Romantisismo. Mga pagpipinta ng mga artista ng Romantic movement
Ang Romantisismo, na pinapalitan ang panahon ng Enlightenment at dumaan sa sentimentalismo, ay itinatag ang sarili sa kultura ng Europa sa pagtatapos ng ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo.
Ang ideolohikal at masining na direksyon na ito ay kabaligtaran ng klasisismo at ng Enlightenment. At ang harbinger ng romanticism ay sentimentalism. Ang lugar ng kapanganakan ng romanticism ay Germany.
Pilosopiya ng Romantisismo
Pinagtibay ng Romantisismo ang kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ngunit, maaari kang magtaltalan, ang sentimentalismo ay iginiit din. Kaya ano ang pagkakaiba sa pagitan nila?
Oo, ang protesta laban sa kakulangan ng espirituwalidad at pagkamakasarili ay makikita na sa sentimentalismo. Ang romantikismo ay nagpapahayag ng pagtanggi na ito nang matalas. Sa pangkalahatan, ang romantisismo ay isang mas kumplikado at magkasalungat na kababalaghan kaysa sa sentimentalismo. Kung sa sentimentalismo ang ideal ay ang kaluluwa ng isang karaniwang tao, na nakikita ng mga sentimentalista hindi lamang bilang katumbas ng kaluluwa ng isang aristokrata, ngunit kung minsan ay mas mataas at mas marangal, kung gayon ang romantisismo ay interesado hindi lamang sa kabutihan, kundi pati na rin sa kasamaan, na kahit na sumusubok na parangalan; interesado rin siya sa dialectic ng mabuti at masama sa tao (tandaan ang pangunahing karakter ng nobela ni M.Yu. Lermontov "Isang Bayani ng Ating Panahon").
M. Vrubel. Ilustrasyon para sa nobela ni Lermontov na "Isang Bayani ng Ating Panahon". Duel Pechorin kay Grushnitsky
Ang mga romantikong makata ay nagsimulang gumamit ng mga larawan ng mga anghel, lalo na ang mga nahulog, sa kanilang mga gawa. Halimbawa, ang interes sa imahe ng isang demonyo: ilang mga tula at ang tula na "The Demon" ni Lermontov; isang ikot ng mga pagpipinta na nakatuon sa demonyo ni M. Vrubel.
M. Vrubel "Nakaupo na Demonyo"
Ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pag-iral ng tao, bumaling sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at mala-tula na damdamin. Ngunit sa parehong oras, sinusubukan ng romantikong pag-isipang muli ang relihiyon.
Ang romantikong bayani ay isang kumplikado, madamdamin na tao na may malalim, ngunit magkasalungat na panloob na mundo - ito ay isang buong uniberso. M.Yu. Sinabi ni Lermontov sa kanyang nobela: "Ang kasaysayan ng kaluluwa ng tao, kahit na ang pinakamaliit na kaluluwa, ay halos mas mausisa at kapaki-pakinabang kaysa sa kasaysayan ng isang buong tao." Ang mga tampok na katangian ng romantikismo ay isang interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa.
Ang isa pang tampok ng romantikismo ay ang interes sa alamat, alamat, engkanto. Sa Russian romanticism, ang ballad at romantikong drama ay nagiging tanyag na mga genre. Salamat sa mga pagsasalin ni Zhukovsky, nakilala ng mga mambabasang Ruso ang mga ballad, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, at pagkatapos noon maraming makata ang bumaling sa ballad genre: A.S. Pushkin ("Awit ng Propetikong Oleg", "Ang Nalunod na Tao"), M.Yu. Lermontov ("Airship", "Mermaid"), A.K. Tolstoy at iba pa. At isa pang genre ng panitikan ang naitatag sa Russia, salamat kay V. Zhukovsky, - elehiya.
Ang mga romantiko ay interesado sa iba't ibang mga makasaysayang panahon, ang kanilang pagka-orihinal, pati na rin ang mga kakaiba at mahiwagang bansa at mga pangyayari. Ang paglikha ng genre ng nobelang pangkasaysayan ay isang merito rin ng romantikismo. Ang tagapagtatag ng makasaysayang nobela ay si W. Scott, ngunit higit na umuunlad ang genre na ito sa mga gawa ni F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo at iba pa.
At ang isa pang tampok ng romanticism (malayo sa isa) ay ang paglikha ng iyong sariling, espesyal na mundo, mas maganda at totoo kaysa sa katotohanan. Ang romantikong bayani ay nabubuhay sa mundong ito, masigasig na nagtatanggol sa kanyang kalayaan at naniniwala na hindi niya sinusunod ang mga alituntunin ng labas ng mundo, ngunit ang kanyang sariling mga patakaran.
Sa panahon ng romantikismo, umunlad ang panitikan. Ngunit, hindi tulad ng panitikan ng sentimentalismo, ang panitikang ito ay hindi nabakuran sa mga suliraning panlipunan at pampulitika.
I.K. Aivazovsky, I.E. Repin "Ang Paalam ni Pushkin sa Dagat" (1877)
Ang isang makabuluhang lugar sa gawain ng mga romantiko (sa lahat ng uri ng sining) ay inookupahan ng tanawin - una sa lahat, ang dagat, bundok, kalangitan, mga bagyong elemento, kung saan ang bayani ay nauugnay sa mga kumplikadong relasyon. Ang kalikasan ay maaaring maging katulad ng madamdaming katangian ng isang romantikong bayani, ngunit maaari rin itong labanan siya, maging isang pagalit na puwersa kung saan siya ay pinilit na labanan.
I. Aivazovsky "The Ninth Wave" (1850). State Russian Museum (Petersburg)
Sa iba't ibang bansa, ang kapalaran ng romantisismo ay may sariling katangian.
Romantisismo sa pagpipinta
T. Gericault
Maraming mga artista mula sa iba't ibang mga bansa sa Europa ang nagpinta sa istilo ng romantikismo. Ngunit sa mahabang panahon, ang romantikismo ay nakikipagpunyagi sa klasisismo. At pagkatapos lamang ng paglitaw ng pagpipinta ni Theodore Gericault na "The Raft of Medusa", na itinuturing na makabagong, kinikilala ng mga tagasunod ng istilong pang-akademiko ang romantikismo bilang isang bagong artistikong direksyon sa sining, kahit na ang pagpipinta sa una ay hindi naaprubahan. Ngunit ang pagpipinta na ito ang naglatag ng pundasyon para sa romantikong Pranses. Sa France, ang mga tradisyon ng klasisismo ay malakas, at ang bagong direksyon ay kailangang pagtagumpayan ang pagsalungat.
T. Gericault "The Raft of the Medusa" (1819). Canvas, langis. 491 x 716 cm Louvre (Paris)
Ang balangkas ng larawan ay ang kuwento ng frigate na "Medusa", na, dahil sa kawalan ng kakayahan ng kapitan, ay bumagsak sa baybayin ng Senegal noong 1816. Sinubukan ng 140 na mga pasahero at tripulante na tumakas sa pamamagitan ng pagsakay sa isang balsa. Noong ika-12 araw lamang sila ay dinampot ng Argus brig, ngunit 15 katao lamang ang nakaligtas. Noong 1817, dalawa sa kanila, engineer Correr at surgeon Henri Savigny) ay susulat ng isang libro tungkol sa trahedyang ito.
Si Theodore Gericault, tulad ng marami pang iba, ay nagulat sa nangyari kay Medusa. Nakipag-usap siya sa mga nakasaksi sa kaganapan, gumagawa ng mga sketch ng mga pinatay at namamatay, nagsusulat ng daan-daang sketch ng rumaragasang dagat. At kahit na ang larawan ay monochrome, ang pangunahing bentahe nito ay nakasalalay sa malalim na sikolohiya ng sitwasyon na inilalarawan sa canvas.
Ang isa pang pinuno ng romantikong uso sa pagpipinta ng Europa ay ang pintor ng Pranses at graphic artist na si Eugene Delacroix.
Eugene Delacroix "Self-portrait" (1837)
Ang kanyang pagpipinta na Liberty Leading the People (1830) ay batay sa Rebolusyong Hulyo ng 1830, na nagtapos sa rehimeng Pagpapanumbalik ng monarkiya ng Bourbon.
Ang babaeng inilalarawan sa gitna ng larawan ay sumisimbolo ng kalayaan. Sa kanyang ulo ay isang Phrygian cap (isang simbolo ng kalayaan o rebolusyon), sa kanyang kanang kamay ay ang bandila ng Republican France, sa kanyang kaliwa ay isang baril. Ang hubad na dibdib ay sumisimbolo sa dedikasyon ng mga Pranses noong panahong iyon, na pumunta sa kaaway na may "hubad na mga suso". Sa paligid ng Liberty ay isang manggagawa, isang burges, isang binatilyo na sumasagisag sa pagkakaisa ng mga mamamayang Pranses noong rebolusyong Hulyo. Iminumungkahi ng ilang mga istoryador ng sining at kritiko na inilarawan ng artist ang kanyang sarili sa anyo ng isang tao sa isang tuktok na sumbrero sa kaliwa ng pangunahing karakter.
O. Kiprensky "Self-portrait" (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - sikat na Russian artist, graphic artist at pintor, master ng portrait.
O. Kiprensky "Portrait of A.S. Pushkin "(1827). Canvas, langis. 63 x 54 cm.The State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ito marahil ang pinakatanyag na larawan ng Pushkin, na inatasan ng isang kaibigan ni Pushkin, Delvig. Sa canvas, si Pushkin ay inilalarawan hanggang sa baywang, na ang kanyang mga braso ay naka-cross sa kanyang dibdib. Ang isang checkered Scottish plaid ay itinapon sa kanang balikat ng makata - kasama ang detalyeng ito na tinukoy ng artist ang koneksyon sa pagitan ni Pushkin at Byron, ang idolo ng panahon ng romantikismo.
K. Bryullov "Self-portrait" (1848)
Ang gawain ng Russian artist na si K. Bryullov ay inuri bilang akademiko, ngunit ang ilan sa kanyang mga kuwadro na gawa ay ang rurok ng huling romantikong Ruso, na may kanilang pakiramdam ng trahedya at tunggalian ng buhay, interes sa malakas na mga hilig, hindi pangkaraniwang mga tema at sitwasyon at ang kapalaran. ng malaking masa ng tao.
K. Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833). Canvas, langis. 465.5 x 651 cm.The State Russian Museum (St. Petersburg)
Pinagsama ni Bryullov ang drama ng aksyon, romantikong mga epekto sa pag-iilaw at sculptural, klasikal na perpektong plasticity ng mga figure sa pagpipinta.
Ang pagpipinta ay naglalarawan sa sikat na pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. e. at ang pagkawasak ng lungsod ng Pompeii malapit sa Naples. Ang "Huling Araw ng Pompeii" ay naglalarawan ng romantikismo ng pagpipinta ng Russia, na may halong idealismo, isang pagtaas ng interes sa plein air at pag-aalaga sa mga katulad na makasaysayang paksa. Ang malalim na sikolohiyang likas sa romantikismo ay nakakatulong upang makita ang isang personalidad sa bawat karakter: kagalang-galang at walang pag-iimbot (isang grupo ng mga tao sa ibabang kanang sulok ng larawan na may dalang isang matanda), sakim (isang pigura na nakaputi na nagdadala ng ari-arian ng isang tao na ninakaw sa ilalim ng pagkukunwari. ), mapagmahal (isang binata sa kanang bahagi ng pagpipinta na sinusubukang iligtas ang kanyang minamahal), isang deboto (inayakap ang kanyang mga anak na babae sa ibabang kaliwang sulok ng pagpipinta), atbp.
Ang larawan ng pintor sa kaliwang sulok ng pagpipinta ay isang self-portrait ng may-akda.
At narito ang kapatid ng artista, Bryullov Alexander Pavlovich, ay isang kinatawan ng romantikismo sa arkitektura (bagaman isa rin siyang artista).
A. Bryullov "Self-portrait" (1830)
Gumawa siya ng mga proyekto para sa mga gusali sa St. Petersburg at sa mga kapaligiran nito.
Ang gusali ng Mikhailovsky Theatre ay dinisenyo din ni A. Bryullov.
Orthodox church ng mga banal na apostol na sina Peter at Paul sa nayon ng Pargolovo (ngayon ay teritoryo ng St. Petersburg)
Romantisismo sa musika
M. Vodzinskaya "Portrait of F. Chopin" (1835)
Itinatag noong 1820s, nakuha ng romanticism sa musika ang buong ika-19 na siglo. at kinakatawan ng isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na kompositor, na kung saan ay mahirap itangi ang isang tao o ilan upang hindi makasakit ng damdamin ng iba. Samakatuwid, susubukan naming pangalanan ang pinakamaraming pangalan hangga't maaari. Ang pinakakilalang kinatawan ng romantikismo sa musika ay sina Franz Schubert, Franz Liszt, gayundin ang mga yumaong romantikong sina Anton Bruckner at Gustav Mahler (Austria-Hungary); Ludwig van Beethoven (bahagi), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Germany); Frederic Chopin (Poland); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi (Italy); A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Tchaikovsky (Russia).
J. Krihuber "Portrait of R. Schumann" (1849)
Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas matingkad, indibidwal. Ang mga genre ng kanta, kabilang ang ballad, ay umuunlad.
Ang pangunahing problema ng romantikong musika ay ang problema ng personalidad sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay palaging nag-iisa. Ang tema ng kalungkutan ay ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Kadalasan ang pag-iisip ng isang malikhaing personalidad ay nauugnay dito: ang isang tao ay malungkot kapag siya ay tiyak na isang pambihirang, likas na matalino na tao. Aktor, makata, musikero - mga paboritong karakter sa mga gawa ng mga romantiko ("The Love of a Poet" ni Schumann, "Fantastic Symphony" ni Berlioz kasama ang subtitle nito - "Episode from the Artist's Life", ang symphonic poem ni Liszt na "Tasso").
P.I. Tchaikovsky
Ang romantikong musika, tulad ng iba pang uri ng romantikong sining, ay nailalarawan sa pamamagitan ng malalim na interes sa personalidad ng tao, ang pamamayani ng personal na tono sa musika. Kadalasan, ang mga gawa sa musika ay may bahid ng sariling talambuhay, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ang nauugnay sa kwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay binigyang-diin ni Wagner. Ang musika ni Chopin, na nagpahayag ng pananabik para sa kanyang tinubuang-bayan (Poland) sa kanyang mazurkas, polonaises, ballads, ay maaari ding tawaging autobiographical. Labis na umiibig sa Russia at kalikasan ng Russia, P.I. Si Tchaikovsky ay gumuhit ng mga larawan ng kalikasan sa marami sa kanyang mga gawa, at ang cycle ng mga piraso para sa piano na "The Four Seasons" ay ganap na nakatuon sa kanya.
Romantisismo sa panitikan
Ang Magkapatid na Grimm: Wilhelm at Jacob
Unang lumitaw ang Romantisismo sa Alemanya, sa mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena. Ito ay isang grupo ng mga pinuno ng romantikong kilusan na nagtipon sa lungsod ng unibersidad ng Jena noong 1796 (magkapatid na August Wilhelm at Friedrich Schlegel, Ludwig Thieck, Novalis). Sinimulan nilang i-publish ang Athenaeum magazine, kung saan bumalangkas sila ng kanilang sariling aesthetic program of romanticism. Nang maglaon, ang romantikong Aleman ay nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa fairytale at mythological motives (ang mga gawa ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, Hoffmann).
R. Westall "Portrait of Byron"
Isang kilalang kinatawan ng English romanticism si D.G. Byron, na, sa mga salita ng A.S. Pushkin "nadamit ng mapurol na romantikismo at walang pag-asa na pagkamakasarili." Ang kanyang gawain ay puno ng mga pathos ng pakikibaka at protesta laban sa modernong mundo, ang pagluwalhati sa kalayaan at indibidwalismo.
Ang mga gawa ni Shelley, John Keats, William Blake ay kabilang sa romantikong Ingles.
Prosper Merimee
Lumaganap din ang romantikismo sa ibang bansa sa Europa. Sa France, ang mga kinatawan nito ay Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Mérimée, Georges Sand. Sa Italy - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki at iba pa, sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Poe, Henry Longfellow at iba pa.
Adam Mickiewicz
Romantisismo sa panitikang Ruso
K. Bryullov "Larawan ni V. Zhukovsky"
Kasama sa mga romantikong makata ang K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Maagang tula ng A.S. Pushkin - sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang rurok ng romantikong Ruso ay itinuturing na tula ni M. Yu. Lermontov, na tinawag na "Russian Byron".
P. Zabolotsky. “Larawan ni M.Yu. Lermontov sa mentics ng Life Guards Hussar Regiment "(1837)
Ang personalidad at kaluluwa ang pangunahing katotohanan ng pagiging para kay Lermontov, ang pag-aaral ng pagkatao at kaluluwa ng tao ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa. Iniimbestigahan ang mga pinagmulan ng mabuti at masama, dumating si Lermontov sa konklusyon na ang mabuti at masama ay hindi umiiral sa labas ng isang tao, ngunit sa kanyang sarili. Samakatuwid, imposibleng umasa na ang isang tao ay magbabago para sa mas mahusay bilang isang resulta ng isang pagbabago sa mundo. Kaya naman halos ganap na kawalan ng mga panawagan ang makata para sa pakikibaka para sa katarungang panlipunan. Ang pangunahing pansin ni Lermontov ay ang kaluluwa ng tao at ang kanyang espirituwal na landas.
Ang mga pilosopikal na liriko ni F. I. Tyutchev ay kumpletong romantikismo sa Russia.
F.I. Tyutchev (1860-1861). Larawan ni S. Levitsky
F.I. Hindi itinuring ni Tyutchev ang kanyang sarili na isang makata (naglingkod siya bilang isang diplomat), ngunit ang lahat ng kanyang mga tula ay autobiographical at puno ng mga pilosopikal na pagmumuni-muni sa mundo at sa taong nasa loob nito, sa mga kontradiksyon na nagpapahirap sa kaluluwa ng tao, sa kahulugan ng buhay at kamatayan.
Manahimik, magtago at thai
At damdamin, at ang iyong mga pangarap -
Hayaan sa kaibuturan ng kaluluwa
Tumayo ang isa at umalis
Kasing tahimik ng mga bituin sa gabi -
Humanga sila - at tumahimik.
Paano maipahayag ng puso ang sarili?
Paano ka maiintindihan ng iba?
Maiintindihan ba niya kung paano ka nabubuhay?
Ang binigkas na pag-iisip ay isang kasinungalingan.
Sumasabog, aabalahin mo ang mga susi, -
Kumain sila - at tumahimik.
Maaari lamang mabuhay sa iyong sarili -
Mayroong isang buong mundo sa iyong kaluluwa
Mahiwaga at mahiwagang mga kaisipan;
Mabibingi sila sa ingay sa labas
Magkakalat ang mga sinag sa araw, -
Makinig sa kanilang pagkanta - at tumahimik! ..
_______________
* Katahimikan! (lat.)
Nasabi na natin nang higit sa isang beses na ang isang artista, makata o kompositor ay hindi palaging gumagana sa isang partikular na artistikong istilo. Bilang karagdagan, ang artistikong istilo ay hindi palaging umaangkop sa isang tiyak na yugto ng panahon. Kaya, ang mga tampok ng anumang istilo ng sining ay maaaring matagpuan anumang oras. Minsan ito ay fashion (halimbawa, kamakailan lamang ay biglang sumikat muli ang istilo ng Empire), kung minsan ito ay ang pangangailangan ng artist para sa ganitong paraan lamang ng pagpapahayag ng sarili.
1.1 Ang mga pangunahing katangian ng romantisismo
Romantisismo - (French romantisme, mula sa medieval French romant - nobela) ay isang kalakaran sa sining na umusbong sa loob ng balangkas ng pangkalahatang kilusang pampanitikan sa pagpasok ng ika-18-19 na siglo. sa Germany. Kumalat sa lahat ng bansa sa Europa at Amerika. Ang pinakamataas na rurok ng romantikismo ay nahuhulog sa unang quarter ng ika-19 na siglo.
Ang salitang Pranses na romantisme ay bumalik sa Espanyol na romansa (sa Middle Ages, ang mga Espanyol na romansa ay tinawag na gayon, at pagkatapos ay ang chivalric romance), ang romantikong Ingles, na naging ika-18 siglo. sa romantique at pagkatapos ay nangangahulugang "kakaiba", "kamangha-manghang", "picturesque". Sa simula ng siglo XIX. Ang romantikismo ay nagiging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran ng klasiko.
Ang pagpasok sa antithesis ng "classicism" - "romanticism", ang direksyon ay ipinapalagay ang pagsalungat ng classicist na kinakailangan ng mga patakaran sa romantikong kalayaan mula sa mga patakaran. Ang sentro ng artistikong sistema ng romantisismo ay personalidad, at ang pangunahing kontrahan nito ay personalidad at lipunan. Ang mga kaganapan ng Great French Revolution ay naging mapagpasyang kinakailangan para sa pag-unlad ng romantikismo. Ang paglitaw ng romantisismo ay nauugnay sa kilusang anti-enlightenment, ang mga dahilan kung saan namamalagi sa pagkabigo sa sibilisasyon, sa panlipunan, industriyal, pampulitika at siyentipikong pag-unlad, na nagresulta sa mga bagong kaibahan at kontradiksyon, leveling at espirituwal na pagkawasak ng indibidwal.
Ipinangaral ng Enlightenment ang bagong lipunan bilang pinaka "natural" at "makatwiran". Ang pinakamahusay na mga isip ng Europa ay nagbigay-katwiran at inilarawan ang lipunang ito ng hinaharap, ngunit ang katotohanan ay naging lampas sa kontrol ng "dahilan", ang hinaharap - hindi mahuhulaan, hindi makatwiran, at ang modernong istrukturang panlipunan ay nagsimulang magbanta sa kalikasan ng tao at sa kanyang personal na kalayaan. Ang pagtanggi sa lipunang ito, ang protesta laban sa kawalan ng espirituwalidad at pagkamakasarili ay makikita na sa sentimentalismo at pre-romanticism. Ang romantikismo ay nagpapahayag ng pagtanggi na ito nang matalas. Ang Romantisismo ay sumalungat sa Enlightenment sa salita din: ang wika ng mga romantikong gawa, nagsusumikap na maging natural, "simple", naa-access sa lahat ng mga mambabasa, ay isang bagay na kabaligtaran sa mga klasiko na may marangal, "kahanga-hanga" na mga tema, katangian, halimbawa, ng klasikal na trahedya. .
Sa mga huling romantikong Western European, ang pesimismo na may kaugnayan sa lipunan ay nakakakuha ng mga cosmic na proporsyon, ay nagiging "sakit ng siglo." Ang mga bayani ng maraming romantikong mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga mood ng kawalan ng pag-asa at kawalan ng pag-asa, na nakakuha ng isang unibersal na karakter ng tao. Ang pagiging perpekto ay nawala magpakailanman, ang mundo ay pinamumunuan ng kasamaan, ang sinaunang kaguluhan ay muling nabubuhay. Ang tema ng "nakakatakot na mundo", na katangian ng lahat ng romantikong panitikan, ay mas malinaw na nakapaloob sa tinatawag na "black genre" (sa pre-romantic na "Gothic novel" - A. Radcliffe, C. Maturin, sa " rock drama" o "trahedya sa bato" - Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), gayundin sa mga gawa ni Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe at N. Hawthorne.
Kasabay nito, ang romantisismo ay batay sa mga ideya na humahamon sa "kakila-kilabot na mundo" - higit sa lahat, ang mga ideya ng kalayaan. Ang pagkabigo ng romantisismo ay isang pagkabigo sa katotohanan, ngunit ang pag-unlad at sibilisasyon ay isang panig lamang nito. Ang pagtanggi sa panig na ito, ang kawalan ng pananampalataya sa mga posibilidad ng sibilisasyon ay nagbibigay ng isa pang landas, isang landas sa perpekto, sa walang hanggan, sa ganap. Ang landas na ito ay dapat malutas ang lahat ng mga kontradiksyon, ganap na baguhin ang buhay. Ito ang landas tungo sa pagiging perpekto, "sa layunin, ang paliwanag na dapat hanapin sa kabilang panig ng nakikita" (A. de Vigny). Para sa ilang mga romantiko, ang hindi maintindihan at mahiwagang pwersa ay nangingibabaw sa mundo, na dapat sundin at hindi subukang baguhin ang kapalaran (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para sa iba, ang "kasamaan sa mundo" ay nagdulot ng isang protesta, humiling ng paghihiganti, pakikibaka (unang bahagi ng A.S. Pushkin). Ang pagkakatulad nilang lahat ay nakita nilang lahat ang isang solong kakanyahan sa tao, na ang gawain ay hindi nabawasan sa paglutas ng mga pang-araw-araw na problema. Sa kabaligtaran, nang hindi itinatanggi ang pang-araw-araw na buhay, ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pagkakaroon ng tao, lumingon sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at mala-tula na damdamin.
Ang romantikong bayani ay isang kumplikado, madamdamin na personalidad, na ang panloob na mundo ay hindi pangkaraniwang malalim, walang katapusang; ito ay isang buong sansinukob na puno ng mga kontradiksyon. Ang mga romantiko ay interesado sa lahat ng mga hilig, parehong mataas at mababa, na salungat sa bawat isa. Ang mataas na pagnanasa ay pag-ibig sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang mababang pagnanasa ay kasakiman, ambisyon, inggit. Ang batayang materyal na kasanayan ng mga romantiko ay sumalungat sa buhay ng espiritu, lalo na sa relihiyon, sining, pilosopiya. Interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa - ito ang mga katangian ng romantikismo.
Maaari mong pag-usapan ang tungkol sa pag-iibigan bilang isang espesyal na uri ng personalidad - isang taong may malakas na hilig at mataas na hangarin, hindi tugma sa pang-araw-araw na mundo. Ang kalikasan na ito ay sinamahan ng mga pambihirang pangyayari. Ang fiction, katutubong musika, tula, mga alamat ay nagiging kaakit-akit sa mga romantiko - lahat ng bagay na sa loob ng isang siglo at kalahati ay itinuturing na mga menor de edad na genre, hindi karapat-dapat ng pansin. Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggigiit ng kalayaan, ang soberanya ng indibidwal, nadagdagan ang pansin sa isahan, natatangi sa tao, ang kulto ng indibidwal. Ang pagtitiwala sa pagpapahalaga sa sarili ng isang tao ay nagiging protesta laban sa kapalaran ng kasaysayan. Kadalasan ang bayani ng isang romantikong gawa ay isang artista na may kakayahang malikhaing madama ang katotohanan. Ang klasiko na "imitasyon ng kalikasan" ay sumasalungat sa malikhaing enerhiya ng artist na nagbabago ng katotohanan. Isang espesyal na mundo ang nilikha, mas maganda at totoo kaysa sa empirically perceived reality. Ito ay pagkamalikhain na ang kahulugan ng pagkakaroon, ito ang pinakamataas na halaga ng sansinukob. Masigasig na ipinagtanggol ng mga Romantiko ang malikhaing kalayaan ng artista, ang kanyang pantasya, na naniniwala na ang henyo ng artista ay hindi sumusunod sa mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga ito.
Ang mga romantika ay bumaling sa iba't ibang mga makasaysayang panahon, naaakit sila sa kanilang pagka-orihinal, naaakit ng mga kakaiba at misteryosong bansa at mga pangyayari. Ang interes sa kasaysayan ay naging isa sa mga nagtatagal na pananakop ng masining na sistema ng romantikismo. Ipinahayag niya ang kanyang sarili sa paglikha ng genre ng makasaysayang nobela, ang tagapagtatag nito ay itinuturing na W. Scott, at sa pangkalahatan ng nobela, na nakakuha ng isang nangungunang posisyon sa panahong isinasaalang-alang. Ang mga romantika ay nagpaparami nang detalyado at tumpak sa mga makasaysayang detalye, background, lasa ng isang partikular na panahon, ngunit ang mga romantikong karakter ay ibinibigay sa labas ng kasaysayan, sila, bilang panuntunan, ay nasa itaas ng mga pangyayari at hindi umaasa sa kanila. Kasabay nito, nakita ng mga romantiko ang nobela bilang isang paraan ng pag-unawa sa kasaysayan, at mula sa kasaysayan ay napunta sa pagtagos sa mga lihim ng sikolohiya, at, nang naaayon, modernidad. Ang interes sa kasaysayan ay makikita rin sa mga gawa ng mga istoryador ng Pranses na romantikong paaralan (O. Thierry, F. Guizot, F.O. Meunier).
Ito ay sa panahon ng Romantisismo na ang kultura ng Middle Ages ay natuklasan, at ang paghanga sa antiquity, na katangian ng nakaraang panahon, ay hindi rin humupa sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-20 siglo. XIX na siglo. Ang iba't ibang pambansa, makasaysayang, indibidwal na mga katangian ay mayroon ding pilosopikal na kahulugan: ang yaman ng isang buong mundo ay binubuo ng isang kumbinasyon ng mga indibidwal na tampok na ito, at ang pag-aaral ng kasaysayan ng bawat bansa nang hiwalay ay ginagawang posible upang masubaybayan, sa mga salita ni Burke , walang patid na buhay sa pamamagitan ng mga bagong henerasyon na sumunod sa isa't isa.
Ang panahon ng Romantisismo ay minarkahan ng pag-usbong ng panitikan, isa sa mga natatanging katangian nito ay pagkahumaling sa mga suliraning panlipunan at pampulitika. Sinusubukang unawain ang papel ng tao sa patuloy na makasaysayang mga kaganapan, ang mga romantikong manunulat ay nahilig sa katumpakan, pagiging konkreto, at pagiging maaasahan. Kasabay nito, ang pagkilos ng kanilang mga gawa ay madalas na nagbubukas sa isang setting na hindi karaniwan para sa isang European - halimbawa, sa Silangan at Amerika, o, para sa mga Ruso, sa Caucasus o Crimea. Kaya, ang mga romantikong makata ay pangunahing mga liriko at makata ng kalikasan, at samakatuwid sa kanilang gawain (gayunpaman, tulad ng maraming mga manunulat ng prosa), ang tanawin ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar - una sa lahat, ang dagat, bundok, langit, ang mabagyong elemento kung saan ang bayani ay nauugnay kumplikadong mga relasyon. Ang kalikasan ay maaaring maging katulad ng madamdaming katangian ng isang romantikong bayani, ngunit maaari rin itong labanan siya, maging isang pagalit na puwersa kung saan siya ay pinilit na labanan.
Hindi pangkaraniwan at matingkad na mga larawan ng kalikasan, buhay, paraan ng pamumuhay at mga kaugalian ng malalayong bansa at mga tao - inspirasyon din ng mga romantiko. Hinahanap nila ang mga katangiang bumubuo sa pangunahing prinsipyo ng pambansang diwa. Ang pambansang pagka-orihinal ay ipinakita pangunahin sa oral folk art. Kaya't ang interes sa alamat, ang pagproseso ng mga gawa ng alamat, ang paglikha ng kanilang sariling mga gawa batay sa katutubong sining.
Ang pag-unlad ng mga genre ng makasaysayang nobela, kamangha-manghang kuwento, liriko-epikong tula, balad ay ang merito ng mga romantiko. Ang kanilang pagbabago ay ipinakita mismo sa mga liriko, lalo na, sa paggamit ng kalabuan ng salita, ang pagbuo ng pagkakaugnay, metapora, mga pagtuklas sa larangan ng versification, meter, at ritmo.
Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang synthesis ng mga genre at genre, ang kanilang interpenetration. Ang sistema ng romantikong sining ay batay sa isang synthesis ng sining, pilosopiya, at relihiyon. Halimbawa, para sa isang palaisip tulad ni Herder, ang mga pag-aaral sa wika, mga doktrinang pilosopikal, at mga tala sa paglalakbay ay nagsisilbing paghahanap ng mga paraan upang baguhin ang kultura. Marami sa mga nagawa ng romantikismo ang nagmana ng realismo noong ikalabinsiyam na siglo. - isang pagkahilig sa pantasya, katawa-tawa, pinaghalong mataas at mababa, trahedya at komiks, ang pagtuklas ng "subjective person".
Sa panahon ng romantikismo, hindi lamang panitikan ang umuunlad, kundi pati na rin ang maraming agham: sosyolohiya, kasaysayan, agham pampulitika, kimika, biyolohiya, ebolusyonaryong doktrina, pilosopiya (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, natural na pilosopiya, ang kakanyahan ng na siyang kalikasan - isa sa mga kasuotan ng Diyos, "ang buhay na kasuotan ng Banal").
Ang Romantisismo ay isang kultural na kababalaghan sa Europa at Amerika. Sa iba't ibang bansa, ang kanyang kapalaran ay may sariling katangian.
1.2 Romantisismo sa Russia
Sa simula ng ikalawang dekada ng ika-19 na siglo, ang romantikismo ay sumakop sa isang mahalagang lugar sa sining ng Russia, na inilalantad, higit pa o hindi gaanong ganap, ang pambansang pagkakakilanlan nito. Lubhang mapanganib na bawasan ang kakaibang ito sa anumang tampok o maging ang kabuuan ng mga tampok; mas malamang na harapin natin ang direksyon ng proseso, pati na rin ang bilis nito, ang bilis nito - kung ihahambing natin ang romantikong Ruso sa mga mas lumang "romantisismo" ng mga panitikan sa Europa.
Naobserbahan na natin ang pinabilis na pag-unlad na ito sa prehistory ng romantikong Ruso - sa huling dekada ng ika-18 siglo. - sa mga unang taon ng ika-19 na siglo, nang mayroong isang hindi pangkaraniwang malapit na pagkakaugnay ng preromantic at sentimental na mga tendensya sa mga tendensya ng klasisismo.
Ang labis na pagpapahalaga sa katwiran, hypertrophy ng sensitivity, ang kulto ng kalikasan at natural na tao, elegiac melancholism at epicureanism ay pinagsama sa mga sandali ng sistematismo at rasyonalidad, lalo na ipinakita sa larangan ng poetics. Ang mga istilo at genre ay na-streamline (pangunahin sa pamamagitan ng pagsisikap ni Karamzin at ng kanyang mga tagasunod), isang pakikibaka laban sa labis na metapora at kagandahan ng pananalita para sa kapakanan ng "harmonic accuracy" nito (ang kahulugan ni Pushkin sa natatanging katangian ng paaralan na itinatag ni Zhukovsky at Batyushkov).
Ang bilis ng pag-unlad ay nag-iwan ng marka sa mas mature na yugto ng romantikong Ruso. Ang siksik ng artistikong ebolusyon ay nagpapaliwanag din kung bakit mahirap kilalanin ang mga malinaw na kronolohikal na yugto sa romantikong Ruso. Hinahati ng mga mananalaysay sa panitikan ang romantikong Ruso sa mga sumusunod na panahon: ang unang panahon (1801 - 1815), ang panahon ng kapanahunan (1816 - 1825) at ang panahon ng pag-unlad nito pagkatapos ng Oktubre. Ito ay isang tinatayang diagram, dahil hindi bababa sa dalawa sa mga panahong ito (ang una at ang pangatlo) ay may husay na heterogenous at hindi nailalarawan sa pamamagitan ng hindi bababa sa kamag-anak na pagkakaisa ng mga prinsipyo na nakikilala, halimbawa, ang mga panahon ng Jena at Heidelberg romanticism sa Germany.
Ang romantikong kilusan sa Kanlurang Europa - pangunahin sa panitikang Aleman - ay nagsimula sa ilalim ng tanda ng pagkakumpleto at integridad. Ang lahat ng hindi pagkakaisa ay nagsusumikap para sa synthesis: sa natural na pilosopiya, at sa sosyolohiya, at sa teorya ng kaalaman, at sa sikolohiya - personal at panlipunan, at, siyempre, sa artistikong pag-iisip, na pinag-isa ang lahat ng mga impulses na ito at, tulad ng dati. , nagbigay ng bagong buhay sa kanila....
Ang tao ay nagsumikap na sumanib sa kalikasan; personalidad, indibidwal - kasama ang kabuuan, kasama ang mga tao; intuitive na kaalaman - na may lohikal; hindi malay na mga elemento ng espiritu ng tao - na may mas mataas na saklaw ng pagmuni-muni at pangangatwiran. Kahit na ang ratio ng magkasalungat na sandali ay tila magkasalungat sa mga oras, ang pagkahilig sa pag-iisa ay nagbunga ng isang espesyal na emosyonal na spectrum ng romantikismo, maraming kulay at motley, na may nangingibabaw na maliwanag, pangunahing tono.
Unti-unti lamang lumaki ang likas na salungatan ng mga elemento sa kanilang antinomy; ang ideya ng ninanais na synthesis ay natunaw sa ideya ng alienation at confrontation, ang optimistic mood sa major mood ay nagbigay daan sa isang pakiramdam ng pagkabigo at pesimismo.
Ang romantikong Ruso ay pamilyar sa parehong mga yugto ng proseso - pareho ang una at ang pangwakas; gayunpaman, pinilit din niya ang pangkalahatang kilusan. Ang mga huling anyo ay lumitaw bago ang mga paunang anyo ay umabot sa kanilang kalakasan; ang mga intermediate ay gusot o nahulog. Laban sa background ng mga panitikan sa Kanlurang Europa, ang romantikong Ruso ay mukhang hindi gaanong at mas romantiko: ito ay mas mababa sa kanila sa kayamanan, ramification, lawak ng pangkalahatang larawan, ngunit nalampasan sa katiyakan ang ilang mga huling resulta.
Ang pinakamahalagang salik na sosyo-politikal na nakaimpluwensya sa pagbuo ng romantikismo ay ang Decembrism. Ang repraksyon ng ideolohiyang Decembrist sa larangan ng artistikong paglikha ay isang napakasalimuot at mahabang proseso. Huwag natin, gayunpaman, kalimutan ang katotohanan na siya ay nakakuha ng tiyak na isang masining na pagpapahayag; na ang mga impulses ng Decembrist ay binihisan ng medyo tiyak na mga anyo ng pampanitikan.
Kadalasan, ang "literary Decembrism" ay nakilala sa isang uri ng imperative sa labas ng artistikong paglikha, kapag ang lahat ng artistikong paraan ay napapailalim sa isang extra-literary na layunin, na, sa turn, ay nagmula sa Decembrist ideology. Ang layuning ito, ang "gawain" na ito ay diumano'y nag-level o kahit na itinulak sa isang tabi ang "mga palatandaan ng isang pantig o mga katangian ng genre." Sa katotohanan, ang lahat ay naging mas kumplikado.
Ang tiyak na katangian ng romantikong Ruso ay malinaw na nakikita sa mga liriko ng panahong ito, i.e. sa isang liriko na kaugnayan sa mundo, sa pangunahing tono at foreshortening ng posisyon ng may-akda, sa kung ano ang karaniwang tinatawag na "larawan ng may-akda". Tingnan natin ang tula ng Russia mula sa anggulong ito upang makakuha ng hindi bababa sa isang maikling ideya ng pagkakaiba-iba at pagkakaisa nito.
Ang mga romantikong tula ng Russia ay nagsiwalat ng isang medyo malawak na hanay ng "mga imahe ng may-akda", kung minsan ay nagtatagpo, pagkatapos, sa kabaligtaran, polemicizing at contrasting sa bawat isa. Ngunit palaging ang "larawan ng may-akda" ay tulad ng isang paghahalo ng mga damdamin, mood, kaisipan, o pang-araw-araw at biograpikal na mga detalye ("mga scrap" ng linya ng alienation ng may-akda, na mas ganap na kinakatawan sa tula, ay nahulog sa lyric na gawain. ), na nagmumula sa pagsalungat sa kapaligiran. Ang bono sa pagitan ng indibidwal at ng kabuuan ay nasira. Ang diwa ng pagsalungat at kawalan ng pagkakaisa ay sumasabog sa hitsura ng may-akda kahit na ito mismo ay tila malinaw at buo.
Alam ng Preromantism ang pangunahing dalawang anyo ng pagpapahayag ng salungatan sa mga liriko, na maaaring tawaging mga liriko na pagsalungat - ang elegiac at ang epicurean na anyo. Ang mga romantikong tula ay binuo ang mga ito sa isang serye ng mga mas kumplikado, mas malalim at indibidwal na naiiba.
Ngunit, gaano man kahalaga ang mga porma sa itaas sa kanilang sarili, siyempre, hindi nila nauubos ang buong kayamanan ng romantikismong Ruso.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Dagat. Maaraw na araw »Pribadong koleksyon Romanticism
John Constable "Autumn Berries and Flowers in a Brown Pot" Romanticism
Thomas Sully "Portrait of Miss Mary and Emily McEwen", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romanticism
William Mo Eagley "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakahilig", 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romanticism Ang pagpipinta ay ipinangalan sa salawikain na "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakahilig". Analogue sa Russian "Kung saan patungo ang puno, doon ito nahulog."
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Tanaw ng Teflis mula sa Seid-Abad", 1868 National Gallery of Armenia, Yerevan Romanticism Ang Seid-Abad ay isang quarter sa Tiflis, sikat sa mga sulfur bath at hindi maunahang mga bath attendant. Ang pakikipag-usap tungkol sa Seid-Abad, hindi maaaring hindi hawakan ang kasaysayan ng sikat na Abanotubani - Banny quarter. Nagkaroon ito ng ilang pangalan. Mayroong isang alamat na ang isang tiyak na takas mula sa hangganan ng pashalyk, na may sipon sa ...
Karl Pavlovich Bryullov "Portrait of His Serene Highness Princess Elizabeth Pavlovna Saltykova", 1841 Russian Museum, St. Petersburg Romanticism Ang prinsesa ay inilalarawan na nakaupo sa isang armchair sa terrace ng kanyang ari-arian. Sa canvas na ito, na puno ng mga liriko na madamdamin na tala, lumikha si Bryullov ng isang mala-tula na imahe ng kanyang pangunahing tauhang babae. Elizaveta Pavlovna Saltykova (née Stroganova), anak ni Count Stroganov, isang pilantropo at pangunahing industriyalista. Si Bryullov ay palaging naaakit ng mga kababaihan mula sa marangal na pamilya….
Remy-Furcy Descarsen "Portrait of Dr. de S. playing chess with Death", 1793 Museum of the French Revolution, Vizius, France Romanticism Sa paghusga sa inskripsiyon sa frame ng painting, ang canvas ay pininturahan ng artist noong 1793, ilang sandali bago ang kanyang kamatayan (ang artista ay pinatay para sa pakikiramay sa kontra-rebolusyon) at ang kanyang huling gawa. Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay itinago sa mga pribadong koleksyon at ...
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Foggy Morning in Italy", 1864 Feodosia Art Gallery na pinangalanang I.K. Aivazovsky, Feodosia Romanticism Noong 1840 nagpunta si Aivazovsky sa Italya. Doon nakilala niya ang mga kilalang pigura ng panitikan, sining, agham ng Russia - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Kasabay nito, noong 1841, binago ng artista ang kanyang pangalan sa Aivazovsky. Ang mga aktibidad ng artista sa...
Joshua Reynolds "Portrait of the Waldgrave Sisters", 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romanticism Para sa larawan ng Waldgrave sisters, pinili ni Reynolds ang genre ng "conversational painting", tradisyonal para sa English painting. Inilarawan niya silang nakaupo sa paligid ng isang mesa at gumagawa ng mga handicraft. Ngunit sa kanyang pagganap ang pang-araw-araw na eksena ay nawawala ang nakagawiang gawain. Hinahangad niyang itaas ang kanyang mga pangunahing tauhang babae kaysa sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga babaeng puno ng kagandahan ng kabataan ay nakasuot ng puti ...
Sanaysay sa pagsusulit
Paksa:"Romanticism bilang isang uso sa sining".
Ginanap estudyante 11 "B" class school №3
Boyprav Anna
Lektor ng Sining ng Daigdig
kultura Butsu T.N.
Brest 2002
1. Panimula
2. Ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantikismo
3. Ang mga pangunahing tampok ng romanticism
4. Romantikong bayani
5. Romantisismo sa Russia
a) Panitikan
b) Pagpipinta
c) Musika
6. Kanlurang Europeong romantikismo
a) Pagpipinta
b) Musika
7. Konklusyon
8. Mga Sanggunian
1. PANIMULA
Kung titingnan mo ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, makakahanap ka ng ilang mga kahulugan ng salitang "romanticism": 1. Ang trend sa panitikan at sining ng unang quarter ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng idealization ng nakaraan, paghihiwalay mula sa realidad, kulto ng personalidad at tao. 2. Isang uso sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na ipakita sa matingkad na mga larawan ang mataas na layunin ng isang tao. 3. Mood, na puno ng idealisasyon ng realidad, mapangarap na pagmumuni-muni.
Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantisismo ay isang kababalaghan na nagpapakita ng sarili hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at bumangon sa mga punto ng pagbabago ng buhay, samakatuwid ang tema ng romantikismo ay may kaugnayan ngayon. Nabubuhay tayo sa turn of the century, nasa transitional stage na tayo. Kaugnay nito, sa lipunan, may kakulangan ng pananampalataya sa hinaharap, hindi paniniwala sa mga mithiin, may pagnanais na tumakas mula sa nakapaligid na katotohanan sa mundo ng sariling mga karanasan at sa parehong oras upang maunawaan ito. Ito ang mga tampok na ito na katangian ng romantikong sining. Kaya naman pinili ko ang paksang "Romantisismo bilang direksyon sa sining" para sa pananaliksik.
Ang Romantisismo ay isang napakalaking layer ng iba't ibang uri ng sining. Ang layunin ng aking trabaho ay upang masubaybayan ang mga kondisyon ng pinagmulan at ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantikismo sa iba't ibang mga bansa, upang siyasatin ang pag-unlad ng romantisismo sa mga anyo ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at upang ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang mga pangunahing tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng uri ng sining, upang matukoy kung ano ang impluwensya ng romantikismo sa pag-unlad ng iba pang mga uso sa sining.
Sa pagbuo ng tema, gumamit ako ng mga aklat-aralin sa sining ng mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov at iba pa, mga encyclopedia, monograph na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng romantikismo, mga biograpikong materyales ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, atbp.
2. DAHILAN NG ROMANCE
Kung mas malapit tayo sa modernidad, nagiging mas maikli ang mga yugto ng panahon para sa pangingibabaw ng isang istilo o iba pa. Panahon ng panahon ng pagtatapos ng ika-18-1 ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ay itinuturing na panahon ng romanticism (mula sa French Romantique; isang bagay na misteryoso, kakaiba, hindi totoo)
Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong istilo?
Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.
Ang mga kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na "Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran!" Nagtataglay ng isang napakalaking kaakit-akit na puwersa para sa lahat ng mga mamamayang European. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang uring manggagawa laban sa pyudal na kaayusan bilang isang malayang puwersa. Ang magkasalungat na pakikibaka ng tatlong uri - ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado - ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad ng ika-19 na siglo.
Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang papel sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sumasakop sa isipan ng kanyang mga kontemporaryo. "Ang pinuno ng mga pag-iisip" - sabi ni A.S. Pushkin.
Para sa France, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, bagaman sa halaga ng buhay ng libu-libong mga Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Malaki ang pag-asa ng mga Polo sa kanya.
Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos sa interes ng mga Pranses na bourgeoisie. Para sa mga monarko ng Europa, hindi lamang siya isang kaaway ng militar, kundi isang kinatawan din ng dayuhan na mundo ng burgesya. Kinasusuklaman nila siya. Sa simula ng Napoleonic wars sa kanyang "Great Army" mayroong maraming direktang kalahok sa rebolusyon.
Ang personalidad ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga. Ang binata na si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:
Alien siya sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay sikreto
Isang araw ng pagtaas - at isang oras ng pagkahulog!
Ang sikretong ito ay nakakuha ng atensyon ng mga romantiko lalo na.
Kaugnay ng mga digmaang Napoleoniko at ang paghinog ng pambansang kamalayan, ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-usbong ng kilusang pambansang pagpapalaya. Ang Germany, Austria, Spain ay nakipaglaban sa Napoleonic occupation, Italy - laban sa Austrian yoke, Greece - laban sa Turkey, sa Poland sila ay nakipaglaban laban sa tsarism ng Russia, Ireland - laban sa British.
Isang henerasyon ang nakasaksi ng nakagugulat na pagbabago.
Higit sa lahat, ang Pransya ay sumikat: ang mabagyo na limang taon ng Rebolusyong Pranses, ang pagbangon at pagbagsak ni Robespierre, ang mga kampanyang Napoleoniko, ang unang pagbibitiw kay Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("isang daang araw") at ang pangwakas.
ang pagkatalo sa Waterloo, ang malungkot na ika-15 anibersaryo ng rehimeng panunumbalik, ang Rebolusyong Hulyo ng 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagdulot ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.
Sa Inglatera, bilang resulta ng isang rebolusyong pang-industriya noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. ang produksyon ng makina at kapitalistang relasyon ay naging matatag. Ang repormang parlyamentaryo noong 1832 ay nilinis ang landas ng burgesya tungo sa kapangyarihan ng estado.
Napanatili ng mga pinunong pyudal ang kapangyarihan sa mga lupain ng Germany at Austria. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon, malupit ang pakikitungo nila sa oposisyon. Ngunit maging sa lupain ng Aleman, ang isang steam locomotive na dinala mula sa England noong 1831 ay naging salik sa pag-unlad ng burges.
Binago ng mga rebolusyong pang-industriya, mga rebolusyong pampulitika ang mukha ng Europa. "Ang bourgeoisie, sa wala pang isang daang taon ng makauring paghahari nito, ay lumikha ng mas marami at mas malalaking produktibong pwersa kaysa sa pinagsama-samang lahat ng nakaraang henerasyon," isinulat ng mga siyentipikong Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.
Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milestone na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa edad ng Enlightenment. Hindi lamang ang mga anyo ng estado ang nagbago, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, ang pagsasaayos ng mga uri. Ang buong sistema ng mga representasyon, na iluminado sa loob ng maraming siglo, ay nayanig. Ang mga tagapagturo ay ideolohikal na inihanda ang rebolusyon. Ngunit hindi nila mahulaan ang lahat ng kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng katwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng kalayaan ng indibidwal, ay nagsilang ng isang burges na kaayusan, isang diwa ng pagiging acquisitive at pagkamakasarili. Ito ang makasaysayang batayan para sa pag-unlad ng artistikong kultura, na naglagay ng isang bagong direksyon - romantismo.
3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANCE
Ang Romantisismo bilang isang paraan at direksyon sa kulturang masining ay isang masalimuot at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa, mayroon siyang matingkad na pambansang ekspresyon. Sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro, hindi madaling makahanap ng mga tampok na pinag-iisa ang Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.
Sinakop ng mga romantiko ang iba't ibang posisyon sa lipunan at pulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling ideal. Ngunit para sa lahat ng maraming panig at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.
Ang pagkabigo sa modernidad ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan: sa mga pormasyong panlipunan bago ang burges, sa patriyarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang nailalarawan sa ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italy, Spain, Greece, Turkey - ay isang patula na kaibahan sa boring na burges na pang-araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, hindi pa gaanong apektado ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, malalakas na karakter, isang orihinal, makulay na paraan ng pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming gawaing pangkasaysayan.
Ang pagsusumikap, kumbaga, na umangat sa prosa ng pagiging, upang palayain ang magkakaibang mga kakayahan ng indibidwal, upang lubos na maisakatuparan ang sarili sa pagkamalikhain, sinalungat ng mga romantiko ang pormalisasyon ng sining at ang tuwirang makatwirang diskarte dito, na likas sa klasisismo. Lahat sila nanggaling pagtanggi sa Enlightenment at rationalistic canons ng classicism, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng artista. At kung hinahati ng klasisismo ang lahat sa isang tuwid na linya, sa masama at mabuti, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay walang hinahati sa isang tuwid na linya. Ang klasisismo ay isang sistema, ngunit ang romantisismo ay hindi. Ang Romantisismo ang nagtulak sa pagsulong ng modernong panahon mula sa klasisismo tungo sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng isang tao na naaayon sa malawak na mundo. At ang romantisismo ay sumasalungat sa pagkakaisa sa panloob na mundo. Sa romantikismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na sikolohiya.
Ang pangunahing gawain ng romantisismo ay imahe ng panloob na mundo, buhay isip, at ito ay maaaring gawin batay sa mga kwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan na ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang hindi makatwiran nito.
Sa kanilang mga imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi magandang tingnan na katotohanan o napunta sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng panaginip at katotohanan, ang pagsalungat ng magandang kathang-isip sa layunin na katotohanan ay nasa puso ng buong romantikong kilusan.
Sa kauna-unahang pagkakataon, ang romantikismo ay nagdudulot ng problema sa wika ng sining. “Ang sining ay isang wika na ganap na naiiba kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong mahimalang puwersa na tulad ng lihim at hindi maintindihan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao ”(Wackenroder at Thicke). Ang isang pintor ay isang interpreter ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa pagitan ng mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumilitaw bilang isang integral na indibidwalidad. Sa pamamagitan ng kasalukuyan, pinagsama ng mga artista ang nakaraang mundo sa hinaharap na mundo. Sila ang pinakamataas na espirituwal na organ kung saan ang mga mahahalagang puwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtagpo sa isa't isa, at kung saan ang panloob na sangkatauhan ay nagpapakita ng sarili sa una sa lahat "(F. Schlegel).
Ang romantikismo bilang isang kalakaran sa pagpipinta ay nabuo sa Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang Romantisismo ay umunlad sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 1920s at 1930s. ika-19 na siglo.
Ang terminong "romanticism" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (nobela noong ika-17 siglo, ang mga nobela ay ginamit upang sumangguni sa mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.). Nang maglaon, ang lahat ng hindi maintindihan at mahiwaga ay tinawag na romantiko.
Bilang isang kultural na kababalaghan, ang romanticism ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa mundo na nabuo ng mga resulta ng Great French Revolution. Nabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, ang mga romantiko, na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad, ay lumikha ng mga bagong aesthetic ideals at artistikong mga halaga. Ang pangunahing bagay ng kanilang atensyon ay ang mga natatanging karakter sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanais para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa ay isang pambihirang tao na, sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran, ay nahahanap ang kanyang sarili sa mahirap na mga kalagayan sa buhay.
Bagama't umusbong ang romantisismo bilang protesta laban sa sining ng klasisismo, sa maraming paraan ay malapit ito sa huli. Ang mga romantiko ay bahagi ng mga kinatawan ng klasisismo bilang N. Poussin, C. Lorrain, J. OD Ingres.
Ipinakilala ng mga romantiko ang mga kakaibang pambansang tampok sa pagpipinta, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasiko.
Ang pinakamalaking kinatawan ng French romanticism ay si T. Gericault.
Theodore Gericault
Si Théodore Gericault, ang dakilang pintor, iskultor at graphic artist ng Pransya, ay isinilang noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang talento ng artista ay nagpakita sa kanya nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Gericault ay uupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit na noon, sinubukan niyang hindi lamang ilipat ang mga panlabas na katangian ng mga hayop sa papel, ngunit din upang ihatid ang kanilang init ng ulo at karakter.
Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Lyceum noong 1808, si Gericault ay naging isang mag-aaral ng noon ay sikat na master ng pagpipinta na si Karl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang ilarawan ang mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi nagustuhan ng batang artista ang istilo ni Vernet. Hindi nagtagal ay umalis siya sa studio at pumasok upang mag-aral sa isa pa, hindi gaanong mahuhusay na pintor kaysa kay Vernet, P.N. Gehren. Nag-aral kasama ang dalawang sikat na artista, gayunpaman ay hindi naging kahalili ng kanilang mga tradisyon sa pagpipinta si Gericault. Ang kanyang mga tunay na guro ay malamang na dapat ituring na J. A. Gro at J. L. David.
Ang mga unang gawa ng Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga larawan ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakakalungkot. Ipinakikita nila ang masigasig na kalooban ng may-akda kapag sinusuri ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay ang pagpipinta na pinamagatang "Officer of the Imperial Horse Rangers during the Attack", na nilikha noong 1812. Ang pagpipinta na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Masigasig nilang tinanggap ang gawain ng batang artista, pinahahalagahan ang talento ng young master.
Ang gawain ay nilikha noong panahong iyon ng kasaysayan ng Pransya nang si Napoleon ay nasa tugatog ng kanyang katanyagan. Iniidolo siya ng mga kontemporaryo, ang dakilang emperador na nagawang sakupin ang karamihan sa Europa. Ito ay sa ganitong kalagayan, sa ilalim ng impresyon ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay ipininta. Makikita sa canvas ang isang sundalong tumatakbo sa kabayo para umatake. Bakas sa kanyang mukha ang determinasyon, tapang at walang takot sa harap ng kamatayan. Buong komposisyon
sobrang dynamic at emosyonal. Nararamdaman ng manonood na siya mismo ay nagiging isang tunay na kalahok sa mga kaganapang inilalarawan sa canvas.
Ang pigura ng isang matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa gawa ni Gericault. Kabilang sa mga naturang larawan, ang mga bayani ng mga kuwadro na "Opisyal ng Carabinieri", "Opisyal ng Cuirassier bago ang Pag-atake", "Portrait of the Carabinieri", "The Wounded Cuirassier", na nilikha noong 1812-1814, ay partikular na interes. Ang huling gawain ay kapansin-pansin dahil ipinakita ito sa susunod na eksibisyon na ginanap sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artista. Kung sa kanyang mga unang canvases ay makikita ang taos-pusong damdaming makabayan, kung gayon sa mga gawa na itinayo noong 1814, ang mga kalunos-lunos sa paglalarawan ng mga bayani ay pinalitan ng drama.
Ang isang katulad na pagbabago sa mood ng artist ay muling nauugnay sa mga kaganapan na nagaganap sa France sa oras na iyon. Noong 1812, si Napoleon ay natalo sa Russia, na may kaugnayan kung saan siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakamit sa kanyang mga kontemporaryo ang kaluwalhatian ng isang malas na pinuno ng militar at mayabang na mayabang na tao. Sa isip, ang Gericault ay naglalaman ng pagkabigo sa pagpipinta na "The Wounded Cuirassier". Ang canvas ay naglalarawan ng isang sugatang mandirigma na sinusubukang umalis sa larangan ng digmaan sa lalong madaling panahon. Nakasandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil, ilang minuto lang ang nakalipas, hinawakan niya ito, itinaas ito.
Ang kawalang-kasiyahan ni Gericault sa patakaran ni Napoleon ang nagdikta sa kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na kinuha ang trono ng Pransya noong 1814. Pagkatapos ng ikalawang pag-agaw ng kapangyarihan sa France ni Napoleon (ang panahon ng Hundred Days), iniwan ng batang artista ang kanyang katutubong bansa kasama ang mga Bourbon. Pero dito rin siya nadismaya. Ang binata ay hindi mahinahong manood habang sinisira ng hari ang lahat ng nakamit sa panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ni Louis XVIII, ang pyudal-Katoliko na reaksyon ay tumindi, ang bansa ay gumulong nang higit at mas mabilis, bumalik sa lumang istraktura ng estado. Hindi ito matatanggap ng isang bata, progresibong pag-iisip. Sa lalong madaling panahon, ang binata, na nawalan ng pananampalataya sa mga mithiin, ay umalis sa hukbo, na pinamumunuan ni Louis XVIII, at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag at anumang bagay na kapansin-pansin sa gawa ng artista.
Noong 1816, naglakbay si Gericault sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pinag-aralan ang mga obra maestra ng mga sikat na masters, ang artist ay mahilig sa monumental na pagpipinta. Ang mga fresco ni Michelangelo na nagpapalamuti sa Sistine Chapel ay partikular na interesado sa kanya. Sa oras na ito, lumikha si Gericault ng mga gawa na, sa kanilang sukat at kamahalan, sa maraming paraan ay kahawig ng mga canvases ng mga pintor ng High Renaissance. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-interesante ay ang "The Abduction of a Nymph by a Centaur" at "The Man Who Plays the Bull."
Ang parehong mga tampok ng paraan ng mga lumang masters ay makikita sa pagpipinta na "The Run of the Free Horses in Rome", na isinulat noong 1817 at kumakatawan sa kompetisyon ng mga mangangabayo sa isa sa mga karnabal na ginanap sa Roma. Ang kakaiba ng komposisyon na ito ay na-compile ito ng artist mula sa dati nang ginawang full-scale na mga guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay kapansin-pansing naiiba sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksena na naglalarawan sa buhay ng mga Romano - ang mga kontemporaryo ng artista, kung gayon ang pangkalahatang komposisyon ay naglalaman ng mga larawan ng matapang na sinaunang bayani, na parang nagmula sa mga sinaunang salaysay. Dito, sinundan ni Gericault ang landas ni J.L. David, na, upang maibigay ang imahe ng heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani ng mga antigong anyo.
Di-nagtagal pagkatapos isulat ang pagpipinta na ito, bumalik si Gericault sa France, kung saan naging miyembro siya ng bilog ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artist ay lalo na interesado sa mga graphics. Noong 1818 lumikha siya ng isang bilang ng mga lithograph sa isang tema ng militar, kung saan ang pinakamahalaga ay ang Return from Russia. Ang lithograph ay naglalarawan sa mga natalong sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang field na nababalutan ng niyebe. Ang mga pigura ng mga taong pinutol at pinahirapan ng digmaan ay inilalarawan sa parang buhay at makatotohanang paraan. Ang komposisyon ay walang pathetics at heroic pathos, na karaniwan sa mga unang gawa ni Gericault. Ang artista ay naglalayong ipakita ang tunay na kalagayan, ang lahat ng mga sakuna na ang mga sundalong Pranses na inabandona ng kanilang kumander ay kailangang magtiis sa isang dayuhang lupain.
Sa akdang "Bumalik mula sa Russia", sa unang pagkakataon, tumunog ang tema ng pakikibaka ng isang tao sa kamatayan. Gayunpaman, narito ang motibo na ito ay hindi pa binibigkas tulad ng sa mga huling gawa ng Gericault. Ang isang halimbawa ng naturang mga canvases ay isang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa". Ito ay isinulat noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon sa parehong taon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikipaglaban sa nagngangalit na elemento ng tubig. Ipinakita ng artista hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagdurusa, kundi pati na rin ang kanilang pagnanais na lumitaw na matagumpay sa labanan sa kamatayan sa lahat ng paraan.
Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-araw ng 1816 at nasasabik sa buong France. Ang noon ay sikat na frigate na "Medusa" ay lumipad sa mga bahura at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 na tao sa barko, 15 lamang ang nakatakas, kabilang ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar. Pagdating sa kanilang sariling bayan, naglathala sila ng isang maliit na aklat na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at kanilang maligayang kaligtasan. Mula sa mga alaalang ito nalaman ng mga Pranses na ang kasawian ay nangyari dahil sa kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan ng barko, na sumakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.
Ang mga imahe na nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwang dynamic, nababaluktot at nagpapahayag, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at maingat na trabaho. Upang matapat na ilarawan ang mga kahila-hilakbot na kaganapan sa canvas, upang maiparating ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakipagpulong ang artista sa mga nakasaksi sa trahedya, sa mahabang panahon ay pinag-aaralan ang mga mukha ng mga payat na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital sa Paris, gayundin ang mga mandaragat na nagawang makatakas mula sa mga pagkawasak ng barko. Sa oras na ito, ang pintor ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga gawa sa portrait.
Ang rumaragasang dagat ay puno rin ng malalim na kahulugan, na para bang sinusubukang lunukin ang isang kahoy na marupok na balsa kasama ng mga tao. Ang larawang ito ay lubos na nagpapahayag at pabago-bago. Siya, tulad ng mga pigura ng mga tao, ay tinanggal mula sa buhay: ang artista ay gumawa ng ilang mga sketch na naglalarawan sa dagat sa panahon ng isang bagyo. Sa paggawa sa monumental na komposisyon, higit sa isang beses bumaling si Gericault sa mga sketch na inihanda nang mas maaga upang ganap na maipakita ang likas na katangian ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng malaking impresyon sa manonood, nakumbinsi siya sa pagiging totoo at katotohanan ng nangyayari.
Ang Balsa ng Medusa ay nagtatanghal ng Gericault bilang isang kahanga-hangang master ng komposisyon. Sa loob ng mahabang panahon, pinag-isipan ng artist kung paano ayusin ang mga figure sa larawan upang lubos na maipahayag ang intensyon ng may-akda. Sa takbo ng trabaho, maraming pagbabago ang ginawa. Ang mga sketch na nauuna sa larawan ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ni Gericault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay tumanggi sa gayong interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, kinakatawan ng canvas ang sandali kung kailan nakita ng mga desperado na ang barkong "Argus" sa abot-tanaw at iniunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa larawan ay isang pigura ng tao na inilagay sa ibaba, sa kanang bahagi ng canvas. Siya ang huling ugnay ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na karakter. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay ginawa nang ang pagpipinta ay naka-display na sa Salon.
Dahil sa monumentalidad nito at tumaas na emosyonalidad, ang pagpipinta ni Gericault sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa paglikha ng High Renaissance masters (karamihan ay ang Huling Paghuhukom ni Michelangelo), na nakilala ng pintor sa isang paglalakbay sa Italya.
Ang pagpipinta na "The Raft of Medusa", na naging isang obra maestra ng pagpipinta ng Pransya, ay isang malaking tagumpay sa mga bilog ng oposisyon, na nakita dito ang isang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at mga opisyal na kinatawan ng sining ng France. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang canvas ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.
Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa bahay, nagpunta si Gericault sa England, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong gawain sa korte ng Britanya. Sa London, tinanggap ng mga art connoisseurs ang sikat na canvas nang may malaking sigasig.
Nagiging malapit si Gericault sa mga artistang Ingles na bumihag sa kanya sa kanilang kakayahang tapat at totoo na ilarawan ang katotohanan. Ang Gericault ay naglalaan ng isang siklo ng mga lithograph sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng kabisera ng England, kung saan ang pinaka-kawili-wili ay ang mga gawa na nakatanggap ng mga pangalan na "Great English Suite" (1821) at "Ang matandang pulubi na namamatay sa pintuan ng panaderya. "(1821). Sa huli, inilarawan ng artist ang isang London tramp, kung saan ang mga impression na natanggap ng pintor ay makikita sa proseso ng pag-aaral ng buhay ng mga tao sa mga kapitbahayan ng uring manggagawa ng lungsod.
Kasama rin sa cycle na ito ang mga lithograph tulad ng "The Blacksmith of Flanders" at "At the Gates of the Adelphin Shipyard", na nagpapakita sa manonood ng larawan ng buhay ng mga ordinaryong tao sa London. Ang kawili-wili sa mga gawang ito ay mga larawan ng mga kabayo, mabigat at sobra sa timbang. Ang mga ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga kaaya-aya at magagandang hayop na ipininta ng iba pang mga artista - mga kontemporaryo ng Gericault.
Habang nasa kabisera ng Inglatera, si Gericault ay nakikibahagi sa paglikha ng hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin ang mga pagpipinta. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga gawa ng panahong ito ay ang canvas na "Races in Epsom", na nilikha noong 1821. Sa larawan, inilalarawan ng artist ang mga kabayo na nagmamadali nang buong bilis, at ang kanilang mga paa ay hindi nakadikit sa lupa. Ginagamit ng master ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng photography na ang mga kabayo ay hindi maaaring magkaroon ng ganoong posisyon ng kanilang mga binti habang tumatakbo, ito ang imahinasyon ng artist) upang bigyan ang komposisyon ng dinamismo, upang lumikha ng impresyon ng mabilis na kidlat na paggalaw ng mga kabayo sa manonood. Ang pakiramdam na ito ay pinahusay ng tumpak na paglipat ng plasticity (postura, kilos) ng mga pigura ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayaman na mga kumbinasyon ng kulay (pula, bay, puting kabayo; malalim na asul, madilim na pula, puti-asul at ginintuang- dilaw na jacket ng mga hinete) ...
Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakaakit ng pansin ng pintor sa pamamagitan ng espesyal na pagpapahayag nito, ay inulit nang higit sa isang beses sa mga gawa na nilikha ni Gericault pagkatapos makumpleto ang gawain sa Horse Racing sa Epsom.
Noong 1822 ang artista ay umalis sa Inglatera at bumalik sa kanyang katutubong France. Dito siya ay nakikibahagi sa paglikha ng mga malalaking canvases, katulad ng mga gawa ng mga masters ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ang "Trade in blacks", "Pagbukas ng mga pintuan ng bilangguan ng Inquisition sa Espanya." Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - ang kamatayan ay humadlang kay Gericault na makumpleto ang gawain.
Ang partikular na interes ay ang mga larawan, ang paglikha nito ay iniuugnay ng mga iskolar ng sining sa panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagsulat ay nararapat na espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artista na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isa sa mga klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga ilustrasyon na nagpapakita ng iba't ibang mga sakit sa pag-iisip ng isang tao. Ganito ipininta ang mga larawang "The Crazy Old Woman", "The Crazy", "The Crazy Who Imagine himself as a General". Para sa master ng pagpipinta, mahalaga dito hindi gaanong ipakita ang mga panlabas na palatandaan at sintomas ng sakit kundi upang maihatid ang panloob, mental na kalagayan ng isang taong may sakit. Sa mga canvases, lumilitaw ang mga trahedya na larawan ng mga tao sa harap ng manonood, na ang mga mata ay puno ng sakit at kalungkutan.
Kabilang sa mga larawan ng Gericault, ang isang larawan ng isang Negro ay sumasakop sa isang espesyal na lugar, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang mapagpasyahan at malakas na kalooban na tao ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, na handang lumaban hanggang sa wakas na may mga puwersang laban sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahayag. Ang tao sa larawang ito ay halos kapareho sa mga malalakas na bayani na ipinakita ni Gericault kanina sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of Medusa").
Si Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, kundi isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa ganitong anyo ng sining sa simula ng ika-19 na siglo ay ang mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang gawa, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imaheng nagyelo sa paggalaw ay tumpak na naghahatid ng kaplastikan ng katawan ng tao.
Malungkot na namatay si Théodore Gericault noong 1824 sa Paris, bumagsak habang nahulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kontemporaryo ng sikat na artista.
Ang gawa ni Gericault ay minarkahan ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng pagpipinta hindi lamang sa France, kundi pati na rin sa sining ng mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, napagtagumpayan ng master ang impluwensya ng mga tradisyon ng klasiko. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang makulay at sumasalamin sa lahat ng pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Ang pagpapakilala ng mga pigura ng tao sa komposisyon, ang artist ay nagsusumikap na ipakita ang mga panloob na karanasan at damdamin ng isang tao nang buo at malinaw hangga't maaari.
Pagkatapos ng kamatayan ni Gericault, ang mga tradisyon ng kanyang romantikong sining ay kinuha ng nakababatang kontemporaryo ng artist, si E. Delacroix.
Eugene Delacroix
Si Ferdinand Victor Eugene Delacroix, ang sikat na French artist at graphic artist, ang kahalili ng mga tradisyon ng romantikismo na binuo sa gawain ni Gericault, ay isinilang noong 1798. Nang hindi natapos ang kanyang pag-aaral sa imperial lyceum, noong 1815 ay nagpatala si Delacroix sa pag-aaral ng sikat na master na si Guerin. Gayunpaman, ang mga masining na pamamaraan ng batang pintor ay hindi nakakatugon sa mga kinakailangan ng guro, samakatuwid, makalipas ang pitong taon, iniwan siya ng binata.
Habang nag-aaral kasama si Guerin, si Delacroix ay naglalaan ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ng mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon kung saan sinunod din ni David, itinuturing niyang pangunahing para sa pag-unlad ng sining ng mundo. Samakatuwid, ang mga aesthetic ideals para kay Delacroix ay ang mga gawa ng mga makata at palaisip ng Sinaunang Greece, kasama ng mga ito ang artist lalo na pinahahalagahan ang mga gawa ni Homer, Horace at Marcus Aurelius.
Ang mga unang gawa ni Delacroix ay mga hindi natapos na canvases, kung saan hinangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, ang artist ay kulang sa kasanayan at karanasan upang lumikha ng isang nagpapahayag na pagpipinta.
Noong 1822, ipinakita ni Delacroix ang kanyang gawa na pinamagatang Dante at Virgil sa Paris Salon. Ang canvas na ito, hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag na kulay, sa maraming paraan ay kahawig ng gawa ng Gericault "The Raft of the Medusa".
Pagkalipas ng dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix - "The Massacre on Chios" ang ipinakita sa madla ng Salon. Ito ay sa loob na ang matagal na plano ng artist ay katawanin upang ipakita ang pakikibaka ng mga Greeks sa mga Turko. Ang kabuuang komposisyon ng larawan ay binubuo ng ilang bahagi, na bumubuo ng mga grupo ng mga tao na inilagay nang hiwalay, bawat isa ay may sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng isang malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng kumbinasyon ng mga makinis at matutulis na linya na bumubuo sa mga pigura ng mga karakter, na humahantong sa isang pagbabago sa proporsyon ng taong inilalarawan ng artist. Gayunpaman, ito ay salamat sa ito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang katangian at mahalagang panghihikayat.
Ang malikhaing pamamaraan ni Delacroix, na ganap na ipinahayag sa "Massacre on Chios", ay malayo sa klasikong istilo na noon ay pinagtibay sa mga opisyal na lupon ng France at kabilang sa mga kinatawan ng sining. Samakatuwid, ang pagpipinta ng batang artista ay sinalubong ng malupit na pagpuna sa Salon.
Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay nananatiling tapat sa kanyang ideal. Noong 1827, lumitaw ang isa pang akda sa tema ng pakikibaka ng mga taong Griyego para sa kalayaan - "Greece on the ruins of Missolonghi." Ang pigura ng isang determinado at mapagmataas na babaeng Griyego, na inilalarawan sa canvas, dito ay nagpapakilala sa hindi nasakop na Greece.
Noong 1827, natapos ni Delacroix ang dalawang gawa na sumasalamin sa malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng mga paraan at pamamaraan ng masining na pagpapahayag. Ito ang mga painting na "Death of Sardanapalus" at "Marino Faliero". Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay ipinarating sa paggalaw ng mga pigura ng tao. Tanging ang imahe ni Sardanapalus mismo ang static at kalmado. Sa komposisyon na "Marino Faliero" tanging ang pigura ng pangunahing tauhan ang dinamiko. Ang iba pang mga bayani ay tila na-freeze sa kilabot sa pag-iisip kung ano ang dapat mangyari.
Noong 20s. XIX na siglo. Gumawa si Delacroix ng maraming mga gawa, na ang mga plot ay kinuha mula sa mga sikat na akdang pampanitikan. Noong 1825 binisita ng artista ang England, ang tinubuang-bayan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impresyon ng paglalakbay na ito at ang trahedya ng sikat na playwright na si Delacroix, ang lithograph na "Macbeth" ay ginawa. Sa panahon mula 1827 hanggang 1828 nilikha niya ang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawain ng parehong pangalan ni Goethe.
Kaugnay ng mga pangyayaring naganap sa France noong 1830, isinagawa ni Delacroix ang pagpipinta na "Liberty Leading the People." Ang Rebolusyonaryong France ay ipinakita sa imahe ng isang bata, malakas na babae, dominante, mapagpasyahan at independiyente, matapang na namumuno sa karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang estudyante, isang nasugatan na sundalo, isang Parisian gamine ay namumukod-tangi (isang imahe na inaasahan Gavroche, na lumitaw nang maglaon sa Les Miserables ni V. Hugo ).
Ang gawaing ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga katulad na gawa ng iba pang mga artista na interesado lamang sa makatotohanang paghahatid ng ito o ang kaganapang iyon. Ang mga canvases na nilikha ni Delacroix ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na heroic pathos. Ang mga larawan dito ay mga pangkalahatang simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mga Pranses.
Sa pagdating sa kapangyarihan ni Louis Philippe - ang burges na hari - kabayanihan at ang matayog na damdaming ipinangaral ni Delacroix, walang lugar sa modernong buhay. Noong 1831, naglakbay ang artista sa mga bansang Aprikano. Bumisita siya sa Tangier, Meknes, Oran at Algeria. Kasabay nito, bumisita si Delacroix sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nabighani sa artista sa mabilis na daloy nito. Gumagawa siya ng mga sketch, mga guhit at isang hanay ng mga watercolor.
Nang bumisita sa Morocco, nagpinta si Delacroix ng mga canvases na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na kung saan ang artist ay nagpapakita ng mga karera o ang labanan ng mga Moorish na mangangabayo ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Sa paghahambing, ang komposisyon na "mga babaeng Algerian sa kanilang mga silid", na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at static. Wala itong mapusok na dynamism at tensyon na likas sa mga naunang gawa ng artist. Lumilitaw dito si Delacroix bilang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor sa kabuuan nito ay sumasalamin sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng palette, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.
Ang parehong dahan-dahan at regularidad ay katangian ng pagpipinta na "Jewish Wedding in Morocco", na ipininta noong 1841. Ang misteryosong oriental na kapaligiran ay nilikha dito salamat sa tumpak na pag-render ng artist ng orihinalidad ng pambansang interior. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na dinamiko: ipinapakita ng pintor kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang liwanag na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanan at nakakumbinsi ang imahe.
Ang mga motibo ng Oriental ay naroroon pa rin sa mga gawa ni Delacroix sa mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inorganisa sa Salon noong 1847, sa anim na gawa na ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at pang-araw-araw na buhay ng Silangan.
Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumilitaw ang mga bagong tema sa gawa ni Delacroix. Sa oras na ito, ang master ay lumilikha ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga canvases na "Mirabeau's protest against the dissolution of the states general" at "Boissy d'Angla" ay nararapat na espesyal na atensyon. Ang sketch ng huli, na ipinakita noong 1831 sa Salon, ay isang matingkad na halimbawa ng mga komposisyon sa tema ng popular na pag-aalsa.
Ang mga kuwadro na "Battle of Poitiers" (1830) at "Battle of Taibur" (1837) ay nakatuon sa paglalarawan ng mga tao. Ang dynamics ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito nang buong realismo. Ang artist ay naglalayong ihatid ang mga damdamin at mga hilig ng isang tao na kinuha na may pagnanais na manalo sa lahat ng mga gastos. Ang mga pigura ng mga tao ang pangunahing naghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.
Kadalasan sa mga gawa ni Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay nagiging mahigpit na laban sa isa't isa. Ito ay lalong malinaw na nakikita sa canvas na "The capture of Constantinople by the crusaders", na ipininta noong 1840. Sa harapan ay isang grupo ng mga taong nagdadalamhati. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin. Mayroon ding mga pigura ng matagumpay na mga mangangabayo, na ang kakila-kilabot na mga silweta ay kaibahan sa malungkot na mga pigura sa harapan.
Ang "The Takeing of Constantinople by the Crusaders" ay nagpapakita kay Delacroix bilang isang kahanga-hangang colorist. Gayunpaman, ang maliwanag at mayaman na mga kulay ay hindi nagpapahusay sa kalunos-lunos na simula, na ipinahayag ng mga malungkot na pigura na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang mayamang palette ay lumilikha ng pakiramdam ng isang pagdiriwang na ginanap bilang parangal sa mga nanalo.
Ang komposisyon na "Trajan's Justice", na nilikha noong parehong 1840, ay hindi gaanong makulay. Kinilala ng mga kontemporaryo ng artist ang larawang ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga canvases ng pintor. Ang partikular na interes ay ang katotohanan na sa kurso ng kanyang trabaho ang master ay nag-eeksperimento sa larangan ng kulay. Maging ang mga anino ay kumuha ng iba't ibang kakulay mula sa kanya. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagpapatupad ng trabaho ay nauna sa mahabang obserbasyon ng pintor ng mga pagbabago sa mga lilim sa kalikasan. Ipinasok sila ng artista sa kanyang diary. Pagkatapos, ayon sa mga rekord, kinumpirma ng mga siyentipiko na ang mga pagtuklas na ginawa ni Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa teorya ng kulay na ipinanganak noong panahong iyon, ang nagtatag nito ay si E. Chevreuil. Bilang karagdagan, pinatunayan ng artist ang kanyang mga natuklasan gamit ang palette na ginamit ng paaralang Venetian, na isang halimbawa ng kasanayan sa larawan para sa kanya.
Sa mga canvases ni Delacroix, ang mga portrait ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang master ay bihirang bumaling sa ganitong genre. Ipininta lamang niya ang mga taong pamilyar sa kanya sa loob ng mahabang panahon, na ang espirituwal na pag-unlad ay naganap sa harap ng artist. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga portrait ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan ng Chopin at Georges Sand. Ang canvas, na nakatuon sa sikat na manunulat (1834), ay naglalarawan ng isang marangal at malakas ang loob na babae na nagpapasaya sa kanyang mga kontemporaryo. Ang larawan ni Chopin, na ipininta makalipas ang apat na taon, noong 1838, ay kumakatawan sa mala-tula at madamdaming imahe ng mahusay na kompositor.
Isang kawili-wili at hindi pangkaraniwang nagpapahayag na larawan ng sikat na biyolinista at kompositor na si Paganini, na isinulat ni Delacroix noong 1831. Ang istilo ng musikal ni Paganini ay sa maraming paraan ay katulad ng paraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawa ni Paganini ay nailalarawan sa parehong pagpapahayag at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.
Ang mga landscape ay sumasakop sa isang maliit na lugar sa trabaho ni Delacroix. Gayunpaman, sila ay naging napakahalaga para sa pagbuo ng pagpipinta ng Pransya sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga tanawin ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maihatid ang liwanag at mailap na buhay ng kalikasan. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga canvases na "Sky", kung saan ang pakiramdam ng dynamics ay nilikha salamat sa mga snow-white cloud na lumulutang sa kalangitan, at "The sea seen from the banks of Dieppe" (1854), kung saan ang pintor ay mahusay na naghahatid. ang pagdausdos ng magaan na naglalayag na mga barko sa ibabaw ng dagat.
Noong 1833, nakatanggap ang artista ng utos mula sa hari ng Pransya na magpinta ng isang bulwagan sa Bourbon Palace. Ang gawain sa paglikha ng monumental na gawain ay tumagal ng apat na taon. Kapag nakumpleto ang pagkakasunud-sunod, ang pintor ay ginabayan lalo na sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga imahe ay sobrang simple at laconic, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ni Delacroix ay ang pagpipinta ng kapilya ng mga Banal na Anghel sa Simbahan ng Saint-Sulpice sa Paris. Isinagawa ito sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayayamang kulay (rosas, maliwanag na asul, lila, inilagay sa abo-asul at dilaw-kayumanggi na background), ang artist ay lumilikha ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon na gumagawa ng manonood pakiramdam rapturous saya. Ang tanawin, kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, ay biswal na pinalaki ang espasyo ng komposisyon at ang kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang pagsasara ng espasyo, ipinakilala ni Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga figure ng mga tao na nakalagay sa likod nito ay tila halos flat silhouettes.
Namatay si Eugene Delacroix noong 1863 sa Paris.
Si Delacroix ang pinaka edukado sa mga pintor noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan ng mga sikat na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay madalas na pininturahan ng artist ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Sinikap niyang ituro ito sa kanyang mga tagasunod. Ayon kay Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining ay pangunahing nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalooban at malikhaing hangarin ng master.
Si Delacroix ay ang may-akda ng ilang mga teoretikal na gawa sa mga isyu ng kulay, pamamaraan at estilo ng artist. Ang mga gawang ito ay nagsilbing ilaw para sa mga pintor ng mga susunod na henerasyon sa kanilang paghahanap para sa kanilang sariling masining na paraan na ginamit sa paglikha ng mga komposisyon.
