Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang konsepto ng "aesthetics" ay ipinakilala sa siyentipikong paggamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang pilosopo ng German Enlightenment na si Alexander Gottlieb Baumgarten Estetika, 1750). Ang termino ay nagmula sa salitang Griyego

Sa proseso ng pag-unlad, ang paksa ay naging mas kumplikado at pinayaman aesthetics. Sa panahon ng unang panahon, ang mga aesthetics ay humipo sa mga pangkalahatang pilosopikal na tanong ng kalikasan ng kagandahan at sining; Ang teolohiya ay nagkaroon ng malaking epekto sa medieval aesthetics, na nagsilbing isa sa mga kasangkapan sa pagkilala sa Diyos; sa Renaissance, ang aesthetic na pag-iisip ay nabuo pangunahin sa larangan ng artistikong kasanayan, at ang artistikong pagkamalikhain at ang koneksyon nito sa kalikasan ay naging paksa nito. Sa simula ng Bagong Panahon, hinahangad ng mga estetika na hubugin ang mga pamantayan ng sining. Malaki ang epekto ng pulitika sa aesthetics ng Enlightenment, na nakatuon sa panlipunang layunin ng artistikong pagkamalikhain, sa moral at nagbibigay-malay na kahalagahan nito.

Ang klasiko ng pilosopiyang Aleman, si Immanuel Kant, ayon sa kaugalian ay itinuturing na ang paksa ng aesthetics bilang maganda sa sining. Ngunit ang aesthetics, ayon kay Kant, ay hindi nag-aaral ng mga bagay ng kagandahan, ngunit ang mga paghatol lamang tungkol sa kagandahan, i.e. ay isang kritika ng aesthetic faculty of judgment. Tinukoy ni Georg Hegel ang paksa ng aesthetics bilang pilosopiya ng sining o ang pilosopiya ng artistikong aktibidad at naniniwala na ang aesthetics ay may kinalaman sa pagtukoy sa lugar ng sining sa sistema ng mundong espiritu.

Sa hinaharap, ang paksa ng aesthetics ay pinaliit sa isang teoretikal na pagbibigay-katwiran para sa isang tiyak na direksyon sa sining, isang pagsusuri ng artistikong istilo, halimbawa, romanticism (Novalis), realism (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existentialism ( A. Camus, J.-P. Sartre). Binigyang-kahulugan ng mga Marxist ang aesthetics bilang agham ng kalikasan at mga batas ng aesthetic assimilation ng realidad at artistikong kultura ng lipunan.

Itinuring ni A.F. Losev ang paksa ng aesthetics bilang isang mundo ng mga nagpapahayag na anyo na nilikha ng tao at kalikasan. Naniniwala siya na ang aesthetics ay hindi lamang nag-aaral ng maganda, kundi pati na rin ang pangit, ang trahedya, ang komiks, atbp., samakatuwid ito ay ang agham ng pagpapahayag sa pangkalahatan. Batay dito, ang aesthetics ay maaaring tukuyin bilang ang agham ng pandama na pang-unawa ng mga nagpapahayag na anyo ng nakapaligid na mundo. Sa ganitong kahulugan, ang konsepto ng anyo ng sining ay kasingkahulugan ng isang gawa ng sining. Mula sa lahat ng nasabi, maaari nating tapusin na ang paksa ng aesthetics ay mobile at nababago, at sa makasaysayang pananaw, ang problemang ito ay nananatiling bukas.

Estetika ng pang-araw-araw na buhay, pag-uugali ng tao, pagkamalikhain sa siyensiya, palakasan, atbp. ay nasa larangan ng praktikal na aesthetics. Ang lugar na ito ng kaalaman sa aesthetic ay maliit pa rin na binuo, ngunit mayroon itong magandang hinaharap, dahil ang saklaw ng mga interes nito ay malawak at magkakaibang.

Kaya, ang aesthetic na aktibidad ay isang mahalagang bahagi ng praktikal-espirituwal na asimilasyon ng katotohanan ng isang tao.

Ang aktibidad ng aesthetic ay naglalaman ng mahahalagang prinsipyo ng malikhain at paglalaro at nauugnay sa mga walang malay na elemento ng psyche ( Tingnan din WALANG MALAY). Ang konsepto ng "laro" bilang isa sa mga mahahalagang katangian ng aesthetic na aktibidad ay ipinakilala sa aesthetics ni I. Kant at binuo ni F. Schiller. Binuo ni Kant ang dalawang pinakamahalagang konsepto ng aesthetic: "aesthetic appearance" at "free play". Sa ilalim ng una naunawaan niya ang globo ng pagkakaroon ng kagandahan, sa ilalim ng pangalawa - ang pagkakaroon nito nang sabay-sabay sa tunay at kondisyon na mga plano. Pagbuo ng ideyang ito, Schiller Mga liham tungkol sa aesthetic education man(1794) ay sumulat na ang kagandahan, na umiiral sa layunin ng mundo, ay maaaring muling likhain, ay maaaring maging "layon ng salpok na maglaro." Ang isang tao, ayon kay Schiller, ay ganap na tao lamang kapag siya ay naglalaro. Ang laro ay hindi pinipigilan ng natural na pangangailangan o panlipunang obligasyon, ito ay ang sagisag ng kalayaan. Sa panahon ng laro, ang isang "aesthetic appearance" ay nilikha na higit sa katotohanan, ay mas perpekto, eleganteng at emosyonal kaysa sa nakapaligid na mundo. Ngunit, habang tinatangkilik ang sining, ang isang tao ay nagiging kasabwat sa laro at hindi nakakalimutan ang dalawahang katangian ng sitwasyon. Tingnan din ANG LARO.

Henyo. Noong unang panahon, ang henyo ay naunawaan bilang isang hindi makatwirang kababalaghan. Halimbawa, ipinaliwanag ni Plotinus ang henyo ng artista bilang isang daloy ng malikhaing enerhiya na nagmumula sa pinagbabatayan na mga ideya ng mundo. Sa Renaissance, nagkaroon ng kulto ng henyo bilang isang malikhaing indibidwal. Iginiit ng rasyonalismo ang ideya ng pagsasama-sama ng likas na henyo ng artista sa disiplina ng isip. Isang kakaibang interpretasyon ng henyo ang itinakda sa isang treatise ni Abbé Jean-Baptiste Dubos (16701742) Mga Kritikal na Pagninilay sa Tula at Pagpinta(1719). Itinuring ng may-akda ng treatise ang problema sa aesthetic, psychological at biological na antas. Ang isang henyo, sa kanyang isip, ay hindi lamang may isang masiglang espiritu at isang malinaw na imahinasyon, ngunit mayroon ding isang kanais-nais na komposisyon ng dugo. Inaasahan ang mga pangunahing probisyon ng kultural-kasaysayang paaralan ng Hippolyte Taine, isinulat ni Dubos na ang oras at lugar, pati na rin ang klima, ay napakahalaga para sa paglitaw ng henyo. Inilagay ni Kant ang espesyal na nilalaman sa konsepto ng "henyo". Ang henyo ni Kant ay espirituwal na pagiging eksklusibo, ito ay isang artistikong talento kung saan naiimpluwensyahan ng kalikasan ang sining, na nagpapakita ng karunungan nito. Ang henyo ay hindi sumusunod sa anumang mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga pattern kung saan maaaring mahihinuha ang ilang mga patakaran. Tinukoy ni Kant ang henyo bilang ang kakayahang makita ang mga aesthetic na ideya, i.e. mga larawang hindi naa-access sa pag-iisip.

Inspirasyon. Ang mga makasaysayang pananaw sa likas na katangian ng henyo ay patuloy na binuo alinsunod sa pag-unlad ng pag-unawa sa proseso ng malikhaing mismo at isa sa mga pangunahing elemento nito - inspirasyon. Higit pang Plato sa diyalogo At siya Nagsalita siya tungkol sa katotohanan na sa sandali ng malikhaing pagkilos ang makata ay nasa isang estado ng siklab ng galit, siya ay hinihimok ng banal na kapangyarihan. Ang hindi makatwirang aspeto ng pagkamalikhain ay binigyang-diin ni Kant. Napansin niya ang hindi alam ng malikhaing gawa. Ang pamamaraan ng gawa ng artista, isinulat niya sa Pagpuna sa kakayahan ng mga paghatol, hindi maintindihan, ay isang misteryo sa karamihan ng mga tao, at kung minsan sa artist mismo.

Kung ang hindi makatwiran na mga teorya ng pagkamalikhain ay may kamalayan sa likas na katangian ng malikhaing gawa bilang isang espesyal na pagpapakita ng espiritu, kung gayon ang positivist-oriented na aesthetic na tradisyon ay itinuturing na inspirasyon bilang isang nakikilalang kababalaghan na hindi naglalaman ng anumang bagay na mystical at supernatural. Ang inspirasyon ay ang resulta ng matinding nakaraang trabaho, isang mahabang malikhaing paghahanap. Sa gawa ng inspirasyon, ang talento at husay ng artista, ang kanyang karanasan sa buhay at kaalaman ay pinagsama.

Masining na intuwisyon. Ang artistikong intuwisyon ay isang partikular na mahalagang elemento para sa inspirasyon. Ang problemang ito ay binuo ng Pranses na siyentipiko na si Henri Bergson. Naniniwala siya na ang artistikong intuwisyon ay isang walang interes na mystical na pagmumuni-muni at ganap na walang utilitarian na simula. Ito ay umaasa sa walang malay sa isang tao. Sa trabaho malikhaing ebolusyon(Salin sa Ruso, 1914) Isinulat ni Bergson na ang sining, sa pamamagitan ng artistikong intuwisyon, ay nagmumuni-muni sa mundo sa kabuuan, sa patuloy na pag-unlad nito sa natatanging singularidad ng mga phenomena. Ang malikhaing intuwisyon ay nagbibigay-daan sa artist na maglagay ng pinakamataas na pagpapahayag sa kanyang gawa. Ang immediacy ng perception ay nakakatulong sa kanya na maiparating ang kanyang nararamdaman. Ang pagkamalikhain, bilang patuloy na pagsilang ng bago, ay, ayon kay Bergson, ang kakanyahan ng buhay, na taliwas sa aktibidad ng talino, na hindi kayang lumikha ng bago, ngunit pagsasama-sama lamang ang luma.

Sa intuitive aesthetics ni Benedetto Croce, pinaka-ganap na kinakatawan sa trabaho Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika(1902) ang sining ay walang iba kundi liriko na intuwisyon. Binibigyang-diin ang pagiging malikhain, mapaghugis ng hindi makatwirang intuwisyon, paghawak (kumpara sa mga konsepto), natatangi, hindi nauulit. Ang Art sa Croce ay walang malasakit sa intelektwal na kaalaman, at ang kasiningan ay hindi nakasalalay sa ideya ng trabaho.

Ang Innuendo ay nagpapasigla sa pag-iisip ng nakakakita, nagbibigay ng saklaw para sa malikhaing imahinasyon. Ang isang katulad na paghatol ay ipinahayag ni Schelling sa kurso ng mga lektura Pilosopiya ng sining(18021805), kung saan ipinakilala ang konsepto ng "infinity of unconsciousness". Sa kanyang opinyon, inilalagay ng artista ang kanyang trabaho, bilang karagdagan sa ideya, "isang uri ng kawalang-hanggan", hindi naa-access sa anumang "may hangganan na pag-iisip". Ang anumang gawa ng sining ay nagbibigay-daan sa walang katapusang bilang ng mga interpretasyon. Kaya, ang buong pag-iral ng isang masining na imahe ay hindi lamang ang pagsasakatuparan ng isang masining na konsepto sa isang natapos na gawain, kundi pati na rin ang aesthetic perception nito, na isang kumplikadong proseso ng pakikipagsabwatan at co-creation ng perceiving na paksa.

Pagdama. Ang mga isyu ng pagtanggap (pang-unawa) ay nasa larangan ng pananaw ng mga theorists ng "Constanz school" (H.R. Jauss, V. Iser at iba pa), na lumitaw sa Germany noong huling bahagi ng 1960s. Salamat sa kanilang mga pagsisikap, ang mga prinsipyo ng receptive aesthetics ay nabuo, ang mga pangunahing ideya kung saan ay ang kamalayan ng makasaysayang pagkakaiba-iba ng kahulugan ng akda, na resulta ng pakikipag-ugnayan ng perceiving na paksa (tatanggap) at ng may-akda.

malikhaing imahinasyon. Ang isang kinakailangang kondisyon para sa parehong paglikha at pang-unawa ng isang gawa ng sining ay malikhaing imahinasyon. Binigyang-diin ni F. Schiller na ang sining ay maaari lamang malikha sa pamamagitan ng malayang kapangyarihan ng imahinasyon, at samakatuwid ang sining ay ang paraan upang mapagtagumpayan ang pagiging pasibo.

Bilang karagdagan sa mga praktikal at artistikong anyo ng aesthetic na aktibidad, mayroong mga panloob, espirituwal na anyo nito: emosyonal-intelektwal, na gumagawa ng mga aesthetic na impression at ideya, aesthetic na panlasa at mithiin, pati na rin ang teoretikal, pagbuo ng mga aesthetic na konsepto at pananaw. Ang mga anyo ng aesthetic na aktibidad ay direktang nauugnay sa konsepto ng "aesthetic consciousness".

Ang pangunahing elemento ng aesthetic consciousness ay aesthetic sense. Ito ay maaaring ituring bilang ang kakayahan at emosyonal na reaksyon ng isang indibidwal na nauugnay sa karanasan ng pagdama ng isang aesthetic na bagay. Ang pag-unlad ng isang aesthetic na kahulugan ay humahantong sa aesthetic na pangangailangan, ibig sabihin. sa pangangailangang malasahan at madagdagan ang maganda sa buhay. Ang mga aesthetic na damdamin at pangangailangan ay ipinahayag sa aesthetic na lasa ang kakayahang mapansin ang aesthetic na halaga ng isang bagay. Ang problema ng panlasa ay sentro sa aesthetics ng Enlightenment. Si Diderot, na tinatanggihan ang isa sa pinakamahalagang probisyon ng Cartesian aesthetics tungkol sa likas na lasa, ay naniniwala na ang lasa ay nakuha sa pang-araw-araw na pagsasanay. Ang lasa bilang isang kategorya ng aesthetic ay isinasaalang-alang din nang detalyado ni Voltaire. Tinukoy niya ito bilang kakayahang makilala ang maganda at pangit. Ang ideal ng isang artista ay isang tao na ang henyo ay pinagsama sa panlasa. Ang lasa ay hindi isang eksklusibong subjective na kalidad. Ang mga paghatol sa panlasa ay karaniwang may bisa. Ngunit kung ang lasa ay may layunin na nilalaman, kung gayon, dahil dito, ito ay nagpapahiram sa edukasyon. Nakita ni Voltaire ang paglutas ng antinomy ng mabuti at masamang lasa sa kaliwanagan ng lipunan.

Ang mga sikolohikal na tampok ng mga paghatol ng panlasa ay pinag-aralan ng pilosopong Ingles na si David Hume. Sa karamihan ng kanyang mga sinulat Tungkol sa pamantayan ng panlasa,Tungkol sa trahedya,Sa pagpipino ng lasa at epekto atbp.), nangatuwiran siya na ang lasa ay nakasalalay sa natural, emosyonal na bahagi ng isang buhay na organismo. Inihambing niya ang katwiran at panlasa, sa paniniwalang ang katwiran ay nagbibigay ng kaalaman sa katotohanan at kasinungalingan, ang panlasa ay nagbibigay ng pang-unawa sa kagandahan at kapangitan, kasalanan at kabutihan. Iminungkahi ni Hume na ang kagandahan ng isang akda ay hindi nakasalalay sa sarili nito, kundi sa pakiramdam o panlasa ng nakakakita. At kapag ang isang tao ay pinagkaitan ng pakiramdam na ito, hindi niya naiintindihan ang kagandahan, kahit na siya ay komprehensibong pinag-aralan. Ang lasa ay nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na regularidad, na maaaring pag-aralan at baguhin sa tulong ng mga argumento at pagmumuni-muni. Ang kagandahan ay nangangailangan ng aktibidad ng mga intelektwal na kakayahan ng isang tao na dapat "mag-alab sa daan" para sa tamang pakiramdam.

Ang problema ng panlasa ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa aesthetic reflection ni Kant. Napansin niya ang antinomy ng panlasa, isang kontradiksyon na, sa kanyang opinyon, ay likas sa anumang aesthetic na pagsusuri. Sa isang banda, walang pagtatalo tungkol sa panlasa, dahil ang paghatol ng panlasa ay napaka-indibidwal, at walang katibayan ang maaaring pabulaanan ito. Sa kabilang banda, itinuturo niya ang isang bagay na karaniwan na umiiral sa pagitan ng mga panlasa at nagpapahintulot sa kanila na talakayin. Kaya, ipinahayag niya ang kontradiksyon sa pagitan ng indibidwal at pampublikong panlasa, na sa panimula ay hindi malulutas. Sa kanyang opinyon, ang magkahiwalay, magkasalungat na mga paghuhusga tungkol sa panlasa ay maaaring umiral nang magkasama at magkaparehong totoo.

Noong ika-20 siglo ang problema ng aesthetic taste ay binuo ni H.-G. Gadamer. Sa trabaho Katotohanan at Pamamaraan(1960) iniugnay niya ang konsepto ng "lasa" sa konsepto ng "fashion". Sa fashion, ayon kay Gadamer, ang sandali ng social generalization na nakapaloob sa konsepto ng panlasa ay nagiging isang tiyak na katotohanan. Ang fashion ay lumilikha ng isang social addiction na halos imposible upang maiwasan. Dito nakasalalay ang pagkakaiba sa pagitan ng fashion at panlasa. Kahit na ang panlasa ay gumagana sa parehong panlipunang globo gaya ng fashion, hindi ito napapailalim dito. Kung ikukumpara sa paniniil ng fashion, ang lasa ay nagpapanatili ng pagpigil at kalayaan.

Ang aesthetic taste ay isang generalization ng aesthetic na karanasan. Ngunit ito ay higit na subjective na kakayahan. Mas malalim na ginagawang pangkalahatan ang aesthetic practice aesthetic ideal. Ang problema ng ideyal bilang isang teoretikal na suliranin ng aesthetics ay unang inihain ni Hegel. AT Mga lektura sa aesthetics tinukoy niya ang sining bilang pagpapakita ng isang ideyal. Ang aesthetic ideal ay ang ganap na nakapaloob sa sining, kung saan ang sining ay naghahangad at unti-unting umakyat. Ang halaga ng aesthetic ideal sa proseso ng creative ay napakahusay, dahil sa batayan nito ang lasa ng artist, ang lasa ng publiko ay nabuo.

Pinakamalapit sa kategorya ng "aesthetic" ay ang kategorya ng "maganda". Ang maganda ay isang halimbawa ng isang sensuously contemplated form, isang ideal na alinsunod sa kung saan ang iba pang mga aesthetic phenomena ay isinasaalang-alang. Kung isasaalang-alang ang kahanga-hanga, trahedya, komiks, atbp., ang maganda ay nagsisilbing sukatan. Napakaganda na lumampas ang panukalang ito. trahedya isang bagay na nagpapahiwatig ng pagkakaiba sa pagitan ng ideal at realidad, kadalasang humahantong sa pagdurusa, pagkabigo, kamatayan. komiks isang bagay na nagpapatunay din sa pagkakaiba ng ideal at realidad, tanging ang pagkakaibang ito ay nareresolba ng pagtawa. Sa modernong teorya ng aesthetic, kasama ang mga positibong kategorya, ang kanilang mga antipode ay nakikilala - pangit, mababa, kakila-kilabot. Ginagawa ito sa batayan na ang pag-highlight sa positibong halaga ng anumang mga katangian ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng mga kabaligtaran. Dahil dito, dapat isaalang-alang ng siyentipikong pananaliksik ang mga aesthetic na konsepto sa kanilang ugnayan.

Ang mga unang halimbawa ng doktrinang aesthetic ay nilikha ng mga Pythagorean (ika-6 na siglo BC). Ang kanilang mga aesthetic na pananaw ay nabuo sa tradisyon ng cosmological philosophy, batay sa malapit na relasyon ng tao at ng uniberso. Ipinakilala ni Pythagoras ang konsepto ng kosmos bilang isang ayos na pagkakaisa. Ang pangunahing pag-aari nito ay pagkakaisa. Mula sa mga Pythagorean ay nagmula ang ideya ng pagkakaisa bilang pagkakaisa ng sari-sari, ang pagkakaisa ng magkasalungat.

Si Pythagoras at ang kanyang mga tagasunod ay lumikha ng tinatawag na doktrina ng "ang pagkakaisa ng mga globo", i.e. musikang nilikha ng mga bituin at planeta. Binuo din nila ang doktrina ng kaluluwa, na kung saan ay pagkakasundo, o sa halip, consonance, batay sa isang digital ratio.

Ang doktrina ng mga sophist, na nag-ambag sa pagsilang ng aesthetics, ay lumitaw noong ika-5 siglo. BC. Sa wakas ay binuo ni Socrates at ipinaliwanag ng kanyang mga alagad, ito ay isang antropolohikal na kalikasan.

Batay sa paniniwala na ang kaalaman ay mabait, naiintindihan niya ang kagandahan bilang kagandahan ng kahulugan, kamalayan, katwiran. Ang pinakamahalagang kinakailangan para sa kagandahan ng mga bagay ay ang kanilang pagiging angkop at pagganap na katwiran.

Siya ang nagmamay-ari ng ideya na ang maganda sa sarili nito ay naiiba sa mga indibidwal na magagandang bagay. Sa unang pagkakataon, itinatangi ni Socrates ang maganda bilang perpektong unibersal mula sa totoong buhay na pagpapakita nito. Una niyang hinawakan ang problema ng siyentipikong epistemolohiya sa aesthetics at binalangkas ang tanong: ano ang ibig sabihin ng konsepto ng "maganda" sa sarili nito.

Inilalagay ni Socrates ang imitasyon bilang prinsipyo ng artistikong pagkamalikhain ( mimesis), na itinuturing na isang imitasyon ng buhay ng tao.

Ang mga antropolohikal na aesthetics ay nagtanong sa pilosopiya, ang mga sagot na makikita natin kina Plato at Aristotle. Ang detalyadong aesthetic na pagtuturo ni Plato ay ipinakita sa mga gawaing tulad ng Pista,Phaedrus,At siya, Hippias the Greater,Estado atbp Ang isang mahalagang aspeto ng Platonic aesthetics ay ang pag-unawa sa kagandahan. Ang kagandahan sa kanyang pang-unawa ay isang espesyal na uri ng espirituwal na diwa, isang ideya. Ang ganap, supersensible na ideya ng maganda ay nasa labas ng oras, espasyo, sa labas ng pagbabago. Dahil ang maganda ay isang ideya (eidos), hindi ito maiintindihan ng pakiramdam. Ang maganda ay naiintindihan sa pamamagitan ng isip, intelektuwal na intuwisyon. AT Pira Si Plato ay nagsasalita ng isang uri ng hagdan ng kagandahan. Sa tulong ng enerhiya ng eros, ang isang tao ay umakyat mula sa kagandahan ng katawan tungo sa espirituwal, mula sa espirituwal hanggang sa kagandahan ng moral at batas, pagkatapos ay sa kagandahan ng pagtuturo at agham. Ang kagandahang ipinahayag sa pagtatapos ng paglalakbay na ito ay isang ganap na kagandahan na hindi maipahayag sa ordinaryong mga salita. Ito ay lampas sa pagiging at alam. Ang pagpapalawak ng hierarchy ng kagandahan sa ganitong paraan, dumating si Plato sa konklusyon na ang kagandahan ay isang pagpapakita ng banal na prinsipyo sa tao. Ang kakaibang katangian ng maganda sa Plato ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay kinuha sa labas ng mga hangganan ng sining. Ang sining, mula sa kanyang pananaw, ay isang imitasyon ng mundo ng mga matinong bagay, at hindi ang tunay na mundo ng mga ideya. Dahil ang mga tunay na bagay ay mga kopya mismo ng mga ideya, ang sining, na ginagaya ang matinong mundo, ay isang kopya ng mga kopya, isang anino ng mga anino. Pinatunayan ni Plato ang kahinaan at di-kasakdalan ng sining sa daan patungo sa kagandahan.

Si Aristotle, sa kabila ng pagpapatuloy ng mga aesthetic na pananaw, ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory, naiiba sa Platonism. Sa kanyang mga treatise Sa sining ng tula (Poetics),Retorika,Pulitika,Metaphysics ang mga teksto ay ipinakita na sa isang tiyak na paraan na may kaugnayan sa aesthetics. Sa kanila, tinukoy niya ang kagandahan, ang mga unibersal na tampok na kung saan ay laki at kaayusan. Ngunit ang kagandahan ni Aristotle ay hindi limitado sa mga tampok na ito. Hindi sila maganda sa kanilang sarili, ngunit may kaugnayan lamang sa pang-unawa ng tao, kapag sila ay proporsyonal sa mata at pandinig ng tao. Hinahati ang aktibidad ng tao sa pag-aaral, pagkilos at paglikha, tinutukoy niya ang sining sa paglikha batay sa mga patakaran. Kung ikukumpara kay Plato, pinalawak niya nang malaki ang doktrina ng imitasyon (mimesis), na nauunawaan niya bilang isang imahe ng pangkalahatan.

Catharsis(gr.

Kalokagatiya. Binuo din ni Aristotle ang doktrina ng kalokagatia, katangian ng sinaunang panahon (mula sa Griyego.

Entelechy(mula sa Greek.

Sa pagtatapos ng unang panahon, isang bagong konsepto ng kagandahan at sining ang iniharap ni Plotinus. Ang kanyang neoplatonismo sa huling antigong aesthetics ay ang link sa pagitan ng antiquity at Kristiyanismo. Ang mga nakolektang gawa ng pilosopo ay tinawag Ennead. Ang mga aesthetics ni Plotinus sa kanyang mga gawa ay hindi palaging ipinahayag nang hayag. Ito ay ipinahayag sa pangkalahatang pilosopikal na konsepto ng nag-iisip. Para kay Plotinus, ang kagandahan ay nakapaloob sa visual at auditory perceptions, sa kumbinasyon ng mga salita, melodies at ritmo, sa mga aksyon, kaalaman, at mga birtud ng tao. Ngunit ang ilang mga bagay ay maganda sa kanilang sarili, habang ang iba ay dahil lamang sa kanilang pakikilahok sa ibang bagay. Ang kagandahan ay hindi lumalabas sa mismong bagay, ngunit mayroong ilang uri ng di-materyal na kakanyahan, o eidos (ideya). Ang eidos na ito ay nag-uugnay sa magkakaibang mga bahagi at dinadala ang mga ito sa pagkakaisa, hindi panlabas at mekanikal, ngunit panloob. Ang Eidos ay ang criterion ng lahat ng aesthetic na pagsusuri.

Itinuro ni Plotinus na ang tao ay nagmula sa pangunahing pinagmumulan ng lahat ng nilalang, ang ganap na kabutihan, ang una. Mula sa pinagmulang ito ay nagmumula ang isang emanation (paglabas) ng walang hanggan na enerhiya ng una tungo sa sariling katangian, na unti-unting humihina, habang nasa daan ito ay nakatagpo ng paglaban ng madilim na inert matter, walang anyo na di-pagkakaroon. Ang indibidwal na tao ay isang nilalang na nahiwalay sa kanyang tamang lugar sa orihinal. Samakatuwid, patuloy niyang nararamdaman ang pagnanais na bumalik sa bahay, kung saan mas malakas ang enerhiya. Ang metapisiko na landas na ito ng gumagala ay nagsisilbi sa pilosopiya ni Plotinus bilang paliwanag ng moral at aesthetic na karanasan. Ang pag-ibig sa kagandahan ay nauunawaan bilang metapisiko na pananabik ng kaluluwa para sa dating tahanan nito. Siya ay nananabik para sa kanyang dating tahanan para sa kabutihan, para sa Diyos at para sa katotohanan. Kaya, ang pangunahing ideya ng aesthetic na pagtuturo ng Plotinus ay ang pag-unawa sa kagandahan mula sa senswal na kasiyahan hanggang sa pagsasama sa hindi maintindihan na primordial na pagkakaisa. Ang kagandahan ay nakakamit lamang bilang resulta ng pakikibaka ng espiritu sa sensual na bagay. Ang kanyang ideya ng pagala-gala ng isang hindi mapakali na kaluluwa na umalis sa tirahan nito at ang pagbabalik nito ay may malaking impluwensya sa mga gawa ni Augustine, Thomas Aquinas, ang gawain ni Dante, at sa buong pilosopiko at aesthetic na kaisipan ng Middle Ages.

Ang isa sa mga pangunahing problema ng Byzantine aesthetics ay ang problema ng imahe. Nakakuha ito ng partikular na pangangailangan ng madaliang pagkilos kaugnay ng mga iconoclastic na pagtatalo (ika-8-9 na siglo). Naniniwala ang mga iconoclast na ang imahe ay dapat na consubstantial sa prototype, i.e. maging isang perpektong replika. Ngunit dahil ang prototype ay kumakatawan sa ideya ng banal na prinsipyo, hindi ito maaaring ilarawan sa tulong ng mga anthropomorphic na imahe.

Juan ng Damascus sa isang sermon Laban sa mga tumatanggi sa mga banal na icon at Fedor Studit (759826) sa Mga pagtanggi sa iconoclast iginiit ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe at prototype, na pinagtatalunan na ang imahe ng banal na archetype ay dapat na magkapareho dito hindi "sa esensya", ngunit "sa pangalan" lamang. Ang icon ay isang imahe ng perpektong nakikitang anyo (inner eidos) ng prototype. Ang interpretasyong ito ng ugnayan sa pagitan ng imahe at ng prototype ay batay sa pag-unawa sa kondisyonal na katangian ng imahe. Ang imahe ay naunawaan bilang isang kumplikadong artistikong istraktura, bilang isang "hindi magkatulad na pagkakahawig".

Liwanag. Ang isa sa pinakamahalagang kategorya ng Byzantine aesthetics ay ang kategorya ng liwanag. Sa walang ibang kultura ay binigyan ng ganoong kahalagahan ang liwanag. Ang problema ng liwanag ay pangunahing binuo sa loob ng balangkas ng ascetic aesthetics na binuo sa Byzantine monasticism. Ang panloob na aesthetics na ito (mula sa lat.

Kulay. Ang isa pang pagbabago ng kagandahan sa Byzantine aesthetics ay kulay. Ang kultura ng kulay ay ang resulta ng mahigpit na canonicity ng Byzantine art. Sa pagpipinta ng simbahan, nabuo ang isang mayamang simbolismo ng kulay at isang mahigpit na hierarchy ng kulay ang naobserbahan. Ang bawat kulay ay may malalim na kahulugan sa relihiyon.

Binabago ng Byzantine aesthetics ang sistema ng mga kategorya ng aesthetic, sa ibang paraan kaysa sa sinaunang isa, na nagbibigay-diin sa lugar na ito. Hindi niya gaanong binibigyang pansin ang mga kategorya tulad ng pagkakaisa, sukat, kagandahan. Kasabay nito, sa sistema ng mga ideya na naging laganap sa Byzantium, isang malaking lugar ang inookupahan ng kategorya ng kahanga-hanga, pati na rin ang mga konsepto ng "imahe" at "simbolo".

Simbolismo ay isa sa mga pinaka-katangiang phenomena ng medyebal na kultura, parehong Silangan at Kanluran. Ang mga simbolo ay naisip sa teolohiya, panitikan, sining. Ang bawat bagay ay itinuturing na isang imahe ng isang bagay na nauugnay dito sa isang mas mataas na globo, ay naging isang simbolo ng mas mataas na ito. Sa Middle Ages, ang simbolismo ay unibersal. Ang pag-iisip ay ang pagtuklas ng mga nakatagong kahulugan magpakailanman. Ayon sa patristikong konsepto, ang Diyos ay transcendent, at ang Uniberso ay isang sistema ng mga simbolo at palatandaan (signs) na tumuturo sa Diyos at sa espirituwal na globo ng pagiging. Sa aesthetic medieval consciousness, ang pandama na mundo ay pinalitan ng isang perpekto, simbolikong mundo. Ang simbolismo ng Medieval ay ibinibigay sa buhay na mundo ang pag-aari ng reflectivity, ilusyon na kalikasan. Dito nagmula ang kabuuang simbolismo ng Kristiyanong sining.

Ang isang tampok na katangian ng aesthetic reflection ng medieval India ay ang kawalan ng interes sa mga tanong tungkol sa aesthetic sa kalikasan at buhay. Ang paksa ng pagninilay ay sining lamang, pangunahin ang panitikan at teatro. Ang pangunahing layunin ng isang likhang sining ay damdamin. Ang aesthetic ay nagmula sa emosyonal. Ang pangunahing konsepto ng lahat ng aesthetic na pagtuturo ay ang konsepto ng "lahi" (literal na "panlasa"), na nagsasaad ng masining na damdamin sa kasaysayan ng sining. Lalo na ang doktrinang ito ng lahi ay binuo ng mga theoreticians ng Kashmiri school, kung saan ang pinakasikat ay Anandavardhana (9th century), Shankuka (10th century), Bhatta Nayaka (10th century) at Abhinavagupta (10th-11th century). Interesado sila sa pagiging tiyak ng aesthetic na damdamin, na hindi dapat malito sa ordinaryong pakiramdam. Ang rasa, hindi bilang isang tiyak na pakiramdam, ay isang karanasan na lumitaw sa perceiving na paksa at naa-access lamang sa panloob na kaalaman. Ang pinakamataas na yugto ng aesthetic na karanasan ay ang pagtikim ng lahi, o sa madaling salita, pagpapatahimik sa kamalayan nito, iyon ay, aesthetic na kasiyahan.

Tsina.Ang pag-unlad ng tradisyonal na aesthetic na kaisipan ay direktang naimpluwensyahan ng dalawang pangunahing agos ng pilosopiyang Tsino: Confucianism at Taoism. Ang aesthetic na pagtuturo ni Confucius (552/551479 BC) at ng kanyang mga tagasunod ay nabuo sa loob ng balangkas ng kanilang socio-political theory. Ang gitnang lugar dito ay inookupahan ng mga konsepto ng "katauhan" at "ritwal", na nakapaloob sa pag-uugali ng isang "marangal na tao". Ang layunin ng mga moral na kategoryang ito ay upang mapanatili ang mga etikal na pundasyon sa lipunan at ayusin ang isang maayos na kaayusan sa mundo. Malaki ang kahalagahan ng sining, na nakita bilang isang paraan ng moral na pagiging perpekto at edukasyon ng pagkakaisa ng espiritu. Isinailalim ng Confucianism ang mga aesthetic na pangangailangan sa mga etikal. Ang napaka "maganda" sa Confucius ay kasingkahulugan ng "mabuti", at ang aesthetic ideal ay nakita bilang ang pagkakaisa ng maganda, mabuti at kapaki-pakinabang. Dito nagmumula ang isang malakas na didaktikong simula sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang aesthetic na tradisyon na ito ay nanindigan para sa pagiging tunay at makulay ng sining. Itinuring niya ang pagkamalikhain bilang tuktok ng propesyonal na kasanayan, at ang artist bilang tagalikha ng sining.

Ang isa pang linya ay konektado sa mga turo ng Taoist. Ang Lao Tzu (ika-6 na siglo BC) at Chuang Tzu (43 siglo BC) ay itinuturing na mga tagapagtatag nito. Kung ang mga Confucian ay nagbigay ng pangunahing atensyon sa kanilang pagtuturo sa etikal na prinsipyo, kung gayon ang mga Taoista ay nagbigay ng pangunahing pansin sa aesthetic na prinsipyo. Ang sentral na lugar sa Taoism ay inookupahan ng teorya ng "Tao" - ang landas, o ang walang hanggang pagkakaiba-iba ng mundo. Ang isa sa mga katangian ng Tao, na may aesthetic na kahulugan, ay ang konsepto ng "tszyran" naturalness, spontaneity. Pinagtibay ng tradisyong Taoist ang spontaneity ng artistikong pagkamalikhain, ang pagiging natural ng artistikong anyo at ang pagkakaugnay nito sa kalikasan. Kaya't dumating ang hindi mapaghihiwalay ng aesthetic at natural sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang pagkamalikhain sa Taoism ay nakita bilang isang paghahayag at pagdagsa, at ang artist bilang isang kasangkapan para sa "paglikha sa sarili" ng sining.

Hapon. Ang pag-unlad ng tradisyonal na aesthetics ng Japan ay naganap sa ilalim ng impluwensya ng Zen Buddhism. Ang kredo na ito ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa pagmumuni-muni at iba pang mga pamamaraan ng psycho-training na nagsisilbi upang makamit satori ang isang estado ng panloob na kaliwanagan, kapayapaan ng isip at balanse. Ang Zen Buddhism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagtingin sa buhay at ang materyal na mundo bilang isang bagay na panandalian, nababago at malungkot sa kalikasan. Ang mga tradisyonal na estetikang Hapones, na pinagsasama ang mga impluwensyang Confucian mula sa Tsina at ang paaralang Japanese ng Zen Buddhism, ay nakabuo ng mga espesyal na prinsipyo na mahalaga sa sining ng Hapon. Kabilang sa mga ito, ang pinakamahalaga ay ang "wabi" ang aesthetic at moral na prinsipyo ng pagtamasa ng isang mahinahon at hindi nagmamadaling buhay, malaya sa makamundong alalahanin. Nangangahulugan ito ng simple at dalisay na kagandahan at isang malinaw, mapagnilay-nilay na estado ng pag-iisip. Ang seremonya ng tsaa, ang sining ng pag-aayos ng mga bulaklak, at sining ng paghahardin ay nakabatay sa prinsipyong ito. Ang isa pang prinsipyo ng Japanese aesthetics, "sabi", na nauugnay sa umiiral na kalungkutan ng isang tao sa isang walang katapusang uniberso, ay bumalik sa Zen Buddhism. Ayon sa tradisyon ng Budismo, ang kalagayan ng kalungkutan ng tao ay dapat tanggapin nang may tahimik na pagpapakumbaba at hanapin dito ang isang mapagkukunan ng inspirasyon. Ang konsepto ng "yugen" (ang kagandahan ng malungkot na kalungkutan) sa Budismo ay nauugnay sa isang malalim na nakatagong katotohanan na hindi mauunawaan ng intelektwal. Ito ay muling inisip bilang isang aesthetic na prinsipyo, ibig sabihin ay isang misteryosong "otherworldly" na kagandahan na puno ng misteryo, kalabuan, katahimikan at inspirasyon.

Ang bagong interpretasyon ng kagandahan sa medieval ay ang pagkakaisa, pagkakaisa, pagkakasunud-sunod ng mga bagay ay maganda hindi sa kanilang sarili, ngunit bilang isang salamin ng isang mas mataas na pagkakaisa na parang diyos. Ang konsepto ng "pagkakaisa" ay isa sa mga sentral sa aesthetics ni Augustine. Isinulat niya na ang anyo ng lahat ng kagandahan ay pagkakaisa. Kung mas perpekto ang isang bagay, mas may pagkakaisa ito. Ang maganda ay iisa, dahil ang pagiging mismo ay iisa. Ang konsepto ng aesthetic unity ay hindi maaaring lumabas mula sa pandama na persepsyon. Sa kabaligtaran, ito mismo ang tumutukoy sa pang-unawa ng kagandahan. Pagsisimula ng isang aesthetic na pagtatasa, ang isang tao ay mayroon na sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa ang konsepto ng pagkakaisa, na kung saan siya ay naghahanap sa mga bagay.

Ang doktrina ni Augustine ng contrasts at opposites ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics. Sa treatise Tungkol sa lungsod ng Diyos isinulat niya na ang mundo ay nilikha tulad ng isang tula na pinalamutian ng mga antitheses. Ang pagkakaiba at pagkakaiba-iba ay nagbibigay ng kagandahan sa bawat bagay, at ang kaibahan ay nagbibigay ng isang espesyal na pagpapahayag sa pagkakaisa. Upang maging kumpleto at perpekto ang pang-unawa sa kagandahan, ang tamang relasyon ay dapat mag-ugnay sa nagmumuni-muni ng kagandahan sa mismong panoorin. Ang kaluluwa ay bukas sa mga sensasyon na kasuwato nito at tinatanggihan ang mga sensasyong hindi nararapat para dito. Para sa pang-unawa ng kagandahan, kinakailangang magkasundo sa pagitan ng magagandang bagay at kaluluwa. Ito ay kinakailangan na ang isang tao ay dapat magkaroon ng isang hindi makasariling pag-ibig para sa kagandahan.

Thomas Aquinas sa kanyang pangunahing gawain Kabuuan ng mga teolohiya aktwal na summed up Western medieval aesthetics. Ginawa niyang sistematiko ang mga pananaw ni Aristotle, Neoplatonists, Augustine, Dionysius the Areopagite. Ang unang katangiang tanda ng kagandahan, si Thomas Aquinas ay umaalingawngaw pagkatapos ng kanyang mga nauna, ay ang anyo na nakikita ng mataas na damdamin ng tao (paningin, pandinig). Ang kagandahan ay nakakaapekto sa pakiramdam ng isang tao sa kanyang organisasyon. Siya ay lubos na nagpapatunay ng mga konsepto na may kaugnayan sa mga layunin na katangian ng kagandahan bilang "kaliwanagan", "integridad", "proporsyon", "pagkakapare-pareho". Ang proporsyon, sa kanyang pananaw, ay ang ratio ng espirituwal at materyal, panloob at panlabas, mga ideya at anyo. Sa pamamagitan ng kalinawan, naunawaan niya kapwa ang nakikitang ningning, ang ningning ng isang bagay, at ang panloob, espirituwal na ningning nito. Ang pagiging perpekto ay nangangahulugan ng kawalan ng mga bahid. Ang Kristiyanong pananaw sa mundo ay palaging kasama ang konsepto ng kabutihan sa konsepto ng kagandahan. Bago sa aesthetics ni Thomas Aquinas ay ang pagpapakilala ng pagkakaiba sa pagitan nila. Nakita niya ang pagkakaibang ito sa katotohanan na ang mabuti ay ang layon at layunin ng patuloy na mithiin ng tao, ang kagandahan ay ang nakamit na layunin kapag ang talino ng tao ay napalaya mula sa lahat ng mithiin ng kalooban, kapag nagsimula siyang makaranas ng kasiyahan. Ang layunin na katangian ng mabuti, sa kagandahan na, kumbaga, ay tumigil na maging isang layunin, ngunit ito ay isang dalisay na anyo, kinuha sa sarili nito, nang walang interes. Ang ganitong pag-unawa sa kagandahan ni Thomas Aquinas ay nagpapahintulot kay F. Losev na tapusin na ang gayong kahulugan ng paksa ng aesthetics ay ang panimulang punto para sa buong aesthetics ng Renaissance.

Sa Renaissance, naitatag ang pananaw sa sining bilang pagkamalikhain. Ang mga sinaunang at medieval na aesthetics ay itinuturing na sining bilang isang aplikasyon sa bagay ng isang yari na anyo na nasa kaluluwa na ng artist. Sa aesthetics ng Renaissance, ang ideya ay ipinanganak na ang artist mismo ay lumilikha, muling lumilikha ng form na ito mismo. Isa sa mga unang bumalangkas ng ideyang ito ay si Nicholas ng Cusa (1401-1464) sa kanyang treatise Tungkol sa isip. Isinulat niya na ang sining ay hindi lamang ginagaya ang kalikasan, ngunit ito ay malikhain, na lumilikha ng mga anyo ng lahat ng bagay, nagdaragdag at nagwawasto sa kalikasan.

Ang mayamang artistikong kasanayan ng Renaissance ay nagbunga ng maraming treatise sa sining. Ito ang mga sinulat Tungkol sa pagpipinta, 1435; Tungkol sa paglililok, 1464; Tungkol sa arkitektura, 1452 Leona Battista Alberti; Sa Banal na Proporsyon Luca Pacioli (14451514); Aklat tungkol sa pagpipinta Leonardo da Vinci. Sa kanila, kinilala ang sining bilang pagpapahayag ng isip ng makata at artista. Ang isang mahalagang katangian ng mga treatise na ito ay ang pagbuo ng teorya ng sining, ang mga problema ng linear at aerial na pananaw, chiaroscuro, proportionality, symmetry, at komposisyon. Ang lahat ng ito ay nakatulong upang gawing stereoscopic ang paningin ng artist, at ang mga bagay na inilalarawan niya, embossed at nahahawakan. Ang masinsinang pag-unlad ng teorya ng sining ay pinasigla ng ideya ng paglikha ng isang ilusyon ng totoong buhay sa isang gawa ng sining.

Sa aesthetic na pag-iisip noong ika-17 siglo. ang baroque na direksyon ay namumukod-tangi, hindi pormal sa isang magkakaugnay na sistema. Ang Baroque aesthetics ay kinakatawan ng mga pangalan tulad ng Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) at Matteo Peregrini. Sa kanilang mga sinulat Wit, o ang Sining ng Mabilis na Isip(1642) Graciana; espiya ni Aristotle(1654) Tesauro; Treatise sa talas ng isip(1639) Peregrini) ay bumuo ng isa sa pinakamahalagang konsepto ng baroque aesthetics - "wit", o "mabilis na pag-iisip". Ito ay itinuturing na pangunahing malikhaing puwersa. Ang Baroque wit ay ang kakayahang pagsamahin ang hindi magkatulad. Ang batayan ng pagpapatawa ay isang metapora na nag-uugnay sa mga bagay o ideya na tila walang katapusan na malayo. Ang Baroque aesthetics ay binibigyang diin na ang sining ay hindi isang agham, hindi ito batay sa mga batas ng lohikal na pag-iisip. Ang katalinuhan ay isang tanda ng henyo, na ibinigay ng Diyos, at walang teorya ang makakatulong upang mahanap ito.

Estetika ng baroque lumilikha ng isang sistema ng mga kategorya kung saan ang konsepto ng kagandahan ay binabalewala, at sa halip na pagkakasundo, ang konsepto ng di-pagkakasundo at disonance ay inilalagay sa harap. Ang pagtanggi sa ideya ng isang maayos na istraktura ng Uniberso, ang Baroque ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng isang tao sa simula ng Bagong Panahon, na nauunawaan ang hindi pagkakapare-pareho ng pagiging. Ang saloobing ito ay lalo na malinaw na kinakatawan ng Pranses na palaisip na si Blaise Pascal. Ang pilosopikal na pagmuni-muni ni Pascal, ang kanyang mga akdang pampanitikan ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa aesthetics ng ika-17 siglo. Hindi niya ibinahagi ang pragmatismo at rasyonalidad ng modernong lipunan. Ang kanyang pangitain sa mundo ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na kulay. Ito ay konektado sa mga ideya ng "nakatagong Diyos" at "katahimikan ng mundo". Sa pagitan ng dalawang pagpapakitang ito ay namamalagi ang tao sa kanyang kalungkutan, na ang kalikasan ay tragically dual. Sa isang banda siya ay dakila sa kanyang katwiran at pakikipag-isa sa Diyos, sa kabilang banda siya ay hindi gaanong mahalaga sa kanyang pisikal at moral na kahinaan. Ang ideyang ito ay ipinahayag sa kanyang tanyag na kahulugan: "ang tao ay isang pag-iisip na tambo". Si Pascal sa pormula na ito ay sumasalamin hindi lamang sa kanyang pananaw sa mundo, ngunit naihatid ang pangkalahatang kalagayan ng siglo. Ang kanyang pilosopiya ay tumatagos sa sining ng Baroque, na nauukol sa mga dramatikong plot na muling lumilikha ng magulong larawan ng mundo.

English aesthetics noong ika-17-18 na siglo ipinagtanggol ang sensualistic na mga prinsipyo, umaasa sa mga turo ni John Locke sa sensual na batayan ng pag-iisip. Ang empiricism at sensationalism ni Locke ay nag-ambag sa pagbuo ng mga ideya tungkol sa "panloob na sensasyon", pakiramdam, pagsinta, intuwisyon. Ang ideya ng isang pangunahing malapit na koneksyon sa pagitan ng sining at moralidad, na naging nangingibabaw sa aesthetics ng Enlightenment, ay napatunayan din. Isinulat niya ang tungkol sa relasyon ng kagandahan at kabutihan sa kanyang trabaho Mga katangian ng tao, asal, opinyon at panahon(1711) kinatawan ng tinatawag na "moralizing aesthetics" A.E.K. Shaftesbury. Sa kanyang moral na pilosopiya, umasa si Shaftesbury sa sensasyonalismo ni Locke. Naniniwala siya na ang mga ideya ng kabutihan at kagandahan ay may sensual na batayan, nagmumula sa isang moral na pakiramdam na likas sa tao mismo.

Mga Ideya ng English Enlightenment nagkaroon ng malaking impluwensya sa Pranses na palaisip na si Denis Diderot. Tulad ng kanyang mga nauna, iniuugnay niya ang kagandahan sa moralidad. Si Diderot ang may-akda ng teorya ng Enlightenment realism, na pinatunayan sa kanyang treatise Pilosopikal na pag-aaral ng pinagmulan at kalikasan ng kagandahan(1751). Naunawaan niya ang artistikong pagkamalikhain bilang isang may malay na aktibidad na may makatwirang layunin at nakabatay sa mga pangkalahatang tuntunin ng sining. Nakita ni Diderot ang layunin ng sining sa paglambot at pagpapabuti ng moralidad, sa edukasyon ng kabutihan. Ang isang katangian ng teorya ng aesthetic ni Diderot ay ang pagkakaisa nito sa pagpuna sa sining.

Ang pag-unlad ng aesthetics ng German Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ni Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Sa kanilang mga gawa, sa unang pagkakataon, ang aesthetics ay tinukoy bilang isang agham, ang prinsipyo ng isang makasaysayang diskarte sa mga gawa ng sining ay nabuo, ang pansin ay nakuha sa pag-aaral ng pambansang pagkakakilanlan ng artistikong kultura at alamat (I. Herder Sa batik ng pamimintas, 1769;Sa impluwensya ng tula sa mga kaugalian ng mga tao sa sinaunang at modernong panahon, 1778;Calligone, 1800), may posibilidad para sa isang paghahambing na pag-aaral ng iba't ibang uri ng sining (G. Lessing Laocoön, o sa mga Limitasyon ng Pagpipinta at Tula, 1766;Dramaturgy sa Hamburg, 17671769), ang mga pundasyon ng teoretikal na kasaysayan ng sining ay nililikha (I. Winkelman Kasaysayan ng sinaunang sining, 1764).

Aesthetic view I. Kant outline in Pagpuna sa kakayahan ng paghatol, kung saan itinuring niya ang aesthetics bilang bahagi ng pilosopiya. Binuo niya nang detalyado ang pinakamahalagang problema ng aesthetics: ang doktrina ng panlasa, ang pangunahing mga kategorya ng aesthetic, ang doktrina ng henyo, ang konsepto ng sining at ang kaugnayan nito sa kalikasan, ang pag-uuri ng mga anyo ng sining. Ipinaliwanag ni Kant ang katangian ng aesthetic na paghatol, na naiiba sa lohikal na paghatol. Ang isang aesthetic na paghuhusga ay isang paghatol ng panlasa, ang isang lohikal na isa ay ang layunin nito ang paghahanap para sa katotohanan. Ang kagandahan ay isang espesyal na uri ng aesthetic na paghatol sa panlasa. Ang pilosopo ay nagha-highlight ng ilang mga punto sa pang-unawa ng kagandahan. Una, ito ay ang kawalang-interes ng aesthetic na pakiramdam, na nagmumula sa purong paghanga sa bagay. Ang pangalawang tampok ng maganda ay na ito ay isang bagay ng unibersal na paghanga nang walang tulong ng kategorya ng katwiran. Ipinakilala rin niya ang paniwala ng "expediency without purpose" sa kanyang aesthetics. Sa kanyang opinyon, ang kagandahan, bilang isang anyo ng pagiging angkop ng isang bagay, ay dapat na maramdaman nang walang anumang ideya ng anumang layunin.

Ang isa sa mga unang Kant ay nagbigay ng klasipikasyon ng mga anyo ng sining. Hinahati niya ang sining sa berbal (ang sining ng mahusay na pagsasalita at tula), pictorial (iskultura, arkitektura, pagpipinta) at ang sining ng matikas na paglalaro ng mga sensasyon (musika).

Ang mga problema ng aesthetics ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa pilosopiya ni G. Hegel. Isang sistematikong paglalahad ng Hegelian aesthetic theory ang nakapaloob sa kanyang Mga lektura sa aesthetics(inilathala noong 18351836). Ang aesthetics ni Hegel ay ang teorya ng sining. Tinukoy niya ang sining bilang isang yugto sa pag-unlad ng ganap na diwa kasama ng relihiyon at pilosopiya. Sa sining, kinikilala ng ganap na espiritu ang sarili sa anyo ng pagmumuni-muni; sa relihiyon, sa anyo ng representasyon; sa pilosopiya, ang konsepto. Ang kagandahan ng sining ay mas mataas kaysa sa likas na kagandahan, dahil ang espiritu ay nakahihigit sa kalikasan. Nabanggit ni Hegel na ang aesthetic na saloobin ay palaging anthropomorphic, ang kagandahan ay palaging tao. Iniharap ni Hegel ang kanyang teorya ng sining sa anyo ng isang sistema. Nagsusulat siya tungkol sa tatlong anyo ng sining: symbolic (East), classical (antiquity), romantiko (Christianity). Sa iba't ibang anyo ng sining, iniuugnay niya ang isang sistema ng iba't ibang sining, na naiiba sa materyal. Itinuring ni Hegel na ang simula ng sining ay arkitektura, na tumutugma sa simbolikong yugto sa pagbuo ng artistikong pagkamalikhain. Ang iskultura ay katangian ng klasikal na sining, habang ang pagpipinta, musika at tula ay katangian ng romantikong sining.

Batay sa pilosopikal at aesthetic na mga turo ni Kant, si F.W. Schelling ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory. Itinampok ito sa kanyang mga sinulat. Pilosopiya ng sining, ed. 1859 at Sa kaugnayan ng sining sa kalikasan, 1807. Ang sining, sa pag-unawa sa Schelling, ay mga ideya na, bilang "walang hanggang mga konsepto" ay nananatili sa Diyos. Samakatuwid, ang agarang simula ng lahat ng sining ay ang Diyos. Nakikita ni Schelling sa sining ang isang emanation ng absolute. Ang artist ay may utang sa kanyang trabaho sa walang hanggang ideya ng tao, na nakapaloob sa Diyos, na konektado sa kaluluwa at bumubuo ng isang solong kabuuan kasama nito. Ang pagkakaroon ng banal na prinsipyo sa isang tao ay ang "henyo" na nagpapahintulot sa indibidwal na maging materyal ang perpektong mundo. Iginiit niya ang ideya ng higit na kahusayan ng sining sa kalikasan. Sa sining, nakita niya ang pagkumpleto ng espiritu ng mundo, ang pag-iisa ng espiritu at kalikasan, layunin at subjective, panlabas at panloob, mulat at walang malay, pangangailangan at kalayaan. Ang sining para sa kanya ay bahagi ng pilosopikal na katotohanan. Itinaas niya ang tanong ng paglikha ng isang bagong larangan ng aesthetics - ang pilosopiya ng sining at inilalagay ito sa pagitan ng banal na ganap at ng philosophizing isip.

Si Schelling ay isa sa mga pangunahing theorists ng aesthetics ng Romanticism. Ang pinagmulan ng romanticism ay nauugnay sa paaralan ng Jena, na ang mga kinatawan ay ang magkapatid na August Schlegel at Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (17731798), Ludwig Tieck.

Ang mga pinagmulan ng pilosopiya ng romantisismo ay nasa subjective idealism ni Fichte, na nagpahayag ng subjective na "I" bilang simula. Batay sa konsepto ni Fichte ng libre, walang limitasyong malikhaing aktibidad, pinatutunayan ng Romantics ang awtonomiya ng artist na may kaugnayan sa labas ng mundo. Ang kanilang panlabas na mundo ay pinalitan ng panloob na mundo ng makata na henyo. Sa aesthetics ng romanticism, ang ideya ng pagkamalikhain ay binuo, ayon sa kung saan ang artist sa kanyang trabaho ay hindi sumasalamin sa mundo kung ano ito, ngunit nilikha ito ayon sa nararapat sa kanyang isip. Alinsunod dito, ang papel ng artist mismo ay tumaas. Kaya, sa Novalis, ang makata ay kumikilos bilang isang manghuhula at salamangkero, na muling binubuhay ang walang buhay na kalikasan. Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa normativity ng artistikong pagkamalikhain, ang pag-renew ng mga artistikong anyo. Ang romantikong sining ay metaporiko, nag-uugnay, hindi maliwanag, ito ay nakahilig sa synthesis, patungo sa interaksyon ng mga genre, uri ng sining, patungo sa koneksyon sa pilosopiya at relihiyon.

Ang pangalawang direksyon ng positivist oriented aesthetics ay ipinakita sa mga gawa ni Hippolyte Taine, na naging isa sa mga unang espesyalista sa larangan ng sosyolohiya ng sining. Bumuo siya ng mga tanong tungkol sa ugnayan ng sining at lipunan, ang impluwensya ng kapaligiran, lahi, sandali sa artistikong pagkamalikhain. Ang sining, sa pag-unawa kay Taine, ay isang produkto ng mga tiyak na makasaysayang kondisyon, at tinukoy niya ang isang gawa ng sining bilang isang produkto ng kapaligiran.

Ang Marxist aesthetics ay lumalabas din sa pananaw ng positivism. Itinuring ng Marxism ang sining bilang isang mahalagang bahagi ng pangkalahatang proseso ng kasaysayan, ang batayan kung saan nakita nila sa pag-unlad ng paraan ng produksyon. Iniuugnay ang pag-unlad ng sining sa pag-unlad ng ekonomiya, tiningnan ito nina Marx at Engels bilang isang bagay na pangalawa sa batayan ng ekonomiya. Ang mga pangunahing probisyon ng aesthetic theory ng Marxism ay ang prinsipyo ng historical concreteness, ang cognitive role ng sining, at ang class character nito. Ang isang manipestasyon ng uri ng katangian ng sining ay, gaya ng pinaniniwalaan ng Marxist aesthetics, ang pagiging mahilig nito. Inilatag ng Marxismo ang mga pangunahing prinsipyo na natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa aesthetics ng Sobyet.

Pagsalungat sa positivism sa European aesthetic na kaisipan sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagkaroon ng kilusan ng mga artista na naglagay ng slogan na "art for art's sake". Ang aesthetics ng "purong sining" ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng pilosopikal na konsepto Arthur Schopenhauer. Sa trabaho Ang Mundo bilang Kalooban at Kinatawan (1844) binalangkas niya ang mga pangunahing elemento ng elitistang konsepto ng kultura. Ang pagtuturo ni Schopenhauer ay batay sa ideya ng aesthetic contemplation. Hinati niya ang sangkatauhan sa "mga tao ng henyo", na may kakayahang aesthetic na pagmumuni-muni at artistikong pagkamalikhain, at "mga taong gumagamit", na nakatuon sa utilitarian na aktibidad. Ang henyo ay nagpapahiwatig ng isang namumukod-tanging kakayahang mag-isip ng mga ideya. Ang mga pagnanasa ay palaging likas sa isang praktikal na tao, ang isang artist-henyo ay isang mahinahong tagamasid. Ang pagpapalit ng katwiran sa pagmumuni-muni, ang pilosopo sa gayon ay pinapalitan ang konsepto ng espirituwal na buhay sa konsepto ng pinong aesthetic na kasiyahan at nagsisilbing tagapagpauna ng aesthetic na doktrina ng "purong sining".

Ang mga ideya ng "sining para sa kapakanan ng sining" ay nabuo sa mga gawa ni Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire, Oscar Wilde. Sa pagpapatuloy ng romantikong tradisyon, ang mga kinatawan ng aestheticism ay nagtalo na ang sining ay umiiral para sa sarili nitong kapakanan at tinutupad ang layunin nito sa pamamagitan ng pagiging maganda.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo sa European pilosopiko at aesthetic na pag-iisip, may mga proseso ng radikal na rebisyon ng mga klasikal na anyo ng philosophizing. Ang pagtanggi at rebisyon ng mga klasikal na aesthetic na halaga ay ginawa ni Friedrich Nietzsche. Inihanda niya ang pagbagsak ng tradisyonal na transendental aesthetic na konsepto at sa malaking lawak ay naimpluwensyahan ang pagbuo ng postclassical na pilosopiya at aesthetics. Sa aesthetics ni Nietzsche, nabuo ang isang teorya Sining ng Apollonian at Dionysian. Sa sanaysay Ang pagsilang ng trahedya mula sa diwa ng musika (1872) niresolba niya ang antinomy ng Apollonian at ng Dionysian bilang dalawang magkasalungat, ngunit hindi mapaghihiwalay na konektado sa isa't isa na simula na sumasailalim sa bawat kultural na kababalaghan. Ang sining ng Apollonian ay naglalayong i-streamline ang mundo, upang gawin itong maayos na balanse, malinaw at balanse. Ngunit ang prinsipyo ng Apollonian ay may kinalaman lamang sa panlabas na bahagi ng pagkatao. Ito ay isang ilusyon at isang patuloy na panlilinlang sa sarili. Ang pagbubuo ng kaguluhan ng Apollonian ay tinututulan ng Dionysian na pagkalasing ng lubos na kaligayahan. Ang prinsipyo ng sining ng Dionysian ay hindi ang paglikha ng mga bagong ilusyon, ngunit ang sining ng mga buhay na elemento, labis, kusang kagalakan. Ang Dionysian frenzy sa interpretasyon ni Nietzsche ay naging isang paraan upang madaig ang alienation ng tao sa mundo. Ang paglampas sa mga limitasyon ng indibidwalistikong paghihiwalay ay tunay na pagkamalikhain. Ang mga totoong anyo ng sining ay hindi yaong lumikha ng isang ilusyon, ngunit yaong nagpapahintulot sa iyo na tumingin sa kailaliman ng uniberso.

Ang aesthetic at pilosopikal na konsepto ng Nietzsche ay natagpuan ng malawak na aplikasyon sa teorya at praktika ng aesthetics ng modernismo noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang orihinal na pag-unlad ng mga ideyang ito ay sinusunod sa Russian aesthetics ng Silver Age. Una sa lahat sa Vladimir Solovyov, sa kanyang pilosopiya ng "unibersal na pagkakaisa", batay sa mahinahong tagumpay ng walang hanggang tagumpay ng maliwanag na prinsipyo sa magulong kalituhan. at ang Nietzschean aesthetics ay nakaakit ng mga simbolistang Ruso. Kasunod ni Nietzsche, nakita nila ang mundo bilang isang aesthetic phenomenon na nilikha ng theurgist artist.

Kabilang sa mga pinaka-maimpluwensyang konsepto ng aesthetic ay ang phenomenological aesthetics, batay sa pilosopikal na doktrina. Edmund Husserl. Ang pilosopong Polish na si Roman Ingarden (1893-1970) ay maaaring ituring na tagapagtatag ng phenomenological aesthetics. Ang pangunahing konsepto ng phenomenology ay intentionality (mula sa Latin intentio aspiration, intention, direction), na nauunawaan bilang ang pagbuo ng isang bagay ng cognition sa pamamagitan ng kamalayan.

Isinasaalang-alang ng phenomenology ang isang gawa ng sining bilang isang self-sufficient phenomenon ng intensyonal na pagmumuni-muni nang walang anumang konteksto, na nagpapatuloy mula sa sarili nito. Ang lahat ng maaaring malaman tungkol sa isang akda ay nakapaloob dito mismo, mayroon itong sariling independiyenteng halaga, nagsasarili na pag-iral at itinayo ayon sa sarili nitong mga batas.

Si Nikolai Hartmann (18821950) ay nagsalita mula sa isang phenomenological na posisyon. Ang pangunahing kategorya ng aesthetics maganda ay naiintindihan sa isang estado ng lubos na kaligayahan at dreaminess. Dahilan, sa kabaligtaran, ay hindi pinapayagan ang isa na sumali sa globo ng kagandahan. Samakatuwid, ang cognitive act ay hindi tugma sa aesthetic contemplation.

Pinuna ni Michel Dufrenne (1910-1995) ang modernong sibilisasyong Kanluranin, na inihiwalay ang tao sa kalikasan, ang kanyang sariling kakanyahan at ang pinakamataas na halaga ng pagiging. Hinahangad niyang tukuyin ang mga pangunahing pundasyon ng kultura, na gagawing posible na magtatag ng maayos na relasyon sa pagitan ng tao at ng mundo. Ang pagkakaroon ng perceived ang pathos ng Heidegger's konsepto ng sining bilang ang "katotohanan ng pagiging", Dufrenne naghahanap para sa naturang mga batayan sa kayamanan ng aesthetic karanasan, interpreted mula sa pananaw ng phenomenological ontology.

Ang phenomenological na pamamaraan ng pananaliksik ay sumasailalim sa metodolohiya ng Russian formalism, French structuralism at ang Anglo-American na "bagong kritisismo" na lumitaw bilang isang pagsalungat sa positivism. Sa mga gawa ni J.K. Pantubos ( Bagong kritisismo, 1941), A. Tate ( reaksyunaryong sanaysay, 1936), C. Brooks at R.P. Warren ( Pag-unawa sa tula, 1938; Pag-unawa sa prosa, 1943) ay naglatag ng mga pangunahing prinsipyo ng neo-kritikal na teorya: ang pag-aaral ay batay sa isang nakahiwalay na teksto na umiiral bilang isang bagay na independiyente sa artist-creator. Ang tekstong ito ay may organic at integral na istraktura na maaaring umiral bilang isang espesyal na organisasyon ng mga imahe, simbolo, mito. Sa tulong ng tulad ng isang organikong anyo, ang katalusan ng katotohanan ay isinasagawa (ang neo-kritikal na konsepto ng "tula bilang kaalaman").

Sa iba pang mahahalagang lugar ng aesthetic na pag-iisip noong ika-20 siglo. isama ang psychoanalytic concepts nina Z. Freud at G. Jung, ang aesthetics ng existentialism (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), ang aesthetics ng personalism (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur ), ang aesthetics ng structuralism at post-structuralism (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), sociological aesthetic concepts nina T. Adorno at G. Marcuse.

Ang modernong aesthetic na kaisipan ay umuunlad din alinsunod sa postmodernism (I. Hassan, J.F. Lyotard). Ang aesthetics ng postmodernism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sinasadyang pagwawalang-bahala sa anumang mga patakaran at mga paghihigpit na binuo ng nakaraang kultural na tradisyon, at, bilang isang resulta, isang balintuna na saloobin sa tradisyon na ito.

Ang konseptwal na kagamitan ng aesthetics ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mga pangunahing kategorya ng aesthetics ay sumasailalim sa isang makabuluhang muling pagtatasa, halimbawa, ang kahanga-hanga ay pinapalitan ng kamangha-manghang, ang pangit ay natanggap ang katayuan nito bilang isang kategorya ng aesthetic kasama ang maganda, atbp. Ang tradisyonal na itinuturing na hindi aesthetic ay nagiging aesthetic o tinukoy na aesthetically. Tinutukoy din nito ang dalawang linya ng pag-unlad ng modernong kultura: ang isang linya ay naglalayong ipagpatuloy ang tradisyonal na aesthetics (ang aestheticization ng pang-araw-araw na buhay ay itinuturing na matinding pagpapakita nito, kaya, halimbawa, hyperrealism, pop art, atbp.), surrealism, concept art ).

Ang isang espesyal na lugar sa modernong aesthetics ay ibinibigay sa tradisyon ng paglabag, pagpunta "sa labas ng aesthetic at artistikong kaugalian", i.e. marginal o naive na pagkamalikhain, na kadalasang nakakakuha ng katayuan ng aesthetic pagkatapos ng mahabang panahon (ang kasaysayan ng kultura ay sagana sa mga halimbawa ng gayong pagkamalikhain ng mga artista, musikero, at manunulat).

Ang iba't ibang mga teorya at konsepto ng aesthetic ng modernong aesthetic na agham ay nagpapatunay sa isang qualitatively bago, kumpara sa klasikal na panahon, pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip. Ang paggamit ng karanasan ng maraming sangkatauhan sa modernong aesthetics ay nagpapatotoo sa magagandang prospect ng agham na ito.

Ludmila Tsarkova