Mga painting ng mga European artist noong ika-19 na siglo. Mga dayuhang artista noong ika-19 na siglo: ang pinakamaliwanag na pigura ng sining at ang kanilang pamana
Ang ika-19 na siglo ay nag-iwan ng mga imprints sa lahat ng anyo ng sining. Ito ay panahon ng pagbabago ng mga pamantayan at pangangailangan ng lipunan, napakalaking pag-unlad sa arkitektura, konstruksiyon at industriya. Ang mga reporma at rebolusyon ay aktibong isinasagawa sa Europa, ang mga organisasyon ng pagbabangko at pamahalaan ay nililikha, at lahat ng mga pagbabagong ito ay may direktang epekto sa mga artista. Ang mga dayuhang artista noong ika-19 na siglo ay nagsagawa ng pagpipinta sa isang bago, mas modernong antas, unti-unting ipinakilala ang mga uso gaya ng impresyonismo at romantikismo, na kailangang dumaan sa maraming pagsubok bago makilala ng lipunan. Ang mga artista ng nakalipas na mga siglo ay hindi nagmamadali na bigyan ang kanilang mga karakter ng marahas na emosyon, ngunit inilalarawan sila bilang higit o mas pinipigilan. Ngunit ang impresyonismo ay may mga tampok na walang pigil at matapang na mundo ng pantasiya, na malinaw na sinamahan ng romantikong misteryo. Noong ika-19 na siglo, nagsimulang mag-isip ang mga artista sa labas ng kahon, ganap na tinatanggihan ang mga tinanggap na pattern, at ang katatagan na ito ay ipinadala sa mood ng kanilang mga gawa. Sa panahong ito, maraming mga artista ang nagtrabaho, na ang mga pangalan ay itinuturing pa rin nating mahusay, at ang kanilang mga gawa ay hindi matutulad.
France
Espanya
Ang Iberian Peninsula ay nagbigay din sa amin ng maraming sikat na pangalan, kabilang ang:
Netherlands
Si Vincent van Gogh ay isa sa pinakasikat na mga Dutch. Tulad ng alam ng lahat, si Van Gogh ay nagdusa mula sa isang malubhang sakit sa pag-iisip, ngunit hindi ito nakakaapekto sa kanyang panloob na henyo. Ginawa sa isang hindi pangkaraniwang pamamaraan, ang kanyang mga pagpipinta ay naging tanyag lamang pagkatapos ng pagkamatay ng artista. Ang pinakasikat: "Starry Night", "Irises", "Sunflowers" ay kasama sa listahan ng mga pinakamahal na gawa ng sining sa buong mundo, kahit na si Van Gogh ay walang espesyal na edukasyon sa sining.
Norway
Si Edvard Munch ay tubong Norway, sikat sa kanyang pagpipinta. Ang gawain ni Edvard Munch ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng mapanglaw at isang tiyak na kawalang-ingat. Ang pagkamatay ng kanyang ina at kapatid na babae sa pagkabata at hindi maayos na mga relasyon sa mga kababaihan ay lubos na nakaimpluwensya sa estilo ng pagpipinta ng artist. Halimbawa, ang kilalang gawaing "Scream" at hindi gaanong sikat - "Sick Girl" ay nagdadala ng sakit, pagdurusa at pang-aapi.
USA
Si Kent Rockwell ay isa sa mga sikat na American landscape painters. Pinagsasama ng kanyang mga gawa ang pagiging totoo at romantiko, na napakatumpak na naghahatid ng mood ng inilalarawan. Maaari mong tingnan ang kanyang mga landscape nang maraming oras at bigyang-kahulugan ang mga simbolo nang iba sa bawat oras. Ilang mga artista ang nakapaglarawan ng kalikasan ng taglamig sa paraang ang mga taong tumitingin dito ay talagang nakakaranas ng lamig. Ang saturation at contrast ng kulay ay isang nakikilalang lagda ng Rockwell.
Ang ika-19 na siglo ay mayaman sa mga mahuhusay na tagalikha na gumawa ng malaking kontribusyon sa sining. Ang mga dayuhang artista noong ika-19 na siglo ay nagbukas ng mga pintuan sa ilang mga bagong uso, tulad ng post-impressionism at romanticism, na, sa katunayan, ay naging isang mahirap na gawain. Karamihan sa kanila ay walang kapaguran na pinatunayan sa lipunan na ang kanilang trabaho ay may karapatang umiral, ngunit marami ang nagtagumpay, sa kasamaang-palad, pagkatapos lamang ng kamatayan. Ang kanilang walang pigil na karakter, tapang at pagpayag na lumaban ay pinagsama sa pambihirang talento at kadalian ng pang-unawa, na nagbibigay sa kanila ng bawat karapatan na sakupin ang isang makabuluhan at makabuluhang cell.
Ang pagdami ng mga masining na kilusan noong ika-19 na siglo ay bunga ng proseso ng modernisasyon. Ang masining na buhay ng lipunan ay natukoy na ngayon hindi lamang ng mga dikta ng simbahan at ng paraan ng mga bilog ng korte. Ang pagbabago sa istrukturang panlipunan ay humantong sa isang pagbabago sa pang-unawa ng sining sa lipunan: ang mga bagong strata ng lipunan ng mga mayayaman at edukadong tao ay umuusbong na may kakayahang nakapag-iisa na suriin ang mga gawa ng sining, na nakatuon lamang sa pangangailangan ng panlasa. Noong ika-19 na siglo nagsimulang magkaroon ng hugis ang kulturang masa; mga pahayagan at magasin mula sa isyu hanggang sa isyu, na nag-imprenta ng mahahabang nobela na may nakakaaliw na balangkas, ang naging prototype ng mga serye sa telebisyon sa sining ng ika-20 siglo.
Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pagpaplano ng lunsod sa isang hindi pa naganap na sukat ay nabuksan sa Europa. Karamihan sa mga European capitals - Paris, St. Petersburg, Berlin - ay nakuha ang kanilang katangian na hitsura; sa kanilang mga ensemble sa arkitektura, tumaas ang papel ng mga pampublikong gusali. Ang sikat na Eiffel Tower, na itinayo noong 1889 para sa pagbubukas ng World Exhibition, ay naging simbolo ng Paris. Ang Eiffel Tower ay nagpakita ng mga teknikal na kakayahan ng isang bagong materyal - metal. Gayunpaman, ang orihinal na solusyon sa sining ay hindi agad nakilala, ang tore ay tinawag na gibain, na tinatawag na napakapangit.
Neoclassicism sa unang kalahati ng siglo XIX. nakaranas ng huli na kaarawan, ngayon ay natatanggap nito ang pangalang Empire (mula sa Pranses na "imperyo"), ang istilong ito ay nagpahayag ng kadakilaan ng imperyo na nilikha ni Napoleon. Sa kalagitnaan ng siglo, ang pangunahing problema ng arkitektura ng Europa ay ang paghahanap ng istilo. Dahil sa romantikong pagkahumaling sa sinaunang panahon, sinubukan ng maraming mga master na buhayin ang mga tradisyon ng arkitektura ng nakaraan - ito ay kung paano lumitaw ang neo-Gothic, neo-Renaissance, neo-baroque. Ang mga pagsisikap ng mga arkitekto ay madalas na humantong sa eclecticism - isang mekanikal na kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga estilo, luma at bago.
Sa masining na buhay ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang romantikismo ay nanaig, na sumasalamin sa pagkabigo sa ideolohiya ng Enlightenment. Ang romantikismo ay naging isang espesyal na pananaw sa mundo at paraan ng pamumuhay. Ang romantikong ideyal ng isang tao na hindi nauunawaan ng lipunan ay bumubuo sa paraan ng pag-uugali ng itaas na saray nito. Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsalungat ng dalawang mundo: ang tunay at ang haka-haka. Ang katotohanan ay itinuturing na walang kaluluwa, hindi makatao, hindi karapat-dapat sa isang tao at sumasalungat sa kanya. Ang "prose of life" ng totoong mundo ay laban sa mundo ng "poetic reality", ang mundo ng ideal, pangarap at pag-asa. Nakikita ang mundo ng mga bisyo sa kontemporaryong katotohanan, sinusubukan ng romanticism na makahanap ng isang paraan para sa tao. Ang paglabas na ito ay kasabay ng pag-alis sa lipunan sa iba't ibang paraan: ang bayani ay napupunta sa kanyang sariling panloob na mundo, lampas sa mga limitasyon ng totoong espasyo at isang pag-alis sa ibang panahon. Nagsisimula ang romantikismo na gawing ideyal ang nakaraan, lalo na ang Middle Ages, na nakikita dito ang katotohanan, kultura, at mga halaga bilang hamog na nagyelo.
Si Eugene Delacroix (1798-1863) ay nakatadhana na maging pinuno ng French romanticism sa pagpipinta. Ang hindi mauubos na imahinasyon ng artist na ito ay lumikha ng isang buong mundo ng mga imahe na nabubuhay pa rin sa canvas sa kanilang matinding, puno ng pakikibaka at mga hilig sa buhay. Si Delacroix ay madalas na gumuhit ng mga motibo mula sa mga gawa ni William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, bumaling sa mga kaganapan ng Rebolusyong Pranses, iba pang mga yugto ng pambansang kasaysayan ("Labanan ng Poitiers"). Nakuha ni Delacroix ang maraming larawan ng mga tao sa Silangan, pangunahin ang mga Algerians at Moroccans, na nakita niya sa kanyang paglalakbay sa Africa. Sa The Massacre on the Island of Chios (1824), sinasalamin ni Delacroix ang pakikibaka ng mga Griyego laban sa pamamahala ng Turko, na noon ay nag-aalala sa buong Europa. Isang grupo ng nagdurusa na bihag na mga Griyego sa harapan ng larawan, kabilang ang isang babaeng nabalisa sa kalungkutan at isang bata na gumagapang sa dibdib ng isang patay na ina, ang artista ay nagkumpara sa mga mapagmataas at malupit na pigura ng mga nagpaparusa; isang nasusunog na wasak na lungsod ang nakikita sa malayo. Ang pagpipinta ay tumama sa mga kontemporaryo ng nakamamanghang kapangyarihan ng pagdurusa ng tao, at sa hindi pangkaraniwang matapang at matingkad na kulay nito.
Ang mga pangyayari sa Rebolusyong Hulyo ng 1830, na nagtapos sa pagkatalo ng rebolusyon at pagpapanumbalik ng monarkiya, ay nagbigay inspirasyon kay Delacroix na likhain ang kilalang pagpipinta na Liberty sa Barricades (1830). Ang babaeng nagtaas ng tatlong kulay na bandila ng French Republic ay kumakatawan sa kalayaan. Ang imahe ng kalayaan sa mga barikada 0 personipikasyon ng pakikibaka.
Ang Espanyol na pintor na si Francisco Goya (1746-1828) ay isang sikat na kinatawan ng romantikismo sa buong mundo. Si Goya ay naging isang pangunahing artista na medyo huli na. Ang unang makabuluhang tagumpay ay nagdala sa kanya ng dalawang serye (1776-1791) ng maraming tapiserya na nilikha para sa Royal Manufactory ng Santa Barbara sa Madrid ("Umbrella", "Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", "Wedding". "). Noong dekada 90. XVIII siglo sa gawain ng Goya, ang mga tampok ng trahedya, poot sa pyudal-klerikal na Espanya ng "lumang pagkakasunud-sunod" ay lumalaki. Ang kapangitan ng mga moral, espirituwal at pampulitikang pundasyon nito ay ipinahayag ni Goya sa isang katawa-tawa-trahedya na anyo, na nagpapakain sa mga mapagkukunan ng alamat, sa isang malaking serye ng mga ukit na "Caprichos" (80 mga sheet na may mga komento ng artist); ang matapang na novelty ng masining na wika, ang matalas na pagpapahayag ng mga linya at stroke, ang mga kaibahan ng liwanag at anino, ang kumbinasyon ng katawa-tawa at katotohanan, alegorya at pantasya, panlipunang pangungutya at isang matino na pagsusuri ng katotohanan ay nagbukas ng mga bagong paraan para sa pag-unlad ng European engraving. Noong 1790s - unang bahagi ng 1800s, ang portrait work ni Goya ay umabot sa isang pambihirang pamumulaklak, kung saan ang isang pagkabalisa na pakiramdam ng kalungkutan (portrait ni Senora Bermudez), matapang na paghaharap at hamon sa kapaligiran (portrait ni F. Guimardet), ang aroma ng misteryo at nakatago sensuality ("Maja dressed "at" Nude Maha "). Sa kahanga-hangang puwersa ng pananalig, nakuha ng artista ang pagmamataas, pisikal at espirituwal na kapahamakan ng maharlikang pamilya sa larawan ng grupo na "Ang Pamilya ni Charles IV". Malalim na historicism, marubdob na protesta na puno ng malalaking painting ni Goya na nakatuon sa pakikibaka laban sa interbensyong Pranses ("Pag-aalsa noong Mayo 2, 1808 sa Madrid", "Pagbaril sa mga rebelde noong gabi ng Mayo 3, 1808"), isang serye ng mga ukit pilosopiko na nauunawaan ang kapalaran ng mga tao na "Mga Kalamidad ng Digmaan" ( 82 sheet, 1810-1820).
Francisco Goya "Caprichos"
Kung sa panitikan ang pagiging subject ng pang-unawa ng isang artista ay natuklasan sa pamamagitan ng simbolismo, kung gayon sa pagpipinta ang isang katulad na pagtuklas ay ginawa ng impresyonismo. Ang impresyonismo (mula sa French impression - impression) ay isang trend sa European painting na nagmula sa France noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Iniwasan ng mga Impresyonista ang anumang mga detalye sa pagguhit at sinubukang makuha ang pangkalahatang impresyon ng kung ano ang nakikita ng mata sa isang partikular na sandali. Nakamit nila ang epektong ito sa tulong ng kulay at pagkakayari. Ang masining na konsepto ng impresyonismo ay batay sa pagnanais na natural at natural na makuha ang nakapaligid na mundo sa pagkakaiba-iba nito, na naghahatid ng kanilang mga panandaliang impresyon. Ang matabang lupa para sa pagbuo ng impresyonismo ay inihanda ng mga artista ng paaralan ng Barbizon: sila ang unang nagpinta ng mga sketch mula sa kalikasan. Ang prinsipyo ng "pagpinta kung ano ang nakikita mo sa gitna ng liwanag at hangin" ay naging batayan ng plein air painting ng mga Impresyonista.
Noong 1860s, sinubukan ng mga batang pintor ng genre na sina E. Manet, O. Renoir, E. Degas na magbigay ng inspirasyon sa pagpipinta ng Pransya na may kasariwaan at kamadalian ng pagmamasid sa buhay, na naglalarawan ng mga instant na sitwasyon, unsteadiness at kawalan ng balanse ng mga anyo at komposisyon, hindi pangkaraniwang mga anggulo at pananaw . Ang pagtatrabaho sa labas ay nakatulong sa paglikha sa mga canvases ng pakiramdam ng kumikinang na niyebe, ang kayamanan ng mga natural na kulay, ang pagkatunaw ng mga bagay sa kapaligiran, ang vibration ng liwanag at hangin. Ang mga impresyonistang artista ay nagbigay ng espesyal na atensyon sa kaugnayan ng isang bagay sa kapaligiran nito, sa pag-aaral ng pagbabago sa kulay at tono ng isang bagay sa isang nagbabagong kapaligiran. Hindi tulad ng mga romantiko at realista, hindi na sila hilig na ilarawan ang makasaysayang nakaraan. Ang pagiging moderno ay ang kanilang lugar ng interes. Ang buhay ng mga maliliit na cafe sa Paris, maingay na kalye, magagandang mga bangko ng Seine, mga istasyon ng tren, mga tulay, ang hindi kapansin-pansing kagandahan ng mga rural na landscape. Hindi na handang hawakan ng mga artista ang matinding problema sa lipunan.
Ang gawain ni Edouard Manet (1832-1883) ay inaasahan ang isang bagong direksyon sa pagpipinta - impresyonismo, ngunit ang artist mismo ay hindi sumali sa kilusang ito, kahit na medyo binago niya ang kanyang malikhaing istilo sa ilalim ng impluwensya ng mga impresyonista. Ipinahayag ni Manet ang kanyang programa: "Ibuhay ang iyong oras at ilarawan kung ano ang nakikita mo sa harap mo, pagtuklas ng tunay na kagandahan at tula sa pang-araw-araw na takbo ng buhay." Kasabay nito, sa karamihan ng mga gawa ni Manet ay walang aksyon, kahit isang kaunting plot plot. Ang Paris ay nagiging palaging motibo para sa trabaho ni Manet: ang karamihan ng tao sa lungsod, mga cafe at sinehan, ang mga lansangan ng kabisera.
Édouard Manet "Bar sa Folies Bergère"
Edourd Manet "Musika sa Tuileries"
Ang mismong pangalang Impresyonismo ay nagmula sa tanawin ni Claude Monet (1840-1926) “Impresyon. pagsikat ng araw".
Sa gawain ni Monet, ang elemento ng liwanag ay nakakuha ng isang nangungunang papel. Sa pamamagitan ng 70s. ika-19 na siglo Ang kahanga-hangang "Boulevard des Capucines" ay isa sa mga ito, kung saan ang mga brush na inihagis sa canvas ay naghahatid ng parehong pananaw ng isang abalang kalye na papunta sa malayo, isang walang katapusang daloy ng mga karwahe na gumagalaw sa kahabaan nito, at isang masayang maligayang pulutong. Nagpinta siya ng maraming mga kuwadro na may pareho, ngunit naiiba ang iluminadong paksa ng pagmamasid. Halimbawa, isang dayami sa umaga, sa tanghali, sa gabi, sa liwanag ng buwan, sa ulan, at iba pa.
Marami sa mga nagawa ng Impresyonismo ay nauugnay sa gawain ni Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), na pumasok sa kasaysayan ng sining bilang isang "pintor ng kaligayahan." Talagang nilikha niya sa kanyang mga pagpipinta ang isang espesyal na mundo ng mapang-akit na kababaihan at matahimik na mga bata, masayang kalikasan at magagandang bulaklak. Sa buong buhay niya, nagpinta si Renoir ng mga landscape, ngunit ang kanyang bokasyon ay nanatiling imahe ng isang tao. Gustung-gusto niyang magpinta ng mga pagpipinta ng genre, kung saan sa kamangha-manghang kasiglahan ay muling nilikha niya ang pagmamadali ng mga lansangan at boulevard ng Paris, ang katamaran ng mga cafe at sinehan, ang kasiglahan ng mga paglalakad sa bansa at mga pista opisyal sa labas. Ang lahat ng mga kuwadro na ito, na ipininta sa bukas na hangin, ay nakikilala sa pamamagitan ng sonority ng kulay. Ang pagpipinta na "Moulin de la Galette" (folk ball sa hardin ng Montmartre dance hall) ay isang obra maestra ng Renoir impressionism. Nahuhulaan nito ang masiglang ritmo ng sayaw, ang pagkislap ng mga batang mukha. Walang mga biglaang paggalaw sa komposisyon, at ang isang pakiramdam ng dinamika ay nilikha sa pamamagitan ng ritmo ng mga spot ng kulay. Ang spatial na organisasyon ng larawan ay kawili-wili: ang foreground ay ibinigay mula sa itaas, ang mga nakaupo na figure ay hindi nakakubli sa mga mananayaw. Maraming mga larawan ang pinangungunahan ng mga bata at batang babae, sa mga larawang ito ay ipinakita ang kanyang husay: "Boy with a cat", "Girl with a fan".
Ang isang aktibong kalahok sa lahat ng mga eksibisyon, si Edgar Degas (1834 - 1917), ay malayo sa lahat ng mga prinsipyo ng mga Impresyonista: siya ay isang kalaban ng plein air, hindi nagpinta mula sa buhay, hindi naghangad na makuha ang likas na katangian ng iba't ibang mga estado. ng kalikasan. Ang isang makabuluhang lugar sa gawain ni Degas ay inookupahan ng isang serye ng mga pagpipinta na naglalarawan ng isang hubad na babaeng katawan. Marami sa kanyang mga kuwadro na gawa ng mga nakaraang taon ay nakatuon sa "babae sa banyo." Sa maraming mga gawa, ipinakita ni Degas ang katangian ng pag-uugali at hitsura ng mga tao, na nabuo ng mga kakaibang katangian ng kanilang buhay, ay nagpapakita ng mekanismo ng isang propesyonal na kilos, pustura, paggalaw ng tao, ang kanyang plastik na kagandahan ("Ironers", "Laundresses with linen"). Sa pagpapatibay ng aesthetic na kahalagahan ng buhay ng mga tao, ang kanilang pang-araw-araw na gawain, ang kakaibang humanismo ng akda ni Degas ay makikita. Ang sining ng Degas ay likas sa kumbinasyon ng maganda, kung minsan ay hindi kapani-paniwala, at ang prosaic: paghahatid ng maligaya na diwa ng teatro sa maraming mga eksena ng ballet ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").
Sinasaklaw ng Post-Impresyonismo ang panahon mula 1886, kung kailan ginanap ang huling impresyonistang eksibisyon, na nagpakita ng mga unang gawa ng Neo-Impresyonista, hanggang sa 1910s, na nagpahayag ng pagsilang ng isang ganap na bagong sining sa mga anyo ng Cubism at Fauvism. Ang terminong "Post-Impresyonismo" ay ipinakilala ng Ingles na kritiko na si Roger Fry, na nagpapahayag ng pangkalahatang impresyon ng eksibisyon ng modernong Pranses na sining na inorganisa niya sa London noong 1910, na nagtanghal ng mga gawa nina Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne at iba pa. mga artista.
Ang mga post-impressionist, na marami sa kanila ay dating sumali sa impresyonismo, ay nagsimulang maghanap ng mga paraan ng pagpapahayag hindi lamang ng panandalian at lumilipas - bawat sandali, sinimulan nilang maunawaan ang mga pangmatagalang estado ng mundo sa kanilang paligid. Ang post-impressionism ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang mga malikhaing sistema at pamamaraan na nakaimpluwensya sa kasunod na pag-unlad ng sining. Inaasahan ng gawa ni Van Gogh ang pagdating ng Expressionism, si Gauguin ang nagbigay daan para sa Art Nouveau.
Si Vincent van Gogh (1853-1890) ay lumikha ng pinakamatingkad na artistikong mga imahe sa pamamagitan ng pag-synthesize (pagsasama-sama) ng pagguhit at kulay. Ang pamamaraan ni Van Gogh ay mga tuldok, kuwit, patayong linya, solidong batik. Ang mga kalsada, kama at mga tudling nito ay talagang tumatakbo sa malayo, at ang mga palumpong ay nasusunog sa lupa na parang apoy. Hindi niya inilarawan ang isang nahuli na sandali, ngunit ang pagpapatuloy ng mga sandali. Hindi niya inilarawan ang epektong ito ng isang punong nabaluktot ng hangin, ngunit ang mismong paglaki ng isang puno mula sa lupa .. Alam ni Van Gogh kung paano gawing kosmiko ang lahat. Ang kaluluwa ni Van Gogh ay humingi ng maliliwanag na kulay, palagi siyang nagreklamo sa kanyang kapatid tungkol sa kakulangan ng lakas kahit na sa kanyang paboritong maliwanag na dilaw na kulay.
Ang Starry Night ay hindi ang unang pagtatangka ni Van Gogh na ilarawan ang kalangitan sa gabi. Noong 1888, sa Arles, ipininta niya ang Starry Night sa ibabaw ng Rhone. Nais ni Van Gogh na ilarawan ang mabituing gabi bilang isang halimbawa ng kapangyarihan ng imahinasyon, na maaaring lumikha ng higit pang kamangha-manghang kalikasan kaysa sa maaari nating makita kapag tumitingin sa totoong mundo.
Ang isang mas mataas na pang-unawa sa katotohanan at kawalan ng timbang sa isip ay humantong kay Van Gogh sa sakit sa isip. Dumating si Gauguin upang manatili sa Arles, ngunit ang mga pagkakaiba sa pagkamalikhain ay nagdudulot ng away. Binato ni Van Gogh ang isang baso sa ulo ng artista, pagkatapos, pagkatapos ng deklarasyon ni Gauguin ng kanyang balak na umalis, itinapon niya ang kanyang sarili sa kanya gamit ang isang labaha. Sa sobrang kabaliwan sa gabi ng parehong araw, pinutol ng artist ang kanyang tainga ("Self-Portrait na may Bandaged Ear").
Ang gawain ni Paul Gauguin (1848-1903) ay hindi mapaghihiwalay sa kanyang malagim na kapalaran. Ang pinakamahalagang bagay sa istilong konsepto ni Gauguin ay ang kanyang pag-unawa sa kulay. Tungkol sa. Tahiti, kung saan umalis ang artista noong 1891, sa ilalim ng impluwensya ng mga primitive na anyo ng sining ng Polynesian, nagpinta siya ng mga larawan na nakikilala sa pamamagitan ng dekorasyon, mga patag na anyo at pambihirang purong mga kulay. Ang "exotic" na pagpipinta ni Gauguin - "Nagseselos ka ba?", "Ang kanyang pangalan ay Vairaumati", "Babae na may hawak na prutas" - hindi gaanong sumasalamin sa mga likas na katangian ng mga bagay kundi ang emosyonal na kalagayan ng artist at ang simbolikong kahulugan ng mga larawang kanyang naisip. Ang kakaibang estilo ng pagpipinta ni Gauguin ay isang binibigkas na pandekorasyon na epekto, ang pagnanais na magpinta sa malalaking eroplano ng canvas na may isang kulay, sa pag-ibig para sa dekorasyon, na naroroon sa mga tela ng mga damit, at sa mga karpet, at sa background ng landscape.
Paul Gauguin "Kailan magpakasal" "Babaeng may hawak na fetus"
Ang pinakamahalagang tagumpay ng kultura ng XIX na siglo. ay ang paglitaw ng sining ng potograpiya at disenyo. Ang unang camera sa mundo ay ginawa noong 1839 ni Louis Jacques Mande Daguerre.
Ang mga maagang pagtatangka ni Daguerre na gumawa ng isang magagamit na camera ay hindi nagtagumpay. Noong 1827, nakilala niya si Joseph Niépce, na nagsisikap din (at noon ay nagkaroon ng bahagyang tagumpay) na mag-imbento ng kamera. Pagkalipas ng dalawang taon ay naging magkasosyo sila. Namatay si Niépce noong 1833, ngunit patuloy na nagsumikap si Daguerre. Noong 1837, sa wakas ay nakabuo na siya ng isang praktikal na sistema ng photography na tinatawag na daguerreotype. Ang imahe (daguerreotype) ay nakuha sa isang pilak na plato na ginagamot sa singaw ng yodo. Pagkatapos ng pagkakalantad sa loob ng 3-4 na oras, ang plato ay binuo sa singaw ng mercury at naayos na may mainit na solusyon ng karaniwang asin o hyposulfite. Ang mga daguerreotype ay may napakataas na kalidad ng imahe, ngunit isang shot lamang ang maaaring makuha.
Noong 1839, inilathala ni Daguerre ang kanyang imbensyon, ngunit hindi nag-aplay para sa isang patent. Bilang tugon, iginawad sa kanya at sa anak ni Niépce ang mga pensiyon na panghabambuhay na pensiyon. Ang anunsyo ng imbensyon ni Daguerre ay nagdulot ng isang mahusay na sensasyon. Si Daguerre ay naging bayani ng araw, ang katanyagan ay nahulog sa kanya, at ang daguerreotype na paraan ay mabilis na nakahanap ng malawak na aplikasyon.
Ang pag-unlad ng photography ay humantong sa isang rebisyon ng masining na mga prinsipyo ng graphics, pagpipinta, iskultura, pinagsamang kasiningan at dokumentaryo, na hindi matamo sa ibang mga anyo ng sining. Ang batayan para sa disenyo ay inilatag ng International Industrial Exhibition sa London noong 1850. Ang disenyo nito ay minarkahan ang convergence ng sining at teknolohiya at inilatag ang pundasyon para sa isang bagong uri ng pagkamalikhain.
Louis Daguerre, Nicephore Niepce at Niepce's Camera Obscura
Joseph Nicephore Niepce. Ang unang larawan sa mundo na kinunan sa isang haluang metal ng lata at tingga, 1826.
Daguerre's "Artist's Studio", 1837
Noong 1870s, dalawang imbentor, sina Elisha Gray at Alexander Graham Bell, ay nakapag-iisa na nakabuo ng mga device na maaaring magpadala ng pagsasalita sa pamamagitan ng kuryente, na kalaunan ay naging kilala bilang telepono. Pareho silang nagpadala ng kani-kanilang patent sa mga patent office, ilang oras lang ang difference sa filings. Gayunpaman, unang natanggap ni Alexander Graham Bell) ang patent.
Ang telepono at telegrapo ay mga sistemang elektrikal batay sa mga kawad. Ang tagumpay ni Alexander Bell, o sa halip ang kanyang imbensyon, ay medyo natural, dahil, sa pag-imbento ng telepono, sinubukan niyang pagbutihin ang telegrapo. Nang magsimulang mag-eksperimento si Bell sa mga senyales ng kuryente, ang telegrapo ay ginagamit na bilang isang paraan ng komunikasyon sa loob ng halos 30 taon. Bagama't ang telegraph ay isang medyo matagumpay na sistema ng paghahatid ng impormasyon batay sa Morse code na may pagpapakita ng mga titik gamit ang mga tuldok at gitling, gayunpaman, ang malaking kawalan ng telegrapo ay ang impormasyon ay limitado sa pagtanggap at pagpapadala ng isang mensahe sa isang pagkakataon.
Nagsasalita si Alexander Bell sa unang modelo ng telepono
Ang unang telepono, na nilikha ni Alexander Graham Bell, ay isang aparato kung saan ang mga tunog ng pagsasalita ng tao ay ipinadala gamit ang kuryente (1875). Noong Hunyo 2, 1875, si Alexander Graham Bell, habang nag-eeksperimento sa kanyang pamamaraan, na tinawag niyang "harmonic telegraph," ay natuklasan na nakakarinig siya ng tunog sa pamamagitan ng wire. Tunog iyon ng orasan.
Ang pinakamalaking tagumpay ni Bell ay nakamit noong Marso 10, 1876. Sa pagsasalita sa pamamagitan ng isang tubo kasama ang kanyang katulong, si Thomas Watson, na nasa katabing silid, binigkas ni Bell ang mga salita na alam ng lahat ngayon "Mr. Watson - halika rito - gusto kitang makita ”(Mr. Watson - halika rito - gusto kitang makita). Sa oras na ito, hindi lamang ang telepono ang ipinanganak, ngunit ang maramihang telegrapo ay namatay din. Ang potensyal ng komunikasyon sa pagpapakita na posible na makipag-usap sa pamamagitan ng kuryente ay ibang-iba sa kung ano ang maiaalok ng telegrapo sa sistema nito ng pagpapadala ng impormasyon gamit ang mga tuldok at gitling.
Ang konsepto ng sinehan ay lumitaw sa unang pagkakataon sa Pranses na bersyon nito - "cinematograph", na nagsasaad ng isang sistema para sa paglikha at pagpapakita ng isang pelikula, na binuo ng magkapatid na Louis Jean at Auguste Lumiere. Ang unang pelikula ay kinunan sa tulong ng isang camera ng pelikula ng Pranses na si Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842-1890) noong Nobyembre 1888 sa Great Britain at binubuo ng dalawang fragment: sa una - 10-12 mga larawan bawat segundo, sa pangalawa - 20 larawan bawat segundo. Ngunit opisyal na pinaniniwalaan na ang sinehan ay nagmula noong Disyembre 28, 1895. Sa araw na ito, sa Indian salon na "Grand Cafe" sa Boulevard des Capucines (Paris, France), naganap ang pampublikong screening ng "Cinematograph of the Lumiere brothers". Noong 1896, ang mga kapatid ay gumawa ng isang pandaigdigang paglilibot sa kanilang imbensyon, pagbisita sa London, New York, Bombay.
Si Louis Jean Lumiere ay nagtapos mula sa isang pang-industriya na paaralan, ay isang photographer at nagtrabaho sa isang photographic factory na pag-aari ng kanyang ama. Noong 1895, nag-imbento si Lumiere ng isang movie camera para sa pagbaril at pag-project ng "moving photographs". Ang kanyang kapatid na si Auguste Lumiere ay aktibong bahagi sa kanyang trabaho sa pag-imbento ng sinehan. Ang aparato ay patented at tinawag na sinehan. Ang mga unang programa sa pelikula ng Lumiere ay nagpakita ng mga eksenang kinunan sa lokasyon: "Paglabas ng mga manggagawa mula sa pabrika ni Lumiere", "Pagdating ng tren", "Almusal ng bata", "Sprinkled waterer" at iba pa. Kapansin-pansin, ang salitang lumiere sa Pranses ay nangangahulugang "liwanag". Marahil ito ay isang aksidente, o marahil ang kapalaran ng mga tagalikha ng sinehan ay napagpasyahan nang maaga.
 |
Ang pintor ng Aleman na si Franz Xaver Winterhalter ay kilala sa kanyang mga larawan ng magagandang babae noong ika-19 na siglo. Ipinanganak siya noong 1805 sa Alemanya, ngunit pagkatapos makatanggap ng propesyonal na edukasyon ay lumipat siya sa Paris, kung saan siya ay hinirang na pintor ng korte sa korte ng hari. Ang isang buong serye ng mga larawan ng isang mataas na lipunan na pamilya ay ginawa ang artist na hindi kapani-paniwalang tanyag. At lalo siyang naging tanyag sa mga sekular na kababaihan, dahil mahusay niyang pinagsama ang pagkakahawig ng larawan sa kakayahang "ipakita" ang bagay ng kanyang trabaho. Gayunpaman, tinatrato siya ng mga kritiko, napaka-cool, na, gayunpaman, ay hindi pumigil sa kanya na maging mas at mas popular sa mga kababaihan ng mataas na lipunan, hindi lamang sa France, ngunit sa buong mundo. Sinabi ito ni Alexandre Dumas tungkol sa kanya
Ang mga kababaihan mula sa Russia ay hindi nakatakas sa gayong kapalaran. |
Kabilang sa kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang mga larawan ng Empress Eugenie (ito ang kanyang paboritong modelo).
at Empress Elisabeth ng Bavaria (1865).
Dito kailangan mong huminto at magpahinga...
Paano konektado ang lahat sa mundong ito! Ang Habsburgs at ang buhay ni Elizabeth, ang kanyang relasyon sa kanyang biyenan, ang kapalaran ng kanyang anak na si Rudolf at ang pelikulang "Mayerling", ang kasaysayan ng Austria-Hungary at ang papel ni Ava Gardner, at ako, isang maliit na probinsiya. babaeng nangongolekta ng mga portrait ni Franz at matamang nakatingin sa monitor ng computer ...
Nabasa ko sa encyclopedia ang tungkol sa buhay ni Sissi, tungkol sa kanyang mga anak, naalala ang pelikula at tumingin sa mga larawan at litrato ...
Sa katunayan, ang pagpipinta ay isang bintana sa makalupang mundo at sa mundo ng kaalaman...
Si Franz Xaver Winterhalter ay ipinanganak noong Abril 20, 1805 sa maliit na nayon ng Mensenschwad sa Black Forest, Baden. Siya ang ikaanim na anak sa pamilya ni Fidel Winterhalter, isang magsasaka at tagagawa ng resin, at ang kanyang asawang si Eva Meyer, na nagmula sa matandang pamilyang Menzenschwand. Sa walong kapatid ni Franz, apat lang ang nakaligtas.
Ang kanyang ama, kahit na siya ay nagmula sa magsasaka, ay may malaking epekto sa buhay ng artista.
Sa buong buhay niya, si Winterhalter ay malapit na nakikipag-ugnayan sa kanyang pamilya, lalo na sa kanyang kapatid na si Herman (1808-1891), na isa ring artista.
Matapos pumasok sa isang paaralan sa monasteryo ng Benedictine sa Blasin noong 1818, ang labintatlong taong gulang na si Winterhalter ay umalis sa Menzenschwand upang mag-aral ng pagguhit at pag-ukit.
Nag-aral siya ng lithography at pagguhit sa Freiburg sa studio ni Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Noong 1823, noong siya ay labing walong taong gulang, sa suporta ng industriyalistang Baron von Eichtal, umalis siya patungong Munich.
Noong 1825, nakatanggap siya ng isang iskolar mula sa Grand Duke ng Baden at nagsimula ng isang kurso ng pag-aaral sa Munich Academy of Arts sa ilalim ng direksyon ni Peter Cornelius, ngunit hindi nagustuhan ng batang artist ang kanyang mga pamamaraan sa pagtuturo, at si Winterhalter ay kailangang maghanap ng isa pa. guro na maaaring magturo sa kanya ng sekular na portraiture, at ito ay si Joseph Stieler.
Kasabay nito, kumikita si Winterhalter bilang isang lithographer.
Ang pagpasok ni Winterhalter sa mga bilog ng korte ay naganap noong 1828 sa Karlsruhe, nang siya ay naging guro ng pagguhit kay Countess Sophie ng Baden. Ang isang kanais-nais na pagkakataon na ipahayag ang kanyang sarili na malayo sa timog Alemanya ay dumating sa artist noong 1832, nang siya, sa suporta ng Grand Duke Leopold ng Baden, ay nagkaroon ng pagkakataong maglakbay sa Italya (1833-1834).
Sa Roma, nagpinta siya ng mga pintura ng romantikong genre sa istilo ni Louis-Leopold Robert at naging malapit sa direktor ng French Academy na si Horace Vernet.
Sa kanyang pagbabalik sa Karlsruhe, si Winterhalter ay nagpinta ng mga larawan ng Grand Duke Leopold ng Baden at ng kanyang asawa at naging pintor ng ducal court.
Gayunpaman, iniwan niya ang Baden at lumipat sa France,
kung saan, sa eksibisyon ng 1836, ang kanyang genre na pagpipinta na "Il dolce Farniente" ay nakakuha ng pansin,
at makalipas ang isang taon ay pinuri rin ang "Il Decameron". Ang parehong mga gawa ay mga akademikong pagpipinta sa estilo ni Raphael.
Sa Salon ng 1838, ipinakita sa kanila ang isang larawan ng Prinsipe ng Wagram kasama ang kanyang anak na babae.
Ang mga pagpipinta ay matagumpay, ang karera ng isang portrait na pintor na si Franz ay na-secure.
Sa isang taon, sumulat siya kay Louise-Marie ng Orleans, Reyna ng Belgium kasama ang kanyang anak.
Marahil salamat sa larawang ito, nakilala si Winterhalter kay Maria Amalia ng Naples, Reyna ng France, ina ng Belgian Queen.
Kaya, sa Paris, mabilis na naging sunod sa moda ang Winterhalter. Siya ay hinirang na pintor ng korte kay Louis Philippe, Hari ng France, na ipinagkatiwala sa kanya ang paglikha ng mga indibidwal na larawan ng kanyang pinalawak na pamilya. Kailangang kumpletuhin ni Winterhalter ang higit sa tatlumpung order para sa kanya.
Ang tagumpay na ito ay nagdala sa artist ng isang reputasyon bilang isang connoisseur ng dynastic at aristokratikong portraiture: mahusay na pinagsama ang katumpakan ng portraiture na may banayad na pambobola, inilalarawan niya ang karangyaan ng estado sa isang buhay na buhay na modernong paraan. Sunod-sunod ang mga utos...
Gayunpaman, sa mga artistikong lupon, ang Winterhalter ay tinatrato nang iba.
Ang mga kritiko na pinuri ang kanyang 1936 Salon exhibition debut ay tumalikod sa kanya bilang isang artista na hindi dapat seryosohin. Ang saloobin na ito ay nagpatuloy sa buong karera ni Winterhalter at itinakda ang kanyang trabaho sa hierarchy ng pagpipinta.
Itinuring mismo ni Winterhalter ang kanyang unang mga komisyon ng gobyerno bilang isang pansamantalang yugto bago bumalik sa pagpipinta ng paksa at muling nakuha ang akademikong prestihiyo; siya ay isang biktima ng kanyang sariling tagumpay, at para sa kanyang sariling kapayapaan ng isip kailangan niyang magtrabaho halos eksklusibo sa portrait genre. Ito ay isang lugar kung saan hindi lamang siya eksperto at nagkaroon ng tagumpay, ngunit nagawa rin niyang yumaman.
Ngunit ang Winterhalter ay nakatanggap ng internasyonal na katanyagan at ang pagtangkilik ng royalty.
Kabilang sa kanyang maraming regal model ay si Queen Victoria. Unang bumisita si Winterhalter sa Inglatera noong 1842 at bumalik ng ilang beses upang magpinta ng mga larawan ni Victoria, Prince Albert at ng kanilang lumalaking pamilya, na gumawa ng kabuuang 120 mga gawa para sa kanila. Karamihan sa mga painting ay nasa Royal Collection, bukas para ipakita sa Buckingham Palace at iba pang museo.
Nagpinta rin si Winterhalter ng ilang larawan ng mga kinatawan ng aristokrasya ng Ingles, na karamihan ay mga miyembro ng bilog ng korte.
Ang pagbagsak ni Louis Philippe noong 1848 ay hindi nakaapekto sa reputasyon ng artist. Lumipat si Winterhalter sa Switzerland at nagtrabaho sa mga komisyon sa Belgium at England.
Ang Paris ay nananatiling bayan ng artist: ang isang pahinga sa pagtanggap ng mga order para sa mga larawan sa France ay nagpapahintulot sa kanya na bumalik sa pampakay na pagpipinta at bumaling sa mga alamat ng Espanyol.
Ito ay kung paano lumitaw ang pagpipinta na "Florinda" (1852, Metropolitan Museum of Art, New York), na isang masayang pagdiriwang ng kagandahan ng babae.
Sa parehong taon ay iminungkahi niya ang kasal, ngunit tinanggihan; Si Winterhalter ay nanatiling isang bachelor na nakatuon sa kanyang trabaho.
Matapos ang pag-akyat sa trono ni Napoleon III, ang katanyagan ng artist ay tumaas nang malaki. Mula noon, si Winterhalter ay naging punong pintor ng larawan ng imperyal na pamilya at ang korte ng Pransya.
Ang magandang French Empress na si Eugenia ay naging kanyang paboritong modelo at tinatrato niya ang artista.
Noong 1855, ipininta ni Winterhalter ang kanyang obra maestra na si Empress Eugenie na napapalibutan ng mga babaeng naghihintay, na naglalarawan sa kanya sa isang rural na setting na pumipili ng mga bulaklak kasama ang kanyang mga babaeng naghihintay. Ang pagpipinta ay mahusay na natanggap, ipinakita sa publiko at hanggang sa araw na ito ay nananatiling, marahil, ang pinakatanyag na gawa ng master.
Noong 1852 naglakbay siya sa Espanya upang sumulat kay Reyna Isabella II, na nagtatrabaho para sa maharlikang pamilya ng Portugal. Ang mga kinatawan ng aristokrasya ng Russia na dumating sa Paris ay masaya din na natanggap ang kanilang larawan mula sa sikat na master.
Bilang isang maharlikang artista, si Winterhalter ay palaging hinihiling sa mga korte ng Britain (mula noong 1841), Spain, Belgium, Russia, Mexico, Germany at France.
Ang Klasisismo noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo (sa kasaysayan ng sining ng dayuhan ay madalas itong tinutukoy bilang neoclassicism), na naging isang pan-European na istilo, ay nabuo din pangunahin sa dibdib ng kulturang Pranses, sa ilalim ng malakas na impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment. Sa arkitektura, ang mga bagong uri ng isang katangi-tanging mansyon, isang engrandeng pampublikong gusali, isang bukas na plaza ng lungsod (Gabriel Jacques Ange at Souflo Jacques Germain) ay natukoy, ang paghahanap para sa bago, hindi maayos na mga anyo ng arkitektura, ang pagnanais para sa malupit na pagiging simple sa gawain ng Inaasahan ni Ledoux Claude Nicolas ang arkitektura ng huling yugto ng klasisismo - Imperyo. Civic pathos at lyricism na pinagsama sa plastic (Pigalle Jean Baptiste at Houdon Jean Antoine), mga dekorasyong landscape (Robert Hubert). Ang matapang na drama ng makasaysayang at portrait na mga imahe ay likas sa mga gawa ng pinuno ng French classicism, ang pintor na si Jacques Louis David. Noong ika-19 na siglo, ang pagpipinta ng klasisismo, sa kabila ng mga aktibidad ng mga indibidwal na pangunahing masters, tulad ni Jean Auguste Dominique Ingres, ay bumagsak sa isang opisyal na apologetic o pretentiously erotic salon art. Ang Roma ay naging internasyonal na sentro ng European classicism noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, kung saan nangibabaw ang mga tradisyon ng akademya, kasama ang kanilang katangian na kumbinasyon ng maharlika ng mga anyo at malamig na idealisasyon (pintor ng Aleman na si Anton Raphael Mengs, mga iskultor: Italian Canova Antonio at Dane Thorvaldsen Bertel ). Ang arkitektura ng German classicism ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding monumentality ng mga gusali ng Karl Friedrich Schinkel, para sa contemplative-elegiac na mood ng pagpipinta at plastic na sining - mga larawan ng Agosto at Wilhelm Tischbein, eskultura ni Johann Gottfried Schadow. Sa English classicism, ang mga antiquities ni Robert Adam, ang Palladian park estates ng William Chambers, ang exquisitely austere drawings ni J. Flaxman at ang ceramics ng J. Wedgwood ay namumukod-tangi. Sariling mga variant ng klasisismo na binuo sa artistikong kultura ng Italya, Espanya, Belgium, mga bansang Scandinavian, USA; isang natitirang lugar sa kasaysayan ng sining ng mundo ay inookupahan ng klasikong Ruso noong 1760s-1840s.
Sa pagtatapos ng unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, ang nangungunang papel ng klasisismo ay halos naglalaho sa pangkalahatan, ito ay pinalitan ng iba't ibang anyo ng arkitektural na eclecticism. Ang artistikong tradisyon ng klasisismo ay nabuhay sa neoclassicism ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Pranses na pintor, karaniwang kinikilalang pinuno ng akademikong Europeo noong ika-19 na siglo.
Sa gawain ng Ingres - ang paghahanap para sa dalisay na pagkakaisa.
Nag-aral siya sa Toulouse Academy of Fine Arts. Pagkatapos ng pagtatapos mula sa akademya, lumipat siya sa Paris, kung saan noong 1797 siya ay naging estudyante ni Jacques-Louis David. Noong 1806-1820 nag-aral siya at nagtrabaho sa Roma, pagkatapos ay lumipat sa Florence, kung saan gumugol siya ng apat pang taon. Noong 1824 bumalik siya sa Paris at nagbukas ng isang paaralan ng pagpipinta. Noong 1835 bumalik siya sa Roma bilang direktor ng French Academy. Mula 1841 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay siya ay nanirahan sa Paris.
Ang akademya (fr. academisme) ay isang uso sa pagpipinta ng Europa noong ika-17-19 na siglo. Ang akademikong pagpipinta ay lumitaw sa panahon ng pag-unlad ng mga akademya ng sining sa Europa. Ang pangkakanyahan na batayan ng akademikong pagpipinta sa simula ng ika-19 na siglo ay klasiko, sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo - eclecticism.
Ang akademya ay lumaki kasunod ng mga panlabas na anyo ng klasikal na sining. Inilalarawan ng mga tagasunod ang istilong ito bilang pagmuni-muni sa anyo ng sining ng sinaunang sinaunang panahon at Renaissance.
Ingres. Mga larawan ng pamilya Riviere. 1804-05
Romantisismo
Romantisismo- isang kababalaghang nabuo ng sistemang burges. Bilang pananaw sa mundo at istilo ng artistikong pagkamalikhain, sinasalamin nito ang mga kontradiksyon nito: ang agwat sa pagitan ng tama at totoo, ang ideal at realidad. Ang kamalayan sa hindi maisasakatuparan ng mga humanistic na mithiin at mga halaga ng Enlightenment ay nagbunga ng dalawang alternatibong posisyon sa pananaw sa mundo. Ang kakanyahan ng una ay ang hamakin ang batayang katotohanan at malapit sa shell ng mga dalisay na mithiin. Ang kakanyahan ng pangalawa ay kilalanin ang empirikal na katotohanan, upang itapon ang lahat ng pangangatwiran tungkol sa ideal. Ang panimulang punto ng romantikong pananaw sa mundo ay isang bukas na pagtanggi sa katotohanan, ang pagkilala sa isang hindi malulutas na kailaliman sa pagitan ng mga mithiin at tunay na pagkatao, ang hindi makatwiran ng mundo ng mga bagay.Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang negatibong saloobin sa realidad, pesimismo, ang interpretasyon ng mga puwersang pangkasaysayan bilang nasa labas ng tunay na pang-araw-araw na realidad, mistipikasyon at mythologization. Ang lahat ng ito ay nag-udyok sa paghahanap para sa paglutas ng mga kontradiksyon hindi sa totoong mundo, ngunit sa mundo ng pantasya.
Ang romantikong pananaw sa mundo ay yumakap sa lahat ng larangan ng espirituwal na buhay - agham, pilosopiya, sining, relihiyon. Dumating ito sa dalawang bersyon:
Ang una - dito ang mundo ay lumitaw bilang isang walang hanggan, walang mukha, cosmic subjectivity. Ang malikhaing enerhiya ng espiritu ay kumikilos dito bilang simula na lumilikha ng pagkakaisa sa mundo. Ang variant na ito ng romantikong worldview ay nailalarawan sa pamamagitan ng pantheistic na imahe ng mundo, optimismo, at matayog na damdamin.
Ang pangalawa ay na sa loob nito ang pagiging subject ng tao ay itinuturing na indibidwal at personal, nauunawaan bilang panloob na malalim na mundo ng isang tao na sumasalungat sa labas ng mundo. Ang saloobing ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pesimismo, isang liriko na malungkot na saloobin sa mundo.
Ang unang prinsipyo ng romantisismo ay "dalawang mundo": paghahambing at pagsalungat ng tunay at haka-haka na mundo. Ang simbolismo ay ang paraan ng pagpapahayag nitong dalawahang mundo.
Ang romantikong simbolismo ay kumakatawan sa isang organikong kumbinasyon ng ilusyon at totoong mundo, na ipinakita ang sarili sa hitsura ng metapora, hyperbole, at patula na paghahambing. Ang Romantisismo, sa kabila ng malapit na koneksyon nito sa relihiyon, ay nailalarawan sa pamamagitan ng katatawanan, kabalintunaan, panaginip. Idineklara ng Romantisismo ang musika bilang modelo at pamantayan para sa lahat ng larangan ng sining, kung saan, ayon sa mga romantiko, ang mismong elemento ng buhay ay tumunog, ang elemento ng kalayaan at ang tagumpay ng damdamin.
Ang paglitaw ng romantikismo ay dahil sa isang bilang ng mga kadahilanan. Una, sosyo-politikal: ang Rebolusyong Pranses noong 1769-1793, ang mga digmaang Napoleoniko, ang digmaan para sa kalayaan ng Latin America. Pangalawa, pang-ekonomiya: ang rebolusyong industriyal, ang pag-unlad ng kapitalismo. Pangatlo, ito ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng klasikal na pilosopiyang Aleman. Pang-apat, ito ay nabuo sa batayan at sa loob ng balangkas ng umiiral na mga istilong pampanitikan: kaliwanagan, sentimentalismo.
Ang kasagsagan ng romantisismo ay bumagsak sa panahon ng 1795-1830. - ang panahon ng mga rebolusyong European at mga kilusang pambansang pagpapalaya, at ang romantikismo ay lalo na binibigkas sa kultura ng Germany, England, Russia, Italy, France, Spain.
Ang romantikong kalakaran ay may malaking impluwensya sa larangan ng humanitarian, at ang positivist sa natural na agham, teknikal at praktikal.
Jean Louis Andre Theodore Géricault (1791-1824).
Isang mag-aaral sa maikling panahon ni C. Vernet (1808-1810), at pagkatapos ay si P. Guerin (1810-1811), na nabalisa sa kanyang mga pamamaraan ng paglilipat ng kalikasan na hindi alinsunod sa mga prinsipyo ng paaralan ni Jacques-Louis David at pagkagumon kay Rubens, ngunit kalaunan ay nakilala ang katwiran ng mga mithiin ni Gericault.
Naglilingkod sa mga royal musketeer, nagsulat si Gericault ng mga eksena sa labanan, ngunit pagkatapos maglakbay sa Italya noong 1817-19. nagsagawa siya ng isang malaki at kumplikadong pagpipinta na "The Raft of the Medusa" (na matatagpuan sa Louvre, Paris), na naging ganap na pagtanggi sa Davidic trend at isang mahusay na sermon ng realismo. Ang pagiging bago ng balangkas, ang malalim na drama ng komposisyon at ang katotohanan ng buhay ng mahusay na nakasulat na gawaing ito ay hindi agad pinahahalagahan, ngunit sa lalong madaling panahon ay kinilala ito kahit na ng mga tagasunod ng istilong pang-akademiko at dinala ang katanyagan ng artist bilang isang talento at matapang na innovator. .
Kalunos-lunos na tensyon at drama. Noong 1818, ginawa ni Gericault ang pagpipinta na The Raft of the Medusa, na minarkahan ang simula ng French romanticism. Si Delacroix, na nag-pose para sa kanyang kaibigan, ay nasaksihan ang pagsilang ng isang komposisyon na sumisira sa lahat ng karaniwang ideya tungkol sa pagpipinta. Kalaunan ay naalaala ni Delacroix na nang makita niya ang natapos na pagpipinta, siya ay "masiglang nagmamadaling tumakbo na parang baliw, at hindi tumigil hanggang sa bahay."
Ang balangkas ng larawan ay batay sa isang tunay na insidente na nangyari noong Hulyo 2, 1816 sa baybayin ng Senegal. Pagkatapos, sa mababaw na bahagi ng Argen, 40 liga mula sa baybayin ng Aprika, ang frigate Medusa ay nawasak. 140 pasahero at tripulante ang nagtangkang tumakas sa pamamagitan ng pagsakay sa balsa. 15 lamang sa kanila ang nakaligtas at sa ikalabindalawang araw ng kanilang paglalagalag ay dinampot sila ng Argus brig. Ang mga detalye ng paglalayag ng mga nakaligtas ay nagulat sa modernong opinyon ng publiko, at ang pagkawasak mismo ay naging isang iskandalo sa gobyerno ng Pransya dahil sa kawalan ng kakayahan ng kapitan ng barko at ang kakulangan ng mga pagtatangka na iligtas ang mga biktima.
matalinghagang solusyon
Ang napakalaking canvas ay humahanga sa kanyang nagpapahayag na kapangyarihan. Nagawa ni Gericault na lumikha ng isang matingkad na imahe, pinagsasama ang mga patay at ang buhay, pag-asa at kawalan ng pag-asa sa isang larawan. Ang larawan ay nauna sa isang malaking gawaing paghahanda. Gumawa si Gericault ng maraming sketch ng mga namamatay sa mga ospital at ang mga bangkay ng mga pinatay. Ang Balsa ng Medusa ay ang huli sa mga natapos na gawa ni Géricault.
Noong 1818, nang si Gericault ay nagtatrabaho sa pagpipinta na "The Raft of the Medusa", na minarkahan ang simula ng French romanticism, si Eugene Delacroix, na nag-pose para sa kanyang kaibigan, ay nasaksihan ang pagsilang ng isang komposisyon na sumisira sa lahat ng karaniwang ideya tungkol sa pagpipinta. Kalaunan ay naalaala ni Delacroix na nang makita niya ang natapos na pagpipinta, siya ay "masiglang nagmamadaling tumakbo na parang baliw, at hindi tumigil hanggang sa bahay."
Reaksyon ng publiko
Nang ipinakita ni Géricault ang The Raft of the Medusa sa Salon noong 1819, ang pagpipinta ay nagpukaw ng galit ng publiko, dahil ang artista, salungat sa mga pamantayang pang-akademiko noong panahong iyon, ay hindi gumamit ng ganoong kalaking format upang ilarawan ang isang kabayanihan, moralizing o klasikal na balangkas.
Ang pagpipinta ay nakuha noong 1824 at kasalukuyang nasa Room 77 sa unang palapag ng Denon Gallery sa Louvre.
Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pranses na pintor at graphic artist, pinuno ng romantikong trend sa European painting.
Ngunit ang Louvre at komunikasyon sa batang pintor na si Theodore Gericault ay naging tunay na unibersidad para sa Delacroix. Sa Louvre, siya ay nabighani sa mga gawa ng mga matandang masters. Sa oras na iyon, makikita ng isang tao ang maraming mga pagpipinta doon, na nakuha sa panahon ng Napoleonic Wars at hindi pa naibalik sa kanilang mga may-ari. Higit sa lahat, ang baguhang artista ay naakit ng mga magagaling na colorist - sina Rubens, Veronese at Titian. Ngunit ang pinakamalaking impluwensya kay Delacroix ay si Theodore Géricault.
Noong Hulyo 1830, nagrebelde ang Paris laban sa monarkiya ng Bourbon. Si Delacroix ay nakiramay sa mga rebelde, at ito ay makikita sa kanyang "Liberty Leading the People" (kilala rin natin ang gawaing ito bilang "Freedom on the Barricades"). Ipinakita sa Salon ng 1831, ang canvas ay nagdulot ng bagyo ng pampublikong pag-apruba. Binili ng bagong gobyerno ang pagpipinta, ngunit kasabay nito ay agad na iniutos na tanggalin ito, tila masyadong delikado ang mga pathos nito.
Sa sining ng unang kalahati ng siglo XIX. naimpluwensyahan ng Rebolusyong Pranses (1789-1799), ang digmaan kay Napoleon, ang digmaan sa Espanya. Sa panahong ito, malaking pag-unlad sa agham. Pangunahing istilo: Empire, Romanticism, French realism.
Sa arkitektura ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, naranasan ng neoclassicism ang huling pamumulaklak nito. Sa kalagitnaan ng siglo, ang pangunahing problema ng arkitektura ng Europa ay ang paghahanap ng istilo. Dahil sa romantikong pagkahumaling sa sinaunang panahon, sinubukan ng maraming mga masters na buhayin ang mga tradisyon ng arkitektura ng nakaraan - ito ay kung paano lumitaw ang neo-gothic, neo-renaissance, neo-baroque. Ang mga pagsisikap ng mga arkitekto ay madalas na humantong sa eclecticism - isang mekanikal na kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga estilo, luma at bago. Ang arkitektura ay pinangungunahan ng pagtatayo ng mga pabrika, mga opisina, mga gusali ng tirahan, mga department store, mga bulwagan ng eksibisyon, mga aklatan, mga istasyon, mga sakop na pamilihan, mga bangko, atbp. Ang mga bangko ay pinalamutian ng mga sinaunang Greek porticos, mga department store - na may mga Gothic lancet na bintana at mga tore. Ang mga pabrika ay binibigyan ng hitsura ng mga kastilyo.
19.1.1 Sining ng France
Arkitektura. Sa mga taon ng Rebolusyong Pranses, walang isang matibay na istraktura ang itinayo sa France. Ito ang panahon ng mga pansamantalang gusali, kadalasang gawa sa kahoy. Sa simula ng rebolusyon, ang Bastille ay nawasak, ang mga monumento sa mga hari ay giniba. Noong 1793 ang mga royal academies ay isinara, kabilang ang akademya ng arkitektura. Sa halip, lumitaw ang National Arts Jury at Republican Arts Club, na ang mga pangunahing gawain ay ayusin ang mga mass holiday at palamutihan ang mga kalye at parisukat ng Paris.
Isang pavilion ang itinayo sa Place de la Bastille na may nakasulat na: "Dito sila sumasayaw." Ang Place Louis XV ay pinangalanang Place de la Révolution at nagdagdag ng mga triumphal arches, mga estatwa ng Liberty, mga fountain na may mga sagisag. Ang Field of Mars ay naging isang lugar ng mga pampublikong pagtitipon na may altar ng Fatherland sa gitna. Ang Les Invalides at ang Cathedral nito ay naging templo ng sangkatauhan. Ang mga kalye ng Paris ay pinalamutian ng mga bagong monumento.
Gayundin sa mga taon ng Rebolusyong Pranses, ang Komisyon ng mga Artista ay nabuo, na nakikibahagi sa pagpapabuti ng lungsod, binalak ang mga pagbabago sa hitsura nito. Ito ay may mahalagang papel sa kasaysayan ng arkitektura.
Ang sining ng Napoleonic France ay pinangungunahan ng istilo ng Imperyo. Ang pangunahing kaganapan ng Napoleon sa larangan ng arkitektura ay ang muling pagtatayo ng Paris: ito ay dapat na ikonekta ang medieval quarters sa isang sistema ng mga daan na tumatawid sa lungsod kasama ang silangan-kanlurang axis. Ang mga sumusunod ay itinayo: Champs-Eysees Avenue, Rue Rivoli, ang triumphal column sa Place Vendôme (1806–1810, architects Jean-Baptiste Leper, Jacques Gonduin), ang entrance gate ng Tuileries Palace (1806–1807, architects Ch. Persier , P. F. L. Fontaine), ang triumphal arch ng Great Army (1806-1837, arkitekto Jean-Francois Chalien at iba pa).
Pagpipinta. Sa unang kalahati ng siglo XIX. pinalakas ng paaralang Pranses ng pagpipinta ang primacy nito sa sining ng Kanlurang Europa. Nauna ang France sa iba pang bansa sa Europa sa demokratisasyon ng buhay-sining. Mula noong 1791, ang sinumang may-akda ay nakatanggap ng karapatang lumahok sa mga eksibisyon ng Louvre Salon, anuman ang kanilang pagiging kasapi sa mga akademya. Mula noong 1793, ang mga bulwagan ng Louvre ay binuksan sa pangkalahatang publiko. Ang akademikong edukasyon ng estado ay napalitan ng pagsasanay sa mga pribadong workshop. Ang mga awtoridad ay gumamit ng mas nababaluktot na pamamaraan ng artistikong patakaran: ang pamamahagi ng mga malalaking order para sa dekorasyon ng mga pampublikong gusali ay nakakuha ng isang espesyal na saklaw.
Mga kinatawan ng pagpipinta ng French romanticism - David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques Louis David (1748-1825) - ang pinaka-pare-parehong kinatawan ng neoclassicism sa pagpipinta. Nag-aral siya sa Royal Academy of Painting and Sculpture, noong 1775-1779. bumisita sa Italya. Noong 1781, tinanggap si David bilang miyembro ng Royal Academy at natanggap ang karapatang lumahok sa mga eksibisyon nito - ang Louvre Salons. Noong 1792, si David ay nahalal bilang isang kinatawan sa Convention, ang pinakamataas na lehislatibo at executive body ng Unang Republika.
Noong unang bahagi ng 1776, binuo ang isang programa ng pamahalaan na nag-udyok sa paglikha ng malalaking pintura. Nakatanggap si David ng isang order para sa isang pagpipinta tungkol sa gawa ng tatlong magkakapatid mula sa marangal na pamilya ng Horatii - "Panunumpa ng Horatii" (1784). Ang aksyon ng larawan ay nagaganap sa patyo ng isang sinaunang bahay ng Roma: isang stream ng liwanag ang bumubuhos sa mga bayani ng larawan mula sa itaas, ang olive-grey na takip-silim ay pumapalibot sa kanila. Ang buong komposisyon ay batay sa bilang ng tatlo: tatlong arko (isa o higit pang mga figure ang nakasulat sa bawat isa sa mga arko), tatlong grupo ng mga character, tatlong anak na lalaki, isang shooting range ng isang tabak, tatlong babae. Ang makinis na mga balangkas ng grupong babae ay kaibahan sa mga hinahabol na linya ng mga pigura ng mga mandirigma.
Noong 1795–1799 Si David at ang kanyang mga estudyante ay gumawa ng isang pagpipinta "Ang mga Sabine ay Huminto sa Labanan sa pagitan ng mga Romano at ng mga Sabine". Ang artista ay muling pumili ng isang balangkas na naaayon sa modernong panahon: ang kuwento ng mga kababaihan na huminto sa digmaan sa pagitan ng mga Romano (kanilang asawa) at mga Sabines (kanilang mga ama at kapatid) ay tumunog sa France noong panahong iyon bilang isang panawagan para sa kapayapaang sibil. Gayunpaman, ang malaking larawan, na puno ng mga numero, ay nagdulot lamang ng panunuya mula sa madla.
Noong 1812 umalis siya patungong Brussels, kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan. Nagpinta siya ng mga larawan at gumagawa sa mga antigong paksa - "Death of Marat" (1793), "Portrait of Madame Recamier" (1800). Ang pagpipinta na "The Death of Marat" ay nakumpleto ng artist sa mas mababa sa tatlong buwan at nag-hang sa meeting room ng Convention. Si Marat ay sinaksak hanggang mamatay sa kanyang apartment ng isang maharlikang babae na nagngangalang Charlotte Corday. Sa oras ng kanyang kamatayan, si Marat ay nakaupo sa paliguan: dahil sa isang sakit sa balat, napilitan siyang magtrabaho sa ganitong paraan at tumanggap ng mga bisita. Ang pinagtagpi-tagping mga sheet at ang simpleng kahoy na kahon na pumalit sa mesa ay hindi imbento ng pintor. Gayunpaman, si Marat mismo, na ang katawan ay napinsala ng sakit, sa ilalim ng brush ni David ay naging isang marangal na atleta, tulad ng isang sinaunang bayani. Ang pagiging simple ng setting ay nagbibigay sa spectacle ng isang espesyal na trahedya solemnity.
Sa isang engrandeng larawan "Koronasyon ni Napoleon I at Empress Josephine sa Notre Dame Cathedral noong Disyembre 2, 1804" (1807) Gumawa si David ng isa pang alamat - ang ningning ng altar at ang ningning ng mga damit ng mga courtier ay nakakaapekto sa manonood na hindi mas masahol pa kaysa sa mga kaawa-awang kasangkapan at lumang mga sheet ng Marat.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) ay isang tagasunod ng mga klasikal na mithiin, isang orihinal na pintor, dayuhan sa anumang kasinungalingan, inip at nakagawian. Noong 1802 siya ay iginawad sa Rome Prize at natanggap ang karapatang maglakbay sa Italya. Noong 1834 siya ay naging direktor ng French Academy sa Roma. Nakamit ang pinakamataas na kasanayan sa portrait genre - "Larawan ng Riviera".
Sinubukan ni Ingres na ihatid sa pagpipinta ang mga pandekorasyon na posibilidad ng iba't ibang uri ng lumang sining, halimbawa, ang pagpapahayag ng mga silhouette ng sinaunang pagpipinta ng plorera ng Griyego, - "Oedipus at ang Sphinx" (1808) at "Jupiter at Thetis" (1811).
Sa isang monumental na canvas "Vow of Louis XIII na humihingi ng patronage ng Our Lady for the Kingdom of France" (1824), ginaya niya ang pictorial style ni Raphael. Ang larawan ay nagdala kay Ingres ng unang malaking tagumpay. sa larawan "Odalisque at Alipin" (1839) Pumili ako ng komposisyon na malapit sa "Women of Algiers in their chambers" ni Delacroix at nilutas ko ito sa sarili kong paraan. Ang motley, maraming kulay na kulay ng canvas ay lumitaw bilang isang resulta ng pagkahilig ng artist para sa mga oriental na miniature. Noong 1856, natapos ni Ingres ang pagpipinta "Pinagmulan" ipinaglihi niya noong 1920s. sa Italya. Ang kaaya-ayang namumulaklak na batang babae na katawan ay sumasalamin sa kadalisayan at pagkabukas-palad ng natural na mundo.
Theodore Géricault(1791–1824) - tagapagtatag ng rebolusyonaryong romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Ang unang gawa na ipinakita sa Salon - "Opisyal ng mga tanod ng kabayo ng imperyal na guwardiya, nagpapatuloy sa pag-atake" ("Portrait of Lieutenant R. Dieudonné", 1812). Ang magara na mangangabayo sa canvas ay hindi nagpo-pose, ngunit nakikipaglaban: ang mabilis na dayagonal ng komposisyon ay nagdadala sa kanya ng malalim sa larawan, sa mala-bughaw-lilang init ng labanan. Sa oras na ito, nalaman ang tungkol sa pagkatalo ng hukbo ni Napoleon Bonaparte sa Russia. Ang damdamin ng Pranses, na alam ang kapaitan ng pagkatalo, ay makikita sa isang bagong pagpipinta ng isang batang artista - "Nasugatan na cuirassier na umalis sa larangan ng digmaan" (1814).
Noong 1816–1817 Si Gericault ay nanirahan sa Italya. Ang artista ay lalo na nabighani sa mga karera ng mga kabayong walang saplot sa Roma. Sa isang serye ng pagpipinta "Running Free Horses" (1817) magagamit at nagpapahayag na katumpakan ng pag-uulat, at pinigilan ang kabayanihan sa neoclassical na diwa. Sa mga gawang ito, ang kanyang indibidwal na istilo ay sa wakas ay nabuo: ang makapangyarihan, magaspang na mga anyo ay inihahatid ng malalaking gumagalaw na mga spot ng liwanag.
Pagbalik sa Paris, lumikha ang artist ng isang pagpipinta "Ang Balsa ng Medusa" (1818–1819). Noong Hulyo 1816, malapit sa Cape Verde Islands, ang barkong Meduza, sa ilalim ng utos ng isang walang karanasan na kapitan na nakatanggap ng posisyon sa ilalim ng patronage, ay sumadsad. Pagkatapos ang kapitan at ang kanyang mga kasamahan ay naglayag sa mga bangka, na iniwan sa awa ng kapalaran ang isang balsa na may isang daan at limampung marino at pasahero, kung saan labinlima lamang ang nakaligtas. Sa larawan, hinahangad ni Gericault ang pinakamataas na kredibilidad. Sa loob ng dalawang taon, hinanap niya ang mga taong nakaligtas sa trahedya sa karagatan, gumawa ng mga sketch sa mga ospital at morge, at nagpinta ng mga sketch ng dagat sa Le Havre. Ang balsa sa kanyang larawan ay itinaas ng isang alon, agad na nakita ng manonood ang lahat ng mga tao na nagsisiksikan dito. Sa harapan - ang mga pigura ng mga patay at naguguluhan; ang mga ito ay nakasulat sa buong sukat. Ang mga mata ng mga hindi pa nawalan ng pag-asa ay ibinaling sa dulong dulo ng balsa, kung saan ang isang Aprikano, na nakatayo sa isang rickety barrel, ay nagwagayway ng pulang panyo sa mga tauhan ng Argus. Alinman sa kawalan ng pag-asa o pag-asa ay pumupuno sa mga kaluluwa ng mga pasahero sa balsa ng Medusa.
Noong 1820–1821 Bumisita si Gericault sa England. Naimpluwensyahan ng mga sinulat ni Constable, sumulat siya "Race at Epsom" (1821). Ang larawan ay napuno ng paggalaw: ang mga kabayo ay nagmamadali, halos hindi nakadikit sa lupa, ang kanilang mga pigura ay pinagsama sa isang matulin na linya; ang mababang ulap ay mobile, ang kanilang mga anino ay mobile, gliding sa mamasa-masa field. Ang lahat ng mga contour sa landscape ay malabo, ang mga kulay ay smeared. Ipinakita ni Gericault ang mundo kung paano ito nakikita ng isang hinete na nakasakay sa kabayong tumatakbo.
Eugene Deacroix(1798–1863) - Pintor ng Pranses. Ang batayan ng pagpipinta ni Delacroix ay mga makukulay na lugar na bumubuo ng isang maayos na pagkakaisa; ang bawat lugar, bilang karagdagan sa kulay nito, ay may kasamang mga kakulay ng mga kalapit.
Ipininta ni Delacroix ang kanyang unang pagpipinta sa balangkas ng Divine Comedy ni Dante - "Dante and Virgil" ("Dante's Boat") (1822). Si Delacroix ang gumawa ng painting "Masacre of Chios" (1824) sa ilalim ng impluwensya ng mga kaganapan ng rebolusyon sa pagpapalaya sa Greece 1821-1829. Noong Setyembre 1821, pinatay ng mga Turkong parusa ang sibilyang populasyon ng Chios. Sa harapan ng larawan ay ang mga pigura ng napapahamak na mga Chian sa makukulay na basahan; ang background ay ang madilim na silhouettes ng mga armadong Turks. Karamihan sa mga bihag ay walang malasakit sa kanilang kapalaran, ang mga bata lamang ang walang kabuluhang nagsusumamo sa kanilang mga magulang na protektahan sila. Ang Turkish na mangangabayo, na kinaladkad ang isang batang Griyego sa likod niya, ay mukhang isang uri ng simbolo ng pagkaalipin. Ang iba pang mga pigura ay hindi gaanong sinasagisag: isang hubad na sugatang Griyego - ang kanyang dugo ay napupunta sa tuyong lupa, at isang putol na punyal at isang bag na nalaman ng mga magnanakaw ay nakahiga sa malapit.
Matapos ang mga kaganapan noong Hulyo 1830 sa Paris, lumikha si Delacroix ng isang pagpipinta "Kalayaang Namumuno sa Bayan (Hulyo 28, 1830)". Ang artista ay nagbigay ng walang hanggang, epikong tunog sa isang simpleng yugto ng mga away sa kalye. Ang mga rebelde ay bumangon sa barikada na nakuhang muli mula sa maharlikang hukbo, at ang Freedom mismo ang nangunguna sa kanila. Nakita ng mga kritiko sa kanya ang "isang krus sa pagitan ng isang mangangalakal at isang sinaunang diyosa ng Griyego." Ang romantikong istilo ay nararamdaman dito: Ang kalayaan ay inilalarawan bilang ang diyosa ng tagumpay, itinaas niya ang tatlong kulay na banner ng French Republic; sinundan ng isang armadong nagkakagulong mga tao. Ngayon silang lahat ay mga sundalo ng Kalayaan.
Noong 1832, sinamahan ni Delacroix ang isang diplomatikong misyon sa Algiers at Morocco. Sa kanyang pagbabalik sa Paris, lumikha ang artista ng isang pagpipinta "Ang Kababaihan ng Algeria sa Kanilang mga Kamara" (1833). Ang mga figure ng mga kababaihan ay nakakagulat na plastik. Ang mga mukha na may ginintuang balat ay malumanay na binalangkas, ang mga braso ay malumanay na nakakurbada, ang mga makukulay na kasuotan ay namumukod-tangi sa background ng makinis na mga anino.
Antoine Gros (1771–1835) - Pintor ng Pranses, pintor ng portrait. Iniwan ni Gro ang mga klasikal na paksa - naakit siya ng modernong kasaysayan. Lumikha siya ng isang serye ng mga pagpipinta na nakatuon sa ekspedisyon ng Egypt-Syrian ng hukbong Napoleonic (1798-1799) - "Binaparte ang pagbisita sa mga biktima ng salot sa Jaffa" (1804). Iba pang mga pagpipinta na nakatuon kay Napoleon - "Napoleon sa Arcole Bridge" (1797), "Napoleon sa Battlefield ng Eyau" (1808). Ang Gros noong 1825 ay natapos na ipinta ang dome ng Pantheon sa Paris, na pinapalitan ang imahe ni Napoleon ng figure ni Louis XVIII.
