Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang parehong ebolusyon bilang eskultura ay dumaan sa pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance. Pagtagumpayan ang Gothic abstraction ng mga imahe, pagbuo ng pinakamahusay na mga tampok ng pagpipinta ni Giotto, ang mga artist ng ika-15 siglo ay nagsimula sa isang malawak na landas ng pagiging totoo. Ang monumento na pagpipinta ng fresco ay nakakaranas ng hindi pa nagagawang pag-usbong.

Masaccio. Pagpatalsik sa Paraiso, 1426–1427
Simbahan ng Santa Maria del Carmine
Brancacci Chapel, Florence

Uccello. Larawan ng isang ginang, 1450
Metropolitan Museum, New York

Castagno. Larawan ng isang panginoon, 1446
National Gallery, Washington

Masaccio. Ang repormador ng pagpipinta, na gumanap ng parehong papel tulad ng sa pagbuo ng arkitektura ni Brunelleschi, at sa iskultura - Donatello, ay ang Florentine Masaccio (1401–1428), na namuhay ng isang maikling buhay at nag-iwan ng mga kamangha-manghang gawa kung saan ang paghahanap para sa isang pangkalahatan kabayanihan na imahe ng isang tao, isang matapat na paghahatid ng kapaligiran, ay ipinagpatuloy.kanyang mundo. Sa lubos na kalinawan, ang mga paghahanap na ito ay nagpakita ng kanilang mga sarili sa mga fresco ng Brancacci Chapel sa Church of Santa Maria del Carmine sa Florence "The Miracle with the Stater" at "The Expulsion from Paradise" (parehong sa pagitan ng 1427-1428).

Masaccio break sa decorativeness at maliit na salaysay na dominado pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-14 na siglo. Kasunod ng tradisyon ng Giotto, ang artist na si Masaccio ay nakatuon sa imahe ng isang tao, na nagpapahusay sa kanyang malupit na enerhiya at aktibidad, civic humanism. Gumagawa si Masaccio ng isang mapagpasyang hakbang sa pagkakaisa ng pigura at landscape, na nagpapakilala ng aerial perspective sa unang pagkakataon. Sa mga fresco ng Masaccio, ang mababaw na lugar - ang eksena sa mga kuwadro na gawa ni Giotto - ay pinalitan ng isang imahe ng isang tunay na malalim na espasyo; ang plastic light at shade modelling ng mga figure ay nagiging mas kapani-paniwala at mas mayaman, ang kanilang konstruksiyon ay mas malakas, ang kanilang mga katangian ay mas magkakaibang. At bukod pa, napanatili ni Masaccio ang napakalaking kapangyarihang moral ng mga imahe, na nakakaakit sa sining ng Giotto.

Angelico. Madonna Fiesole, 1430
Monasteryo ng San Domenico, Fiesole

Lippi. Babae at lalaki, 1460s
Metropolitan Museum, New York

Domenico. Madonna at Bata
1437, Berenson Gallery, Florence

Ang pinakamahalaga sa mga fresco ni Masaccio ay ang "Miracle with the Stater", isang multi-figured na komposisyon, na, ayon sa tradisyon, kasama ang iba't ibang mga yugto ng alamat tungkol sa kung paano, sa pasukan sa lungsod, si Kristo at ang kanyang mga alagad ay hiniling na magbayad ng bayad - isang stater (barya); kung paano, sa utos ni Kristo, nakahuli si Pedro ng isda sa lawa at nakakita ng stater sa bibig nito, na ibinigay niya sa bantay. Pareho sa mga karagdagang yugto na ito - paghuli ng isda at paglalahad ng stater - huwag makagambala sa atensyon mula sa gitnang eksena - isang grupo ng mga apostol na pumapasok sa lungsod. Ang kanilang mga figure ay maringal, napakalaking, matapang na mukha ay may mga indibidwal na katangian ng mga tao mula sa mga tao, sa sobrang tamang tao, nakikita ng ilang mga mananaliksik ang isang larawan ni Masaccio mismo. Ang kahalagahan ng kung ano ang nangyayari ay binibigyang-diin ng pangkalahatang estado ng pigil na kaguluhan. Ang pagiging natural ng mga kilos, galaw, ang pagpapakilala ng isang genre na motif sa pinangyarihan ng paghahanap ni Peter ng isang barya, ang maingat na pininturahan na tanawin ay nagbibigay sa mural ng isang sekular, malalim na makatotohanang karakter.

Hindi gaanong makatotohanan ang interpretasyon ng eksenang "Expulsion from Paradise", kung saan sa kauna-unahang pagkakataon sa pagpipinta ng Renaissance, ang mga hubad na pigura ay inilalarawan, na malakas na na-modelo ng side light. Ang kanilang mga galaw, ekspresyon ng mukha ay nagpapahayag ng pagkalito, kahihiyan, pagsisisi. Ang mahusay na pagiging tunay at mapanghikayat ng mga imahe ni Masaccio ay nagbibigay ng espesyal na lakas sa makatao na ideya ng dignidad at kahalagahan ng tao. Sa kanyang mga makabagong paghahanap, binuksan ng pintor ang daan para sa karagdagang pag-unlad ng makatotohanang pagpipinta.

Uccello. Isang eksperimento sa pag-aaral at paggamit ng pananaw ay si Paolo Uccello (1397–1475), ang unang Italyano na pintor ng labanan. Tatlong beses na iba-iba ni Ucello ang mga komposisyon na may mga yugto ng labanan ng San Romano (kalagitnaan ng 1450s, London, National Gallery; Florence, Uffizi; Paris, Louvre), na masigasig na naglalarawan ng mga makukulay na kabayo at sakay sa iba't ibang uri ng mga pagbawas at pagliko ng pananaw.

Castagno. Kabilang sa mga tagasunod ni Masaccio, si Andrea del Castagno (circa 1421 - 1457) ay tumindig, na nagpakita ng interes hindi lamang sa plastic form at perspective constructions na katangian ng pagpipinta ng Florentine sa panahong ito, kundi pati na rin sa problema ng kulay. Ang pinakamahusay sa mga nilikha na larawan ng bastos, matapang, hindi pantay na artist na ito sa likas na katangian ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas ng kabayanihan at hindi mapigilan na enerhiya. Ganito ang mga bayani ng mga mural ng Villa Pandolfini (circa 1450, Florence, ang simbahan ng Santa Apollonia) - isang halimbawa ng solusyon ng isang sekular na tema. Sa berde at madilim na pula na background, ang mga pigura ng mga kilalang tao ng Renaissance ay namumukod-tangi, kasama ng mga ito ang condottieri ng Florence: Farinata degli Uberti at Pippo Spano. Ang huli ay nakatayong matatag sa lupa, magkahiwalay ang mga binti, nakasuot ng baluti, na walang takip na ulo, na may hawak na espada sa kanyang mga kamay; ito ay isang masiglang tao, puno ng galit na galit na enerhiya at tiwala sa kanyang mga kakayahan. Ang malakas na pagmomolde ng liwanag at lilim ay nagbibigay sa imahe ng plastik na kapangyarihan, pagpapahayag, binibigyang-diin ang talas ng mga indibidwal na katangian, isang matingkad na larawan na hindi pa nakikita noon sa pagpipinta ng Italyano.

Kabilang sa mga fresco ng Simbahan ng Santa Apollonia, ang Huling Hapunan (1445–1450) ay namumukod-tangi sa saklaw at talas ng mga katangian nito. Ang relihiyosong eksenang ito - ang pagkain ni Kristo na napapaligiran ng mga alagad - ay ipininta ng maraming artista na palaging sumusunod sa isang tiyak na uri ng komposisyon. Hindi lumayo sa ganitong uri ng konstruksiyon at Castaño. Sa isang gilid ng mesa, na matatagpuan sa tabi ng dingding, inilagay ng pintor ang mga apostol. Kabilang sa kanila sa gitna ay si Kristo. Sa kabilang panig ng mesa ay makikita ang malungkot na pigura ng taksil na si Judas. Gayunpaman, nakakamit ni Castaño ang mahusay na puwersa ng impluwensya at makabagong tunog ng kanyang komposisyon; ito ay pinadali ng matingkad na katangian ng mga imahe, ang nasyonalidad ng mga uri ng mga apostol at Kristo, ang malalim na drama ng pagpapahayag ng mga damdamin, ang binibigyang-diin na mayaman at magkakaibang scheme ng kulay.

Angelico. Ang pinong kagandahan at kadalisayan ng maselan na maningning na mga pagkakatugma ng kulay, na nakakakuha ng isang espesyal na pandekorasyon na epekto kasama ng ginto, ay nakakabighani sa sining ni Fra Beato Angelico (1387–1455), na puno ng tula at kamangha-manghang. Mystical in spirit, konektado sa walang muwang na mundo ng mga relihiyosong ideya, ito ay pinaypayan ng tula ng isang kuwentong bayan. Naliwanagan ang mga tumatagos na larawan ng The Coronation of Mary (circa 1435, Paris, Louvre), ang mga fresco ng monasteryo ng San Marco sa Florence, na nilikha ng kakaibang artist na ito - isang Dominican monghe.

Domenico Veneziano. Naakit din ang mga problema sa kulay kay Domenico Veneziano (circa 1410-1461), isang katutubong ng Venice, na pangunahing nagtrabaho sa Florence. Ang kanyang mga relihiyosong komposisyon (The Adoration of the Magi, 1430-1440, Berlin-Dahlem, Art Gallery), na walang muwang at hindi kapani-paniwala sa kanilang interpretasyon sa tema, ay nagtataglay pa rin ng imprint ng tradisyon ng Gothic. Ang mga tampok ng Renaissance ay mas malinaw na ipinakita sa mga larawang nilikha niya. Noong ika-15 siglo, ang portrait genre ay nakakuha ng independiyenteng kahalagahan. Ang komposisyon ng profile, na inspirasyon ng mga antigong medalya at ginagawang posible na gawing pangkalahatan at luwalhatiin ang imahe ng taong inilalarawan, ay naging laganap. Ang isang eksaktong linya ay nagbabalangkas ng isang matalas na katangiang profile sa "Portrait of a Woman" (kalagitnaan ng ika-15 siglo, Berlin-Dahlem, Art Gallery). Nakamit ng artist ang isang masiglang direktang pagkakahawig at, sa parehong oras, isang banayad na coloristic na pagkakaisa sa pagkakaisa ng liwanag, nagniningning na mga kulay, transparent, mahangin, paglambot sa mga contour. Ang pintor ang unang nagpakilala sa mga Florentine masters sa pamamaraan ng oil painting. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga barnis at langis, pinahusay ni Domenico Veneziano ang kadalisayan at kayamanan ng mga kulay ng kanyang mga canvases.

Alam ng lahat na ang Italya ang puso ng buong panahon ng Renaissance. Ang mga dakilang master ng salita, brush at pilosopiko na pag-iisip ay lumitaw sa bawat isa sa kultura sa Italya ay nagpapakita ng paglitaw ng mga tradisyon na bubuo sa mga susunod na siglo, ang panahong ito ay naging panimulang punto, ang simula ng isang mahusay na panahon ng pag-unlad ng pagkamalikhain sa Europa.

Maikling tungkol sa pangunahing

Ang sining ng Maagang Renaissance sa Italya ay sumasaklaw sa panahon mula humigit-kumulang 1420 hanggang 1500, bago at natapos ang Proto-Renaissance. Tulad ng anumang panahon ng transisyonal, ang walumpung taon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong mga ideya na nauna at bago, na, gayunpaman, ay hiniram mula sa malayong nakaraan, mula sa mga klasiko. Unti-unti, inalis ng mga tagalikha ang mga konsepto ng medyebal, na inilipat ang kanilang pansin sa sinaunang sining.

Gayunpaman, sa kabila ng katotohanan na sa karamihan ay hinahangad nilang bumalik sa mga mithiin ng isang nakalimutang sining, kapwa sa pangkalahatan at sa partikular, ang mga sinaunang tradisyon ay gayunpaman ay magkakaugnay sa mga bago, ngunit sa isang mas maliit na lawak.

Arkitekturang Italyano sa panahon ng maagang renaissance

Ang pangunahing pangalan sa arkitektura ng panahong ito ay, siyempre, Filippo Brunelleschi. Siya ay naging personipikasyon ng arkitektura ng Renaissance, na organikong isinasama ang kanyang mga ideya, pinamamahalaang niyang gawing isang bagay na nakakaakit ang mga proyekto, at, sa pamamagitan ng paraan, hanggang ngayon, ang kanyang mga obra maestra ay maingat na binabantayan sa maraming henerasyon. Ang isa sa kanyang pangunahing malikhaing tagumpay ay itinuturing na mga gusali na matatagpuan sa pinakasentro ng Florence, ang pinaka-kapansin-pansin ay ang simboryo ng Florentine Cathedral ng Santa Maria del Fiore at ang Pitti Palace, na naging panimulang punto ng arkitektura ng Italyano ng ang Maagang Renaissance.

Kasama rin sa iba pang mahahalagang tagumpay ng Italian Renaissance na matatagpuan malapit sa pangunahing plaza ng Venice, mga palasyo sa Roma sa pamamagitan ng mga kamay ni Bernardo di Lorenzo at iba pa. Sa panahong ito, hinahangad ng arkitektura ng Italya na organikong pagsamahin ang mga tampok ng Middle Ages at ang Classics, na nagsusumikap para sa lohika ng mga proporsyon. Ang isang mahusay na halimbawa ng pahayag na ito ay ang Basilica ng San Lorenzo, muli ni Filippo Brunelleschi. Sa ibang mga bansa sa Europa, ang Maagang Renaissance ay hindi nag-iwan ng mga kapansin-pansing halimbawa.

Mga Artist ng Maagang Renaissance

Mga resulta

Ang kultura ng Maagang Renaissance sa Italya, bagama't nagsusumikap para sa parehong bagay - upang ipakita ang mga klasiko sa pamamagitan ng prisma ng pagiging natural, ngunit ang mga tagalikha ay sumusunod sa iba't ibang mga landas, na iniiwan ang kanilang mga pangalan sa kultura ng Renaissance. Maraming magagandang pangalan, mapanlikha na mga obra maestra at isang kumpletong muling pag-iisip ng hindi lamang masining, kundi pati na rin ang pilosopikal na kultura - lahat ng ito ay nagdala sa amin ng isang panahon na naglalarawan sa iba pang mga yugto ng Renaissance, kung saan ang mga itinatag na mithiin ay natagpuan ang kanilang pagpapatuloy.

muling pagsilang, o Renaissance - isang panahon sa kasaysayan ng kulturang Europeo, na pumalit sa kultura ng Middle Ages at nauna sa kultura ng modernong panahon. Ang isang natatanging tampok ng Renaissance ay ang sekular na kalikasan ng kultura at ang anthropocentrism nito (iyon ay, interes, una sa lahat, sa isang tao at sa kanyang mga aktibidad).

Estilo ng Renaissance

Ang mayayamang mamamayan ng Europa ay hindi na kailangang magtago sa likod ng mga pader ng kastilyo. Ang mga ito ay pinalitan ng mga palasyo ng lungsod (palazzo) at mga country villa, na ikinalulugod ng mga may-ari sa kagandahan at kaginhawahan. Ang karaniwang palazzo ay karaniwang may 3-4 na palapag. Ang ground floor ay naglalaman ng mga vestibule, mga service room, mga kuwadra at mga bodega. Sa susunod na antas - Piano Nobile - may mga maluluwag na marangyang pinalamutian na mga state room. Minsan sa palapag na ito inayos nila ang mga kwarto ng mga miyembro ng pamilya ng may-ari ng bahay. Ang pribadong silid ay ang silid-tulugan at ang "studio", isang silid na ginagamit bilang isang opisina, pagawaan, o silid para sa mga pribadong pag-uusap. Sa tabi nito ay isang washing room; ang tubig ay kinuha mula sa isang bukal o isang balon. Ang ikatlong palapag ay madalas na may parehong layout ng piano nobile, may mga sala na may mas mababang kisame. Sa itaas na palapag, mas mababa pa ang taas ng mga kisame, may mga quarters para sa mga katulong. Ang mga medyebal na hagdanan ay spiral o kahawig ng makitid na mga puwang na pinutol sa kapal ng mga dingding, ngayon sila ay naging malapad at tuwid at nangingibabaw sa loob. Ang mga karagdagang hagdan ay madalas na hindi gaanong naiilawan. Ang country villa ay hindi itinayo sa ganitong masikip na mga kondisyon, at samakatuwid ay maaaring mas malaki. Kasabay nito, ang parehong pamamaraan ay napanatili: ang mga silid ng serbisyo ay inilagay sa ibaba, mga silid sa harap - sa ikalawang palapag, at mga silid ng mga tagapaglingkod - sa itaas na palapag o sa attic.

Ang mga interior ng Renaissance ay nagsasalita ng isang pagkahumaling sa mga klasiko. Nangunguna ang simetrya, at hiniram ang mga detalye mula sa mga sinaunang disenyong Romano. Ang mga dingding ay kadalasang neutral na tono o patterned. Sa mga mayayamang bahay, ang mga dingding ay madalas na pinalamutian ng mga fresco. Beam o coffered ceilings. Ang mga ceiling beam at caisson ay pininturahan ng maliliwanag na kulay. Ang mga sahig ay pinalamutian ng mga kumplikadong geometric na burloloy. Ang mga fireplace, na nagsilbing tanging pinagmumulan ng init, ay natatakpan ng mga ukit. Sa paghusga sa pamamagitan ng mga kuwadro na gawa ng mga artista noong panahong iyon, ang mga kurtina at iba pang mga accessories ay maraming kulay.

Sa panahon ng Renaissance, ang mga muwebles ay mas laganap kaysa sa Middle Ages, ngunit ayon sa modernong mga pamantayan ay wala pa rin ito. Ang pag-ukit, inlay at intarsia ay naroroon sa interior, depende sa mga kakayahan sa pananalapi at panlasa ng may-ari ng bahay.

Ang mga interior ng mga simbahan ng Renaissance ay pininturahan sa maingat na mga kulay at pinalamutian nang husto ng mga detalye ng arkitektura na hiniram mula sa mga sinaunang monumento ng Romano. Ang mga stained-glass na bintana ay nagbigay daan sa transparent na salamin. Ang pagpipinta ay malawakang ginamit - mga fresco, mga kuwadro na gawa sa altar. Ang mga altar ay karaniwang kinomisyon at ibinibigay sa mga templo ng mayayamang mamamayan, na ang mga larawan ay makikita sa harapan. Sa mga interior ng Renaissance, mayroong isang paglipat mula sa pagiging simple hanggang sa karilagan.

Maagang Renaissance

Ang Palazzo Davanzati sa Florence (katapusan ng ika-14 na siglo) ay isang mahusay na napreserbang bahay ng lungsod na itinayo sa pagliko ng dalawang panahon. Nakatayo ang gusali sa isang makitid, hindi regular na hugis na kapirasong lupa, na tipikal ng isang medieval na lungsod. Sa ibabang palapag ay may loggia na tinatanaw ang kalye, na maaaring magsilbi bilang isang tindahan. Mula sa patyo, ang mga hagdan ay humahantong sa mga sahig kung saan matatagpuan ang tirahan - maluwag at pinalamutian nang mayaman, ngunit magulo ang pagkakaayos, tulad ng sa isang medieval na kastilyo. Mula sa labas, simetriko ang gusali. Ang mga friezes at console na sumusuporta sa mga beam ng kisame ay hiniram mula sa klasikal na arkitektura; ngunit ang mga may lead na bintana at parang tapiserya na mga kuwadro sa dingding ay nag-ugat sa Middle Ages. Kahit na may mga kasangkapan, ang mga silid ay tila walang laman, ang medieval asceticism ay ramdam pa rin.

Tinatayang kronolohikal na balangkas ng panahon: ang simula ng XIV - ang huling quarter ng XVI siglo at sa ilang mga kaso - ang unang mga dekada ng XVII century (halimbawa, sa England at, lalo na, sa Espanya). Mayroong interes sa sinaunang kultura, mayroong, kumbaga, ang "revival" nito - at ito ay kung paano lumitaw ang termino. Hinati ng mga mananalaysay ang Renaissance sa tatlong panahon:maaga, mataas, kalaunan Ang mga mananalaysay ng lumang paaralan ay nakikilala ang matagumpay na panahon ng "High Renaissance", na nagtatapos sa pagtanggi. Itinuturing ng mga modernong iskolar na ang bawat panahon ay karapat-dapat sa pag-aaral at paghanga: mula sa isang matapang na eksperimento hanggang sa isang panahon ng kasaganaan hanggang sa isang huling yugto ng malaking kalayaan at pagiging kumplikado.

Renaissance sa France

Noong 1515, si Francis I (1515-1547), sa imbitasyon ng papa, ay gumugol ng apat na araw sa Vatican, kung saan maaaring humanga siya sa sining ng High Renaissance. Inimbitahan ni Francis si Leonardo da Vinci na pumunta sa France, na naganap noong 1516. Si Leonardo ay nanirahan sa paligid ng Amboise, kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan noong 1519. Ang pakpak ng Francis sa kastilyo ng Blois (1515-1519) kasama ang sikat na hagdanan nito ay may tatlong palapag, na mga pilaster at pandekorasyon na elemento na hiniram mula sa mga patyo ng mga palasyo ng Florentine. Ang bubong na may mga chimney at dormer windows ay ginawa sa istilong tipikal ng France.

Ang pinakakahanga-hanga sa mga unang kastilyo ng Renaissance ay ang malaking palasyo ng Chambord (1519). Ang mga bilog na medieval na tore, moats, matataas na bubong ay pinagsama sa isang simetriko na layout at mga elemento ng pagkakasunud-sunod. Ang iba't ibang chimney, turrets, domes at dormer window ay nakapagpapaalaala sa Italian Renaissance. Sa kastilyo ng Chambord, ang vestibule ay nasa plano ng isang Griyego na krus. Ang isang two-flight spiral staircase sa gitna ng vestibule ay ang core ng buong komposisyon. Dahil nakatira si Leonardo da Vinci malapit sa Amboise, mayroong isang opinyon na ang hagdanan ay nilikha batay sa mga sketch na matatagpuan sa kanyang mga notebook. Ang mga tirahan ay puro sa mga sulok ng parisukat, ang mga karagdagang silid, hagdan at koridor ay matatagpuan sa mga sulok na tore, na ginagawang parang isang malaking labirint ang gusali. Ang mga silid ay mukhang hubad. Noong mga panahong iyon, ang mga muwebles ay inilipat kasama ang royal court sa Paris at pabalik. Ito ay pinaniniwalaan na ang plano ng kastilyo ay binuo ni Domenico da Cortona (d. 1549), isang estudyante ni Giuliano da Sangallo, na bumisita sa France noong 1495 (si Sangallo ay bumalik sa Italya, habang si Domenico ay nanatili sa France). Ang Pranses na arkitekto na si Pierre Yepvo ay gumanap din ng isang mahalagang papel, ngunit kung siya ang may-akda ng proyekto o isang simpleng bricklayer na nagtatrabaho sa ilalim ng ibang mga master ay hindi malinaw.

Ang maliit na kastilyo ng Azay-le-Rideau sa Loire Valley (1518-1527) ay ang paglikha ng mga hindi kilalang arkitekto. Ang gusali sa hugis ng Latin na titik B, ang moat at ang lawa ay bumubuo ng isang kaakit-akit na grupo. Ang mga corner tower at ang moat ay nakapagpapaalaala sa Middle Ages, ngunit ang likod na facade na nakaharap sa moat ay ganap na simetriko, at ang mga pilasters at friezes ay nasa istilong Renaissance. Ang pangunahing hagdanan ay matatagpuan sa gitna ng pangunahing dami. Ang isang kakaibang pasukan ay nagmamarka ng lokasyon nito mula sa labas. Ang harapan ng gusali ay walang simetriko. Sa kabutihang palad, ang mga interior ng Azele-Rideau ay mahusay na napanatili. Mula sa pangunahing hagdanan ay nagsisimula ang isang suite ng mga silid. Ang mga kahoy na beam ng kisame ay bukas, ang mga dingding ay natatakpan ng tela, ang malalaking fireplace ay marahil ay gawa ng isang Italyano na master. Ang mga bintana ay naka-recess sa kapal ng mga pader na bato. Dahil ang mga silid ay walang anumang espesyal na layunin, halimbawa, ang isang kama ay maaaring tumayo sa alinman sa mga ito. Bilang karagdagan, ang bawat silid ay pinalamutian ng isang tiyak na scheme ng kulay.

Brunelleschi

Maagang Renaissance sa Italya - ang panahon mula sa mga 1400 hanggang sa katapusan ng ika-15 siglo. Ang unang makabuluhang pigura ay si Filippo Brunelleschi (1377-1446), isang Florentine na mag-aalahas na kalaunan ay naging isang iskultor, geometer at arkitekto. Siya ay isang halimbawa ng isang "Renaissance man". Nakikilahok sa kumpetisyon para sa disenyo ng simboryo ng Florence Cathedral, iminungkahi ni Brunelleschi na magtayo ng isang malaking simboryo na walang mga buttress at walang mga kahoy na bilog (sa huling kaso, kinakailangan na magtayo ng mamahaling plantsa, na sa kanilang sarili ay isang malaking istraktura ng engineering). Noong 1420, sinimulan ni Brunelleschi ang pagtatayo ng isang maringal na simboryo, na tumatayo pa rin sa ibabaw ng Florence.

Ang simboryo ni Brunelleschi ay naiiba sa mga Romanong dome sa hugis lancet nito, na perpektong pinagsama sa Gothic cathedral. Ang pagtatayo ng simboryo na walang mga panlabas na buttress ay nangangailangan ng panimula ng mga bagong teknolohikal na solusyon. Matatagpuan ang mga tadyang bato sa mga sulok ng octagon, kasama ang dalawang karagdagang tadyang sa bawat mukha ng simboryo. Ang buong espasyo ng katedral ay kasangkot sa proseso ng pagtatayo. Hindi nakikita ang malalaking bigkis ng bato, bakal at kahoy na nag-uugnay sa simboryo sa "tension rings" at pinapatay ang thrust, na sapat na upang sirain ang buong istraktura. Sa tuktok ng simboryo ay isang bilog na bintana. Ang parol ng simboryo, na talagang isang maliit na gusali sa bubong, ay itinayo pagkatapos ng pagkamatay ni Brunelleschi, ngunit idinisenyo sa kanyang istilo at ang tanging bahagi ng simboryo na idinisenyo sa isang mahigpit na klasikal na istilo.

Kahit na ang malaking simboryo ay ang pinakakahanga-hangang gusali ng Brunelleschi, ang ibang mga proyekto ay sumasalamin sa kanyang panloob na konsepto nang mas ganap. Sa mga simbahan ng Florentine ng San Lorenzo (nagsimula noong c. 1420) at Santo Spirito (nagsimula noong 1435), sinubukan ni Brunelleschi na gawing bago ang basilica kasama ang transept, choir at side aisles nito. Ang plano ng bawat simbahan ay nahahati sa mga parisukat, ang isang parisukat ay isang module para sa buong gusali sa kabuuan. Ang gitnang nave ay pinaghihiwalay mula sa gilid nave ng Roman arches na sumusuporta sa mga haligi ng Corinthian. Ang gilid nave ay natatakpan ng mga vault. Sa mga gusaling Romano, ang arko ay hindi direktang nakasalalay sa haligi, ngunit sa entablature. Sa Brunelleschi, nakikita natin ang parehong bagay: ang mga haligi ay palaging nagtatapos sa isang fragment ng isang entablature, isang parisukat na slab, na kung minsan ay tinatawag na isang impost.

Ang pinakaunang gawain ni Brunelleschi sa Simbahan ng San Lorenzo ay ang maliit na Sacristy (kilala bilang Old Sacristy, mayroon ding New Sacristy ni Michelangelo, na karaniwang tinatawag na Medici Chapel). Ito ay isang parisukat na silid, na nakoronahan ng isang simboryo sa mga layag. Kumokonekta ito sa isang mas maliit na silid kung saan matatagpuan ang altar (ang tinatawag na scarsella).

Ang maliit na Pazzi Chapel sa looban ng Church of Santa Croce sa Florence (1429-1461) ay karaniwang itinuturing na gawa ni Brunelleschi, bagaman hindi ito eksaktong itinatag kung ano ang kanyang kontribusyon sa pagtatayo ng kapilya, na natapos. pagkamatay ng arkitekto, ngunit ito sa maraming paraan ay kahawig ng Sakristiya sa Simbahan ng San -Lorenzo. Madalas itong itinuturing na unang gusali ng Early Renaissance, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng simetrya at mga klasikal na elemento, kasama ang pagpipino at mga makabagong solusyon. Ang parisukat na espasyo ay natatakpan ng isang simboryo sa mga layag, sa hilaga-timog na direksyon mula sa parisukat sa ilalim ng simboryo, ang mga braso ng krus na may mga cylindrical vault ay umaalis, na ginagawang hugis-parihaba ang parisukat na plano. Ang parisukat na scarcella kasama ang simboryo nito ay nagbabalanse sa plano. Ang kapilya ay itinayo bilang isang monastikong bulwagan ng kapitolyo, sa loob ay mayroon pa ring napanatili na mga bangko na nakapalibot sa perimeter ng silid, na nilayon para sa mga monghe na nakikilahok sa mga pagpupulong. Ang mga dingding ay pinalamutian ng grey-green na marmol na pilasters, sa itaas na bahagi ng mga dingding ay may mga bilog na niches na may mga relief ni Luca della Robbia (1400-1482). Ang silid ay tila maliit, kung sa katunayan ito ay may kahanga-hangang laki. Ito ay maaaring dahil sa hindi ganap na wastong paggamit ng mga klasikal na elemento.

Michelozzo

Ang Medici-Riccardi Palace sa Florence (nagsimula noong 1444), na idinisenyo ni Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), na may mga rusticated na pader at maliliit na bintana, ay kahawig ng isang medieval na kastilyo, ngunit ang simetriko na plano at mga elemento ng kaayusan ay nagpapahiwatig ng estilo ng Early Renaissance. Ang pangunahing pasukan ay humahantong sa isang maliit na square courtyard na may access sa hardin. Labindalawang hanay ng orden ng Corinto ang sumusuporta sa mga arko, na bumubuo ng isang bukas na gallery. Ang mga arko ay direktang nakasalalay sa mga kapital ng mga haligi, na kumokonekta sa pangit sa mga sulok, na nagpapahiwatig ng hindi sapat na kaalaman ng arkitekto sa mga batas ng klasikal na arkitektura. Ang mga interior ay nailalarawan sa pagiging simple at kakulangan ng palamuti, maliban sa mga kahanga-hangang coffered ceilings, door trims at classical-style mantelpieces. Posible na ang mga tapiserya ay nakabitin sa mga pangunahing silid, na sa parehong oras ay nagsisilbing dekorasyon. Ang mga fresco ni Benozzo Gozzoli (1420-1497) ay napanatili sa kapilya, na naglalarawan sa Adoration of the Magi - isang hanay ng mga tao na gumagalaw sa isang maburol na lugar. Ang fresco ay kahawig ng tapiserya. Sa kasunod na muling pagtatayo (1680), ang simetrya ay napanatili, bagaman ang orihinal na simetrya ay nananatili lamang sa kaliwang bahagi. Ang panloob na patyo ng palazzo ay isang halimbawa ng arkitektura ng Early Renaissance: ang mga kalahating bilog na arko ay nakasalalay sa manipis na mga haligi ng pagkakasunud-sunod ng Corinthian, ang plano ay mahigpit na simetriko.

Alberti

Si Leon Battista Alberti (1404-1472) ay isang scientist, musikero, pintor, art theorist at manunulat. Ang kanyang aklat na De Re Aedificatoria (Sa Konstruksyon), na inilathala noong 1485, ay ang unang makabuluhang gawain sa arkitektura mula noong panahon ni Vitruvius. Malaki ang impluwensya ng libro sa arkitektura ng Italyano. Binabalangkas ng teksto ang mga tuntunin ng mga klasikal na order. Tulad ng sa musika, ang mga prime ratio na 2:3, 3:4, at 3:5 (ang dalas ng vibration na tumutugma sa musical chords) ay maaaring matagumpay na mailapat sa arkitektura.

Ang simbahan ng Sant'Andrea sa Mantua (nagsimula noong 1471) ay ang pinakamahalagang gawain ni Alberti, na may malaking impluwensya sa arkitektura noong ika-16 na siglo. Ang plano ng simbahan ay cruciform, isang simboryo ay tumataas sa ibabaw ng sangang-daan, ang gitnang nave, ang transept at ang bahagi ng altar ay natatakpan ng mga barrel vault na may mga caisson. Walang mga side naves; sa halip na mga ito, malalaki at maliliit na kapilya ang nakaayos. Ang mga hiwalay na haligi ay pinalitan ng makapangyarihang mga pylon na may mga pilaster. Lumitaw ang malago na panloob na dekorasyon pagkatapos ng pagkamatay ni Alberti, sa pangkalahatan, ang simple at marilag na arkitektura ay nagpapatotoo sa impluwensya ng arkitektura ng Romano sa arkitekto, lalo na ang mga imperyal na paliguan.

Ang Italya ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng klasikal na Renaissance. Ang kasaysayan ng Italian Renaissance ay sumasaklaw ng halos dalawang siglo. Nakaugalian na pag-usapan ang tungkol sa Early Renaissance (kalagitnaan ng ika-14 na siglo - ika-15 siglo), High, o Mature Renaissance (huli ng ika-15 siglo - 30s ng ika-16 na siglo) at Late Renaissance (40s - 80s ng ika-16 na siglo).

Bakit unang lumitaw ang kababalaghan ng Renaissance at malinaw na ipinakita ang sarili sa Italya? Ang sagot sa tanong na ito ay nakasalalay sa pang-ekonomiyang eroplano - ito ang maagang pagsilang ng kapitalistang relasyon sa bansa.

Ang mapagpasyahan ay ang pagtaas ng impluwensya ng mga artisan, artisan, mangangalakal at banker - iyon ay, mga klase na hindi lumahok sa pyudal na relasyon. Hindi nila ipinahayag ang hierarchical system ng medieval na mga halaga, ang pinakamalaking halaga ay ang tao at ang kanyang malikhaing aktibidad. Ito ay matabang lupa para sa pagsilang ng humanismo. Nag-ambag ito sa mabilis na paglilipat ng pananaw sa daigdig na medieval sa pamamagitan ng umuusbong na bagong burges na pananaw sa mundo na may mga palatandaan ng isang bagong kulturang burgis.

Ito ay lalo na maliwanag sa XV siglo noong Quattrocento (Maagang Renaissance). Sa panahong ito, ang mga aesthetics ng Renaissance art, na puno ng diwa ng kaayusan at sukat, ay nabuo. Ang malalim na sekular na karakter ay isang pagtukoy sa katangian ng kultura ng Renaissance. Malamang sa Italy lang XV siglo, ang minamahal na artist na si Cosimo de Medici (ang hindi opisyal na pinuno ng Florence) na si Philippe Lippi (1406-1469) ay nagpasya na ilarawan ang kanyang minamahal (isang madre na minsang dinukot mula sa isang monasteryo) at ang kanyang mga anak sa anyo ng Madonna at Kristo kasama si John.

Ang mga sekular na sentro ng agham at sining ay nagsimulang lumitaw sa mga lungsod, na hindi na kontrolado ng simbahan. Ngayon ang sining ay naging kasangkapan sa pag-unawa sa mundo, nauna na ito sa agham, pilosopiya at tula. Ang pananampalataya sa kapangyarihan ng katwiran ay walang hangganan. Ang tumpak na kaalamang pang-agham ay inilagay sa unang lugar. Ang isang bilang ng mga siyentipikong treatise ay lumitaw. Si Leon Battista Alberti (1404-1472) ay itinuturing na unang teorista sa larangan ng pagpipinta at arkitektura, na bumuo ng teorya ng linear na pananaw at ang makatotohanang paglalarawan ng lalim ng espasyo sa isang pagpipinta.

Ang pagkakapira-piraso ng Italya sa ilang mga independiyenteng rehiyon ay naging makasaysayang katangian ng pag-unlad na humantong sa paglitaw ng mga lokal na paaralan ng sining. Ang bawat paaralan ay may sariling paraan ng pag-unlad, at ang mga maliliwanag na kinatawan nito, na, gayunpaman, ay hindi nangangahulugan ng kanilang paghihiwalay. Ang lahat ng ito ay nag-ambag sa mabilis na pagtatapon ng sistema ng mga halaga na nilikha ng kultura ng simbahan. Nakipaghiwalay ang Art sa medieval na hindi nagpapakilala sa mga masters. Sa History of Art, isinulat ni Pavel Muratov sa "Mga Larawan ng Italya": "Para sa mata ng isang Florentine artist, walang maliit at hindi gaanong mahalaga. Ang lahat ay isang bagay ng kaalaman para sa kanya. Ngunit ang kaalaman sa mga bagay, kung saan hinahangad ng taong Quattrocento, ay hindi katulad ng kaalaman na ipinagmamalaki ng ating siglo ... kung saan nakikita natin ang heneral, at, samakatuwid, palaging dayuhan, doon nakita ng Quattrocento artist ang espesyal at sa kanya! Dahil dito, naging posible ang tagumpay ng indibidwalismo sa sining ng Florentine.” .

Ang bagong pananaw sa mundo ay batay sa humanistic na relasyon ng unang panahon. At ang pag-imbento ng paglilimbag sa gitna XV siglo at isang malaking bilang ng mga sinaunang monumento sa lupain ng Italya ang nag-ambag sa pagkalat ng sinaunang pamana.

Ang duyan ng kultura ng Renaissance sa panahon ng Quattrocento ay Florence - isang mayamang lungsod ng komunidad, kung saan iniwan nila ang kanilang maliwanag na marka sa sining ni Dante at Giotto. Ang mga rebolusyonaryong pagbabago ay naganap hindi lamang sa agham at sining, naapektuhan din nito ang mga ugnayang panlipunan. Ang nangungunang papel ng Florence ay paunang natukoy ng isang bagong umuusbong na kababalaghan sa lipunan - pagtangkilik. Ang kapangyarihang pampulitika sa Florence ay pag-aari ng mga mangangalakal at artisan. Sa pagitan ng ilan sa pinakamayayamang pamilya ay nagkaroon ng patuloy na pakikibaka para sa kataasan. Sa huli XIV siglo, ang pakikibaka na ito ay natapos sa tagumpay ng banking house ng Medici (at kalaunan ang kanyang apo na si Lorenzo, na tinawag na Magnificent) sa lahat ng sining, na, siyempre, ay nagbigay-diin sa mataas na katayuan sa lipunan ng Medici, sa Florence, ang Platonic Academy. at ang Laurentian Library ay naaprubahan noong 1439. Nag-ambag ito sa isang walang uliran na pag-unlad ng arkitektura at pagpipinta.

Ito ay panahon ng mga pang-eksperimentong paghahanap at pagtuklas, na kinakatawan ng mga natatanging pangalan gaya ng Donatello, Brunelleschi at Masaccio.

mga larawan mula sa mga site : biografieonline.it, art-prints-on-demand.com, clubausonia.it

Maaari ka ring magsimula ng mga talakayan sa mga paksang interesado ka. aming portal.

Maagang Renaissance sa Italya: mga kondisyon ng paglitaw at mga kinatawan -sa portal 2 queens. ru!

Ang sining ng Italyano ay hindi patuloy na umuunlad sa isang pataas na linya, mula sa isang mas mababang antas hanggang sa isang mas mataas. Ang linya ng pag-unlad ng kultura sa panahon ng Renaissance ay mas kumplikado at nababaluktot. Sa paglipas ng tatlong siglo, sa walang humpay na paggalaw pasulong, ilang mga pag-akyat ang namumukod-tangi. Ang pinaka-radikal sa mga ito ay nangyari sa Italya noong ika-15 siglo. Ito ang panahon ng maagang Renaissance, na minarkahan ng hindi pangkaraniwang intensity ng mga paghahanap. Ang pokus ng pagbabago sa lahat ng anyo ng sining sa panahong ito, tulad ng sa panahon ni Giotto, ay ang Florence. Ang aktibidad ng mga tagapagtatag ng maagang Renaissance ay naganap dito: ang pintor Masaccio, iskultor Donatello, arkitekto Brunelleschi.

Isa sa pinakamahalagang tagumpay ng sining ng Quattrocento, na may kahalagahang pangkasaysayan, ay ang doktrina ng pananaw.Pananaw - ito ay isang imahe ng mga bagay alinsunod sa maliwanag na pagbabago sa kanilang laki at hugis, na dahil sa antas ng kanilang pagkalayo mula sa viewer. Ang mga unang pagtatangka sa pagbuo ng pananaw ay ginamit na sa sinaunang Greece, ngunit sa klasikal na anyo nito, bilang siyentipikong pinatunayan, ang pananaw ay binuo ng mga masters ng Italian Quattrocento. Si Filippo Brunelleschi ang unang nakatuklas ng mga batas nito, kaya nagtatag ng bagong programa sa pagpapaunlad para sa lahat ng sining ng Florentine.

Si Brunelleschi ay gumawa ng isang mapagpasyang konklusyon para sa pinong sining: kung ang mga direktang sinag na nagmumula sa isang napiling punto sa kalawakan patungo sa itinatanghal na bagay ay tinawid ng isang eroplano, ang isang eksaktong projection ng bagay na ito ay makukuha sa eroplanong ito. Malamang, ang pag-aaral ng mga optical na batas ng Brunelleschi ay naudyukan ng pag-aaral ng mga guho ng Romano, na maingat niyang sinukat at kinopya.

Isang kaibigan ni Brunelleschi, ang iskultor na si Donatello ay naglapat ng linear na pananaw sa sculptural relief ("Labanan ng St. George na may kasamang dragon" , 1416), nakakakuha ng impression ng spatial depth. Ginamit ng kanilang kontemporaryong Ma-zaccio ang pagtuklas na ito sa pagpipinta (fresco"Trinity" , 1427). Sa wakas, ang arkitekto at art theorist na si Alberti ay nagbigay ng detalyadong teoretikal na pag-unlad ng mga batas ng pananaw sa kanyang Treatise on Painting (1435).

Ang mga bagong uso sa visual arts ay unang nagpakita ng kanilang sarilieskultura . Dati puro pangunahin sa mga interior, ito ngayon ay isinasagawa sa mga harapan ng mga simbahan at mga pampublikong gusali, sa mga parisukat ng lungsod, na hindi na sumusunod sa arkitektura.

Ang panimulang punto ng kasaysayan ng maagang Renaissance sculpture ay tradisyonal na itinuturing na 1401, nang ang batang alahas na si Lorenzo Ghiberti ay nanalo sa kumpetisyon ng mga iskultor na nakikipagkumpitensya para sa karapatang gumawa ng mga tansong pinto ng Florentine baptistery. . Si Ghiberti ay kabilang sa mga nangungunang iskultor sa kanyang panahon. Siya ang nagmamay-ari ng isa sa mga pinakatanyag na gawa ng unang bahagi ng Renaissance - ang pangalawang silangang pintuan ng baptistery, na kalaunan ay tinawag ni Michelangelo na "Paradise Gates". Ang kanilang mga relief ay nakatuon sa mga paksa ng Lumang Tipan.

Ang pinakamatalino na iskultor ng Quattrocento ay si Donato di Niccolò di Betto Bardi, na pumasok sa kasaysayan ng kultura ng mundo sa ilalim ng pangalang Donatello (1386-1466). Isa siya sa pinakamapangahas na repormador ng sining ng Italyano. Isa sa mga pangunahing tagumpay ni Donatello ay ang muling pagkabuhay ng free-standing round statue. Pinaandar niyarebulto ni david the victor (Florence) ay ang unang iskultura ng Renaissance, hindi nauugnay sa arkitektura, napalaya mula sa higpit ng angkop na lugar at naa-access mula sa lahat ng panig. Ang paglikha ng imahe ng maalamat na pastol na tumalo sa higanteng si Goliath, na para sa maraming mga lungsod-republika ng Italya ay naging simbolo ng kalayaan, hinahangad ni Donatello na lapitan ang magagandang halimbawa ng sinaunang plastik na sining. Ang kanyang David ay ipinakita na hubad, tulad ng isang sinaunang bayani. Wala ni isang iskultor ng Renaissance ang nagkaroon ng kalayaang magpakita ng karakter sa Bibliya sa ganitong anyo.

Ang isa pang sikat na likha ng Donatello ay isang monumento sa matapang na kumander na si Erasmo di Narni, na binansagang Gattamelata ("Cunning Cat"). Ang isang tao ng mga tao, si Erasmo, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang isip, talento, ay naging tagalikha ng kanyang sariling kapalaran, naging isang natatanging estadista. At ang iskultor, na nagpapanatili ng pagkakahawig ng larawan, ay nagpakita ng isang pangkalahatang imahe ng isang tao ng bagong panahon, na parang kinukumpirma ang mga salita ni Petrarch: "Ang dugo ay palaging pareho ang kulay. Ang isang marangal na tao ay nagpapadakila sa kanyang sarili sa pamamagitan ng kanyang mga gawa.

Mas malawak pa ang pag-apila sa mga sinaunang tradisyon saarkitektura . Mga sketch at sukat ng mga sinaunang istrukturang Romano, ang pag-aaral ng treatise ng Vitruvius, na natagpuan sa simulaXVsiglo, nag-ambag sa mabilis na pagpapalit ng mga Gothic na anyo ng mga antique. Ang sinaunang kaayusan ay muling binuhay at malikhaing inisip, na nagdala ng lohikal na proporsyon at pagkakaisa sa arkitektura ng bagong panahon. Kung ang katedral ng Gothic ay mahirap na makita dahil sa napakalaking sukat nito, kung gayon ang mga gusali ng Renaissance ay, kumbaga, sakop ng isang sulyap. Sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kamangha-manghang proporsyonalidad.

Ang unang pangunahing monumento ng arkitektura ng Renaissance - itinayo ni Brunelleschisimboryo ng Katedral ng Santa Maria del Fiore sa Florence. Sa laki nito, ito ay bahagyang mas mababa sa simboryo ng Roman Pantheon, ngunit, hindi katulad nito, hindi ito nakasalalay sa isang bilog, ngunit sa isang octagonal na base.

Kasabay ng pagtatayo ng simboryo, pinangunahan ni Brunelleschi ang pagtatayo ng isang bahay-ampunan,Bahay na pang-edukasyon . Ito ang unang gusali ng istilong Renaissance, napakalapit sa mga sinaunang gusali sa istraktura nito, kalinawan ng hitsura at pagiging simple ng mga anyo. Ang pinaka-kahanga-hangang bagay tungkol dito ay ang harapan, pinalamutian ng isang portico sa anyo ng isang arched loggia. Ang portico ay nagbubukas sa buong lapad ng gusali, na lumilikha ng isang impresyon ng kaluwagan at kapayapaan, at nagpapatibay sa pamamayani ng mga pahalang na linya. Ang resulta ay isang gusali na ganap na kabaligtaran sa Gothic aspiration sa kalangitan. Ang kawalan ng mayayamang sculptural na dekorasyon na katangian ng mga Gothic cathedrals ay bago rin.

Ang uri ng loggia na ginamit sa Orphanage na may mga kalahating bilog na arko at malalawak na manipis na mga haligi ay kalaunan ay itinatag sa arkitektura ng Renaissance.palazzo .

Ang palazzo ay isang city palace-mansion kung saan nakatira ang mayayamang tao. Kadalasan ito ay isang tatlong palapag na gusali na nakaharap sa kalye. Ayon sa kanilang plano, ang palazzo ay lumapit sa isang parisukat, kung saan ang gitna ay isang patyo na napapalibutan ng mga arched gallery.

Pagpipinta Ang Italian Quattrocento ay nagsisimula sa Masaccio (1401-1428, totoong pangalan Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Si Masaccio ay isa sa mga pinaka-independiyente at pare-parehong mga henyo sa kasaysayan ng European art. Tulad ng maraming iba pang mga artista sa panahong ito, nagtrabaho siya sa larangan ng monumental na pagpipinta, na isinagawa sa mga dingding gamit ang pamamaraan ng fresco. Sa pagpapatuloy ng paghahanap para kay Giotto, nagawa ni Masaccio na bigyan ang mga larawan ng isang walang uliran na pagiging tunay ng buhay.

Ang mga fresco ay ang tuktok ng kanyang trabaho.Mga Chapel ng Brancacci Simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Florence. Ipinakita nila ang kuwento ni Apostol Pedro, pati na rin ang kuwento sa Bibliya na "The Expulsion from Paradise", na binigyang-kahulugan nang may pambihirang dramatikong kapangyarihan.

Lahat ng nasa fresco na ito ay puno ng espesyal na kahanga-hanga, epikong kapangyarihan, kabayanihan. Ang lahat ay binibigyang-diin nang malaki: ang artista ay tila hindi gumuhit ng mga anyo, ngunit nililok ang mga ito sa tulong ng chiaroscuro, na nakakamit ng halos sculptural relief. Ang isang magandang halimbawa ng malikhaing paraan ng Masaccio ay maaaring magsilbi"Ang Himala kasama ang Stater" (isang kuwento tungkol sa isang coin na mahimalang natagpuan sa bibig ng isang isda, na nagbukas ng daan sa lungsod ng Capernaum para kay Kristo at sa kanyang mga disipulo).

Pinigil ng tadhana ang pagtaas ng isang henyo sa edad na 27, ngunit ang nagawa niyang gawin ay nagdulot sa kanya ng katanyagan bilang tagapagtatag ng isang bagong sining. Pagkamatay ni Masaccio, ang Brancacci Chapel ay naging paaralan ng lahat ng sumunod na pintor, isang lugar ng peregrinasyon.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello ay malayo sa nag-iisa sa kanilang paghahanap. Kasabay nito, maraming mga orihinal na master ang nagtrabaho sa iba't ibang lungsod ng Italya: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

Sa pagtatapos ng Quattrocento, ang likas na katangian ng mga adhikain ng pagpipinta ng Italyano ay makabuluhang nagbabago: ang pag-aaral ng pananaw, ang mga proporsyon ay kumukupas sa background, habang ang pag-aaral ng kalikasan ng tao ay nauuna. Kasunod ng panitikan at tula, ang pagpipinta ay nagpapakita ng matinding buhay ng kaluluwa, ang paggalaw ng mga damdamin. Nag-aambag ito sa pagbuo ng genre ng portrait, at ang bagong uri nito, sa isang tatlong-kapat na pagliko, at hindi sa profile, tulad ng dati.

Ang artist na kung saan ang mga bagong artistikong ideya ay natagpuan ang pinaka maayos na pagpapahayag aySandro Botticelli (1445-1510, tunay na pangalan Alessandro Filipepi).

Si Botticelli ay isang kinatawan ng Florentine school of painting. Malapit siya sa korte ni Lorenzo Medici, isang mahuhusay na politiko at diplomat, isang mahusay na edukadong tao, isang matalinong makata, isang mahilig sa panitikan at sining, na nagawang makaakit ng maraming pangunahing humanista, makata, at artista

Palibhasa'y nauugnay sa isang lupon ng mga iskolar ng Florentine, kusang-loob na umasa si Botticelli sa kanyang mga gawa sa mga programang patula na pinagsama-sama nila. Dahil sa inspirasyon ng antiquity at Renaissance poetry, sila ay alegoriko sa kalikasan. Ang isang espesyal na papel sa kanila ay ginampanan ng imahe ni Venus, ang sagisag ng pag-ibig bilang pinakamataas na damdamin ng tao.

Ang Venus ay ang sentral na imahe ng mga kuwadro na nagluwalhati kay Botticelli:"Spring" at "Ang Kapanganakan ni Venus". Sa mga mitolohikong komposisyong ito, kung saan naghahari ang pag-ibig, namumulaklak ang mahiwagang alindog ng ideal ng kagandahan ni Botticell. Sa kagandahang ito mayroong isang espesyal na pagpipino, marupok na kawalan ng pagtatanggol. At sa parehong oras, isang malaking panloob na lakas, ang lakas ng espirituwal na buhay, ay nakatago sa loob nito.

Ang parehong kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao ay ipinahayag sa manonood ng mga larawan ng artist: "Portrait of a Jeweller", "Giuliano Medici" at iba pa.

Ang pinakamalalim na personal na karanasan na nauugnay sa buhay panlipunan ng Florence sa duloXV siglo , nakilala ang mataas na trahedya ng mga huling gawa ni Botticelli: "Lamentation of Christ", "Abandoned".

Sa huling ikatlong bahagi ng ika-15 siglo, kasama ang paaralang Florentine, ang mga paaralang sining ay iniharap sa Umbria (Pinturicchio), Venice (Gentile at Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardy, at gayon pa man ang Florence ay nananatiling nangungunang sentro ng kultura ng Italya . Dito, noong 1470s, nagsimula ang malikhaing aktibidad ni Leonardo da Vinci, dito ipinanganak at lumaki si Michelangelo, na nanalo ng katanyagan bilang unang artist sa pamamagitan ng paglikha ng estatwa ni David (inilagay ito sa harap ng Signoria Palace bilang simbolo ng Florence. ). Malaki rin ang naging papel ni Florence sa malikhaing pag-unlad ni Raphael, na nagsulat dito ng malawak na suite ng kanyang Madonnas (nang dumating siya sa Florence, parehong nagtrabaho doon sina Leonardo at Michelangelo). Ang gawain ng mga makikinang na master na ito, kasama ang sining ng Bramante, Giorgione, Titian, ay minarkahan ang panahon ng High Renaissance.

Ang Medici ay isang pamilya ng mayayamang bangkero naXVsiglo, sa katunayan, ay kabilang sa kapangyarihan sa Florence.

ang popular na pag-aalsa laban sa Medici, na pinamunuan ng Dominican monghe na si Savonarola, ang mabangis na pag-atake ng mga tagasunod ng Savonarola sa "makasalanang dumi" ng sekular na kultura, at sa wakas, ang pagtitiwalag kay Savonarola mula sa simbahan at ang kanyang kamatayan sa taya.

Naranasan ang malakas na impluwensya ni Savonarola, nagulat si Botticelli sa kanyang pagkamatay.