Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang mga estilo ng pagpipinta ay isang napakalawak na paksa, maaaring sabihin ng isang walang hanggan. Ang mga tao ay madalas na gumagamit ng mga termino na hindi nila lubos na naiintindihan ng tama, dahil dito ay nagkakaroon ng kalituhan at kalituhan. Kaya naman, gusto kong maikli at madaling sabihin ang lahat ng nalalaman ko tungkol sa mga direksyon sa pagpipinta. Upang hindi gawing mapurol na aralin sa kasaysayan ang artikulo, maikli kong sasabihin sa iyo ang tungkol sa pinakasikat at may-katuturang mga direksyon ngayon. Ang mga istilo ng pagpipinta na may mga guhit ay isang maginhawa at mabilis na paraan upang makilala ang pinakamahalagang uso sa visual arts.

Gothic

"Altar ng pamilya Merode". Robert Campin. 1430s.

Gothic- ang kalakaran na ito sa sining, na sumasaklaw sa lahat ng mga bansa sa Kanluran at Gitnang Europa. Pagkatapos ang Gothic ay nasa lahat - sa iskultura, pagpipinta, stained glass, atbp. ginamit ito hangga't maaari, nagkaroon ng "cultural boom". Ang kasikatan na ito ay dahil sa pinakabagong ebolusyon mula sa medieval art. Ang sentro at pangunahing pigura ng istilong Gothic ay arkitektura - matataas na arko, may kulay na stained-glass na mga bintana, maraming detalye. Ang panahon ng Romanesque ay hindi makayanan ang gayong pagsalakay at nanatili sa gilid ng kasaysayan.

Taon: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renaissance (Revival)

"Nagsisisi Maria Magdalena". Titian. 1560s.

Renaissance bumangon mula sa pagbagsak ng Byzantine Empire at ang kultural na kaguluhan na naganap dito sa Europa. Ang mga Byzantine na napilitang tumakas, kasama ang mga kultural na relasyon, ay nagdala ng mga gawa ng sining at mga aklatan sa mga lupain ng Europa. Kaya, isang uri ng muling pagkabuhay ng mga sinaunang tanawin ang naganap, ngunit sa modernong paraan. Sa paglipas ng mga taon, maraming mga punto ang binago at kinuwestiyon. Sa pangkalahatan, naghari ang sekular na humanismo at mga ideya ng kaunlaran.

Taon: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Titian.

Baroque

"Judith at Holofernes". Caravaggio. 1599 taon.

Baroque- European cultural heritage na nagmula sa Italy. Nailalarawan ang ironic na mabisyo na kagandahan, hindi likas na piling tao at pagiging mapagpanggap. Ang mga tampok na katangian ng naturang mga larawan ay mataas na kaibahan, ang pag-igting ng balangkas, ang dynamics ng mga character na nakaunat sa limitasyon. Ang Simbahan ng Santa Maria della Vittoria ay itinuturing na quintessence ng Baroque; ito ay matatagpuan sa Roma.

Taon: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klasisismo

"Awa ng Scipio Africanus". Pompeo Batoni. 1772 taon.

Klasisismo gumanap ng malaking papel sa sining, bilang pangunahing kalakaran sa pagpipinta noong ika-18 siglo. Mula sa pangalan mismo, ang lahat ay nagiging malinaw (Ang ibig sabihin ng Latin classicus ay huwaran, huwaran).
Itinakda ng mga artista ang kanilang sarili ang layunin na akitin ang manonood sa kaitaasan, at ang kanilang mga pagpipinta ay isang gabay na bituin. Ang mataas na moral, pinigilan na kultura at tradisyonal na mga antigong halaga ay naging batayan ng klasisismo. Sa panahon ng klasisismo sa Europa, nagkaroon ng paglago ng kultura at muling pagtatasa ng mga halaga, ang sining ay umabot sa isang ganap na naiibang antas.

Taon: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Poussin Nicolas.

Realismo

"Wandering acrobats". Gustave Dore. 1874 taon.

Realismo sinusubukan na may pinakatumpak na ihatid ang mood ng sandali, isang sandali ng katotohanan sa canvas. Ngunit sa turn, hindi ito limitado sa isang malinaw na balangkas, ang tanging mga patakaran ay dapat na walang puwang sa larawan para sa mga bagay na hindi kasama ang pagiging totoo. Sa kurso ng mga eksperimento, sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang istilong ito ay nahahati sa naturalismo at impresyonismo. Ngunit, nagawang mabuhay ang realismo at sikat ito kahit sa modernong pagpipinta.

Taon: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-Francois Millet.

Impresyonismo

"Impresyon. Sumisikat na araw". Claude Monet. 1872 taon.

Impresyonismo nagmula sa France, ang konseptong ito ay ipinakilala ni Louis Leroy. Ang mga Impresyonista na nagtrabaho sa istilong ito, ay gustong makakuha ng pangalawang impresyon sa bawat bagay o sandali, ipininta dito at ngayon, anuman ang anyo at kahulugan. Ang mga larawan ay nagpakita ng lubos na positibo at maliwanag na mga sandali at sandali. Ngunit nang maglaon, sa batayan na ito, nagsimula ang mga hindi pagkakasundo sa mga Impresyonista, sa paglipas ng panahon, lumitaw ang mga master na maaaring humanga sa mga problema sa lipunan, gutom, at sakit. Gayunpaman, ang Impresyonismo ay isang mabait at positibong istilo ng pagpipinta na nagpapakita ng maganda at maliwanag na mga sandali.

Taon: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

Post-impressionism

"Self-portrait sa isang grey felt hat III". Vincent Van Gogh. 1887 taon.

Post-impressionism ay sumisipsip ng maraming iba't ibang estilo at pamamaraan. Ang mga European masters na may mga sariwang pananaw sa pagpipinta ay nagsilang ng mga bagong uso at aktibong sinubukang lumayo mula sa nakababagot na impresyonismo at pagiging totoo.

Taon: 1880 - 1920.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pointillism

“Rio San Trovaso. Venice". Henri Edmond Cross. 1904 taon.

Pointillism(punto - punto) - Stylistic na direksyon sa pagpipinta, na parehong impresyonismo, sa ibang shell lamang. Sa halip na mga punit-punit na stroke, punto o hugis-parihaba na hugis ang ginamit. Gayundin, tumanggi ang mga artista na paghaluin ang mga kulay sa palette, sa halip, ang mga purong kulay ay pinatong sa canvas at direktang pinaghalo sa canvas nang hindi nagkakadikit.

Taon: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernismo

"Mga paru-paro sa malapitan." Odilon Redon. 1910 taon.

Ang modernismo ay karaniwang katangian ng lahat ng genre at istilo sa pagpipinta mula 1850 hanggang 1950. Kabilang dito ang mga direksyon sa pagpipinta - impresyonismo, expressionism, neo- at post-impressionism, fauvism, cubism, futurism, abstract art, dadaism, surrealism at marami pang iba. Ang pagkakaroon ng mga istilong ito ay nagmamarka ng kumpletong pag-alis ng visual arts mula sa akademya. Matapos umalis sa akademya, naging halos imposible na masubaybayan ang lahat ng mga uso at istilo na nabuo at hinuhubog pa rin.

Taon: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimir Malevich, Auguste Renoir at marami pang iba.

akademya

akademya- isang uso sa sining na sumusunod sa mga tuntunin at kaugalian ng unang panahon at Renaissance. Ang akademya ay naglalayong magpataw ng malinaw na mga pundasyon at mga hangganan, hindi kasama ang pantasya at malikhaing paglipad. Sa halip, ang diin ay sa pagpapabuti ng mga kapintasan, "kagaspangan" ng kalikasan - upang itago o alisin. Ang pagpapabuti ng katotohanan sa direksyon ng magandang pang-unawa ay ang kakanyahan ng akademya. Ang mga plot ay madalas na kinuha mula sa sinaunang mitolohiya, ginagamit din ang mga motibo sa Bibliya at kasaysayan.

Taon: 1500 - Ngayon.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fyodor Bruni.

Primitivism

"Sa Kusina" Epiphany Drovnyak. 1940 ~ taon.

Primitivism- sadyang pinasimple ang larawan sa isang lawak na tila ito ay gawa ng isang bata. Iba't ibang katutubong guhit at ilustrasyon ang maaaring maiugnay sa primitivism. Sa unang sulyap lamang ay mukhang simple at katawa-tawa ang mga kuwadro na gawa. Ngunit kung titingnan mong mabuti, makikita mo ang tamang mga sukat at pagsunod sa mga patakaran ng abot-tanaw at komposisyon. Karamihan sa mga sikat na masters ng primitivism at walang muwang na sining ay mahusay na mga tagahanga ng kasaysayan ng kanilang mga tao at kanilang kultura. Kaya naman lahat ng kanilang mga painting ay puspos ng lasa ng lugar na kanilang tinitirhan. Ngayon ang genre na ito ay nagbago sa walang muwang na sining, kadalasang may ugnayan ng simbolismo. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang modernong manonood ay hindi handa na malasahan ang primitivism sa pinakadalisay nitong anyo.

Taon: 1900 - Ngayon.
Epiphany Drovnyak, Anri Russo, Niko Pirosmanishvili.

Kubismo

"Nakaupo na Babae na naka-Asul na Dress." Pablo Picasso. Ang taon ay 1939.

Kubismo ay isang direksyon ng modernismo, kadalasang ginagamit na may kaugnayan sa pagpipinta at visual na sining. Hinati ng mga manggagawa ang kanilang mga plot sa mga geometric na hugis, na nagbibigay sa bawat natatanging elemento ng sarili nitong siksik na sektor.

Taon: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Leger, Robert Delaunay.

Surrealismo

"Ang Pagtitiyaga ng Memorya". Salvador Dali. 1931 taon.

Surrealism - paghahalo ng panaginip sa katotohanan. Sa ganitong istilo, inilabas ng mga artista ang kanilang mga pangarap sa labas, pinaghalo ang mga larawan mula sa totoong buhay sa isa't isa, pinagsasama ang hindi magkatugma. Gayundin, ang mga personal na tema ng mga pangarap ay naantig - mga takot, lihim na pagnanasa, walang malay na mga pantasya, mga kumplikado. Lahat ng bagay na makikita ng isang tao sa kanyang panaginip. Sa ngayon, ang mga surrealist ay kinokopya ang panlabas na shell, gamit lamang ang magagandang anyo, nang hindi naitanim sa kanila ang kahulugan na katangian ng mga panginoon ng nakaraan.

Taon: 1920 - Ngayon.
Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte.

abstractismo

"Dilaw-pula-asul". Wassily Kandinsky. 1925 taon.

abstractismo- isang direksyon sa sining, kung saan nagkaroon ng pagtanggi sa paglalarawan ng katotohanan at ang kawastuhan ng mga anyo. Ang pangunahing layunin ay upang ilarawan ang maraming mga multi-kulay na mga form na magkasama ay maaaring sabihin tungkol sa balangkas ng larawan. Ang Russia at America ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng abstractionism.

Taon: 1910 - Ngayon.
Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian.

Expressionism

"Sigaw". Edvard Munch. 1893 taon.

Expressionism itinatakda ang sarili ng isang solong gawain, upang ihatid kung ano ang naramdaman ng may-akda ng larawan sa oras ng pagsulat nito. Gusto ng mga artista sa ganitong istilo na ipahayag ang kanilang sarili at ang kanilang mga damdamin, kaya naman ang Expressionism ay kabaligtaran ng Impresyonismo, kung saan ang diin ay ang pagpapahayag ng isang purong panlabas na shell. Ang mga expressionist ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkahilig sa mistisismo, pesimismo at kawalan ng pag-asa.

Taon: 1890 - Ngayon.
Egon Schiele, Karl Eugen Kehl, Jerzy Hulevich.

Pop Art

Mga Berde na Bote ng Coca-Cola. Andy Warhole. 1962 taon.

Pop Art- Kontemporaryong istilo sa sining, gamit ang mga simbolo ng kulturang popular at mga produkto ng mamimili. Ang mga modernong teknolohiya ay nakatulong upang manipulahin at pagsamahin ang mga bagay, dahil dito, ang pop art ay madalas na pinupuna ng mga tagapag-alaga ng lumang paaralan. Sa paglipas ng panahon, ang pop art ay nakakuha ng maraming direksyon sa pagpipinta.

Taon: 1950 - 1980.
Andy Warhol, Hockney David, Robert Rauschenberg.

Minimalism

"Gran Cairo". Frank Stella. 1962 taon.

Minimalism dapat mabawasan ang panghihimasok ng may-akda sa kapaligiran. Ang Minimalism ay tumutukoy lamang sa pinakamahalagang punto. Ang mga pinagmulan ay namamalagi sa constructivism, suprematism, dadaism. Ito ay isang napakakontrobersyal na genre ng pagpipinta, dahil sa sobrang minimalist na pananaw ng ilan sa mga may-akda ng istilong ito. Ngayon, ang mga minimalist na uso sa pagpipinta ay napakabilis na nagbabago.

Taon: 1960 - Ngayon.
Frank Stella, Carl Andre, Saul Le Witt.

Hyperrealism

"Prutas". Jacques Boden. 2016 taon.

Hyperrealism lumitaw na may kaugnayan sa pagpapasikat ng litrato, ang mga artista ay interesado na makipagkumpitensya sa mga photographer. Ang mga hyperrealist ay lumikha ng isang alternatibong katotohanan, isang makatotohanang ilusyon.

Taon: 1970 - Ngayon.
Gnoli, Gerhard Richter, Delcol.

Iyan ang lahat ng direksyon sa pagpipinta

Ito lang ang kaya at gusto kong sabihin sa paksang ito 😉 Sa katunayan, marami pang direksyon sa pagpipinta, at hindi sinasadyang literal ang mga ito araw-araw. Sa artikulong ito, nais kong pag-usapan ang pinakasikat at maimpluwensyang. Kung nagustuhan mo ang materyal, mangyaring ibahagi ito sa mga social network, sabay-sabay tayong bumuo ng sining. Salamat sa inyong lahat para sa inyong suporta!

Ang dakilang pigura, siyentipiko at pintor ng Renaissance, si Leonardo da Vinci, ay nagsabi: "Ang pagpipinta ay tula na nakikita, at ang tula ay pagpipinta na naririnig." At ang isa ay hindi maaaring sumang-ayon sa kanya. Talagang nakikita mo ang tunay na sining nang komprehensibo. Nakikita natin at nagmumuni-muni, at naririnig, at sa ating mga kaluluwa ay itinatago natin ang mga gawa ng sining na gusto natin. At ang mga obra maestra ng mundo ay nananatili sa ating memorya sa loob ng maraming taon.

Mga genre at uri ng pagpipinta

Ang pagpipinta ng isang larawan, ang master ay gumaganap ito sa isang tiyak na estado, isang espesyal na karakter. Ang isang akda ay hindi magiging kumpleto, karapat-dapat sa pagmamahal at atensyon kung ang anyo at kulay lamang ang itinatanghal dito. Ang artista ay obligadong bigyan ng kaluluwa ang mga bagay, mga tao - na may charisma, isang spark, marahil isang lihim, kalikasan - na may kakaibang damdamin, at mga kaganapan - na may mga tunay na karanasan. At dito ang tagalikha ay tinutulungan ng mga genre at uri ng pagpipinta. Pinapayagan ka nitong ihatid nang tama ang mood ng isang panahon, kaganapan, katotohanan, upang mas mahusay na makuha ang pangunahing ideya, imahe, landscape.

Kabilang sa mga pangunahing ay tulad ng:

• Pangkasaysayan- isang imahe ng mga katotohanan, mga sandali ng kasaysayan ng iba't ibang bansa at panahon.
• Labanan- naglilipat ng mga eksena ng mga laban.
• Domestic- mga plot ng pang-araw-araw na buhay.
• Landscape- ito ay mga larawan ng buhay na kalikasan. Makilala ang pagkakaiba sa pagitan ng dagat, bundok, kamangha-manghang, liriko, kanayunan, urban, mga landscape ng kalawakan.
• Buhay pa- naglalarawan ng mga bagay na walang buhay: mga kagamitan sa kusina, armas, gulay, prutas, halaman, atbp.
• Larawan ay isang imahe ng isang tao, isang grupo ng mga tao. Kadalasan, ang mga artista ay gustong magpinta ng mga self-portraits o canvases na naglalarawan sa kanilang minamahal.
• Animalistic- mga kuwadro na gawa tungkol sa mga hayop.

Hiwalay, maaari din nating isa-isahin ang pampakay na genre at isama rito ang mga gawa, na ang paksa ay mga mito, alamat, epiko, gayundin ang mga larawan ng pang-araw-araw na nilalaman.

Ang mga uri ng pagpipinta ay nangangahulugan din ng hiwalay. Tinutulungan nila ang artist na makamit ang pagiging perpekto kapag gumagawa ng canvas, sabihin sa kanya kung saang direksyon lilipat at magtrabaho. Mayroong mga sumusunod na opsyon:

- Panorama- imahe ng lugar sa malakihang format, pangkalahatang view.

- Diorama- isang kalahating bilog na hubog na imahe ng mga laban, mga kamangha-manghang kaganapan.

- Miniature- mga manuskrito, mga larawan.

- Monumental na pandekorasyon na pagpipinta- pagpipinta sa mga dingding, panel, shade, atbp.

- Iconography- mga pagpipinta sa mga tema ng relihiyon.

- Pagpipinta ng dekorasyon- paglikha ng masining na tanawin sa sinehan at teatro.

- Pagpipinta ng easel- sa madaling salita, mga larawan.

- Pandekorasyon na pagpipinta ng mga pang-araw-araw na bagay ng buhay.

Bilang isang patakaran, ang bawat master ng fine arts ay pipili para sa kanyang sarili ng isang genre at uri ng pagpipinta na pinakamalapit sa kanya sa espiritu, at higit sa lahat ay gumagana lamang dito. Halimbawa, si Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) ay nagtrabaho sa istilo ng isang seascape. Ang ganitong mga artista ay tinatawag ding marine painters (mula sa "marina", na nangangahulugang "dagat" sa Latin).

Pamamaraan

Ang pagpipinta ay isang tiyak na paraan ng pagpapatupad ng balangkas, ang sensasyon nito sa mundo ng mga kulay at mga stroke. At siyempre, ang gayong pagpaparami ay imposible nang walang paggamit ng ilang mga diskarte, pattern at panuntunan. Ang mismong konsepto ng "teknikal" sa visual na sining ay maaaring tukuyin bilang isang hanay ng mga pamamaraan, pamantayan at praktikal na kaalaman, sa tulong ng kung saan ang may-akda ay pinakatumpak, malapit sa katotohanan, ay nagbibigay ng ideya at balangkas ng larawan.

Ang pagpili ng pamamaraan ng pagpipinta ay depende sa kung anong uri ng mga materyales, ang uri ng canvas ay dadalhin upang lumikha ng isang gawa. Minsan ang isang artista ay maaaring indibidwal na lumapit sa kanyang trabaho, samantalahin ang pinaghalong iba't ibang mga estilo at uso. Ang diskarte ng may-akda na ito ay nagpapahintulot sa iyo na lumikha ng tunay na natatanging mga gawa ng sining - mga obra maestra sa mundo.

Sa mga teknikal na termino, mayroong ilang mga pagpipilian para sa pagpipinta. Isaalang-alang natin ang mga ito nang mas detalyado.

Pagpipinta noong sinaunang panahon

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay nagsisimula sa mga batong inukit ng primitive na tao. Sa oras na ito, ang mga pagpipinta ay hindi naiiba sa kanilang kasiglahan ng mga plot, isang kaguluhan ng mga kulay, ngunit mayroong isang uri ng damdamin sa kanila. At ang mga plot ng mga taong iyon ay malinaw na nagpapaalam sa amin tungkol sa pagkakaroon ng buhay sa malayong nakaraan. Ang mga linya ay napakasimple, ang mga tema ay predictable, ang mga direksyon ay hindi malabo.

Noong sinaunang panahon, ang nilalaman ng mga guhit ay nagiging mas magkakaibang, mas madalas na naglalarawan sila ng mga hayop, iba't ibang mga bagay, gumawa ng buong kwento ng buhay sa buong dingding, lalo na kung ang mga larawan ay nilikha para sa mga pharaoh, kung saan sila ay lubos na naniniwala. Pagkatapos ng halos dalawang libong taon, nagsimula silang makakuha ng mga pintura.

Ang sinaunang pagpipinta, lalo na, ang Lumang Ruso, ay mahusay na naihatid at napanatili sa mga lumang icon. Sila ay isang dambana at ang pinakamahusay na halimbawa, na naghahatid ng kagandahan ng sining mula sa Diyos. Ang kanilang kulay ay natatangi, at ang layunin ay perpekto. Ang ganitong pagpipinta ay naghahatid ng hindi katotohanan ng pagiging, mga imahe at instills sa isang tao ang ideya ng banal na prinsipyo, ang pagkakaroon ng isang perpektong sining, kung saan ang isa ay dapat na pantay.

Ang pag-unlad ng pagpipinta ay hindi pumasa nang hindi nag-iiwan ng bakas. Sa loob ng mahabang panahon, nagawa ng sangkatauhan na makaipon ng mga tunay na labi at espirituwal na pamana ng maraming siglo.

Watercolor

Ang pagpipinta ng watercolor ay nakikilala sa pamamagitan ng ningning ng mga kulay, kadalisayan ng kulay at transparency ng aplikasyon sa papel. Oo, ito ay sa ibabaw ng papel na ito ay pinakamahusay na upang gumana sa ito fine art technique. Mabilis na natutuyo ang pattern at nagreresulta sa mas magaan at mas matte na texture.

Hindi pinapayagan ng mga watercolor ang mga kawili-wiling shimmer kapag gumagamit ng madilim, monochromatic shade, ngunit perpektong tinutulad ang kulay kapag naka-layer sa ibabaw ng isa't isa. Sa kasong ito, ito ay lumiliko upang makahanap ng ganap na bago, hindi pangkaraniwang mga pagpipilian na mahirap makuha sa iba pang mga artistikong pamamaraan.

Mga kahirapan sa pagtatrabaho sa mga watercolor

Ang kahirapan ng pagtatrabaho sa isang pamamaraan tulad ng pagpipinta ng watercolor ay hindi nito pinapatawad ang mga pagkakamali, hindi pinapayagan ang improvisasyon na may matinding pagbabago. Kung hindi mo nagustuhan ang inilapat na tono, o nakakuha ka ng ganap na maling kulay na gusto mo, malamang na hindi mo ito maaayos. Ang anumang mga pagtatangka (paghuhugas ng tubig, pag-scrape, paghahalo sa iba pang mga kulay) ay maaaring humantong sa parehong pagkuha ng isang mas kawili-wiling lilim at ganap na kontaminado ang larawan.

Ang pagbabago ng lokasyon ng pigura, bagay, anumang pagpapabuti sa komposisyon sa pamamaraang ito ay mahalagang imposibleng gawin. Ngunit salamat sa mabilis na pagpapatayo ng mga pintura sa pagpipinta, ito ay perpekto para sa pagguhit ng mga sketch. At sa mga tuntunin ng paglalarawan ng mga halaman, mga larawan, mga landscape ng lungsod, maaari itong makipagkumpitensya sa mga gawa na gawa sa mga langis.

mantikilya

Ang bawat isa sa mga teknikal na uri ng pagpipinta ay may sariling mga detalye. Nalalapat ito sa parehong paraan ng pagganap at sa masining na paghahatid ng imahe. Ang pagpipinta ng langis ay isa sa mga paboritong pamamaraan ng maraming mga artista. Mahirap magtrabaho dito, dahil nangangailangan ito ng isang tiyak na antas ng kaalaman at karanasan: mula sa paghahanda ng mga kinakailangang bagay at materyales hanggang sa huling yugto - na sumasakop sa nagresultang larawan na may proteksiyon na layer ng barnisan.

Ang buong proseso ng pagpipinta ng langis ay medyo matrabaho. Anuman ang pipiliin mong base: canvas, karton o hardboard (fiberboard), dapat mo muna itong takpan ng panimulang aklat. Ito ay magpapahintulot sa iyo na humiga nang maayos at sumunod sa pintura, hindi upang tumayo mula sa langis. Bibigyan din nito ang background ng nais na texture at kulay. Mayroong maraming mga uri at mga recipe para sa iba't ibang mga lupa. At ang bawat artist ay mas pinipili ang kanyang sarili, tiyak, kung saan siya nakasanayan at kung saan siya ay isinasaalang-alang ang pinakamahusay na pagpipilian.

Tulad ng nabanggit sa itaas, ang gawain ay nagaganap sa maraming yugto, at ang pangwakas ay ang patong ng larawan na may mga sangkap na barnisan. Ginagawa ito upang maprotektahan ang canvas mula sa kahalumigmigan, mga bitak (mesh) at iba pang pinsala sa makina. Ang pagpipinta ng langis ay hindi pinahihintulutan ang trabaho sa papel, ngunit salamat sa buong teknolohiya ng paglalapat ng mga pintura, pinapayagan ka nitong panatilihing buo at ligtas ang mga gawa ng sining sa loob ng maraming siglo.

Fine arts ng China

Nais kong bigyang-pansin ang panahon ng pagpipinta ng Tsino, dahil mayroon itong espesyal na pahina sa kasaysayan ng direksyon ng pagpipinta sa Silangan ay umuunlad nang higit sa anim na libong taon. Ang pagbuo nito ay malapit na nauugnay sa iba pang mga crafts, mga pagbabago sa lipunan at mga kondisyon na nagaganap sa buhay ng mga tao. Halimbawa, pagkatapos ng pagpapakilala ng Budismo sa Tsina, ang mga relihiyosong fresco ay nakakuha ng malaking kahalagahan. Noong mga panahon (960-1127), naging tanyag ang mga makasaysayang pagpipinta, na nagsasabi, bukod sa iba pang mga bagay, tungkol sa pang-araw-araw na buhay. Ang pagpipinta ng landscape ay itinatag ang sarili bilang isang independiyenteng direksyon na sa IV siglo A.D. e. Ang mga imahe ng kalikasan ay nilikha sa asul-berde na kulay at Chinese na tinta. At noong ika-siyam na siglo, ang mga artista ay lalong nagsimulang magpinta ng mga larawan, na naglalarawan ng mga bulaklak, ibon, prutas, insekto, isda, na naglalaman ng kanilang mga mithiin at ang katangian ng panahon sa kanila.

Mga tampok ng pagpipinta ng Tsino

Ang tradisyonal na pagpipinta ng Tsino ay nakikilala sa pamamagitan ng partikular na istilo nito, pati na rin ang mga materyales na ginamit para sa pagpipinta, na, naman, ay nakakaimpluwensya sa mga pamamaraan at anyo ng oriental na sining. Una, ang mga pintor ng Tsino ay gumagamit ng isang espesyal na brush upang lumikha ng mga kuwadro na gawa. Mukhang isang watercolor painting at may partikular na matalim na dulo. Ang ganitong tool ay nagpapahintulot sa paglikha ng mga sopistikadong gawa, at, tulad ng alam mo, ang estilo ng kaligrapya ay malawak na ginagamit sa China. Pangalawa, ang tinta ay ginagamit kahit saan bilang mga pintura - Intsik na tinta (nangyayari na ito ay pinagsama sa iba pang mga kulay, ngunit ginagamit din ito bilang isang independiyenteng pintura). Ito ay nangyayari sa loob ng dalawang libong taon. Kapansin-pansin din na bago ang pagdating ng papel, ipininta ito sa seda sa China. Ngayon, ginagawa ng mga modernong artisan ang kanilang trabaho kapwa sa papel at sa ibabaw ng sutla.

Ang mga ito ay malayo sa lahat ng teknikal na posibilidad ng pagpipinta. Bilang karagdagan sa nabanggit, marami pang iba (gouache, pastel, tempera, fresco, acrylic, wax, pagpipinta sa salamin, porselana, atbp.), kabilang ang mga bersyon ng sining ng may-akda.

Mga panahon ng pagpipinta

Tulad ng anumang uri ng sining, ang pagpipinta ay may sariling kasaysayan ng pagbuo. At higit sa lahat, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang mga yugto ng pag-unlad, mga multifaceted na estilo, mga kagiliw-giliw na direksyon. Ang mga panahon ng pagpipinta ay may mahalagang papel dito. Ang bawat isa sa kanila ay nakakaapekto hindi lamang sa isang piraso ng buhay ng mga tao at hindi lamang sa oras ng ilang mga makasaysayang kaganapan, ngunit isang buong buhay! Kabilang sa mga pinakatanyag na panahon sa sining ng pagpipinta ay: ang Renaissance at Enlightenment, ang gawain ng mga impresyonistang pintor, Art Nouveau, Surrealism at marami, marami pang iba. Sa madaling salita, ang pagpipinta ay isang malinaw na paglalarawan ng isang tiyak na panahon, isang larawan ng buhay, isang pananaw sa mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang artista.

Ang konsepto ng "pagpinta" ay literal na nangangahulugang "isulat ang buhay", upang ilarawan ang katotohanan nang malinaw, dalubhasa, nakakumbinsi. Upang ihatid sa iyong canvas hindi lamang ang bawat detalye, bawat maliit na bagay, sandali, kundi pati na rin ang mood, emosyon, kulay ng isang partikular na oras, estilo at genre ng buong gawa ng sining.

Institusyong pang-edukasyon ng pamahalaang munisipyo ng karagdagang edukasyon

"Paaralan ng sining ng mga bata sa Gorshechenskaya"

Metodolohikal na pag-unlad sa paksang "Pagpipinta bilang isang anyo ng sining"

Inihanda ng guro ng MKOU DO "Gorshechenskaya DSHI"

Sultanov Vladimir Mubaryakovich

Konsepto ng pagpipinta

« Pagpipinta - ito ay isang masining na imahe ng layunin ng mundo sa isang eroplano sa pamamagitan ng mga kulay na materyales ". "Pagpipinta isa sa pinakamahalagang uri ng pinong sining, kung saan ang mga gawain ng makasagisag na pagmuni-muni, interpretasyon at pagkilala ng mga phenomena at mga bagay ng layunin na katotohanan ay nalutas sa pamamagitan ng kulay, na patuloy na nauugnay sa pagguhit. Ang mga pagpipinta ay nilikha gamit ang mga pintura (langis, tubig, waks, pandikit, atbp.), Na inilalapat sa ibabaw ng canvas, plaster, papel, sa isang ceramic na ibabaw, atbp. ”. Nakakita kami ng isang mas pangkalahatang konsepto sa: "Ang pagpipinta ay nangangahulugan ng pagpinta ng buhay, pagsulat nang malinaw, iyon ay, upang ihatid ang katotohanan nang buo at nakakumbinsi."

Mga uri ng pagpipinta

Monumental (mula sa Latin na monumento ay nangangahulugang pagpapanatili ng memorya, nakapagpapaalaala) - isang espesyal na uri ng mga pagpipinta, na nakikilala sa pamamagitan ng isang malaking sukat, na kung saan ay ang dekorasyon ng mga dingding, kisame, domes, vault sa iba't ibang mga istruktura ng arkitektura. Ang isang fresco ay isa sa mga uri ng pagpipinta sa dingding na may mga pintura na diluted na may dalisay o dayap na tubig, sa plaster. Mayroong ilang mga uri ng mga fresco:

alfresco - sa basa, sariwang plaster;

"Fresco a secco" - sa dry plaster;

casein-lime painting - isang pagbabago ng isang dry plaster fresco na lumitaw noong ika-17 siglo;

sgraffito ay ang pinaka-karaniwang anyo ng modernong pagpipinta ng mural, ibig sabihin, layer-by-layer na aplikasyon ng mga pintura sa plaster na may pagkakalantad, scratching out ang mas mababang mga layer, naiiba sa kulay;

Ang graffiti ay isa ring makabagong imbensyon sa larangan ng mural. Ang graffiti ay ginaganap gamit ang mga lata ng aerosol na puno ng mga tina, ang imahe ay nakuha sa pamamagitan ng pag-spray ng mga pintura, ang dami nito ay nakamit kapag ang isang kulay ay pinatong sa isa pa.

Mosaic - isang imahe na gawa sa mga particle ng isang homogenous o iba't ibang materyal ng smalt na bato, ceramic tile, na naayos sa isang layer ng lupa (dayap o semento).Iconography kasama ang mga canon nito ay dumating sa Russia mula sa Byzantium, ngunit ang Old Russian icon painting sa lalong madaling panahon ay naging kakaiba at itinuturing na pinakamahusay sa mundo. Sa Russia, ang icon ay karaniwang pininturahan ng isang buong artel, na pinamumunuan ng isang master. Karamihan sa mga pintor ng icon ay mga monghe, at madalas na hindi natin alam ang kanilang mga pangalan - hindi inilagay ng artista ang kanyang pirma sa icon, dahil nakita niya ang kanyang sarili bilang isang mapagpakumbabang "instrumento" ng Diyos.

Pandekorasyon na pagpipinta umiiral sa dalawang direksyon. Ang una ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit nito upang palamutihan ang mga gusali, interior sa anyo ng mga makukulay na panel, na may makatotohanang imahe ay lumikha ng ilusyon ng pagpapalawak ng dingding, biswal na pagtaas ng laki ng silid, o, sa kabaligtaran, hindi kasama ang mga artipisyal na pinasimple na form. ang naturalistic volume at bigyang-diin ang flatness ng pader, nagsasaad ng pagsasara ng espasyo. Ang mga pattern, wreaths, garlands at iba pang mga uri ng palamuti na nagpapalamuti sa mga gawa ng monumental na pagpipinta ay pinagsama ang lahat ng mga elemento ng interior, na nagbibigay-diin sa kanilang kagandahan at pagkakapare-pareho sa arkitektura. Ang pangalawang direksyon ay nauugnay sa dekorasyon ng mga bagay na nakapaligid sa mga tao ng Juve: mga gamit sa bahay: mga casket, caskets, cutting boards, ladles, staples, chests, atbp. Ang mga tema at anyo nito ay napapailalim sa layunin ng mga bagay at ng may-akda. intensyon.Theatrical at decorative painting (scenery, costume, make-up, props, na ginawa ayon sa sketch ng artist) ay nakakatulong sa malalim na pagsisiwalat ng nilalaman ng dula, pelikula, video.Pagpipinta ng easel ay isang independiyenteng gawain, na sumasalamin sa lahat ng pagkakaiba-iba ng nakapaligid na mundo, na ipinahayag sa iba't ibang mga imahe (mula sa totoong buhay na mga bagay, phenomena hanggang sa hindi layunin na pantasya, na inilalantad ang mundo mula sa ibang punto ng view). Ang mga gawa ng easel painting ay ginagawa sa isang easel, gamit ang kahoy, karton, papel bilang materyal na batayan, ngunit mas madalas ang isang canvas na nakaunat sa isang stretcher.Miniature na pagpipinta (mula sa Latin na minimum - ito ang pagtatalaga para sa cinnabar paint, na lubos na pinahahalagahan noong unang panahon at kadalasang ginagamit sa mga ilustrasyon ng libro). Ang mga miniature ay maliit sa laki, napakakulay na mga imahe, na may pinong iginuhit na maliliit na detalye, na binuo noong Middle Ages, bago ang pag-imbento ng pag-print ng libro.Pagpipinta ng langis ito ay ginanap sa mga pintura na inihanda batay sa walnut, linseed, poppy, hemp oil, na nag-aambag sa pagkamit ng integridad, kasiglahan, biyaya, pagpapahusay ng mga optical na kakayahan sa paglipat ng volume at espasyo, pagtaas ng pangkalahatang aesthetic na tunog ng canvas .Tempera painting ay ginanap sa isang tempera emulsion, na inihanda batay sa paghahalo ng buong itlog, protina, yolk base, pandikit, langis, tina, gatas ng sangay ng igos, barnisan, kasein, waks.Watercolor (mula sa lat. aqua - tubig) mga pintura na nakuha sa batayan ng kola ng gulay, diluted na may tubig, kaya ang pangalan ng pagpipinta.Pagpipinta ng gouache (mula sa Italyano. Guazzo - pintura ng tubig) - mga gawa na ginawa gamit ang mga pintura na binubuo ng mga pinong giniling na pigment na may water-adhesive binder (gum arabic, wheat starch, dextrin, atbp.) at isang admixture ng puti. Ang pagpipinta ng gouache ay maaaring gawin sa papel, karton, linen, sutla, kahoy, salamin, buto).Pagpipinta ng pastel Ginagawa ito gamit ang malambot na mga lapis na walang frame (mga krayola), na nakuha sa pamamagitan ng paghahalo ng pulbos ng pintura na may isang malagkit (cherry glue, dextrin, gelatin, casein). Ang pagpipinta ng pastel ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na naka-mute na mga tono, makinis na ibabaw.Pagpipinta ng waks (encaustic) ay ginamit sa sinaunang Egypt. Ang bleached wax ay ginagamit bilang isang panali sa encaustic. Ang mga pintura ng waks ay inilapat sa isang tinunaw na estado sa isang pinainit na base na may isang brush na may isang pulang-mainit na bronze tool, pagkatapos nito ay na-cauterized (natunaw gamit ang isang brazier).

Mga genre ng pagpipinta

Genre ng mitolohiya (mula sa gr. mythos - alamat) - isang genre ng pagpipinta, kung saan ang pangunahing lugar ay ibinibigay sa imahe ng mga kaganapan at bayani, na siyang paksa ng mga alamat, alamat, tradisyon, epiko ng mga sinaunang tao. Ang huli na antique at medyebal na sining ay naging duyan ng umuusbong na mythological genre, lalo na sa panahon na ang mga alamat ng Greco-Roman ay tumigil na maging mga paniniwala at naging mga akdang pampanitikan, ang layunin nito ay ang moral na edukasyon ng mga henerasyon sa pamamagitan ng iba't ibang mga alegorya.Makasaysayang genre , na ang mga gawa ay nakatuon sa paglalarawan ng mga makabuluhang makasaysayang kaganapan, phenomena o makasaysayang figure. Ang batayan ng mga gawang ito ay isang apela sa makasaysayang nakaraan, gayunpaman, ang mga kamakailang kaganapan ay maaari ding maging paksa ng paglalarawan, sa kondisyon na ang kanilang makasaysayang kahalagahan ay kinikilala ng mga kontemporaryo.Genre ng labanan (mula sa French bataille - labanan) ay isang genre ng pinong sining na nagpapakita ng mga tema ng mga digmaan, labanan, labanan, kampanya o yugto ng buhay militar. Ang genre ng labanan ay maaaring magkaroon ng parehong independiyenteng kahulugan at maging isang mahalagang bahagi ng makasaysayang o mitolohikong genre, pati na rin naglalaman ng ilang elemento ng iba pang mga genre.Genre ng sambahayan (mula sa French genre, German sitten-bild - genus, species, "genre") - ang pinakalaganap na genre ng fine art, kung saan tinutugunan ng artist ang mga tema at paksa ng pang-araw-araw na buhay ng isang tao.Landscape (mula sa French paysage, mula sa pays - lugar, bansa, tinubuang-bayan) - isang genre ng pinong sining, ang pangunahing direksyon kung saan ay ang imahe ng kalikasan, landscape, dagat, terrain panorama, istruktura ng arkitektura, mga lansangan ng lungsod, tulay. Ang mga gawa ng genre na ito ay tinatawag ding mga landscape.Buhay pa (mula sa French naturemorte - dead nature, nature) - isang genre ng fine art, isang hiwalay na gawa ng genre na ito, artistikong nagpapakita ng iba't ibang kagamitan sa bahay, mga instrumentong pangmusika, bulaklak, prutas, laro, pagkain, walang buhay na bagay, atbp. o ang produksyon mismo, na nagsisilbing object ng image artist. Ang buhay pa rin ay maaaring binubuo hindi lamang ng mga bagay na walang buhay, kundi pati na rin ang mga likas na anyo. Ito naman, ay nakaimpluwensya sa paglitaw ng isa pang mas tumpak na pagbabalangkas ng genre na ito. Sa German (stilleben) at sa English (stilllife) ang genre na ito ay tinatawag na quiet life. Nangangahulugan ito na ang lahat ng mga bagay at bagay sa isang still life ay hindi gumagalaw, at sa parehong oras sila ay isang uri ng "echo" ng kanilang may-ari, ang kanyang panloob na mundo, karakter, gawi, atbp.Larawan (mula sa French portrait - imahe) ay isang genre ng fine art, ang pangunahing layunin nito ay upang ilarawan ang isang indibidwal na tao o isang grupo ng mga tao. Ang pangunahing kalidad ng larawan ay namamalagi hindi lamang sa pagkakahawig sa orihinal, na sinisiguro, una sa lahat, sa pamamagitan ng isang tumpak na paglalarawan ng panlabas na anyo ng isang tao, kundi pati na rin sa pagsisiwalat ng kanyang banayad na mental at espirituwal na bagay, na isang mapagmasid. , ang propesyonal na artista ay nakakakuha mula sa mga paggalaw ng mga kalamnan ng mukha, ang likas na katangian ng hitsura, ekspresyon ng mga mata, kilos, pustura, paraan ng pananamit, kapaligiran. Ginagawang posible ng lahat ng mga tampok na ito na bumuo ng isang maaasahang sikolohikal na larawan, na bumubuo sa batayan ng imahe.Hubad (mula sa fr. nu - nakahubad, nakahubad) - isang genre ng pinong sining na nakatuon sa paglalarawan ng isang hubad na katawan. Ang hubad na katawan ay nailarawan na sa Sinaunang Ehipto. Sa Sinaunang Greece, ang tema ng kahubaran ay naging isa sa mga pangunahing para sa mga artista, ang kanilang layunin ay upang ipakita ang kagandahan, pagkakaisa ng mga anyo at mga linya. Para sa mga masters, ang imahe ng isang hubad na modelo ay nagiging isang aesthetic na pamantayan at ang sagisag ng isang buhay at sa parehong oras ay isang artistikong ideal.Animalistic na genre (mula sa lat. hayop - hayop) - isang genre ng pinong sining, ang pangunahing tema kung saan ay ang imahe ng mga kinatawan ng mundo ng hayop.

Ang impluwensya ng kulay sa sikolohikal na estado ng isang tao

Ang pang-unawa sa kulay ay isang kumplikadong proseso na hinihimok ng parehong pisikal at sikolohikal na stimuli, viz. Ang pag-unlad ng paningin ng kulay ng tao ay higit na nakadepende sa mga pagsulong sa larangan ng agham na may kaugnayan sa pagpapasiya ng mga tampok at pattern ng emosyonal at sikolohikal na epekto ng kulay, na nagmula sa pagkilala sa isang elementarya na pang-unawa sa kulay hanggang sa pagkilala sa isang lubos na binuo na kahulugan ng kulay. "Ang kahulugan ng kulay, sa kaibahan sa isang simpleng sensasyon, ay nauunawaan bilang isang kumplikado, nagpapayaman sa pang-unawa ng kulay, kapag lumitaw ang mga representasyon, mga imahe, mga asosasyon na nauugnay sa kulay" (37). Gayunpaman, ang anumang mga tagumpay sa larangan ng agham ay hindi maaaring ganap na maipaliwanag ang marami sa mga phenomena na nangyayari sa isang tao kapag nakikita niya ang isang partikular na kulay. Napatunayan ng maraming pag-aaral ang katotohanan na ang kulay ay may iba't ibang antas at likas na kahulugan para sa isang tao: ang mga relasyon sa kulay sa kapaligiran ay maaaring huminahon, at maaaring makapukaw, makapagpapagaling, makabawi sa anumang mga karamdaman, at maaaring humantong sa isang estado ng malalim na depresyon at nagpapalala sa pisikal at sikolohikal na karamdamang kalusugan. Sa lahat ng ito, alam ang simbolismo ng mga bulaklak, na naka-highlight sa kurso ng makasaysayang pag-unlad ng sangkatauhan, kadalasan ang pagsasanay sa buhay ay hindi nagbibigay ng sapat na pansin sa problema ng kulay sa organisasyon ng kapaligiran, sa edukasyon at pagpapalaki ng mas bata. henerasyon. At ito ay humahantong sa pag-unlad ng maraming negatibong aspeto at maraming stereotyping ng mga personalidad, na humahantong sa isang tiyak na pag-average at, nang naaayon, espirituwal na kahirapan, na hindi nagpapahintulot sa bawat bata na ganap na ihayag ang kanyang sarili sa isang lugar o iba pa. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng gayong paghatol ay ang "pagpapataw ng kulay" na isinasagawa mula sa kapanganakan at kasama ng lahat ng kasunod na buhay. Kapag ang isang bata ay ipinanganak, agad niyang natagpuan ang kanyang sarili sa isang tiyak na kapaligiran ng kulay, na inayos ng mga matatanda, at mabuti kung naiintindihan ng mga matatanda kung gaano kahalaga ang unang pakikipag-ugnayan ng bata na may kulay, at pagkatapos, sa kasong ito, "trauma ng kulay" hindi mangyayari. Sa ganitong kapaligiran, ang bata ay magiging komportable, dahil siya mismo ay isang maayos na nilalang, napaka-sensitibo sa anumang hindi pagkakasundo na mga pagpapakita. At ang mas bata sa bata, mas mataas ang sensitivity, kahit na ang bata ay hindi masasabi tungkol dito, maaari lamang niyang ipakita sa labas (sa pamamagitan ng kanyang pag-iyak, hindi mapakali na pag-uugali, pagsigaw, atbp.). Ngunit sa karamihan ng mga kaso, ang mga may sapat na gulang ay hindi nakakagawa ng isang maayos na kapaligiran ng kulay, dahil sa iba't ibang mga pangyayari (kamangmangan, hindi magandang asal ng aesthetic na panlasa, mga ideolohikal na saloobin sa pagpapalaki ng mga bata, mababang pamantayan ng pamumuhay, atbp.) ) at pagkatapos ay nagsimulang umangkop ang bata sa kapaligirang ito, na nilikha sa paligid niya, at sa gayon ay unti-unting nasanay sa estado ng kawalan ng pagkakaisa. Dagdag pa, ang pakikipag-ugnayan na ito ay nagpapatuloy sa isang institusyong pang-edukasyon sa preschool, kung saan hindi palaging sapat na pansin ang binabayaran sa kadahilanan ng kulay. Kaya, lumalawak ang halo ng "color addiction". Iyon ang dahilan kung bakit ang isang sistema ng mga stereotype ng kulay ay umuunlad nang napakalakas sa mga bata sa gitna at senior na edad ng preschool, nang walang espesyal na pagsasanay sa mga pangunahing kaalaman sa kulay ng agham, at ang dahilan ay hindi lamang ang kawalan o pedagogically hindi naaangkop na patnubay ng pagkamalikhain ng mga bata, kundi pati na rin isang kapaligiran naglalaman ng mga elemento ng malalim na kawalan ng pagkakaisa. Pagdating sa paaralan, kolehiyo, unibersidad, o trabaho, ang isang umuunlad na personalidad ay nahaharap sa parehong problema. Sa huli, ang tinedyer ay tumigil sa pagtugon sa kulay, sa gayon, pinapahirapan ang kanyang pang-unawa sa mundo, sa kasong ito, ang personalidad ay nagiging "awtomatiko", dahil ang karamihan sa mga aksyon ay ginagawa dahil sa kakayahang kumita, materyal na interes, at hindi dahil sa aesthetic at espirituwal na pangangailangan, na prerogative ng tao. Ang isang malungkot at kung minsan ay mapanganib na kahihinatnan ay ang hindi tamang organisasyon ng kapaligiran ng kulay. Ilarawan natin sa mga halimbawang naglalarawan: kumuha ng isang klase o isang madla kung saan gaganapin ang mga klase na nangangailangan ng pansin, tiyaga at pintura, gaya ng madalas na nangyayari, isang kulay, halimbawa, maruming dilaw, pagkatapos ng 1-2 oras na trabaho sa silid na ito, karamihan sumakit ang ulo, nasusuka, pagod, o nabalisa. Ang dahilan dito ay ang gayong lilim ng dilaw sa ilan ay maaaring maging sanhi ng isang pakiramdam ng panganib at samakatuwid ay pukawin ang isang uri ng kaguluhan na nagiging emosyonal na kaguluhan na nakakasagabal sa asimilasyon ng materyal, sa iba, ang gayong lilim ay mag-aambag sa pagpapaliit ng mga daluyan ng dugo, na hahantong sa iba't ibang uri ng pananakit ng ulo. Kung ang parehong silid ay pininturahan sa isang maliwanag na kulay rosas na kulay, kung gayon ang ilan ay magkakaroon ng binibigkas na pangangati, habang ang iba ay magiging bata at pasibo, na humahantong sa kawalan ng pansin at kawalan ng pag-iisip. Marami ang hindi kailanman naisip tungkol sa katotohanan na pagdating sa klinika o ospital, nakakaramdam sila ng pagkabalisa, takot at labis na hindi komportable. At ito ay nangyayari hindi lamang dahil sa mga institusyon ng ganitong uri ang isang tao ay binibigyan ng sakit. Ang isa sa mga dahilan ay ang malamig na scheme ng kulay na ginagamit upang ipinta ang mga dingding (madalas na maaari mong obserbahan ang mapusyaw na asul-berde, asul o puti) Ngunit ito ay tiyak na mga lilim, na itinuturing bilang paglamig, na nagiging sanhi ng mga pakiramdam ng paninigas, na humahantong sa hitsura. ng isang pakiramdam ng takot, na pinalala ng layunin ng silid mismo ... Ang mga halimbawa sa itaas ay muling kinukumpirma kung gaano kalaki ang epekto ng kulay na kapaligiran sa sikolohikal na kalagayan ng isang tao. Samakatuwid, kapag nag-aayos ng isang puwang ng kulay, dapat palaging tandaan ng isa hindi lamang ang tungkol sa layunin ng pagganap nito, kundi pati na rin ang tungkol sa scheme ng kulay, na nag-aambag, una, sa sikolohikal na kaginhawahan ng indibidwal, at pangalawa, sa aesthetic na pagpapalaki nito. Upang makakuha ng mas malalim na pag-unawa sa mga koneksyon at relasyon sa pagitan ng mga kulay ng mga kulay, kinakailangang isaalang-alang ang kanilang simbolikong kahulugan, mga katangian at katangian.

Simbolismo ng kulay

Ang simbolismo ng kulay sa iba't ibang panahon ng pag-unlad ng kultura at sining ay naglaro ng isa sa pinakamahalagang lugar sa pagbuo ng pananaw sa mundo ng lipunan, na nakakaimpluwensya sa pagtatasa ng ideolohikal at masining na nilalaman ng mga gawa. Gayunpaman, makatarungang ituro na sa interpretasyon ng simbolikong kahulugan ng isang partikular na kulay sa iba't ibang panahon at sa iba't ibang bansa, ang pagkakaisa at pagkakakilanlan ay hindi naobserbahan. Halimbawa, "sa Middle Ages, ang pula ay sabay-sabay na nakita bilang ang kulay ng kagandahan at kagalakan, at ang kulay ng galit at kahihiyan. Ang isang pulang balbas at buhok sa isang kaso ay itinuturing na isang tanda ng isang positibong bayani, habang sa iba pang mga paniniwala sa medieval ang isang pulang balbas ay isang simbolo ng pangkukulam. Paghambingin natin ang ilang grupo ng iba't ibang kultura upang matukoy ang simbolikong kahulugan ng kulay. Isinasaalang-alang ng simbolismong Kristiyano ng Kanlurang Europa ang mga pangunahing kulay: puti (pagkadiyos, kabanalan); dilaw (simbolo ng Araw); lila (kamahalan, royalty); pula (ang kulay ng sagradong dugo ni Kristo). Ang berde ay nakita bilang isang makalupang kulay, bilang isang simbolo ng pag-renew ng tagsibol; ang asul ay sumisimbolo sa kabanalan ng langit at katotohanan; ang itim ay kumilos bilang isang simbolo ng negatibong phenomena, pagkamakasalanan. Ang simbolismo ng kulay sa buhay panlipunan ng Kanlurang Europa ay may ilang pagkakaiba sa interpretasyong relihiyon. Ang simbolismo ng kulay na ito ay naging matatag na itinatag sa heraldry ng kulay ng maraming bansa at nagkaroon pa nga ng puwersa ng batas. Kaya puti (pilak, pagiging patas); dilaw (ginto, kayamanan); pula (lakas, demokrasya); berde (pagkamayabong, pamumulaklak); asul (kawalang-kasalanan, kapayapaan); asul (karunungan); lila (kalungkutan, pagkabalisa); itim (pagluluksa, kamatayan). Sa kulturang Islam, ang mga simbolo ng kulay ay parehong tiyak na metapora at isang paraan ng pagtatalaga ng kulay sa alchemy, agham at buhay. Kaya ang pangunahing kulay sa simbolismo ng Islam ay puti (kabanalan at dignidad, sa isang banda, at maligayang pagluluksa, sa kabilang banda). Ang pangalawang pangunahing kulay ay dilaw bilang simbolo ng Araw, Ginto, Kagalakan. Ang ikatlong pangunahing kulay ay pula, ibig sabihin Apoy, Dugo bilang tanda ng buhay. Ang asul ay nakita bilang isang simbolo ng katahimikan ng Gabi at Kamatayan. Ang berde ang pangunahing kulay ng paraiso ng Muslim. Sa kulay na ito, ang parehong makalupang at makalangit na simula ay pinagsama. Ang itim ay tumutugma sa negatibong bahagi ng buhay, na may masamang budhi at masamang motibo. Sa Russia, ang pula ay itinuturing na isang tanda ng kagandahan, at ang lahat na nauugnay sa konsepto ng "maganda" ay tinawag na pula: "Red Square", "red porch", "red corner", "spring-red", "red. babae". Ang makabagong simbolismo ng kulay ay kasama sa patula na metapora ng kulay at naglalaman ng mga palatandaan ng sikolohikal na kahulugan. Sa kasalukuyan, isang pinalawak na sistema ng mga simbolo ng kulay ang nilikha: dilaw (kagalakan, paninibugho, inggit); pula (pag-ibig, pagsinta, galit); asul (infinity, pananabik, espasyo); berde (kalikasan, kabataan); puti (kadalisayan, kawalang-kasalanan, pagpapakumbaba, pagpapatahimik); itim (kadiliman, karimlan, kamatayan) at marami pang iba. Upang mas malinaw na isaalang-alang kung paano nagbago ang ideya ng simbolikong kahulugan ng kulay sa iba't ibang kultura, gagawa kami ng isang talahanayan na nagpapakita ng mga pangunahing katangian ng isang partikular na kulay. Para sa pagsusuri, kinuha ang mga kulay na madalas na nakakaharap at nagsalubong sa iba't ibang kultura.

Ang tao ay palaging nagsusumikap para sa kagandahan, pagkakaisa at pagpapahayag ng sarili. Ang pagnanais na ito mula sa sinaunang panahon ay ipinahayag sa pagpipinta- isang anyo ng pinong sining, ang mga unang gawa na makikita natin sa mga gawa ng primitive na tao.

Pagpipinta naghahatid ng mga visual na larawan sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pintura sa isang solid o nababaluktot na base (canvas, kahoy, papel, karton). Depende sa mga pintura at materyales na ginamit, ang mga base ay nakikilala sa pamamagitan ng iba't ibang mga technician at mga uri ng pagpipinta... Sa kanila:

• mantikilya;
• tempera;
• enamel;
• gouache;
• pastel;
• tinta;
• pagpipinta sa plaster: fresco at isang secco;
• watercolor;
• tuyong brush;
• acrylic;
• halo-halong media
• at marami pang iba.

Mayroong isang mahusay na maraming mga diskarte sa pagpipinta. Ang lahat ng nag-iiwan ng anumang bakas sa isang bagay, mahigpit na pagsasalita, ay pagpipinta: ang pagpipinta ay nilikha ng kalikasan, oras at tao.

Kulay sa pagpipinta ay isa sa pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag. Siya mismo ay maaaring maging tagapagdala ng isang tiyak na ideya, bilang karagdagan, maaari niyang i-multiply ang pag-iisip na likas sa balangkas ng larawan.

Ang pagpipinta ay nagagawang gumising sa atin ng iba't ibang uri ng damdamin at emosyon. Pag-isipan, kaya mo mapuno ng pakiramdam ng pagkakaisa at kapayapaan, pampawala ng stress at isawsaw ang iyong sarili sa pag-iisip, Pwede ba maging energized at ang pagnanais na matupad ang iyong mga pangarap. Ang isang larawan na malapit sa damdamin ay maaaring mapanatili ang pansin sa loob ng maraming oras, at ang may-ari ng naturang larawan ay makakahanap dito sa tuwing may mga bagong kahulugan, ideya at mensahe ng artist. Ang pagmumuni-muni ay isang anyo ng pagmumuni-muni kung saan isinulong mo ang iyong sarili sa iyong panloob na mundo at gumugugol ng kinakailangang oras na mag-isa sa iyong sarili.

Bukod dito, pagpipinta tulad ng ibang anyo ng sining, tumutulong upang ipahayag ang iyong sarili, ang iyong mga emosyon at mood, pinapawi ang stress at panloob na tensyon, at kung minsan ay nakakahanap ng mga sagot sa mahahalagang tanong.

Para sa maraming tao, ang pagpipinta ay nagiging hindi lamang isang kaaya-ayang palipasan ng oras, kundi isang kapaki-pakinabang na palipasan ng oras na may kapaki-pakinabang na epekto sa panloob na estado. Sa pamamagitan ng paglikha ng isang bagong bagay, ang isang tao ay nagpapakita ng kanyang potensyal, napagtanto ang kanyang mga malikhaing kakayahan, natututo sa kanyang sarili at sa mundo sa kanyang paligid.

Isinaaktibo ng mga klase sa pagpipinta ang kanan(malikhain, emosyonal) cerebral hemisphere... Ito ay napakahalaga sa ating makatwiran at makatuwirang edad. Ang pagpapakawala ng pagkamalikhain ay nakakatulong upang makamit ang tagumpay sa ganap na magkakaibang mga lugar ng buhay(karera, relasyon sa mga mahal sa buhay, personal na paglago) habang ang pagkamalikhain at kakayahang umangkop ay nagiging bahagi ng iyong personalidad.

Marahil bilang isang bata mahilig kang gumuhit, at ang iyong mga magulang ay hindi nais na ipadala ka sa art school? O palagi mo bang pinangarap na maipahayag nang maganda ang iyong mga saloobin gamit ang mga visual na imahe? "Hindi pa huli ang lahat para matuto ng pagpipinta!", - sabi ng mga modernong guro. Sa kasalukuyang iba't ibang mga diskarte, genre at materyales, lahat ay makakahanap ng bagay na angkop para sa kanilang sarili. At maaari mong pag-aralan ang mga pangunahing kaalaman sa komposisyon at mag-navigate sa mga modernong istilo at uso sa mga espesyal na kurso sa pagpipinta para sa mga matatanda.

Ang pagpipinta ay isang buong mundo ng kagandahan, mga larawan at mga kulay... Kung nais mong maging isang direktang kalahok sa paglikha nito, kung gayon ang pagpipinta ay para sa iyo!

Mula noong sinaunang panahon, ang pagpipinta ay sinamahan ng buhay ng tao. Sinasabi sa atin ng mga rock painting ang tungkol sa buhay ng mga primitive na tao. Ano ang pagpipinta?

Pagpinta: kahulugan at uri

Ang pagpipinta ay isang anyo ng sining na ang aplikasyon ng mga visual na imahe gamit ang mga pintura sa isang base.

Sa modernong mundo, kabilang din sa anyong ito ng sining ang paglikha ng mga imahe gamit ang mga digital na teknolohiya, at ang mga gawa mismo ng sining, na ginawa sa mga ganitong paraan.

Bilang karagdagan, ang pagpipinta ay isang mahalagang paraan ng paghahatid ng katotohanan, damdamin at estado ng kaluluwa ng isang tao. Bilang karagdagan sa mga kuwadro na inilalarawan sa canvas, kasama rin sa pagpipinta ang mga pader ng pagpipinta, mga sisidlan ng kumplikadong mga hugis, kahoy, karton, papel at iba pang mga ibabaw. Ang pagpipinta ay madalas na kasama ng arkitektura.

Sa pamamagitan ng likas na katangian ng pagpapatupad at layunin, ang mga sumusunod na uri ng pagpipinta ay nakikilala:

• Monumental - pandekorasyon ay isang uri ng pagpipinta na tumutulong upang lumikha ng kapaligiran ng isang istraktura ng arkitektura o isang ensemble (mga kuwadro na gawa sa dingding, mga panel).
• Pandekorasyon (tanaw, kasuotan).
• Iconography.
• Miniature. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay ginagamit upang ilarawan ang mga libro, manuskrito.
• Panorama - pagsulat ng isang imahe na may isang pabilog na view, at lumilikha ng ilusyon ng katotohanan.
• Diorama - Lumilikha ng isang hubog na imahe.
• Pagpipinta ng easel.

Ano ang easel painting? Ito ay isang imahe ng mga pagpipinta na nakikita nang hiwalay sa mundo sa kanilang paligid. Ibig sabihin, isang larawang ginawa sa isang machine tool - isang easel. Para sa karamihan, ito ay ang mga gawa ng easel painting na ipinakita sa mga museo.

Sa artikulong ito, natutunan mo ang kaunti tungkol sa pagpipinta, tungkol sa isang kahanga-hangang anyo ng pinong sining, na nakalulugod sa amin sa loob ng maraming siglo.