Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ikalawang quarter ng ika-18 siglo. - ang panahon ng pag-unlad ng isang anyo ng sining bilang iskultura. Ang pinakamalaking iskultor ng Russia ay nanatiling si Bartolomeo Carlo Rastrelli, ang ama ng arkitekto na binanggit sa itaas. Ang pinakatanyag na gawa ng may-akda na ito ay ang monumental na grupo na "Anna Ioannovna kasama ang Little Arab."

Anna Ioannovna na may kaunting itim na arap

Ang sculptural work na ito ay sumasalamin sa parehong solemne pomp at decorative pomp na katangian ng Baroque, pati na rin ang kamangha-manghang katotohanan at pagpapahayag ng imahe. Isang ermine robe, isang marangyang damit na may mga perlas at diamante, isang mahalagang setro - lahat ay nagpapatotoo sa kayamanan ng empress. Ang kanyang maringal na pose ay sumisimbolo sa pinakamataas na kapangyarihan at lakas ng imperyo. Para sa higit na panghihikayat, ginagamit ni Rastrelli ang kanyang paboritong Baroque technique - isang contrasting juxtaposition ng mga pigura ng makapangyarihang empress at ng maliit, magandang blackamoor.

Etienne Maurice Falconet

Sa mga dayuhang master, ang pinakatanyag ay si Etienne Maurice Falconet (1716-1791), ang may-akda ng pinakatanyag na monumento na itinayo sa St. Petersburg, "The Bronze Horseman." Nais ng iskultor na “ipakita sa mga tao ang magandang larawan ng isang tagapagbigay ng batas na iniuunat ang kanyang kanang kamay sa bansa.”

Tansong Mangangabayo

Noong Agosto 7, 1782, libu-libong residente ng St. Petersburg ang sumugod sa Senate Square. May nakatayong monumento na natatakpan ng mga kalasag, kung saan nakapila ang mga hukbo. Ang mga tao ay hugong sa pag-asa. Sa wakas, isang rocket ang lumipad sa kalangitan. Ang mga kalasag na gawa sa kahoy ay bumagsak. Ang mga kanyon ay nagpaputok mula sa mga kuta ng Peter at Paul at Admiralty at mula sa mga barkong nakatalaga sa Neva. Nagsimulang tumugtog ang musika ng orkestra. Ang isang monumento kay Peter I ng French sculptor na si Falconet ay inihayag sa kabisera.

iskultura ng ika-18 siglo

"Bronze Horseman". Sculptor E.M. Falcone.

Mga tampok ng iskultura ng ika-18 siglo.

Noong ika-18 siglo, lalo na mula sa ikalawang kalahati, ang pag-unlad ng iskultura ng Russia ay nagsimulang umunlad.

Ang pangunahing direksyon ay klasisismo.

Malawakang paggamit ng mga sekular na motif.

Ang mga iskultor ay pinagsama ng mga ideya ng pagkamamamayan at pagkamakabayan, at ang matataas na mithiin ng unang panahon.

Sa imahe ng lalaki, sinubukan ng mga iskultor na isama ang mga katangian ng isang kabayanihan na personalidad, at sa imahe ng babae - ang mga mithiin ng kagandahan, pagkakaisa, at pagiging perpekto.

Ang iba't ibang mga sculptural form ay katangian: monumental, arkitektura at pandekorasyon, easel sculpture (iyon ay, three-dimensional), maraming mga bust ng mga kilalang personalidad ang nilikha.

Ang klasiko ay nangangailangan ng isang mahigpit na sistema ng pag-aayos ng mga likha sa harapan ng gusali: sa gitnang bahagi ng gusali, sa pangunahing portico, sa gilid ng risalis, o nakoronahan ang gusali, na pinagsama sa kalangitan.

Ang iskultura ng ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon, pagsasama ng mga tampok ng Baroque at Classicism.

Ang portrait genre sa sculpture ay nauugnay, una sa lahat, sa pangalan ng F.I. Shubin. Gumawa siya ng isang malawak na portrait gallery, na kumukuha ng mga kilalang figure sa kanyang panahon sa marmol, na naghahatid ng parehong indibidwal at panlipunang hitsura ng mga taong ito.

Para kay Gordeev F.G. nailalarawan sa pamamagitan ng paglikha ng monumental at pandekorasyon na iskultura. Ang pagiging kumplikado ng mga silhouette, dynamics, expression, allegorical figure - lahat ng ito ay nagpapakilala sa kanyang trabaho. Gumawa siya ng maraming bas-relief sa mga antigong tema para sa mga facade at interior.

Ang ika-18 siglo ay ang panahon ng aktibidad ng mga mahuhusay na iskultor na si K. Rastrelli, M.I. Kozlovsky. , Falcone E. iba pa. Ito ang tunay na kasagsagan ng eskultura ng Russia.

B.K. Rastrelli (1675-1744)

Sculptural portrait ni Peter I.B.K. Rastrelli, 1723-1729, Russian Museum.

Anna Ioannovna na may kaunting itim, B.K. Rastrelli, 1741, Museo ng Russia.

Monumento kay Peter I sa Mikhailovsky Castle sa St. Petersburg, B.K. Rastrelli, 1800.

Bust ng A.D. Menshikov. Ang iskultor B.K. Rastrelli, 1716-1717, Menshikov Palace, St. Petersburg.

EM. Falconet (1816-1891).

"The Bronze Horseman". E.M. Falcone, St. Petersburg, 1782

Taglamig. EM. Falcone, 1771, Ermita.

M.I. Kozlovsky (1753-1802).

Relief "Prinsipe Izyaslav Mstislavovich sa larangan ng digmaan", M.I. Kozlovsky.1771.

Monumento sa A.V. Suvorov. Ang iskultor M.I. Kozlovsky, St. Petersburg, 1799-1801.

Pinunit ni Samson ang bibig ng leon. Ang iskultor M.I. Kozlovsky, 1800, Peterhof.

Impormasyon: sa panahon ng Great Patriotic War, si Samson ay inagaw, pagkatapos ng digmaan ay naibalik siya ng iskultor na si V.A. Samsonov at inilagay sa lumang lugar.

F.G. Gordeev (1744-1810).

Prometheus, iskultor F.G. Gordeev, plaster, 1769, Tretyakov Gallery.

F.I. Shubin (1740-1805).

Catherine II - mambabatas, F.I. Shubin.1789-1890

Bust ni Catherine II, F.I. Shubin, 1770.

Bust ng Golitsyn. F.I. Shubin, 1775. Para sa sculptural portrait na ito, iginawad ni Catherine II ang master ng isang gintong snuffbox.

Bust ng M.V. Lomonosov, iskultor F.I. Shubin, 1792.

Bust ni Paul I, F.I. Shubin, 1800.

Tandaan:

Ang eskultura ay nagsimula noong panahon ng pagano, kung kailan nilikha ang mga gawa sa kahoy. Gayunpaman, pagkatapos ng Kristiyanismo sa Rus', ang iskultura ay nabuo nang hindi maganda. Ito ay dahil sa pagbabawal ng idolatriya.

Ang simula ng pag-unlad ng iskultura ay nauugnay sa panahon ni Peter I. Sa una, ang mga iskultor ay humiram ng mga genre at pamamaraan ng Europa. At ang mga tagalikha mismo ay halos mga dayuhan. Gayunpaman, sa paglipas ng panahon, lumilitaw din ang mga domestic masters. Ang iskultura ay umabot sa isang mataas na antas sa Golden Age ni Catherine II. Dagdag pa, ang pag-unlad nito ay nagpatuloy at napabuti, at ngayon ang iskultura ay isa sa mga sikat na genre ng kultura.

Ang materyal na inihanda ni: Melnikova Vera Aleksandrovna

Ang iskultura ng Russia noong ika-18 siglo

Sa Sinaunang Rus', ang iskultura, sa kaibahan sa pagpipinta, ay hindi gaanong ginagamit, pangunahin bilang dekorasyon ng mga istrukturang arkitektura. Sa unang kalahati XVIII siglo, ang lahat ng mga genre ng easel at monumental na iskultura ay unti-unting pinagkadalubhasaan. Una sa lahat, ang monumental at pandekorasyon na mga sining ng plastik, na malapit na nauugnay sa arkitektura, ay nagsimulang umunlad. Sa ilalim ng pamumuno ng arkitekto na si I.P. Zarudny, nilikha ang puting bato na inukit na palamuti ng Church of the Archangel Gabriel sa Moscow (Menshikov Tower). Ang mga mayamang tradisyon ng sinaunang iskultura ng Russia ay hindi nakalimutan - pag-ukit ng kahoy at buto, pandekorasyon na mga iconostases na plastik.

Ang mga tampok ng monumental at pandekorasyon na iskultura ng Peter the Great na panahon ay malinaw na ipinakita sa paglikha ng Peterhof ensemble, na, gayunpaman, ay sumailalim sa mga makabuluhang pagbabago sa paglipas ng siglo.

Ang unang quarter ng ika-18 siglo ay minarkahan hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong orihinal na gawa, kundi pati na rin sa pagpapakita ng interes sa mga sculptural classics. Kaya, ang sikat na marmol na antigong estatwa na "Venus of Tauride" ay binili noon sa Italya. Ang mga unang halimbawa ng sekular na iskultura ay dinala mula sa mga bansang Europeo, higit sa lahat ay gawa ng mga Italian Baroque masters.

Sa panahon ni Peter the Great, lumitaw ang mga unang proyekto ng mga monumento. Sa isa sa mga gitnang parisukat ng St. Petersburg, binalak na maglagay ng Triumphal Pillar upang ipagpatuloy ang tagumpay sa Northern War, ayon kay B.-K. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) ay talagang ang unang master ng iskultura sa Russia. Italyano sa pinagmulan, lumipat siya mula sa France noong 1716 sa imbitasyon ni Peter I at nakahanap ng bagong tinubuang-bayan sa Russia, dahil sa St. Petersburg lamang siya nakatanggap ng maraming pagkakataon para sa pagkamalikhain. Bartolomeo-Carlo Rastrelli gumanap ng maraming gawa ng portraiture, decorative at monumental sculpture. Sikat na sikat siya bronze bust ni Peter I(1723-1730, ill. 40), kung saan hindi lamang ang mga pagkakatulad, kundi pati na rin ang katangian ng makapangyarihan at masiglang hari ay dalubhasang naipapahayag.

Kitang-kita rin ang husay ni Rastrelli bilang isang portrait painter sa bust ng A. D. Menshikov, ginanap noong 1716 -1717, sa estatwa ni Anna Ioannovna na may kaunting arapochka(1741). Ang isang pakiramdam ng monumentalidad at isang mahusay na kaalaman sa tanso bilang isang materyal ay nakikilala ang gawain ng iskultor na ito. Sa larawan ni Anna Ioannovna, dahan-dahang naglalakad sa isang mabigat na damit na may burda ng mga mamahaling bato, lumikha si Rastrelli ng isang nagpapahayag na imahe ng "nakakatakot na tingin ng reyna," na tinawag siya ng kanyang mga kapanahon.

Ang pinakamahalagang gawain ni Rastrelli ay equestrian monument kay Peter I. Sinasalamin nito ang mga impresyon ng iskultor sa mga monumento ng sinaunang panahon, Renaissance at ika-17 siglo. Si Pedro ay inilalarawan bilang isang matagumpay, taimtim na nakaupo sa isang kabayo sa mga damit ng isang Romanong emperador.

Kapansin-pansin ang kapalaran ng monumento na ito. Cast noong 1745 -1746 pagkatapos ng kamatayan ng iskultor sa ilalim ng direksyon ng kanyang anak, arkitekto F.-B. Rastrelli, nakahiga siya sa isang kamalig nang higit sa kalahating siglo, nakalimutan ng lahat. Noong 1800 lamang, sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ni Paul I, na-install ito sa harap ng Engineering Castle sa St. Petersburg, na organikong pumapasok sa ensemble ng arkitektura.

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. ang tunay na pamumulaklak ng Russian sculpture ay nagsisimula. Mabagal itong umunlad, ngunit ang kaisipang pang-edukasyon ng Russia at klasiko ng Russia ay ang pinakadakilang mga insentibo para sa pagbuo ng sining ng mahusay na mga ideya sa sibiko at malalaking problema, na tumutukoy sa interes sa iskultura sa panahong ito. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos– bawat isa ay isang maliwanag na indibidwal sa kanyang sariling karapatan at iniwan ang kanyang marka sa sining. Ngunit lahat sila ay pinagsama ng mga karaniwang prinsipyo ng malikhaing, na natutunan nila mula kay Propesor Nicolas Gillet, na namuno sa klase ng iskultura sa Academy mula 1758 hanggang 1777. pangkalahatang ideya ng pagkamamamayan at pagkamakabayan, mataas na mithiin ng unang panahon. Ang kanilang edukasyon ay pangunahing nakabatay sa pag-aaral ng sinaunang mitolohiya, mga cast at mga kopya ng mga gawa ng sinaunang panahon at Renaissance, at, sa panahon ng mga taon ng pagreretiro, mga tunay na gawa ng mga panahong ito. Nagsusumikap silang isama ang mga katangian ng isang kabayanihan na personalidad sa isang imahe ng lalaki, at isang perpektong maganda, maayos, perpektong simula sa isang babaeng imahe. Ngunit binibigyang kahulugan ng mga iskultor ng Russia ang mga larawang ito hindi sa abstract at abstract na paraan, ngunit sa isang ganap na mahalagang paraan. Ang paghahanap para sa pangkalahatang maganda ay hindi ibinubukod ang buong lalim ng pag-unawa sa pagkatao ng tao, ang pagnanais na ihatid ang kakayahang magamit nito. Ang pagnanais na ito ay makikita sa monumental na pandekorasyon na iskultura at easel sculpture ng ikalawang kalahati ng siglo, ngunit lalo na sa genre ng portraiture.

Ang kanyang pinakamataas na tagumpay ay nauugnay pangunahin sa pagkamalikhain Fedot Ivanovich Shubin(1740–1805), isang kababayan ni Lomonosov, na nakarating sa St. Petersburg bilang isang pintor na nakabisado na ang mga intricacies ng pag-ukit ng buto. Nagtapos mula sa Academy sa klase ng Gillet na may malaking gintong medalya, nagpunta si Shubin sa isang paglalakbay sa pagreretiro, una sa Paris (1767–1770), at pagkatapos ay sa Roma (1770–1772), na mula sa kalagitnaan ng siglo, kasama ang ang mga paghuhukay ng Herculaneum at Pompeii, ay muling naging sentro ng atraksyon ng mga artista mula sa buong Europa. Ang unang trabaho ni Shubin sa kanyang tinubuang-bayan - bust ni A.M. Golitsyna(1773, Russian Museum, plaster) ay nagpapahiwatig na ng buong kapanahunan ng master. Ang lahat ng kakayahang magamit ng mga katangian ng modelo ay ipinahayag kapag sinusuri ito sa buong paligid, kahit na walang alinlangan na isang pangunahing punto ng view para sa iskultura. Katalinuhan at pag-aalinlangan, espirituwal na biyaya at bakas ng pagkapagod sa pag-iisip, pagiging eksklusibo ng klase at panunuya ng kasiyahan - Nagawa ni Shubin na ihatid ang pinaka-iba't ibang aspeto ng karakter sa imaheng ito ng isang aristokrata ng Russia. Ang pambihirang pagkakaiba-iba ng artistikong media ay nakakatulong na lumikha ng isang hindi tiyak na katangian. Ang kumplikadong balangkas at pagkalat ng ulo at balikat, ang interpretasyon ng isang multi-textured na ibabaw (balabal, puntas, peluka), ang pinakamahusay na pagmomodelo ng mukha (mapagmataas na singkit na mga mata, ang thoroughbred na linya ng ilong, ang kapritsoso na pattern ng labi) at ang mas malayang kaakit-akit na mga damit - ang lahat ay nakapagpapaalaala sa mga istilong diskarte ng Baroque. Ngunit bilang isang anak ng kanyang panahon, binibigyang-kahulugan niya ang kanyang mga modelo alinsunod sa mga ideyang pang-edukasyon ng isang pangkalahatang ideyal na bayani. Ito ay tipikal para sa lahat ng kanyang mga gawa noong 70s, na nagpapahintulot sa amin na sabihin ang mga ito bilang mga gawa ng maagang klasisismo. Bagaman tandaan namin na sa mga diskarte ng baguhan na Shubin, ang mga tampok ng hindi lamang baroque, ngunit kahit na rococo ay maaaring masubaybayan. Sa paglipas ng panahon, ang mga larawan ni Shubin ay nagiging mas konkreto, mahalaga, at malinaw na partikular.

Si Shubin ay bihirang maging bronze; siya ay nagtatrabaho pangunahin sa marmol at palaging ginagamit ang bust form. At sa materyal na ito na ipinakita ng master ang lahat ng pagkakaiba-iba ng parehong mga solusyon sa komposisyon at mga diskarte sa pagproseso ng artistikong. Gamit ang wika ng plasticity, lumilikha siya ng mga larawan ng pambihirang pagpapahayag at pambihirang enerhiya, nang hindi nagsusumikap para sa kanilang panlabas na pagluwalhati ( bust ni Field Marshal Z.G. Chernysheva, marmol, Tretyakov Gallery). Hindi siya natatakot na ibaba, "lupa" larawan ng Field Marshal P.A. Rumyantsev-Zadunaisky, conveying ang katangian ng katangian ng kanyang hindi sa lahat ng kabayanihan bilog na mukha na may isang nakakatawa upturned ilong (marble, 1778, State Art Museum, Minsk). Hindi lang siya interesado sa "internal" o sa "external" lang. Ipinakikita niya ang tao sa lahat ng pagkakaiba-iba ng kanyang buhay at espirituwal na anyo. Ito ang mga masterfully executed busts ng mga estadista, pinuno ng militar, at mga opisyal.

Sa mga gawa noong dekada 90, ang pinakamabungang panahon sa gawain ni Shubin, nais kong tandaan ang inspirado, romantikong larawan ng P.V. Zavadovsky (ang bust ay napanatili lamang sa plaster, Tretyakov Gallery). Ang talas ng pag-ikot ng ulo, ang matalim na titig, ang asetisismo ng buong anyo, ang malayang dumadaloy na damit - lahat ay nagsasalita ng isang espesyal na damdamin, na nagpapakita ng isang madamdamin, hindi pangkaraniwang kalikasan. Ang paraan ng pagbibigay-kahulugan sa imahe ay naglalarawan sa panahon ng romantisismo. Ang isang kumplikadong multifaceted na katangian ay ibinigay sa dibdib ni Lomonosov, na nilikha para sa Cameron Gallery, upang tumayo ito doon sa tabi ng mga bust ng mga sinaunang bayani. Kaya't isang bahagyang naiibang antas ng generalization at antiquity kaysa sa iba pang mga gawa ng sculptor (bronze, 1793, Cameron Gallery, Pushkin; plaster, Russian Museum; marmol, Academy of Sciences; ang huling dalawa ay mas maaga). Ginamot ni Shubin si Lomonosov nang may espesyal na paggalang. Ang makinang na Russian self-taught scientist ay malapit sa iskultor hindi lamang bilang isang kababayan. Gumawa si Shubin ng isang imaheng walang anumang pormalidad at karangyaan. Isang masiglang isip, lakas, at lakas ang nararamdaman sa kanyang hitsura. Ngunit ang iba't ibang mga anggulo ay nagbibigay ng iba't ibang mga accent. At sa isa pang pagliko, nabasa namin sa mukha ng modelo ang parehong kalungkutan, pagkabigo, at kahit isang pagpapahayag ng pag-aalinlangan. Ito ay mas nakakagulat kung ipagpalagay natin na ang gawain ay hindi mula sa kalikasan; Namatay si Lomonosov 28 taon na ang nakalilipas. Ang mga kamakailang pag-aaral ay nagmungkahi ng posibilidad ng mga sketch mula sa kalikasan na hindi nakarating sa atin.

Ang pantay na multifaceted sa multifacetedness na ito ay ang magkasalungat na paglikha na nilikha ng sculptor. larawan ni Paul I(marble, 1797, bronze, 1798. State Russian Museum; bronze, 1800, Tretyakov Gallery). Dito, ang pagiging mapangarapin ay magkakasamang nabubuhay sa isang malupit, halos malupit na pagpapahayag, at pangit, halos katawa-tawa na mga tampok ay hindi nag-aalis ng imahe ng kamahalan.

Si Shubin ay nagtrabaho hindi lamang bilang isang pintor ng portrait, kundi pati na rin bilang isang dekorador. Siya nagsagawa ng 58 oval marble historical portraits para sa Chesme Palace(matatagpuan sa Armory Chamber), mga eskultura para sa Marble Palace at para kay Peterhof, isang estatwa ni Catherine II ang mambabatas(1789–1790). Walang alinlangan na ang Shubin ay ang pinakamalaking kababalaghan sa artistikong kultura ng Russia noong ika-18 siglo.

Isang French sculptor ang nagtrabaho kasama ng mga domestic masters sa Russia Etienne-Maurice Falconet(1716–1791; sa Russia - mula 1766 hanggang 1778), na sa monumento kay Peter I sa Senate Square sa St. Petersburg ipinahayag ang kanyang pag-unawa sa personalidad ni Peter at ang kanyang makasaysayang papel sa mga tadhana ng Russia. Si Falcone ay nagtrabaho sa monumento sa loob ng 12 taon. Ang unang sketch ay naisakatuparan noong 1765, noong 1770 ay ginawa ang isang life-size na modelo, at noong 1775–1777. Ang paghahagis ng isang tansong estatwa ay nagaganap at ang isang pedestal ay inihahanda mula sa isang batong bato, na pagkatapos ng pagputol ay tumitimbang ng mga 275 tonelada. Tumulong si Marie-Anne Collot sa gawain sa ulo ni Peter Falconet. Ang pagbubukas ng monumento ay naganap noong 1782, nang wala na si Falconet sa Russia, at natapos ang pag-install ng monumento sa Gordeev. Tinalikuran ni Falcone ang canonized na imahe ng matagumpay na emperador, ang Roman Caesar, na napapaligiran ng mga alegorya na pigura ng Virtue at Glory. Hinangad niyang isama ang imahe ng isang manlilikha, mambabatas, transpormador, gaya ng isinulat niya mismo sa isang liham kay Diderot. Ang iskultor ay tiyak na naghimagsik laban sa malamig na mga alegorya, na nagsasabi na "ito ay isang kahabag-habag na kasaganaan, palaging tinutuligsa ang gawain at bihirang henyo." Nag-iwan lamang siya ng isang ahas, na hindi lamang semantiko, kundi pati na rin ang kahalagahan ng komposisyon. Ito ay kung paano lumitaw ang isang simbolo ng imahe kasama ang lahat ng pagiging natural ng paggalaw at postura ng kabayo at sakay. Inilagay sa isa sa mga pinakamagandang parisukat ng kabisera, sa pampublikong forum nito, ang monumento na ito ay naging isang plastik na imahe ng isang buong panahon. Ang kabayong nagpapalaki ay napatahimik ng matibay na kamay ng makapangyarihang mangangabayo. Ang pagkakaisa ng madalian at walang hanggan, na likas sa pangkalahatang solusyon, ay maaari ding masubaybayan sa pedestal, na binuo sa isang makinis na pagtaas sa itaas at isang matalim na pagbaba. Ang isang masining na imahe ay binubuo ng kumbinasyon ng iba't ibang anggulo, aspeto, at pananaw ng isang pigura. Ang “idolo sa isang tansong kabayo” ay lumilitaw sa lahat ng kapangyarihan nito bago matingnan ng isa ang mukha nito, gaya ng dating wastong nabanggit ni D.E. Arkin, agad niyang naiimpluwensyahan ang kanyang silweta, kilos, ang kapangyarihan ng mga masa ng plastik, at dito ipinakikita ang mga hindi nababagong batas ng monumental na sining. Kaya't ang libreng improvisasyon sa pananamit ("Ang kasuotan na ito ay kabayanihan," ang isinulat ng iskultor), ang kawalan ng siyahan at mga stirrups, na nagpapahintulot sa sakay at kabayo na makita bilang isang solong silweta. "Ang bayani at kabayo ay nagsanib sa isang magandang centaur" (Diderot).

Ang ulo ng isang mangangabayo ay isa ring ganap na bagong imahe sa iconograpia ni Peter, naiiba sa napakatalino na larawan ni Rastrelli at mula sa ganap na ordinaryong bust na isinagawa ni Collo. Sa imahe ng Falconet, hindi ang pilosopikal na pagmumuni-muni at pag-iisip ni Marcus Aurelius ang nangingibabaw, o ang nakakasakit na puwersa ng condottiere Colleoni, ngunit ang tagumpay ng malinaw na katwiran at epektibong kalooban.

Ang pangunahing aesthetic na prinsipyo ng ika-18 siglong Enlightenment ay natagpuang ekspresyon sa paggamit ng natural na bato bilang pedestal. - katapatan sa kalikasan.

"Ang batayan ng gawaing ito ng monumental na iskultura ay ang matayog na ideya ng Russia, ang kapangyarihan ng kabataan nito, ang matagumpay na pag-akyat sa mga kalsada at matarik na dalisdis ng kasaysayan. Iyon ang dahilan kung bakit ang monumento ay nagbibigay sa manonood ng maraming damdamin at kaisipan, malapit at malayong mga samahan, maraming mga bagong imahe, kung saan ang kahanga-hangang imahe ng isang magiting na tao at bayani na mga tao, ang imahe ng inang bayan, ang kapangyarihan nito, ang kaluwalhatian nito, ang dakilang makasaysayang pagtawag ay palaging nangingibabaw" (Arkin D. E. E.-M. Falcone//History of Russian Art. M., 1961. T. VI. P. 38).

Noong dekada 70, maraming kabataang nagtapos sa Academy ang nagtrabaho kasama sina Shubin at Falcone. Makalipas ang isang taon, nagtapos dito si Shubina at dumaan sa pagreretiro sa kanya Fedor Gordeevich Gordeev(1744–1810), na ang malikhaing landas ay malapit na konektado sa Akademya (siya ay nagsilbi rin bilang rektor nito nang ilang panahon). Si Gordeev ay isang master ng monumental at pandekorasyon na iskultura. Sa kanyang maagang trabaho - ang lapida ng N.M. Ipinakita ni Golitsyna kung paano nagawa ng mga Ruso na masters ang kanilang mga sarili sa mga mithiin ng sinaunang, partikular na Griyego, plastic na sining. Tulad ng sa medyebal na panahon ay malikhaing pinagtibay nila ang mga tradisyon ng sining ng Byzantine, gayundin sa panahon ng klasisismo naunawaan nila ang mga prinsipyo ng Hellenistic sculpture. Mahalaga na para sa karamihan sa kanila ang pagbuo ng mga prinsipyong ito at ang paglikha ng kanilang sariling pambansang istilo ng klasiko ay hindi naging maayos, at ang gawain ng halos bawat isa sa kanila ay maaaring ituring bilang isang "arena ng pakikibaka" sa pagitan ng baroque, kung minsan. rocaille, at mga bago, klasikong tendensya. Bukod dito, ang ebolusyon ng pagkamalikhain ay hindi kinakailangang ipahiwatig ang tagumpay ng huli. Kaya, ang unang gawain ni Gordeev "Prometheus"(1769, plaster, Russian Museum, bronze - Ostankino Museum) at dalawang lapida ng Golitsyn(Field Marshal A.M. Golitsyn, bayani ng Khotin, 1788, HMGS, St. Petersburg, at D.M. Golitsyn, tagapagtatag ng sikat na ospital na itinayo ni Kazakov, 1799, GNIMA, Moscow) ay nagdadala ng mga tampok na nauugnay sa tradisyon ng Baroque: kumplikadong silweta, pagpapahayag at dynamics ("Prometheus"), ang kaakit-akit ng pangkalahatang disenyo ng komposisyon, mga kalunus-lunos na kilos ng mga alegorya na pigura (Virtue and Military Genius sa isang lapida. Kalungkutan at Aliw sa isa pa).

Ang lapida ni N.M. Ang Golitsyna ay kahawig ng isang sinaunang Griyego na stele. Ang bas-relief figure ng mourner, na kinuha na mas maliit kaysa sa laki ng buhay, ay ibinigay sa profile, na matatagpuan sa isang neutral na background at nakasulat sa isang hugis-itlog. Ang kamahalan at kataimtiman ng nagdadalamhating damdamin ay ipinahihiwatig ng mabagal na pagkakatiklop ng kanyang balabal. Ang isang pagpapahayag ng marangal na pagpigil ay nagmumula sa lapida na ito. Walang ganap na baroque pathos dito. Ngunit wala rin itong abstract na simbolismo, na kadalasang naroroon sa mga gawa ng istilong klasiko. Ang kalungkutan dito ay tahimik, at ang kalungkutan ay nakakaantig ng tao. Ang lyricism ng imahe, lihim, malalim na nakatagong kalungkutan at samakatuwid ay ang pagiging matalik at katapatan ay nagiging katangian ng klasiko ng Russia. Ang mga prinsipyo ng klasisismo ay nagpakita ng kanilang sarili nang mas malinaw sa mga bas-relief sa mga sinaunang paksa para sa mga facade at interior ng Ostankino Palace (Moscow, 80–90s).

Ang gawain ng isang kahanga-hangang iskultor ng Russia ay may isang bihirang iba't ibang mga interes. Mikhail Ivanovich Kozlovsky(1753–1802) matutunton din ng isa ang patuloy na “pakikibaka” na ito, isang kumbinasyon ng mga tampok ng Baroque at Klasisismo, na may pamamayani ng ilang mga diskarteng pangkakanyahan sa iba sa bawat indibidwal na gawain. Ang kanyang gawa ay malinaw na katibayan kung paano muling ginawa ng mga Ruso masters ang mga sinaunang tradisyon at kung paano nabuo ang klasisismo ng Russia. Hindi tulad ni Shubin at Gordeev, ang pagreretiro ni Kozlovsky ay nagsimula nang direkta sa Roma, at pagkatapos ay lumipat siya sa Paris. Ang kanyang unang mga gawa sa pag-uwi ay dalawa relief para sa Marble Palace, na ang mga mismong pangalan ay: "Ang paalam ni Regulus sa mga mamamayan ng Roma" at "Camillus, inalis ang Roma sa mga Gaul"- nagsasalita sila ng malaking interes ng master sa sinaunang kasaysayan (unang bahagi ng 80s).

Noong 1788, muling nagpunta si Kozlovsky sa Paris, ngunit bilang isang tagapayo sa mga pensiyonado, at natagpuan ang kanyang sarili sa kapal ng mga rebolusyonaryong kaganapan. Noong 1790 ay gumanap siya estatwa ni Polycrates(Russian Museum, plaster), kung saan ang tema ng pagdurusa at ang salpok para sa pagpapalaya ay parang nakakalungkot. Kasabay nito, sa nanginginig na paggalaw ni Polycrates, ang pagsisikap ng kanyang nakakadena na kamay, ang mortal-martyrdom na ekspresyon ng kanyang mukha, mayroong ilang mga tampok ng naturalismo.

Noong kalagitnaan ng 90s, sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, nagsimula ang pinakamabungang panahon sa gawain ni Kozlovsky. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa sa easel (at higit sa lahat ay nagtrabaho siya sa easel sculpture) ay mula pa noong unang panahon. Ang kanyang "Pastor na may Kuneho"(1789, marmol. Pavlovsk Palace Museum), “ Natutulog si Kupido"(1792, marmol, State Russian Museum), "Kupido na may palaso"(1797, marmol, Tretyakov Gallery) at iba pa ay nagsasalita ng isang banayad at hindi pangkaraniwang malalim na pagtagos sa kulturang Hellenistic, ngunit sa parehong oras ay wala silang anumang panlabas na imitasyon. Ito ay isang iskultura ng ika-18 siglo, at ito ay si Kozlovsky, na, na may banayad na lasa at pagiging sopistikado, ay niluwalhati ang kagandahan ng kabataang katawan. Ang kanyang "Pagpupuyat ni Alexander the Great"(ikalawang kalahati ng dekada 80, marmol, Museo ng Russia) ay niluluwalhati ang kabayanihan na personalidad, ang ideal na sibil na tumutugma sa mga tendensiyang moralizing ng klasisismo: sinusubok ng komandante ang kanyang kalooban, lumalaban sa pagtulog; ang balumbon ng Iliad sa tabi niya ay katibayan ng kanyang pag-aaral. Ngunit ang unang panahon ay hindi lamang ang tanging bagay ng pag-aaral para sa master ng Russia. Sa paraan na ang estado ng kalahating tulog, kalahating tulog na pamamanhid ay natural na naihatid, mayroong isang buhay, talamak na pagmamasid; isang maingat na pag-aaral ng kalikasan ay makikita sa lahat. At ang pinakamahalaga, walang lahat-ng-ubos na pangingibabaw ng katwiran sa pakiramdam, walang tuyong katwiran, at ito, sa aming opinyon, ay isa sa mga pinaka makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng klasikong Ruso.

Si Kozlovsky ang klasiko ay natural na nabighani sa tema ng bayani, at natutupad niya ilang terracottas batay sa Iliad ("Ajax with the body of Patroclus", 1796, Museo ng Russia). Ibinigay ng iskultor ang kanyang interpretasyon ng isang yugto mula sa kasaysayan ni Peter sa estatwa ni Yakov Dolgoruky, isang malapit na kasama ng hari, nagalit sa kawalan ng katarungan ng isang utos ng emperador (1797, marmol, Russian Museum). Sa estatwa ni Dolgoruky, malawakang ginagamit ng iskultor ang mga tradisyunal na katangian: isang nasusunog na tanglaw at kaliskis (simbolo ng katotohanan at katarungan), isang natalo na maskara (pagtaksilan) at isang ahas (kababayaan, kasamaan). Pagbuo ng kabayanihan na tema, Kozlovsky address sa imahe ng Suvorov: una ang master ay lumilikha ng isang allegorical na imahe ng Hercules sa likod ng kabayo (1799, tanso, Russian Museum), at pagkatapos ay isang monumento sa Suvorov, conceived bilang isang panghabambuhay na estatwa (1799–1801, St. Petersburg). Ang monumento ay walang direktang pagkakahawig sa larawan. Sa halip, ito ay isang pangkalahatang imahe ng isang mandirigma, isang bayani, na ang kasuutan ng militar ay pinagsasama ang mga elemento ng mga sandata ng isang sinaunang Romano at isang medieval na kabalyero (at, ayon sa pinakabagong impormasyon, mga elemento din ng uniporme na nais ni Paul, ngunit hindi magkaroon ng oras upang magpakilala). Ang enerhiya, katapangan, maharlika ay nagmumula sa buong anyo ng komandante, mula sa kanyang mapagmataas na pagbaling ng kanyang ulo, ang matikas na kilos kung saan itinaas niya ang kanyang espada. Ang isang magaan na pigura sa isang cylindrical na pedestal ay lumilikha ng isang solong dami ng plastik kasama nito. Pinagsasama ang pagkalalaki at biyaya, ang imahe ni Suvorov ay nakakatugon sa parehong klasiko na pamantayan ng kabayanihan at pangkalahatang pag-unawa sa kagandahan bilang isang kategorya ng aesthetic, katangian ng ika-18 siglo. Lumikha ito ng pangkalahatang imahe ng isang pambansang bayani, at wastong inuri ito ng mga mananaliksik bilang isa sa mga pinakaperpektong likha ng klasikong Ruso, kasama ang "Bronze Horseman" ni Falconet at ang monumento kina Minin at Pozharsky Martos.

Sa mga parehong taon na ito, nagtrabaho si Kozlovsky sa itaas ng rebulto ni Samson - sa gitna ng Grand Cascade ng Peterhof(1800–1802). Kasama ang pinakamahusay na mga iskultor - Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofiev - Nakibahagi si Kozlovsky sa pagpapalit ng mga estatwa ng mga fountain ng Peterhof, na nakumpleto ang isa sa pinakamahalagang mga order. "Samson," bilang siya ay tradisyonal na tawag, pinagsasama ang kapangyarihan ng sinaunang Hercules (ayon sa ilang kamakailang pag-aaral, ito ay Hercules) at ang pagpapahayag ng mga imahe ni Michelangelo. Ang imahe ng isang higanteng pinupunit ang bibig ng isang leon (ang imahe ng isang leon ay kasama sa coat of arms ng Sweden) ay nagpapakilala sa kawalan ng kakayahan ng Russia.

Sa panahon ng Great Patriotic War, ang monumento ay ninakaw ng mga Nazi. Noong 1947, ang iskultor na si V.L. Nilikha ito muli ni Simonov batay sa mga nakaligtas na dokumentong photographic.

Si Kozlovsky ay isang kapantay Fedos Fedorovich Shchedrin(1751–1825). Dumaan siya sa parehong mga yugto ng pagsasanay sa Academy at pagreretiro sa Italy at France. Pinatay niya noong 1776 "Marsyas"(gypsum, NIMAH), tulad ng "Prometheus" ni Gordeev at "Polycrates" ni Kozlovsky, ay puno ng marahas na paggalaw at isang trahedya na saloobin. Tulad ng lahat ng mga iskultor ng panahon ng klasisismo, si Shchedrin ay nabighani sa mga sinaunang larawan ( "Sleeping Endymion" 1779, tanso, State Russian Museum; "Venus", 1792, marmol, Russian Museum), na nagpapakita ng partikular na patula na pananaw sa kanilang mundo. Nakikilahok din siya sa paglikha ng mga eskultura para sa mga fountain ng Peterhof (“Neva”, 1804). Ngunit ang pinakamahalagang mga gawa ni Shchedrin ay nagmula sa panahon ng huli na klasisismo. Noong 1811–1813 Nagtatrabaho siya sa itaas ng sculptural complex ng Zakharov Admiralty. Natupad niya tatlong-figure na grupo ng "Sea Nymphs" na may dalang globo, – marilag at monumental, ngunit kaaya-aya din sa parehong oras; estatwa ng apat na magagaling na sinaunang mandirigma: Achilles, Ajax, Pyrrhus at Alexander the Great– sa mga sulok ng attic ng gitnang tore. Sa Admiralty complex, pinamamahalaang ni Shchedrin na i-subordinate ang pandekorasyon na prinsipyo sa monumental na synthesis, na nagpapakita ng isang mahusay na pakiramdam ng arkitekto. Ang mga pangkat ng eskultura ng mga nymph ay malinaw na nababasa sa pamamagitan ng kanilang dami laban sa background ng makinis na mga dingding, at ang mga pigura ng mga mandirigma ay organikong kumpletuhin ang arkitektura ng gitnang tore. Mula 1807 hanggang 1811 nagtrabaho din si Shchedrin sa itaas ng malaking frieze na "Carrying the Cross" para sa concha ng southern apse ng Kazan Cathedral.

Ang kanyang kontemporaryo Ivan Prokofievich Prokofiev(1758–1828) noong 1806–1807 . lumilikha ng frieze sa Kazan Cathedral sa attic ng kanlurang daanan ng colonnade sa temang "Copper Serpent". Si Prokofiev ay isang kinatawan ng ikalawang henerasyon ng mga akademikong iskultor; sa mga nakaraang taon ay nag-aral siya kasama si Gordeev, noong 1780–1784. nag-aral sa Paris, pagkatapos ay nagpunta sa Alemanya, kung saan nasiyahan siya bilang isang pintor ng larawan (dalawang larawan lamang ng Prokofiev ang nakaligtas ang mag-asawang Labzin, 1802, parehong terracotta, Russian Museum). Isa sa kanyang mga unang gawa - "Actaeon"(1784, Russian Museum) ay nagpapatotoo sa husay ng isang ganap nang artista, na mahusay na naghahatid ng malakas, nababaluktot na paggalaw at nababanat na pagtakbo ng isang binata na tinutugis ng mga aso ni Diana. Pangunahing si Prokofiev ay isang master ng relief, na nagpapatuloy sa pinakamahusay na mga tradisyon ng sinaunang relief sculpture (isang serye ng mga plaster relief ng harapan at cast-iron na mga hagdanan ng Academy of Arts; ang bahay ni I.I. Betsky, ang palasyo sa Pavlovsk - lahat ng 80s , maliban sa cast-iron staircase ng Academy, na isinagawa noong 1819–1820 gg.). Ito ay isang idyllic na linya sa gawa ni Prokofiev. Ngunit ang master ay pamilyar din sa mataas na dramatikong mga tala (ang nabanggit na frieze ng Kazan Cathedral na "Copper Serpent"). Para kay Peterhof Si Prokofiev ay gumanap nang magkapares sa "Neva" ni Shchedrin ang estatwa ng "Volkhov" at ang pangkat na "Tritons".

Ivan Petrovich Martos(1754–1835) ay nabuhay ng napakahabang malikhaing buhay, at ang kanyang pinakamahalagang mga gawa ay nilikha na noong ika-19 na siglo. Ngunit ang mga lapida ni Martos, ang kanyang mga alaala na eskultura ay mula sa 80s at 90s sa kanilang kalooban at... ang mga solusyon sa plastik ay nabibilang sa ika-18 siglo. Nagawa ni Martos na lumikha ng maliwanag na mga imahe, natatakpan ng tahimik na kalungkutan, mataas na liriko na damdamin, matalinong pagtanggap sa kamatayan, at, bukod dito, pinaandar nang may pambihirang artistikong pagiging perpekto ( lapida ng M.P. Sobakina, 1782, GNIMA; lapida ng E.S. Kurakina, 1792, HMGS).

18th century sculpture maikling mensahe at nakatanggap ng pinakamahusay na sagot

Sagot mula sa Orbital constellation[guru]
iskultura ng ika-18 siglo
Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, nagsimula ang isang tuluy-tuloy na pag-unlad
mga domestic na plastik. Ang bilog na iskultura ay dati nang mabagal na nabuo, mula noon
laboriously overcoming walong daang taon ng sinaunang Russian tradisyon na may kaugnayan sa
sa paganong "boob." Hindi siya nagbigay ng isang mahusay na master ng Russia
unang kalahati ng ika-18 siglo , ngunit ang mas makinang ay ang kanyang pag-alis sa susunod
panahon. Russian classicism bilang ang nangungunang artistikong kilusan sa oras na ito
ay ang pinakamalaking pampasigla para sa pag-unlad ng sining ng mga dakilang ideyang sibiko,
na humantong sa interes sa iskultura sa panahong ito. F. I. Shubin, F. G. Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofiev, I. P. Martos - bawat isa para sa kanyang sarili
ang kanyang sarili ang pinakamaliwanag na pagkatao, iniwan niya ang kanyang sarili, kakaiba lamang sa kanya
bakas sa sining. Ngunit lahat sila ay nagkakaisa sa pamamagitan ng mga karaniwang malikhaing prinsipyo na
natutunan nila ito pabalik sa Academy sa sculpture class ni Professor Nicolas Gillet.
Ang mga artistang Ruso ay pinag-isa rin ng mga karaniwang ideya ng pagkamamamayan at
pagkamakabayan, matataas na mithiin ng unang panahon.
Ang interes sa "bayanihang sinaunang panahon" ay nakakaimpluwensya rin sa pagpili ng mga diyos at bayani:
Si Neptunes at Bacchus, na minamahal noong panahon ni Pedro, ay pinalitan ni Prometheus,
Polycrates, Marsyas, Hercules, Alexander the Great, mga bayaning Homer
epiko Sinisikap ng mga iskultor ng Russia na isama ang mga tampok sa isang imahe ng lalaki
kabayanihan personalidad, at sa pambabae - perpektong maganda, harmoniously
isang malinaw, perpektong simula. Ito ay makikita pareho sa monumental,
arkitektura at pandekorasyon, at sa easel plastic.
Sa kaibahan sa Baroque, arkitektura at pandekorasyon na kaplastikan noong panahon
Ang klasisismo ay may mahigpit na sistema ng pag-aayos sa harapan ng gusali: pangunahin
sa gitnang bahagi, ang pangunahing portiko at sa mga gilid na projection, o mga korona
gusali, nababasa sa langit.
Ang iskultura ng Russia noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo
Sa tabi ng pambihirang mahalagang pigura ni Shubin ay nakatayo ang isang kalawakan ng kanyang namumukod-tanging mga kontemporaryo, tulad niya, na nag-ambag sa makikinang na pamumulaklak ng eskultura ng Russia noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.
Kasama ang mga domestic masters, ang iskultor na si Etienne-Maurice Falconet (1716__1791, sa Russia - mula 1766 hanggang 1778), ang may-akda ng isa sa mga pinakamahusay na monumento noong ika-18 siglo - ang monumento kay Peter I sa Senate Square sa St. Petersburg (may sakit . 161), nag-ambag ng malaki sa kaluwalhatian ng iskultura ng Russia. Ang kalubhaan ng mga gawain, ang taas ng ideolohikal at aesthetic na pamantayan, ang tindi ng malikhaing kapaligiran sa sining ng Russia noong mga taong iyon ay pinahintulutan ang iskultor na lumikha ng pinakaperpekto sa kanyang mga gawa, na inextricably na nauugnay sa bansa kung saan ito ipinanganak.
Ang paunang sketch ay handa na noong 1765. Pagdating sa St. Petersburg, nagsimulang magtrabaho si Falcone at noong 1770 ay nakumpleto ang isang modelong kasing laki ng buhay. Isang batong bato ang inihatid sa lugar ng pag-install ng monumento, na tumitimbang ng humigit-kumulang 275 tonelada pagkatapos ng bahagyang pagputol nito. Ang bronze statue ay inihagis noong 1775-1777, at ang monumento ay inihayag noong 1782. Ang katulong ni Falconet sa paggawa sa monumento ay ang kanyang mag-aaral na si Marie-Anne Collot (1748-1821), na siyang naglilok sa ulo ni Peter. Matapos ang pag-alis ni Falcone, ang pag-install ng monumento ay pinangangasiwaan ng iskultor na si F. G. Gordeev.
Si Falcone ay isang dayuhan, ngunit nagawa niyang maunawaan ang personalidad ni Peter at ang kanyang papel sa makasaysayang pag-unlad ng Russia sa paraang ang monumento na nilikha niya ay dapat isaalang-alang nang tumpak sa loob ng balangkas ng kulturang Ruso, na paunang natukoy ang madamdaming interpretasyon ng imahe ni Pedro na ibinigay ng iskultor.

Sagot mula sa 3 sagot[guru]

Kamusta! Narito ang isang seleksyon ng mga paksang may mga sagot sa iyong tanong: 18th century sculpture short message

I.M.Schmidt

Kung ikukumpara sa arkitektura, ang pag-unlad ng iskultura ng Russia noong ika-18 siglo ay mas hindi pantay. Ang mga tagumpay na nagmarka sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ay higit na makabuluhan at magkakaibang. Ang medyo mahina na pag-unlad ng Russian plastic arts sa unang kalahati ng siglo ay dahil sa ang katunayan na dito, hindi katulad ng arkitektura, walang ganoong makabuluhang mga tradisyon at paaralan. Ang pag-unlad ng sinaunang iskultura ng Russia, na limitado ng mga pagbabawal ng Orthodox Christian Church, ay nagkaroon ng epekto.

Mga nakamit ng Russian plastic arts noong unang bahagi ng ika-18 siglo. halos ganap na nauugnay sa pandekorasyon na iskultura. Una sa lahat, ang hindi pangkaraniwang mayamang sculptural na dekorasyon ng Dubrovitsky Church (1690-1704), ang Menshikov Tower sa Moscow (1705-1707) at ang mga relief sa mga dingding ng Summer Palace of Peter I sa St. Petersburg (1714) ay dapat mapansin. Isinagawa noong 1722-1726. Ang sikat na iconostasis ng Peter at Paul Cathedral, na nilikha ayon sa disenyo ng arkitekto na si I. P. Zarudny ng mga carvers I. Telegin at T. Ivanov, ay maaaring isaalang-alang, sa esensya, bilang resulta ng pag-unlad ng ganitong uri ng sining. Ang malaking inukit na iconostasis ng Peter and Paul Cathedral ay humanga sa kanyang solemne na karilagan, virtuosity ng woodworking, at ang kayamanan at iba't ibang mga motif ng dekorasyon.

Sa buong ika-18 siglo. Ang katutubong kahoy na iskultura ay patuloy na matagumpay na umunlad, lalo na sa hilaga ng Russia. Sa kabila ng mga pagbabawal ng synod, ang mga gawa ng relihiyosong iskultura ay patuloy na nilikha para sa mga simbahang Ruso sa hilaga; Maraming mga carver ng kahoy at bato, na pupunta sa pagtatayo ng malalaking lungsod, ang nagdala sa kanila ng mga tradisyon at malikhaing pamamaraan ng katutubong sining.

Ang pinakamahalagang pagbabago sa estado at kultura na naganap sa ilalim ni Peter I ay nagbukas ng mga pagkakataon para sa iskultura ng Russia na umunlad sa labas ng saklaw ng mga komisyon ng simbahan. Malaki ang interes sa round easel sculpture at portrait bust. Ang isa sa mga pinakaunang gawa ng bagong iskultura ng Russia ay ang estatwa ng Neptune, na naka-install sa Peterhof Park. Cast in bronze noong 1715-1716, malapit pa rin ito sa estilo ng Russian wooden sculpture noong ika-17-18 na siglo.

Nang hindi naghihintay na unti-unting mabuo ang mga kadre ng kanyang mga masters na Ruso, nagbigay si Peter ng mga tagubilin na bumili ng mga antigong estatwa at mga gawa ng modernong iskultura sa ibang bansa. Sa kanyang aktibong tulong, sa partikular, isang kahanga-hangang estatwa ang nakuha, na kilala bilang "Venus of Tauride" (ngayon ay nasa Hermitage); iba't ibang mga estatwa at mga komposisyon ng eskultura ang iniutos para sa mga palasyo at parke ng St. Petersburg, ang Summer Garden; inimbitahan ang mga dayuhang iskultor.

Ang pinakakilala sa kanila ay si Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), na dumating sa Russia noong 1716 at nanatili dito hanggang sa katapusan ng kanyang buhay. Lalo siyang sikat bilang may-akda ng kahanga-hangang bust ni Peter I, na pinatay at inihagis sa tanso noong 1723-1729. (Museo ng Hermitage).

Ang imahe ni Peter I na nilikha ni Rastrelli ay nakikilala sa pamamagitan ng makatotohanang paglalarawan ng mga tampok ng portrait at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang solemnidad. Bakas sa mukha ni Pedro ang walang patid na paghahangad at determinasyon ng isang mahusay na estadista. Habang si Peter I ay nabubuhay pa, tinanggal ni Rastrelli ang maskara sa kanyang mukha, na nagsilbi sa kanya upang lumikha ng isang nakadamit na estatwa ng waks, ang tinatawag na "Wax Person," at para sa isang bust. Si Rastrelli ay isang tipikal na Western European master ng yumaong Baroque. Gayunpaman, sa ilalim ng mga kondisyon ng Russia ni Peter, ang makatotohanang mga aspeto ng kanyang trabaho ay nakatanggap ng pinakamalaking pag-unlad. Kabilang sa mga huling gawa ni Rastrelli, ang estatwa ni Empress Anna Ioannovna na may maliit na itim na batang babae (1741, bronze; Leningrad, Russian Museum) ay malawak na kilala. Ang kapansin-pansin sa gawaing ito ay, sa isang banda, ang walang kinikilingan na katotohanan ng pintor ng larawan, at sa kabilang banda, ang kahanga-hangang karangyaan ng desisyon at ang monumentalisasyon ng imahe. Napakalaki sa kanyang solemne na kabigatan, nakasuot ng pinakamamahal na damit at mantle, ang pigura ng empress ay nakikitang mas kahanga-hanga at nananakot sa tabi ng maliit na pigura ng isang maliit na itim na batang lalaki, na ang mga paggalaw sa kanilang magaan ay higit na binibigyang-diin ang kanyang kabigatan at pagiging kinatawan.

Ang mataas na talento ni Rastrelli ay ipinakita hindi lamang sa mga gawa ng portrait, kundi pati na rin sa monumental at pandekorasyon na iskultura. Lumahok siya, lalo na, sa paglikha ng pandekorasyon na iskultura ng Peterhof, nagtrabaho sa equestrian monument ni Peter I (1723-1729), na na-install sa harap ng Mikhailovsky Castle noong 1800 lamang.

Sa equestrian monument ni Peter I, si Rastrelli sa sarili niyang paraan ay nagpatupad ng maraming solusyon para sa mga estatwa ng equestrian, mula sa sinaunang "Marcus Aurelius" hanggang sa karaniwang Baroque Berlin monument hanggang sa dakilang Elector Andreas Schlüter. Ang kakaiba ng solusyon ni Rastrelli ay nadarama sa pinigilan at mahigpit na istilo ng monumento, sa kahalagahan ng imahe ni Peter mismo, na binigyang-diin nang walang labis na karangyaan, gayundin sa napakahusay na natagpuang spatial na oryentasyon ng monumento.

Kung ang unang kalahati ng ika-18 siglo. minarkahan ng medyo hindi gaanong kalat na pag-unlad ng iskultura ng Russia, ang ikalawang kalahati ng siglong ito ay ang oras ng pagtaas ng sining ng iskultura. Ito ay hindi nagkataon na ang ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. at ang unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. tinatawag na "ginintuang panahon" ng iskulturang Ruso. Ang isang napakatalino na kalawakan ng mga master sa katauhan ni Shubin, Kozlovsky, Martos at iba pa ay sumusulong sa ranggo ng pinakamalaking kinatawan ng eskultura sa mundo. Ang mga natatanging tagumpay ay nakamit sa larangan ng mga larawang eskultura, monumental at monumental-decorative plastic arts. Ang huli ay inextricably na nauugnay sa pagtaas ng Russian architecture, estate at urban construction.

Ang pagbuo ng St. Petersburg Academy of Arts ay gumaganap ng isang napakahalagang papel sa pag-unlad ng Russian plastic arts.

Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. sa European art - isang panahon ng mataas na pag-unlad ng sining ng portraiture. Sa larangan ng iskultura, ang pinakadakilang masters ng psychological portrait-bust ay sina Gudon at F.I. Shubin.

Si Fedot Ivanovich Shubin (1740-1805) ay ipinanganak sa isang pamilyang magsasaka malapit sa Khol-mogory, sa baybayin ng White Sea. Ang kanyang kakayahan para sa iskultura ay unang nagpakita ng sarili sa pag-ukit ng buto, isang malawak na binuo katutubong bapor sa hilaga. Tulad ng kanyang dakilang kababayan na si M.V. Lomonosov, si Shubin bilang isang binata ay nagpunta sa St. Petersburg (1759), kung saan ang kanyang mga kakayahan para sa iskultura ay nakakuha ng atensyon ni Lomonosov. Noong 1761, sa tulong nina Lomonosov at Shuvalov, pinamamahalaang ni Shubin na sumali sa Academy of Arts. Matapos itong makumpleto (1766), natanggap ni Shubin ang karapatang maglakbay sa ibang bansa, kung saan siya ay nanirahan pangunahin sa Paris at Roma. Sa France, nakilala ni Shubin si J. Pigal at kinuha ang kanyang payo.

Pagbalik sa St. Petersburg noong 1773, si Shubin sa parehong taon ay lumikha ng isang plaster bust ng A. M. Golitsyn (ang kopya ng marmol, na matatagpuan sa Tretyakov Gallery, ay ginawa noong 1775; tingnan ang ilustrasyon). Ang bust ng A. M. Golitsyn ay agad na niluwalhati ang pangalan ng young master. Ang larawan ay muling nililikha ang karaniwang imahe ng isang kinatawan ng pinakamataas na aristokrasya ng panahon ni Catherine. Sa magaan na ngiti na dumausdos sa kanyang mga labi, sa masiglang pag-ikot ng kanyang ulo, sa matalino, bagaman medyo malamig, na ekspresyon ng mukha ni Golitsyn, mararamdaman ng isa ang sekular na pagiging sopistikado at kasabay nito ang panloob na kabusugan ng isang lalaking pinalayaw ng kapalaran. .

Noong 1774, nahalal si Shubin sa Academy para sa kanyang nakumpletong bust ni Catherine II. Siya ay literal na binomba ng mga utos. Magsisimula ang isa sa mga pinakamabungang panahon ng pagkamalikhain ng master.

Pagsapit ng 1770s ay tumutukoy sa isa sa mga pinakamahusay na larawan ng babae ng Shubin - isang bust ng M. R. Panina (marmol; Tretyakov Gallery), na medyo malapit sa bust ng A. M. Golitsyn: sa harap natin ay ang imahe ng isang tao na aristokratikong pino at sa sabay pagod at pagod. Gayunpaman, ang Panina ay binibigyang kahulugan ni Shubin na may medyo higit na pakikiramay: ang pagpapahayag ng medyo nagkukunwaring pag-aalinlangan, na kapansin-pansin sa mukha ni Golitsyn, ay pinalitan sa larawan ni Panina ng isang lilim ng liriko na pag-iisip at maging ang kalungkutan.

Alam ni Shubin kung paano ihayag ang imahe ng isang tao hindi sa isa, ngunit sa ilang mga aspeto, sa isang multifaceted na paraan, na naging posible na tumagos nang mas malalim sa pagiging modelo at maunawaan ang sikolohiya ng taong inilalarawan. Alam niya kung paano matalas at tumpak na makuha ang ekspresyon ng mukha ng isang tao, ihatid ang mga ekspresyon ng mukha, titig, pagliko at posisyon ng ulo. Imposibleng hindi bigyang-pansin kung anong iba't ibang lilim ng ekspresyon ng mukha ang ibinubunyag ng master mula sa iba't ibang mga punto ng view, kung gaano kahusay na ipinadama niya sa isang tao ang mabuting kalikasan o malamig na kalupitan, katigasan o pagiging simple, panloob na nilalaman o kasiyahan sa sarili na kahungkagan ng isang tao .

Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. ay isang panahon ng makikinang na tagumpay para sa hukbong Ruso at hukbong-dagat. Maraming mga bust ni Shubin ang nagbibigay-kabuhayan sa mga pinakakilalang kumander sa kanyang panahon. Ang dibdib ng Z. G. Chernyshev (marmol, 1774; Tretyakov Gallery) ay minarkahan ng mahusay na pagiging totoo at hindi mapagpanggap na pagiging simple ng imahe. Nang hindi nagsusumikap para sa isang mapagpasikat na solusyon sa bust, tinatanggihan na gumamit ng mga kurtina, itinuon ni Shubin ang lahat ng atensyon ng manonood sa mukha ng bayani - matapang na bukas, na may malaki, bahagyang magaspang na mga tampok, na, gayunpaman, ay hindi wala sa espirituwalidad at panloob na maharlika. Ang larawan ng P. A. Rumyantsev-Zadunaisky (marmol, 1778; Russian Museum) ay idinisenyo nang iba. Totoo, dito si Shubin ay hindi gumagamit ng ideyal sa mukha ng bayani. Gayunpaman, ang pangkalahatang disenyo ng bust ay hindi maihahambing na mas kahanga-hanga: ang ipinagmamalaking itinaas na ulo ng field marshal, ang kanyang pataas na tingin, ang kapansin-pansing malawak na laso at napakahusay na ginawang drapery ay nagbibigay ng mga tampok na larawan ng solemne na ningning.

Ito ay hindi para sa wala na Shubin ay itinuturing sa Academy na ang pinaka-karanasang espesyalista sa marble processing - ang kanyang pamamaraan ay amazingly libre. “Ang kanyang mga bust ay buhay; ang katawan sa kanila ay isang perpektong katawan...”, isinulat ng isa sa mga unang kritiko ng sining ng Russia, si V. I. Grigorovich, noong 1826. Alam kung paano perpektong ihatid ang buhay na pagkamangha at init ng mukha ng tao, si Shubin ay pantay na mahusay at nakakumbinsi na naglalarawan ng mga accessories: mga peluka, magaan o mabibigat na tela ng damit, manipis na puntas, malambot na balahibo, alahas at mga order ng mga inilalarawan. Gayunpaman, ang pangunahing bagay para sa kanya ay palaging nanatiling mga mukha ng tao, mga imahe at mga character.

Sa paglipas ng mga taon, nagbigay si Shubin ng isang mas malalim, at kung minsan ay mas malubha, sikolohikal na paglalarawan ng mga imahe, halimbawa, sa marmol na bust ng sikat na diplomat na si A. A. Bezborodko (karamihan sa mga mananaliksik ay napetsahan ang gawaing ito noong 1797; Russian Museum) at lalo na ang St. Petersburg police chief E. M. Chulkov ( marmol, 1792; Russian Museum), sa larawan kung saan muling nilikha ni Shubin ang isang bastos, panloob na limitadong tao. Ang pinaka-kapansin-pansing gawa ni Shubin sa bagay na ito ay ang bust ni Paul I (marble sa Russian Museum; ill., bronze cast sa Russian Museum at Tretyakov Gallery), na nilikha noong huling bahagi ng 1790s. Sa loob nito, ang matapang na katotohanan ay hangganan sa kakatwa. Ang bust ng M.V. Lomonosov ay itinuturing na puno ng mahusay na init ng tao (dumating ito sa amin sa plaster - ang Russian Museum, marmol - Moscow, Academy of Sciences, at gayundin sa bronze cast, na may petsang 1793 - Cameron Gallery).

Bilang pangunahing pintor ng portrait, nagtrabaho din si Shubin sa iba pang mga lugar ng iskultura, na lumilikha ng mga alegorikal na estatwa, monumental at pandekorasyon na mga relief na inilaan para sa mga istrukturang arkitektura (pangunahin para sa mga interior), gayundin para sa mga parke ng bansa. Ang pinakasikat ay ang kanyang mga estatwa at relief para sa Marble Palace sa St. Petersburg, pati na rin ang tansong estatwa ng Pandora na naka-install sa grupo ng Great Cascade of Fountains sa Peterhof (1801).

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ang isa sa mga kilalang French masters, mataas na itinuturing ni Diderot, ay nagtrabaho sa Russia - si Etienne Maurice Falconet (1716-1791), na nanirahan sa St. Petersburg mula 1766 hanggang 17781. Ang layunin ng pagbisita ni Falcone sa Russia ay upang lumikha ng isang monumento kay Peter I, kung saan siya nagtrabaho sa loob ng labindalawang taon. Ang resulta ng maraming taon ng trabaho ay isa sa mga pinakatanyag na monumento sa mundo. Kung si Rastrelli, sa nabanggit na monumento kay Peter I, ay ipinakita ang kanyang bayani bilang isang emperador - kakila-kilabot at makapangyarihan, kung gayon ang Falcone ay naglalagay ng pangunahing diin sa muling paglikha ng imahe ni Peter bilang ang pinakadakilang repormador sa kanyang panahon, isang matapang at matapang na estadista.

Ang ideyang ito ay sumasailalim sa plano ni Falcone, na sa isa sa kanyang mga liham ay sumulat: "... Limitado ako sa aking sarili sa isang estatwa ng isang bayani at ilarawan siya hindi bilang isang mahusay na kumander at nagwagi, bagaman, siyempre, siya ay pareho. Ang personalidad ng lumikha, ang mambabatas ay mas mataas...” Ang malalim na kamalayan ng iskultor sa kahalagahan ng kasaysayan ni Peter I ay higit na natukoy ang disenyo at matagumpay na solusyon ng monumento.

Si Pedro ay ipinakita sa sandali ng isang mabilis na pag-alis sa isang bato - isang natural na bloke ng bato, na tinabas tulad ng isang malaking alon ng dagat na tumataas. Pinahinto ang kabayo sa buong bilis, iniunat niya ang kanyang kanang kamay pasulong. Depende sa punto ng view ng monumento, ang nakaunat na kamay ni Peter ay kumakatawan sa alinman sa malupit na kawalang-kilos, pagkatapos ay matalinong utos, pagkatapos, sa wakas, kalmado na kapayapaan. Ang kahanga-hangang integridad at plastik na pagiging perpekto ay nakamit ng iskultor sa pigura ng mangangabayo at ng kanyang makapangyarihang kabayo. Pareho sa kanila ay inextricably fused sa isang solong kabuuan, naaayon sa isang tiyak na ritmo at pangkalahatang dynamics ng komposisyon. Sa ilalim ng mga paa ng isang kabayong tumatakbo, ang isang ahas na tinapakan niya ay kumikiliti, na nagpapakilala sa mga puwersa ng kasamaan at panlilinlang.

Ang pagiging bago at pagka-orihinal ng konsepto ng monumento, ang pagpapahayag at kahulugan ng imahe (ang kanyang mag-aaral na si M.-A. Kollo ay tumulong sa paglikha ng larawan ng larawan ni Peter Falcone), ang malakas na organikong koneksyon sa pagitan ng equestrian figure at pedestal, isinasaalang-alang ang kakayahang makita at isang mahusay na pag-unawa sa spatial na pag-aayos ng monumento sa isang malawak na lugar - lahat ng mga merito na ito ay ginagawang isang tunay na obra maestra ng monumental na iskultura ang paglikha ng Falconet.

Matapos umalis si Falconet sa Russia, ang pagkumpleto ng trabaho (1782) sa pagtatayo ng monumento kay Peter I ay pinangangasiwaan ni Fyodor Gordeevich Gordeev (1744-1810).

Noong 1780, nilikha ni Gordeev ang lapida ng N. M. Golitsyna (marmol; Moscow, Museum of Architecture ng Academy of Construction and Architecture ng USSR). Ang maliit na bas-relief na ito ay naging isang landmark na gawa sa Russian memorial sculpture - mula sa Gordeev relief, pati na rin mula sa mga unang lapida ng Martos, ang uri ng Russian classical memorial sculpture ng huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo na binuo. (mga gawa ni Kozlovsky, Demut-Malinovsky, Pimenov, Vitali). Ang mga lapida ni Gordeev ay naiiba sa mga gawa ni Martos sa kanilang mas mababang koneksyon sa mga prinsipyo ng klasisismo, ang karangyaan at "kadakilaan" ng mga komposisyon, at ang hindi gaanong malinaw at nagpapahayag na pag-aayos ng mga numero. Bilang isang monumental na iskultor, pangunahing binigyang pansin ni Gordeev ang sculptural relief, kung saan ang pinakasikat ay ang mga relief ng Ostankino Palace sa Moscow, pati na rin ang mga relief ng porticoes ng Kazan Cathedral sa St. Sa kanila si Gordeev ay sumunod sa isang mas mahigpit na istilo kaysa sa mga lapida.

Ang gawain ni Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802) ay lumilitaw sa harap natin bilang maliwanag at buong dugo, na, tulad nina Shubin at Martos ( Ang gawain ni I. P. Martos ay tinalakay sa ikalimang tomo ng publikasyong ito.), ay isang kahanga-hangang master ng Russian sculpture.

Sa gawa ni Kozlovsky, dalawang linya ang malinaw na nakikita: sa isang banda, nariyan ang kanyang mga gawa tulad ng "The Shepherd with a Hare" (kilala bilang "Apollo", 1789; Russian Museum at Tretyakov Gallery), "Sleeping Cupid" ( marmol, 1792; Museo ng Russia), "Kupido na may Palaso" (marmol, 1797; Tretyakov Gallery). Ipinakita nila ang kagandahan at pagiging sopistikado ng plastic form. Ang isa pang linya ay ang mga gawa ng heroic-dramatic na kalikasan ("Polycrates", plaster, 1790, ill., at iba pa).

Sa pinakadulo ng ika-18 siglo, nang magsimula ang mga pangunahing gawain sa muling pagtatayo ng ensemble ng mga fountain ng Peterhof at ang pagpapalit ng mga sira-sirang estatwa ng tingga ng mga bago, si M. I. Kozlovsky ay binigyan ng pinaka-responsable at marangal na atas: upang i-sculpt ang central sculptural composition ng Grand Cascade sa Peterhof - ang pigura ni Samson na pinunit ang kanyang bibig na leon

Itinayo noong unang kalahati ng ika-18 siglo, ang estatwa ni Samson ay direktang nakatuon sa mga tagumpay ni Peter I sa mga tropang Suweko. Ang bagong gumanap na "Samson" ni Kozlovsky, sa prinsipyo na inuulit ang lumang komposisyon, ay nalutas sa isang mas kahanga-hangang kabayanihan at makasagisag na makabuluhang paraan. Ang titanic build ni Samson, ang malakas na spatial reversal ng kanyang figure, na idinisenyo upang tingnan mula sa iba't ibang mga punto ng view, ang intensity ng labanan at sa parehong oras ang kalinawan ng kinalabasan nito - lahat ng ito ay ipinarating ni Kozlovsky na may tunay na kasanayan sa mga solusyon sa komposisyon. . Ang temperamental, kakaibang energetic na sculpting na katangian ng master ay hindi maaaring maging mas angkop para sa gawaing ito.

Ang "Samson" ni Kozlovsky ay isa sa mga pinaka-kahanga-hangang gawa ng parke na monumental at pandekorasyon na iskultura. Tumataas sa taas na dalawampung metro, bumubulusok ang isang agos ng tubig mula sa bibig ng leon, nadala sa gilid, o nabasag sa libu-libong splashes sa ginintuan na ibabaw ng tansong pigura. Ang "Samson" ay nakakuha ng atensyon ng madla mula sa malayo, bilang isang mahalagang palatandaan at ang sentrong punto ng komposisyon ng Grand Cascade ( Ang pinakamahalagang monumento na ito ay inalis ng mga Nazi noong Great Patriotic War noong 1941-1945. Pagkatapos ng digmaan, ang "Samson" ay muling nilikha mula sa mga nakaligtas na litrato at mga materyales sa dokumentaryo ng Leningrad sculptor na si V. Simonov.).

Ang "Hercules on Horseback" (bronze, 1799; Russian Museum) ay dapat isaalang-alang bilang ang gawain na kaagad na nauna sa paglikha ng monumento sa A.V. Suvorov. Sa imahe ni Hercules - isang hubad na batang mangangabayo, sa ilalim ng kanyang mga paa ay bato, isang stream at isang ahas ay inilalarawan (isang simbolo ng natalo na kaaway), isinama ni Kozlovsky ang ideya ng walang kamatayang paglipat ni A. V. Suvorov sa pamamagitan ng ang Alps.

Ang pinakanatatanging likha ni Kozlovsky ay ang monumento ng dakilang kumander ng Russia na si A.V. Suvorov sa St. Petersburg (1799-1801). Habang nagtatrabaho sa monumento na ito, ang iskultor ay nagtakda upang lumikha ng hindi isang portrait na estatwa, ngunit isang pangkalahatang imahe ng sikat na kumander sa mundo. Sa una, nilayon ni Kozlovsky na ipakita ang Suvorov sa imahe ng Mars o Hercules. Gayunpaman, sa huling desisyon ay wala pa rin tayong nakikitang diyos o isang sinaunang bayani. Puno ng paggalaw at lakas, ang matulin at magaan na pigura ng isang mandirigmang nakasuot ng sandata ay sumugod sa walang patid na bilis at walang takot na nagpapakilala sa mga kabayanihan at pagsasamantala ng mga hukbong Ruso na pinamumunuan ni Suvorov. Nagawa ng iskultor na lumikha ng isang inspiradong monumento sa walang kupas na kaluwalhatian ng militar ng mga mamamayang Ruso.

Tulad ng halos lahat ng mga gawa ni Kozlovsky, ang estatwa ni Suvorov ay nakikilala sa pamamagitan ng napakahusay na natagpuang spatial na istraktura nito. Sa pagsisikap na mas ganap na makilala ang kumander, binigyan ni Kozlovsky ang kanyang pigura ng kalmado at dynamism; ang nasusukat na lakas ng hakbang ng bayani ay pinagsama sa katapangan at determinasyon ng indayog ng kanyang kanang kamay na may hawak na espada. Kasabay nito, ang pigura ng komandante ay hindi walang mga tampok na katangian ng iskultura ng ika-18 siglo. kagandahan at kadalian ng paggalaw. Ang rebulto ay maganda na naka-mount sa isang mataas na granite pedestal sa anyo ng isang silindro. Ang bronze bas-relief na komposisyon na naglalarawan sa mga henyo ng Glory and Peace na may kaukulang mga katangian ay ginawa ng iskultor na si F. G. Gordeev. Sa una, ang monumento sa A.V. Suvorov ay itinayo sa kailaliman ng Champ de Mars, mas malapit sa Mikhailovsky Castle. Noong 1818-1819 Ang monumento sa Suvorov ay inilipat at kinuha ang isang lugar malapit sa Marble Palace.

Nagtrabaho din si Kozlovsky sa larangan ng pang-alaala na iskultura (mga lapida ng P. I. Melissino, tanso, 1800 at S. A. Stroganova, marmol, 1801-1802).

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang isang bilang ng mga pangunahing iskultor ay mabilis na lumitaw, na ang malikhaing aktibidad ay nagpatuloy din sa halos buong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. Kasama sa mga masters na ito ang F. F. Shchedrin at I. P. Prokofiev.

Si Feodosia Fedorovich Shchedrin (1751-1825), kapatid ng pintor na si Semyon Shchedrin at ama ng sikat na pintor ng landscape na si Sylvester Shchedrin, ay pinasok sa Academy noong 1764 kasabay nina Kozlovsky at Martos. Sa kanila, pagkatapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, siya ay ipinadala sa Italya at Pransya (1773).

Kabilang sa mga unang gawa ni F. Shchedrin ay ang maliliit na figurine na "Marsyas" (1776) at "Sleeping Endymion" (1779), na ginawa niya sa Paris (ang mga bronze castings na makukuha sa Russian Museum at ang Tretyakov Gallery ay ginawa noong unang bahagi ng ika-20 siglo batay sa mga nakaligtas na orihinal na modelo ng F. Shchedrin). Parehong sa kanilang nilalaman at sa likas na katangian ng pagpapatupad, ang mga ito ay ganap na magkakaibang mga gawa. Ang pigura ni Marcia, hindi mapakali sa paghihirap ng kamatayan, ay ginampanan nang may mahusay na drama. Ang matinding pag-igting ng katawan, ang mga nakausli na bunton ng mga kalamnan, at ang dynamism ng buong komposisyon ay naghahatid ng tema ng pagdurusa ng tao at ang kanyang marubdob na salpok para sa pagpapalaya. Sa kabaligtaran, ang pigura ng Endymion, na nahuhulog sa pagtulog, ay humihinga ng kalmado at katahimikan. Ang katawan ng binata ay nililok sa medyo pangkalahatan na paraan, na may kaunting liwanag at anino na nagdedetalye; ang mga balangkas ng pigura ay makinis at melodiko. Ang pag-unlad ng pagkamalikhain ni F. Shchedrin sa kabuuan ay ganap na kasabay ng pag-unlad ng lahat ng iskultura ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ito ay makikita sa halimbawa ng naturang mga gawa ng master bilang estatwa na "Venus" (1792; Russian Museum), ang allegorical figure na "Neva" para sa Peterhof fountains (bronze, 1804) at, sa wakas, ang mga monumental na grupo ng mga caryatids. para sa Admiralty sa St. Petersburg (1812). Kung ang una sa mga pinangalanang gawa ni Shchedrin, ang kanyang marmol na estatwa ni Venus, ay isang tipikal na gawa ng isang iskultor ng ika-18 siglo kapwa sa katangi-tanging biyaya ng paggalaw at sa pagiging sopistikado ng imahe nito, pagkatapos ay sa isang susunod na gawain na nilikha sa pinakadulo simula. ng ika-19 na siglo - sa estatwa ng Neva - nakikita natin ang walang alinlangan na higit na pagiging simple sa solusyon at interpretasyon ng imahe, kalinawan at higpit sa pagmomodelo ng pigura at sa mga proporsyon nito.

Ang isang kawili-wili at natatanging master ay si Ivan Prokofievich Prokofiev (1758-1828). Matapos makapagtapos mula sa Academy of Arts (1778), ipinadala si I. P. Prokofiev sa Paris, kung saan siya nanirahan hanggang 1784. Para sa kanyang mga gawa na isinumite sa Paris Academy of Arts, nakatanggap siya ng ilang mga parangal, lalo na ang isang gintong medalya para sa kaluwagan na "The Resurrection of the Dead Thrown on the Bones of the Prophet Elisha" (1783). Isang taon bago nito, noong 1782, pinatay ni Prokofiev ang estatwa na "Morpheus" (terracotta; Russian Museum). Ibinigay ni Prokofiev ang pigura ng Morpheus sa isang maliit na sukat. Sa unang bahagi ng gawaing ito ng iskultor, ang kanyang makatotohanang mga hangarin at simple, hindi masyadong pino na istilo (kumpara, halimbawa, sa unang bahagi ng Kozlovsky) ay malinaw na lumilitaw. Nararamdaman na sa "Morpheus" si Prokofiev ay higit na naghangad na muling likhain ang tunay na imahe ng isang nahulog na tao sa halip na isang mitolohikong imahe.

Sa taon ng kanyang pagbabalik sa St. Petersburg, si I. P. Prokofiev sa napakaikling panahon ay gumanap ng isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa sa bilog na iskultura - ang komposisyon na "Actaeon" (bronze, 1784; Russian Museum at Tretyakov Gallery). Ang pigura ng isang mabilis na tumatakbong binata, hinabol ng mga aso, ay pinaandar ng iskultor na may mahusay na dinamika at hindi pangkaraniwang kadalian ng spatial na disenyo.

Si Prokofiev ay isang mahusay na master ng pagguhit at komposisyon. At hindi sinasadya na binigyan niya ng labis na pansin ang sculptural relief - sa lugar na ito ng pagkamalikhain, ang kaalaman sa komposisyon at pagguhit ay nakakakuha ng espesyal na kahalagahan. Noong 1785 - 1786 Lumilikha si Prokofiev ng isang malawak na serye ng mga relief (plaster) na inilaan para sa pangunahing hagdanan ng Academy of Arts. Ang mga kaluwagan ni Prokofiev para sa pagtatayo ng Academy of Arts ay isang buong sistema ng mga pampakay na gawa kung saan ang mga ideya ng kahalagahang pang-edukasyon ng "mga agham at pinong sining" ay isinasagawa. Ito ang mga alegorya na komposisyon na "Pagpipinta at Paglililok", "Pagguhit", "Kithared at ang Tatlong Pinakamarangal na Sining", "Awa" at iba pa. Sa likas na katangian ng kanilang pagpapatupad, ang mga ito ay mga tipikal na gawa ng maagang klasiko ng Russia. Ang pagnanais para sa kalmado na kalinawan at pagkakaisa ay pinagsama sa kanila na may malambot, liriko na interpretasyon ng mga imahe. Ang pagluwalhati sa tao ay hindi pa nakakamit ang panlipunan-sibil na kalunos-lunos at higpit na ginawa nito sa panahon ng mature na klasisismo noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo.

Sa paglikha ng kanyang mga relief, ang iskultor ay banayad na isinasaalang-alang ang mga tampok ng kanilang lokasyon, iba't ibang mga format, at mga kondisyon ng kakayahang makita. Bilang isang patakaran, ginusto ni Prokofiev ang mababang kaluwagan, ngunit sa mga kaso kung saan kinakailangan upang lumikha ng isang monumental na komposisyon na may isang makabuluhang distansya mula sa manonood, matapang niyang ginamit ang paraan ng pagpapakita ng mataas na lunas, nang husto na pinahusay ang mga kaibahan ng liwanag at anino. Ganito ang kanyang napakalaking lunas na "Copper Serpent", na inilagay sa itaas ng daanan ng colonnade ng Kazan Cathedral (Pudozh stone, 1806-1807).

Kasama ang mga nangungunang masters ng Russian sculpture noong huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Lumahok si Prokofiev sa paglikha ng mga gawa para sa Peterhof fountain ensemble (mga estatwa ng Alcides, Volkhov, isang pangkat ng mga triton). Bumaling din siya sa portrait sculpture; sa partikular, nagmamay-ari siya ng dalawang not devoid of merits terracotta busts ng A.F. at A.E. Labzin (Russian Museum). Isinagawa sa pinakadulo simula ng 1800s, pareho silang mas malapit sa kanilang mga tradisyon sa mga gawa ni Shubin kaysa sa mga larawan ng klasiko ng Russia noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo.