"Mga Manlalaro ng Card"

may-akda

Paul Cezanne

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1839–1906
Estilo post-impressionism

Ang artista ay ipinanganak sa timog ng France sa maliit na bayan ng Aix-en-Provence, ngunit nagsimulang magpinta sa Paris. Ang tunay na tagumpay ay dumating sa kanya pagkatapos ng isang personal na eksibisyon na inorganisa ng kolektor na si Ambroise Vollard. Noong 1886, 20 taon bago siya umalis, lumipat siya sa labas ng kanyang bayan. Tinawag ng mga batang artista ang kanilang mga paglalakbay sa kanya na "isang paglalakbay sa Aix."

130x97 cm
1895
presyo
$ 250 milyon
naibenta noong 2012
sa isang pribadong auction

Madaling maunawaan ang gawa ni Cezanne. Ang tanging panuntunan ng artist ay ang direktang paglipat ng paksa o balangkas sa canvas, kaya ang kanyang mga pagpipinta ay hindi nagiging sanhi ng pagkalito sa manonood. Pinagsama ni Cezanne ang dalawang pangunahing tradisyon ng Pransya sa kanyang sining: classicism at romanticism. Sa tulong ng makulay na texture, binigyan niya ang anyo ng mga bagay ng isang kamangha-manghang plasticity.

Isang serye ng limang mga kuwadro na "The Card Players" ay isinulat sa mga taong 1890-1895. Ang kanilang balangkas ay pareho - maraming tao ang mahilig sa paglalaro ng poker. Ang mga gawa ay naiiba lamang sa bilang ng mga manlalaro at sa laki ng canvas.

Apat na mga pintura ang itinatago sa mga museo sa Europa at Amerika (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation at Courtauld Institute of Art), at ang ikalima, hanggang kamakailan, ay isang adornment ng pribadong koleksyon ng may-ari ng barkong bilyonaryo ng Greece. Georg Embirikos. Ilang sandali bago siya namatay, noong taglamig ng 2011, nagpasya siyang ibenta ito. Ang dealer ng sining na si William Aquavella at ang kilalang may-ari ng gallery na si Larry Gagosian ay naging mga potensyal na mamimili ng "libre" na gawa ni Cezanne, na nag-aalok ng humigit-kumulang $220 milyon para dito. Bilang resulta, ang pagpipinta ay napunta sa maharlikang pamilya ng Arab state ng Qatar sa halagang 250 milyon. Ang pinakamalaking art deal sa kasaysayan ng pagpipinta ay isinara noong Pebrero 2012. Iniulat ito sa Vanity Fair ng mamamahayag na si Alexandra Pierce. Nalaman niya ang halaga ng pagpipinta at ang pangalan ng bagong may-ari, at pagkatapos ay tumagos ang impormasyon sa media sa buong mundo.

Noong 2010, binuksan sa Qatar ang Arab Museum of Modern Art at ang Qatar National Museum. Ngayon ang kanilang mga koleksyon ay muling pinupunan. Marahil ang ikalimang bersyon ng The Card Players ay nakuha ng Sheikh para sa layuning ito.

Ang pinakamamahaling larawansa mundo

May-ari
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Ang dinastiyang al-Thani ay namuno sa Qatar sa loob ng mahigit 130 taon. Mga kalahating siglo na ang nakalipas, natuklasan ang malalaking reserba ng langis at gas dito, na agad na ginawang isa ang Qatar sa pinakamayamang rehiyon sa mundo. Salamat sa pag-export ng mga hydrocarbon, ang maliit na bansang ito ang may pinakamalaking GDP per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani noong 1995, habang ang kanyang ama ay nasa Switzerland, na may suporta ng mga miyembro ng pamilya ay inagaw ang kapangyarihan. Ang merito ng kasalukuyang namumuno, ayon sa mga eksperto, ay nasa isang malinaw na estratehiya para sa pag-unlad ng bansa, sa paglikha ng isang matagumpay na imahe ng estado. Ang Qatar ay mayroon na ngayong konstitusyon at punong ministro, at ang mga kababaihan ay nanalo ng karapatang bumoto sa parliamentaryong halalan. Siyanga pala, ang Emir ng Qatar ang nagtatag ng Al-Jazeera news channel. Ang mga awtoridad ng estado ng Arab ay nagbibigay ng malaking pansin sa kultura.

2

"Numero 5"

may-akda

Jackson Pollock

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1912–1956
Estilo abstract expressionism

Jack Sprinkler - ang gayong palayaw ay ibinigay sa Pollock ng publikong Amerikano para sa isang espesyal na pamamaraan ng pagpipinta. Iniwan ng artist ang brush at easel, at nagbuhos ng pintura sa ibabaw ng canvas o fiberboard habang patuloy na gumagalaw sa paligid at sa loob ng mga ito. Mula sa isang maagang edad, mahilig siya sa pilosopiya ni Jiddu Krishnamurti, ang pangunahing mensahe kung saan ay ang katotohanan ay inihayag sa panahon ng isang libreng "pagbuhos".

122x244 cm
1948 taon
presyo
$ 140 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang halaga ng gawa ni Pollock ay wala sa resulta, ngunit sa proseso. Hindi nagkataon na tinawag ng may-akda ang kanyang sining na "painting of action". Sa kanyang magaan na kamay, ito ang naging pangunahing kayamanan ng America. Pinaghalo ni Jackson Pollock ang pintura na may buhangin, basag na salamin, at nagsulat gamit ang isang piraso ng karton, isang palette na kutsilyo, isang kutsilyo, at isang scoop. Ang artista ay napakapopular na noong 1950s, ang mga imitator ay natagpuan kahit sa USSR. Ang pagpipinta na "Number 5" ay kinikilala bilang isa sa mga kakaiba at pinakamahal sa mundo. Ang isa sa mga tagapagtatag ng kumpanya ng DreamWorks, si David Geffen, ay nakuha ito para sa isang pribadong koleksyon, at noong 2006 ay ibinenta ito sa auction ng Sotheby para sa $ 140 milyon sa Mexican collector na si David Martinez. Gayunpaman, ang law firm ay naglabas ng press release sa ngalan ng kliyente nito na nagsasaad na hindi si David Martinez ang may-ari ng painting. Isang bagay lamang ang tiyak na kilala: ang Mexican na financier ay talagang nakolekta kamakailan ng mga gawa ng kontemporaryong sining. Ito ay malamang na hindi niya napalampas ang isang "malaking isda" bilang "Number 5" Pollock.

3

"Babae III"

may-akda

Willem de Kooning

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1997
Estilo abstract expressionism

Tubong Netherlands, lumipat siya sa Estados Unidos noong 1926. Noong 1948, isang personal na eksibisyon ng artista ang naganap. Pinahahalagahan ng mga kritiko ng sining ang kumplikado, kinakabahan na mga itim at puti na komposisyon, na kinikilala ang mahusay na modernistang artista sa kanilang may-akda. Karamihan sa kanyang buhay ay nagdusa siya sa alkoholismo, ngunit ang kagalakan ng paglikha ng bagong sining ay nararamdaman sa bawat gawain. Ang De Kooning ay nakikilala sa pamamagitan ng impulsiveness ng pagpipinta, malawak na mga stroke, kaya kung minsan ang imahe ay hindi magkasya sa loob ng mga hangganan ng canvas.

121x171 cm
1953
presyo
$137 milyon
naibenta noong 2006
sa isang pribadong auction

Noong 1950s, itinampok sa mga painting ni de Kooning ang mga babaeng walang laman ang mga mata, malalaking suso, at pangit na mukha. Ang Babae III ang huling entry sa serye na isusubasta.

Mula noong 1970s, ang pagpipinta ay itinago sa Tehran Museum of Modern Art, ngunit pagkatapos ng pagpapakilala ng mahigpit na mga tuntunin sa moral sa bansa, sinubukan nilang alisin ito. Noong 1994, ang gawain ay na-export mula sa Iran, at pagkalipas ng 12 taon, ang may-ari nito na si David Geffen (ang parehong producer na nagbebenta ng pagpipinta ni Jackson Pollock na "Number 5") ay nagbigay ng larawan sa milyonaryo na si Stephen Cohen sa halagang $ 137.5 milyon. Ito ay kagiliw-giliw na si Geffen sa isang taon ay nagsimulang ibenta ang kanyang koleksyon ng mga kuwadro na gawa. Nagbunga ito ng maraming tsismis, halimbawa, na nagpasya ang producer na bilhin ang pahayagan ng Los Angeles Times.

Sa isa sa mga art forum, isang opinyon ang ipinahayag tungkol sa pagkakatulad ng "Woman III" sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "Lady with an Ermine". Sa likod ng mapupungay na ngiti at walang hugis na pigura ng pangunahing tauhang babae, naunawaan ng maalam sa pagpipinta ang biyaya ng isang taong may dugong maharlika. Ito ay pinatunayan din ng hindi magandang natunton na korona na nagpuputong sa ulo ng babae.

4

"Larawan ni AdeleBloch-Bauer I"

may-akda

Gustav Klimt

Ang bansa Austria
Mga taon ng buhay 1862–1918
Estilo moderno

Si Gustav Klimt ay ipinanganak sa pamilya ng isang engraving artist at pangalawa sa pitong anak. Ang tatlong anak ni Ernest Klimt ay naging mga artista, at si Gustav lamang ang naging tanyag sa buong mundo. Ginugol niya ang karamihan sa kanyang pagkabata sa kahirapan. Pagkamatay ng kanyang ama, siya ang may pananagutan sa buong pamilya. Sa panahong ito nabuo ni Klimt ang kanyang istilo. Ang sinumang manonood ay nag-freeze sa harap ng kanyang mga kuwadro na gawa: sa ilalim ng mga manipis na hawakan ng ginto, ang lantad na erotismo ay malinaw na nakikita.

138x136 cm
1907
presyo
$135 milyon
naibenta noong 2006
sa auction Sotheby's

Ang kapalaran ng pagpipinta, na tinatawag na "Austrian Mona Lisa", ay madaling maging batayan para sa isang bestseller. Ang gawa ng artista ay naging sanhi ng hidwaan sa pagitan ng buong estado at isang matandang babae.

Kaya, ang "Portrait of Adele Bloch-Bauer I" ay naglalarawan ng isang aristokrata, ang asawa ni Ferdinand Bloch. Ang kanyang huling habilin ay ilipat ang pagpipinta sa Austrian State Gallery. Gayunpaman, kinansela ni Bloch sa kanyang kalooban ang donasyon, at ang canvas ay kinuha ng mga Nazi. Nang maglaon, halos hindi binili ng gallery ang Golden Adele, ngunit pagkatapos ay lumitaw ang tagapagmana - si Maria Altman, ang pamangkin ni Ferdinand Bloch.

Noong 2005, nagsimula ang high-profile trial na "Maria Altman laban sa Austrian Republic", bilang isang resulta kung saan ang larawan ay "umalis" kasama niya sa Los Angeles. Ang Austria ay gumawa ng mga hindi pa nagagawang hakbang: ang mga negosasyon ay isinasagawa para sa mga pautang, ang populasyon ay nag-donate ng pera upang tubusin ang larawan. Hindi natalo ng kabutihan ang kasamaan: Itinaas ni Altman ang presyo sa $300 milyon. Sa panahon ng paglilitis, siya ay 79 taong gulang, at siya ay bumaba sa kasaysayan bilang ang taong nagbago sa kalooban ni Bloch-Bauer pabor sa mga personal na interes. Ang pagpipinta ay nakuha ni Ronald Lauder, may-ari ng New Gallery sa New York, kung saan nananatili ito hanggang ngayon. Hindi para sa Austria, binawasan ni Altman ang presyo sa $ 135 milyon para sa kanya.

5

"sigaw"

may-akda

Edvard Munch

Ang bansa Norway
Mga taon ng buhay 1863–1944
Estilo ekspresyonismo

Ang unang pagpipinta ni Munch, na naging sikat sa buong mundo - "The Sick Girl" (umiiral sa limang kopya) - ay nakatuon sa kapatid ng artista, na namatay sa tuberculosis sa edad na 15. Palaging interesado si Munch sa paksa ng kamatayan at kalungkutan. Sa Germany, ang kanyang mabigat at manic na pagpipinta ay nagdulot pa ng isang iskandalo. Gayunpaman, sa kabila ng mapagpahirap na mga plot, ang kanyang mga pagpipinta ay may espesyal na magnetismo. Kunin ang "Scream", halimbawa.

73.5x91 cm
1895
presyo
$ 119.992 milyon
naibenta sa 2012
sa auction Sotheby's

Ang buong pangalan ng pagpipinta ay Der Schrei der Natur (isinalin mula sa Aleman - "ang sigaw ng kalikasan"). Ang mukha ng isang tao o isang dayuhan ay nagpapahayag ng kawalan ng pag-asa at gulat - ang parehong mga emosyon ay nararanasan ng manonood kapag tumitingin sa isang larawan. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng Expressionism ay nagbabala sa mga tema na naging talamak sa sining ng ika-20 siglo. Ayon sa isang bersyon, nilikha ito ng artist sa ilalim ng impluwensya ng isang mental disorder, na pinagdudusahan niya sa buong buhay niya.

Ang pagpipinta ay dalawang beses na ninakaw mula sa iba't ibang mga museo, ngunit ito ay ibinalik. Ang Scream, na nagkaroon ng kaunting pinsala pagkatapos ng pagnanakaw, ay naibalik at muling handa para ipakita sa Munch Museum noong 2008. Para sa mga kinatawan ng pop culture, ang trabaho ay naging mapagkukunan ng inspirasyon: Si Andy Warhol ay lumikha ng isang serye ng kanyang mga kopya ng mga kopya, at ang maskara mula sa pelikulang "Scream" ay ginawa sa imahe at pagkakahawig ng bayani ng larawan.

Sa isang paksa, sumulat si Munch ng apat na bersyon ng trabaho: ang isa sa isang pribadong koleksyon, na ginawa sa mga pastel. Ang Norwegian billionaire na si Petter Olsen ay naglagay nito para sa auction noong Mayo 2, 2012. Ang bumili ay si Leon Black, na hindi nagsisi sa halaga ng record para sa "Scream". Nagtatag ng Apollo Advisors, L.P. at Lion Advisors, L.P. kilala sa kanyang pagmamahal sa sining. Si Black ang patron ng Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center, Metropolitan Museum of Art. Ito ang may pinakamalaking koleksyon ng mga painting ng mga kontemporaryong artist at classical masters ng nakalipas na mga siglo.

6

"Hubad na hubad sa background ng bust at berdeng dahon"

may-akda

Pablo Picasso

Ang bansa Spain, France
Mga taon ng buhay 1881–1973
Estilo kubismo

Sa kapanganakan siya ay Espanyol, ngunit sa espiritu at lugar ng paninirahan siya ay isang tunay na Pranses. Binuksan ni Picasso ang sarili niyang art studio sa Barcelona noong siya ay 16 taong gulang pa lamang. Pagkatapos ay nagpunta siya sa Paris at ginugol ang halos buong buhay niya doon. Kaya naman may double stress sa apelyido niya. Ang istilong naimbento ni Picasso ay batay sa pagtanggi sa opinyon na ang isang bagay na inilalarawan sa canvas ay maaaring tingnan mula sa isang anggulo lamang.

130x162 cm
1932 taon
presyo
$ 106.482 milyon
naibenta noong 2010 taon
sa auction kay Christie

Sa panahon ng kanyang trabaho sa Roma, nakilala ng artista ang mananayaw na si Olga Khokhlova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa. Tinapos niya ang vagrancy, lumipat kasama niya sa isang marangyang apartment. Sa oras na iyon, ang pagkilala ay nakahanap ng isang bayani, ngunit ang kasal ay nawasak. Ang isa sa mga pinakamahal na pagpipinta sa mundo ay nilikha halos sa pamamagitan ng aksidente - para sa mahusay na pag-ibig, na, gaya ng nakasanayan sa Picasso, ay maikli ang buhay. Noong 1927, naging interesado siya sa batang Marie-Thérèse Walther (siya ay 17 taong gulang, siya ay 45). Lingid sa kaalaman ng kanyang asawa, umalis siya kasama ang kanyang maybahay sa isang bayan malapit sa Paris, kung saan nagpinta siya ng larawang naglalarawan kay Marie-Therese sa imahe ni Daphne. Ang canvas ay nakuha ng New York dealer na si Paul Rosenberg at ibinenta kay Sidney F. Brody noong 1951. Ang mga mag-asawang Brody ay nagpakita ng larawan sa mundo nang isang beses lamang at dahil ang artista ay naging 80 taong gulang. Matapos ang pagkamatay ng kanyang asawa, inilagay ni Mrs. Brody noong Marso 2010 ang piraso para sa auction sa bahay ni Christie. Sa loob ng anim na dekada, ang presyo ay tumaas ng higit sa 5,000 beses! Binili ito ng hindi kilalang kolektor sa halagang $106.5 milyon. Noong 2011, isang "one-painting exhibition" ang naganap sa Britain, kung saan ito ay nai-publish sa pangalawang pagkakataon, ngunit ang pangalan ng may-ari ay hindi pa rin kilala.

7

"Walong Elvis"

may-akda

Andy Warhole

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1928-1987
Estilo
pop Art

"Ang sex at mga party ay ang tanging mga lugar kung saan kailangan mong magpakita ng personal," sabi ni Andy Warhol, ang iconic na pop art artist, filmmaker, co-founder ng Interview magazine. Nagtrabaho siya sa Vogue at Harper's Bazaar, nagdisenyo ng mga cover ng album, at nagdisenyo ng mga sapatos para kay I. Miller. Noong 1960s, lumitaw ang mga kuwadro na naglalarawan sa mga simbolo ng Amerika: Campbell's soup at Coca-Cola, Presley at Monroe - na ginawa siyang isang alamat.

358x208 cm
1963
presyo
$100 milyon
naibenta sa 2008
sa isang pribadong auction

Warhol's 60s - ito ang pangalan ng panahon ng pop art sa America. Noong 1962, nagtrabaho siya sa Manhattan sa Fabrika studio, kung saan nagtipon ang lahat ng mga bohemian ng New York. Ang mga kilalang kinatawan nito: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote at iba pang sikat na personalidad sa mundo. Kasabay nito, sinubukan ni Warhol ang silk-screening technique - ang maraming pag-uulit ng isang imahe. Ginamit niya ang pamamaraang ito nang lumikha ng "Eight Elvis": ang manonood ay tila nakakakita ng mga frame mula sa isang pelikula kung saan nabuhay ang bituin. Mayroong lahat ng bagay na labis na minahal ng artista: isang win-win na pampublikong imahe, kulay na pilak at isang premonisyon ng kamatayan bilang pangunahing mensahe.

May dalawang art dealers na nagpo-promote ng gawa ni Warhol sa world market ngayon: Larry Gagosian at Alberto Mughrabi. Ang una ay gumastos ng $ 200 milyon noong 2008 upang makakuha ng higit sa 15 ng mga gawa ni Warhol. Ang pangalawa ay bumibili at nagbebenta ng kanyang mga painting tulad ng mga Christmas card, mas mahal lamang. Ngunit hindi sila, ngunit isang katamtaman na Pranses na consultant ng sining na si Philippe Segalo ang tumulong sa Romanong kritiko ng sining na si Annibale Berlingieri na ibenta ang Eight Elvis sa isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga para sa Warhol - $ 100 milyon.

8

"Kahel,Pulang Dilaw"

may-akda

Mark Rothko

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1903–1970
Estilo abstract expressionism

Isa sa mga tagalikha ng color field painting ay ipinanganak sa Dvinsk, Russia (ngayon - Daugavpils, Latvia), sa isang malaking pamilya ng isang Hudyo na parmasyutiko. Noong 1911, lumipat sila sa Estados Unidos. Nag-aral si Rothko sa art department ng Yale University, nanalo ng scholarship, ngunit ang mga anti-Semitic na sentiments ay pinilit siyang umalis sa kanyang pag-aaral. Sa kabila ng lahat, idolo ng mga kritiko ng sining ang artista, at pinagmumultuhan siya ng mga museo sa buong buhay niya.

206x236 cm
1961 taon
presyo
$ 86,882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction kay Christie

Ang mga unang artistikong eksperimento ni Rothko ay isang surrealistic na oryentasyon, ngunit sa paglipas ng panahon ay pinasimple niya ang balangkas upang kulayan ang mga spot, na inaalis sa kanila ang anumang objectivity. Sa una mayroon silang mga maliliwanag na lilim, at noong 1960s sila ay naging kayumanggi, lila, lumalapot sa itim sa oras ng pagkamatay ng artista. Nagbabala si Mark Rothko laban sa paghahanap ng anumang kahulugan sa kanyang mga kuwadro na gawa. Nais sabihin ng may-akda nang eksakto kung ano ang sinabi niya: isang kulay lamang na natutunaw sa hangin, at wala nang iba pa. Inirerekomenda niya ang pagtingin sa mga gawa mula sa layo na 45 cm, upang ang viewer ay "iguguhit" sa kulay, tulad ng isang funnel. Pag-iingat: ang panonood ayon sa lahat ng mga patakaran ay maaaring humantong sa epekto ng pagmumuni-muni, iyon ay, unti-unting dumating ang kamalayan ng kawalang-hanggan, kumpletong paglulubog sa sarili, pagpapahinga, paglilinis. Ang kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa ay nabubuhay, humihinga at may malakas na emosyonal na epekto (sabi nila, kung minsan - nakapagpapagaling). Ipinahayag ng artista: "Dapat umiyak ang manonood kapag tinitingnan sila," at talagang may mga ganoong kaso. Ayon sa teorya ni Rothko, sa sandaling ito nararanasan ng mga tao ang parehong espirituwal na karanasan na ginawa niya sa proseso ng paggawa sa isang pagpipinta. Kung nagawa mong maunawaan ito sa isang banayad na antas, hindi ka dapat magulat na ang mga kritiko ay madalas na inihambing ang mga gawa ng abstract na sining na may mga icon.

Ang akdang "Orange, Red, Yellow" ay nagpapahayag ng buong diwa ng pagpipinta ni Mark Rothko. Ang paunang halaga nito sa auction ni Christie sa New York ay 35-45 milyong dolyar. Isang hindi kilalang mamimili ang nag-alok ng presyo na doble sa tantiya. Ang pangalan ng masuwerteng may-ari ng pagpipinta, gaya ng kadalasang nangyayari, ay hindi isiniwalat.

9

"Triptych"

may-akda

Francis Bacon

Ang bansa
Britanya
Mga taon ng buhay 1909–1992
Estilo ekspresyonismo

Ang mga pakikipagsapalaran ni Francis Bacon, isang kumpletong kapangalan at isa ring malayong inapo ng dakilang pilosopo, ay nagsimula nang itakwil siya ng kanyang ama, na hindi matanggap ang homoseksuwal na hilig ng kanyang anak. Nauna si Bacon sa Berlin, pagkatapos ay sa Paris, at pagkatapos ang kanyang mga bakas ay nalilito sa buong Europa. Kahit na sa panahon ng kanyang buhay, ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa mga nangungunang sentro ng kultura sa mundo, kabilang ang Guggenheim Museum at ang Tretyakov Gallery.

147.5x198 cm (bawat isa)
1976
presyo
$ 86.2 milyon
ubos na sa 2008
sa auction Sotheby's

Ang mga prestihiyosong museo ay naghangad na magkaroon ng mga kuwadro na gawa ni Bacon, ngunit ang prim English public ay hindi nagmamadaling kumuha ng ganoong sining. Ang maalamat na Punong Ministro ng Britanya na si Margaret Thatcher ay nagsabi tungkol sa kanya: "Ang taong nagpinta ng mga kakila-kilabot na larawang ito."

Itinuring mismo ng artista ang panahon ng post-war bilang panimulang panahon sa kanyang trabaho. Pagbalik mula sa serbisyo, muli siyang kumuha ng pagpipinta at nilikha ang mga pangunahing obra maestra. Bago ang paglahok ng "Triptych, 1976" sa auction, ang pinakamahal na gawain ng Bacon ay "Pag-aaral para sa isang larawan ni Pope Innocent X" (52.7 milyong dolyar). Sa "Triptych, 1976" inilarawan ng artist ang gawa-gawa na balangkas ng pagtugis kay Orestes ng mga galit. Siyempre, si Orestes ay si Bacon mismo, at ang mga galit ay ang kanyang mga pagdurusa. Sa loob ng higit sa 30 taon, ang pagpipinta ay nasa isang pribadong koleksyon at hindi lumahok sa mga eksibisyon. Ang katotohanang ito ay nagbibigay dito ng isang espesyal na halaga at, nang naaayon, pinatataas ang halaga nito. Ngunit ano ang ilang milyon para sa isang connoisseur ng sining, at kahit na mapagbigay sa Russian? Sinimulan ni Roman Abramovich na lumikha ng kanyang koleksyon noong 1990s, dito siya ay lubos na naimpluwensyahan ng kanyang kaibigan na si Dasha Zhukova, na naging isang naka-istilong may-ari ng gallery sa modernong Russia. Ayon sa hindi opisyal na data, ang negosyante ay nagmamay-ari ng mga gawa nina Alberto Giacometti at Pablo Picasso, na binili para sa mga halagang higit sa $ 100 milyon. Noong 2008 nanalo siya ng Triptych. Sa pamamagitan ng paraan, noong 2011, isa pang mahalagang gawain ng Bacon ang nakuha - "Tatlong sketch para sa isang larawan ni Lucian Freud." Sinasabi ng mga nakatagong mapagkukunan na si Roman Arkadievich ay muling naging mamimili.

10

"Pond na may water lilies"

may-akda

Claude Monet

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1840–1926
Estilo impresyonismo

Ang artista ay kinikilala bilang ninuno ng impresyonismo, na "nagpatent" sa pamamaraang ito sa kanyang mga canvases. Ang unang makabuluhang gawain ay ang pagpipinta na "Breakfast on the Grass" (ang orihinal na bersyon ng gawa ni Edouard Manet). Sa kanyang kabataan, gumuhit siya ng mga cartoon, at kumuha ng tunay na pagpipinta sa kanyang paglalakbay sa baybayin at sa open air. Sa Paris, pinamunuan niya ang isang bohemian na pamumuhay at hindi niya ito pinabayaan kahit na pagkatapos maglingkod sa hukbo.

210x100 cm
1919
presyo
$ 80.5 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Bukod sa katotohanan na si Monet ay isang mahusay na artista, masigasig din siyang nakikibahagi sa paghahalaman, adored wildlife at mga bulaklak. Sa kanyang mga tanawin, ang estado ng kalikasan ay panandalian, ang mga bagay ay tila malabo sa paggalaw ng hangin. Ang impression ay pinahusay ng malalaking stroke, mula sa isang tiyak na distansya ay nagiging invisible ang mga ito at nagsasama sa isang texture, three-dimensional na imahe. Sa pagpipinta ni late Monet, ang tema ng tubig at buhay dito ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Sa bayan ng Giverny, ang artista ay may sariling lawa, kung saan siya ay nagtanim ng mga water lilies mula sa mga buto na espesyal na dinala niya mula sa Japan. Nang namumukadkad na ang kanilang mga bulaklak, nagsimula siyang magpinta. Ang seryeng "Water Lilies" ay binubuo ng 60 na gawa na ipininta ng artista sa loob ng halos 30 taon, hanggang sa kanyang kamatayan. Ang kanyang paningin ay lumala sa edad, ngunit hindi siya tumigil. Depende sa hangin, panahon at panahon, ang view ng pond ay patuloy na nagbabago, at gusto ni Monet na makuha ang mga pagbabagong ito. Sa pamamagitan ng maingat na trabaho, isang pag-unawa sa kakanyahan ng kalikasan ang dumating sa kanya. Ang ilan sa mga painting ng serye ay iniingatan sa nangungunang mga gallery sa mundo: National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Paris). Ang bersyon ng susunod na "Pond with Water Lilies" ay napunta sa mga kamay ng isang hindi kilalang mamimili para sa isang record na halaga.

11

Maling Bituin t

may-akda

Jasper Johns

Ang bansa USA
Taon ng kapanganakan 1930
Estilo pop Art

Noong 1949, pumasok si Jones sa isang disenyo ng paaralan sa New York. Kasama sina Jackson Pollock, Willem de Kooning at iba pa, siya ay kinikilala bilang isa sa mga pangunahing artista ng ika-20 siglo. Noong 2012, natanggap niya ang Presidential Medal of Freedom, ang pinakamataas na karangalan ng sibilyan sa Estados Unidos.

137.2x170.8 cm
1959
presyo
$ 80 milyon
naibenta noong 2006
sa isang pribadong auction

Tulad ni Marcel Duchamp, nagtrabaho si Jones sa mga tunay na bagay, na inilalarawan ang mga ito sa canvas at sa iskultura, nang buong alinsunod sa orihinal. Para sa kanyang trabaho, gumamit siya ng mga bagay na simple at naiintindihan ng lahat: isang bote ng beer, isang bandila o mga mapa. Walang malinaw na komposisyon sa pagpipinta ng False Start. Ang artist ay tila nakikipaglaro sa manonood, madalas na "mali" sa pag-sign ng mga kulay sa larawan, na binabaligtad ang mismong konsepto ng kulay: "Nais kong makahanap ng isang paraan upang ilarawan ang kulay upang ito ay matukoy ng ibang paraan." Ang kanyang pinaka-explosive at "insecure", ayon sa mga kritiko, ang pagpipinta ay nakuha ng isang hindi kilalang mamimili.

12

"Nakaupohubadsa sopa"

may-akda

Amedeo Modigliani

Ang bansa Italy, France
Mga taon ng buhay 1884–1920
Estilo ekspresyonismo

Mula pagkabata, si Modigliani ay madalas na may sakit; sa panahon ng isang nilalagnat na delirium, nakilala niya ang kanyang kapalaran bilang isang artista. Nag-aral siya ng pagguhit sa Livorno, Florence, Venice, at noong 1906 ay umalis siya patungong Paris, kung saan umunlad ang kanyang sining.

65x100 cm
1917 taon
presyo
$ 68.962 milyon
naibenta noong 2010 taon
sa auction Sotheby's

Noong 1917, nakilala ni Modigliani ang 19-taong-gulang na si Jeanne Hébuterne, na naging kanyang modelo at nang maglaon ay kanyang asawa. Noong 2004, ang isa sa kanyang mga portrait ay naibenta sa halagang $31.3 milyon, ang pinakabagong record bago ang pagbebenta ng Seated Nude on a Sofa noong 2010. Ang pagpipinta ay binili ng isang hindi kilalang mamimili para sa pinakamataas na presyo para sa Modigliani sa ngayon. Ang mga aktibong benta ng mga gawa ay nagsimula lamang pagkatapos ng pagkamatay ng artist. Namatay siya sa kahirapan, nagkasakit ng tuberculosis, at kinabukasan, si Jeanne Hébuterne, na siyam na buwang buntis, ay nagpakamatay din.

13

"Agila sa isang pine tree"

may-akda

Qi Baishi

Ang bansa Tsina
Mga taon ng buhay 1864–1957
Estilo guohua

Isang interes sa kaligrapya ang nagbunsod kay Qi Baishi na magpinta. Sa edad na 28, naging estudyante siya ng artist na si Hu Qingyuan. Ginawaran siya ng titulong "Great Artist of the Chinese People" ng Ministri ng Kultura ng Tsina, at noong 1956 natanggap niya ang International Peace Prize.

10x26 cm
1946
presyo
$ 65.4 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Tagapangalaga ng China

Interesado si Qi Baishi sa mga pagpapakita ng mundong iyon na hindi binibigyang halaga ng marami, at ito ang kanyang kadakilaan. Ang isang taong walang edukasyon ay naging isang propesor at isang natatanging manlilikha sa kasaysayan. Sinabi ni Pablo Picasso tungkol sa kanya: "Natatakot akong pumunta sa iyong bansa, dahil mayroong Qi Baishi sa China." Ang komposisyon na "Eagle on a Pine" ay kinikilala bilang ang pinakamalaking gawa ng artist. Bilang karagdagan sa canvas, kabilang dito ang dalawang hieroglyphic scroll. Para sa China, ang halaga kung saan binili ang piraso ay kumakatawan sa isang talaan - 425.5 milyong yuan. Ang scroll ng sinaunang calligrapher na si Huang Tingjian lamang ay naibenta sa halagang $436.8 milyon.

14

"1949-A-№1"

may-akda

Clifford pa rin

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1904–1980
Estilo abstract expressionism

Sa edad na 20, binisita niya ang Metropolitan Museum of Art sa New York at nadismaya. Nang maglaon ay nag-enrol ako sa isang kurso sa liga ng sining ng mag-aaral, ngunit umalis 45 minuto pagkatapos ng pagsisimula ng aralin - ito ay naging "hindi para sa kanya." Ang unang solong eksibisyon ay nagdulot ng resonance, natagpuan ng artist ang kanyang sarili, at kasama nito ang pagkilala

79x93 cm
1949
presyo
$ 61.7 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ang lahat ng kanyang mga gawa, na higit sa 800 na mga canvases at 1600 na mga gawa sa papel, ay ipinamana pa rin sa lungsod ng Amerika, kung saan bubuksan ang isang museo na ipinangalan sa kanya. Ang Denver ay naging tulad ng isang lungsod, ngunit ang konstruksiyon lamang ang gastos ng mga awtoridad, at para sa pagkumpleto nito apat na mga gawa ang inilagay para sa auction. Ang mga gawa ni Still ay malamang na hindi mai-auction muli, na nagtulak sa kanilang presyo nang maaga. Ang pagpipinta na "1949-A-No.1" ay naibenta para sa isang record na halaga para sa artist, bagaman hinulaan ng mga eksperto ang pagbebenta para sa maximum na $ 25-35 milyon.

15

"Suprematist na komposisyon"

may-akda

Kazimir Malevich

Ang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1878–1935
Estilo Suprematismo

Nag-aral si Malevich ng pagpipinta sa Kiev Art School, pagkatapos ay sa Moscow Academy of Arts. Noong 1913, nagsimula siyang magpinta ng abstract geometric na mga pagpipinta sa isang istilo na tinawag niyang Suprematism (mula sa Latin na "dominasyon").

71x 88.5 cm
1916
presyo
$ 60 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Sa museo ng lungsod ng Amsterdam, ang pagpipinta ay itinago sa loob ng halos 50 taon, ngunit pagkatapos ng 17-taong pagtatalo sa mga kamag-anak ni Malevich, ibinigay ito ng museo. Isinulat ng artista ang gawaing ito sa loob ng isang taon kasama ang "Manifesto of Suprematism", kaya't inihayag ni Sotheby bago pa man ang auction na hindi ito mapupunta sa isang pribadong koleksyon nang mas mababa sa $ 60 milyon. At nangyari nga. Mas mainam na tingnan ito mula sa itaas: ang mga figure sa canvas ay kahawig ng tanawin ng lupa mula sa himpapawid. Sa pamamagitan ng paraan, ilang taon na ang nakalilipas, ang parehong mga kamag-anak ay nag-expropriate ng isa pang "Suprematist Composition" mula sa MoMA Museum upang ibenta ito sa auction ng Phillips sa halagang $ 17 milyon.

16

"Mga naliligo"

may-akda

Paul Gauguin

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1848–1903
Estilo post-impressionism

Hanggang sa edad na pito, ang artista ay nanirahan sa Peru, pagkatapos ay bumalik sa France kasama ang kanyang pamilya, ngunit ang mga alaala ng pagkabata ay patuloy na nagtulak sa kanya na maglakbay. Sa France, nagsimula siyang magpinta gamit ang mga pintura, ay kaibigan ni Van Gogh. Ilang buwan pa siyang kasama niya sa Arles, hanggang sa sandaling pinutol ni Van Gogh ang kanyang tainga sa isang away.

93.4x60.4 cm
1902
presyo
$ 55 milyon
naibenta noong 2005
sa auction Sotheby's

Noong 1891, inayos ni Gauguin ang isang pagbebenta ng kanyang mga pintura upang magamit ang mga nalikom sa pagpunta sa loob ng isla ng Tahiti. Doon ay lumikha siya ng mga gawa kung saan nadarama ang banayad na koneksyon sa pagitan ng kalikasan at tao. Nakatira si Gauguin sa isang kubo na pawid, at isang tropikal na paraiso ang namumulaklak sa kanyang mga canvases. Ang kanyang asawa ay isang 13-taong-gulang na taga-Tahiti na si Tehura, na hindi humadlang sa artist na pumasok sa mga malaswang relasyon. Dahil nagkasakit siya ng syphilis, umalis siya patungong France. Gayunpaman, si Gauguin ay masikip doon, at bumalik siya sa Tahiti. Ang panahong ito ay tinatawag na "pangalawang Tahitian" - noon na ang pagpipinta na "Bathers" ay ipininta, isa sa pinaka maluho sa kanyang trabaho.

17

"Mga daffodil at isang mantel na kulay asul at rosas"

may-akda

Henri Matisse

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1869–1954
Estilo fauvism

Noong 1889, si Henri Matisse ay inatake ng apendisitis. Nang siya ay nagpapagaling mula sa operasyon, binilhan siya ng kanyang ina ng mga pintura. Sa una, dahil sa inip, kinopya ni Matisse ang mga kulay na mga postkard, pagkatapos - ang mga gawa ng mahusay na pintor na nakita niya sa Louvre, at sa simula ng ika-20 siglo ay nag-imbento siya ng isang istilo - Fauvism.

65.2x81 cm
1911
presyo
$ 46.4 milyon
naibenta sa 2009
sa auction kay Christie

Ang pagpipinta na "Daffodils and a tablecloth in blue and pink" ay matagal nang pag-aari ni Yves Saint Laurent. Matapos ang pagkamatay ng couturier, ang kanyang buong koleksyon ng sining ay ipinasa sa mga kamay ng kanyang kaibigan at kasintahan na si Pierre Berger, na nagpasya na ilagay ito para sa auction sa Christie's. Ang perlas ng koleksyong nabili ay ang pagpipinta na "Daffodils and a Tablecloth in Blue and Pink Tones", na ipininta sa isang ordinaryong tablecloth sa halip na canvas. Bilang isang halimbawa ng Fauvism, ito ay puno ng enerhiya ng kulay, ang mga kulay ay tila sumasabog at sumisigaw. Mula sa sikat na serye ng mga painting na ipininta sa isang tablecloth, ngayon ang gawaing ito ay ang tanging isa na nasa isang pribadong koleksyon.

18

"Natutulog na babae"

may-akda

RoyLee

htenstein

Ang bansa USA
Mga taon ng buhay 1923–1997
Estilo pop Art

Ipinanganak ang artista sa New York, at pagkatapos ng pagtatapos sa high school, umalis siya patungong Ohio, kung saan kumuha siya ng mga kurso sa sining. Natanggap ni Liechtenstein ang kanyang Master of Fine Arts degree noong 1949. Ang kanyang interes sa komiks at ang kanyang kakayahang maging ironic ay ginawa siyang isang kulto na artista noong nakaraang siglo.

91x91 cm
1964
presyo
$ 44,882 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Isang araw, ang chewing gum ay nahulog sa mga kamay ng Liechtenstein. Iginuhit niyang muli ang larawan mula sa insert hanggang sa canvas at naging tanyag. Ang balangkas na ito mula sa kanyang talambuhay ay naglalaman ng buong mensahe ng pop art: ang pagkonsumo ay ang bagong diyos, at walang mas kaunting kagandahan sa isang gum wrapper kaysa sa Mona Lisa. Ang kanyang mga pintura ay kahawig ng mga komiks at cartoon: Pinalaki lang ng Liechtenstein ang natapos na imahe, pininturahan ang mga raster, ginamit ang screen printing at silk-screen printing. Ang pagpipinta ng "The Sleeping Girl" sa loob ng halos 50 taon ay pagmamay-ari ng mga kolektor na sina Beatrice at Philippe Gersh, na ang mga tagapagmana ay nagbebenta nito sa auction.

19

"Tagumpay. Boogie Woogie"

may-akda

Piet Mondrian

Ang bansa Netherlands
Mga taon ng buhay 1872–1944
Estilo neoplasticism

Ang kanyang tunay na pangalan - Cornelis - ang artista ay pinalitan ng Mondrian nang lumipat siya sa Paris noong 1912. Kasama ang pintor na si Theo van Doosburg itinatag niya ang kilusang "neoplasticism". Ang Piet programming language ay pinangalanan sa Mondrian.

27x127 cm
1944 taon
presyo
$ 40 milyon
naibenta noong 1998
sa auction Sotheby's

Ang pinaka-"musical" ng ika-20 siglo na mga artista ay nabuhay na may watercolor still lifes, kahit na siya ay naging tanyag bilang isang neoplastic artist. Lumipat siya sa Estados Unidos noong 1940s at doon ginugol ang natitirang bahagi ng kanyang buhay. Si Jazz at New York ang pinaka-inspire sa kanya! Pagpinta ng "Tagumpay. Si Boogie Woogie ang pinakamagandang halimbawa nito. Ang "pirma" na malinis na mga parisukat ay nakuha sa pamamagitan ng paggamit ng duct tape, ang paboritong materyal ni Mondrian. Sa Amerika siya ay tinawag na "pinakatanyag na imigrante." Noong dekada ikaanimnapung taon, inilabas ni Yves Saint Laurent ang sikat sa mundo na mga damit na Mondrian na may naka-print sa isang malaking kulay na hawla.

20

"Komposisyon Blg. 5"

may-akda

BasilKandinsky

Ang bansa Russia
Mga taon ng buhay 1866–1944
Estilo avant-garde

Ang artista ay ipinanganak sa Moscow, at ang kanyang ama ay mula sa Siberia. Pagkatapos ng rebolusyon, sinubukan niyang makipagtulungan sa gobyerno ng Sobyet, ngunit sa lalong madaling panahon natanto na ang mga batas ng proletaryado ay hindi nilikha para sa kanya, at hindi nang walang mga paghihirap na lumipat sa Alemanya.

275x190 cm
1911
presyo
$ 40 milyon
naibenta noong 2007
sa auction Sotheby's

Si Kandinsky ay isa sa mga unang ganap na tinalikuran ang pagpipinta ng bagay, kung saan natanggap niya ang pamagat ng henyo. Sa panahon ng Nazismo sa Germany, ang kanyang mga kuwadro ay inuri bilang "degenerate art" at hindi ipinakita kahit saan. Noong 1939, tinanggap ni Kandinsky ang pagkamamamayan ng Pransya, sa Paris ay malayang lumahok siya sa proseso ng artistikong. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay "tunog" tulad ng mga fugue, kaya marami ang tinawag na "mga komposisyon" (ang una ay isinulat noong 1910, ang huli - noong 1939). Ang "Composition No. 5" ay isa sa mga pangunahing gawa sa genre na ito: "Ang salitang" komposisyon "ay parang isang panalangin sa akin," sabi ng artist. Hindi tulad ng maraming tagasunod, pinlano niya kung ano ang ipapakita niya sa isang malaking canvas, na parang nagsusulat siya ng sheet music.

21

"Pag-aaral ng babaeng naka-asul"

may-akda

Fernand Leger

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1881–1955
Estilo Cubism-Post-Impresyonismo

Nakatanggap si Leger ng edukasyong arkitektura at pagkatapos ay pumasok sa École des Beaux-Arts sa Paris. Itinuring ng artist ang kanyang sarili na isang tagasunod ni Cezanne, ay isang apologist para sa Cubism, at noong ika-20 siglo siya ay matagumpay din bilang isang iskultor.

96.5x129.5 cm
1912-1913 taon
presyo
$39.2 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

Si David Normann, Presidente ng International Department of Impressionism and Modernism sa Sotheby's, ay naniniwala na ang malaking halagang ibinayad para sa "The Lady in Blue" ay ganap na makatwiran. Ang pagpipinta ay kabilang sa sikat na koleksyon ng Leger (ang pintor ay nagpinta ng tatlong mga kuwadro na gawa sa isang paksa, ang huli sa mga ito ay nasa pribadong mga kamay ngayon. - Ed.), At ang ibabaw ng canvas ay napanatili sa orihinal nitong anyo. Ang may-akda mismo ang nagbigay ng gawaing ito sa gallery na Der Sturm, pagkatapos ay natapos ito sa koleksyon ni Hermann Lang, isang Aleman na kolektor ng modernismo, at ngayon ay kabilang sa isang hindi kilalang mamimili.

22

“Ekena sa kalye. Berlin"

may-akda

Ernst LudwigKirchner

Ang bansa Alemanya
Mga taon ng buhay 1880–1938
Estilo ekspresyonismo

Para sa ekspresyonismo ng Aleman, si Kirchner ay naging isang landmark na tao. Gayunpaman, inakusahan siya ng mga lokal na awtoridad ng pagsunod sa "degenerate art", na lubhang naapektuhan ang kapalaran ng kanyang mga pagpipinta at ang buhay ng artista, na nagpakamatay noong 1938.

95x121 cm
1913 taon
presyo
$ 38,096 milyon
naibenta noong 2006
sa auction kay Christie

Pagkatapos lumipat sa Berlin, gumawa si Kirchner ng 11 sketch ng mga eksena sa kalye. Naging inspirasyon niya ang pagmamadali at kaba ng malaking lungsod. Ibinenta noong 2006 sa New York, ang pagkabalisa ng artist ay lalong talamak: ang mga tao sa isang kalye sa Berlin ay kahawig ng mga ibon - maganda at mapanganib. Ito ang huling gawa mula sa sikat na serye na ibinebenta sa auction, ang natitira ay itinatago sa mga museo. Noong 1937, brutal na tinatrato ng mga Nazi si Kirchner: 639 sa kanyang mga gawa ay inalis sa mga gallery ng Aleman, winasak o ibinenta sa ibang bansa. Hindi nakaligtas dito ang artista.

23

"Nagpapahingamananayaw"

may-akda

Edgar Degas

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1834–1917
Estilo impresyonismo

Nagsimula ang kasaysayan ni Degas bilang isang pintor nang magtrabaho siya bilang isang copyist sa Louvre. Pinangarap niyang maging "sikat at hindi kilala", at sa huli ay nagtagumpay siya. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bingi at bulag, ang 80-taong-gulang na si Degas ay patuloy na dumalo sa mga eksibisyon at auction.

64x59 cm
1879
presyo
$ 37,043 milyon
naibenta sa 2008
sa auction Sotheby's

"Ang mga ballerina ay palaging isang dahilan lamang para sa akin upang ilarawan ang mga tela at makuha ang paggalaw," sabi ni Degas. Tila natiktikan ang mga eksena sa buhay ng mga mananayaw: ang mga dalaga ay hindi nagpapanggap sa artista, bagkus ay naging bahagi lamang ng kapaligirang nahuli ng titig ni Degas. Ang Resting Dancer ay naibenta sa halagang $28 milyon noong 1999, at wala pang 10 taon na ang lumipas ay binili ito sa halagang $37 milyon - ngayon ito ang pinakamahal na gawa ng isang artista na inilagay para sa auction. Si Degas ay nagbigay ng maraming pansin sa mga frame, idinisenyo mismo ang mga ito at ipinagbawal na baguhin ang mga ito. I wonder kung anong frame ang naka-install sa binebentang painting?

24

"Pagpipinta"

may-akda

Juan Miro

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1893–1983
Estilo abstract na sining

Noong Digmaang Sibil ng Espanya, ang artista ay nasa panig ng mga Republikano. Noong 1937, tumakas siya mula sa pasistang rehimen patungong Paris, kung saan namuhay siya sa kahirapan kasama ang kanyang pamilya. Sa panahong ito, ipininta ni Miro ang larawang "Tulong sa Espanya!", Na iginuhit ang atensyon ng buong mundo sa dominasyon ng pasismo.

89x115 cm
1927
presyo
$ 36,824 milyon
naibenta noong 2012
sa auction Sotheby's

Ang pangalawang pangalan ng pagpipinta ay "Blue Star". Isinulat ito ng artista sa parehong taon, nang ipahayag niya: "Gusto kong patayin ang pagpipinta" at walang awa na kinutya ang mga canvases, scratching ang pintura gamit ang mga kuko, gluing feathers sa canvas, tinatakpan ang trabaho na may basura. Ang kanyang layunin ay i-debunk ang mga alamat tungkol sa misteryo ng pagpipinta, ngunit nang makayanan ito, lumikha si Miro ng kanyang sariling mito - isang surreal abstraction. Ang kanyang "Pagpipinta" ay nabibilang sa cycle ng "dream pictures". Sa auction, apat na mamimili ang nakipaglaban para dito, ngunit isang incognito na tawag sa telepono ang nalutas ang hindi pagkakaunawaan, at ang "Pagpipinta" ang naging pinakamahal na pagpipinta ng artist.

25

"Blue Rose"

may-akda

Yves Klein

Ang bansa France
Mga taon ng buhay 1928–1962
Estilo pagpipinta ng monochrome

Ang artista ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga pintor, ngunit nag-aral ng mga wikang oriental, paglalayag, ang craft ng gilder of frames, Zen Buddhism at marami pa. Ang kanyang personalidad at bastos na mga kalokohan ay maraming beses na mas kawili-wili kaysa sa mga monochrome painting.

153x199x16 cm
1960
presyo
$ 36,779 milyon
naibenta noong 2012
sa auction ni Christie

Ang unang eksibisyon ng solid na dilaw, orange, pink na mga gawa ay hindi pumukaw ng interes ng publiko. Nag-offend si Klein at sa susunod ay nagpakita ng 11 magkatulad na canvases, na tinina ng ultramarine na hinaluan ng espesyal na synthetic resin. Pina-patent pa niya ang pamamaraang ito. Bumaba ang kulay sa kasaysayan bilang "International Klein Blue". Nagbenta rin ang artista ng kawalan, lumikha ng mga kuwadro na gawa, pinapalitan ang papel sa ulan, nagsusunog sa karton, gumagawa ng mga kopya ng katawan ng tao sa canvas. Sa madaling salita, nag-eksperimento siya sa abot ng kanyang makakaya. Upang lumikha ng "Blue Rose" gumamit ako ng mga dry pigment, resin, pebbles at natural na espongha.

26

"Sa Paghahanap kay Moses"

may-akda

Sir Lawrence Alma-Tadema

Ang bansa Britanya
Mga taon ng buhay 1836–1912
Estilo neoclassicism

Idinagdag ni Sir Lawrence ang prefix na "alma" sa kanyang apelyido mismo, upang unang lumabas sa mga katalogo ng sining. Sa Victorian England, ang kanyang mga pagpipinta ay napaka-in demand na ang artist ay iginawad sa kabalyero.

213.4x136.7 cm
1902
presyo
$ 35,922 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Ang pangunahing tema ng akda ni Alma-Tadema ay sinaunang panahon. Sa mga pagpipinta, sinubukan niyang ilarawan ang panahon ng Imperyo ng Roma sa pinakamaliit na detalye, para dito kahit na siya ay nakikibahagi sa mga arkeolohiko na paghuhukay sa Apennine Peninsula, at sa kanyang bahay sa London ay ginawa niya ang makasaysayang interior ng mga taong iyon. Ang mga kwentong mitolohiya ay naging isa pang mapagkukunan ng inspirasyon para sa kanya. Ang artista ay may malaking pangangailangan sa kanyang buhay, ngunit pagkatapos ng kanyang kamatayan ay mabilis siyang nakalimutan. Ngayon ang interes ay muling nabubuhay, bilang ebidensya ng halaga ng pagpipinta na "In Search of Moses", pitong beses na mas mataas kaysa sa pagtatantya ng pre-sale.

27

"Larawan ng isang natutulog na hubad na opisyal"

may-akda

Lucian Freud

Ang bansa Germany,
Britanya
Mga taon ng buhay 1922–2011
Estilo matalinghagang pagpipinta

Ang artista ay apo ni Sigmund Freud, ang ama ng psychoanalysis. Matapos ang pagtatatag ng pasismo sa Alemanya, ang kanyang pamilya ay lumipat sa UK. Ang mga gawa ni Freud ay nasa Wallace Collection sa London, kung saan wala pang kontemporaryong artista ang dating nagpakita.

219.1x151.4 cm
1995
presyo
$ 33.6 milyon
naibenta sa 2008
sa auction kay Christie

Habang ang mga naka-istilong artista noong ika-20 siglo ay lumikha ng mga positibong "mga spot ng kulay sa dingding" at ibinenta ang mga ito ng milyun-milyon, si Freud ay nagpinta ng mga napaka-natural na mga pagpipinta at ibinenta ang mga ito nang mas mahal. "Nakukuha ko ang mga hiyawan ng kaluluwa at ang pagdurusa ng kumukupas na laman," sabi niya. Naniniwala ang mga kritiko na lahat ito ay "pamana" ni Sigmund Freud. Ang mga kuwadro na gawa ay aktibong ipinakita at matagumpay na naibenta na ang mga eksperto ay may mga pagdududa: mayroon ba silang hypnotic na katangian? Nabenta sa auction na "Portrait of a Sleeping Naked Official", ayon sa publikasyong Sun, ay nakuha ng connoisseur ng kagandahan at bilyunaryo na si Roman Abramovich.

28

"Biyolin at Gitara"

may-akda

Xang isang iyak

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1887–1927
Estilo kubismo

Ipinanganak sa Madrid, kung saan nagtapos siya sa School of Arts and Crafts. Noong 1906 lumipat siya sa Paris at pumasok sa bilog ng mga pinaka-maimpluwensyang artista ng panahon: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, nagtrabaho din kasama si Sergei Diaghilev at ang kanyang tropa.

5x100 cm
1913 taon
presyo
$ 28.642 milyon
naibenta noong 2010 taon
sa auction kay Christie

Si Gris, sa kanyang sariling mga salita, ay nakikibahagi sa "flat, color architecture." Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay tiyak na naisip: hindi siya nag-iwan ng isang solong aksidenteng brushstroke, na gumagawa ng pagkamalikhain na katulad ng geometry. Ang artist ay lumikha ng kanyang sariling bersyon ng Cubism, bagaman lubos niyang iginagalang si Pablo Picasso, ang founding father ng direksyon. Inialay pa ng kahalili ang kanyang unang gawain sa istilo ng cubism na "Tribute to Picasso" sa kanya. Ang pagpipinta na "Violin and Guitar" ay kinikilala bilang namumukod-tanging sa gawa ng artist. Sa panahon ng kanyang buhay, sikat si Gris, mabait na tinatrato ng mga kritiko at kritiko ng sining. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa pinakamalaking museo sa mundo at pinananatili sa mga pribadong koleksyon.

29

"LarawanFields Eluard "

may-akda

Salvador Dali

Ang bansa Espanya
Mga taon ng buhay 1904–1989
Estilo surrealismo

"Surrealism is me," sabi ni Dali nang siya ay pinatalsik mula sa surrealist group. Sa paglipas ng panahon, siya ang naging pinakatanyag na surrealist na pintor. Ang trabaho ni Dali ay nasa lahat ng dako, hindi lamang sa mga gallery. Halimbawa, siya ang nag-imbento ng packaging para sa Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
presyo
$20.6 milyon
naibenta noong 2011
sa auction Sotheby's

Noong 1929, ang makata na si Paul Eluard at ang kanyang asawang Ruso na si Gala ay dumating upang bisitahin ang dakilang provocateur at brawler na si Dali. Ang pagpupulong ay ang simula ng isang kuwento ng pag-ibig na tumagal ng higit sa kalahating siglo. Ang pagpipinta na "Portrait of Paul Eluard" ay ipininta lamang sa makasaysayang pagbisitang ito. "Nadama ko na tungkulin kong makuha ang mukha ng makata, kung saan ang Olympus ay inagaw ko ang isa sa mga muse," sabi ng artist. Bago niya nakilala si Gala, siya ay isang dalaga at naiinis sa isiping makipagtalik sa isang babae. Umiral ang love triangle hanggang sa pagkamatay ni Eluard, pagkatapos nito ay naging Dali-Gala duet.

30

"Anniversary"

may-akda

Mark Shagal

Ang bansa Russia, France
Mga taon ng buhay 1887–1985
Estilo avant-garde

Si Moishe Segal ay ipinanganak sa Vitebsk, ngunit noong 1910 lumipat siya sa Paris, binago ang kanyang pangalan, naging malapit sa nangungunang mga artista ng avant-garde noong panahon. Noong 1930s, nang agawin ng mga Nazi ang kapangyarihan, umalis siya patungong Estados Unidos sa tulong ng American Consul. Bumalik lamang siya sa France noong 1948.

80x103 cm
1923 taon
presyo
$ 14.85 milyon
naibenta noong 1990
sa Sotheby's auction

Ang pagpipinta na "Jubilee" ay kinikilala bilang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist. Naglalaman ito ng lahat ng mga tampok ng kanyang gawain: ang mga pisikal na batas ng mundo ay nabura, ang pakiramdam ng isang fairy tale sa tanawin ng isang pilistang buhay ay napanatili, at ang pag-ibig ay nasa gitna ng balangkas. Hindi inilabas ni Chagall ang mga tao mula sa buhay, ngunit mula lamang sa memorya o pagpapantasya. Ang pagpipinta na "Jubilee" ay naglalarawan sa artist mismo kasama ang kanyang asawang si Bela. Ang pagpipinta ay naibenta noong 1990 at hindi na nai-auction mula noon. Kapansin-pansin, ang New York Museum of Modern Art MoMA ay nananatiling eksaktong pareho, sa ilalim lamang ng pangalang "Birthday". Sa pamamagitan ng paraan, ito ay isinulat nang mas maaga - noong 1915.

inihanda ang draft
Tatiana Palasova
naipon ang rating
ayon sa listahan www.art-spb.ru
tmn magazine №13 (Mayo-Hunyo 2013)

Panimula p.3
1. Mga artista at samahan ng sining noong 1920s p.5
2. Mga artista at samahan ng sining noong dekada 30 p.11
Sanggunian p.20

Panimula

Ang Oktubre 1917 ay nagbukas ng isang bagong panahon hindi lamang sa buhay panlipunan, kundi pati na rin sa buhay ng sining. Anumang rebolusyon ay sumisira ng isang bagay, at pagkatapos ay ang paglikha ng isang bago ay magsisimula. Ang nangyayari ay hindi isang simpleng pag-unlad, ngunit isang mapagpasyang muling kagamitan ng mga pundasyon ng dating panlipunan, pampulitika, ideolohikal at iba pang uri ng mga istruktura, kabilang ang sining.
Ang rebolusyon ay naglabas ng hindi bababa sa dalawang problema. Ang unang problema ay ang uri ng sining. Ang pagtatangkang iugnay ito nang malapit sa tunggalian ng uri ay humantong sa pagbaluktot ng multifunctional na kalikasan nito. Ang isang partikular na pinasimple na pag-unawa sa uri ng sining ng sining ay ipinakita mismo sa mga aktibidad ng kilalang Proletcult. Ang elemento ng pakikibaka ay humantong sa pagkawasak ng mga monumento ng kultura, na dulot hindi lamang ng mga operasyong militar noong digmaang sibil at interbensyon ng dayuhan, kundi pati na rin ng isang patakarang naglalayong durugin ang kulturang burges. Kaya, maraming mga monumento ng eskultura, mga gawa ng sinaunang arkitektura na nauugnay sa pagsamba sa relihiyon ay giniba o nawasak.
Ang pangalawang problema ay ang problema ng class politics sa sining. Lahat ng pwersa ay kasangkot sa solusyon nito: "burges" at "proletaryong", mapanirang at nakabubuo, Sobyet at di-Sobyet, "kaliwa" at "kanan", kultural at ignorante, propesyonal at baguhan.
Ang mga prinsipyo ng panlipunang pag-unlad na ipinahayag ng estado ay higit na tinutukoy ang unti-unting paggalaw ng sining. Isang uri ng stratification ng mga puwersa ang naganap, mula sa pagdaragdag kung saan nabuo ang isang vector ng tunay na estado ng sining. Sa isang banda, ito ang puwersa ng pagpapaunlad sa sarili ng sining, na nakaapekto sa mga pattern ng paggalaw ng mga anyong nakapaloob sa kalikasan ng artistikong pagkamalikhain; sa kabilang banda, ang impluwensya ng mga pwersang panlipunan, mga pampublikong institusyon, na interesado dito at hindi sa ibang kilusan ng sining, sa ilang mga anyo nito. Sa ikatlo - ang mga dikta ng patakaran ng estado, na, umaasa sa mga pwersang panlipunan o hindi umaasa sa kanila, ay nagkaroon ng walang kondisyong epekto sa istraktura ng sining, sa kakanyahan nito, sa potensyal na ebolusyonaryo at rebolusyonaryo nito. Mula sa pagtatapos ng 1920s, malinaw na sinimulan ng pulitika na baluktutin ang normal na pag-unlad ng sining, upang magbigay ng isang tiyak na panggigipit dito sa pamamagitan ng pagbabawal o pagkondena sa ilang "di-proletaryong" pagpapakita.

1. Mga artista at samahan ng sining noong dekada 20.

Ang 1920s ay isang magulong panahon para sa sining. Nagkaroon ng maraming iba't ibang paksyon. Ang bawat isa sa kanila ay naglagay ng isang plataporma, bawat isa ay nagsalita na may sarili nitong manifesto. Ang sining, nahuhumaling sa ideya ng paghahanap, ay magkakaiba; ito ay bumulaga at namumula, sinusubukang makasabay sa panahon at tumingin sa hinaharap.
Ang pinakamahalagang pagpapangkat na ang mga deklarasyon at malikhaing kasanayan ay sumasalamin sa mga pangunahing proseso ng paglikha noong panahong iyon ay ang AHRR, OST, at ang "4 na Sining" (8, p. 87).
Ang grupong AHRR (Association of Artists of Revolutionary Russia) ay bumangon noong 1922 (noong 1928 ito ay pinalitan ng pangalan na AHRR - Association of Artists of the Revolution). Ang core ng AHRR ay nabuo pangunahin mula sa mga dating miyembro ng Association of Travelling Exhibitions. Ang deklarasyon ng AHRR ay itinakda sa katalogo ng eksibisyon ng 1922: "Ang aming tungkuling sibiko sa sangkatauhan ay ang masining at dokumentaryong paglalarawan ng pinakadakilang sandali ng kasaysayan sa rebolusyonaryong udyok nito. Ilalarawan natin ngayon: ang buhay ng Pulang Hukbo, ang buhay ng mga manggagawa, ang magsasaka, ang mga pinuno ng rebolusyon at ang mga bayani ng paggawa.
Sinikap ng mga artista ng AHRR na gawing accessible ang kanilang pagpipinta sa mass audience noong panahong iyon. Sa kanilang trabaho, madalas nilang mekanikal na ginagamit ang pang-araw-araw na wika ng pagsulat ng mga yumaong Wanderers. Inayos ng AHRR ang isang bilang ng mga pampakay na eksibisyon ng sining, ang mismong mga pangalan ay: "Buhay at Buhay ng mga Manggagawa" (1922), "Buhay at Buhay ng Pulang Hukbo" (1923), "Rebolusyon, Buhay at Paggawa" (1924 - 1925), "Buhay at Buhay ng mga Tao USSR "(1926) - pinag-uusapan nila ang mga gawain ng direktang pagmuni-muni ng modernong katotohanan.
Ang kakaiba ng pagsasagawa ng mga "Akhrovites" ay nagpunta sila sa mga pabrika at halaman, sa kuwartel ng Red Army, upang obserbahan ang buhay at buhay ng kanilang mga bayani doon. Sa panahon ng paghahanda ng eksibisyon na "Buhay at Buhay ng mga Tao ng USSR", binisita ng mga kalahok nito ang pinakamalayo na sulok ng bansang Sobyet at ibinalik ang isang makabuluhang bilang ng mga sketch na naging batayan ng kanilang mga gawa. Ang mga artista ng AHRR ay gumanap ng isang mahalagang papel sa pag-master ng mga bagong tema, na nakakaimpluwensya sa mga kinatawan ng iba't ibang artistikong grupo noong panahong iyon.
Kabilang sa mga artista ng AHRR, ang gawa ni I. I. Brodsky (1883 - 1939) ay namumukod-tangi, na nagtakda bilang kanyang gawain ng isang tumpak, dokumentaryo na pagpaparami ng mga kaganapan at bayani ng rebolusyon. Ang kanyang mga canvases na nakatuon sa mga aktibidad ng V.I. Lenin ay nakakuha ng malawak na katanyagan. Ang kapanganakan ng kaakit-akit na Leniniana ay batay sa pagpipinta ni Brodsky na "Lenin's Speech at the Putilov Factory", na ipininta noong 1929, at isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa, si Lenin at Smolny (1930), na naglalarawan kay Lenin sa kanyang opisina sa trabaho. Nakita ni Brodsky si Lenin nang maraming beses at gumawa ng mga sketch tungkol sa kanya (12, p. 92).
Ang mga gawa ni Brodsky ay may mahalagang kalidad - ang pagiging tunay, na may malaking kahalagahan sa kasaysayan at nagbibigay-malay. Gayunpaman, ang pagnanais para sa dokumentaryo kung minsan ay humantong sa isang empirical, naturalistic na interpretasyon ng kaganapan. Ang artistikong kahalagahan ng mga pagpipinta ni Brodsky ay nabawasan din ng dry naturalism at dietary coloring na katangian ng isang makabuluhang bahagi ng kanyang mga gawa.
Ang master ng portrait-painting na si GG Ryazhsky (1895 - 1952) ay sumali sa AHRR noong 1923. Ang kanyang pinakasikat na mga gawa ay Delegate (1927) at Chairperson (1928), kung saan ipinakita ng artist ang mga tipikal na socio-psychological na katangian ng isang babae ng bagong lipunan, isang aktibong kalahok sa industriyal at panlipunang buhay ng bansa. Ang kanyang "Chairwoman" ay isang aktibistang manggagawa. Sa kanyang pustura, kilos, pagpapahalaga sa sarili, kaluwagan ay inihayag bilang katibayan ng posisyon ng isang babae sa isang bagong lipunang nagtatrabaho.
Ang S. V. Malyutin (1859 - 1937) ay may mahalagang papel sa mga pintor ng portrait ng AHRR. Ang portrait gallery na sinimulan niya bago ang rebolusyon ay dinagdagan noong panahon ng Sobyet ng mga larawan ni V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky at marami pang iba. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-kagiliw-giliw na larawan ni Dmitry Furmanov, na ipininta noong 1922, ay nakakumbinsi na nagpapakita ng imahe ng isang mandirigma na manunulat, isang kinatawan ng bago, Sobyet na intelihente.
Ang isang aktibong kalahok sa mga eksibisyon ng AHRR ay isang pangunahing pintor ng Russia sa pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo. A. E. Arkhipov. Noong 1920s, lumikha si Arkhipov ng mga larawan ng mga babaeng magsasaka - "Babae na may pitsel", "Babaeng magsasaka sa isang berdeng apron", "Babaeng magsasaka na may pink na scarf sa kanyang kamay", atbp. Ang mga kuwadro na ito ay pininturahan ng isang malawak na brush, may ugali at makulay.
Si E. M. Cheptsov (1874 - 1943), na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Wandering sa larangan ng pang-araw-araw na genre, ay minarkahan ang gawain ni E. M. Cheptsov na may malapit na pagmamasid at pansin sa mga bagong phenomena ng buhay. Kilalang-kilala ang kanyang pagpipinta na "Meeting of the village cell" (1924), na naglalarawan ng mga aktibista sa nayon sa mga unang taon ng rebolusyon. Ang pagmamasid at katapatan ng may-akda, ang pagiging simple ng hitsura ng kanyang mga karakter, ang kawalang-sining ng mga nakapaligid na accessories ay ginawa ang maliit, katamtamang pagpipinta ni Cheptsov na isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na halimbawa ng sining ng AHRR.
Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa isa sa mga gawa ng landscape pintor B. N. Yakovlev (1880 - 1972). Ang kanyang "Transport is getting better" (1923) ay isang katamtaman at sa parehong oras ay isang malalim na kuwento tungkol sa mahirap na panahon ng mga unang taon ng rebolusyon, tungkol sa araw-araw na gawain ng mga tao. Mahinahon at simpleng pininturahan, ang pagpipinta na ito ay isa sa mga unang halimbawa ng isang pang-industriya na tanawin sa pagpipinta ng Sobyet.
Ang isang espesyal na lugar sa pagpipinta ng AHRR ay inookupahan ng gawain ni M. B. Grekov (1882-1934), ang nagtatag ng genre ng labanan sa sining ng Sobyet. Sa loob ng isang dekada at kalahati - hanggang sa katapusan ng kanyang buhay - siya ay abala sa paglikha ng isang serye ng mga pagpipinta na nakatuon sa First Cavalry Army, kung saan ang mga kampanya at labanan ay nakibahagi ang artist. Sa kanyang trabaho, lalo na sa unang bahagi ng panahon, malinaw na ipinadama ng mga tradisyon ng Vereshchagin ang kanilang sarili. Ang kalaban ni Grekov ay ang mga taong kinuha sa kanilang sarili ang lahat ng mga paghihirap ng digmaan. Ang mga gawa ni Grekov ay nagpapatibay sa buhay. Sa naturang mga pagpipinta ng kalagitnaan ng twenties bilang "Tachanka" (1925), ang itinerant na katumpakan ng imahe ay pinagsama sa romantikong kagalakan. Nang maglaon, sa pagpapatuloy ng orihinal na pictorial chronicle ng First Cavalry Army, lumikha si Grekov ng mga epic canvases, kung saan ang mga painting na "To the Kuban" at "Trumpeters of the First Cavalry Army" (parehong - 1934) ay namumukod-tangi.
Kasama ng AHRR, na kinabibilangan ng mga artista ng mas matanda at gitnang henerasyon, na sa panahon ng rebolusyon ay mayroon nang mahusay na karanasan sa malikhaing, isang aktibong papel sa buhay ng sining ng mga taong iyon ang ginampanan ng grupong OST (Society of Easel Painters). ), na inayos noong 1925. Pinag-isa nito ang artistikong kabataan ng unang unibersidad ng sining ng Sobyet - VHU-TEMAS. (3)
Ang pangunahing gawain ng asosasyon ay ang pakikibaka para sa muling pagkabuhay at karagdagang pag-unlad ng mga easel painting sa isang modernong tema o may modernong nilalaman, ang mga artista ng OST, tulad ng "Akhrovites", ay isinasaalang-alang ang pakikibaka para sa muling pagkabuhay at karagdagang pag-unlad ng pagpipinta ng easel. Gayunpaman, ang mga malikhaing adhikain at pamamaraan ng mga OST artist ay may mga katangiang pagkakaiba. Sinikap nilang ipakita sa mga indibidwal na katotohanan ang mga bagong katangian ng kanilang kontemporaryong kapanahunan na may kaugnayan sa nakaraang panahon. Ang kanilang pangunahing tema ay ang industriyalisasyon ng Russia, kamakailan pa rin agraryo at atrasado, ang pagnanais na ipakita ang dinamika ng relasyon sa pagitan ng modernong produksyon at tao.
Ang isa sa mga pinaka mahuhusay na kinatawan ng pangkat ng OST ay si A. A. Deineka. Ang pinakamalapit na deklarasyon ng OST ay ang kanyang mga pagpipinta: "Sa pagtatayo ng mga bagong workshop" (1925), "Bago bumaba sa minahan" (1924), "Mga manlalaro ng football" (1924), "Mga manggagawa sa tela" (1926). Ang makasagisag na kalunos-lunos ng Deineka - Ostovets ay nakahanap ng isang paraan sa journalistic graphics, kung saan ang artist ay kumilos bilang isang ilustrador sa mga magazine para sa pangkalahatang pagbabasa - tulad ng "Sa machine tool", "Godless at the machine tool", "Spotlight", "Kabataan", atbp. Ang sentral na gawaing Deineka ng panahon ng Ostovo ay naging pagpipinta na "Defense of Petrograd", na isinulat noong 1928 para sa thematic exhibition na "10 Years of the Red Army". Ang gawaing ito ay nagpapakita ng mga pangunahing pathos at kahulugan ng mga makabagong tradisyon ng OST, ang pinaka nagbibigay-buhay at binuo sa sining ng Sobyet ng mga kasunod na panahon. Ipinakita ni Deineka sa larawang ito ang lahat ng pagka-orihinal ng kanyang istilo, binawasan ang paraan ng pagpapahayag sa pinakamababa, ngunit ginawa itong napakaaktibo at epektibo (8, p. 94).
Sa iba pang miyembro ng OST, ang pinakamalapit kay Deineka sa likas na katangian ng kanilang mga gawa sa mga tuntunin ng istilo ay sina Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin. Ang mga akdang "Heavy Industry" ni Pimenov, "The Hamburg Uprising" ni Williams, "The Ball Has Flew Away" at "I Love Life" ni Luchishkin, na nilikha sa parehong panahon, ay ipinahayag at innovatively na sumasalamin sa mahahalagang katangian ng modernong katotohanan,
Sa kaibahan sa Ostovo, grupo ng kabataan sa komposisyon nito, mayroong dalawang iba pang mga malikhaing grupo na sumakop sa isang mahalagang lugar sa buhay ng sining ng mga taong iyon - "4 Arts" at OMX. (Society of Moscow Artists), - pinag-isa ang mga masters ng mas matandang henerasyon, na malikhaing nabuo noong pre-rebolusyonaryong panahon, na tinatrato ang mga problema ng pagpapanatili ng pictorial culture na may espesyal na paggalang at isinasaalang-alang ang wika at plastic form nito bilang isang napakahalagang bagay. bahagi ng gawain. Ang 4 Arts Society ay bumangon noong 1925. Ang pinakakilalang miyembro ng pangkat na ito ay P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
Ang mga gawa ng Petrov-Vodkin - tulad ng "After the Battle" (1923), "The Girl at the Window" (1928), "Anxiety" (1934), pinaka-ganap na nagpapahayag ng etikal na kahulugan ng iba't ibang panahon - mga milestone sa pag-unlad ng lipunang Sobyet. Ang kanyang pagpipinta na "The Death of a Commissar" (1928), tulad ng "Defense of Petrograd" ni Deineka, ipininta kaugnay ng eksibisyon na "10 Years of the Red Army", sa kaibahan sa partikular na publicism - ang batayan ng mga makasagisag na desisyon ni Deineka - nagbibigay ng sarili niyang pilosopikal na solusyon sa gawain: sa pamamagitan ng mga katotohanang nagsa-generalize ng mga ideya tungkol sa mga kaganapang nagaganap sa buong planetang Earth, sa pamamagitan ng paglalahad ng etikal na diwa ng mga kaganapang ito. Ang commissar ay isang tao na, kapwa sa buhay at sa kanyang kamatayan, ay gumaganap ng isang gawa sa ngalan ng sangkatauhan. Ang kanyang imahe ay isang pagpapahayag ng hindi magagapi ng mga maliliwanag na ideya na mananalo sa hinaharap, anuman at sa kabila ng pagkamatay ng mga pinaka-aktibong tagapagdala ng mga ideyang ito. Ang pamamaalam na sulyap ng naghihingalong komisar ay parang pamamaalam sa isang detatsment ng mga mandirigma bago ang pag-atake - siya ay puno ng pananampalataya sa tagumpay.
Ang mga pilosopikal na ideya ng Petrov-Vodkin ay nakakahanap ng sapat na pagpapahayag ng plastik. Ang inilalarawang espasyo, kumbaga, ay umaabot sa ibabaw ng spherical surface ng planeta. Ang kumbinasyon ng direkta at baligtad na pananaw ay nakakumbinsi at malinaw na naghahatid ng "planetary" na panorama ng kung ano ang nangyayari. Ang mga makasagisag na problema ay malinaw na nalutas sa coloristic system. Sa kanyang pagpipinta, ang artist ay sumunod sa prinsipyo ng tricolor, na parang naglalaman ng mga pangunahing kulay ng lupa: malamig na asul na hangin, asul na tubig; kayumanggi-pulang lupa; luntian ng mundo ng halaman.
Ang isang makabuluhang marka sa kasaysayan ng pagpipinta ng Sobyet ay iniwan ng mga artista ng pangkat ng OMX, na inayos noong 1927. Marami sa kanila ang naging malapit sa isa't isa sa mga pre-rebolusyonaryong taon sa asosasyon ng Jack of Diamonds. P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky, at A. A. Osmerkin ang pinaka-aktibo sa OMC.
Sa kanilang deklarasyon, sinabi ng mga artista ng OMHa: "Hinihiling namin mula sa artist ang pinakadakilang pagiging epektibo at pagpapahayag ng mga pormal na aspeto ng kanyang trabaho, na bumubuo ng hindi mapaghihiwalay mula sa ideolohikal na bahagi ng huli." Sa programang ito, mayroong isang affinity para sa grupong 4 Arts.
Ang isa sa mga pinakakilalang exponents ng programang ito sa sining ng Sobyet sa mga unang taon ay si P. P. Konchalovsky. Sinikap niyang pagsamahin ang mga tendensya ng "jack of diamonds" sa legacy ng mga makatotohanang artista ng Russia, na lubos na nagpalawak ng kanyang malikhaing hanay at nakatulong sa kanya na mas organikong pumasok sa sining ng Sobyet noong 1920s. Ang coloristic na integridad na may intensity ng mga indibidwal na kulay ay nakikilala ang mga gawa ng master bilang "Self-portrait kasama ang kanyang asawa" (1922), "Portrait of O. V. Konchalovskaya" (1925), "Portrait of Natasha's daughter" (1925). Sa parehong mga taon, sinubukan ni P. P. Konchalovsky na lumikha ng mga pampakay na pagpipinta, kung saan ang pinakamahusay ay ang mga Novgorodians (1921) at Mula sa Fair (1926). Ang artist ay interesado sa mga tradisyonal na larawan ng "Russian peasants" - makapangyarihan, thickset, nabubuhay na napapalibutan ng mga pamilyar na bagay, ayon sa mga batas ng mga lumang kaugalian at, kasama ang kanilang kapaligiran, na bumubuo ng isang bagay na karaniwang pambansa.

2. Mga artista at samahan ng sining noong dekada 30.

Ang 1930s sa kasaysayan ng sining ng Sobyet ay isang mahirap na panahon, na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng katotohanan mismo. Ang pagkakaroon ng napansin ang malaking pagbabago na naganap sa lipunan, ang mga pathos ng industriyalisasyon, ang mga masters ng sining, sa parehong oras, halos hindi napansin ang mga pangunahing kontradiksyon sa lipunan, ay hindi nagpahayag ng mga salungatan sa lipunan na nauugnay sa pagpapalakas ng kulto ng personalidad ni Stalin (1).
Noong Abril 23, 1932, pinagtibay ng Komite Sentral ng partido ang isang resolusyon na "Sa muling pagsasaayos ng mga organisasyong pampanitikan at artistikong." Inalis ng utos na ito ang lahat ng dati nang umiiral na artistikong pagpapangkat at ipinahiwatig ang mga pangkalahatang paraan at anyo ng pagpapapanatag at pag-unlad ng lahat ng malikhaing pwersa ng sining ng Sobyet. Ang resolusyon ay nagpapahina sa paghaharap sa pagitan ng mga indibidwal na asosasyon, na naging labis na pinalubha sa pagpasok ng 1920s at 1930s. Ngunit sa kabilang banda, tumindi ang mga tendensya sa pag-iisa sa masining na buhay. Ang mga eksperimento sa Avant-garde na nagparamdam sa kanilang sarili noong 1920s ay naantala. Isang pakikibaka ang naganap laban sa tinatawag na pormalismo, bilang isang resulta kung saan maraming mga artista ang napilitang talikuran ang kanilang mga nakaraang pananakop.
Ang paglikha ng iisang unyon ay kasabay ng pagtatatag ng prinsipyo ng sosyalistang realismo, na binuo ni A.M. Gorky sa First All-Union Congress of Soviet Writers. Ipinapalagay ng sosyalistang realismo ang pamana ng mga tradisyon ng makatotohanang sining noong ika-19 na siglo. at naglalayon ang mga artista na ilarawan ang realidad sa rebolusyonaryong pag-unlad nito. Gayunpaman, tulad ng ipinakita ng karagdagang pagsasanay ng sining ng Sobyet, ang terminong "sosyalistang realismo" ay naging hindi sapat na kapasidad at sapat sa kumplikado at multilayered na mga tendensya ng bagong kultura. Ang pormal na aplikasyon nito sa artistikong kasanayan ay kadalasang nagbigay dito ng papel ng dogmatikong preno sa pag-unlad ng sining. Sa ilalim ng mga kondisyon ng muling pagsasaayos ng lipunan noong 1980s, ang terminong "sosyalistang realismo" ay napapailalim sa talakayan sa mga propesyonal na lupon sa iba't ibang antas.
Maraming mga progresibong uso na lumitaw sa 20s ay patuloy na umuunlad sa 30s. Ito ay nababahala, halimbawa, ang mabungang pakikipag-ugnayan ng iba't ibang pambansang paaralan.
Ang mga artista mula sa lahat ng mga republika ng Unyong Sobyet ay nakikilahok sa malalaking eksibisyon ng sining na inorganisa noong 1930s. Kasabay nito, ang mga eksibisyon ng republika ay isinaayos sa Moscow na may kaugnayan sa mga dekada ng pambansang sining. Ang mga isyu ng pambansang sining ay partikular na nababahala sa mga artista ng mga republikang fraternal.
Noong 1930s, lumawak ang pagsasagawa ng mga utos ng estado at mga malikhaing paglalakbay sa negosyo para sa mga artista. Ang mga pangunahing eksibisyon ay inayos: "15 Years of the Red Army", "20 Years of the Red Army", "20 Years of the Komsomol", "Industry of Socialism", "Exhibition of the Best Works of Soviet Painting", atbp. Ang mga artista ng Sobyet ay lumahok sa mga internasyonal na eksibisyon sa Paris at New York, nagsasagawa ng mga gawa para sa All-Union Agricultural Exhibition sa Moscow, na may kaugnayan sa paghahanda kung saan nilikha ang isang makabuluhang bilang ng mga monumental at pandekorasyon na mga gawa, na, sa esensya, ay nangangahulugang isang mahalagang yugto sa muling pagkabuhay ng monumental na pagpipinta bilang isang malayang anyo ng sining na may sariling mga layunin at pattern. Sa mga gawaing ito, ang pagkahumaling ng sining ng Sobyet sa monumentalismo ay natagpuang ekspresyon.
Ang isa sa mga pinaka makabuluhang kinatawan ng pagpipinta ng easel sa panahong ito ay ang artist na si Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973), na sa kanyang trabaho ay bumaling sa pinakamataas na tradisyon ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo. Binibigyang-kahulugan niya ang pamana ng Surikov at Repin, na nagpapakilala ng bagong rebolusyonaryong nilalaman sa kanyang mga gawa, kaayon ng panahon. Mula sa puntong ito, ang mga pintura ni Ioganson na Interogasyon ng mga Komunista (1933) at Sa Old Ural Factory (1937) ay lalong mahalaga.
Ang pagpipinta na "Pagtatanong ng mga Komunista" ay ipinakita sa unang pagkakataon sa eksibisyon na "15 Years of the Red Army". Sa loob nito, ipinakita ng artista ang mga komunista na tumayo upang ipagtanggol ang rebolusyonaryong lupain, at ang kanilang mga kalaban - ang White Guards, na sinubukang sakalin ang estado ng Sobyet sa panahon ng digmaang sibil. Ang artist ay nagsasagawa ng kanyang makasaysayang generalization sa tradisyon ng Repin, sa pamamagitan ng pagpapakita ng isang partikular na aksyon sa isang partikular na setting. Hindi natin alam ang mga pangalan ng mga taong inilalarawan dito, mas makasaysayang ang imahe sa kabuuan ay nakikita natin bilang unibersal. Ang mga komunista sa pagpipinta ni Ioganson ay tiyak na mamamatay. Ngunit ang artista ay nagpapakita ng kanilang kalmado, tapang, lakas at tibay, na kaibahan sa pagkabalisa, nerbiyos, sikolohikal na hindi pagkakaisa na naghahari sa grupo ng mga White Guards, walang kapangyarihan hindi lamang sa sitwasyong ito, ngunit, kumbaga, sa harap ng kasaysayan. .
Sa pagpipinta na "Sa Old Ural Plant", ipininta para sa eksibisyon na "Industriya ng Sosyalismo", inihambing ni Ioganson ang mga imahe ng breeder at manggagawa, kung saan inihayag niya ang isang pakiramdam ng nascent class na kamalayan at panloob na superioridad sa mapagsamantala. Sa pagpipinta na ito, ipinakita ng pintor ang makasaysayang tunggalian sa pagitan ng luma at bago, ng reaksyunaryo at progresibo, at pinagtibay ang matagumpay na kapangyarihan ng rebolusyonaryo at progresibo. Ito ang mga bagong katangian ng Soviet historical-revolutionary genre sa halimbawa ng pagpipinta ni Ioganson.
Ang isang espesyal na lugar sa panahong ito ay inookupahan ng maraming panig na gawain ni Sergei Vasilyevich Gerasimov sa mga tuntunin ng mga imahe, tema at genre. Ang pinaka-kapansin-pansin na gawa ng makasaysayang genre sa kanyang trabaho ay ang pagpipinta na "The Oath of the Siberian Partisans" (1933), na kapansin-pansin sa kanyang bukas na pagpapahayag, nagsiwalat ng coloristic na pagpapahayag, matalim na pagguhit, at dinamikong komposisyon. Nagtatrabaho sa pang-araw-araw na genre, binigyang pansin ni S. V. Gerasimov ang tema ng magsasaka. Upang malutas ito, ang artist ay dumaan sa larawan, na lumilikha ng isang bilang ng mga nakakumbinsi na imahe ng magsasaka. Sa panahon ng pagtatayo ng kolektibong nayon ng sakahan, ipininta niya ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansing larawan ng Collective Farm Watchman (1933). Kabilang sa mga pinaka makabuluhang gawa ng genre painting noong 1930s ay ang pagpipinta ng Collective Farm Holiday (1937), na ipinakita sa exhibition Industry of Socialism. Ang Academician na si IE Grabar, ang pinakamalaking kritiko ng sining ng Sobyet, ay tumpak at maikli ang pagkilala sa larawang ito: "Kapag ang kahanga-hangang canvas na "Collective Farm Holiday", isa sa mga pinakamahusay na pagpipinta ng eksibisyon na "Industry of Socialism", ay lumitaw, ang bago, hindi pangkaraniwang paglago ng naging halata ang master. Halos walang sinuman sa mga artista ng Sobyet, maliban kay Sergei Gerasimov, ang makayanan ang gayong gawain sa komposisyon, pag-iilaw at kulay, at kahit na sa tulong ng gayong mga simpleng paraan at pamamaraan. Ito ang pinakasikat na larawan sa sining ng Russia noong panahon ng rebolusyon, sa kabila ng katotohanang ito ay isinagawa sa isang pinigilan na plano” (1, p. 189).
Ang "mang-aawit" ng magsasaka ng Sobyet ay si Arkady Alexandrovich Plastov (1893 - 1983), na nauugnay sa nayon ng Russia sa kanyang pinagmulan. Siya ay lubos na naimpluwensyahan sa buong buhay niya ng mga impresyon ng pagkabata na ginugol sa malapit na pakikipag-ugnayan sa kalikasan, sa lupain, sa mga magsasaka na naninirahan sa lupaing ito.
Matapos ang Great October Socialist Revolution, si Plastov, ay dinala ng trabaho sa kanyang katutubong nayon ng Prislonikhe, na naglalaan ng kanyang libreng oras sa pagpipinta, naipon ang mga sketch at mga impression para sa kanyang hinaharap na mga gawa na nakatuon sa buhay magsasaka. Isa sa mga unang makabuluhang gawa ng Plastov - puno ng hangin at liwanag, ang pagpipinta na "Bathing the Horses" - ay ginawa niya para sa eksibisyon na "20 Years of the Red Army". Para sa eksibisyon na "Industriya ng Sosyalismo" pininturahan ni Plastov ang isang malaking canvas na "Collective Farm Holiday". Ang isa pang maliwanag na gawain ng Plastov noong panahong iyon ay ang "Collective Farm Herd" (1938). Ang lahat ng mga kuwadro na ito ay nagpapakita ng ilang karaniwang mga tampok. Hindi iniisip ni Plastov ang eksena sa genre sa labas ng tanawin, sa labas ng kalikasan ng Russia, palaging binibigyang kahulugan sa isang liriko na paraan, na inilalantad ang kagandahan nito sa pinakasimpleng mga pagpapakita. Ang isa pang tampok ng mga gawa ng genre ni Plastov ay ang kawalan ng anumang salungatan o espesyal na sandali sa balangkas na pinili ng artist. Minsan sa kanyang mga pagpipinta, tulad ng, halimbawa, sa "Collective Farm Herd", walang mga kaganapan sa lahat, walang nangyayari. Ngunit sa parehong oras, palaging nakakamit ng artist ang mala-tula na pagpapahayag ng larawan.
Noong 1930s, ang talento ni A. A. Deineka ay nabuo sa sarili nitong paraan. Patuloy siyang sumunod sa kanyang mga dating tema, plot, paboritong larawan, kulay at compositional system. Totoo, ang kanyang pictorial na paraan ay medyo lumambot, ang mga halimbawa nito ay ang pinakamahusay na mga gawa ng 30s - "Mother" (1932), "Lunch Break in the Donbass" (1935), "Future Pilots" (1938). Ang sports, aviation, isang hubad na sinanay na katawan, laconism at pagiging simple ng pictorial na wika, ang mga nakakatuwang kumbinasyon ng brown-orange at asul ay pinalambot sa ilang mga kaso sa pamamagitan ng liriko, isang sandali ng pagmumuni-muni. Pinalawak din ni Deineka ang thematic framework ng kanyang trabaho, kabilang ang mga eksena mula sa buhay ng mga dayuhang bansa, na lumitaw bilang resulta ng mga paglalakbay sa USA, France, Germany at Italy.
Ang isa pang dating miyembro ng OST, Yu. I. Pimenov (1903-1977), ay lumikha ng isa sa mga pinakamahusay na pagpipinta ng 30s, New Moscow (1937). Ang tanawin ng sentro ng Moscow (Sverdlov Square) ay tila nakikita mula sa isang mabilis na kotse na minamaneho ng isang batang babae na nakatalikod sa manonood. Ang mga bagong itinayo na gusali, ang mabilis na pagpapatakbo ng isang kotse, ang mga magagaan na kulay, ang kasaganaan ng hangin, ang lawak ng espasyo at ang frame ng komposisyon - lahat ay puno ng isang optimistikong pananaw sa mundo.
Noong 1930s, ang landscape art ni G. G. Nissky (1903 - 1987), isang tagasunod ng mga Ostovites, na nagpatibay mula sa kanila ng laconicism, sharpness ng compositional at rhythmic na solusyon, ay nabuksan. Ito ang kanyang mga kuwadro na "Autumn" (1932) at "On the Way" (1933). Sa mga tanawin ng Nyssa, palaging nakikita ang pagbabagong aktibidad ng tao.
Sa mga pintor ng landscape ng mas matandang henerasyon, ang gawain ni N. P. Krymov (1884 - 1958), na nilikha noong 1937 ang sikat na pagpipinta na "Morning in the Gorky Central Park of Culture and Rest in Moscow", ay kawili-wili. Isang malawak na panoramic view ng parke, ang mga distansyang nagbubukas sa likod nito, isang patag na linya ng abot-tanaw na humahantong sa mata ng manonood lampas sa canvas - lahat ay humihinga ng kasariwaan at kaluwang.
A. Rylov, na ang gawain ay nabuo sa simula ng ika-20 siglo, sa pagpipinta na "Lenin sa Razliv" (1934) ay pinagsasama ang tanawin sa makasaysayang genre, na nakakamit ng isang pakiramdam ng kalawakan ng kalikasan, pag-iisip, pakiramdam, nagpapatunay sa kasaysayan. optimismo.
Ang pagkahumaling sa malawak na tanawin ay ipinakita sa mga gawa ng maraming pintor mula sa iba't ibang mga republika. Ang grabitasyon na ito ay nauugnay sa matalas na kahulugan ng Inang-bayan, katutubong lupain, na noong 1930s ay lumakas at lumago. Ang D. N. Kakabadze (1889 - 1952) sa kanyang "Imeretian landscape" (1934) ay nagbibigay ng malawak na pagkalat ng mga bundok ng Caucasian, na umaabot sa malayo - tagaytay pagkatapos tagaytay, slope pagkatapos slope. Sa gawain ng M. S. Saryan, ang 1930s ay minarkahan din ng isang interes sa pambansang tanawin, sa mga malalawak na tanawin ng Armenia.
Sa panahong ito, ang genre ng portrait ay nakatanggap din ng mabungang pag-unlad, kung saan ang mga artista ng mas matandang henerasyon na P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov at ilang iba pa ay nagpapakita ng kanilang sarili nang mas malawak.
Si P. P. Konchalovsky, na kilala sa kanyang mga gawa sa pinaka magkakaibang mga genre ng pagpipinta, ay lumikha ng isang buong serye ng mga larawan ng mga pigura ng agham at sining ng Sobyet noong 1930s at 1940s. Kabilang sa mga pinakamahusay na larawan ng V. V. Sofronitsky sa piano (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). Sa mga gawaing ito, dinadala ni Konchalovsky ang kanyang mahusay na kakayahan upang ipahayag ang buhay sa pamamagitan ng sistema ng plastik na kulay. Pinagsasama niya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng lumang sining sa makabagong sharpness ng color vision, life-affirming, major emotionally powerful sound of the image.
Ang tunay na tuktok ng pag-unlad ng portraiture ng panahong iyon ay ang mga gawa ni M. V. Nesterov. Sa kabuuan ng kanyang trabaho, na pinagsama ang ika-19 at ika-20 siglo, pinanatili ni Nesterov ang isang buhay na koneksyon sa buhay. Noong 1930s, nakaranas siya ng isang napakatalino na pagtaas, muling natuklasan ang kanyang talento bilang isang pintor ng portrait. Ang makasagisag na kahulugan sa mga larawan ni Nesterov ay ang pagpapatibay ng malikhaing diwa ng panahon sa pamamagitan ng pagkilala sa mga malikhaing kalunos-lunos ng mga pinaka-magkakaibang tao na kumakatawan sa panahong ito. Ang bilog ng mga bayani ni Nesterov ay mga kinatawan ng mga intelihente ng Sobyet ng mas matandang henerasyon, mga tao ng mga malikhaing propesyon. Kaya, kabilang sa mga pinakamahalagang gawa ni Nesterov ay mga larawan ng mga artista - ang Korin brothers (1930), sculptor I. D. Shadr (1934), academician I. P. Pavlov (1935), surgeon S. S. Yudin (1935), sculptor V. I. Mukhina (1940). ). Si Nesterov ay kumikilos bilang isang kahalili sa mga tradisyon ng portrait ng V. A. Serov. Binibigyang-diin niya ang mga katangian, binibigyang-diin ang mga kilos, mga postura ng katangian ng kanyang mga karakter. Ang akademya na si Pavlov ay mahigpit na nakakuyom ang kanyang mga kamao na inilagay sa mesa, at ang pose na ito ay nagpapakita ng lakas ng pag-iisip, na kaibahan sa halatang katandaan. Ang surgeon na si Yudin ay inilalarawan din sa profile, nakaupo sa mesa. Ngunit ang pagpapahayag ng imaheng ito ay batay sa katangian, "lumilipad" na kilos ng kamay na nakataas. Ang nakabukang mga daliri ni Yudin ay tipikal na mga daliri ng surgeon, mahusay at malakas, handang tuparin ang kanyang kalooban. Si Mukhina ay inilalarawan sa sandali ng paglikha. Nag-sculpt siya ng isang iskultura - na may konsentrasyon, hindi binibigyang pansin ang artist, ganap na sumusunod sa kanyang salpok.
Ang mga accessory ay maikli ang ibinigay sa mga larawang ito. Ang mga ito ay nararapat at aktibong kasama sa mga katangian ng mga itinatanghal na tao sa kanilang kulay, pag-iilaw, silweta. Ang pangkulay ng mga portrait ay kapansin-pansing aktibo, puspos ng makikinig, banayad na magkakasuwato ng mga karagdagang tono. Kaya, ang kumplikadong kulay sa larawan ni Pavlov, na binuo sa isang kumbinasyon ng mga pinakamahusay na lilim ng malamig at mainit na mga tono, ay nagpapakilala sa espirituwal na kalinawan at integridad ng panloob na mundo ng siyentipiko. At sa larawan ng magkapatid na Korin, lumapot ito sa malalim na asul, itim, mayaman na kayumanggi, na nagpapahayag ng dramatikong kalikasan ng kanilang pagiging malikhain. Ang mga larawan ni Nesterov ay nagpakilala sa sining ng isang panimula na bago, nagpapatunay sa buhay na simula, malikhaing pagsunog bilang ang pinakakaraniwan at matingkad na pagpapakita ng estado ng mga tao sa isang panahon ng mataas na sigasig sa paggawa.
Ang artist na si Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967) ay pinakamalapit sa Nesterov. Pinalaki siya sa mga pintor ng Palekh, sinimulan niya ang kanyang karera sa pagpipinta ng mga icon, at noong 1911, sa payo ni Nesterov, pumasok siya sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. Lubhang hinihingi ang kanyang sarili at mga tao, dinala ni Korin ang katangiang ito sa lahat ng kanyang gawain. Si A. M. Gorky, na nakilala niya noong 1931, ay may mahalagang papel sa kanyang malikhaing pag-unlad, at sa katunayan sa buhay ng artista sa pangkalahatan. Tinulungan ni Gorky si Korin na maglakbay sa ibang bansa upang pag-aralan ang pinakamahusay na mga monumento ng sining sa mundo.
Marahil iyon ang dahilan kung bakit ang portrait gallery ng mga siyentipiko, artista, manunulat ng ating panahon, na nilikha ni Korin sa loob ng maraming taon, ay nagsimula sa imahe ni A. M. Gorky (1932). Sa esensya, na sa gawaing ito, ang mga pangunahing tampok ng Korin na pintor ng portrait ay ipinahayag. Ang larawan ng Gorky ay isang tunay na monumental na gawain, kung saan ang isang malinaw na tinukoy na silweta, isang magkakaibang background, isang malawak na kulay na puno ng malalaking lugar ng canvas, isang matalim na nagpapahayag na pagguhit ay nagpapahayag ng makasaysayang pangkalahatan ng personalidad ng manunulat. Para dito, tulad ng para sa iba pang mga larawan ng Korin, ang isang matinding saklaw ay katangian na may kasaganaan ng madilim na kulay abo, madilim na asul, kung minsan ay umaabot sa itim, mga tono. Ang gamut na ito, pati na rin ang malinaw na nililok na anyo ng ulo at pigura ng taong inilalarawan, ay nagpapahayag ng mga emosyonal na katangian ng kalikasan ng artista (6).
Noong 1930s, lumikha si Korin ng mga larawan ng mga aktor na sina L. M. Leonidov at V. I. Kachalov, ang artist na M. V. Nesterov, ang manunulat na si A. N. Tolstoy, at ang siyentipiko na si N. F. Gamaleya. Malinaw, para sa kanya, pati na rin para sa kanyang espirituwal na guro na si M.V. Nesterov, ang interes sa isang taong malikhain ay malayo sa hindi sinasadya.
Ang mga tagumpay ng pagpipinta noong 1930s ay hindi nangangahulugan na ang landas ng pag-unlad nito ay simple at walang mga kontradiksyon. Sa maraming mga gawa ng mga taong iyon, ang mga tampok na nabuo ng kulto ng I.V. Stalin ay lumitaw at nagpapatatag. Ito ay isang maling pathos ng isang pseudo-heroic, pseudo-romantic, pseudo-optimistic na saloobin sa buhay, na tumutukoy sa kakanyahan at kahulugan ng "seremonyal" na sining. Isang kumpetisyon ang lumitaw sa pagitan ng mga artista sa pakikibaka para sa hindi mapag-aalinlanganang "super plots" na nauugnay sa imahe ni I. V. Stalin, ang mga tagumpay ng industriyalisasyon, ang mga tagumpay ng magsasaka at kolektibisasyon. Lumitaw ang isang bilang ng mga artista na "espesyalista" sa paksa. Ang pinaka-mahilig sa bagay na ito ay si Alexander Gerasimov ("Stalin at K. E. Voroshilov sa Kremlin" at ang kanyang iba pang mga gawa).

Bibliograpiya

1. Vereshchagin A. Artist. Oras. Kwento. Mga sanaysay sa kasaysayan ng pagpipinta ng kasaysayan ng Russia XVIII - maaga. XX siglo. - L .: Sining, 1973.
2. Pagpipinta 20 - 30-ies / Ed. V.S.manin. - St. Petersburg: Artist ng RSFSR, 1991.
3. Zezina M. R., Koshman L. V., Shulgin V. S. Kasaysayan ng kulturang Ruso. - M.: Mas mataas. paaralan, 1990.
4. Lebedev P.I. sining ng Sobyet sa panahon ng interbensyon ng dayuhan at digmaang sibil. - M., 1987.
5. Likhachev D. S. sining ng Russia mula noong unang panahon hanggang sa avant-garde. - M.: Sining, 1992.
6. Ilyina T. V. Kasaysayan ng sining. Domestic art. - M.: Mas mataas. paaralan, 1994.
7. Kasaysayan ng sining ng mga tao ng USSR. Sa 9 na volume - M., 1971 - 1984.
8. Kasaysayan ng Russian at Soviet Art / Ed. M.M. Allenova. - M .: Mas mataas na paaralan, 1987.
9. Polikarpov V.M. Kulturolohiya. – M.: Gardarika, 1997.
10. Rozin V.M. Panimula sa pag-aaral sa kultura. – M.: Forum, 1997.
11. Stepanyan N. Sining ng Russia noong ika-20 siglo. Isang hitsura mula sa 90s. - Moscow: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Suzdalev P.K. Kasaysayan ng pagpipinta ng Sobyet. - M., 1973.

© Paglalagay ng materyal sa iba pang mga mapagkukunang elektroniko na sinamahan lamang ng isang aktibong link

Mga test paper sa Magnitogorsk, mga test paper na bibilhin, term paper sa batas, term paper sa batas, term paper sa RANEPA, term paper sa batas sa RANEPA, graduation paper sa batas sa Magnitogorsk, diploma sa batas sa MIEP, diploma at term paper sa VSU, pagsusulit sa SGA, master's theses in law sa Chelga.

Mga artista ng 30s

Mga Artist Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Una kong nakilala si Deineka sa Leningrad. Dumating siya nang ang eksibisyon ay naisara na, sa mga huling araw bago ang pagbubukas, inalis ang lahat ng kanyang mga gawa mula sa dingding at isinabit ang mga ito sa kanyang sariling paraan, na binawasan ang mga ito nang labis: ang ilang hindi matagumpay na mga bagay niya ay dinala, at siya tinanggal ang mga ito. Pagkatapos ng lahat, mayroong Defense of Petrograd, Sleeping Boy with Cornflowers, isang buong host ng mga first-class na piraso. Pagkatapos ay gumawa si Deineka ng kakaiba at medyo negatibong impresyon sa akin. Prangka siya, medyo masungit. Karamihan sa mga tao ay nag-isip sa kanya sa ganoong paraan - bilang isang uri ng atleta, manlalaro ng putbol o boksingero. Pero sa kabutihang palad, mabilis kong nalaman ang tunay niyang pagkatao. Wala siyang anumang uri sa kanyang sarili, ito ay isang paraan ng pag-uugali sa mga tagalabas, sa mga estranghero. Naging close ako sa kanya noon pang mid-30s, nang magsimula akong magtrabaho sa Detizdat, pag-uusapan natin ito mamaya. At habang tumatagal, papalapit siya ng palapit sa akin. Ang aming huling pagkikita sa absentia, dalawang araw bago ang kanyang kamatayan, ay isang palitan ng pinakamagiliw na salita sa telepono mula sa magkabilang panig.

Nakilala ko ang isa pang miyembro ng OST, si Yuri Ivanovich Pimenov, hindi sa Leningrad. Napakakaunti sa kanyang mga gawa sa Leningrad, at nakita ko siya sa unang pagkakataon sa Moscow, nang dumating ang representante na direktor ng Russian Museum, Dobychina, upang bayaran ang mga artista para sa mga gawa na binili mula sa kanila sa Leningrad. Lahat sila ay nakolekta sa Volkhonka, sa isa sa mga maliliit na bahay na matatagpuan sa pagitan ng Frunze Street at ng museo. Ang lahat ng mga artista ay nakaupo sa koridor at nag-uusap, at sila ay inimbitahan sa isang silid. At doon ko nakita at naalala si Pimenov sa unang pagkakataon. Ipinakita niya kung paano gumawa ng mga landscape para sa pagbebenta ang tatlong artist: ang isa ay naglalatag ng maraming magkakahawig na mga canvases at pinupuno ang mga ito ng asul na pintura na naglalarawan sa dagat, ang pangalawa ay pumasa at gumuhit ng ilang mga bangka na may itim na pintura, at ang mga huling set ay naglalayag na may isang stroke ng puting puti. Inilarawan niya ito sa kakaibang ugali at napaka-expressive.

Mabilis kaming nakipag-ugnayan sa kanya, ngunit hindi sa mga bakuran ng museo, dahil hindi siya gumawa ng anumang mga graphic - ni ukit, o pagguhit, hindi masyadong marami, siya ay isang purong pintor. Noong 1932 pa, nagkaroon kami ng pinakamagiliw na pagkakaibigan. Ito ay tiyak na sa pagitan ng agwat na ito, sa pagitan ng 1930 at 1932, na siya ay nagdusa ng isang napakaseryosong sakit sa utak, na konektado sa alinman sa isang concussion o kahit na sa ilang uri ng sakit sa isip, at nang sa wakas ay maalis niya ito, ganap na binago niya ang kanyang buong pagkatao. . Kaya't sinira niya ang karamihan sa kanyang mga unang gawa, masyadong matalas, nagpapahayag, sketchy, kahit na sa mga museo ay ipinagpalit para sa kung ano ang kanilang pinamamahalaang bilhin mula sa kanya. At siya ay naging ganap na naiiba, ang paraan na siya ay nanatili sa natitirang bahagi ng kanyang buhay: nagliliwanag, maliwanag, maaraw, puno ng ilang uri ng pinakadakilang kasakiman para sa totoong buhay na buhay. Bawat taon ang aming pagkakaibigan ay lumalim nang higit pa, at sa huli siya ay naging mula sa aking mga kapantay na malapit sa akin bilang Shmarinov. Sa totoo lang, dapat ko muna silang pangalanan sa mga malalapit kong kaibigan sa henerasyon ko. Mas bata ako ng isang taon at kalahati kay Pimenov at mas matanda ako kay Shmarinov ng isang taon at kalahati.

Naging kaibigan ko rin si Williams noong unang bahagi ng 1930s. Siya ay isang pintor noon, at isang napakalakas, mahusay na pintor. Mayroon siyang mahusay na mga gawa: isang larawan ng Meyerhold, isang larawan ng direktor na si Barnet, isang malaking pagpipinta na "Sailors mula sa Aurora", na ipinadala sa ilang eksibisyon sa Venice at doon ay ipinakita sa organisasyong komunista doon. Doon siya nanatili. Ngunit mayroon akong kopya nito. Ito ay isang napakagandang bagay, naaalala ko ito nang husto. Ngunit pagkatapos, sa kalagitnaan ng 30s, naging interesado siya sa teatro, nagkaroon ng pambihirang tagumpay, ginawa, halimbawa, ang disenyo para sa Pickwick Club sa Moscow Art Theater na may hindi pangkaraniwang kakaibang tanawin, kung saan ipinakilala ang mga pigura ng tao. At pagkatapos siya ay naging pinaka-sunod sa moda artist ng Bolshoi Theater at kahit na nagsimula ng isang sangkap na angkop sa isang matagumpay na theatrical figure: isang uri ng hindi pangkaraniwang fur coat halos sa lupa na may balahibo mula sa kwelyo hanggang sa pinakailalim, isang fur na sumbrero tulad ng isang gilingang bato. ang kanyang ulo, na siyang paksa ng pinakamalaking panunuya sa akin at ni Pimenov sa mga kakaibang katangian. Ngumiti lang siya ng nakakaloko. Sa pangkalahatan, ganap siyang pumasok sa theatrical environment, theatrical life.

Mayroon akong isang napakagandang alaala kay Williams. Noong kalagitnaan ng 30s, nagpunta kami ni Natasha sa Caucasus sa Tegenekli - isang lugar sa itaas ng Baksan River sa paanan ng Elbrus. May isang rest house doon, pag-aari ng isang tao - hindi ko alam, ngunit inilaan para sa mga creative intelligentsia. Sa anumang kaso, ang mga voucher ay kailangang kunin mula sa Art Fund ng Moscow Union, at pagdating ko doon, sinabi nila sa akin na si Williams ay kagagaling lang doon at pupunta rin doon kasama ang kanyang asawa.

Mayroong maraming mga kakilala sa Tegenekli. Naroon ang aming malapit na kaibigan kay Natasha - siyentipiko - geographer na si Lazar Sholomovich Gordonov, kung kanino, sa katunayan, sumang-ayon kaming pumunta doon. Ang direktor ng pelikula na si Alexandrov ay naroon kasama ang kanyang asawang si Lyubov Orlova. Mayroong isang makata na si Nikolai Tikhonov. May isang naiinip na tagapagsalin - ito ay dapat na may mga dayuhan, ngunit sila ay hindi, at siya ay gumagala nang malungkot nang walang ginagawa. Isang gabi ay natuwa siya: ang Englishman na si Mr. Williams ay dapat dumating sa wakas! Siya ay nagpulbos, nagpinta ng kanyang mga labi, sa pangkalahatan, naghanda. Ngunit nang lumitaw itong si Mr. Williams, ito pala ang aking kaibigan na si Peter Vladimirovich Williams, na hindi man lang nakakaalam ng kahit isang salita sa Ingles. Ang kanyang ama ay, sa katunayan, ay nagmula sa Ingles, sa aking palagay, isang uri ng kilalang siyentipikong pang-agrikultura, ngunit siya mismo ay walang kinalaman sa Inglatera, kaya ang tagasalin ay nabigo.

Naaalala ko kung paano kami minsan nagpunta sa Elbrus, hindi sa pinakatuktok, siyempre, ngunit sa abot-tanaw, ito ay nasa isang lugar sa kalahati, nasa itaas na ng mga ulap - isang platform at isang maliit na hotel. Umakyat kami sa ulap sa isang matarik na landas at, nang makalabas kami sa ulap na ito, lumitaw kami doon na basang-basa. Ang mga babae ay pumunta sa hotel upang magpalit ng kanilang mga damit, upang ayusin ang kanilang mga sarili, at kami ni Williams ay naglibot sa site. At biglang may sumigaw: "Bumukas ang Elbrus!" Ito ay ganap na natatakpan ng mga ulap, at biglang nabasag ang mga ulap, at laban sa background ng isang ganap na berdeng kalangitan, isang maniyebe na puting kono ng tuktok ng Elbrus ay lumitaw. Si Williams ay nagmamadaling pumasok sa bahay para sa papel at isang lapis - wala siyang kinuha sa kanya - at tumayo sa ulan, na sa oras na iyon ay bumubuhos mula sa itaas, nag-sketch ng lahat ng mga contour, na nagsusulat kung anong mga kulay. Naaalala ko siya sa kanyang buhok na nakadikit sa kanyang noo, nanginginig na gumuguhit at nagsusulat ng mga mismong kulay na ito. Ngunit, sa kasamaang-palad, walang nangyari dito: nang sa Moscow ipinakita niya sa akin ang isang pag-aaral na ginawa mula sa sketch na ito, ang lahat ay naging ganap na naiiba. Oo, at alam na alam niya ito. Naaalala ko na ang aming mga kababaihan ay umakyat upang hangaan si Elbrus na ganap na kalahating bihis. Ang "phenomena ng Elbrus" ay isang panandaliang panoorin, binigyan kami ng dalawa o tatlong minuto lamang para sa lahat.

Si Williams ay isang simple, mabait, mabuting tao, medyo nakakatawa sa kanyang naka-istilong mga hilig sa teatro.

Nagkaroon din ako ng magandang relasyon sa iba pang miyembro ng OST - pareho kay Labas at Shifrin, ngunit hindi sila masyadong malapit. Si Shifrin ay isang kaakit-akit na tao, isang napakahusay na artista sa teatro, isang napakatalino na master sa teatro. Si Labas ay palaging isang baliw at hindi maayos na pigura. Ngunit sino, siyempre, ay isang ganap na kahanga-hangang tao at isang kahanga-hangang artista, ito ay si Tyshler. Ngunit ang kakilala at pagkakaibigan sa kanya ay nabibilang sa pinakabagong mga panahon, na pagkatapos ng digmaan. Sa paanuman ay lumabas na hindi siya kinakatawan sa Leningrad, at pagkatapos ay hindi ko na kailangang makipagkita sa kanya. Bago ang digmaan, kilala ko siya, ngunit sa malayo. Pagkatapos lamang ng digmaan isang napaka-malambot na pagkakaibigan ay naitatag, na lalo lamang lumalim at bumuti. Isa siya sa mga pinaka-kaibig-ibig na nilalang na nakilala ko sa aking buhay.

Pagkatapos ng OST, siyempre, kung pag-uusapan natin ang mga artistikong grupo noong 1920s, kailangang pangalanan ang dalawa na nagdala sa akin ng napakalapit na mga kaibigan. Una sa lahat, ito ay "4 na sining", na kasama sina Favorsky, at Ulyanov, at Pavel Kuznetsov, at Saryan, at isang bilang ng mga taong pinakamalapit sa akin. At ang pangalawa - ang Society of Moscow Artists - "OMH", na nagbigay sa akin ng isa sa mga pinakamamahal na pagkakaibigan - kasama si Sergei Vasilyevich Gerasimov, pati na rin kay Rodionov, kasama si Osmerkin at iba pa.

Nakilala ko si Sergei Vasilyevich sa unang pagkakataon sa Leningrad, isa siya sa mga tagapag-ayos ng eksibisyon, kabilang sa mga foremen at nag-hang ang kanyang mga kuwadro na gawa at ang mga artist na malapit sa kanya. Bagama't nagturo siya ng pagguhit sa VKHUTEIN, nakilala ko ang kanyang mga graphic sa kalaunan at hindi ko na kailangang bilhin ang mga ito para sa museo. Ngunit sa Leningrad kailangan naming makipagkita sa isa't isa araw-araw, magkita sa isang karaniwang gawain, at higit sa lahat, nagpunta kami upang kumain nang magkasama sa isang kumpanya: siya, ako, Kupreyanov at Istomin. Napakadalas mangyari na napakabilis kong nakilala ang kanyang pagkatao, ang kanyang talino, ang kanyang mga biro at pangungutya, na panlaban lamang sa mga estranghero. Kahit noon pa man ay na-appreciate ko ang kanyang kahanga-hangang karakter at ang kanyang kahanga-hangang sining. Bagama't napakaaga pa ng period niya, 20s pa lang ang trabaho, simula pa lang ng 30s, napakagaling na nila. At pagkatapos ang kakilala na ito ay unti-unting naging mas malaki at higit na pagpapalagayang-loob, at sa panahon ng post-war, siyempre, isa siya sa mga pinakamalapit na tao sa akin. At dapat kong sabihin nang may labis na kasiyahan na, tila, ako ay isa sa mga pinakamalapit na tao sa kanya, nasiyahan sa kanyang buong kapangyarihan ng abugado, natupad ang lahat ng kanyang mga tagubilin, lalo na nang siya ay naging pinuno ng Union of Artists ng USSR. Sa totoo lang, kahit na bago iyon ay napagtanto siya bilang ganoon, kinikilala ng lahat, kahit na ganap na hindi opisyal na pinuno ng sining ng Sobyet. Ngunit nang maganap ang Unang All-Union Congress of Artists noong 1957, natural na si Sergei Vasilievich ang pinuno ng Union.

Marahil, ang aking kakilala kay Osmerkin, isa sa mga pangunahing kalahok sa Jack of Diamonds, na noong 1930s ay naging isang napaka-simpleng liriko na pintor ng landscape, banayad at banayad, ay napansin din ng aking mas panlabas, ngunit napaka-friendly na mga relasyon. At siya mismo ay isang mabuting tao, kaakit-akit, banayad. Ngunit mas madalas ko siyang nakilala, at ito ay isang peripheral na pagkakaibigan, at hindi isang pangunahing, nakaugat.

Sa pagsasalita tungkol sa mga dating miyembro ng pangkat ng Jack of Diamonds, dapat banggitin ang isa pang magiliw, matamis at kaakit-akit na tao, si Alexander Vasilyevich Kuprin. Si Kuprin ay maikli, may maliit na balbas, isang napakatahimik at mahiyain na lalaki, napakahinhin ang pananamit, walang anumang panlabas na epekto, abala sa ilang uri ng kanyang mga iniisip at kanyang pagkamalikhain. Si Osmerkin at Kuprin ay marahil ang dalawang pinaka banayad na artista sa buong grupong ito.

Sa Kuprin, pati na rin kay Osmerkin, nagkaroon ako ng pinaka-kagiliw-giliw at, masasabi ng isa, taos-pusong relasyon. Hindi tulad kay Konchalovsky, kung kanino ako nagkaroon ng malalim na paggalang, na pinaboran ako, ngunit mayroon pa ring malaking distansya sa pagitan namin.

Ang aking mga relasyon kay Pyotr Petrovich Konchalovsky ay napaka-friendly, sumulat ako tungkol sa kanya, at nagustuhan niya ang paraan ng pagsusulat ko. Ngunit ang pagiging malapit ay hindi maaaring maging espesyal, siya ay ibang-iba. Una sa lahat, siya ay isang maginoo, medyo merchant style, na namuhay sa malaking sukat, hindi pangkaraniwang ugali, na may malaking artistikong "ekonomiya". Minsan, noong nasa studio niya ako, sinabi niya: "Mayroon na akong isang libo at walong daang numero." Nalalapat lamang ito sa kanyang mga kuwadro na gawa; hindi man lang siya nagbilang ng watercolors at drawings. Sa anumang kaso, ang aming mga relasyon ay palakaibigan, na pagkatapos ay lumamig nang husto dahil sa biyaya ng kanyang anak na babae at manugang na lalaki - Natalia Petrovna Konchalovskaya, isang makata, at ang kanyang asawang si Mikhalkov. Ngunit si Pyotr Petrovich ay walang kinalaman dito, tulad ng wala siyang kinalaman sa panginoon na snobbery ng kanyang bahay sa ilang mga lawak - siya ay itinanim ng kanyang asawa, isang babae na may mahirap na karakter, na, bilang anak ni Surikov, marami siyang naunawaan tungkol sa kanyang sarili at labis na binantayan ang dignidad ni Konchalovsky. Nang sumulat ako ng isang artikulo, sa kanyang kahilingan, para sa kanyang huling buhay na eksibisyon noong 1956, ang artikulong ito ay naging nakakahiya. Ibinigay ko ito kay Pyotr Petrovich para basahin. He warmly approve sa kanya, he liked her very much. At pagkatapos ay si Nikolai Georgievich Mashkovtsev, isang matandang istoryador ng sining at manggagawa sa museo, na sa oras na iyon ay nagtrabaho sa Academy of Arts at isang kaukulang miyembro ng mismong Academy na ito, ay lumapit sa akin na may kahihiyan na hitsura na bineto ni Olga Vasilyevna ang aking artikulo, dahil Pinupuna ko si Konchalovsky para sa ilang mga bagay. Hindi ito pinansin ni Pyotr Petrovich, at hindi pinahintulutan ng kanyang asawa na mailimbag ang kritisismong ito. Sinabi ko na ibinalik ko ang artikulo, hindi ko ito ibibigay sa katalogo, kahit papaano ay ipi-print ko ito sa isang hindi naitama na anyo. Nang matapos iyon ay nakilala ko si Pyotr Petrovich, umiling siya, pinagsisihan kung paano ito naging masama. Ngunit tiniyak ko siya, inaliw siya, sinabi na naibigay ko na ito sa magasin na "Sining" at ito ay ipi-print sa anyo kung saan ko ito sinulat. Ngunit namatay siya sa eksibisyong ito, kaya hindi niya nakitang nakalimbag ang aking artikulo. At ito ay naging matagumpay na kalaunan ay na-print muli nang hindi ko nalalaman, lalo na, sa malaking dami ng "The Artistic Heritage of Konchalovsky" at kahit na inilagay, nang hindi nagtatanong sa akin, bilang isang panimulang artikulo. Halatang pinagsilbihan niya ang kanyang layunin. Ngunit gayon pa man, ang mga relasyon na ito ay hindi malapit, bagaman mabuti, palakaibigan.

Sinabi sa akin ni Favorsky ang isang nakakatawang episode na konektado sa kanyang trabaho sa disenyo ng tula ng anak na babae ni Pyotr Petrovich, Natalya Petrovna Konchalovskaya, "Ang aming sinaunang kabisera." Kinailangan niyang pumunta sa bahay ng mga Konchalovsky sa loob ng mahabang panahon: "Ang aming sinaunang kabisera" ay binubuo ng tatlong buong libro, kailangan niyang gumawa ng maraming mga guhit. Si Natalya Petrovna sa kanyang mga tula ay madalas na tinutukoy lamang sa kanya: ipapakita sa iyo ng artist ang natitira.

Habang nagtatrabaho sila kasama si Natalya Petrovna, pumasok si Pyotr Petrovich sa silid, tumingin sa mga nakalat na sheet at sinabi: "Hindi ko akalain na may isang bagay na kapaki-pakinabang na lalabas sa aking tanga na si Natashka."

Mula noon, nanatili siya sa aming bahay bilang isang "tanga - Natasha". Ang pangalang ito ay nag-ugat nang matatag at walang pag-asa. Tulad ng para kay Mikhalkov, pag-uusapan natin siya pagdating sa Detizdat, kung saan siya unang lumitaw at kung saan, sa harap ng aking mga mata, siya ay lumaki at umunlad bilang isang matagumpay na opisyal na makata ng mga panahon ng kulto ng personalidad.

Iba pang mga "jacks of diamonds" ay ibang-iba ang kalikasan. Si Lentulov ay isang malayong tao; kaya maaaring isipin ng isa kung paano siya lumilipad sa isang walang ingat na taksi sa isang perpektong masayang paraan upang maging ligaw hanggang sa umaga sa ilang uri ng "Yar". Marahil ito ay bongga, ngunit siya ay kumilos nang ganoon - ang kanyang kaluluwa ay bukas na bukas, isang malawak na kalikasan. Sa esensya, siya ay napakaseryoso at isang tunay na master, kahit na nagsimula siya, tulad ng makikita sa eksibisyon ng Moscow-Paris, na may napakarahas na mga bagay, kung saan ang cubism ay nasa kalahati at may futurism, at kasama ang pamana ng pagpipinta ng Russia ng ika-19 na siglo. At lahat sa isang lubhang marahas na anyo sa malalaking canvases. Sa katunayan, sa lahat ng ito, siya ay isang napaka banayad na artista. Si Lentulov ay napaka-friendly kay Pimenov, at, sa katunayan, ang aking relasyon sa kanya ay nabuo pangunahin sa pamamagitan ni Pimenov. Siya ay isang kaaya-aya, mabuting tao.

Wala akong magandang relasyon kay Mashkov. Napaka talented niya. Ngunit mula sa pinakaunang pakikipagkita sa kanya, nagsimula akong magtaka kung paano mailalagay ng Panginoong Diyos ang talento sa gayong yakap, sa gayong walang pag-asa na hangal na tao. Ito ay lubos na maliwanag nang sinubukan niyang gumuhit ng mga pigura ng tao. Pumasok siya sa Academy of Arts at iginuhit ang ilang mga pioneer na may kaugnayan sa baybayin ng Black Sea - ito ay isang bagay na ganap na imposible, slobbering bulgarity, ng pinaka-bulgar at hangal na uri. At habang buhay pa, gayunpaman, mahusay siyang sumulat sa buong buhay niya. Hindi ako makalapit sa kanya. At nang pinagalitan ko sa isa sa aking mga artikulo ang kanyang seremonyal na "Portrait of Partisans", kung saan ang mga partisan na may décolleté, na may mga riple, na may mga bandolier at machine-gun belt ay inilalarawan sa paligid ng isang kahanga-hanga, malaki, marangyang isinulat na ficus, na parang sa isang sikat. pag-print ng isang photographer ng probinsya - na parang idinikit nila ang kanilang mga mukha sa mga butas ng natapos na backdrop - Si Mashkov, siyempre, ay lubos na nasaktan sa akin at ang aming relasyon ay ganap na tumigil.

Wala akong relasyon sa isa pang dating Jack of Diamonds, Falk. Ngunit sasabihin ko ang tungkol sa kanya mamaya, pagdating sa mga taon ng digmaan - noon ko lang siya nakilala, sa paglikas, sa Samarkand. Ito ay isang napaka hindi kasiya-siyang pagpupulong, at mayroon akong isang napaka-cool na saloobin sa kanya - at sa kanyang sining at, lalo na, sa kanyang sariling tao. Isang napaka-satisfied sa sarili, napakamayabang, mapagmataas at sobrang hindi palakaibigan na tao sa mga tao.

Tungkol naman sa 4 Arts Society, nakahanap ako ng mabubuting kaibigan doon. Ito ay hindi lamang Favorsky, ngunit pagkatapos niya Ulyanov. Una kong nakilala si Nikolai Pavlovich Ulyanov nang ayusin ko ang isang eksibisyon ng mga graphic na nasa Moscow na. Nandoon ang kanyang booth, kung saan napili ang napakagandang mga guhit niya, karamihan ay mga portrait. Naaalala ko na mayroong isang larawan ng Mashkovtsev, isang larawan ni Efros. Simula noon, nagsimula kaming magtatag ng mas malapit na relasyon, na kalaunan ay naging isang napakahalagang pagkakaibigan para sa akin. Patuloy akong pumunta sa kanya, sumulat siya sa akin, kahit na pareho kaming nakatira sa Moscow. At sa Samarkand, kung saan pareho kaming inilikas, halos araw-araw ko siyang nakikita. Sa simula ng digmaan, ipinadala siya sa Nalchik, pagkatapos ay sa Tbilisi, kasama ang isang buong pangkat ng mga kilalang manunulat, artista, artista. (Sama-sama, sa pamamagitan ng paraan, kasama si Alexander Borisovich Goldenweiser.) Noong taglagas ng 1942, lahat sila ay dinala sa Gitnang Asya, ngunit karamihan ay pumunta sa Tashkent, habang siya ay nanatili sa Samarkand.

Araw-araw, pagdating ko sa Registan, kung saan matatagpuan ang Moscow Art Institute, pinuntahan ko siya upang aliwin, dahil napakahirap ng kanyang buhay sa Samarkand. Binigyan siya ng isang ganap na pangit, hindi komportable, sira-sirang hudjra sa looban ng Shir-Dor, nang walang anumang kasangkapan. At dinala niya ang kanyang namamatay na asawa mula sa Caucasus, na nakahiga nang hindi gumagalaw. Namatay siya doon, sa Samarkand.

Si Nikolai Pavlovich Ulyanov, at pagkamatay niya, ipinakita ng kanyang pangalawang asawa na si Vera Evgenievna ang aking ama ng maraming mga first-class na mga gawa ng Ulyanovsk: isang larawan ni Vyacheslav Ivanov, watercolor na "Didro at Catherine's", isa sa kanyang pinakamahusay na mga guhit ng Pushkin, costume sketch para sa " Molière" at marami pang iba. Nagtataglay din kami ng isang pambihirang gawain - isang tanawin ng kanyang unang asawa, ang artist na si Glagoleva, na namatay sa Samarkand. Ang isang buong kuwento ay konektado sa isang malaking bagay ni Ulyanov, "Ang Modelo at ang Kabayo ni Silena". Ipininta ng batang Ulyanov ang bagay na ito noong siya ay katulong ni Serov sa School of Painting, Sculpture and Architecture - ito ay isang pang-edukasyon na "staging" na inaalok ni Serov sa kanyang mga mag-aaral. Pagbalik mula sa paglisan sa Moscow, natuklasan ni Ulyanov na ginamit ng mga kapitbahay ang canvas na ito na tinanggal mula sa stretcher, na nilagyan ng isang basket para sa pag-iimbak ng patatas. Ang larawan ay isang itim na basag na bukol, kung saan halos hindi makilala ng isa ang anuman. Ibinigay ito ni Ulyanov sa kanyang ama, na malungkot na sinabi: kung maaari mong i-save ito, panatilihin ito para sa iyong sarili. Ibinigay ni Itay ang canvas sa napakagandang restorer na si GM II Stepan Churakov, at iniligtas niya ang trabaho! Nadoble ko ito sa isang bagong canvas, nilinis ito - halos walang mga bakas ng pagpapanumbalik, at ang "Model and the Horse of Silena", na nagniningning sa lahat ng tunay nitong "Serov" na kaakit-akit, ay nakasabit sa ibabaw ng sofa ng kanyang ama sa kanyang opisina sa loob ng kalahating siglo.

Ang iba pang mga taong malapit sa akin, tulad ni Vera Ignatievna Mukhina, isang kahanga-hangang iskultor at isang kahanga-hangang tao, ng pambihirang lakas, awtoridad at lakas, ganap na kalayaan, na may hindi pangkaraniwang malaking kapayapaan ng isip at mahusay na espirituwal na saklaw, ay nagmula sa parehong grupo ng " 4 Sining”. Nagresulta ito sa parehong napakagandang monumental na plasticity at sa mga liriko na bagay - ang sikat na grupo, na ginawa para sa isang eksibisyon sa Paris noong 1937, ay sinamahan ng mga gawa tulad ng "Bread", isa sa mga pinaka mala-tula at pinong mga eskultura na umiiral sa sining ng Sobyet. Isa rin siyang mahusay na pintor ng portrait.

Mula sa parehong lipunan, sa katunayan, nagmula si Sarah Dmitrievna Lebedeva, dating asawa ni Vladimir Vasilyevich Lebedev, isa sa mga pinakamahusay na eskultor na mayroon kami, at isang kaakit-akit na tao, napaka pigil, napakatahimik, napakakalma at may ilang uri ng kapansin-pansin, tumaas ang pakiramdam ng karakter at paggalaw sa kanyang sining. Anuman ang kanyang gawin, ito man ay ang kanyang malaking estatwa na "Girl with a Butterfly", isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, maging ito ay mga portrait, tulad ng, halimbawa, isang full-length na portrait, kahit na maliit ang laki, ni Tatlin, kasama ang kanyang splayed legs , physiognomy ng mahabang kabayo - ay hindi pangkaraniwang makabuluhan at sobrang galing. Ang pakikipagkita kay Sarah Lebedeva at ang mabuting relasyon sa kanya ay isa rin sa mga alaala na napakamahal sa akin.

Napakagandang relasyon, kahit na walang espesyal na espirituwal na pagkakalapit, nabuo din ako kasama si Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, isang napaka-kampante na tao, medyo makitid ang pag-iisip. Gayunpaman, marahil ito ay isang anyo ng pag-uugali sa likod kung saan may higit pang nakatago. Gayunpaman, tinawag siya ni Kupreyanov na hindi masyadong mabait na mga salita: "isang selyo na sumusubok na magpanggap na isang leon." Marahil ito ay naaayon sa kanyang pagkatao.

Siya ay napaka-mapanlikha, at ito ay nagpakita mismo sa maraming iba't ibang anyo. Halimbawa, minsan sa bulwagan kung saan ako nag-hang ng mga ukit at ukit ni Nivinsky, Kravchenko at mga kopya ng iba pang mga graphic, biglang lumitaw si Kuznetsov, na kinaladkad sa likuran niya ang isang higanteng canvas ng isa sa kanyang mga mag-aaral - walang hugis, maluwag, ganap na kaakit-akit. At kapag sinabi kong sorpresa: "Buweno, saan ko ito mailalagay?", sumagot si Pavel Varfolomeevich: "Ngunit ito ay perpektong graphics!" Walang mas katulad sa mga graphic ang hindi maiimbento. Masyado siyang nagmamalasakit sa kanyang mga estudyante. Ang canvas na ito ay, sa pamamagitan ng paraan, si Davidovich, na namatay sa milisya sa panahon ng digmaan. Pero halos hindi ko siya kilala.

Habang nagtatrabaho sa Leningrad, minsan kailangan naming kumain ni Pavel Varfolomeevich sa Russian Museum mismo. Ang pagkain doon ay kasuklam-suklam, ngunit walang magagawa - hindi palaging posible na magretiro sa European Hotel o sa House of Scientists. Naaalala ko na nakaupo kami kasama si Pavel Varfolomeevich, at hinugot niya ang isang mahabang buntot ng isda mula sa sopas na inihain sa kanya. Tinawag niya ang waitress at mahinahong tinanong: "Ano ang ibinigay mo sa akin, sopas ng isda o sopas ng repolyo"? Sinabi niya: "Shi." Pagkatapos ay ipinakita niya sa kanya ang isang buntot ng isda, sa kanyang labis na kahihiyan. Talagang nagustuhan ko ang kanyang seryosong interes na malaman kung ano, sa katunayan, siya ay pinagsilbihan.

Napakasaya para sa akin ay ang aming pagkikita sa kanya sa Gurzuf noong unang bahagi ng 50s, nang simulan niyang ipinta ang aking larawan. Inialok niya ito sa akin nang maraming beses sa Moscow, ngunit sa Moscow wala akong oras upang mag-pose, at sa Gurzuf wala akong anumang dahilan upang tanggihan. Pinaupo niya ako sa tuktok ng Korovinskaya dacha laban sa background ng dagat at pininturahan ang isang malaking maliwanag na pulang ulo, katulad ng isang engrandeng kamatis laban sa background ng isang nakasisilaw na asul na dagat. Ipininta niya ang larawang ito nang may labis na kasiyahan, at labis akong ikinalulungkot na nasaktan siya sa isang lugar. Kamakailan lamang, gayunpaman, sinabi sa akin na pagkatapos ng pagkamatay ni Kuznetsov at ng kanyang asawa (wala silang mga anak), ang lahat ng natitira sa workshop ay napunta sa Saratov, sa Radishchev Museum. Maaaring napakahusay na ang aking larawan ay napunta doon. Ang mga pagkakatulad doon, marahil, ay hindi masyadong marami, ngunit ang memorya mismo ay kaaya-aya lamang. Nakikita ko pa rin siya, kung paano siya umupo at sa sobrang kasiyahan ay isinulat ang napaka-kaibahan ng maliwanag na pula na may maliwanag na asul. Ngunit, upang sabihin ang totoo, mahirap para sa akin na umupo, dahil ang kanyang asawang si Bebutova, isa ring artista, ay nagpasya na aliwin ako sa mga natutunang pag-uusap sa panahong ito. Ang mga pag-uusap, kasama ang lahat ng kanyang mga pagtatangka sa pag-aaral, ay ganoon na halos hindi ko mapigilan ang pagtawa. Siya rin ay isang simple at inosenteng tao.

Ang malapit na pagkakaibigan kay Kuznetsov ay halos hindi nabuo - kami ay ibang-iba na mga tao. Ngunit naaalala ko siya nang may malaking paggalang. At siya ay isang napakahusay na artista, na ipinakita ng kanyang kamakailang eksibisyon kasama si Matveev.

Ngunit si Matveev, na kakilala sa kanya, na naging napakahusay na relasyon, ay isa sa aking pinakamahalagang "nakamit". Siya ay isang napakahigpit na tao, napaka tahimik, napaka pigil, umatras, mabagal at maliit na trabaho, pinangangalagaan ang bawat isa sa kanyang trabaho sa loob ng maraming taon. Pagkatapos niya ay wala nang napakaraming bagay na natitira, ngunit ang mga ito ay kahanga-hanga.

Sa panahong ito, hindi lalampas sa kalagitnaan ng 1930s, nakilala ko si Saryan. Isa ito sa mga napakahalagang pangyayari sa aking masining na talambuhay. Kailan at saan ko siya nakilala, hindi ko na matandaan, dahil hindi siya pumunta sa museo para makita ako, dahil hindi siya partikular na kasali sa mga graphics, at hindi siya sumali sa mga eksibisyon na inorganisa ko. . At siya mismo ay wala sa Leningrad noong 1932. Naroon ang kanyang pader, sa halip ay random sa komposisyon nito, sa pangkalahatan ay hindi tumutugma sa antas at kahalagahan nito, bagaman ito ay maganda. Ngunit kung ihahambing sa iba pang tatlo, makikinang na mga dingding ng parehong bulwagan - Petrov - Vodkin, Shevchenko at Kuznetsov, siya ay mukhang mas katamtaman, bagaman sa mga resulta ng kanyang malikhaing landas ay nalampasan niya ang lahat ng tatlo ng maraming mga layunin. Sumulat ako ng isang napakapuri, simpleng masigasig na artikulo tungkol sa kanya noong 1936, na kilala ko na siya, at ang artikulong ito ay naglatag ng pundasyon para sa isang pangmatagalang pagkakaibigan na nakaligtas hanggang sa katapusan ng buhay ni Saryan. Nagkataon, ang artikulong ito sa Literaturnaya Gazeta ng 1936 ay pumukaw ng malaking kawalang-kasiyahan kay Kemenov, na noong panahong iyon, tulad ko, ay aktibo sa Literaturnaya Gazeta bilang isang kritiko. Kami ay nag-publish sa kanya halos sa turn, nakatayo sa diametrically magkasalungat na mga posisyon at napaka hindi pagsang-ayon sa bawat isa.

Pagkatapos ng digmaan, madalas kong nakikita si Saryan - tuwing pumupunta siya sa Moscow. Sumulat ako tungkol sa kanya ng ilang beses mamaya, nasa 60s at mas bago. Walang mailarawan kay Saryan - kilala siya ng lahat, ngunit palagi akong tinatamaan ng ilang uri ng pagiging bata ng taong ito, ang kanyang bukas, mapanlikhang paghanga sa kagandahan ng totoong mundo, ang kanyang walang katapusang magandang ugali sa mga tao, kahit na siya ay perpekto. naunawaan kung paano siya tinatrato ng lahat. Noong 1952, sa talakayan ng eksibisyon ng anibersaryo, nagsalita si Boris Veymarn na may hindi pangkaraniwang madamdamin na mga tirada, na labis na nagagalit sa walang prinsipyong hurado, na dinala ang kakila-kilabot na mga pagpipinta ng Saryan sa eksibisyon. Pagkatapos, limang taon lamang ang lumipas, ang parehong mga kuwadro na ito ay naghatid ng Lenin Prize kay Saryan, kaya nakuha lamang ni Veimarn ang Saryan na iyon hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw ay nagpahayag ng kanyang sarili na iba kaysa sa "bastos na si Weimarn." At ito ay kasama ng lahat ng kanyang kabaitan at sikat ng araw, na hindi lamang sa pagpipinta ni Saryan, kundi pati na rin sa lahat ng kanyang pag-uugali, sa lahat ng kanyang hitsura - ang personipikasyon ng araw, at maging ang araw ng Armenia. Ito ay isang napaka-espesyal na araw. Ang isa sa pinakamagagandang bansa sa mundo ay ang Armenia. Natutunan ko ito noong mga taon pagkatapos ng digmaan, nang dalawang beses akong naroon.

Tandang-tanda ko kung paano kami bumisita ng aking ama kay Saryan sa kanyang workshop sa Yerevan sa "Sarian Street", kung paano niya ipinakita sa amin ang kanyang mga gawa - parehong maaga at kamakailan lamang ay gumawa ng napaka-trahedya at malakas na mga guhit ng easel. Mula sa init, ang aking ama ay nagsimulang magkaroon ng matinding pagdurugo ng ilong, - Si Saryan ay labis na nasasabik, inihiga ang kanyang ama sa sopa, inalagaan siya nang may nakakaantig na pangangalaga. Siya ay napakatanda na at kahit na siya ay maliwanag pa, napakalungkot - ilang sandali bago iyon, ang kanyang anak ay namatay sa isang aksidente sa sasakyan. .

GOGOL AT MGA ARTISTA Masaya ang manunulat na, ang mga nakaraang karakter na nakakainip, makukulit, kapansin-pansin sa kanilang malungkot na katotohanan, ay lumalapit sa mga karakter na nagpapakita ng mataas na dignidad ng isang tao ... Gogol, "Mga Patay na Kaluluwa" Para sa mga inapo, ang koneksyon ni Gogol kay Ivanov ay may napreserba

Mga Pintor At Eskultor May mga artista na ang gawa ay hinahangaan ko ngayon, ngunit natuto akong humanga sa maraming gawa ng mga artista noong kabataan ko. Higit sa lahat mahal ko ang mga Impresyonista. Si Cezanne ang aking diyos. Palagi siyang nag-iiwan ng puwang para sa imahinasyon. Siya ay nagkaroon ng sapat

Mga Artista Una kong nakilala ang mga artista ng Mundo ng Sining noong 1904. Dinala ako ng isa sa mga empleyado ng "Bagong Daan" at isang malapit na kaibigan ni A. N. Benois sa zhurfix sa pinunong ito at apologist para sa mga masters ng St. Petersburg. Kasunod nito, nalaman ko na noong mga araw na iyon ay tinitingnan ako ng mga artista

Mga Artist Ang brush ng artist ay nakakahanap ng mga landas sa lahat ng dako. At, sa tukso ng mga pulis na nagbabantay, Hindi kilalang mga artista ng Europa Sumulat na may mga pintura sa madilim na mga simento. Sa ilalim ng talampakan ng panahon ng pagmamartsa Ang mga pintura ay natutulog, nakangiti at malungkot. Ngunit pareho ang mabuti at ang masama ay nawawala pagkatapos ng una

Ang mga artista na si Yakov Vinkovetsky, bilang isang artista mismo, kahit na hindi isang propesyonal, ay nagpakilala sa akin sa dalawa pa - hindi lamang mga propesyonal, ngunit mga kampeon, mga bayani ng kanilang mga bapor, na, sa kabila ng kanilang sobrang husay at kampeonato, ay hindi naging matagumpay o

Ang mga artista na si Konstantin Korovin ay nakatira sa Paris. Gaano karaming mga saloobin tungkol sa pambansang pagpipinta ng Russia ang nauugnay sa pangalang ito. Naaalala ito ng maraming tao bilang pangalan ng isang mahusay na dekorador, tagapalabas ng iba't ibang uri ng mga gawain sa teatro. Ngunit ito ay bahagi lamang ng kakanyahan ng Korovin.

Mga Artist ng Mexico Ang intelektwal na buhay ng Mexico ay pinangungunahan ng mga artista. Pininturahan ng mga artistang ito ang buong lungsod ng Mexico City na may mga eksena mula sa kasaysayan at heograpiya, mga larawan sa mga temang sibiko, kung saan ang metal ng kontrobersya ay tumunog. Clemon-te Orozco, payat

Mga artista sa museo Ang simula ng kakilala sa mga artista - mga bisita ng Engraving Cabinet. Rodionov, Favorsky, Shterenberg, Goncharov, Kupreyanov, Shevchenko, Bruni, Tatli

Mga Artist Ang aking ama na si Vladimir ay nagkaroon ng isa pang pagsasaayos sa simbahan, hinugasan nila ang mga pintura at pininturahan ang mga kisame. Ang templo sa Losinka ay hindi sinaunang, na itinayo noong 1918. Bago ang rebolusyon, wala silang oras upang ipinta ang mga dingding nito, at pagkatapos ay walang oras para sa kagandahan. Kaya ang aking ama, na naging rektor, ay nagpasya

Artists-"anti-Soviet" Mahigit sa 70 taon (1917-1991) na pagsasanay ng tinatawag na "malupit, walang kompromiso" na pakikibaka laban sa isang kalaban sa pulitika, anti-Sobyet, ang mga dissidents ay puno ng higit sa isang daang bukas o lihim na pagsasabwatan ng mga functionaries ng partido na may ganitong kategorya

Mga Artist Mahal na Oleg Leonidovich! Isang lokal na kritiko ng sining ang nagmamadaling nagtanong sa akin kung paano nakatira ang mga artista sa Moscow at kung ano ang kanilang aktwal na kita? Wala akong data na ito. Narinig namin na kumikita ang mga manunulat, at ang taunang bayad nina Tolstoy at Sholokhov

Ang mga artista ay tulad ng magagandang baliw Ngayon ay nagbibigay pugay kami kina Sergei Shchukin at Ivan Morozov hindi lamang para sa kanilang pagkolekta, kundi pati na rin para sa kanilang panlasa sa paningin, para sa kanilang kakayahang hulaan ang susunod na alon ng proseso ng artistikong. At ito ay malayo sa madali. Tulad ng nabanggit

MGA ARTISTA Ang interes sa sining ay naglalapit kay Gogol sa kolonya ng mga artistang Ruso sa Roma. Nanatili sila sa isang magiliw na kumpanya, na nabubuhay sa katamtamang mga subsidyo na inisyu ng Academy of Arts. Kabilang sa mga ito ang mga natitirang talento na naging pagmamalaki ng sining ng Russia. Si Gogol ay hindi

Mga Artist Irina Brzeska, artist (Estonia) "Ang larawang ito ay inilagay sa pabalat ng isang rekord" Pagpaparami ng pagpipinta ni Irina Brzeska mula sa rekord ni Anna German, 1977 Alam ng maraming tao ang larawan ng artist na ito ng Tallinn: pinalamutian nito ang pabalat ng isa sa mga pinaka sikat na rekord ng ponograpo

Ang mga ito ay hindi lahat ng gawain ng mga propesyonal na photographer, na maaaring subukan ng isa na akusahan ng pagiging isang panig. Ang mga ito ay mga larawan mula sa mga pribadong album - ang totoong buhay na nabuhay ng ordinaryong karaniwang mga taong Sobyet noong 20s - 50s.
Siyempre, hindi sila maihahambing sa antas ng trabaho ng mga propesyonal na photojournalist, karamihan sa kanila ay ginawa ng mga baguhan. Ngunit sinasalamin nila ang buhay habang nakikita nila ito, ang mga taong iyon at bahagyang pinamamahalaang i-save ito sa mga larawan ng pamilya ...
Maraming naiwan sa mga eksena. Halimbawa, ang mga programang pang-edukasyon kung saan 80% ng populasyon na hindi marunong bumasa at sumulat ng bansa ay tinuruan na bumasa at sumulat - saan nagmula ang mga magsasaka ng mga taong iyon? Pero hindi yun. Tingnan kung ano ang nakapaligid sa mga taong Sobyet noong mga taong iyon, ang mga damit, ang mga mukha na sumasalamin sa kanilang panahon. Minsan mas mahusay silang magsasalita tungkol sa kanilang panahon kaysa sa sinumang historyador, propagandista at analyst.

Mga bata sa kalagitnaan ng 20s
Mga aklat-aralin sa paaralan - sa unang pagkakataon sa aking buhay. Ang edukasyon para sa lahat sa unang pagkakataon sa mundo ay ibinigay ng Kapangyarihang Sobyet.


1926 Cherepovets. pagdiriwang ng Mayo 1
Mga batang walang tirahan sa tabi ng podium - ang mga kahihinatnan ng Digmaang Sibil. Ang kawalan ng tirahan ay aalisin lamang sa simula ng 30s.


1928 rehiyon ng Krasnoyarsk. Kongreso ng mga manggagawa ng partido.
Tingnan kung paano manamit ang mga manggagawa sa partido - tulad ng karaniwang tao sa mga taong iyon.
Noong 1920s, hindi lahat ay may suit. At ang mga manggagawa sa partido ay may 2 tunika, o kahit isa, sa kanilang karaniwang wardrobe.


Pagdiriwang ng pamilya, 20-30s

Larawan ng isang babae. 1930 sa Moscow


Grupo ng mga tao 1930. Hindi alam ang lokasyon


Konseho ng Nayon 30s. Distrito ng Pavlo-Posadsky, rehiyon ng Moscow


Sasakyang nasusunog sa kahoy (!) Mileage ng sasakyan 1931
Mahilig sa mga designer ng 30s. Sa oras na iyon, hindi ito napakahusay sa langis sa USSR - halos lahat ng mga ginalugad na reserba ay puro sa Caucasus. Ang mga patlang ng langis ng Tataria at Siberia ay natuklasan lamang noong 1940s at 1950s, nang ang isang base para sa mga geological survey ay nilikha. Bago ito, ang bansa ay labis na kulang sa mga geologist, kagamitan, inhinyero, transportasyon ... halos wala. Ang lahat ng ito ay nilikha noong 30s.


1931 Ang pinakamahusay na koponan sa pagtatayo ng Kuznetsk Iron and Steel Works, Novokuznetsk.
Inilatag ang pundasyon ng mabibigat na industriya.
Tingnan mo ang mga mukha ng mga taong ito. Sila, na hindi nagpapatawad sa kanilang sarili, ay nagtayo ng mga pabrika at lungsod para sa kanilang mga inapo, para sa atin. Sa loob ng 10 taon, ipagtatanggol nila ang kanilang ginawa sa pinakakakila-kilabot na digmaan sa kasaysayan ng sangkatauhan, na namamatay upang tayo ay mabuhay. At pinayagan namin ang lahat na ninakaw at sirain. Maaari ba natin silang tingnan sa mata?


Pamilya. Leningrad 1930-31
Ang mga intelihente at mga espesyalista sa mga taong iyon ay nakakuha ng napakagandang pera.


Magpahinga sa tubig. Rehiyon ng Kirov 1932 - 1936


18 Abr. 1934. "Working Brigade". Neverovsko-Sloboda agricultural artel "Lenin's Testament" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. Distrito ng Shuysk. env.
Mga manggagawang pang-agrikultura sa isang malayong probinsya ng Siberia. Ang artel ay isang non-government organization, at isang kooperatiba ng mga nagkakaisang negosyante na sila mismo ay nakipagkasundo sa estado at iba pang mga kooperatiba, nagbabayad ng buwis, atbp.
Ang kilusang kooperatiba ay lubos na binuo sa Stalinist USSR. Bilang karagdagan sa mga kolektibong bukid, na mga organisasyong kooperatiba, mayroong mahigit 114,000 pang-industriyang workshop, na gumagamit ng humigit-kumulang 2 milyong tao. Gumawa sila ng halos 6% ng kabuuang pang-industriya na output ng USSR sa komposisyon nito: 40% ng lahat ng kasangkapan sa bansa, 70% ng lahat ng mga kagamitang metal, 35% ng mga niniting na damit, halos 100% ng mga laruan.
Sa cooperative rural artels, ang mga manggagawa (kapwa kolektibong magsasaka at indibidwal na magsasaka) ay karaniwang part-time na nagtatrabaho. Kasama nila sa 30s hanggang 30 milyong tao.
Ang kilusang kooperatiba sa USSR ay winasak ni Khrushchev kasabay ng paglalahad ng anti-Stalinist hysteria.

1934 Camping trip sa kahabaan ng Georgian Military Highway
Naiisip mo ba ang isang manggagawa sa tsarist Russia na nag-hike sa gastos ng estado? Tulad ng sinabi ni G. Wells, ito ang tanging bansa sa mundo kung saan ang klasikal na musika ay tinutugtog sa mga manggagawa.

"Pagkatapos maligo" Mid-30s.
"Tinakot ang mga taong Sobyet. » © Tingnan kung may takot sa mga mukha na ito? sa alinman sa mga larawan. Bukas, maasahin sa mabuti at maliwanag na mga mukha.


Kolektibong magsasaka. Rehiyon ng Kirov sa pagitan ng 1932 at 1936
Mga ordinaryong Sobyet na kolektibong magsasaka sa hayfield.


Rehiyon ng Kolomna. kalagitnaan ng 30s.


1935, rehiyon ng Oryol, Bogdanovsky rest house.
Ang buong bansa ay kasangkot sa palakasan. Ito ay mga ordinaryong babaeng Sobyet, hindi isang pangkat ng himnastiko. Subukang gayahin ang kanilang ginagawa.

Mga mag-aaral ng isang pedagogical college, 1935, rehiyon ng Kirov
Ang uniporme ay ibinigay sa mga estudyante ng Estado ng Sobyet. Ito ay isang bansa na ilang taon na ang nakalilipas ay nagsuot ng sapatos na bast at hindi marunong bumasa at sumulat.


Mga kabataang lalaki ng 30s, rehiyon ng Kirov.
Mga Badge - pumasa sa mga pamantayan ng TRP (Handa para sa Paggawa at Pagtatanggol) at GTSO (pareho, ngunit sanitary). Sa mga taong iyon, talagang kailangan para sa isang taong may paggalang sa sarili na makatanggap ng gayong badge. Ang isang tao ay pinahahalagahan ng mga personal na katangian, at hindi sa pamamagitan ng pitaka at mga koneksyon ng mga magulang. Ang mga gumamit ng koneksyon ay hinamak.
Ang ganitong mga tao sa loob ng ilang taon ay mananalo sa Digmaan, bumuo ng isang kapangyarihan sa mundo halos mula sa simula, maglunsad ng isang tao sa kalawakan.
Bigyang-pansin ang nakolekta, malakas ang loob, pang-adultong mukha ng mga batang ito - sila ay mga 16 taong gulang. At ihambing ang mga ito sa mga kasalukuyang.


Ang larong "Pioneer Bench". Pioneer camp noong 1937
Halos walang bayad, ang bawat bata ay maaaring pumunta sa isang pioneer camp para sa buong tag-araw, kung saan sila ay pinalaki, sinanay at tinuruan. Sa mga bansa sa Kanluran, hindi pa rin ito maiisip. At ito ay karaniwan na mula noong 30s.


Snowmobile sa yelo ng Volga malapit sa tulay ng Kanavdinsky. kalagitnaan ng 30s.
High-tech ng mga taong iyon. Ginampanan nila ang isang mahalagang papel sa pagbuo ng mga teknolohiya ng aviation at malawakang ginagamit sa pag-unlad ng North, Finnish at World Wars.

Vera Voloshina, Oktubre 1, 1941. Pagkalipas ng dalawang buwan, noong Nobyembre 29, mamamatay ang napakagandang babaeng ito.
Eight-meter sculpture Girl na may sagwan ng kahanga-hangang iskultor na si Ivan Shadr (Ivanov), ang modelo ay ang kahanga-hangang atleta ng Sobyet na si Vera Voloshina, na nawala noong Nobyembre 1941 sa panahon ng operasyong sabotahe sa likod ng mga linya ng kaaway.
Isang buwan bago ang kanyang kamatayan, ang iskultura ay nawasak ng isang bomba ng Aleman. Pagkalipas lamang ng isang-kapat ng isang siglo, ang mga detalye ng kanyang pagkamatay ay nalaman - siya ay malubhang nasugatan nang siya ay bumalik mula sa isang misyon, na nakuha ng mga Aleman at, pagkatapos ng mahabang pagpapahirap, binitay sa kagubatan. Nangyari ito 10 km mula sa lugar ng kamatayan ni Zoya Kosmodemyanskaya, sa parehong araw. Si Vera Voloshina, na nakamit ang parehong gawa, ay ang organizer ng Komsomol ng reconnaissance at sabotage group, na kinabibilangan ni Zoya.
Si Vera ay isa ring mahusay na skydiver, at ang iskultor ay kalahating biro na sinabi na espesyal niyang inilagay siya upang tumingin sa parachute tower.


Mga mag-aaral sa geology 1937


Ang tungkol sa larawan ay malinaw mula sa inskripsiyon sa itaas. Bigyang-pansin - halos lahat ng mga kabataang lalaki ay may mga badge ng TRP. Ang pagiging isang dystrophic na miyembro ng Komsomol ay simpleng ligaw. Maaaring magkaroon ng personal na armas ang mga miyembro ng Komsomol at komunista.


Ordinaryong Pamilya ng Moscow 1939-1940


Ang taon ay 1939. Khakassia. nayon
Ang isang bisikleta sa Land of the Soviets ay naging karaniwan - halos lahat ay kayang bayaran ito at ang kanilang mga anak. Sa Kanluran, halimbawa, hindi lahat ay kayang bumili ng bisikleta sa mga taong iyon. Ang limang taong plano para sa mga kalakal ng consumer ay nagsimula at naisakatuparan nang may pambihirang tagumpay. Ang pamantayan ng pamumuhay ng mga taong Sobyet ay mabilis na lumago mula 1939 ... hanggang Hunyo 22, 1941.

1942, sa loob ng dalawang buwan ay mamamatay siya sa mga labanan malapit sa Vyazma.

On the Ruins of the Native House 1942. Rehiyon ng Moscow.


panunumpa. 1944


1947 Rural na paaralan sa rehiyon ng Vologda.
Sa mga larawan ng mga unang taon pagkatapos ng Digmaan, kahit na sa mga mukha ng mga bata, ang mga bakas ng matinding stress at mahirap na buhay ay makikita. Ang mga bakas ng Digmaan ay makikita sa mga mukha ng tao kahit na sa unang bahagi ng 50s, at pagkatapos ay unti-unti silang nawawala, at ang mga mukha ng 10-taong-gulang na mga bata ay tumigil sa pagiging hindi bata na mga matatanda.
Halos lahat sila ay nawala o malubhang nasugatan ang isa sa kanilang malapit na tao, kung hindi mula sa pamilya, pagkatapos ay mula sa mga kaibigan, kanilang mga pamilya, mga kaklase. Marami sa kanilang mga ina ay mga balo.


Country Boys 1947


4 "A" na klase, sa pagtatapos ng Oktubre 1948, isang nayon malapit sa Smolensk.


"Trinity, 1949". Rehiyon ng Kirov
Sa huling 20 taon, "alam ng lahat" na ang mga ritwal ng relihiyon ay mahigpit na ipinagbabawal sa USSR, at ang takot ay lalong mabangis noong panahon ni Stalin. Tulad ng aming tinitiyak: maglagay ng krus sa libingan, magbihis ng Christmas tree - at magmartsa sa isang haligi sa Kolyma. At naging ganito.


Klase ng 1950. Isa sa mga paaralan sa Moscow.


"Outdoor Recreation" - late 40s - early 50s


Sa mesa sa institusyon. 1949, rehiyon ng Kirov


Piyesta Opisyal ng Rebolusyong Oktubre. Maagang 50s


Edisyon ng Lokal na Pahayagan. Makinig sa balita. Rehiyon ng Vladimir, simula 50's


Mga residente ng Kaunas 1950


Estudyante, 50s.

Binata. Ufa, 1953.


Village Boys, vil. Chupakhino, rehiyon ng Oryol 1953
Kahit papaano sinabi nila sa TV na ang "zipper" ay lumitaw sa USSR noong 60s lamang, ito ay napakalayo sa likod ng "mga sibilisadong bansa" sa mga kalakal ng mamimili. Ibig sabihin, "bakit kailangan natin ng espasyo kung hindi tayo makagawa ng kidlat." Tila, binalatan ng lalaki sa kaliwang bahagi ng larawan ang patay na Amerikano.


1954. Handa para sa trabaho at pagtatanggol. Pagpasa sa mga pamantayan ng GTO.

"Nadya" - kalagitnaan ng 50s, Moscow
Ang kanilang mga mukha ay hindi na sumasalamin sa Digmaan, sila ay nagiging malaya at malikot. Mga bata na sinubukang "tabain" nang mas mahusay sa 50s pagkatapos ng gutom na taon ng digmaan.

Riga-50s.

Sa dasal ng Dynamo society 1955


Sa isang bagong apartment. Ang tauhan ng manggagawa ng halaman na "Red October" Shubin A.I. Moscow, Tushino, 1956


Boys, Kolomna, 1958.


Kislovodsk. Ang seremonya ng pag-inom ng mineral na tubig. 1957 May-akda - Javad Baghirov


apartment sa Kiev noong 1957

Baku, Lakad Pagod. 1959 May-akda - Javad Baghirov


Apparatus para sa pagbebenta ng pabango at cologne. 50s
Mula noong 50s, posible na "puff" ang iyong sarili ng pabango o cologne sa malalaking tindahan. Nagkakahalaga ito ng 15 kopecks, bago ang "reporma sa Khrushchev".

Detalye Kategorya: Fine arts at arkitektura ng panahon ng Sobyet Nai-post noong 14.09.2018 13:37 Views: 1845

Mula noong 1930s ng XX siglo. opisyal na sining sa Russia na binuo alinsunod sa sosyalistang realismo. Ang iba't-ibang mga artistikong istilo ay natapos.

Ang bagong panahon ng sining ng Sobyet ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahigpit na kontrol sa ideolohiya at mga elemento ng propaganda.
Noong 1934, sa First All-Union Congress of Soviet Writers, binalangkas ni Maxim Gorky ang mga pangunahing prinsipyo ng sosyalistang realismo bilang isang pamamaraan ng panitikan at sining ng Sobyet:

Nasyonalidad.
Ideolohiya.
Pagkakonkreto.

Ang mga prinsipyo ng sosyalistang realismo ay hindi lamang idineklara, ngunit sinusuportahan din ng estado: mga utos ng estado, mga malikhaing paglalakbay sa negosyo para sa mga artista, mga eksibisyon na pampakay at anibersaryo, ang muling pagkabuhay ng monumental na sining bilang isang independyente, dahil. sinasalamin nito ang "mga dakilang prospect para sa pag-unlad ng sosyalistang lipunan."
Ang pinakamahalagang kinatawan ng easel painting sa panahong ito ay sina Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin at iba pa. mga artikulo sa ilang mga artista.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Ioganson. Self-portrait

Isa sa mga nangungunang kinatawan ng sosyalistang realismo sa pagpipinta. Nagtrabaho siya sa mga tradisyon ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo, ngunit ipinakilala sa kanyang mga gawa ang "isang bagong rebolusyonaryong nilalaman, kaayon ng panahon."
Siya rin ay isang guro ng pagpipinta, direktor ng State Tretyakov Gallery noong 1951-1954, unang kalihim ng Union of Artists ng USSR, editor-in-chief ng encyclopedia na "Art of the Countries and Peoples of the World", nagkaroon ng maraming parangal at titulo ng estado.
Lalo na sikat ang dalawa sa kanyang mga pagpipinta: "Pagtatanong ng mga Komunista" at "Sa Old Ural Factory" (1937).

B. Ioganson "Pagtatanong ng mga Komunista" (1933). Canvas, langis. 211 x 279 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang kasaysayan ng paglikha ng larawan sa kasong ito ay kinakailangan upang maunawaan ang ideya nito. "Ako ay personal na hinabol ng ideya ng pagsasama-sama ng mga klase, sa pamamagitan ng pagnanais na ipahayag ang hindi mapagkakasundo na mga kontradiksyon ng klase sa pagpipinta.
Ang White Guard ay isang espesyal na pag-unlad sa kasaysayan, ito ay isang rabble kung saan ang mga labi ng mga lumang opisyal, speculators sa militar uniporme, at tahasan ang mga bandido, at mga mandarambong ng digmaan ay naghalo. Anong kapansin-pansing kaibahan sa gang na ito ang ating mga komisyoner ng militar, ang mga komunista, na mga pinunong ideolohikal at tagapagtanggol ng kanilang sosyalistang tinubuang-bayan at mga manggagawa. Ito ay aking malikhaing gawain upang ipahayag ang kaibahan na ito, upang ihambing ito” (B. Ioganson).
Isang opisyal ng White Guard ang nakaupo sa isang ginintuan na upuan na nakatalikod sa manonood. Nakaharap ang iba pang mga puting opisyal. Upang mapahusay ang dramatikong epekto, nagbibigay ang artist ng artipisyal na pag-iilaw sa gabi. Ang pigura ng escort ay inilalagay sa itaas na madilim na gilid ng kaliwang sulok at isang bahagya na kapansin-pansing silweta. Sa kanang sulok ay may bintana na may kurtina, ang karagdagang ilaw sa gabi ay bumubuhos dito.
Ang mga Komunista ay tila nasa isang elevation kumpara sa mga Puti.
Ang mga komunista ay isang babae at isang manggagawa. Nakatayo sila sa malapit at mahinahong tumitingin sa mukha ng kanilang mga kaaway, nakatago ang kanilang panloob na kaguluhan. Ang mga batang komunista ay sumisimbolo sa isang bagong uri ng mga taong Sobyet.

Sergei Vasilyevich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Self-portrait (1923). Canvas, langis. 88 x 66 cm. Kharkov Art Museum (Kharkov, Ukraine)
Russian artist, isang kinatawan ng impresyonismo ng Russia, lalo na ipinakita sa kanyang mga landscape. Gumawa rin siya ng ilang karaniwang sosyalistang realista na mga pagpipinta.

S. Gerasimov "Spring. Marso". Canvas, langis
Sa makasaysayang genre, ang kanyang pinakatanyag na gawa ay The Oath of the Siberian Partisans.

S. Gerasimov "Ang Panunumpa ng mga Partisan ng Siberia" (1933). Canvas, langis. 173 x 257 cm State Russian Museum (Petersburg)
Ang larawan ay malubha sa nilalaman, ngunit nagpapahayag at nagpapahayag. Ito ay may malinaw na komposisyon at ideolohikal na oryentasyon.
Ang pagpipinta ng genre ni S. Gerasimov na "Collective Farm Holiday" (1937) ay itinuturing na isa sa pinakamahalagang gawa ng sining ng Sobyet noong 30s ng XX siglo.

S. Gerasimov "Collective Farm Holiday" (1937). Canvas, langis. 234 x 372 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang isa sa mga pinakatanyag na pagpipinta tungkol sa digmaan ay ang pagpipinta ni S. Gerasimov na "Ina ng isang Partisan".

S. Gerasimov "Ina ng isang partisan" (1943-1950). Canvas, langis. State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang artist mismo ay nagsalita tungkol sa ideya ng pagpipinta tulad ng sumusunod: "Nais kong ipakita sa kanyang imahe ang lahat ng mga ina na nagpadala ng kanilang mga anak sa digmaan."
Ang babae ay matatag sa kanyang katuwiran, siya ay nagpapakilala sa dakilang kapangyarihan ng galit ng mga tao. Siya ay naghihirap, ngunit ito ang pagdurusa ng isang mapagmataas, malakas na tao, kaya ang kanyang mukha ay tila kalmado sa kalunos-lunos na sandaling ito.

Arkady Alexandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Larawan ng artist na si Plastov

Ang artist na si A. Plastov ay tinawag na "mang-aawit ng magsasaka ng Sobyet." Ang lahat ng kanyang mga painting sa genre ay nilikha laban sa backdrop ng isang landscape. Ang likas na Ruso ng artist ay palaging liriko at animated. Ang kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng patula na pagpapahayag at halos walang salungatan.

A. Plastov "Unang Niyebe" (1946)
Ang artist ay naglalarawan ng isang maliit na fragment mula sa buhay nayon. Sa threshold ng isang kahoy na bahay ay dalawang magsasaka anak, malamang na isang kapatid na babae at isang kapatid na lalaki. Nang magising sila sa umaga, nakakita sila ng snowfall at tumakbo sila palabas sa balkonahe. Ang batang babae ay hindi kahit na magkaroon ng oras upang itali ang isang mainit na dilaw na alampay, itinapon lamang niya ito sa isang light house na damit at inilagay ang kanyang mga paa sa nadama na bota. Ang mga bata ay tumitingin sa unang niyebe nang may pagtataka at galak. At ang kagalakang ito, ang batang kasiyahang ito mula sa kagandahan ng kalikasan ay ipinadala sa madla.
Si Plastov ay isang matibay na realista. Ang paghahanap para sa isang bagay na ganap na bago at hindi pa nagagawa ay kakaiba sa kanya. Namuhay siya nang payapa at hinangaan ang kagandahan nito. Naniniwala si Plastov: ang pangunahing bagay para sa isang artista ay upang makita ang kagandahang ito at ihatid ito sa canvas. Hindi mo kailangang magsulat nang maganda, kailangan mong isulat ang katotohanan, at ito ay magiging mas maganda kaysa sa anumang pantasya.

A. Plastov "Golden Edge" (1952). Canvas, langis. 57 x 76 cm Rostov Kremlin State Museum-Reserve

A. Plastov "Haymaking" (1945). Canvas, langis. 193 x 232 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang artist ay lumikha ng isang serye ng mga pagpipinta tungkol sa Great Patriotic War. Ang canvas na "Fascist flew by" ay puno ng trahedya, ito ay itinuturing na isang obra maestra ng Sobyet na sining ng militar at post-war na panahon.

A. Plastov "Lumapad ang Pasista" (1942). Canvas, langis. 138 x 185 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang artist na si A. Deineka ay patuloy na gumagawa sa kanyang mga paboritong tema.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Kilala bilang pintor, teatro artist, stage designer at graphic artist, poster artist, guro.
Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay New Moscow.

Y. Pimenov "Bagong Moscow" (1937). Canvas, langis. 140 × 170 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Isinulat sa gitna ng muling pagtatayo ng kabisera. Ang isang babae sa likod ng gulong ay isang medyo bihirang pangyayari para sa mga taong iyon. Ito ay simbolo ng bagong buhay. Ang komposisyon na solusyon ay hindi pangkaraniwan: ang imahe ay mukhang isang frame ng camera. Ang babae ay ipinapakita mula sa likuran, at ang anggulong ito, kumbaga, ay nag-aanyaya sa manonood na tingnan ang umaga sa lungsod sa pamamagitan ng kanyang mga mata. Lumilikha ito ng isang pakiramdam ng kagalakan, pagiging bago at mood ng tagsibol. Ito ay pinadali ng impresyonistikong istilo ng pagsulat ng pintor at ang banayad na kulay ng pagpipinta. Ang larawan ay puno ng isang optimistikong saloobin, katangian ng panahong iyon.
Ginamit din ng artist ang diskarteng ito kapag nagpinta ng pagpipinta na "Front Road". Ang emosyonal na nilalaman ng larawan ay itinayo sa kaibahan sa pagitan ng imahe ng isang mapayapang, pagbabago ng Moscow at ang lungsod na dinambong at nawasak bilang resulta ng pasistang pagsalakay, na inilalarawan sa pagpipinta na "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, si Pimenov ay naimpluwensyahan ng ekspresyonismo ng Aleman, na higit sa lahat ay nagpapaliwanag ng dramatikong talas ng kanyang pinakamahusay na mga pagpipinta sa mga taong ito: "Mga Invalid ng Digmaan", "Bigyan ang Malakas na Industriya!" (1927), "Pumunta ang mga sundalo sa panig ng rebolusyon" (1932). Unti-unti, lumipat siya sa impresyonismo, na sumunod sa malikhaing prinsipyo ng "magandang sandali".

Yu. Pimenov "Mga Invalid ng Digmaan" (1926). State Russian Museum (Petersburg)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Si Georgy Nissky sa panahong ito ay aktibong nakikibahagi sa sining ng landscape. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay kapansin-pansin para sa kanilang kaakit-akit na laconicism, dynamics, maliwanag na komposisyon at maindayog na solusyon. Ang kalikasan ng artista ay palaging binago ng mga kamay ng tao.

G. Nissky “Autumn. Semaphore" (1932)

G. Nissky "rehiyon ng Moscow. Pebrero" (1957). Canvas, langis. State Tretyakov Gallery (Moscow)
Kasama sa mga pintor ng landscape ng mas lumang henerasyon si Nikolai Krymov.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolai Krymov (1921)
N.P. Si Krymov ay ipinanganak sa pamilya ng isang itinerant na artista, kaya ang orihinal na direksyon ng kanyang trabaho ay pareho. Sa mga taon ng pag-aaral (1905-1910) siya ay hilig sa isang impresyonistikong imahe ng kalikasan, ang mga pinong kulay ng pastel at mga light stroke ay nagbigay sa kanyang mga canvases ng isang espirituwal at walang timbang na hitsura. Noong 1920s siya ay naging isang tagasunod ng makatotohanang pagpipinta ng Russia.

N.P. Krymov "Umaga sa Central Park ng Kultura at Paglilibang na pinangalanang I. M. Gorky sa Moscow" (1937). Canvas, langis. 81 x 135 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang huling panahon ng gawa ng pintor ay konektado sa Oka River at sa maliit na bayan ng Tarusa, kung saan bumisita si Krymov. Siya ay nabighani sa lokal na tanawin at sa Oka River, na "huminga ng kalayaan."

N. Krymov "Kalye sa Tarusa" (1952)
Ang mga kuwadro na "Before Twilight", "Polenovo. River Oka "at marami pang iba. Ang artista ay may maraming mga tanawin ng taglamig.

N. Krymov "Taglamig. Mga Bubong" (1934)

Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Self-portrait na may ardilya (1931). Papel, tinta, lapis ng Italyano. State Tretyakov Gallery (Moscow)

Russian at Soviet landscape pintor, graphic artist at guro.
Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay "Lenin sa Razliv".

A. Rylov "V.I. Lenin sa Razliv noong 1917 (1934). Canvas, langis. 126.5 × 212 cm. State Russian Museum (Petersburg)
Ito ay isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist sa kanyang huling panahon ng pagkamalikhain. Sa pagpipinta na ito, pinagsama ng pintor ang tanawin sa makasaysayang genre. Ang pananatili ni Lenin sa Razliv noong tag-araw ng 1917 ay isa sa mga pangunahing paksa ng tema ng Leninist sa pinong sining ng Sobyet. Sa tanawin at sa pabago-bagong pigura ng pinuno, mararamdaman ng isa ang kaguluhan at tensyon sa sandaling ito. Ang mga ulap ay dumadaloy sa kalangitan, ang hangin ay yumuyuko sa makapangyarihang mga puno, sa pakikibaka laban sa mga likas na puwersang ito, ang pigura ni Lenin ay nagmamadali patungo sa hangin na may matatag na determinasyon na manalo sa pangalan ng hinaharap.
Ang mabagyong lawa at ang nakakagambalang kalangitan ay sumisimbolo sa bagyo. Ang takip-silim ay bumaba sa lupa. Si Lenin, na hindi napapansin ang alinman sa mga ito, ay marubdob na nakatingin sa malayo. Ang interpretasyong ito ng imahe ng pinuno ay ang pagkakasunud-sunod ng ideolohiya ng panahon ng Sobyet.
Ang genre ng portrait ng Sobyet ay aktibong umuunlad sa oras na ito, kung saan malinaw na ipinakita ni Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov ang kanilang sarili.

P. Konchalovsky. Larawan ng kompositor na si Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Canvas, langis. 181 x 140.5 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)

P. Konchalovsky. Larawan ng V.E. Meyerhold (1938). Canvas, langis. 211 x 233 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Sa panahon ng mass repression, ilang sandali bago ang pag-aresto at pagkamatay ni Meyerhold, si P. Konchalovsky ay lumikha ng isang larawan ng namumukod-tanging figure na ito sa teatro. Noong Enero 7, 1938, pinagtibay ng Komite para sa Sining ang isang resolusyon upang puksain ang Meyerhold State Theatre.
Inihatid ng artista ang salungatan ng personalidad sa nakapaligid na katotohanan sa pamamagitan ng isang kumplikadong solusyon sa komposisyon. Ang canvas ay hindi naglalarawan ng isang mapangarapin, ngunit isang tao na ang kapalaran ay nakasalalay sa balanse, at alam niya ito. Sa pamamagitan ng isang juxtaposition ng isang maliwanag na karpet, nang makapal na natatakpan ng mga burloloy, at ang monochrome na pigura ng direktor, inihayag ni Konchalovsky ang trahedya na imahe ng direktor-repormador.

I. Grabar. Larawan ng Academician N.D. Zelinsky (1935). Canvas, langis. 95 x 87 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)

I. Grabar. Larawan ni Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Korin (1933)
Ruso at Sobyet na pintor, muralist, portrait master, restorer at guro, propesor.
Siya ay pinalaki sa Palekh at nagsimula sa pamamagitan ng pagpipinta ng mga icon. Nag-aral siya sa Moscow School of Sculpture and Architecture, sa kalaunan ay naging isa sa pinakamahalagang masters ng maagang larawan ng Sobyet, lumikha ng isang buong gallery ng mga portrait ng mga intelektwal sa kanyang panahon.
Ang mga gawa ng artist na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng monumentality, isang malupit na hanay, at malinaw na nililok na mga anyo.
Ang pinakasikat na mga gawa ni P. Korin: ang triptych na "Alexander Nevsky", mga larawan nina Georgy Zhukov at Maxim Gorky.

P. Korin. Triptych "Alexander Nevsky"
Ang triptych ay inatasan sa artist sa taon ng Great Patriotic War, nang ang tema ng pagharap sa mananalakay ay sentro sa sining.
Sa kaliwa at kanang bahagi ng triptych, ang mga sundalo ay pupunta sa digmaan. Sila ay sinamahan ng mga kababaihan: isang matandang ina, isang asawang may hawak na isang maliit na bata sa kanyang mga bisig. Sila, pati na ang kanilang sariling lupain, ay nangangailangan ng proteksyon.

Sa gitna ay ang imahe ng isang mandirigma. Pinigilan ni Alexander Nevsky noong sinaunang panahon ang mga kabalyerong Aleman, upang mapukaw niya ang mga tagapagtanggol na lumaban sa mga pasistang mananakop. Ang kanyang pigura ay napakalaki - ito ang memorya ng mga bayani ng Russia. Ang banner na may mukha ni Kristo ay nagpapaalala sa kabanalan ng lupain ng Russia. Nakatayo siya na nakasandal sa espada - ang mga kaaway ay dapat mamatay mula sa tabak kung saan sila dumating.
Sa likod niya ay ang kanyang tinubuang lupa, na dapat protektahan.
Ang mga pampakay na pagpipinta at mga larawan na ginanap ng master ay nailalarawan sa pamamagitan ng espirituwalidad at pag-iingat ng mga imahe, kahigpitan ng komposisyon at pagguhit.
Ang interes sa mga malikhaing personalidad ay katangian ng kapaligiran ng panahong ito.