Помощь по Теле2, тарифы, вопросы

Перемены в быту и их влияние на декоративно-прикладное искусство. Особенности орнамента и декора художественных стилей барокко, рококо, классицизма.

Серебряное и золотое дело: петербургская школа, московские мастера и мануфактуры, черневое серебро Великого Устюга. Новые типы посуды из драгоценных и цветных металлов: чайники, кофейники, бульотки, самовары. Предметы домашней и церковной утвари. Государственные регалии. Ордена и медали. Эмали. Художники-эмальеры А.Г.Овсов, Г.С.Мусикийский.

Появление русского фарфора. Д.И.Виноградов. Императорский и частные фарфоровые заводы. Майолика, фаянс. Художественное стекло. Декоративные ткани и шпалеры. Новое в одежде. Корпусная и наборная мебель. Маркетри. Деревянная резьба в гражданских и церковных интерьерах. Экипажи. Декоративный камень. Камеи.

Художественные народные промыслы. Резные и инкрустированные донца Городца. Резьба по кости Холмогор. Золотное шитье Тверской губернии. Кружева Галича и Вологды. Керамика Гжели.

Музыка и театр в XVIII веке

Многоголосое хоровое пение. Канты. Инструментальная музыка и оркестры. Оперное искусство. Балет. Музыка в придворном, городском и крестьянском быту. Возникновение национальной композиторской школы. Е.И.Фомин. И.Е.Хандошкин. Д.С.Бортнянский. М.С.Березовский. А.О.Козловский.

Попытки создания общедоступного публичного театра при Петре Первом. Любительские спектакли при дворе. Школьные театры в духовных и светских учебных заведениях. Профессиональные труппы иностранных актеров.

Драматургия русского классицизма: трагедии и комедии. Влияние сентиментализма на театральный репертуар. Появление драмы и комической оперы на русской сцене. А.П.Сумароков - драматург и театральный деятель. Создатель русского профессионального театра, актер и режиссер Ф.Г.Волков. Его друг и последователь И.А.Дмитревский. Массовые театральные зрелища.

Крепостной театр. Труппа графа П.Б.Шереметева. П.И.Ковалева-Жемчугова, Т.В.Шлыкова-Гранатова и другие артисты. Дворец-театр в Останкине. Народный театр.

СОКРАЩЕНИЯ НАЗВАНИЙ ОСНОВНЫХ МУЗЕЙНЫХ СОБРАНИЙ, УПОМИНАЕМЫХ В СПИСКЕ ПАМЯТНИКОВ КУЛЬТУРЫ

БАН - Библиотека Российской Академии наук (г.Санкт-Петербург)

ВМДПНИ - Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства (г.Москва)

ГИМ - Государственный Исторический музей (г.Москва)

ГМГС - Государственный музей городской скульптуры (г.Санкт-Петербург)

ГММК - Государственные музеи Московского Кремля (г.Москва)

ГНИМА - Государственный научно-исследовательский музей архитектуры (г. Москва)

ГОП - Государственная Оружейная Палата (г.Москва)

ГРМ - Государственный Русский музей (г.Санкт-Петербург)

ГТГ - Государственная Третьяковская галерея (г.Москва)

ГЭ - Государственный Эрмитаж (г.Санкт-Петербург)

ЗИХМЗ - бывший Загорский (ныне Сергиев-Посадский) историко-художественный музей-заповедник (г.Сергиев Посад, Московская обл.)

МИДУ - Музей исторических драгоценностей Украины (г.Киев)

МПИБ - Музей прикладного искусства и быта XVII века "Собор двенадцати апостолов и Патриаршие Палаты в Московском Кремле" (г.Москва)

НГМ - Новгородский объединенный государственный музей-запо­ведник (г.Новгород)

НГП - Новгородская Грановитая Палата (г.Новгород)

СХМ - Самарский художественный музей (г.Самара)

ПАМЯТНИКИ РУССКОЙ КУЛЬТУРЫ

РАЗДЕЛ I. ИСТОРИЯ РУССКОЙ КУЛЬТУРЫ ДРЕВНОСТИ И СРЕДНЕВЕКОВЬЯ

(ДО КОНЦА XVII ВЕКА)

НАРОДНОЕ ДЕРЕВЯННОЕ ЗОДЧЕСТВО

КУЛЬТОВЫЕ ПОСТРОЙКИ

1. Клетские церкви: церковь Лазаря из Муромского монастыря (14-16 вв.) - заповедник "Кижи"; церковь Ризоположения из села Бородавы (15 в.) - Кирилло-Белозерский музей-заповедник; церковь Преображения из села Спас-Вежи (17 в.) - Костромской музей-запо­ведник; Никольская церковь из села Тухоля (17 в.) - Новгородский музей-заповедник "Витославлицы"; часовня Михаила Архангела из де­ревни Леликозеро (18 в.) - музей-заповедник "Кижи"; церковь Николы из села Глотова (18 в.) - Суздальский музей-заповедник.

2. Шатровые церкви: Никольская церковь в селе Лявля (16 в.); церковь Георгия из села Вершина (17 в.) - Архангельский музей-за­поведник "Малые Корелы"; Воскресенская церковь из села Патакино (18 в.) - Суздальский музей-заповедник; церковь Успения (18 в.) в городе Кондопоге.

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открывается обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII – первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А. Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы – живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально – от Петровского времени до бидермайера.

Террина (супница) с крышкой 1795 г.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII –XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века – блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду – по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике – эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов – сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII – начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII – начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру – «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг – «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно будет ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Бове И.О. Кресло Первая четверть XIX в

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII – начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С. Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес – «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов – она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С. Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволит музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.

Обновленная экспозиция

«Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века»

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открылась обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А.Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы - живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально - от Петровского времени до бидермайера.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII -XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века - блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду - по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике - эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов - сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII - начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII - начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру - «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг - «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII - начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С.Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес - «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов - она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С.Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволяет музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.

Важное место в культуре XVIII в. занимало декоративно-прикладное искусство. Оформление интерьеров в стиле рококо делало пространство легким, стены казались тонкими, скрывались декоративными панно и зеркалами, отражающимися друг в друге, важную роль играли ширмы. Мебель становится изящной, кажется хрупкой, приобретает причудливые очертания. В цветовой гамме обоев и мебели преобладают пастель­ные тона.

Помещение должно было производить впечатление будуара, (комнаты, предназначенной для общения только с близкими людь­ми).

Интерьеры рококо часто дополнялись либо подлинными китай­скими изделиями: ширмами, фарфором, лаковой живописью, либо декоративными композициями, стилизованными под китайскую живопись.

С середины XVIII в. с развитием неоклассицизма оформление интерьеров стало простым и достаточно строгим. Если образцом рококо были французские интерьеры, то образцом неоклассициз­ма - английские. Особенно прославились интерьеры английского архитектора Роберта Адама (1728-1792). Создавая усадебные дома, художник украшал их колоннами, пилястрами, скульптурами. Этот стиль получил название «стиля Адама». Он отличается изяществом, декоративностью, органично включающей в себя порою подлинные предметы античности.

В одежде и прическах XVIII в. также обнаруживается смена стилей. В эпоху Людовика XV произведением искусства стала внешность человека: туалеты знати были вычурными и изысканны­ми, прически фантастическими (в моду вошли парики), черные мушки на напудренном лице становились особым языком в любовном диалоге. «Женщина, наряженная и причесанная, как игрушка, и обутая в узенькие башмачки на каблуках, должна была ступать очень осторожно, чтобы сохранить равновесие и не рассыпаться,- это вырабатывало привычку к плывущей походке и плавным дви­жениям менуэта. Драгоценной куклой, райской птицей, изыскан­ным цветком хотели видеть женщину. Таким существам подобало фантастическое и капризно-воздушное окружение рокайльных ин­терьеров» (2, 45).

Костюм, особенно женский, становится произведением искус­ства. Такой костюм был неудобным и непрактичным, но необык­новенно привлекательным.

Мужской костюм был так же наряден, как и женский, причем выбирались нежные оттенки пастельных тонов.

Любовь ко всему изящному способствовала расцвету ювелирно­го искусства и фарфора.

Расцвет европейского фарфорового искусства также приходится на середину XVIII в. и связан со стилем рококо. Наиболее известным становится французский фарфор из города Севра и немецкий фарфор из Мейсена (Саксония). В своих композициях мейсенские мастера изображали «галантные празднества» - утонченные развле­чения аристократов.

Рококо не было стилем подобно готике и барокко, оно не стало большим и целостным художественным направлением. Распростра­нение вкусов эпохи Регентов было подготовлено самой судьбой французского дворянства, преуспевавшего в XVIII в. лишь в одном - в устройстве обеспеченной и счастливой жизни. Это была праздная жизнь, окруженная изящной роскошью. Искусство было украше­нием праздной жизни французской знати.

Особую роль играют декоративные искусства (в степень искус­ства возводится даже гастрономия).

Главная задача искусства - нравиться, само искусство отожде­ствляется с роскошью, игривостью и насмешливостью.

Зеркала становятся любимым украшением стен, они ставятся друг против друга, давая бесконечное количество отражений.

Потребность в предметах роскоши создала во Франции целые отрасли художественного производства благодаря труду мебельщи­ков, ткачей, лепщиков, ювелиров и вышивальщиц.

Излюбленные декоративные мотивы рококо - раковина, стебли и цветы.

В области декора неоклассицизм обратился к интерьеру залов, обставлявшихся на античный манер. Подвиги наполеоновской ар­мии принесли новые декоративные мотивы: шпаги, знамена. В наполеоновскую эпоху изменения происходят в одеждах и приче­сках. Распространяется мода на все античное: от силуэта и кроя платьев, напоминающих хитоны и туники, до свободно спадающих распущенных локонов. Исчезли не только кринолины и фижмы, но и бриллианты, в моду вошли резные камни, вделанные в оправу (геммы).

В отличие от других видов искусств в музыке XVIII в. барокко как стилевое направление все еще было широко представ­лено. Величайшими мастерами эпохи барокко в музыке стали Бах и Гендель.

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) был величайшим музыкан­том XVIII в., а сила воздействия его музыки все возрастает. Его композиторское творчество было удивительно разносторонним при внешне скоромной жизни (он был кантором - руководителем и дирижером церковного хора). С детства Бах был глубоко религиозен, причем придерживался протестантского вероисповедания. Именно Реформация в Германии выдвинула жар протестантского хорала (хорового песнопения). Сделав церковный обряд более простым и строгим, протестантизм повысил значение в нем музыки. Церковь стала центром музыкального искусства, а церковный органист его представителем. Органное искусство было чрезвычайно распрост­ранено в Германии и потому неудивительно, что орган сопутствовал всей жизни Баха. Его органное наследие включает несколько жан­ров, среди которых выделяются хоральные прелюдии и двухчастные полифонические циклы л фугой. В музыке Баха выражены и религиозное смирение, и пафас, и лирика, и порыв. Его сочинениям присущи наряду с естественностью и простотой возвышенность и значительность. Среди музыкальных творений Баха огромное число истинных шедевров, получивших мировое признание.

Рядом с Бахом возвышается еще одна крупнейшая фигура музыкального барокко - Георг Фридрих Гендель (1685-1759). Его жизнь протекала в больших европейских городах, он получил отличное музыкальное образование. Первая же поставленная в Лондоне опера «Ринальдо» принесла Генделю известность. Гендель писал музыку во множестве жанров, но вершину в его наследии образуют оратории (большие вокально-симфонические произведе­ния с развитым сюжетом). Литературным источником самых из­вестных ораторий композитора была первая часть Библии - Ветхий завет. Жил Гендель в Англии и события ее политической истории, как и эпический размах библейских сюжетов, не могли не вызвать его интереса.

Для композитора была характерна в первую очередь гражданская тематика. Избирая библейские сюжеты, Гендель восхищается мо­гуществом человеческих страстей. Именно страстность, динамич­ность, изображение противоборства были характерны для барокко.

Если первая половина XVIII в. в музыке определялась барокко как музыкальным стилем, то вторая его половина стала временем расцвета творчества композиторов венской классической школы:

Глюка, Гайдна, Моцарта и Бетховена. Высшие достижения класси­цизма были связаны с Веной, столицей огромной Австрийской империи, городом насквозь пропитанным музыкой.

Венская классическая школа отвечала настроениям и идеям эпохи Просвещения. Музыкальное искусство отразило духовные искания и противоречивые художественные процессы своего вре­мени. Например, Лессинг оказал влияние на творчество Моцарта.

Принципы классицизма нашли свое претворение в музыке эпохи Просвещения.

Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) вошел в историю музыки как реформатор оперного искусства, положивший начало новому оперному стилю. Оперы, которые писал Глюк, были необычны и по содержанию, и по манере выражения чувств героев. Деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и также была связана с полемикой в философии и эстетике, в которую были вовлечены просветители. Они подвергали критике придворную оперу и считали, что антич­ный театр идеально сочетает музыку, пластику и декламацию.

Глюк попытался драматизировать оперу, придавать ей правди­вость и естественность. Все лучшие оперы Глюка, начиная с «Ор­фея», написаны именно на античные сюжеты, в них композитор нашел могучие характеры и сильные страсти. При жизни Глюка его оперы вызывали яростные споры, но время показало жизнеспособ­ность принципов, не случайно их реализовали и другие выдающиеся композиторы.

Йозеф Гайдн (1732-1809) почти три десятка лет оставался капельмейстером (руководителем хоровой и оркестровой капеллы), а сочинению музыки отдавал лишь свободное время. Если Глюк реформировал оперу, то Гайдн создал совершенные симфонии. Его творческий путь пролегал через разные художественные эпохи, но творчество композитора было связано именно с веком Просвеще­ния. Просветители верили в прогресс общества и человека, и музыка Гайдна выражает оптимизм и стремление к счастью. Творения Гайдна достаточно рационалистичны: им свойственна продуман­ность и стройность, что также созвучно с рационалистическими принципами просветителей.

В своих ораториях Гайдн обращается к теме природы, культ которой был свойствен такому просветителю как Руссо. Именно Гайдн стал ярчайшим композитором эпохи Просвещения.

Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) начал сочинять еще в раннем детстве, он много путешествовал, рано приобрел извест­ность. Подобно Глюку Моцарт стал великим реформатором оперы, не только симфонизируя, но и актуализируя ее. Выбрав такую пьесу как «Безумный день или Женитьба Фигаро», Моцарт показал свою приверженность к просветительским идеям. В «Волшебной флейте» композитор представляет своеобразную утопию, близкую вере про­светителей в моральный прогресс человечества. Музыка Моцарта удивительным образом сочетает естественность и гармоничность, искренность и совершенство, безупречную ясность и трепетное волнение. Высшим достижением музыки Моцарта стал знаменитый «Реквием» - последнее его сочинение.

Немецкий композитор Людвиг ван Бетховен (1770-1827) провел большую часть жизни в Вене. Его сочинения также несут на себе отпечаток эпохи Просвещения. Композитор проявил себя именно в жанрах сонаты и симфонии, окончательно сложившихся именно в эту эпоху. Его произведения обнаруживают продуманность всего замысла и отдельных деталей, ясность форм.

В самых известных его творениях получает воплощение герои­ческая тема, тема борьбы, что связано как с личностью самого композитора, так и с особенностями его биографии: события Ве­ликой французской революции он пережил девятнадцатилетним юношей. Хотя идеи эпохи Просвещения были свойственны музыке Бетховена, он представляет уже новую эпоху, предвосхищая роман­тизм. Музыкальный стиль композитора отличается от искусства других венских классиков размахом, драматизмом, эмоциональной силой. Таковы «Патетическая соната», Третья симфония («Герои­ческая»), Пятая и Девятая симфонии, в особенности же «Ода к радости», завершающая последнюю. Все наследие в целом Бетховена оказало колоссальное воздействие на развитие музыки, особенно на формирование романтизма.

Стиль середины столетия сказывается и на декоративно-прикладном искусстве. Для изделий из фарфора, например «Собственного» сервиза Елизаветы Петровны, и других материалов характерны криволинейные формы, а также сочный лепной орнамент, восходящий по рисунку к раковине и гибким растительным побегам. Причудливый силуэт предметов органически сочетается с яркими цветами, обилием позолоты, блеском зеркальных поверхностей, дополняющих праздничную картину интерьера.

Живопись первой половины XVIII века

Начиная с петровской эпохи огромные изменения претерпевает живопись. Складывается искусство станковой картины с ее смысловыми и композиционными особенностями. На смену обратной перспективе приходит прямая и связанная с ней передача глубины пространства. Важнейшую черту составляет изображение фигуры в соответствии с принципами анатомической правильности. Появляются новые средства передачи объема. В важнейшем качестве выступает светотень, потеснившая условно-символическую контурную линию. Сама техника масляной живописи с характерными для нее специфическими приемами и системой взаимоотношения цветов прочно, хотя и не сразу, входит в художественный обиход. Обостряется чувство фактуры. Художник обретает способность передавать конкретные свойства мягкого бархата, жестковатого горностаевого меха, тяжелой золотой парчи и тонкого кружева. В сюжетной картине можно проследить новые принципы взаимосвязи фигур. Изображение обнаженного тела составляет новую и труднейшую задачу. Сама структура живописи становится более разветвленной. С начала XVIII столетия светское искусство культивирует разные виды станковых произведений, монументальную роспись в виде панно и плафонов, миниатюрное письмо. Портрет включает все известные разновидности - парадный, камерный, в обычном и костюмированном варианте, двойной и парный. Художники осваивают аллегорические и мифологические сюжеты. Наличие этих особенностей, хотя и выявляющихся на первых порах в компромиссной форме, позволяет говорить о возникновении живописи нового типа.

Первые шаги на пути становления портрета связаны с деятельностью живописной мастерской Оружейной палаты. Произведения, выполненные русскими и иностранными мастерами, по своему характеру тяготеют к парсуне. Из всех типологических вариантов парсуна отдает предпочтение парадному портрету и встречается в этом качестве в нескольких разновидностях. Среди них «портрет-тезис» - наиболее архаический. Он сочетает в пределах условного иконного пространства портретные изображения и многочисленные разъясняющие надписи. Можно говорить и о «портрете-апофеозе». Таковы портреты-картины, символизирующие ратные подвиги Петра I. Распространены и обычные портреты Петра, Меншикова, Шереметева в рост и на коне.

Пространство трактуется всюду весьма стереотипно, и общее расположение предметов скорее служит символическим обозначением реальных пространственных отношений. Столь же условно в смысловом и масштабном отношениях решается проблема внутреннего и внешнего пространства. Парсуна несколько отходит от колористического богатства, характерного для иконописи XVII в. Однако скрупулезная передача орнаментации одеяний и различных деталей придает полотнам повышенное декоративное звучание.

Мастер еще не вполне владеет новыми принципами передачи объема, соединяя подчеркнуто выпукло написанные лица и плоскостные узорчатые одеяния. Большие размеры холстов, их импозантный дух, богатство обстановки и выставленных напоказ драгоценностей призваны иллюстрировать социальную значимость изображенного. Образ автономен, он сосредоточен на себе и безразличен к окружающим. Живопись, еще не созревшая до передачи индивидуального, по-своему старается подметить черты, присущие данному персонажу. Однако общее и индивидуальное еще не слито в органическом единстве, и конкретные свойства едва проступают под сводной типизирующей маской.

Линия парсуны, существовавшая сравнительно недолго, в основном в 80-е и особенно в 90-е годы XVII в., впоследствии сталкивается с очень сильным, практически потеснившим ее потоком произведений иностранцев и художников-пенсионеров. Вместе с тем не следует думать, что она оказалась случайным эпизодом в общем процессе развития русского портрета. Будучи оттеснена с основных позиций, парсуна продолжала существовать. Кроме того, ее черты проявлялись в творчестве ряда передовых художников как свидетельство незавершенного перехода от средневекового письма к новой манере. В таком качестве ее можно обнаружить в произведениях И. Никитина, И. Вишнякова и А. Антропова.

Следы парсунности встречаются и во второй половине XVIII в., особенно в работах крепостных или провинциальных художников, самостоятельно пришедших к новому искусству, как правило, идя от иконописания. Заметим, что парсунность как художественное явление есть не только в русской школе, но и на Украине и в Польше. Оно встречается также в Болгарии, Югославии и даже в странах Ближнего Востока, т. е. там, где живопись в близкой исторической ситуации переживает принципиально сходное приобщение к искусству нового времени и светскому искусству.