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Unter all den berühmtesten Künstlern möchte ich besonders das Werk des Künstlers hervorheben Miftyakhov Marat Khaidarovich.
Die Landschaften von Marat sind atemberaubend und einzigartig.
Bilder können unterschiedlich sein: realistisch und unrealistisch, verständlich und unverständlich.
Wenn Sie sehen, dass auf dem Bild ein Glas eingezeichnet ist, dann ist das völlig offensichtlich. Woran sollten Sie also denken? Du hast dir das Bild angeschaut und gemerkt, dass es ein Glas war, morgen hast du immer wieder geschaut und gemerkt, dass es ein Glas war... Höchstwahrscheinlich wirst du, nachdem du dir ein solches Bild einmal angeschaut hast, es nicht noch einmal anschauen wollen, da es offensichtlich ist und keiner Erklärung bedarf. Marats Gemälde sind das komplette Gegenteil solcher Gemälde. Sie ziehen an und faszinieren, weil sie völlig unbekannte und unverständliche Objekte und Landschaften darstellen und in der Kombination miteinander fantastische Ausblicke schaffen.
Die Gemälde enthalten viele verschiedene kleine Details.
Es ist sehr schwierig, das gesamte Bild auf einmal im Detail zu betrachten; solche Bilder erfordern mehrere Betrachtungen. Und jedes Mal, wenn man sich dem Bild nähert, kann der Betrachter etwas Neues entdecken, etwas, das ihm vorher nicht aufgefallen ist. Diese Qualität ist allen Gemälden von Marat eigen und macht ihre Betrachtung noch attraktiver. Die Bilder sind reich an Informationen und haben eine tiefe philosophische Bedeutung.

„Ich halte Renato Guttuso für den bedeutendsten Künstler des modernen Westeuropas“, schrieb J. Berger.

Und hier sind die Worte von Carlo Levi: „Guttuso ist ein großer Künstler: und nicht nur aus Sizilien und Italien. Mittlerweile ist er einer der größten Künstler der Welt. „Davon bin ich zutiefst überzeugt und freue mich, dass ich dies ohne Einschränkungen und Vorbehalte, in voller Verantwortung erklären kann.“

Renato Guttuso wurde am 26. Dezember 1911 (nach anderen Quellen - 2. Januar 1912) in Bagheria bei Palermo auf Sizilien in der Familie eines Landvermessers geboren. Seine ersten beruflichen Fähigkeiten erhielt er vom Volkskünstler Emilio Murdolo, der Kutschen malte. Während seines Studiums am Lyzeum beschäftigte sich Guttuso gleichzeitig mit der Malerei: Er lernte Kunstbücher kennen und besuchte Künstlerwerkstätten. Ende der zwanziger Jahre entstanden seine ersten Gemälde.

Bei der ersten Quadriennale (einer vierjährigen Ausstellung italienischer Künstler) erzielte er kleinere Erfolge – Kritiker machten auf zwei seiner Gemälde aufmerksam.

Schon zu seinen Lebzeiten war Dalis Name von einem Heiligenschein des Weltruhms umgeben. Niemand außer Pablo Picasso konnte sich an Ruhm mit ihm messen.

Der berühmte Filmregisseur Alfred Hitchcock schrieb: „Ich schätzte Dali für die schneidenden Konturen seiner Gemälde – natürlich in vielerlei Hinsicht ähnlich den Gemälden von de Chirico – für seine langen Schatten, seine endlose Verfremdung, eine schwer fassbare Linie, die bis ins Unendliche reicht, für Gesichter ohne Form. Natürlich hat er noch viele weitere sehr seltsame Dinge erfunden, die nicht realisiert werden konnten.“

Dali sagte über seine Malerei: „Wie will man meine Bilder verstehen, wenn ich selbst, der sie geschaffen hat, sie auch nicht verstehe.“ Die Tatsache, dass ich in dem Moment, in dem ich male, meine Bilder nicht verstehe, bedeutet nicht, dass diese Bilder keine Bedeutung haben, im Gegenteil, ihre Bedeutung ist so tief, komplex, verbunden, unwillkürlich, dass sie sich einer einfachen logischen Analyse entzieht.“

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech wurde am 11. Mai 1904 in der Kleinstadt Figueres (Provinz Girona) in der Familie eines Anwalts geboren. Er wurde auf den gleichen Namen getauft wie sein Bruder, der im Alter von sieben Jahren an Meningitis starb. In seiner Autobiografie schreibt der Künstler: „Nach meiner Geburt trat ich an die Stelle des angebeteten Toten, der durch mich weiterhin geliebt wurde ... Alle meine folgenden exzentrischen Handlungen, alle meine inkonsistenten Possen waren die tragische Konstante meines Lebens : Ich musste mir selbst beweisen, dass ich nicht mein toter Bruder war, sondern er selbst – lebendig. So begegnete ich dem Mythos von Castor und Pollux: Indem ich meinen eigenen Bruder in mir tötete, gewann ich meine eigene Unsterblichkeit.“

„Der Realismus ist keine ein für alle Mal festgelegte Formel, kein Dogma, kein unveränderliches Gesetz. Der Realismus als eine Form der Reflexion der Realität muss in ständiger Bewegung sein“, sagt Siqueiros. Und noch eine seiner Aussagen: „Der Betrachter ist keine Statue, die in die lineare Perspektive des Gemäldes einbezogen wird ... er ist derjenige, der sich über die gesamte Fläche bewegt ... eine Person, die das Gemälde betrachtet, ergänzt die des Künstlers.“ Kreativität mit seiner Bewegung.“

Am 29. Dezember 1896 wurde in der mexikanischen Stadt Chihuahua ein Sohn, José David Alfaro Siqueiros, als Sohn von Don Cipriano Alfaro und Teresa Siqueiros geboren. Im Alter von elf Jahren zeigte er eine Begabung für die Malerei, weshalb der Junge 1907 zum Studium an die National Preparatory School in Mexiko-Stadt geschickt wurde. Bald darauf beginnt Alfaro, in den Klassen der Kunstakademie von San Carlos zu studieren.

Hier wird Siqueiros einer der Studentenführer und ruft die Akademie zum Protest und Streik auf. Der Künstler erinnert sich: „Was waren die Ziele unseres Streiks? Was haben wir gefordert? Unsere Forderungen betrafen sowohl bildungspolitische als auch politische Fragen. Wir wollten dem langweiligen Schulalltag ein Ende setzen, der an unserer Schule vorherrschte. Gleichzeitig stellten wir auch einige Forderungen wirtschaftlicher Art... Wir forderten die Verstaatlichung der Eisenbahnen. Ganz Mexiko lachte über uns ... Ehrlich gesagt bin ich zutiefst davon überzeugt, dass an diesem Tag in der Seele eines jeden von uns ein Künstler-Bürger, ein Künstler, der im öffentlichen Interesse lebt, geboren wurde ...“

Plastovs Leinwände sind voller lebensbejahender Kraft. Durch die Farbe und dank der Farbe verleiht er seinen Bildern ein lebendiges, lebendiges Gefühl. Der Künstler sagt: „Ich liebe dieses Leben. Und wenn man es Jahr für Jahr sieht, denkt man, dass man den Menschen davon erzählen muss. Unser Leben ist erfüllt und reich, es gibt so viele erstaunlich interessante Dinge darin, dass selbst die alltäglichen Angelegenheiten unseres Volkes eine Anziehungskraft haben Aufmerksamkeit und erschüttern die Seele. Man muss es sehen und bemerken können.“

Arkady Aleksandrovich Plastov wurde am 31. Januar 1893 im Dorf Prislonikha in der Provinz Simbirsk in die Familie eines dörflichen Ikonenmalers geboren. Seine Eltern träumten davon, dass ihr Sohn Priester werden würde. Nachdem er drei Klassen an einer ländlichen Schule abgeschlossen hatte, wurde Arkady 1903 an die Theologische Schule Simbirsk geschickt. Fünf Jahre später trat er in das Theologische Seminar Simbirsk ein.

Im Frühjahr desselben Jahres 1908 kam er in engen Kontakt mit der Arbeit eines Teams von Ikonenmalern, die die Kirche in Prislonikha renovierten. „Als sie anfingen, das Gerüst aufzubauen“, schreibt der Künstler in seiner Autobiografie, „und am steilen Ufer des Flusses Farben mahlten und trocknendes Öl kochten, war ich nicht ich selbst und ging verzaubert um die Wundertäter herum, die zu Besuch kamen.“ Als er beobachtete, wie auf den Mauern der alten, schmutzigen Kirche eine neue, noch nie dagewesene Bilderwelt entstand, beschloss der Junge fest: „Nur Maler zu sein und sonst nichts.“

Man kann Chagall durch „Fühlen“ und nicht durch „Verstehen“ verstehen. „Der Himmel und der Flug sind die Hauptzustände von Chagalls Pinsel“, bemerkte Andrei Voznesensky.

„Ich bin auf dem Mond gelaufen“, sagte der Künstler, „als es noch keine Astronauten gab. In meinen Bildern befanden sich die Figuren im Himmel und in der Luft ...“

Mark Zakharovich Chagall wurde am 7. Juli 1887 in der Stadt Witebsk geboren. Er war das älteste von zehn Kindern eines kleinen Kaufmanns. Sein Vater arbeitete als Arbeiter bei einem Heringshändler und seine Mutter Feiga betrieb einen kleinen Laden. Im Jahr 1905 absolvierte Mark eine vierjährige städtische Berufsschule.

Marks erster Lehrer war 1906 Yu.M. Peng. In seiner Autobiografie mit dem Titel „Mein Leben“ widmete Chagall Juri Moisejewitsch die folgenden Zeilen: „Die Feder liegt mir am Herzen. So steht seine zitternde Gestalt vor meinen Augen. In meiner Erinnerung lebt er neben seinem Vater. Wenn ich im Geiste durch die verlassenen Straßen meiner Stadt gehe, stoße ich oft immer wieder auf ihn. Wie oft war ich bereit, ihn anzuflehen, als ich auf der Schwelle der Schule stand: Ich brauche keinen Ruhm, nur um wie du zu werden, ein bescheidener Meister, oder um anstelle deiner Bilder auf deiner Straße, in deinem zu hängen Haus, neben dir. Lass mich!"

Der berühmte Kritiker Paul Husson schrieb 1922 über Modigliani:

„Nach Gauguin wusste er zweifellos am besten, wie er das Gefühl des Tragischen in seinem Werk zum Ausdruck bringen konnte, aber bei ihm war dieses Gefühl intimer und meist frei von jeglicher Exklusivität.

...Dieser Künstler trägt in sich alle unausgesprochenen Sehnsüchte nach neuer Ausdruckskraft, die charakteristisch für eine Zeit sind, die nach dem Absoluten dürstet und den Weg dorthin nicht kennt.“

Amedeo Clemente Modigliani wurde am 12. Juli 1884 in eine Familie italienischer Juden geboren. Sein Vater, Flaminio Modigliani, leitete nach dem Konkurs seines Büros für Brennholz und Kohle das Büro des Vermittlers. Mutter, Evgenia Garsen, stammte aus einer Kaufmannsfamilie.

Picasso sagte: „Kunst ist eine Lüge, die uns hilft, die Wahrheit zu verstehen.“

Pablo Ruiz Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Malaga, Spanien, in der Familie des Künstlers Don José Ruiz und Maria Picasso y Lopez geboren. Im Laufe der Zeit nahm der Künstler den Nachnamen seiner Mutter an. Mein Vater war ein bescheidener Kunstlehrer, der manchmal Aufträge für Innenanstriche ausführte. Der Junge begann sehr früh zu zeichnen. Schon die ersten Skizzen verblüffen durch Kunstfertigkeit und Fachkompetenz. Das erste Gemälde des jungen Künstlers hieß „Picador“.

Als Pablo zehn Jahre alt wird, zieht er mit seiner Familie nach La Coruña. 1892 trat er in die örtliche Kunstschule ein, wo sein Vater eine Zeichen- und Ornamentklasse unterrichtete.

G.S. Oganov schreibt: „...Der Künstler wollte das Leben des Bildes durch die Ausdruckskraft der Form offenbaren, daher suchte er nach dynamischer Spannung, Rhythmus und Farbe. Natürlich staunt der Betrachter nicht über diese Suchanfragen selbst, sondern vor allem über das Ergebnis. Und dieses Ergebnis geht bei Petrov-Vodkin immer über rein kompositorische, dekorative, bildnerische Suchen hinaus – das Leben des Geistes ist hier immer in einem konkreten psychologischen und zugleich philosophisch verallgemeinerten Ausdruck präsent. Dies gibt seinen Werken Maßstäbe und macht sie trotz aller äußerlichen, formalen Parallelen zur altrussischen oder modernen westeuropäischen Kunst zu originellen, einzigartigen, zutiefst eigenständigen Werken.“

Kusma Sergejewitsch Petrow-Wodkin wurde am 5. November 1878 an der Wolga in der Kleinstadt Chwalynsk geboren. Er war der Erstgeborene in der Familie des Schuhmachers Sergei Fedorovich Vodkin und seiner Frau Anna Panteleevna, geborene Petrova. Als der Junge im dritten Jahr war, wurde sein Vater als Soldat rekrutiert und zum Dienst nach St. Petersburg auf Okhta geschickt. Bald zog Anna Panteleevna mit ihrem kleinen Sohn dorthin. Nach zweieinhalb Jahren kehrte sie nach Chwalynsk zurück, wo ihre Mutter im Haus der örtlichen Reichen in Dienst trat. Kuzma wohnte mit ihr im Nebengebäude.

I.E. Repin nannte Kustodijew „einen Helden der russischen Malerei“. „Ein großer russischer Künstler – und mit einer russischen Seele“, sagte ein anderer berühmter Maler, M.V., über ihn. Nesterow. Und hier ist, was N.A. schreibt: Sautin: „Kustodiev ist ein Künstler mit vielseitigem Talent. Als ausgezeichneter Maler trat er als Autor bedeutender Werke des Alltagsgenres, origineller Landschaften und Porträts mit tiefem Inhalt in die russische Kunst ein. Als ausgezeichneter Zeichner und Grafiker arbeitete Kustodiev im Linol- und Holzschnittdruck und fertigte Buchillustrationen und Theaterskizzen an. Er entwickelte sein eigenes, originelles künstlerisches System und schaffte es, die ursprünglichen Merkmale des russischen Lebens zu spüren und zu verkörpern.“

Boris Michailowitsch Kustodiew wurde am 7. März 1878 in Astrachan geboren. Sein Vater, Michail Lukitsch Kustodiew, der am Astrachaner Mädchengymnasium und Priesterseminar russische Sprache, Literatur und Logik unterrichtete, starb, als der Junge noch nicht einmal zwei Jahre alt war. Alle Sorgen um die Erziehung von vier Kindern fielen auf die Schultern der Mutter Ekaterina Prochorowna. Mutter mietete ein kleines Nebengebäude im Haus eines wohlhabenden Kaufmanns. Boris Michailowitsch erinnert sich: „Der ganze Weg des reichen und reichen Kaufmannslebens war vor Augen ... Das waren Ostrowskis Lebenstypen …“ Jahrzehnte später materialisieren sich diese Eindrücke in Kustodijews Gemälden.

Der Begründer seines eigenen abstrakten Stils – des Suprematismus – Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch wurde am 23. Februar 1878 (nach anderen Quellen – 1879) in Kiew geboren. Die Eltern Severin Antonowitsch und Ludviga Alexandrowna waren polnischer Herkunft. Der Künstler erinnerte sich später: „Die Umstände meiner Kindheit waren folgende: Mein Vater arbeitete in Rüben- und Zuckerfabriken, die normalerweise in der tiefen Wildnis gebaut werden, weit entfernt von großen und kleinen Städten.“

Um 1890 wurde mein Vater in das Werk versetzt, das sich im Dorf Parkhomovka in der Nähe von Belopolye befand. Hier absolviert Kasimir eine fünfjährige Landwirtschaftsschule: „Das Dorf ... beschäftigte sich mit Kunst (ich kannte ein solches Wort damals noch nicht) ... Ich sah mit großer Spannung zu, wie die Bauern Bilder malten, und half ihnen beim Verschmieren Die Böden der Hütten mit Lehm bestreichen und Muster auf den Herd malen... Das ganze Leben der Bauern hat mich stark fasziniert... Vor diesem Hintergrund entwickelten sich in mir Gefühle für die Kunst, für die Kunst.“ Vier Jahre später zog die Familie in das Werk in Volchok und dann nach Konotop.

Unter den russischen Künstlern gibt es viele talentierte Persönlichkeiten. Ihre Arbeit wird auf der ganzen Welt hoch geschätzt und ist eine würdige Konkurrenz zu Weltmeistern wie Rubens, Michelangelo, Van Gogh und Picasso. In diesem Artikel haben wir 10 der berühmtesten russischen Künstler zusammengestellt.

1. Iwan Aiwasowski

Ivan Aivazovsky ist einer der berühmtesten russischen Künstler. Er wurde in Feodosia geboren. Von Kindheit an zeigte Aivazovsky seine unglaublichen kreativen Fähigkeiten: Er liebte das Zeichnen und brachte sich selbst das Geigenspielen bei.

Im Alter von 12 Jahren begann das junge Talent ein Studium in Simferopol an der Akademie für Malerei. Hier lernte er, Stiche zu kopieren und Bilder aus dem Leben zu malen. Ein Jahr später gelang ihm der Eintritt in die Kaiserliche Akademie St. Petersburg, obwohl er noch nicht das 14. Lebensjahr vollendet hatte.

Der Künstler reiste lange Zeit durch Europa und lebte in Italien, wo seine Gemälde auch Anerkennung fanden. So wurde der junge Künstler aus Feodosia ein ziemlich berühmter und reicher Mann.

Später kehrte Aivazovsky in seine Heimat zurück, wo er die Uniform des Marineministeriums und den Titel eines Akademikers erhielt. Der Künstler besuchte auch Ägypten und war bei der Eröffnung des neuen Suezkanals anwesend. Der Künstler beschrieb alle seine Eindrücke in Gemälden. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits seinen eigenen einzigartigen Stil und die Fähigkeit entwickelt, aus dem Gedächtnis zu schreiben. Aivazovsky skizzierte schnell komplexe Elemente in einem Notizbuch, um sie später auf die Leinwand zu übertragen. Seine Gemälde „Odessa“, „Die neunte Welle“ und „Das Schwarze Meer“ machten ihn weltweit bekannt.

Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte der Künstler in Feodosia, wo er sich ein Haus im italienischen Stil baute. Wenig später fügte Aivazovsky eine kleine Galerie hinzu, damit jeder seine erstaunlichen Gemälde genießen und im Meer der Farben ertrinken konnte. Heute dient dieses Herrenhaus immer noch als Museum und viele Besucher kommen jeden Tag hierher, um sich mit eigenen Augen vom Können des Marinemalers zu überzeugen, der ein langes und glückliches Leben führte.

2. Viktor Wasnezow

Die Liste der berühmtesten russischen Künstler wird mit Viktor Vasnetsov fortgesetzt. Er wurde im Frühjahr 1848 in der Familie eines Priesters im kleinen Dorf Lopyal geboren. Seine Leidenschaft für die Malerei entwickelte sich schon in sehr jungen Jahren, doch seine Eltern konnten ihm aus Geldmangel keine angemessene Ausbildung ermöglichen. Daher begann Victor im Alter von 10 Jahren ein Studium an einem freien theologischen Seminar.

1866 reiste er praktisch ohne Geld nach St. Petersburg. Vasnetsov bestand die Aufnahmeprüfung problemlos und trat in die Akademie der Künste ein. Hier begann seine Freundschaft mit dem berühmten Künstler Repin, mit dem er später nach Paris ging. Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg begann Wasnezow, seine berühmtesten Gemälde zu malen: „Drei Helden“, „Schneewittchen“ und „Gott der Heerscharen“.

Erst nach seinem Umzug nach Moskau konnte der Künstler sein Talent voll entfalten. Hier fühlt er sich wohl und wohl, und jedes weitere Bild wird besser als das vorherige. In Moskau malte Wasnezow Gemälde wie „Aljonuschka“, „Iwan Zarewitsch und der Graue Wolf“ und „Nestor der Chronist“.

3. Karl Brjullow

Dieser berühmte russische Künstler wurde 1799 geboren. Karls Vater war ein berühmter Maler und Professor an der St. Petersburger Kunstakademie. Daher war das Schicksal des Jungen im Voraus festgelegt. Glücklicherweise gelang es Karl Bryullov, das Talent eines Künstlers von seinem Vater zu erben.

Das Studium fiel dem jungen Künstler sehr leicht. Er war den anderen Schülern seiner Klasse um ein Vielfaches überlegen und schloss sein Studium an der Akademie der Künste mit Auszeichnung ab. Danach reiste Karl durch Europa und hielt sich lange Zeit nur in Italien auf. Hier schuf er sein Meisterwerk „Der letzte Tag von Pompeji“ und verbrachte etwa sechs Jahre damit, daran zu schreiben.

Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg erwartete Karl Brjullow Ruhm und Ehre. Sie freuten sich, ihn überall zu sehen, und bewunderten auf jeden Fall seine neuen Gemälde. In dieser Zeit schuf der Künstler mehrere seiner unsterblichen Gemälde: „Reiterin“, „Belagerung von Pskow“, „Narziss“ und andere.

4. Iwan Schischkin

Ivan Shishkin ist einer der berühmtesten russischen Landschaftsmaler, der in seinen Gemälden jede unscheinbare Landschaft ins beste Licht rücken konnte. Es scheint, dass die Natur selbst mit lebendigen Farben auf den Leinwänden dieses Künstlers spielt.

Ivan Shishkin wurde 1832 in Jelabuga geboren, das heute zu Tatarstan gehört. Der Vater wollte, dass sein Sohn irgendwann den Posten eines Stadtbeamten übernimmt, aber Ivan tendierte zum Zeichnen. Im Alter von 20 Jahren ging er nach Moskau, um Malerei zu studieren. Nach seinem erfolgreichen Abschluss an der Moskauer Kunstschule trat Shishkin in die Kaiserliche Akademie in St. Petersburg ein.

Später reiste er lange Zeit durch Europa und zeichnete atemberaubende Landschaften. Zu dieser Zeit entstand das Gemälde „Ansicht in der Nähe von Düsseldorf“, das ihm großen Ruhm einbrachte. Nach seiner Rückkehr nach Russland setzt Shishkin seine Kreativität mit neuer Energie fort. Ihm zufolge ist die russische Natur den europäischen Landschaften um ein Hundertfaches überlegen.

Ivan Shishkin hat im Laufe seines Lebens viele atemberaubende Gemälde gemalt: „Morgen im Kiefernwald“, „Erster Schnee“, „Kiefernwald“ und andere. Sogar der Tod ereilte diesen Maler direkt hinter seiner Staffelei.

5. Isaak Levitan

Dieser große russische Landschaftsmeister wurde in Litauen geboren, lebte aber sein ganzes Leben in Russland. Seine jüdische Herkunft bereitete ihm immer wieder viele Demütigungen, zwang ihn jedoch nie dazu, dieses Land zu verlassen, das er in seinen Bildern vergötterte und lobte.

Levitans erste Landschaften erhielten bereits gute Noten von Perow und Sawrasow, und Tretjakow selbst kaufte sogar sein Gemälde „Herbsttag in Sokolniki“. Doch 1879 wurde Isaac Levitan zusammen mit allen Juden aus Moskau ausgewiesen. Nur durch den enormen Einsatz von Freunden und Lehrern gelingt ihm die Rückkehr in die Stadt.

In den 1880er Jahren malte der Künstler viele atemberaubende Gemälde, die ihn sehr berühmt machten. Dies waren „Kiefern“, „Herbst“ und „Erster Schnee“. Doch weitere Demütigungen zwangen den Autor, Moskau erneut zu verlassen und auf die Krim zu gehen. Auf der Halbinsel malt der Künstler eine Reihe erstaunlicher Werke und verbessert seine finanzielle Situation erheblich. Dies ermöglicht ihm, durch Europa zu reisen und die Arbeit von Weltmeistern kennenzulernen. Der Höhepunkt von Levitans Kreativität war sein Gemälde „Über dem ewigen Frieden“.

6. Wassili Tropinin

Der große russische Porträtkünstler Wassili Tropinin hatte ein erstaunliches Schicksal. Er wurde 1780 in die Familie der Leibeigenen des Grafen Markov hineingeboren und erhielt erst im Alter von 47 Jahren das Recht, ein freier Mann zu sein. Schon als Kind zeigte der kleine Wassili eine Vorliebe für das Zeichnen, doch der Graf schickte ihn zu einer Ausbildung zum Konditor. Später wird er dennoch an die Kaiserliche Akademie geschickt, wo er sein Talent in seiner ganzen Schönheit zeigt. Für seine Porträts „Die Spitzenklöpplerin“ und „Der alte Bettler“ wurde Wassili Tropinin der Titel eines Akademikers verliehen.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Dem berühmten russischen Künstler Petrov-Vodkin gelang es, ein reiches Erbe in der Weltmalerei zu hinterlassen. Er wurde 1878 in Chwalynsk geboren und wollte in seiner Jugend Eisenbahner werden. Das Schicksal machte ihn jedoch zu einem weltberühmten Maler.

8. Alexey Savrasov

Die Gemälde des russischen Künstlers verkauften sich bereits gut, als er kaum 12 Jahre alt war. Wenig später trat er in die Moskauer Malschule ein und wurde sofort einer der besten Schüler. Eine Reise in die Ukraine verhalf Savrasov zu einem vorzeitigen Hochschulabschluss und dem Erhalt des Künstlertitels.

Die Gemälde „Stein im Wald“ und „Moskauer Kreml“ machten diesen Maler im Alter von 24 Jahren zum Akademiker! Die königliche Familie interessiert sich für das junge Talent und Tretjakow selbst kauft viele seiner Werke für internationale Ausstellungen. Darunter waren „Winter“, „The Rooks Have Arrival“, „Rasputitsa“ und andere.

Der Tod zweier Töchter und die anschließende Scheidung haben große Auswirkungen auf Savrasov. Er trinkt viel und stirbt bald in einem Armenkrankenhaus.

9. Andrey Rublev

Andrei Rublev ist der berühmteste russische Ikonenmaler. Er wurde im 15. Jahrhundert geboren und hinterließ ein großes Erbe in Form der Ikonen „Dreifaltigkeit“, „Verkündigung“ und „Taufe des Herrn“. Andrei Rublev schmückte zusammen mit Daniil Cherny viele Kirchen mit Fresken und malte auch Ikonen für Ikonostasen.

10. Michail Wrubel

Unsere Liste der berühmtesten russischen Künstler endet mit Michail Wrubel, der im Laufe seines Lebens viele Meisterwerke in verschiedenen Themenbereichen schuf. Er malte den Kiewer Tempel und begann später in Moskau mit der Erstellung seiner berühmten Serie „dämonischer“ Gemälde. Die kreativen Wanderungen dieses Künstlers fanden bei seinen Zeitgenossen kein angemessenes Verständnis. Nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod von Michail Wrubel würdigten Kunsthistoriker ihn, und die Kirche stimmte seinen Interpretationen biblischer Ereignisse zu.

Leider führte das Privatleben des Künstlers dazu, dass er eine schwere psychische Störung entwickelte. Der Titel eines Akademikers ereilte ihn in einer psychiatrischen Klinik, die er nie verlassen sollte. Dennoch ist es Mikhail Vrubel gelungen, viele erstaunliche Kunstwerke zu schaffen, die echte Bewunderung verdienen. Unter ihnen sind besonders die Gemälde „Sitzender Dämon“, „Die Schwanenprinzessin“ und „Faust“ hervorzuheben.

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Nach dem Sieg der Oktoberrevolution erfuhr die Malerei, wie alle anderen Bereiche der Kunst, bedeutende Veränderungen. Wenn sich frühere Künstler von ihrer inneren Weltanschauung leiten ließen, rückte nach der Machtübernahme der „Volksregierung“ die ideologische Komponente in den Vordergrund.

Künstler 1917 - 1921

Unmittelbar nach dem Sieg der Revolution beschäftigte sich die Sowjetregierung mit der Kunst und versuchte, hier ein Monopol zu errichten. Die Sowjetregierung begann ihre Aktivitäten mit der Verstaatlichung von Gemälde- und Kunstwerksammlungen.

In den ersten Tagen der Revolution erklärte sich das politische Plakat lautstark. Das Poster ist einfach und schnell zu zeichnen. Es war notwendig, Soldaten an die Front zu mobilisieren; zu diesem Zweck nutzten revolutionäre Künstler dieses Genre der Malerei. Unter den Plakatkünstlern waren die bekanntesten: Malyutin, Alsit, Moor, Denis. Ihre Kreationen waren klein und es wurden mehrere Farben verwendet. Oft wurden Allegorien verwendet. Besonders auffällig ist Moors Arbeit – „Haben Sie sich als Freiwilliger gemeldet?“, „Einer mit Zweibein, sieben mit Löffel“, diese Plakate sind bis heute bekannt. Der Stil von Denis V.N. ist lakonischer. Eines seiner berühmtesten Werke ist „Denikins Gang“ aus dem Jahr 1919.

Zu dieser Zeit entstand ein neues künstlerisches Genre – Städtebau. Künstler sind an der festlichen Dekoration von Städten und Plätzen beteiligt. Es besteht Bedarf an Plakaten und Tafeln. An der festlichen Dekoration der Städte waren berühmte Künstler wie Petrov-Vodkin, Lanceray und andere beteiligt.

In den ersten Jahren der Sowjetmacht wurde die Entwicklung der vor der Revolution entstandenen Schule der Staffeleimalerei fortgesetzt. Die bestehenden Stereotypen werden aufgebrochen. Unter den Meistern des visuellen Genres bilden sich zwei Schulen. Einer von ihnen hielt weiterhin am traditionellen Kanon fest, wonach der Künstler das Gesehene möglichst genau wiedergeben muss, der zweite hingegen gab Bildern den Vorzug. Zu dieser Gruppe gehören Koryphäen der Zeit wie Yuon, Petrov-Vodkin, Rylov. Petrov-Vodkins Werk „Die Petrograder Madonna“ wurde epochemachend. Hervorzuheben ist auch Rylovs Werk „In the Blue Expanse“ – obwohl das Bild keine revolutionäre Bedeutung hat, zeichnet es sich durch seine Ruhe aus und ruft ein Gefühl der Ruhe hervor.

Zu dieser Zeit entwickelte sich auch die grafische Kunst. Einer der prominentesten Vertreter der Grafik dieser Zeit war Kupreyanov.

Nach dem Sieg des Bürgerkriegs erschienen Arbeiten für Bildhauer. In erster Linie handelte es sich dabei um Denkmäler für gefallene Helden des Bürgerkriegs. Eines der markantesten Werke dieser Zeit ist der Tatlin-Turm, der Mut und Entschlossenheit symbolisierte.

Ein interessanter Trend in der Kunst dieser Zeit ist Propagandaporzellan, das eine der Visitenkarten dieser Zeit ist. Die Herstellung wurde vom Künstler S. V. Chekhonin überwacht. Die Arbeiten wurden in der Staatlichen Porzellanfabrik durchgeführt. Aus alten Zeiten verblieben viele Produkte in den Lagerräumen. Künstler bemalten sie mit sowjetischen Symbolen, änderten die Briefmarken in kommunistische Symbole und brachten revolutionäre Parolen an.

Künstler der 20er Jahre

Nach dem Ende des Bürgerkriegs begann eine neue Periode in der Entwicklung der Malerei. Obwohl der innere Feind bereits besiegt war, war der Staat von Feinden umgeben und nicht jeder in der UdSSR war mit der aktuellen Situation zufrieden. In dieser Zeit musste der Sowjetstaat seine Vormachtstellung in den Köpfen der Menschen festigen. Eine der verwendeten Methoden war Kunst.

In diesen Jahren entwickelte sich die Malerei aktiv. Es entstanden verschiedene Kunstvereine und Schulen. Dies ist eine Zeit der Suche, des Neuanfangs und der jugendlichen Begeisterung, die durch die Revolution hervorgerufen wurde.

Eine der berühmtesten Kunstschulen dieser Zeit war AHRR. Die Abkürzung stand für „Vereinigung der Künstler des revolutionären Russland“. Es erschien im Jahr 1922. Ihr Kern bestand aus den Wanderers. Diese Schule führte die Traditionen des Realismus fort. Das Hauptthema der Werke der Künstler dieser Gruppe ist die Beschreibung des Lebens und Alltags der Arbeiter und Soldaten der Roten Armee. Die berühmtesten Künstler der AHRR: Brodsky, Malyutin, Cheptsov, Grekov, Ryazhsky, Arkhipov, Yakovlev. Das bekannteste Werk ist Brodskys „Lenin im Smolny“. Dieses Bild wurde vielleicht von jedem gesehen, der in dieser Zeit lebte. Es wurde zur Grundlage der Leniniyada. Ein weiteres Gemälde, auf das ich aufmerksam machen möchte, ist Grekovs Werk „Tachanka“. Der Autor vermittelt perfekt die Dynamik, den Wagemut und die Weite der Steppe.

OST – die Gesellschaft der Stan-Künstler – diese Gruppe konzentrierte sich auf kreative Suche, ahmte die Impressionisten nach, diese Richtung ist durch Themen aus Sport und Industrie geprägt. Die Koryphäen dieser Schule: Williams, Labas, Pimenov, Shterenberg, Deineka. Diese Schule ist geprägt von Deinekas Werk „Die Verteidigung Petrograds“.

Die Vier Künste sind eine Gruppe, deren Werke durch einen philosophischen Hintergrund geprägt sind. Es umfasst: Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Favorsky und andere.

Es gab auch andere Künstlergruppen. Zu dieser Zeit entwickelten sich nationale Kunstformen. Kunstschulen entstanden in den Regionen des zaristischen Russlands, in denen es zuvor überhaupt keine Malerei gab – in der Region Zentralasien.

Vertreter nationaler Malschulen, die in dieser Zeit arbeiteten: Azimzade, Tansykbaev, Abilkhan, Grigoryan, Kojoyan und andere.

In der Ukraine sind Stolyar, Petritsky, Boychuk und Pavlenko die berühmtesten Meister dieser Zeit.

Seit den 20er Jahren kam es auch in der Grafik zu Veränderungen. War es früher die Kunst der Buchillustration, entwickelt sie sich heute zu einer vollwertigen Richtung der Malerei. Bei den Grafiken dieser Epoche handelte es sich überwiegend um kleine Gemälde zum Thema der klassischen Literatur. Auch die Holzschnittschule erlebt ein zweites Leben. Unter den Künstlern dieses Stils ragen Werke von Dobuzhinsky, Konashevich, Favorsky, Kravchenko, Kasiyan, Tychina und Andreev hervor.

Andreev war nicht nur ein ausgezeichneter Zeichner, sondern auch ein hervorragender Bildhauer, der für eine Reihe von Lenin-Reproduktionen berühmt war. Für die Skulptur dieser Zeit ist das Thema Revolution, Helden und Führer das Hauptthema. Zu dieser Zeit gab es neben Andreev eine Reihe bemerkenswerter Bildhauer, diese sind: Shadr, der durch die Skulptur „Kopfsteinpflaster – eine Waffe des Proletariats“ berühmt wurde, er ist auch für die Skulpturen des Anführers bekannt. Unter anderen Bildhauern erwähnen wir: Lebedeva, Mukhina, Matveev.

Unter den Meistern der angewandten Kunst dieser Zeit steht die Palekh-Schule an erster Stelle. Zu den traditionellen Märchenbildern dieser Bewegung kommen revolutionäre Handlungsstränge hinzu, die eng zu einem Ganzen verwoben sind. Zu dieser Zeit blühte das Volkshandwerk im Allgemeinen auf und es erschienen massenhaft verschiedene Kunsthandwerke.

Künstler der 30er Jahre

Dies ist die Ära des sozialistischen Realismus. Es wurde durch den Erlass des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki vom 23. April 1932 „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ eingeleitet. Es hat der kulturellen Vielfalt ein Ende gesetzt. Alle Künstlergewerkschaften wurden aufgelöst und an ihrer Stelle entstand eine Organisation, der Verband sowjetischer Künstler.

Die Prinzipien der neuen Bewegung des sozialistischen Realismus wurden von Maxim Gorki am besten zum Ausdruck gebracht. Das:

Das Nationalitätsprinzip. Die Hauptfiguren der Werke sind einfache Arbeiter.

Das Prinzip der Ideologie. Alle Werke müssen eine gewisse ideologische Last tragen.

Das Prinzip der Spezifität. Es wird der Entwicklungsprozess gezeigt, der dem materialistischen Verständnis der umgebenden Realität entspricht.

Dies ist die Blütezeit der Malerei; Kreative, die in die richtige ideologische Richtung arbeiten, erhielten viele Aufträge. Die Ära ist geprägt von einem Verlangen nach Monumentalismus.

Neben dem Monumentalismus ist die Malerei dieser Epoche voller Heldentum. Einer der denkwürdigsten Meister dieser Zeit ist B. Ioganson. Seine Gemälde imitieren Techniken russischer Künstler wie Surikow. Aber die Handlung ist entsprechend den Anforderungen der Zeit mit heroischen Inhalten gefüllt. Iogansons Art spiegelt sich gut in dem Gemälde „Verhör eines Kommunisten“ wider.

Ein weiterer berühmter Meister war S. Gerasimov – er widmete dem Thema der Bauernschaft sein Hauptaugenmerk. Sein Gemälde „Gemeinsamer Urlaub auf dem Bauernhof“ gilt als epochales Gemälde dieser Zeit.

A. Plastov – in seinen Werken verherrlichte er die Bauernschaft; seine Gemälde zeigen das Leben der einfachen Leute, oft vor dem Hintergrund der Natur. Seine Werke haben einen gewissen lyrischen Ton. Andere berühmte Maler der 30er Jahre sind Pimenov, Deineka, Krymov.

Entsprechend den Anforderungen des sozialistischen Realismus verändert sich die Landschaft der 30er Jahre. Zu dieser Zeit wurden Landschaften oft mit Darstellungen historischer Persönlichkeiten kombiniert. Das auffälligste Bild zu diesem Thema ist das Werk von A. Rylov – „Lenin in Razliv“.

Das Porträtgenre wurde zu dieser Zeit am aktivsten von Meistern der älteren Generation entwickelt - Konchalovsky, Nesterov, Serova. Nesterovs Porträts wurden geschätzt; er verstand es, die charakteristischen Merkmale einer Person genau zu erkennen und zu vermitteln. Auch Korin arbeitete im Stil Nesterows; seine Leinwände sind monumental und zeichnen sich durch klare Formen aus. Neben Parteiführern zeigten Porträtmaler auch Interesse an kreativen Persönlichkeiten.

Die monumentale Malerei dieser Epoche wurde fast zu einem obligatorischen Element der Architektur. Hier können Sie die Gemälde des Kasaner Bahnhofsrestaurants und der U-Bahn-Station Mayakovsky hervorheben.

Herausragende Bildhauer der 30er Jahre waren Mukhina, Shadr, Manizer. Auch hier herrschte Monumentalität. Die vielleicht bedeutendste Schöpfung dieser Zeit ist die Statue „Arbeiterin und Kolchosfrau“.

Die Meister, die im letzten Jahrzehnt berühmt wurden, arbeiteten weiterhin im grafischen Genre. Holzstich war beliebt. Dabei handelte es sich vor allem um Illustrationen zu klassischen Werken. Das Genre der Blattgravur wird vorangetrieben, der brillanteste Meister war hier Nivinsky, sein Lieblingsthema war „Leniniade“, industrielle Entwicklung.

In den 30er Jahren folgte die Gravur linker Buchillustrationen. Es wird durch die Lithographie ersetzt. Zeichnung in schwarzem Aquarell, manchmal Kohle. Diese Technologie war für die Massenproduktion vorzuziehen. Kukryniksy, Gerasimov, Kibrik und andere arbeiteten in diesem Genre.

Sowjetische Künstler während des Zweiten Weltkriegs

Es ist nicht verwunderlich, dass in dieser Zeit militärische Themen zum Hauptthema der Werke der Künstler wurden. Viele Künstler dieser Zeit waren direkt an den Feindseligkeiten beteiligt, einige kamen ums Leben.

Die Aufgabe der Künstler dieser Zeit bestand darin, Menschen zu militärischen und arbeitstechnischen Leistungen zu inspirieren. In dieser Zeit blühte das Plakatgenre auf. So erschien am 23. Juni 1941 das berühmte Kukryniksy-Plakat „Wir werden den Feind vernichten“. Weitere Plakate „Das Mutterland ruft“ des Künstlers Toidze, „Krieger der Roten Armee, rette“ usw.

Die Staffeleimalerei der Kriegszeit zeichnet sich durch Serialität aus. Der Künstler L. Soyfertis hat beispielsweise zwei Serien „Sewastopol“ und „Krim“ geschrieben. Seine Arbeit ist doppelt wertvoll, da er direkt an den Kämpfen beteiligt war und zwischen den Kämpfen Skizzen anfertigte.

Ein anderer Künstler, Shmarinov, malte eine Reihe von Serien mit Kohle und schwarzem Aquarell, wobei er die Tragödie betonte. Sein berühmtes Gemälde „Mutter über dem Körper des Ermordeten“. Pachomow lebte und arbeitete im belagerten Leningrad und schrieb die Grafikserie „Leningrad in den Tagen der Belagerung“.

Künstler der Kriegszeit: Plastov, Deineka, Gerasimov, Yuon, Korin, Bubnov und viele andere hinterließen epische Gemälde, die die Tragödie dieser Zeit vermitteln.

Obwohl es für Bildhauer während des Krieges schwieriger war, zu arbeiten, sehen wir Werke, die sich dem Thema Krieg widmen. Meist handelt es sich dabei um skulpturale Porträts von Fronthelden und Militärführern. Während des Krieges schufen sie: Mukhina, Tomsky, Nikoladze, Pershudchev.

Mit dem Ende der Feindseligkeiten beginnt die Ära monumentaler Denkmäler, die die Leistung des sowjetischen Volkes verewigen sollen.

Auch die angewandte Malerei widmete sich militärischen Themen. In den Werken der Palech-Meister sehen wir Szenen sagenhafter Schlachten.

Künstler der Nachkriegszeit

In den ersten Nachkriegsjahren zielten alle Bemühungen darauf ab, die Wirtschaft wiederherzustellen und die Leistung des sowjetischen Volkes während des Krieges zu verherrlichen. Unter den Gemälden mit Kampfcharakter werden wir so großartige Gemälde wie „Ruhe nach der Schlacht“ des Künstlers Neprintsev hervorheben. „Brief von der Front“ – Laktionova. Es handelt sich um Gemälde mit einem Hauch von Lyrik, die den Krieg als historisches Phänomen erforschen.

Zu dieser Zeit widmeten sich auch viele Werke der Geschichte der Revolution. Unter den bedeutenden Gemälden dieser Zeit heben wir das Werk einer Autorengruppe hervor: „Lenins Rede auf dem 3. Komsomol-Kongress“. Serovs Gemälde „Wanderer bei Lenin“, das zum zweiten klassischen Gemälde aus der leninistischen Serie wurde. Melikhovs Gemälde „Der junge Taras Schewtschenko bei Bryullov“ erregt Aufmerksamkeit; historische Details in diesem Gemälde sind sorgfältig ausgearbeitet.

Es erscheinen Bilder von rein friedlichen Werken. Müde von den harten Kriegszeiten schreiben Künstler Werke, die der friedlichen Arbeit gewidmet sind, zum Beispiel das Gemälde „Brot“ von Yablonskaya. Es zeigt einfache Landarbeit. Plastovs Gemälde „Auf dem Kolchosstrom“ ist inhaltlich ähnlich. Ein anderer sowjetischer Künstler, Tschuikow, beschreibt die Natur Kirgisistans in den Gemälden „Morgen“, „Tochter des Hirten“ usw. Aufmerksamkeit erregen die Gemälde der lettischen Künstler Kalynysh und Osis, die sich der Fischereiarbeit widmen.

Der Übergang von militärischen zu friedlichen Themen führte zum Wachstum von Gemälden im Landschaftsgenre, hauptsächlich von Gemälden mit lyrischer Ausrichtung. Der Künstler Gerasimov malte eine Reihe von Gemälden, die der Landschaft der Region Moskau gewidmet waren. Meshkov schrieb eine Reihe von Gemälden über die Schönheiten des Urals. Sie zeigen die majestätische Schönheit der sibirischen Natur. Wenn frühere Autoren die Schönheit der wilden Natur zeigten, spiegelte G. Nyssky in seinen Werken im Gegenteil eine relativ neue Richtung des Genres wider, die vom Menschen veränderte Natur. Seine Bilder zeichnen sich durch Dynamik, Monumentalität und Kontrast aus. Korin, der zu dieser Zeit arbeitete, setzte sein Lieblingsgenre fort – die Porträtmalerei; er malte eine Reihe von Porträts kreativer Menschen.

In den Nachkriegsjahren entwickelte sich die satirische Grafik. Der berühmteste Künstler dieser Zeit war B. Prorokov. In dieser Zeit verfasste er eine Reihe von Werken, in denen er den amerikanischen Kapitalismus kritisierte. Kukryniksy, Soyfertis und andere arbeiten am gleichen Thema.

Die Skulptur der Nachkriegszeit ist dem Thema Krieg gewidmet. Diese monumentalen Skulpturen, die in jeder Stadt und jedem Dorf zu sehen sind, sind gefallenen Helden gewidmet. Zu dieser Zeit arbeiteten sie: Tomsky, Chernyakhovsky, Vuchetich, Mikenas.

Sowjetische Künstler 1960 - 1980

In den 1960er Jahren, während des „Tauwetters“, versuchten Künstler, sich von Klischees zu lösen und die Realität näher an der Realität darzustellen. Neue Triebe in der Kunst versuchten in den 20er Jahren, sich auf Kunstschulen zu stützen. Die Kunstschule dieser Zeit wurde wegen ihrer Direktheit, Kompromisslosigkeit und betonten Dramatik als „strenger Stil“ bezeichnet. Dieser Stil war nicht der einzige; der sozialistische Realismus blieb bestehen; einige Künstler versuchten, den Impressionismus nachzuahmen.

Prominente Vertreter des „strengen Stils“ waren die Smolin-Brüder. Ihre bekanntesten Gemälde sind „Strike“ und „Polar Explorers“. In ihnen wird die Leistung der Arbeit ohne Pomp, als Alltagsroutine dargestellt. Ein weiterer berühmter Künstler, der dem „strengen Stil“ anhing, war P. Nikonov. Seine berühmtesten Gemälde – „Unser Alltag“, „Geologen“ beschreiben den Alltag der sowjetischen Arbeiter. Andere berühmte Künstler des „strengen Stils“: Korzhev, Andronov, Popkov, V. Ivanov, Gavrilov, Tkachevs, Moiseenko, Zhilinsky.

Unter den nationalen Künstlern dieser Zeit waren Salakhov, Narimanbekov, Klychev, Tordiya, Greku, Zarin, Iltner, Berzin, Subbi, Savickas und andere die bemerkenswertesten.

In der Ukrainischen SSR ist das Werk von T. Yablonskaya auffällig, das sich vom Impressionismus entfernt und sich Volksmotiven zuwendet.

1960-1980 Ära des grandiosen Bauens. Nach dem Krieg wurden Städte wiederhergestellt und neue Gebiete gebaut, sodass das Genre der Monumentalmalerei zu dieser Zeit äußerst verbreitet war.

Das Hauptthema der Skulptur ist die Erinnerung an die Helden und Opfer des Zweiten Weltkriegs. Hier „herrschte“ das Denkmalensemble und die Gedenkstätte. Die auffälligsten Kreationen in diesem Genre sind „Mamaev Kurgan“, „Newski-Ferkel“ und „Chatyn“.

Berühmte Bildhauer dieser Zeit: Sokolova, Pologova, Shakhovskoy, Zhilinskaya, Mitlyansky, Komov, Chernov.

In den 1960er Jahren und in den Folgejahren waren Druckgrafik, Grafik und Linolschnitt weit verbreitet. Die folgenden Künstler arbeiteten in diesen Genres: Zakharov, Golitsyn, Borodin, Ilyina, Makunaite, Rzakuliev.

Wie Sie sehen, war dies eine großartige Ära, die uns viele unübertroffene Meister bescherte. Gemälde aus der Sowjetzeit haben in vielen Sammlungen ihren rechtmäßigen Platz eingenommen.