sitwasyon. Halimbawa, ang pagtatalo ng abstract tungkol sa kung gagamit ng technique sa pagtugtog ng gitara. apoyando o hindi mag-aplay ... Ito ay halos hindi sulit na pag-usapan ito. Mahalagang pag-aralan at maunawaan kung saan, kailan, bakit at sa loob ng kung anong mga limitasyon ipinapayong gamitin ang kahanga-hangang pamamaraan ng pagganap.

Kumuha tayo ng isa pang halimbawa - ang upuan ng manlalaro ng gitara. Mayroong maraming mga paraan ng pagbuo nito. Ang katawan ng gitara ay isinandal pa sa isang upuan o mesa para sa mas magandang resonance. At hanggang ngayon, ang iba't ibang mga bangko ay pinapalitan sa ilalim ng iba't ibang mga binti. Ang isang gitarista ay inilalagay ang kanyang kaliwang paa sa kanyang kanan, at ang isa pa - vice versa. Mayroong iba't ibang mga opinyon tungkol sa posisyon ng kanang siko, tungkol sa mapaglarong hugis ng kanang kamay, tungkol sa anggulo ng posisyon ng leeg na may kaugnayan sa katawan ng tagapalabas. Sa isang salita, maraming mga opinyon, at ang pangkalahatang criterion para sa pagtukoy ng pinaka tamang mga posisyon ng laro, at kahit na isinasaalang-alang ang mga indibidwal na katangian ng istraktura ng mga kamay at ang buong pisikal na konstitusyon ng mag-aaral, ay dapat na kaugalian. Sa aking palagay, ang maganda ay totoo. Ngunit ang aesthetic appeal ng bawat gitarista ay hindi maaaring puro panlabas, visual, ngunit dapat magmula sa loob, na, sa esensya, ay isang manipestasyon ng panloob na kultura ng musika. Sa pagkakaroon lamang ng ganoong kultura, ang gitarista ay malayang makakapagsalita ng musika sa tulong ng live na musikal na tunog, na kung saan ay magiging isang kagandahan ng panlabas na pagkakasunud-sunod, iyon ay, napagtanto ng matalinong tainga ng isang tao. Kaya, ang bilog ng mga pagsasaalang-alang na ipinahayag dito ay sarado: upang ang musika ay makaapekto sa aesthetically sa tagapakinig, ang tagapalabas nito ay dapat na isang ganap na may kulturang tao na may hindi nagkakamali na artistikong panlasa.

Bumaling tayo ngayon sa isa pang problema na tila apurahan. Kadalasan, ang mga magulang, na tumutukoy sa mga hilig ng bata mismo, ay nagdadala ng halos anim na taong gulang na mga bata sa klase ng gitara. Sa ganitong mga kaso, kinakailangan upang kumbinsihin ang mga ito sa pagpapayo ng nakaraang paunang maraming nalalaman, kumplikadong pagpapakilala ng bata sa iba't ibang uri ng sining (pagsasayaw, pag-awit, pagtugtog ng tinatawag na "elementarya" na mga instrumento na may ganap na magandang timbre, ngunit medyo madali sa mga tuntunin ng sound production techniques, etc.). etc.). Kinakailangang kumbinsihin ang mga magulang na mas mahalaga na bumuo ng isang pakiramdam ng ritmo at koordinasyon ng mga paggalaw, upang ibagay ang tainga sa pang-unawa ng mga intonasyon ng musika, upang makamit ang pag-unawa sa musika na posible sa edad na ito, kaysa sa pagsisikap. para sa maagang mastery ng mga kasanayan sa pagtugtog ng gitara.

Ang isa pang paksa ng aming pagninilay ay ang tinatawag na "pagsusulit sa pasukan" sa klase ng gitara, kung saan, tulad ng kilala, sinusuri diumano ang pagkakaroon ng tainga ng isang batang aplikante para sa musika, ritmo, at memorya. Nais kong bigyan ng babala ang tungkol sa kawalang-kabuluhan ng naturang mga pagsubok upang matukoy ang mga prospect para sa matagumpay na pagsasanay ng instrumental na pagtugtog - lalo na ang gitara. Pagkatapos lamang ng ilang buwan ng mga klase, ang guro ay may karapatan na masuri ang mga kakayahan ng mag-aaral at ang mga prospect para sa kanyang pag-aaral, na kadalasang ipinahayag sa proseso ng live na malikhaing komunikasyon sa musika, isang guro, at iba pang mga mag-aaral. Minsan lumipas ang tatlo, apat, limang taon at lumalabas na ang mag-aaral, na kinikilala sa simula pa lang bilang "bingi, hindi regular", ay tumatanggap ng isang premyo at ang titulong nagwagi ng All-Russian na kumpetisyon, nakakarinig ng mga nakakabigay-puri na salita ng mga awtoritatibong musikero. hinarap sa kanya.

May kaugnayan din, siyempre, hindi lamang para sa klase ng gitara, ang tanong kung paano, mula sa simula ng pagsasanay sa isang paaralan ng musika, upang makamit ang sistematiko, sistematikong mga aralin ng mag-aaral sa instrumento? Dito ay hindi magagawa ng isang tao nang wala ang pinaka-seryosong gawaing pang-edukasyon na kinakailangan para sa mag-aaral na maunawaan ang kawalang-kabuluhan ng intensyon na makabisado ang pagtugtog ng instrumento, na nagbibigay lamang ng pagdalo sa mga aralin sa paaralan at hindi pag-aaral sa bahay. Siyempre, ito ay isang hiwalay na paksa na nararapat sa espesyal na pag-unlad sa mga terminong sikolohikal at pedagogical. Gusto kong bigyang-diin ang espesyal na kahalagahan nito para sa matagumpay na mga aralin sa musika.

Marami pang problema sa gitara na nangangailangan ng seryosong talakayan ng mga makapangyarihang gitarista at mga musikero na may mataas na kultura. Marahil ang pinakamahalaga sa kanila ay ang problema ng tunog (aktwal, siyempre, para sa lahat ng mga instrumentong pangmusika, ngunit para sa mga violinist, cellist, pianist, ito ay sapat na binuo). Ang gitara, sa makasagisag na pagsasalita, ay talagang ang pinaka instrumentong pangmusika na hindi bumabasag sa katahimikan, ngunit lumilikha nito. Ngunit hindi lamang ang tula na ito ang sikreto ng napakalaking katanyagan ng gitara: sa mga dalubhasang kamay, ito ay parang isang orkestra. Hawak ang "orchestra" na ito sa kamay, maaari kang umalis, lumangoy, pumunta sa kabundukan o pumunta sa entablado at pagkatapos ng isang minutong pag-tune ay magbibigay ng libreng kontrol sa mga tunog at daliri (ang "limang maliksi na punyal" na ito, gaya ng sinabi ni Garcia Lorca) - upang bigyan ang ating mga kaluluwa sa kanila na matuwa o makalimot.

Ministri ng Kultura ng Rehiyon ng Saratov

GOU SPO "Volsk Music College

sila. V.V. Kovalev (teknikal na paaralan) "

Kurso ng lecture

Disiplina:

"Ang kasaysayan ng pagganap sa mga instrumento ng katutubong Ruso"

Ginanap

guro ng espesyalisasyon

"Mga Instrumentong Folk Orchestra"

G.V. Klochko

Paksa I. Ang pinagmulan at pag-unlad ng instrumental na musika ng Russia ………………………………… ... 3

1.Ang pinagmulan ng Russian instrumental music ... ... ... ... 3

2. Ang papel ng mga musikero ng buffoon sa kasaysayan ng kulturang musikal ng Russia …………………………………………… 5

Paksa II. Mga instrumentong katutubong Ruso sa kulturang musikal ng Russia noong ika-11 - ika-19 na siglo ……………………………………………………… 10

Gusli noong ika-11 - ika-19 na siglo ………………………………… 10

Six-string na gitara sa Russia ……………………… ........ 15

Pitong-kuwerdas na gitara noong ika-18 - ika-19 na siglo …………… 20

Pagbuo ng pagtatanghal sa Russian domra ........ 25

Balalaika noong XVIII - XIX na siglo ……………………… ..29

PaksaIII... Ang ebolusyon ng Russian accordion sa ikalawang kalahati ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ……………………………… 34

Ang hitsura ng unang Russian harmonics ……………………… 34

Ang paglitaw ng pagganap ng konsiyerto sa harmonica sa Russia sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo ... ... 39

PaksaIV... Paglikha ng isang akademikong direksyon sa balalaika-domra at accordion-accordion art (kalagitnaan ng 1880s - 1917) ………………………………… .45

V.V.Andreev at ang kanyang mga kasama sa kulturang musikal ng Russia noong huling ikatlong bahagi ng ikalabinsiyam na siglo ... .45

Chromatization ng balalaika at akurdyon ………………… ..49

Ang hitsura ng button accordion sa Russia at ang pagbuo ng concert button accordion performance ………………… ..

Ang sining ng paglalaro ng balalaika sa simula ng ikadalawampu siglo ...

Ang pag-unlad ng sining ng gitara sa Russia sa simula ng ikadalawampu siglo ………………………………………….

PaksaV... Pagbubuo ng orkestra house-balalaika at accordion-accordion performance

Paglikha ng mga unang orkestra ng chromatic harmonics ……………………………………………………… 4

Ang paglitaw ng balalaika orkestra ng V.V. Andreev …………………………………………… 7

Mga tampok ng pagbuo ng repertoire ng orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso ………………… .15

PaksaVI... Gumaganap sa mga instrumentong katutubong Ruso noong 1917 - 1941

Ang papel ng mga kumpetisyon at olympiad sa ikalawang kalahati

1920s - unang bahagi ng 30s sa pag-unlad ng pagganap ...………………………………………… .18

2. Ang paglitaw ng bokasyonal na edukasyon sa mga instrumentong bayan ………………………………… 22

3. Pagbuo ng isang propesyonal na grupo at sining ng orkestra ............................................ ..................... 26

Pag-unlad ng propesyonal na solong sining ... 34

I.Ya. Panitsky …………………………………………… .39

PaksaVii... Pagtanghal ng sining sa mga instrumentong katutubong Ruso sa panahon ng Great Patriotic War (1941 - 1945)

Baguhan at propesyonal na sining sa pagtatanghal ……………………… ... 45

Mga gawa ng mga taon ng digmaan para sa mga instrumentong katutubong Ruso …………………………………………… ..50

PaksaVIII... Gumaganap ng mga instrumentong katutubong Ruso sa unang dekada pagkatapos ng digmaan (1945 - 1955)

Pag-unlad ng propesyonal na pagganap ... .53

Gumagana para sa plucked string instruments. Pagbuo ng orihinal na repertoire ng bayan …………………………………………… 70

PaksaakoH. Ang pag-unlad ng pagganap sa mga instrumentong katutubong Ruso (huli ng 1950s - 1990s)

Pag-unlad ng propesyonal na sining ng pagganap …………………………………………… .75

Mga komposisyon para sa bayan at solo na plucked folk instrument ………………………………… 85

Paksa I. Ang pinagmulan at pag-unlad ng Russian instrumental music

Ang pinagmulan ng instrumental na musika ng Russia

Mula noong sinaunang panahon, sinubukan ng mga Ruso na ipahayag ang kanilang mga iniisip, adhikain, at emosyonal na mga karanasan sa tulong ng instrumental na musika. Ang isang malawak na iba't ibang mga instrumentong pangmusika ay nilikha at pinahusay ng hindi kilalang mga mahuhusay na master.

Ang pinagmulan ng musikang Ruso ay nagsimula noong sinaunang panahon. Ito ay bumangon sa kailaliman ng primitive communal system ng mga tribong Slavic na naninirahan sa isang malawak na teritoryo.

Ang sentro ng isa sa mga unyon ng tribo ay ang tribong Ros, na nanirahan sa Ilog Ros (isang tributary ng Dnieper, sa ibaba ng Kiev). Nang maglaon, ang pangalan ng tribong ito ay kumalat sa lahat ng mga Eastern Slav, na nagsimulang tawaging mga Ruso, at ang teritoryo kung saan sila nakatira - ang lupain ng Russia, Russia.

Ayon sa patotoo ng mga istoryador, ang mga Slav ay isang matangkad, malakas at magagandang tao: "hindi sila masamang tao at hindi masama," gustung-gusto nilang kumanta, kung saan tinawag silang "mahilig sa kanta".

Noong ika-8 siglo, sa mga Eastern Slav, ang proseso ng agnas ng primitive communal system ay nagaganap, ang mga simulain ng kapangyarihan ng estado ay hinog na. Ang hitsura ng iskultura, musika, pagsasayaw ay iniuugnay sa oras na ito.

Ang mga sinaunang Silangang Slav ay may iba't ibang uri ng sining na nauugnay sa mga ritwal na anyo ng paganong relihiyosong paniniwala. Ang pagtatanghal ng mga ritwal ay sinamahan ng pag-awit, pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika, pagsasayaw na may mga elemento ng theatrical action.

Sa unang yugto ng pinagmulan nito, ang musika ay napaka-primitive pa rin. Ang pag-awit ay monophonic, at ang mga melodies ay batay sa 3 - 4 na tunog. Marami sa mga kanta ang kulang sa mga kumbinasyon ng halftone. Gayunpaman, ang kanilang metro-rhythmic na istraktura ay medyo magkakaibang: mayroong isang malapit na relasyon sa pagitan ng melody at mga salita.

Alam ng mga sinaunang Slav ang iba't ibang uri ng mga instrumentong pangmusika, halimbawa, ang tinatawag na membrane percussion, kung saan ang pinagmumulan ng tunog ay isang lamad na nag-vibrate bilang resulta ng paghampas nito. Kabilang sa mga instrumento ng ganitong uri, ang pinakasikat ay ang mga tamburin at tambol. Ang isang metal na organ ay kabilang din sa mga instrumentong percussion. Ito ay pinaniniwalaan na isang koleksyon ng mga metal plate o hemispheres. Ang ginamit na mga instrumento ng hangin ay ang longitudinal flute, Pan's flute, at clay whistles.

Ang longitudinal flute ay mukhang isang tubo, kadalasang may anim na butas sa pagtugtog, na nagbibigay ng diatonic na sukat. Ang pan's flute ay isang hanay ng mga maiikling tubo na may iba't ibang haba, kung saan ang mga itaas na dulo ng mga putot ay bukas, at ang mga ibabang dulo ay sarado na may isang balumbon. Ang tunog ay nakuha sa pamamagitan ng pagputol ng hangin sa gilid ng itaas na dulo ng tubo. Ang plauta ni Pan ay ang prototype ng mga modernong kugikl. Ang mga clay whistles o ocarin ay mga guwang na ceramic figurine, kadalasang ginawa sa anyo ng isang ibon o isang hayop at may 2 - 3 play hole. Ang gusli ay kilala rin ng mga Slav. Ang impormasyon tungkol sa instrumento na ito ay dumating sa amin mula sa ika-6 na siglo.

Kung ang mga kanta ay ipinasa nang pasalita mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon at sa gayon ay napanatili sa memorya ng pandinig ng mga tao sa loob ng maraming siglo at ang ilan sa mga ito ay nakaligtas hanggang sa araw na ito mula sa kalaliman ng mga siglo, kung gayon ang instrumental na musika ay maaaring mapanatili lamang sa musikal na notasyon. Ang huli ay pag-aari ng mga monasteryo kung saan ang pag-awit sa simbahan ay nilinang. Siya ay pumasok sa musikal na kasanayan ng Russia (at kahit na sa isang napaka hindi perpektong anyo) lamang noong ika-17 siglo. Ang instrumental na musika ay itinuturing na sekular, at samakatuwid ay makasalanan, "demonyo". Bilang karagdagan, ang buhay ng mga instrumento mismo ay maikli ang buhay: gawa sa isang marupok na materyal, kahoy. Pinaka-impluwensyahan sila ng panahon, at walang makakapigil sa proseso ng kanilang pagkawala, hindi sa banggitin ang katotohanan na ang mga lupain ng Slavic ay patuloy na nakalantad sa mga pagsalakay ng mga ligaw na tribo, kaya kailangan nilang linangin ang lupain na may mga sandata sa kanilang mga balikat.

Ang kanta at instrumental na sining ng mga sinaunang Slav ay ipinanganak at binuo sa malapit na relasyon. Ang pagsusuri ng istruktura ng mga kanta at mga instrumentong pangmusika ay nagbibigay ng mga batayan upang igiit na ang pagsasanay sa pag-awit ng mga tao ay natiyak ang pagsilang ng mga instrumentong pangmusika, at ang mga instrumentong pangmusika naman, ay pinagsama ang karanasan ng sining ng pag-awit, i.e. ang paglikha ng maraming mga kanta ay naganap sa ilalim ng impluwensya ng isang itinatag na instrumental na sistema, tulad ng mga kaliskis ng maraming mga instrumentong pangmusika ay madalas na ipinanganak sa batayan ng mga tiyak at pinaka-karaniwang mga melodies ng katutubong kanta, bilang isang materyal na sagisag ng mga resulta ng malikhaing kasanayan. At kung alam mo ang istraktura ng mga instrumento, ang mga paraan ng pagkuha ng tunog sa kanila, ang likas na katangian ng tunog, kung gayon maaari mo nang gayahin ang likas na katangian ng musika noong panahong iyon.

Ang kahalagahan ng panahon ng Dokievian sa kasaysayan ng kulturang instrumento ng Russia ay napakahusay. Sa panahong ito inilatag ang mga pundasyon ng pambansang orihinal na musikang propesyonal ng Russia.

1. Ang papel ng mga musikero ng buffoon sa kasaysayan ng kulturang musikal ng Russia

Noong ika-9 na siglo, isang malaki at malakas na maagang pyudal na estado - Russia - ay nabuo sa teritoryo ng kasalukuyang Ukraine. Ang Kiev ay naging kabisera nito. Ayon sa pangunahing lungsod, ang estado na ito ay nagsimulang tawaging Kievan Rus. Ang Kiev ay naging sentro ng ekonomiya at kultura ng lahat ng mga lupain ng Eastern Slavic. Ang kultura ng Kievan Rus ay umabot sa isang mataas na antas ng pag-unlad. Ang arkitektura, pagpipinta at musika ay mabilis at masinsinang umuunlad.

Maraming makasaysayang ebidensya ang tumuturo sa malaking papel ng musika sa buhay panlipunan at estado ng Kievan Rus. Siya ay isang walang pagbabago na bahagi ng buhay ng prinsipe at druzhina, na sinasamahan ng parehong maligaya, magulo na mga kapistahan, at mga solemne na opisyal na seremonya. Ang mga mural ng Kiev Sophia Cathedral ay sumasalamin sa mga katulad na larawan ng paggawa ng musika sa korte.

Ang mga makasaysayang dokumento ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon sa Sinaunang Russia ng dalawang kategorya ng mga mang-aawit-musika, na nakikilala sa bawat isa kapwa sa likas na katangian ng kanilang sining at sa katayuan sa lipunan.

Ang isa sa kanila ay pag-aari ng mga buffoon, walang hanggang inuusig at inuusig ng simbahan, pinagkaitan ng proteksyon ng mga batas, karamihan ay walang tirahan at walang anumang ari-arian, ngunit palaging malugod na tinatanggap ang mga panauhin, minamahal sa lahat ng strata ng lipunan. Kasama sa isa pang kategorya ang mga prinsipeng mang-aawit na may mataas na posisyon sa lipunan at tinatamasa ang pagkilala sa parehong sekular at espirituwal na mga awtoridad. Ang mga mapagkukunang pampanitikan ay nagbibigay ng malawak na listahan ng mga kasiyahang ipinagbabawal ng simbahan, kung saan mayroong mga buffoon, "goodies", "pipe", "manlalaro", "kahiya-hiyang mga gawa" sa mga lansangan ng mga lungsod, "drums splashing", "flute sound" , "pagsasayaw at lahat ng uri ng laro ".

Kasama ng mga gumagala na grupo ng mga buffoon na lumipat mula sa isang pamayanan patungo sa isa pa, nag-aanyaya sa mga manonood sa kanilang mga pagtatanghal, na nag-time na tumutugma sa Christmastide, Shrovetide, Easter, o para sa isang tiyak na bayad, "tinanggap" upang lumahok sa mga kasalan o iba pang mga holiday ng pamilya, mayroong pati na rin ang mga namuhay na nakaupo... Sila ay nagmamay-ari ng kanilang sariling sambahayan, at nakikibahagi sa buffoonery para sa karagdagang kita, at sa ibang mga kaso, marahil ay dahil sa purong amateurism.

Ngunit, sa kabila ng kilalang stratification sa hanay ng buffoonery, isa itong panlipunang uri ng medyebal na artista at musikero, sa posisyon nito sa lipunan at sa kalikasan ng sining nito, na lubhang naiiba sa matataas na prinsipeng mang-aawit at makata na niluwalhati ang feats of arms ng prinsipe at ng kanyang squad.

Ang mga instrumentong pangmusika ng Sinaunang Russia ay naiiba hindi lamang sa istraktura, kundi pati na rin sa papel na ginampanan nila sa pang-araw-araw na buhay at buhay panlipunan. Ang bawat instrumento ay may sariling layunin at ginamit sa ilang mga kaso alinsunod sa itinatag na mga kaugalian at tradisyon. Ang ilan ay iginagalang at pinarangalan sa lahat ng saray ng lipunan, ang iba ay mahigpit na hinatulan at inuusig. Halimbawa, ang trumpeta ay kadalasang binibigyan ng isang espesyal na lugar bilang isang pribilehiyong marangal na instrumento na nagtatanim ng lakas ng loob at kawalang-takot sa kaluluwa ng isang mandirigma na tumatawag sa kanya sa mga gawa ng armas. Sa isa sa mga sinaunang Slavic na mga turo ng simbahan, ang trumpeta ay sumasalungat sa mga snuffle at gusli, na "nagtitipon ng mga walanghiyang demonyo."

Sa kauna-unahang pagkakataon sa mga buffoon ng Kiev, lumitaw ang isang sipol - isang instrumento ng string na naging hindi gaanong sikat kaysa sa gusli. Ang pinakalumang nabubuhay na imahe ng instrumentong ito ay nagsimula noong ika-15 siglo. Ang katawan ng sungay ay hugis peras, ang soundboard ay flat, ang mga string ay flat, walang baluktot. Tatlong kuwerdas ay nasa parehong antas at samakatuwid ang busog, na may hugis na sibuyas, ay humipo sa kanilang tatlo. Ang isang melody ay nilalaro sa una, manipis na string, ang pangalawa at pangatlong mga string ay tumunog nang hindi binabago ang pitch (sila ay binuo sa fifths, tulad ng isang modernong biyolin). Ang tuluy-tuloy na tunog (pag-buzz) ng mga turnilyo sa mas mababang mga boses ay naging isa sa mga pinaka-katangian na mga tampok na pangkakanyahan para sa katutubong musika, na tinatawag na bourdon, ang bourdoning fifth. Sa panahon ng laro, ang instrumento ay nakapatong sa tuhod ng kaliwang binti o naka-clamp sa pagitan ng mga tuhod.

Sa panahon ng mga archaeological excavations sa Novgorod noong 1951 - 1962. sa unang pagkakataon, natagpuan ang mga tunay na sample ng mga sinaunang beep. Tulad ng itinatag ng mga siyentipiko, noong ika-12 na siglo.

Sa mga instrumento ng hangin sa Kievan Rus, maraming uri ng mga instrumento na uri ng plauta ang ginamit: snot - isang whistle flute (sa panahon ng mga archaeological excavations sa Novgorod, natagpuan ang mga sample ng snot noong ika-11 siglo), isang pipe - isang ipinares na whistle flute. , Pan's multi-barrel flute (kugikly), pati na rin ang iba't ibang mga sungay at trumpeta ng pastol at militar (militar), na ang pagbanggit ay matatagpuan sa mga sinaunang salaysay ng unang bahagi ng ika-7 siglo. Ang sungay ng pastol, tulad ng trumpeta, ay gawa sa kahoy. Ang parehong mga tubo at sungay ay ginamit kapwa sa pang-araw-araw na buhay at sa mga gawaing militar. Ang mga archaeological excavations ay hindi pa nakakahanap ng isang kopya ng mga tool na ito.

May dahilan upang maniwala na ang mga buffoons ng Kievan Rus ay naglaro ng mga bagpipe. Totoo, ang unang pagbanggit sa kanila ay nagmula sa panahon ni Ivan the Terrible (kalagitnaan ng ika-16 na siglo), ngunit ang mga mapagkukunang pampanitikan ay hindi maaaring magsilbi bilang isang pagtatalaga ng oras ng paglitaw ng isang partikular na instrumento, dahil lumitaw sila, bilang panuntunan, magkano mamaya. Maraming mga mananaliksik ang naniniwala na ang bagpipe ay isa sa mga pinakalumang instrumento.

Ang Russian bagpipe (duda o kozitsa) ay isang wind reed instrument na may air reservoir (fur) na gawa sa katad o bull's bubble. 4 - 5 tubes ang ipinasok sa fur hole. Ang isa sa kanila ay nagsilbi upang magbomba ng hangin sa balahibo, ang iba ay ginamit bilang mga laro. Kapag naglalaro, idiniin ng tagapalabas ang balahibo gamit ang siko ng kanyang kaliwang kamay sa katawan, pinipiga ang hangin mula dito, na, nahuhulog sa mga tubo, ay nag-vibrate sa manipis na mga tambo na nakakabit sa loob ng mga putot, na tinatawag na "peepers" o "mga dila. ". Gamit ang mga daliri ng kanyang mga kamay, isinara ng manlalaro ang mga butas na matatagpuan sa puno ng melodic pipe, sa gayon ay binabago ang pitch. Ang iba pang dalawang tubo ay tumutunog sa lahat ng oras sa parehong pitch, at habang sila ay tumutunog sa isang ikalimang, isang ikalimang bourdon ay nabuo. Ang ilang mga bagpipe ay may dalawang melodic pipe na tumunog nang sabay-sabay, sa dalawang bahagi na kumbinasyon. Sa panahon ng laro, ang musikero ay patuloy na humihip ng hangin sa balahibo, upang ang mga bagpipe ay tumunog nang walang pagkagambala. Kaya ang kilalang expression na "to pull the bagpipes", "to pipe".

Sa mga instrumentong percussion, ginamit ang mga tamburin (ang karaniwang pangalan para sa iba't ibang mga tambol), kung saan mayroong mga instrumento na may mga trinket, tulad ng mga cymbal ng isang modernong tamburin. Noong ika-11 siglo, ang paglalaro ng ensemble ay naisagawa na. Halimbawa, ang isang malaking instrumental ensemble ay regular na nilalaro sa mga silid ni Prince Svyatoslav Yaroslavovich. Ang kanyang repertoire ay batay sa materyal ng mga awiting bayan.

Noong ika-13 na siglo, nang halos ang buong lupain ng Russia ay nasa ilalim ng pamatok ng Mongol-Tatar, ang Novgorod ay naging tagapag-ingat at kahalili ng mga sinaunang tradisyon ng kultura ng Russia.

Ang sining ng Novgorod buffoons ay nasa napakataas na antas. Sa mga katutubong epiko, ang mga Novgorod buffoon ay nailalarawan bilang mga mahuhusay na mang-aawit at instrumental na musikero na nagtataglay ng mataas na kakayahan sa pagganap, isang malawak at iba't ibang repertoire. May dahilan upang maniwala na ang karamihan sa mga kanta na ginanap ng mga buffoon, at ang mga eksenang ginampanan nila, ay lumitaw nang hindi sinasadya at malapit na nauugnay sa mga pangyayari kung saan ang mga buffoon ay nagbigay ng kanilang mga pagtatanghal.

Ang mga nagdadala ng mga progresibong ideya - mga buffoon - ay madalas na mga pasimuno at kalahok sa popular na kaguluhan. Ang mga kinatawan ng mga awtoridad ng simbahan ang unang nagsalita laban sa mga buffoon. Nakita ng mga pari sa kanilang aktibidad ang muling pagkabuhay ng paganismo, na nakagambala sa mga tao mula sa simbahan sa pamamagitan ng "mga laro ng demonyo". Ang mga pag-uusig laban sa mga buffoon ay inilunsad ng mga tsars na si Mikhail Fedorovich at lalo na si Alexei Mikhailovich. Kaya, noong 1648, ang charter ng tsar ay nag-utos na "sunugin ang lahat ng naghuhumindig na mga sisidlan, parusahan ang mga masuwayin ng latigo at batog, at ipatapon sa malalayong lugar para sa paulit-ulit na pagsuway." Ayon sa isang nakasaksi, ang baggage train na may mga instrumentong pangmusika ay sinunog sa isang latian sa kabila ng Moskva River.

Bilang isang resulta ng pag-uusig, mayroong mas kaunti at mas kaunting mga master na gumawa ng mga instrumentong pangmusika para sa mga buffoon, ang sining ay unti-unting nawala ang mass character nito, nasira. Gayunpaman, kahit na sa XVIII-XIX na siglo ang mga buffoon ay matatagpuan sa mga katutubong booth, sa mga fairs sa Moscow, St. Petersburg, Nizhny Novgorod.

Buffooner sa Russia ay bumaba sa kasaysayan ng kultura ng Russia bilang isang kababalaghan ng napakalaking panlipunan at artistikong kahalagahan. Malaki ang impluwensya nito sa pagbuo ng lahat ng genre ng musikal na sining at panitikan.

1. Isang maikling iskursiyon sa kasaysayan ng mundo ng pagganap ng gitara.

2. Pagpasok ng gitara sa Russia (katapusan ng ika-17 siglo).

3. Ang unang "School of playing the six- and seven-string guitar" ni I. Geld.

4. A.O. Sykhra at isang seven-string na gitara.

5. Mga nangungunang Russian guitarist noong ika-19 na siglo: MT Vysotsky, SN Aksenov, NN Lebedev.

6. Ang unang mga master ng gitara - I.А. Batov, I.G. Krasnoshchekov.

7. Six-string guitarists ng ika-19 na siglo - M.D.Sokolovsky, N.P. Makarov.

8. Aktibidad sa pag-publish ng VA Rusanov at AM Afromeev.

9. Andres Segovia at ang kanyang mga konsyerto sa Russia.

10. Gitara sa All-Union competition noong 1939.

11. Pagsasagawa ng mga aktibidad ng A.M. Ivanov-Kramskoy.

12. Mga gitarista ng 50-70s ng XX siglo: L. Andronov, B. Khlopovsky, S. Orekhov.

13. Gitara sa sistema ng edukasyon sa musika.

14. Guitar art ng 70-90s ng XX century: N. Komolyatov, A. Frauchi, V. Tervo, A. Zimakov.

15. Gitara sa jazz.

Ang pag-unlad ng gitara sa Russia ay mahaba at mahirap. Ang huling disenyo ng gitara sa mundo gaya ng alam natin ay naganap lamang noong ika-18 siglo. Bago iyon, mayroong mga harbingers ng gitara - Greek cithara, lyre, lute, Spanish viola. Ang classical na anim na string na gitara ay mayroon at mayroon pa ring mga sikat na performer, kompositor, at master. Mauro Giuliani at Fernando Carulli, Matteo Carcassi at Fernando Sor, Francisco Tarrega at M. Llobet, Maria Luisa Anido at Andres Segovia - bawat isa sa kanila ay nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa sining ng gitara.

Sa Russia, ang gitara ay hindi laganap hanggang sa ika-18 siglo. Sa pagdating nina M. Giuliani at F. Sora, ang katanyagan nito ay tumaas nang husto. Gayunpaman, naaalala namin na ang unang nagdala ng gitara sa Russia ay ang mga kompositor na Italyano na sina Giuseppe Sarti at Carlo Cannobio, na nagsilbi sa korte ni Catherine II; kalaunan ay sinamahan sila ng mga musikero na Pranses.

Si Ignaz Geld ay mula sa Czech Republic. Dinala siya ng tadhana sa Russia noong 1787. Nakatira sa Moscow, Petersburg. Tumugtog siya ng anim at pitong string na gitara. Nagturo ng mga aralin sa laro. Noong 1798, lumabas ang dalawang paaralan ng pagtugtog ng gitara: ang isa para sa anim na kuwerdas, ang isa, mas maaga, para sa pitong kuwerdas. Sumulat siya at naglathala ng maraming komposisyon para sa gitara, para sa boses at gitara. Namatay sa Brest-Litovsk.

Ang isa sa pinakamaliwanag na tagapagtaguyod ng pitong-kuwerdas na gitara at ang nagtatag ng paaralang Ruso ng pagtugtog nito ay ang gitarista at kompositor na si AO Sikhra (1773-1850). Iniuugnay ng ilang mananaliksik ang hitsura ng isang pitong string na gitara sa Russia sa musikero na ito.

Andrey Osipovich Sikhra - ipinanganak sa Vilno. Mula 1801 nagsimula siyang manirahan sa Moscow, kung saan nagbigay siya ng mga aralin, na ginanap sa iba't ibang mga konsyerto. Noong 1813 lumipat siya sa St. Petersburg, kung saan inilathala niya ang "Isang koleksyon ng isang bilang ng mga dula, kung saan inilalagay ang karamihan sa mga kanta ng Ruso na may mga pagkakaiba-iba at sayaw." Inayos ang paglalathala ng isang magazine ng gitara. Nagdala siya ng isang kalawakan ng mga gitaristang Ruso, kabilang ang: S. N. Aksenov, V. I. Morkov, V. S. Sarenko, V. I. Svintsov, F. M. Zimmerman at iba pa. Ang may-akda ng isang malaking bilang ng mga pag-play, mga adaptasyon ng mga katutubong kanta ng Russia. Sa pagpilit ng kanyang mag-aaral na si V. Morkov AO Sikhra ay sumulat ng "Theoretical and Practical School for the Seven-String Guitar" at inialay ito sa lahat ng mahilig sa gitara. Ang unang edisyon - 1832, ang pangalawa - 1840. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Smolensk sa St. Petersburg.

Kung si AO Sikhra ay naninirahan at nagtrabaho pangunahin sa hilagang kabisera, kung gayon ang M.T. Vysotsky ay nakatuon sa Moscow nang buong puso.

Si Mikhail Timofeevich Vysotsky - ay ipinanganak noong 1791 sa ari-arian ng makata na si M.M. Kheraskov. Dito natanggap din niya ang kanyang unang mga aralin sa gitara mula kay S.N. Aksenov. Mula 1813 siya ay nanirahan sa Moscow, kung saan siya ay naging isang kilalang tagapalabas, guro at kompositor.

Anong tunog! Immobile nakikinig ako

Ako ay matamis na tunog;

Nakalimutan ko ang kawalang-hanggan, langit, lupa,

Siya mismo.

(M.Lermontov)

Sa mga mag-aaral: A.A.Vetrov, P.F.Beloshein, M.A.Stakhovich at iba pa. May-akda ng maraming piraso para sa gitara, pangunahin ang mga pantasya at pagkakaiba-iba sa mga katutubong tema ("Spinner", "Troika", "Malapit sa ilog , malapit sa tulay "," A Sumakay si Cossack sa Danube "...). Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, isinulat at inilathala niya ang "A Practical School for the Seven-String Guitar in 2 Parts" (1836). Namatay siya noong 1837 sa matinding pangangailangan.

Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853) - mag-aaral ng A.O. Sikhra, ay ipinanganak sa Ryazan. Nai-publish ang "Bagong magazine para sa pitong-kuwerdas na gitara", kung saan inilathala niya ang kanyang sariling mga pantasya at pagkakaiba-iba ("Among the flat valley"). Sa pamamagitan ng pagsisikap ni Aksyonov, nai-publish ang "Ehersisyo" ni AO Sikhra. Siya ay itinuturing na pinakamahusay na virtuoso ng gitara sa Moscow (kasama ang M.T. Vysotsky). Inilathala muli ang paaralan ng I. Geld. Ipinakilala ang mga harmonika. Hindi alam kung may mga mag-aaral si S.N. Aksenov, maliban sa kaso ng ilang mga aralin para kay Vysotsky. Karaniwan, ang kanyang aktibidad sa paggawa ay nauugnay sa serbisyo sa iba't ibang mga departamento.

Si Nikolai Nikolaevich Lebedev ay isa sa mga pinakamahusay na gitarista ng Siberia. Taon ng buhay 1838-1897. Inihambing ng mga nakasaksi ang kanyang paglalaro sa M.T. Vysotsky: ang parehong mahimalang talento ng isang improviser, katapatan at katapatan ng pagganap, pag-ibig para sa awiting Ruso. Biyograpikong impormasyon ay mahirap makuha. Ito ay kilala na si N.N. Lebedev ay isang opisyal. Maaari siyang kumuha ng mga aralin sa gitara mula sa kanyang ama, isang baguhang gitarista. Nagtrabaho siya bilang klerk sa iba't ibang minahan. Paminsan-minsan ay nagbibigay siya ng mga konsiyerto na ikinamangha ng lahat na naroroon sa kanyang kahusayan sa instrumento.

Ang gumaganap na sining ng pagtugtog ng gitara ay hindi umuunlad nang walang mga instrumentong pangunang klase. Sa Russia, lumitaw ang kanilang mga panginoon sa lalong madaling panahon pagkatapos ng paglitaw ng malawak na interes sa instrumento na ito. Ang Russian Stradivarius ay tinawag na mga kontemporaryo ni Ivan Andreevich Batov (1767-1839), na gumanap ng halos isang daang mahuhusay na instrumento sa kanyang buhay - mga violin, cellos, balalaikas. Sampung gitara ang lumabas mula sa mga kamay ng natitirang master, na tumunog sa mga kamay ni I.E. Khandoshkin, S.N. Aksenov, M.T. Vysotsky.

Si Ivan Grigorievich Krasnoshchekov ay hindi gaanong sikat na master; lahat ng musikal na Moscow ay nilalaro sa kanyang mga gitara. Pinahahalagahan ng mga performer ang mga instrumento ng Krasnoshchekov para sa mainit at banayad na tunog, para sa biyaya at kagandahan ng pagtatapos. Ang isa sa mga gitara (na ginampanan ng sikat na gypsy na si Tanya, na humanga kay A.S. Pushkin sa kanyang pagtugtog at pagkanta) ay itinago sa Glinka Museum of Musical Culture (Moscow).

Bilang karagdagan sa mga gitara ng Batov at Krasnoshchekov, ang mga gitara ng magkapatid na Arhuzen (Fedor Ivanovich, Robert Ivanovich), F.S. Passerbsky, M.V. Eroshkin ay sikat sa Moscow at St. Ang kanilang mga instrumento ay hindi mababa sa lakas at kagandahan ng tono sa mga gitara ng mga Western masters. Sa mga Russian na anim na string na gitarista, ang pinakatanyag ay sina N.P. Makarov (1810-1890) at M.D. Sokolovsky (1818-1883).

Si Nikolai Petrovich Makarov ay isang natatanging personalidad: ang lexicographer na naglathala ng Complete Russian-French Dictionary (1866), ang German-Russian Dictionary (1874), ang Encyclopedia of the Mind, o ang Dictionary of Selected Thoughts (1878); isang manunulat na nagsulat ng ilang nobela at maraming artikulo; isang makikinang na performer-virtuoso sa anim na string na gitara. Nag-organisa ng internasyonal na kompetisyon para sa pinakamahusay na instrumento at ang pinakamahusay na komposisyon para sa gitara (Brussels, 1856). Noong 1874 inilathala niya ang "Several rules of the highest guitar pagtugtog", na may malaking halaga sa mga musikero hanggang sa bago ang paglitaw ng modernong paaralan. "Bilang isang gitarista-musikero, nakuha ni Makarov ang kanyang sarili ng isang lugar ng karangalan sa kanyang walang kamatayang mga kompositor; […] Marami rin siyang ginawa para mapabuti ang pagkakagawa ng gitara (pagpapahaba ng leeg hanggang sa ika-24 na fret - dalawang octaves, pagpapalakas ng leeg gamit ang turnilyo). Natuklasan ni Makarov ang pambihirang master ng gitara na si Scherzer [...]. Salamat sa suportang pinansyal ni Makarov, sumulat si Mertz ng maraming komposisyon para sa gitara. Makatarungan niyang ipagmalaki ang kanyang pagmamahal sa gitara [...] ".

Si Mark Danilovich Sokolovsky ay ipinanganak malapit sa Zhitomir. Maagang pinagkadalubhasaan niya ang gitara sa mga paaralan ng Giuliani, Legnani, Mertz. Nagbigay ng maraming matagumpay na konsiyerto sa Zhitomir, Vilno, Kiev. Noong 1847 gumanap siya sa Moscow sa unang pagkakataon at naakit ang atensyon ng musikal na komunidad. Pagkatapos ng isang serye ng mga konsyerto sa Moscow, St. Petersburg, Warsaw, nagpunta siya sa isang European tour (1864-1868): London, Paris, Vienna, Berlin. Kahit saan - isang masigasig na pagtanggap. Noong 1877 naganap ang kanyang huling konsiyerto (sa St. Petersburg, ang bulwagan ng kapilya). Inilibing sa Vilno. Kasama sa kanyang mga programa ang mga gawa ni Paganini, Chopin, Giuliani, Carulli, Mertz.

Ang pagganap ng gitara sa Russia ay dumaan sa isang serye ng mga pagtaas at pagbaba na nauugnay sa mga kaganapang pampulitika at pang-ekonomiya sa bansa at sa ibang bansa. Ang isang bagong interes sa gitara ay lumitaw minsan dahil sa masiglang aktibidad ng mga publisher, theorists, at mga guro. Kaya, sa simula ng XX siglo, ang pagtugtog ng gitara ay nakatanggap ng suporta salamat sa pagpapasikat ng talento ng VA Rusanov (1866-1918), na naglathala ng mga magazine na "Guitar" at "Music of the Guitarist" kasama ang paglalathala ng kanyang sariling makasaysayang at teoretikal na mga artikulo; nailathala ang unang bahagi ng kanyang paaralan.

Ang isang mahusay na kontribusyon sa pag-unlad ng pagganap ng gitara ay ginawa ng Tyumen guitarist, guro at publisher na si M. Afromeev (1868-1920). Noong 1898-1918, literal niyang binaha ang mga tindahan ng musika sa Russia ng mga koleksyon ng mga piraso para sa gitara, mga self-study na gitara, mga paaralan para sa parehong anim at pitong string na gitara. Sa loob ng ilang taon ay inilathala niya ang magasing "Guitarist".

Noong panahon ng Sobyet, ang interes sa gitara ay tumaas nang malaki bilang resulta ng paglilibot ni Andres Segovia sa USSR. "Ito ay may malaking kasiyahan na ang aking memorya ay muling nabuhay sa aking kaluluwa apat na paglalakbay sa Unyong Sobyet at lahat ng mga kaibigan na iniwan ko doon." Ang mga konsyerto noong 1926, 1927, 1930 at 1936 ay nagsiwalat sa mga tagapakinig ng gayong sonik na mga posibilidad ng gitara, tulad ng isang kayamanan ng mga timbre na mayroon silang mga pagkakatulad sa isang orkestra. Ang sikreto ng epekto ng gitara ni Segovia ay nasa isang kahanga-hangang pagsasanib ng walang kapantay na craftsmanship at katangi-tanging lasa. Sa pagtatapos ng paglilibot ng sikat na Espanyol sa USSR, 7 album ng mga gawa mula sa repertoire ng gitarista ang nai-publish, at ang Sobyet na gitarista na si PS Agafoshin ay naglabas ng "School of playing the six-string guitar", na nakaligtas sa apat na edisyon hanggang petsa. Binuksan din ang mga klase ng gitara sa isang bilang ng mga institusyong pang-edukasyon sa musika, kung saan ang mga aktibidad ng mga guro tulad ng P.S. Agafoshin, P.I. Isakov, V.I. Yashnev, M.M. Gelis at iba pa ay nagbigay ng kanilang mga resulta. Noong 1939, sina A. Ivanov-Kramskoy (unang gantimpala) at V. Belilnikov (isang 13-taong-gulang na batang lalaki ang tumanggap ng pangalawang gantimpala (!)) Naging mga laureates sa All-Union Review of Performers on Folk Instruments. Ang isa pang kalahok - K. Smaga - nakatanggap ng isang diploma. Ginawa ni A. Ivanov-Kramskoy (mag-aaral ng PS Agafoshin) ang sumusunod na programa sa kumpetisyon: F. Sor "Variations on a Theme of Mozart", J. Bach "Prelude", F. Tarrega "Memories of the Alhambra", F. Tarrega "Moorish dance". Mula sa programa ng V. Belilnikov (klase ng V. Yashnev) posible na malaman ang isang piraso lamang - F. Sor "Variations on a Theme of Mozart". Ginawa ni K. Smaga ang "Prelude" ni JS Bach, "Remembrance of the Alhambra" ni F. Tarrega at ilan pang piyesa. Gayunpaman, kahit na ang mga nakalistang komposisyon ay nagbibigay ng ideya ng antas ng propesyonal na kasanayan ng mga kalahok sa panahong iyon.

Si Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (1912-1973) ay nag-aral sa paaralan ng musika ng mga bata upang tumugtog ng biyolin, at ang paaralan ng musika na pinangalanan. Nagtapos siya sa Rebolusyong Oktubre na may degree sa gitara mula sa P.S. Agafoshin. Pagkatapos ay kumuha siya ng kurso sa pagsasagawa kasama si K.S. Saradzhev sa Moscow Conservatory. Nagbigay siya ng mga konsyerto sa buong bansa, naglaro sa radyo at sa telebisyon.

Ang laro ng Honored Artist ng RSFSR (1959) A.M. Ivanov-Kramskoy ay walang murang mga epekto, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na pagpigil. Gayunpaman, ang gitarista ay may sariling mukha, mga indibidwal na pamamaraan ng paggawa ng tunog at kanyang sariling repertoire, na kinabibilangan ng sariling mga komposisyon ng musikero. Mahusay na sinamahan ang mga sikat na vocalist - I.S. Kozlovsky, N. Obukhova, G. Vinogradov, V. Ivanova, I. Skobtsov, instrumentalists - L. Kogan, E. Grach, A. Korneev ... A. M. Ivanov-Kramskoy - ang may-akda ng isang malaking bilang ng mga komposisyon para sa gitara: dalawang konsiyerto, "Tarantella", "Improvisation", isang cycle ng mga prelude, mga piyesa ng sayaw, pagsasaayos ng mga katutubong kanta at romansa, etudes. Sumulat at naglathala ng School of Guitar Playing (na-reprint nang ilang beses). Sa loob ng maraming taon, nagturo si A.M. Ivanov-Kramskoy sa paaralan ng musika sa Moscow Conservatory (higit sa 20 nagtapos, kabilang ang N. Ivanova-Kramskaya, E. Larichev, D. Nazarmatov, atbp.). Namatay sa Minsk sa daan patungo sa kanyang susunod na konsiyerto.

Kasama ni A.M. Ivanov-Kramskoy, ang talento ni L.F. Andronov, B.P. Khlopovsky, S.D. Orekhov ay ipinahayag noong 50-60s ng XX century. Iba't ibang kapalaran, iba't ibang edukasyon, ngunit sila ay pinagsama ng militar at pagkatapos ng digmaan.

Si Lev Filippovich Andronov ay ipinanganak noong 1926 sa Leningrad. Nag-aral siya sa studio ng musika sa ilalim ng V.I. Yashnev, pagkatapos ay nagtapos sa Music School sa klase ng gitara ng P.I. Isakov at sa klase ng bayan ng P.I.Smirnov. Maagang nagsimula siyang magbigay ng mga konsyerto nang solo at sa isang duet kasama si V.F. Vavilov (noong 1957 ang duet ay naging isang laureate ng All-Union at International Youth Festivals). Noong 1977 nagtapos siya mula sa Leningrad State Conservatory bilang isang panlabas na mag-aaral, klase ng Propesor A.B.Shalov. Nag-record ng ilang mga rekord, kabilang ang "Concerto for Guitar with a Chamber Orchestra" ni B. Asafiev. Mayroon siyang malikhaing koneksyon sa maraming sikat na gitarista sa mundo; ay paulit-ulit na inanyayahan na maglibot sa ibang bansa, ngunit dahil sa kasalanan ng mga opisyal ng USSR ay hindi nakatanggap ng pahintulot. Bilang resulta ng ilang atake sa puso, namatay siya bago umabot sa edad na 60.

Boris Pavlovich Khlopovsky (1938-1988) pagkatapos ng pagtatapos mula sa paaralan ng musika na pinangalanang V.I. Si Gnesinykh (1966) ay nagtrabaho bilang isang guro sa kanyang katutubong paaralan at ang Moscow State Institute of Culture, sa orkestra ng mga katutubong instrumento ng All-Union Radio and Television, na ginanap sa mga recitals kasama ang balalaika player na si V. Mineev, dom player na si V. Yakovlev . Noong 1972, sa I All-Russian competition ng mga folk instrument performer, natanggap niya ang 2nd prize at ang titulong laureate (sa programa: Villa-Lobos "Five Preludes", Ivanov-Kramskoy "Concert No. 2", Vysotsky " Spinner", Tarrega "Mga Pangarap" , Narimanidze "Rondo"). Ang kanyang anak na si Vladimir, ay nagpatuloy sa tradisyon ng pamilya, nagtapos mula sa paaralan ng musika sa Moscow Conservatory, pagkatapos - mula sa State Pedagogical Institute. Gnesins; noong 1986 naging diploma winner siya sa III All-Russian Competition of Performers on Folk Instruments. Ang isa pang anak na lalaki, si Pavel, ay isang propesyonal na gitarista.

Sergei Dmitrievich Orekhov (1935-1998) - sa opinyon ng maraming mga gitarista ng Moscow, maihahambing sa M.T. Vysotsky. Nag-aral siya sa paaralan ng sirko, kumuha ng mga aralin sa gitara mula sa Moscow guitarist na si V.M. Kuznetsov. Marami akong ginawa at napakahirap sa aking sarili. Nagtrabaho siya sa mga grupo ng gypsy, na gumaganap kasama si Raisa Pearl. Gumawa ng duet ng seven-string guitars kasama si Alexei Perfiliev. Naglakbay siya sa buong bansa na may mga konsiyerto, bumisita sa Bulgaria, Yugoslavia, Czechoslovakia, France, Poland. Mayroon siyang "isang kamangha-manghang pamamaraan ng birtuoso [...], iyon ay, magaan, lipad na may lalim at kagandahan ng tunog," "isang libre, walang harang na paraan ng pagtugtog, improvisasyon na nagmumula sa kailaliman ng paaralan ng gitara ng Russia." Ang SD Orekhov ay ang may-akda ng mga kilalang adaptasyon sa konsiyerto ng mga kanta at romansa ng Russia - "Narito ang mail troika", "Ang mga umiiyak na willow ay natutulog", "Ang lahat ay tahimik pa rin", atbp. Nag-record siya ng isang bilang ng mga talaan ng gramopon.

Sa loob ng maraming taon, ang All-Union Recording Company na "Melodiya" ay nagbigay ng malaking tulong sa pagpapalaganap ng sining ng gitara sa bansa, taun-taon na naglalabas ng mga pag-record ng mga Sobyet at dayuhang performer sa malalaking edisyon. Noong 50-60s lamang, naglabas siya ng 26 na disc: A. Segovia - 4, Maria-Luisa Anido - 2, M. Zelenka - 1, A. Ivanov-Kramskoy - 10, E. Larichev - 3, L. Andronov - 1 , B. Okunev - 2, atbp. Nang maglaon, ang mga pag-record ni N. Komolyatov, A. Frauchi, Paco de Lucia ay idinagdag sa kanila ... Mula noong 90s ng XX siglo, nagsimulang lumitaw ang malalaking sirkulasyon ng mga CD ng mga musikero ng Russia, kapwa ang mas lumang henerasyon at ang mga kabataan.

Sinusuri ang estado ng pagganap ng gitara sa Russia noong 60-70s ng XX siglo, dapat tandaan na mayroong isang seryosong lag sa propesyonal na pagsasanay ng mga gitarista, sa kaibahan ng mga manlalaro ng balalaika, mga manlalaro ng dom, at mga manlalaro ng akurdyon. Ang ugat ng naturang lag (lalo na ang mahinang teknikal na kagamitan at "amateurism" sa paggawa ng musika ng mga musikero sa mga kumpetisyon ay maliwanag) ay nakita sa huling pagpasok ng gitara sa sistema ng edukasyong pangmusika.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga klase ng gitara ay lumitaw sa mga unang taon ng kapangyarihan ng Sobyet (simula noong 1918), ang saloobin patungo sa instrumento sa mga awtoridad, kasama. at sa larangan ng kultura, malabo. Ang gitara ay itinuturing na isang instrumento ng kulto ng burges na kapaligiran, kung saan ang mga pwersa ng mga organisasyong Komsomol ay nakikipaglaban. Ang pag-aaral na tumugtog ng gitara sa mga institusyong pangmusika ay nagpatuloy nang paminsan-minsan, sa isang amateur na batayan, na muling minamaliit ang pagtatasa ng instrumento ng mga propesyonal na grupo ng musika. Ang pambihirang tagumpay ay naganap lamang nang ang mga gitarista na nagtapos sa mga unibersidad, lalo na ang Ural State Conservatory, ay pumasok sa buhay ng konsiyerto ng bansa. Ang ilan sa mga unang nagtapos na nakatanggap ng mga diploma ng mas mataas na edukasyon ay M.A. Prokopenko, Y. G. Pukhalsky, K. M. Smaga (Kiev Conservatory), A. V. Mineev, V. M. Derun (Ural Conservatory). Nagbukas ang mga klase ng gitara sa State Pedagogical Institute na pinangalanan Gnesins, sa mga conservatories ng Leningrad, Gorky, Saratov ...

Kabilang sa mga gitarista ng bagong henerasyon (70-90 taon ng XX siglo), lumitaw ang mga performer na nagtaas ng pagtugtog ng gitara sa mga akademikong taas. Ito ang N.A.Komolyatov, A.K. Frauchi, V.V. Tervo, A.V. Zimakov.

Si Nikolai Andreevich Komolyatov ay ipinanganak noong 1942 sa Saransk. Noong 1968 nagtapos siya sa paaralan ng musika sa Moscow Conservatory (klase ng N.A. Ivanova-Kramskoy), at noong 1975 - sa absentia - mula sa Ural State Conservatory (klase ng A.V. Mineev). Nagbibigay ng mga konsyerto sa lahat ng oras; naitalang mga tala ng gramopon, mga CD. Siya ang unang tumugtog ng sonata ni E. Denisov para sa plauta at gitara (kasama si A.V. Korneev). Interpreter at tagataguyod ng bagong orihinal na musika para sa gitara (I. Rekhin - limang bahagi na suite, tatlong bahagi na sonata; P. Panin - dalawang konsiyerto, miniature, atbp.). Mula noong 1980, kasama si A.K. Frauchi, nagbukas siya ng klase ng gitara sa G. Gnesins. Sa kasalukuyan - Pinarangalan na Artist ng Russian Federation, propesor. Dose-dosenang mga gitarista ang nagtapos sa kanyang klase, kung saan mayroong maraming mga nagwagi, tulad ni A. Zimakov. Ang bawat all-Russian at internasyonal na kumpetisyon ng mga gumaganap sa mga katutubong instrumento ay kinakatawan ng dalawa o tatlong mag-aaral ng N.A. Komolyatov (tingnan ang mga buklet para sa mga kumpetisyon).

Noong dekada 70, inihayag ng gitarista ng Moscow na si Alexander Kamilovich Frauchi (1954) ang kanyang talento. Matapos mag-aral sa paaralan ng musika sa Moscow Conservatory (klase ng N.A. Ivanova-Kramskoy), ipinagpatuloy ni A.K. Frauchi ang kanyang edukasyon sa departamento ng pagsusulatan ng Ural Conservatory (klase ng A.V. Mineev at V.M. Derun), habang nagtatrabaho bilang soloista ng Moscow rehiyonal na lipunang pilharmonya. Noong 1979, sa II All-Russian Competition of Folk Instrument Performers, nanalo siya ng pangalawang gantimpala, at noong 1986 ay matagumpay niyang nakumpleto ang internasyonal na kumpetisyon sa Havana, na natanggap ang unang premyo at isang espesyal na premyo. Bukod dito, ang pagganap ng musikero ng Sobyet sa kumpetisyon ay lumikha ng isang sensasyon sa kanyang husay, ugali, at matalinong interpretasyon ng mga gawa (sa parehong kumpetisyon, ang isa pang Sobyet na gitarista, si Vladimir Tervo, ay nanalo ng ika-3 premyo, nagdulot din siya ng masiglang tugon. sa madla ng gitara). Pagkatapos ng kumpetisyon sa Cuban, nakibahagi si A. Frauchi sa pagdiriwang ng "Limang Bituin sa Paris", at mula noon ay taun-taon siyang sumasama sa mga konsyerto sa buong mundo.

Pinagsasama ng A. Frauchi ang masinsinang aktibidad sa konsiyerto sa gawaing pagtuturo sa M. Gnesins. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ang mga nagwagi ng all-Russian at internasyonal na mga kumpetisyon - A. Bardina, V. Dotsenko, A. Rengach, V. Kuznetsov, V. Mityakov ... Ngayon si A.K. Frauchi ang chairman ng Association of Guitarists of Russia. Ang kanyang kredo ay ang paghiwalayin ang gitara sa mga katutubong instrumento, dahil ang gitara, ayon sa kanya, ay may sariling kultura, kasaysayan, repertoire, internasyonal na pamamahagi, paaralan at sa sibilisadong mundo ito ay umiiral nang hiwalay, tulad ng isang piano o isang biyolin. Ito, sa kanyang opinyon, ay ang hinaharap ng pagganap ng gitara sa Russia. A.K. Frauchi - Pinarangalan na Artist ng Russian Federation, propesor.

Si Vladimir Vladimirovich Tervo (1957) ay nagtapos sa Music College na pinangalanang V.I. Ang Gnesins (klase ng V.A. Erzunov) at ang Moscow State Institute of Culture (klase ng A.Ya. Aleksandrov). Nagwagi ng tatlong kumpetisyon - all-Russian (1986, III na premyo), internasyonal (Havana, 1986, III na premyo; Barcelona, ​​​​1989, III na premyo) - ay hindi tumigil doon: pumasok siya sa Ural Conservatory at nagtapos nang mahusay noong 1992 sa ang klase ng associate professor VM. Deruna.

Si Alexey Viktorovich Zimakov ay isang Siberian, ipinanganak noong (1971) at lumaki sa Tomsk. Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa gitara mula sa kanyang ama. Noong 1988 nagtapos siya sa Tomsk Musical College, at noong 1993 - mula sa M. Gnesins (klase ng N.A. Komolyatov). Siya ay pambihirang birtuoso, gumaganap ng pinakamahirap na mga piyesa. Ang una sa mga gitarista ay ginawaran ng unang premyo sa All-Russian Competition of Performers on Folk Instruments (Gorky, 1990). Bilang karagdagan, nanalo siya ng mga unang premyo sa dalawang internasyonal na kumpetisyon (1990, Poland; 1991, USA). Nakatira at nagtatrabaho sa Tomsk (guro ng kanyang katutubong paaralan). Siya ay patuloy na naglilibot sa Russia at sa ibang bansa. Ang repertoire ay sumusunod sa mga klasikal na gawa.

Ang mga kumpetisyon noong 90s ng XX siglo at ang mga tagumpay ng mga gitaristang Ruso sa kanila ay nagpapatunay na ang propesyonal na paaralan ng gitara ay kapansin-pansing lumago, lumakas at may pag-asa ng karagdagang pag-unlad.

Ang gitara ay nagpakita ng sarili na karapat-dapat sa isa pang direksyon - sa jazz music-making. Nasa maagang yugto na ng paglitaw ng jazz sa Amerika, ang gitara ang nanguna (kung hindi man nangunguna) na lugar sa iba pang mga instrumentong jazz, lalo na sa blues genre. Kaugnay nito, lumitaw ang isang bilang ng mga propesyonal na gitarista ng jazz - Big Bill Bronzi, John Lee Hooker, Charlie Christian, mamaya Wills Montgomery, Charlie Bird, Joe Pass. Django Reinhardt, Rudolf Dasek at iba pa ay kapansin-pansin sa mga European guitarist noong ika-20 siglo.

Sa Russia, ang interes sa jazz guitar ay lumitaw salamat sa mga jazz festival na ginanap sa iba't ibang lungsod ng bansa (Moscow, Leningrad, Tallinn, Tbilisi). Kabilang sa mga unang performers - N. Gromin, A. Kuznetsov; mamaya - A. Ryabov, S. Kashirin at iba pa.

Si Alexei Alekseevich Kuznetsov (1941) ay nagtapos mula sa Oktubre Revolution Music College, domra class. Nadala siya sa gitara, hindi nang walang impluwensya ng kanyang ama - si AA Kuznetsov Sr., na tumutugtog ng gitara sa loob ng maraming taon sa State Jazz ng USSR, pagkatapos ay sa pop-symphony orchestra sa ilalim ng direksyon ni Y. Silantiev , sa quartet ng B. Tikhonov. Nagtrabaho din si A.A. Kuznetsov Jr. nang mga 13 taon sa pop-symphony orchestra sa ilalim ng direksyon ni Yu. Silantyev, pagkatapos - sa State Symphony Orchestra of Cinematography. Bilang isang jazz guitarist, ipinakita niya ang kanyang sarili sa Moscow jazz festivals sa solo at iba't ibang mga ensemble (ang duet ng mga gitarista na si Nikolai Gromin - Alexey Kuznetsov ay naging lalong tanyag). Maraming naitala sa mga talaan ng gramopon. Siya ay kilala bilang isang ensemble player at soloist sa mga grupo tulad ng trio ni Leonid Chizhik, ang ensembles nina Igor Bril at Georgy Garanyan. Mula noong 90s siya ay nagtatrabaho bilang isang consultant sa "Accord" music salon, kung saan nagbibigay siya ng master class sa jazz guitar, nagbibigay ng mga konsyerto sa mga cycle na "Masters of Jazz", "Guitar in Jazz". People's Artist ng Russian Federation (2001).

Andrey Ryabov (1962) - nagtapos sa Leningrad Music College na pinangalanang V.I. Mussorgsky sa jazz guitar class (1983). Nakatanggap siya ng pampublikong pagkilala sa isang duet kasama ang Estonian guitarist na si Tiit Pauls (ang album na "Jazz Tete-a Tete" ay inilabas). Pagkatapos ay naglaro siya sa quartet ng pianist na si A. Kondakov, sa ensemble ng D. Goloshchekin. Noong unang bahagi ng 90s lumipat siya sa USA, kung saan nagbigay siya ng mga konsiyerto kasama ang mga sikat na American jazz musician na sina Attima Zoller at Jack Wilkins. Gumawa siya ng sarili niyang trio at kasalukuyang itinuturing na isa sa pinakamahusay na jazz guitarist.

Dahil sa Russia ang jazz guitar ay nakatanggap ng nararapat na pagkilala kamakailan, ito ay lumitaw sa sistema ng musikal na edukasyon sa huling quarter ng ika-20 siglo (at kahit na mamaya sa unibersidad). Mga nakamit sa larangan ng teknolohiya sa acoustic at electrified guitars, ang paggamit ng electronics, ang pagsasama ng mga elemento ng "flamenco", klasikal na istilo, ang pagbuo ng mga pamamaraan ng pagtuturo, pagpapalitan ng karanasan sa mga dayuhang musikero - lahat ito ay nagbibigay ng dahilan upang isaalang-alang ang gitara sa ganitong genre ng musika bilang isa sa mga promising instrument.