Analyse der Geschichte von L. Petrushevskaya „Wo ich war“ (Petrushevskaya L.S. Wo ich war. Geschichten aus einer anderen Realität. M.: Vagrius, 2002. S. 303. Oder: Zeitschrift „Oktober“. 2000. Nr. 3)

Das Werk von L. Petrushevskaya ruft sowohl bei Lesern als auch bei Kritikern unterschiedliche Einstellungen zu sich selbst hervor; die Polysemie der Texte führt zu unterschiedlichen, manchmal fast gegensätzlichen Interpretationen. Allerdings enthält die von uns gewählte Geschichte unserer Meinung nach einen interessanten ästhetischen Kern und ermöglicht es, einige Merkmale der modernen künstlerischen Entwicklung zu erkennen. Und gleichzeitig birgt dieses Werk auch ein gewisses pädagogisches Potenzial; die Analyse seines Inhalts ermöglicht es uns, die wichtigsten moralischen Probleme zu diskutieren.

Bei der Arbeit mit dieser Kurzgeschichte, die direkt im Unterricht gelesen werden kann, erscheint es produktiv, eine der Techniken zur Entwicklung kritischen Denkens anzuwenden – das sogenannte Lesen mit Stopps, das es den Schülern ermöglicht, in den Text „einzutauchen“ und zu unterrichten sie dazu zu bewegen, langsam, nachdenklich und analytisch zu lesen – und gleichzeitig das Interesse am Text zu steigern, das fantasievolle, kreative Denken der Kinder zu entwickeln und sie sozusagen zu Mitautoren des Autors zu machen.

Gemäß dem Algorithmus dieser Technologie empfiehlt es sich, in der Herausforderungsphase, deren Zweck darin besteht, die Motivation zum Lesen eines Werks zu steigern und Interesse am analysierten Text zu wecken, ein Gespräch mit einer Diskussion des Titels des Werks zu beginnen Geschichte, mit dem Angebot, darüber zu fantasieren, worum es in einer Geschichte mit diesem Titel gehen könnte. Die Antwort wird sicherlich lauten: „Irgendwohin reisen.“ Möglicherweise besteht die Vermutung, dass ein moralisches Problem vorliegt: „Wo war ich, als etwas passierte, warum habe ich es nicht bemerkt, warum habe ich nicht eingegriffen?“ Auf jeden Fall wird der Anstoß gegeben, die Stimmung geschaffen, das Interesse geweckt.

Der erste Halt beim Lesen der Geschichte kann unserer Meinung nach nach den Worten erfolgen: „Habe ich dich gestört?“ - fragte Olya zufrieden. „Ich habe die Sachen deiner Marinochka Nastenka mitgebracht, Strumpfhosen, Leggings, einen Mantel.“

Der Anfang der Geschichte ist eine Erzählung über eine typische Alltagssituation, gesehen durch die Augen einer gewöhnlichen modernen Frau – einer „kleinen Person“, einer unbemerkten Arbeiterin, die zwischen Zuhause und Arbeit hin und her eilt, ohne zu bemerken, wie die Jahre vergehen, und plötzlich etwas entdeckt dass sie „eine alte Frau ist, niemanden unnötig, über vierzig“, dass „das Leben, das Glück, die Liebe verschwinden.“ Der aufkommende Wunsch, Ihr Leben irgendwie zu verändern, führt zu einer unerwarteten Entscheidung: das Zuhause zu verlassen, irgendwohin zu gehen. Dieses vom Autor vorgeschlagene Handlungsinstrument ermöglicht es uns, die Heldin aus ihren gewohnten Umständen herauszureißen und sie in eine außergewöhnliche Situation zu versetzen. L. Petrushevskaya findet für ihre Heldin Olga einen „ruhigen Zufluchtsort“: Sie schickt sie „hinaus in die Natur“, zu dem „rührenden und weisen Wesen“ Baba Anya (Babana), von dem sie einst eine Datscha gemietet haben und mit dem die klügsten und Die wärmsten Erinnerungen sind damit verbunden: „Die alte Dame hat ihre Familie immer geliebt.“ Zurück blieben „schmutziges Geschirr“ in einer unordentlichen Wohnung, der „ekelhafte Geburtstag einer Freundin“, der nur traurige Gedanken aufkommen ließ – „Unterschlupf, Unterkunft für die Nacht und ein ruhiger Hafen begrüßten sie.“ Die Hauptfigur findet sich zunächst in der warmen Atmosphäre eines hellen Oktobermorgens wieder und überschreitet dann die Schwelle eines vertrauten Hauses.

Es scheint nicht schwer zu sein, sich vorzustellen, wie sich die Handlung weiterentwickeln wird. Anscheinend wird die Heldin so richtig warm und findet in der Kommunikation mit der Natur und einem freundlichen Menschen wieder Seelenfrieden. Dies wird durch das zweimal wiederholte „wie immer“ bestätigt: und Baba Anya selbst „sprach wie immer mit dünner, angenehmer Stimme“; und ihr Haus war „wie immer“ warm und sauber.

Allerdings stört Baba Anyas allererste Bemerkung diesen ruhigen, „gesegneten“ Fluss der Erzählung und alarmiert den Leser.

„Marinotschka ist nicht mehr hier“, antwortete Babanya lebhaft, „das ist es, ich bin nicht mehr bei mir.“

Und die gesamte nächste Passage – bis zu den Worten „Horror, Horror! „Arme Babanya“, bei der man einen zweiten Stopp einlegen kann, ist ein Dialog am Rande der Absurdität, in dem Olya einige unnötige Alltagswörter von sich gibt („Ich habe dir alles hierher gebracht, Würstchen, Milch, Käse gekauft“) und Babanya wegfährt den ungebetenen Gast und informiert sie schließlich über seinen eigenen Tod.

„-Nun, ich sage dir: Ich bin gestorben.

• -- Für eine lange Zeit? - fragte Olya mechanisch.
• „Nun, es ist ungefähr zwei Wochen her.“

Die Trägheit der Wahrnehmung einer Geschichte, die als vertraute realistische Erzählung begann, erfordert eine ebenso realistische Erklärung des Geschehens, und bei der Diskussion dieser kleinen Passage werden wahrscheinlich andere, aber durchaus vernünftige Annahmen auftauchen. „Vielleicht war sie von Olga beleidigt, weil sie fünf Jahre lang nicht an die alte Frau gedacht hatte“, werden einige sagen. „Oder vielleicht ist sie einfach verrückt geworden“, werden andere denken. Genau das deutet die Hauptfigur der Geschichte selbst an, die aufgrund der schrecklichen Worte ihres Gesprächspartners „einen Schauer über den Rücken bekam“: „Und Babanya ist offenbar verrückt geworden.“ Das Schlimmste, was einem lebenden Menschen passieren kann, ist passiert.“

Die Besonderheit dieser Geschichte von L. Petrushevskaya liegt in ihrer dialogischen Struktur: Der wichtigste und größte Teil des Werkes ist ein Dialog zwischen zwei Heldinnen, in dem die künstlerische Absicht des Autors teilweise geklärt wird. Es ist ratsam, den nächsten – dritten – Stopp einzulegen, nachdem die Schlüsselpassage dieses Dialogs gelesen und analysiert wurde, nach den Worten „Olya hängte gehorsam ihre Tasche über die Schulter und ging mit dem Glas auf die Straße zum Brunnen.“ Oma schleppte ihren Rucksack hinter sich her, aber aus irgendeinem Grund kam sie nicht auf den Flur und blieb vor der Tür stehen.“

Beide Heldinnen sind einsam und unglücklich – obwohl jede von ihnen objektiv freundlich und mitfühlend ist. Olga liebt Oma Anya nicht nur aufrichtig, sie versucht ihr auch irgendwie zu helfen: Sie überredet, beruhigt, erträgt ihre eigenen Schmerzen („ihre Beine waren mit Gusseisen gefüllt und wollte nicht gehorchen“), um Wasser zum Brunnen zu bringen . Darüber hinaus ist der Moment sehr wichtig, in dem sie, nachdem sie das Geschehen verstanden hat, eine schwierige, aber feste Entscheidung trifft, die Enkelin der alten Frau zu sich zu nehmen: „Wir müssen Marinochka mitnehmen!“ So. Das ist jetzt der Plan des Lebens ...“ Auch Baba Anyas Liebe zu den Menschen um sie herum war immer aktiv und wirksam: „Es war möglich, Baba Anya zu verlassen ... die kleine Nastya ... ihre Tochter stand unter Aufsicht“; Sie hat einst ihre Enkelin aufgenommen und großgezogen, die von ihrer unglücklichen Tochter verlassen wurde, und auch jetzt noch sind es dieses allein gelassene Mädchen, um das sich all ihre Gedanken und Sorgen drehen.

Und doch hören diese beiden freundlichen, guten Frauen einander nicht, verstehen sie nicht. Und Olgas Lebenscredo: „Hier! Wenn Sie von allen verlassen werden, kümmern Sie sich um andere, Fremde, und Wärme wird Ihr Herz erreichen, die Dankbarkeit eines anderen wird dem Leben einen Sinn geben. Hauptsache es wird einen ruhigen Yachthafen geben! Hier ist es! Das ist es, wonach wir bei Freunden suchen!“ - bricht mit den symbolischen Worten von Baba Anya zusammen: „Jeder ist seine eigene letzte Zuflucht.“

Es lohnt sich auch, darauf zu achten, wie sich die Wahrnehmung der Welt um sie herum durch die Heldin allmählich verändert. Diese Veränderung wird durch die Dynamik von Bildern von Zeit und Raum übertragen. Als Olga die Stadt in Richtung Dorf verlässt, scheint sie in der Zeit zurückgekehrt zu sein – dorthin, wo es „wie immer“ warm und gemütlich ist. Es ist jedoch kein Zufall, dass das wiederholte „wie immer“ durch das Wort „nie“ ersetzt wird: Die „ideale“ Vergangenheit wird zur absurden Gegenwart. Die von der Heldin vorgestellte Traumwelt verschwindet vor ihren Augen und sie entdeckt „völlige Trostlosigkeit“ um sich herum: „Der Raum sah verlassen aus. Auf dem Bett lag eine eingewickelte Matratze. Dem ordentlichen Babanya ist das nie passiert... Der Schrank stand weit offen, Glasscherben lagen auf dem Boden und ein zerknitterter Aluminiumtopf lag auf der Seite (in dem Babanya Brei kochte).“ Und der Leser beginnt zu vermuten, dass es hier nicht um den Wahnsinn einer der Heldinnen geht, sondern dass der gesamte absurde Ablauf der Handlung zum Verständnis der spezifischen Absicht des Autors führt. Eine Welt der Trostlosigkeit, des Verfalls, eine Welt, in der natürliche menschliche Verbindungen bröckeln und zerrissen werden und in der nur „jeder seine eigene letzte Zuflucht ist“ – das ist der wahre Schauplatz der Geschichte.

Die folgende Passage endet mit dem Absatz „Als sie am Bahnhof angekommen war, setzte sie sich auf die Eisbank. Es war furchtbar kalt, meine Beine waren steif und schmerzten, als wären sie zerquetscht worden. Der Zug kam lange nicht an. Olya legte sich zusammengerollt hin. Alle Züge rauschten vorbei, auf dem Bahnsteig befand sich kein einziger Mensch. Es ist schon völlig dunkel“ (vierte Station) – dies ist eine Geschichte darüber, wie Olya, die die ihrer Meinung nach kranke Frau nicht verlassen will, versucht, ihr wenigstens Wasser zu bringen und zum Brunnen geht. Dadurch werden die Grenzen der absurden Welt, in der sich die Heldin befindet, erweitert: Die Handlung findet nicht mehr nur im geschlossenen Raum des Hauses statt, sondern auch die Natur, die einen Menschen umgibt. In der Beschreibung der Natur wird der Kontrast zwischen „Ideal“ und „Realität“ noch deutlicher: Wenn sie zu Beginn der Geschichte für Olga „das Glück vergangener Jahre“ verkörperte, war es überall „hell“, „die Luft“. Es roch nach Rauch, nach einem Badehaus und nach neuem Wein aus einem abgefallenen Blatt.“

Und hier schließt sich der „Kreis“ von Zeit und Raum: Im Gegensatz zu dieser absurden, dunklen und unwirtlichen Welt erscheint im Kopf der Heldin die „reale“ Welt, die sie verlassen hat und die ihr fremd und feindlich vorkam: „... Sofort wollte ich nach Hause transportiert werden, zu der warmen, betrunkenen Seryozha, zu der lebhaften Nastya, die bereits aufgewacht ist, in Robe und Nachthemd liegt, fernsieht, Chips isst, Coca-Cola trinkt und ihre Freunde anruft. Seryozha wird nun zu seinem Schulfreund gehen. Dort werden sie etwas trinken. Sonntagsprogramm, lass es sein. In einem sauberen, warmen, gewöhnlichen Haus. Kein Problem". Dieser abschließende innere Monolog von Olga enthält einen der wichtigsten Gedanken der Geschichte: Schauen Sie sich um, suchen Sie Ihr Glück nicht in den himmelhohen Höhen, in der Vergangenheit und Zukunft, in der „anderen“, erfundenen Welt, sondern in der Lage Sehen Sie Wärme und Freundlichkeit - in der Nähe! Auf den ersten Blick eine einfache Wahrheit, aber wie oft vergessen nicht nur unsere Kinder, sondern auch wir Erwachsenen sie!

Und schließlich der letzte, letzte Teil der Geschichte, der alle Widersprüche der Handlung beseitigt und alles an seinen Platz bringt. „Und dann wachte Olya auf einer Art Bett auf.“ Der Leser erfährt aus den vagen Andeutungen, die in der Erzählung verstreut sind, was er vielleicht bereits zu erraten hat: „... und zwei Stunden später rannte sie bereits über den Bahnhofsplatz und wäre beinahe von einem Auto angefahren worden (das wäre gewesen). ein Vorfall, tot daliegend, obwohl die Lösung aller Probleme, der Weggang eines Menschen, den niemand braucht, jeder wäre frei, dachte Olya und war sogar für eine Sekunde sprachlos, verweilte bei diesem Gedanken) – und dann, wie von Zauberhand , sie stieg bereits an einem bekannten Landbahnhof aus dem Zug ...“; „Oma, kann ich bei dir sitzen? Die Beine tun weh. Aus irgendeinem Grund tun mir die Beine weh“; „Dann begann sich mein Kopf zu drehen, und alles um mich herum wurde klar, blendend weiß, aber meine Beine fühlten sich an, als wären sie mit Gusseisen gefüllt und wollten nicht gehorchen. Jemand über ihr murmelte deutlich und sehr schnell: „Schrei.“

Tatsächlich wurde die Heldin auf dem Weg zum Bahnhof tatsächlich von einem Auto angefahren, und die gesamte „Handlung“ der Geschichte schien ihr in einem Delirium zwischen Leben und Tod zu stecken. Die letzte Episode der Geschichte, wieder am Rande des Deliriums: „Und dann erschienen auf der anderen Seite des Glases die düsteren, erbärmlichen, tränenüberströmten Gesichter der Verwandten – Mutter, Seryozha und Nastya.“ Und die Heldin, die Schwierigkeiten hat, ins Leben zurückzukehren, versucht ihnen, denen, die sie lieben, zu sagen: „Weine nicht, ich bin hier.“

Damit ist das „Lesen mit Stopps“ der Geschichte „Where I Was“ abgeschlossen; während dieser gesamten Phase (die in der von uns gewählten Technologie „Verstehen“ genannt wird) fand nicht nur eine Bekanntschaft mit der Handlung statt, sondern auch Im Verlauf der Lektüre geht es zunächst darum, die Probleme zu verstehen und zu analysieren.

Jetzt kommt die wichtigste, dritte Stufe – Reflexion, Verständnis der tiefen Bedeutung der Geschichte. Jetzt müssen wir aus der Analyse Schlussfolgerungen ziehen und die wichtigste Frage beantworten: Was wollte uns der Autor mit der Konstruktion einer so ungewöhnlichen Handlung sagen? Warum genau hat sie diese Geschichte geschrieben? Tolstoi Sonntag Petrushevskaya

An dieser letzten Stelle lohnt es sich, noch einmal auf den Titel zurückzukommen, in dem diese Hauptfrage formuliert wird: „Wo war ich?“ Wo war die Heldin, wo ist sie gelandet, als sie eine so gewöhnliche Reise unternahm – raus aus der Stadt, zu einer netten alten Dame? Einerseits können wir eine völlig realistische Antwort geben: Sie besuchte tatsächlich „die nächste Welt“, starb fast unter einem Auto und wurde durch die Bemühungen von Ärzten wieder zum Leben erweckt. „Babanya“, die möglicherweise tatsächlich in diesen fünf Jahren starb und nun ein anderes Leben nach dem Tod zu verkörpern scheint, „akzeptierte“ Olga nicht und vertrieb sie aus ihrer neuen „Wohnung“. Eine solche Erklärung wird sich jedoch als zu banal und zu einfach erweisen und hat nichts mit der künstlerischen Bedeutung des Werkes zu tun. Die Versetzung der Heldin in eine „andere Welt“ ist ein besonderes literarisches Mittel, das sowohl die Handlung als auch die künstlerische Einzigartigkeit der Geschichte bestimmt.

Wie wir wissen, ist diese Technik alles andere als neu (erinnern wir uns zumindest an einige alte Mythen, Dantes „Göttliche Komödie“). Aber im künstlerischen System der Postmoderne (und die Geschichte von L. Petrushevskaya ist zweifellos ein Phänomen der Postmoderne) lebt er sozusagen ein neues Leben und spielt eine besondere, höchst geeignete Rolle: Er hilft dem Autor, ohne sich durch die „Konventionen“ des Realismus, die Grenzen von Zeit und Raum willkürlich zu verändern, Ihre Charaktere von der Gegenwart in die Vergangenheit und Zukunft, von der Realität in fantastische Umstände zu versetzen – das heißt, ein bestimmtes „Spiel“ mit dem Leser zu spielen und ihn zu zwingen um die Bedeutung der bizarren Schritte des Autors zu entschlüsseln.

L. Petrushevskaya selbst nutzte diese Technik als Grundlage für einen ganzen Zyklus ihrer Erzählungen, deren Genre sie als „Menippea“ bezeichnete (sie selbst definierte dieses Genre nicht ganz genau als literarische Reise in eine andere Welt). Darüber hinaus wird in der Geschichte „Drei Reisen“ (in den „Zusammenfassungen zum Bericht“, die die Heldin der Geschichte – laut Handlung – auf der Konferenz „Fantasie und Realität“ unternehmen muss) dem Leser „geholfen“, Sie selbst erklärt den Zweck und das Wesen der Absicht dieses Autors.

„Ich darf hier über einen Aspekt der Menippea sprechen, über das Problem des Übergangs von der Fantasie zur Realität ... Es gibt viele solcher Übergänge von dieser Welt in die nächste – das sind Reisen, Träumen, Springen, Übersteigen Wände, Abstiege und Aufstiege... Das ist so ein Spiel mit dem Leser. Die Erzählung ist ein Mysterium. Wer es nicht versteht, ist nicht unser Leser... Als ich gerade angefangen habe, meine Geschichten zu schreiben, habe ich beschlossen, den Leser nie in irgendeiner Weise anzulocken, sondern ihn nur abzustoßen. Machen Sie es ihm nicht leichter zu lesen! Ich werde das Unwirkliche in einem Haufen von Fragmenten der Realität verstecken“ (unsere Kursivschrift. - S.K.).

Wie funktioniert diese Technik des „Übergangs von der Fantasie zur Realität“ in der Geschichte „Where I Was“? Warum brauchte der Autor es und was ist seine künstlerische Bedeutung?

Die Kollision zweier Welten – real und fiktiv, irdisch und jenseitig – ermöglicht es, eine typische Alltagssituation zu verschärfen, als ob die im Alltag verborgenen Widersprüche offengelegt würden. Die „tote“ Frau Anya ist nicht an irdische Konventionen gebunden und nennt den Spaten offen beim Spaten, sie ist es, die die Schlüsselwörter der Geschichte ausspricht: „Jeder ist seine eigene letzte Zuflucht“, in ihren Ausführungen wird dieses Motiv von Einsamkeit, allgemeines Missverständnis, unter dem auch die lebende, echte Olga leidet. Dort, in der „anderen Welt“, wird Olga selbst die bittere Wahrheit offenbart. Gleichzeitig begreift Olga in dieser absurden Welt, an der Schwelle zur „letzten Zuflucht“, den Wert des Lebens selbst als solches mit all seinen Absurditäten und Beleidigungen, das Leben „in einem sauberen, warmen gewöhnlichen Haus“. neben ihrer Familie.

"Wo ich war?" - Die Heldin stellt eine Frage. Es scheint, dass eine Analyse der Geschichte uns die Antwort erlaubt: Sie (und wir mit ihr) befanden sich in einer Welt der nackten, manchmal grausamen Wahrheit, in einer Welt, in der die Schleier von Dingen und Worten entfernt wurden, wo sich die Absurdität verbirgt In der Realität sind wahres Gut und Böse, Wahrheit und menschliche Lügen klar unterscheidbare Beziehungen.

Das vom Autor gewählte künstlerische Mittel der Kollision zweier Welten verstärkt die emotionale Wirkung der Geschichte: Die Absurdität und Unvorhersehbarkeit der Handlung hält den Leser in ständiger Spannung, schärft seine Wahrnehmung und hilft, die Absicht des Autors besser zu verstehen.

Bei der Analyse von Petrushevskayas Geschichten ist es unserer Meinung nach sehr wichtig, ihr Werk mit einigen Traditionen russischer Klassiker in Verbindung zu bringen, die sie nicht nur fortführt, sondern auch zerstört und in Frage stellt. Wenn wir also ihre Heldin von der Stadt ins Dorf schicken, zu einer „natürlichen“, „natürlichen“ Person – Baba Anya, L. Petrushevskaya, erinnern wir uns zweifellos an einige moderne Autoren der sogenannten Dorfprosa. Auf jeden Fall ist das Bild einer einsamen, von ihrer eigenen Tochter vergessenen Dorffrau, die sogar vom Todesmotiv begleitet wird, eindeutig mit Anna aus „The Last Term“ von V. Rasputin verbunden. Die ironische L. Petrushevskaya vergisst jedoch nicht zu erklären, dass Baba Anya in Wirklichkeit keineswegs eine sündlose „Dorffrau“ ist, die die stillen Freuden des Landlebens verkörpert, sondern „eine Getreidespezialistin, sie arbeitete in einem Forschungsinstitut, ” und sie verließ die Stadt, kam mit ihrer eigenen Tochter einfach nicht zurecht und hinterließ ihr eine Stadtwohnung („tatsächlich war es ein „Bürgerkrieg“ mit Verwüstung für beide Seiten“). Und die dörfliche Idylle selbst brachte, wie wir gesehen haben, der Heldin nicht den gewünschten Trost, sondern verwandelte sich in einen Albtraum und eine Absurdität.

In ihrem kreativen Stil steht Petrushevskaya vielleicht der Tradition von A.P. am nächsten. Tschechow, dessen Helden dieselben „kleinen“, gewöhnlichen Menschen sind, die in ihrer Einsamkeit unglücklich sind und die Harmonie des Daseins suchen und nicht finden. Mit Tschechow ist sie auch durch die dialogische Grundlage der Erzählung und die Lakonizität der Rede des Autors verbunden. Wenn Tschechow jedoch betont realistisch ist und die Bewegung des Lebens zu sehen weiß, in der „die Menschen zu Mittag essen, nur zu Mittag essen“, dann entlarvt die moderne Schriftstellerin bewusst die Absurdität des Alltags und platziert ihre Helden in außergewöhnlichen, keineswegs alltäglichen Situationen Umstände und bietet dem Leser des 20. und nun des 21. Jahrhunderts neue künstlerische Formen und Lösungen.

Lyudmila Stefanovna Petrushevskaya wurde am 26. Mai 1938 in Moskau in eine junge Studentenfamilie geboren. Stefan Petruszewski wurde Doktor der Philosophie, seine Frau arbeitete als Redakteurin. Während des Krieges verbrachte Lyudmila einige Zeit in einem Waisenhaus in Ufa und wurde später von ihrem Großvater großgezogen.
1941 wurden Ljudmila und ihre Großeltern dringend von Moskau nach Kuibyschew evakuiert; die Familie nahm nur vier Bücher mit, darunter Gedichte von Majakowski und ein Geschichtsbuch der Allunionskommunistischen Partei.

Als der Krieg endete, kehrte Ljudmila nach Moskau zurück und besuchte die Moskauer Staatliche Universität, die nach M. W. Lomonossow benannt wurde, um Journalismus zu studieren. Nach ihrem Abschluss bekam das Mädchen einen Job als Korrespondentin bei einem der Moskauer Verlage und dann einen Job beim All-Union Radio, wo sie die Sendung „Last News“ moderierte.
Im Alter von 34 Jahren übernahm Petrushevskaya die Position der Redakteurin beim Zentralfernsehen des Staatsfernsehens und Radios der UdSSR, wo sie Rezensionen zu seriösen wirtschaftlichen und politischen Programmen wie „Schritte des Fünfjahresplans“ schrieb. Doch bald wurden Beschwerden gegen Petrushevskaya geschrieben, ein Jahr später kündigte das Mädchen und versuchte nicht mehr, einen Job zu finden.

Noch während ihres Studiums an der Journalistenabteilung der Moskauer Staatsuniversität schrieb Petrushevskaya komische Gedichte und Drehbücher für studentische Kreativabende, dachte aber damals nicht an eine Karriere als Schriftstellerin.

Aber Petrushevskayas Arbeit wurde von kleinen Theatern geschätzt. 1979 inszenierte Roman Grigoryevich Viktyuk das 1973 geschriebene Stück „Musikunterricht“ auf der Bühne des Kulturzentrums Moskworetschje. Nach der Premiere lobte der Regisseur Anatoli Wassiljewitsch Efros das Werk, stellte jedoch fest, dass dieses Stück die sowjetische Zensur niemals passieren würde, so radikal und wahrheitsgetreu waren die Gedanken von Petrushevskaya, in denen sie die Qual der UdSSR vorhersah.
Später wurde in Lemberg in einem von Studenten des Lemberger Polytechnischen Instituts gegründeten Theater das Stück „Cinzano“ aufgeführt. Petrushevskayas Werke erschienen erst in den 1980er Jahren auf der professionellen Bühne: Zuerst inszenierte das Moskauer Dramatheater von Yuri Lyubimov „Taganka“ das Stück „Love“ und wenig später spielten sie „Colombinas Apartment“ im Sovremennik.
Petrushevskaya selbst schrieb weiterhin Geschichten, Theaterstücke und Gedichte, die jedoch immer noch nicht veröffentlicht wurden, da sie Aspekte des Lebens der Menschen in der Sowjetunion widerspiegelten, die für die Regierung des Landes unerwünscht waren.

Die Prosawerke von Ljudmila Stefanowna wurden zu einer logischen Fortsetzung des Dramas. Das gesamte Werk der Autorin fügt sich zu einer einzigen Lebensbiografie aus der Sicht einer Frau zusammen. Auf den Seiten können Sie sehen, wie aus einem jungen Mädchen eine reife Frau und dann eine kultivierte Dame wird.
1987 erschien Lyudmila Petrushevskayas Sammlung „Unsterbliche Liebe“, für die die Schriftstellerin vier Jahre später in Deutschland den Puschkin-Preis erhielt.
In den 1990er Jahren begann der Schriftsteller, Märchen für verschiedene Altersgruppen zu schreiben. Später wurden auf der Grundlage vieler davon Cartoons erstellt. Petrushevskaya schrieb auch in den 2000er Jahren weiter.

Jetzt wurden ihre Werke in aller Stille veröffentlicht und die Fans erfreuten sich an der Arbeit ihres Lieblingsautors.
Märchen sind das Lieblingsgenre des Autors. Ein echtes Märchen kann lustig, lustig oder traurig sein, aber auf jeden Fall mit einem guten Ende. Damit sich jeder, der es liest, glücklicher und freundlicher fühlt.
„Echte Märchen“ von Petrushevskaya handeln vom Glück, das im Alltag manchmal so fehlt. Und das bedeutet, dass jeder sie lesen kann: sowohl die Kleinsten als auch die bereits weisen Erwachsenen. Darüber hinaus sind alle Helden dieser Märchen Prinzessinnen und Zauberer, Rentner und Fernseharbeiter sowie Barbie-Puppen, unsere Nachbarn und Zeitgenossen.
Die Rolle des mythologischen Kontexts in den Märchen von L. S. Petrushevskaya besteht darin, alte moralische Gesetze und Verhaltensregeln in einer schwierigen Situation zu bewahren und den Weg zu Licht und Güte aufzuzeigen.
2007 wurde in St. Petersburg die Sammlung „Moscow Choir“ veröffentlicht, die Stücke wie „Raw Leg, or Meeting of Friends“, „Beefem“ und andere enthielt. Ein Jahr später fand die Premiere einer Zeichentrickserie für Kinder statt, deren Hauptfigur das Schwein Petja war.
Parallel zu ihrer literarischen Arbeit gründete Lyudmila Stefanovna das „Manual Labour Studio“, in dem sie selbst als Animatorin arbeitet. Aus der Feder von Petrushevskaya stammen „Gespräche von K. Ivanov“, „Ulysses: Wir gingen und kamen an“ und andere Werke.

Fragensystem zum Märchen von L.S. Petrushevskaya „Meister“

1. Welchen Eindruck hat das Märchen auf Sie gemacht?

Wie viele literarische Märchen ist „Der Meister“ ein didaktisches Werk; nach der Lektüre lässt es den Leser über die Motive des Handelns der Figuren und die Konsequenzen dieses Handelns nachdenken. „Der Meister“ lässt Sie darüber nachdenken, wie wichtig die Wahrheit ist, wie wichtig das Innere ist, im Gegensatz zu äußerer Schönheit und eingebildetem Wohlbefinden.

2. Wie verändert sich der Eindruck des Malers im Laufe der Geschichte?

Zuerst lernen wir einen Charakter kennen, der einst als freundlich beschrieben wurde, jetzt aber streng, still und unkommunikativ ist. Dann erfahren wir aus der Erzählung und den Worten des Malers selbst, dass er ein unübertroffener Meister seines Fachs ist und seine Arbeit besser macht als jeder andere. Allerdings nimmt er als Mensch die Welt um sich herum einseitig wahr und hält sich an den Grundsatz der Nichteinmischung und ist bereit, Anstrengungen nur in einem für ihn zugänglichen und angenehmen Bereich zu unternehmen. Am Ende der Geschichte sehen wir, dass er nicht nur blind seine Arbeit ausführen, sondern auch Opfer bringen kann – um seine Tochter zu retten und das wahre Aussehen der Stadt und des reichen Mannes zu offenbaren, zerstört er sie Früchte langer und harter Arbeit.

3. Warum verhielt sich der Maler von Anfang an distanziert und interessierte sich für nichts anderes als sein eigenes Geschäft?

Denn dann ging es bei der Arbeit eines Malers nicht um Dinge, die ihm wirklich wichtig waren, sondern nur darum, Geld zu verdienen.

4. Warum wurde der Maler Ihrer Meinung nach streng, düster und unkommunikativ?

Da wir das Ende des Märchens kennen und wissen, dass sich die Geschichte über die Rettung der Spinne als wahr herausstellte, können wir davon ausgehen, dass der Maler gerade deshalb so wurde, weil er wusste, dass die Stadt zwar verrottet und verfallen war, aber neu und schön aussah , gehört demselben falschen, dekorierten reichen Mann.

5. Welches der Malerprinzipien finden Sie am interessantesten und gerechtesten?

„Ich arbeite ehrlich an meiner Stelle. Wenn jeder ehrlich arbeitet, jeder an seinem Platz, wie ich es tue, dann wird es nichts Schlimmes mehr auf der Welt geben.“ Es ist die Sichtweise dieses Malers auf die Arbeit, die ich für richtig und fair halte, denn aus der persönlichen Verantwortung jedes Einzelnen für seine Arbeit und einer qualitativ hochwertigen Herangehensweise an diese Angelegenheit entsteht Ordnung.

6. Neben den drei Hauptfiguren – dem Maler, dem reichen Mann und der Tochter des Malers – gibt es in dem Werk noch eine vierte, nicht minder wichtige Person. Welche Seite vertreten Ihrer Meinung nach die Menschen? Positiv oder negativ?

Alle Taten des reichen Mannes und des Malers sorgen für Diskussionen und Klatsch unter den Menschen. „Es stimmt, die Leute sagten, dass dieser Maler ein freundlicher Mensch war und sogar einmal eine Spinne gerettet hat, die in einem Eimer Farbe ertrank.“ „Dumme Arbeit“, sagten die Bewohner zueinander, „die Blätter würden unter einer Schicht Farbe ersticken.“ malen und trocknen“, „Und die Stadtbewohner weinten weiter: „Wie schade, dass unsere schöne, bunte Stadt jetzt monochrom wird.“ Der Maler wird wahrscheinlich alle Vögel und alle streunenden Hunde malen. Und unsere Fliegen werden alle golden sein ...“ Gleichzeitig werden die Menschen nichts unternehmen. Obwohl keiner der Bewohner wusste, dass „...der Maler seine Tochter ruinieren wird“ und weinte, trat er für sie ein. Die Menschen in der Arbeit sind unpersönlich, sie nehmen nicht am Leben des anderen teil, aber sie sind keineswegs gleichgültig, was es ermöglicht, sie sowohl als positive als auch als negative Charaktere zu klassifizieren.

7. Das Märchen heißt „Der Meister“, nicht „Der Maler“. Warum?

Dies ist nicht nur ein Ausdruck dafür, dass der Maler sein Handwerk gut versteht. Ein Meister ist hier ein Mensch, der sich ganz seiner Arbeit verschrieben hat und darin das höchste Niveau erreicht hat. Dabei ist der namenlose Maler nicht unpersönlich wie das Volk, denn es gibt nie zu viele Meister seines Fachs. Er ist einzigartig und sein Bild lässt sich sogar mit einem Wort beschreiben: „Meister“. Wie in Bulgakovs Roman „Der Meister und Margarita“ kennen wir den Namen der Hauptfigur nicht, aber schon durch den Respekt vor dem Autor und anderen Helden des Werkes, der in diesem Namen „Meister“ enthalten ist, können wir verstehen, dass dies der Fall ist Kein gewöhnlicher Mensch, sondern ein einzigartiger Mensch, der es geschafft hat, das zu beherrschen, was man liebt.

8. Mit welchem ​​Sprichwort oder Sprichwort verbinden Sie dieses Märchen? Wie bestätigt der Text des Werkes die Bedeutung dieses Sprichworts?

1) „Es ist nicht alles Gold, was glänzt.“ „Äußerlich schön, aber innen dreckig.“ „Der Look ist großartig, aber es stinkt.“ Das eingangs erwähnte Gerücht über die Rettung der Spinne erweist sich am Ende als wahr – unter dem Deckmantel eines reichen Mannes sehen wir dieselbe Spinne, allerdings mit Farbe bedeckt. Dank der Bemühungen des Malers sah die ganze Stadt neu und schön aus, obwohl sie tatsächlich heruntergekommen und heruntergekommen war. Hinter dem Deckmantel äußerer Schönheit verbarg sich eine unansehnliche Realität.
2) „Mein Haus liegt am Rande – ich weiß nichts“, weil dem Maler allgemeine Interessen gleichgültig sind – er streut den Bewohnern der Stadt Staub in die Augen, malt die Altstadt in leuchtenden Farben, das tut er Es ist mir egal, dass die Stadt einem reichen Mann gehört und er sie verkaufen wird. Für ihn ist dies nur ein Job, er betrachtet seine Handlungen nicht als Hilfe für den schurkischen reichen Mann, er tut einfach das, was er zu tun weiß.

Komposition

Im Zyklus „Lieder der Ostslawen“ gibt es eine Abneigung gegen Puschkins „Lieder der Westslawen“. Aber das Gespräch sollte sich hier offenbar nicht so sehr um Einfluss und thematische Überschneidungen drehen, obwohl dies auch geschieht, sondern um den polemischen und sogar parodistischen Charakter des Titels und der Genredefinition bei Petrushevskaya im Vergleich zu Puschkins. Hier konzentriert sich der Kern der Position des Autors.

Sowohl bei Puschkin als auch bei Petruschewskaja haben wir es in diesem Fall mit literarischen Falschmeldungen zu tun, deren Ziel darin besteht, Werke zu schaffen, in denen, mit den Worten von G. P. Makogonenko, „die Menschen frei über sich selbst sprechen würden“. Hierzu wird das „fremde“ Wort des Erzählers verwendet. Der Schwindel besteht in der Tat darin, die Zuverlässigkeit der Quellen anzugeben (Puschkin hat angeblich eine Übersetzung, tatsächlich aber eine freie Bearbeitung illyrischer Lieder aus P. Merimees Sammlung „Guzla“, die selbst ein Scherz ist; Petrushevskaya hat „Fälle“ gehört “) sowie Geschichtenerzähler (Puschkin hat Guzlar-Sänger, die Biographie eines von ihnen ist in einem Zyklus wiedergegeben, Petrushevskaya hat eine namenlose Frau aus dem Volk). Hier und hier wird dem Leser eine Nachahmung der Folklore präsentiert, die jedoch verschiedenen Epochen angehört: bei Puschkin – zur Zeit des patriarchalischen Clansystems, bei Petrushevskaya – bis heute, Folklore der Slawen – bei Puschkin - Westlich, oder besser gesagt südwestlich, in Petrushevskaya – östlich. Anhand von Werken dieser Art kann man beurteilen, was an der Weltanschauung der Menschen, ihrer Ethik und Ästhetik die Aufmerksamkeit des Künstlers auf sich zieht.

Folklorelieder haben immer deutlich ein heroisches Thema gehört, das mit dem Kampf des Volkes gegen ausländische Eroberer verbunden ist. Es erscheint auch in den Zyklen der berühmtesten literarischen Nachahmungen: in „The Poems of Ossian“ von J. Macpherson, in „Guzla“ von P. Merime, in „Songs of the Western Slavs“ von A. S. Puschkin. Im Zyklus „Lieder...“ von Petrushevskaya fehlt dieses Thema völlig. Obwohl sich viele der „Vorfälle“ während des Großen Vaterländischen Krieges ereignen, konzentriert sich die Aufmerksamkeit des Erzählers ausschließlich auf das Alltagsleben. Ansonsten haben die Themen der Zyklen Gemeinsamkeiten. Sie sprechen über das Unverständliche, Geheimnisvolle, Mystische, das die Fantasie des einfachen Mannes anregt. Die Erzählungen der Erzähler sind von der Sehnsucht nach Gerechtigkeit und Vergeltung gegen böse Mächte durchdrungen. Allerdings ist die naive pantheistische Volksauffassung über die Natur der Beziehung zwischen Lebenden und Toten in Puschkins Interpretation von der für seine Poesie charakteristischen hellen Traurigkeit durchdrungen, während man im Petrushevskaya-Zyklus den eschatologischen Schrecken des modernen Menschen, unseres Landsmanns, spüren kann. als würde sein Unterbewusstsein reproduziert – das Ergebnis der „Psychopathologie des Alltags“ (S. Freud). Der Titel sowie die Genredefinition vermitteln die bittere Ironie des Autors. Wie kann man sich nicht an den Ausruf von Nekrasov erinnern, der den traurigen Gesang der Lastkahntransporter hörte: „Wir nennen dieses Stöhnen ein Lied!“ Es stellt sich heraus, dass es sich bei den Gruselgeschichten um Lieder der Ostslawen handelt, nämlich der russischen, sowjetischen Slawen, wie K. F. Ryleev sagen würde, „wiedergeboren“.

Die vom Autor gegebenen verallgemeinernden Genredefinitionen der Geschichten (Chroniken, Märchen, Requiems, Begebenheiten, Lieder), die mit den üblichen Vorstellungen über das Genre aufbrechen, ermöglichen es uns, den Blickwinkel des Lesers auf die Realität ständig neu zu ordnen und neues künstlerisches Denken zu kultivieren. Petrushevskayas Prosa setzt ihre Dramaturgie weitgehend fort, sowohl thematisch als auch hinsichtlich des Einsatzes künstlerischer Techniken. Die Werke der Autorin stellen eine Art Enzyklopädie des Frauenlebens von der Jugend bis ins hohe Alter dar. So wird dem Leser in den Zyklen „Geschichten“ und „Monologe“ eine ganze Reihe unscheinbarer Mädchen mit ihren einfachen Höhen und Tiefen präsentiert („Die Abenteuer der Vera“, „Die Geschichte der Clarissa“, „Die Mauer“, „Netze und Fallen“, „Jugend“) . Für Heldinnen ist es auf rein weibliche Weise wichtig, sich niederzulassen, im Leben Fuß zu fassen und darin zu überleben. Petrushevskaya ist völlig frei von den üblichen Klischees der Sozialanalyse, die für die 1960er und 1970er Jahre charakteristisch sind, als diese Geschichten entstanden. Es ist nicht der Wunsch, den Produktionsplan zu überschreiten, ein schwächelndes Team zu einem Wettbewerb herauszufordern und dergleichen, was die Heldinnen des Autors anzieht. Sie untersucht oft das Phänomen der weiblichen Lügen, in denen sie einen Widerstand gegen die Grausamkeit des Lebens in der „vorverheirateten“ oder sogar in der „unverheirateten“ Lebensphase einer Frau sieht.

Daher ist der Autor in Bezug auf die Heldinnen seiner Geschichten „Die Geige“, „Schwache Knochen“, „Das Aussichtsdeck“ im Gegensatz zum Erzähler (und ihre Positionen sind alles andere als gleich, wie es zunächst oberflächlich erscheinen mag). Der Ankläger nimmt keine drohende Pose ein und glaubt, dass „eine Lüge eine heilige Sache ist, wenn ein wehrloser Mensch auf der Flucht vor den Mächtigen lügt.“ „Ich mag es, wenn ein Mensch über sich selbst lügt, ich gehe ihm gerne entgegen, ich begrüße es und akzeptiere es als die reine Wahrheit, weil es so sein kann.“ An meiner Einstellung gegenüber dieser Person ändert sich dadurch in keiner Weise. Es ist viel einfacher und schöner, einen Menschen so zu akzeptieren, wie er sich präsentieren möchte“, bestätigt die Heldin der Geschichte „Worte“ das Credo des Autors.

Wenn man Petruschewskaja heute liest, wundert man sich nicht, warum viele ihrer Geschichten lange Zeit auf dem Tisch liegen mussten: Schließlich schrieb sie über das, worüber man normalerweise nicht redete. Die Entstehung der Psychologie einer Prostituierten, die Haltung einer betrunkenen alleinerziehenden Mutter („Ksenias Tochter“, „Land“) erregten die Aufmerksamkeit des Schriftstellers lange vor dem Boom journalistischer Veröffentlichungen zu ähnlichen Themen. Als man dann glaubte, dass unsere Literatur das Thema des „kleinen Mannes“ nicht in dem Sinne enthalten könne, wie es im letzten Jahrhundert verstanden wurde, zeigte Petrushevskaya eine solche Person. Eine ältere Frau stirbt in einem Krankenhaus – einsam und unerwünscht, sie stirbt „in einem verrottenden Durcheinander in einem zugigen Flur“. Diese hoffnungslose, tragische Geschichte trägt den Titel „Who Will Answer“. Wer wird für die unschuldigen, machtlosen Tränen von Vera Petrovna verantwortlich sein? Wer ist schuld? Vera Petrowna „war an nichts schuld.“ Sie ist nicht schuldig, wie wir alle“, stellt der Autor unmissverständlich fest und zwingt den Leser stillschweigend dazu, an der gedankenlos-heiteren Formel zu zweifeln, dass angeblich der Mensch selbst und nur er selbst der Architekt seines eigenen Glücks sei.

Eine bemerkenswerte Figur unter den anderen weiblichen Charakteren von Petrushevskaya ist eine Frau-Mutter. Mutterschaft ist eine wie in der Dunkelheit stattfindende Suche nach unsichtbaren, aber erwünschten Verbindungen zu einem geliebten Menschen („Der Fall der Jungfrau Maria“) und oft ungeeignete Erziehungsversuche im Namen des fälschlicherweise verstandenen Glücks des eigenen Kindes (der „Fall der Jungfrau Maria“) Erzählung „The Mystic“ aus der Reihe „Requiems“, 1990) und stets der Versuch, das eigene Kind zu retten („Hygiene“ aus dem Zyklus „They're Good Themselves“, 1990; „Revenge“ aus „Songs of the Eastern“. Slawen“, 1991). „Wenn es um sich selbst geht, ist eine Frau schwach und unentschlossen, aber wenn es um Kinder geht, ist sie ein Biest“, schreibt die Heldin der Geschichte „Zeit ist Nacht“ in ihr Tagebuch. Manchmal ist das sogar eine Leistung, die an Selbstaufopferung grenzt, wie zum Beispiel in der Geschichte „Your Circle“ mit wahrlich schockierender Wirkung. Die Menschen sind so auf sich selbst konzentriert, dass sie ihren Nachbarn nicht sehen oder hören, und um sie aus dieser Taubheit zu erwecken, schlägt die Mutter ihren eigenen unschuldigen Sohn, bis er blutet, damit sie, einschließlich des Vaters des Jungen, empört sind und Lassen Sie das Kind nicht im Waisenhaus sterben, denn es weiß selbst, dass es bald sterben wird.

Der Kritiker V. Kamyanov sah eine direkte Abhängigkeit der Geistesbildung unserer Mitbürger von der „Praxis logischer Tricks und Spekulationen“, von den vernichtenden Übungen „in leerer, aber vorgeschriebener Sophistik“, die der Totalitarismus auferlegte. „Und hat L. Petrushevskaya nicht darüber gesprochen“, schreibt die Kritikerin, „wie der weibliche Geist ihrer Heldin zu einem perversen Geist wurde, der lernte, Argumente an Argumente zu reihen, als würde er Stacheldraht abwickeln, um ihn zu umschlingen und die Natur zu unterdrücken.“ ?“ Ja, leider haben wir uns an die Absurdität des Lebens in unserer Gesellschaft gewöhnt und sind damit einverstanden, bis gnadenlose Explosionen, ähnlich denen von L. Petrushevskaya in ihrer Prosa, unsere Aufmerksamkeit nicht auf diese Absurdität lenken.

Ich treffe zum ersten Mal das Werk der russischen Dramatikerin, Drehbuchautorin, Schriftstellerin und Dichterin Ljudmila Stefanowna Petruschewskaja. Obwohl wir uns alle an die Cartoons „Peter Pig“, „Tale of Tales“ und „Puskibatye“ erinnern, die nach ihren Drehbüchern und Büchern erstellt wurden. Petrushevskaya hat auch eine große Anzahl von Theaterstücken, Geschichten, Romanen und Erzählungen. Es war ihre Geschichte „Der Meister“, die ich kennenlernte. Dies ist ein Märchen über einen Maler, der seine Arbeit ehrlich gemacht hat – gemalt und distanziert Er befreite sich von weltlichen Sorgen, Täuschungen und listigen Plänen, bis sie seine eigene Tochter berührten. „Der Meister“ ist in einer einfachen Sprache für Kinder geschrieben und wirft tatsächlich wichtige Themen wie Gleichgültigkeit, Lügen und Grausamkeit auf. Es ist notwendig, über dieses Werk, seinen ideologischen Inhalt und sein Charaktersystem nachzudenken, um zu verstehen, ob es sich um ein Kindermärchen handelt..

„The Master“ erzählt die Geschichte eines reichen und berühmten Malers, eines großen Meisters seines Fachs. Er malte seine heruntergekommene Stadt in leuchtenden Farben, um ihr ein lebendiges und neues Aussehen zu verleihen. Jeden Morgen besucht er den reichen Mann, und in der Stadt verbreitet sich das Gerücht, dass er ihn rosa anmalt.Um die Stadt zu verkaufen, befiehlt der reiche MannMaler, der zuerst die Bäume und dann seine eigene Tochter mit Goldfarbe bemalte.

Figur Die Hauptfigur, der Meister, ist nicht eindeutig. Gemeinsame Interessen sind ihm gleichgültig – er streut den Bewohnern der Stadt Staub in die Augen, malt die Altstadt in leuchtenden Farben, er ist alles gleicht, dass die Stadt einem reichen Mann gehört unddass er es verkaufen wird. Für ihn ist dies nur ein Job, er betrachtet seine Handlungen nicht als Hilfe für den schurkischen reichen Mann, er tut einfach das, was er zu tun weiß.Trotz der Tatsache, dassDer Meister führt alle Befehle des reichen Mannes aus und malt ihn sogar selbst und täuscht damit die Bewohner; er tut dies nicht aus Wut, Gier und Feigheit, sondern aus Borniertheit und Begrenztheit. Er liebt einfach seine Arbeit.Als ihm jedoch klar wird, dass die Täuschung zu weit gegangen ist und bereits Auswirkungen auf seine Familie hat, wäscht er die Farbe von der heruntergekommenen Stadt und dem betrügerischen reichen Mann. Die Philosophie des Malers „Mein Haus steht am Rande, ich weiß nichts“ ermöglicht es dem reichen Mann, den Meister zu benutzen.

Die reiche Spinne ist ein metaphorisches Bild von Macht im Allgemeinen. Er ist ein hundertprozentiger Bösewicht, der die Menschen und den Käufer täuscht –Kannibale Sobald die Spinne dank des gütigen Herzens des Malers außerhalb der Erzählung der Geschichte gerettet wurde, wird sie dieses Mal nicht mehr gerettet, und die Stadt wird die Grausamen und Betrügerischen los Eigentümer.

Auch die Menschen sind eine sehr wichtige Figur in der Geschichte. Alle Taten des reichen Mannes und des Malers sorgen für Diskussionen und Klatsch unter den Menschen. „Es stimmt, die Leute sagten, dass dieser Maler ein freundlicher Mensch war und sogar einmal eine Spinne gerettet hat, die in einem Eimer Farbe ertrank.“ „Dumme Arbeit“, sagten die Bewohner zueinander, „die Blätter würden unter einer Schicht Farbe ersticken.“ malen und austrocknen“, „Und die Stadtbewohner weinten weiter: „Wie schade, dass unsere schöne, bunte Stadt jetzt monochrom wird.“ Der Maler wird wahrscheinlich alle Vögel und alle streunenden Hunde malen. Und unsere Fliegen werden alle golden sein ...“ Gleichzeitig werden die Menschen nichts unternehmen. Obwohl keiner der Bewohner wusste, dass „...der Maler seine Tochter ruinieren wird“ und weinte, trat er für sie ein. Die Menschen in der Arbeit sind unpersönlich, sie nehmen nicht am Leben des anderen teil, aber sie sind keineswegs gleichgültig.

Jedem aufmerksamen Leser wird auffallen, dass die Charaktere in dieser Geschichte keine Namen haben. Ein reicher Mann ist ein reicher Mann, der Name der Tochter des Malers ist uns unbekannt, aber der Maler selbst ist ein Meister. Dies ist nicht nur ein Ausdruck dafür, dass er sein Geschäft gut kennt. Ein Meister ist hier ein Mensch, der sich ganz seiner Arbeit verschrieben hat und darin das höchste Niveau erreicht hat. Dabei ist der namenlose Maler nicht unpersönlich wie das Volk, denn es gibt nie zu viele Meister seines Fachs. Er ist einzigartig und sein Bild lässt sich sogar mit einem Wort beschreiben: „Meister“. Wie in Bulgakovs Roman „Der Meister und Margarita“ kennen wir den Namen der Hauptfigur nicht, aber schon durch den Respekt vor dem Autor und anderen Helden des Werkes, der in diesem Namen „Meister“ enthalten ist, können wir verstehen, dass dies der Fall ist kein gewöhnlicher Mensch, sondern ein einzigartiger Mensch, der in seinem vom Schicksal verliehenen Lieblingswerk die Meisterschaft erlangt hat.

Der Zeitpunkt des Schreibens spielt eine wichtige Rolle für den Inhalt jeder Arbeit.Die Geschichte „Der Meister“ wurde 1996 von Petrushevskaya geschrieben, in einer für unser Land schwierigen Zeit der Perestroika. Und die Helden darin sind wie echte Menschen dieser Zeit, mit ihren Bedürfnissen und Handlungen.Die reiche Spinne ist den Menschen gegenüber gleichgültig und aus Profitgründen ist sie bereit, die Stadt zusammen mit den Menschen an einen Kannibalen zu verkaufen. Der Hauptfigur ist alles gleichgültig, was passiert, es sei denn, es betrifft ihn und seine Familie, wie wahrscheinlich jeder Mensch, der sich in schwierigen Zeiten um sich und seine Lieben kümmert. Der Meister ist ein Mann seiner Zeit, auch weil seine Geduld nicht grenzenlos ist und, wenn sie platzt, alles wegfegt, was ihr in den Weg kommt.

Ich fand die Geschichte sehr berührend und überraschend. Er sorgt dafür, dass man sich in alle Charaktere hineinversetzen kann. Die einfache Sprache der Erzählung zieht an und erzeugt das Gefühl einer freundlichen, freundlichen Geschichte, und der semantische Inhalt bietet die Grundlage für lange Gedanken. Wie sich herausstellte, handelt es sich hierbei überhaupt nicht um ein Märchen, sondern um ein sehr erwachsenes philosophisches Werk, und viele der Fragen, die in „Der Meister“ aufgeworfen werden, können von Kindern nicht durchdacht werden. Trotz der Form eines leichten und lehrreichen Märchens, das in einer verständlichen Sprache erzählt wird, ist Petrushevskayas Werk tiefgründig und komplex.

Unabhängig von Alter und Weltanschauung müssen Sie die Geschichte „Der Meister“ lesen, um zu sehen, wie zweideutig die Figur manchmal sein kann und wie Sie selbst auf drei Seiten mehrere überraschende Wendungen und mehrere Hauptgedanken unterbringen können.

Merkmale der Geschichten von L. Petruschewskaja

Die Geschichten von L. Petrushevskaya können nicht eindeutig definiert werden. Sie heißen unterschiedlich: neu, modern, unkindlich, absurd, „Anti-Märchen“. Der künstlerische Wert dieser Märchen in der Kritik wird dagegen bestimmt: von der Anerkennung ihres Wertes bis zur Verleugnung desselben. So sagt beispielsweise N. L. Leiderman bei der Beurteilung der „Horrorgeschichten“ („Lieder der Ostslawen“) und der Märchen von Petrushevskaya, dass „alle diese Formen im Wesentlichen ... die Dimension des Mythos sublimieren.“ Sie (Petrushevskaya) verbindet Charakter nicht mit sozialen Umständen, sondern mit einer älteren, abstrakten und streng metaphysischen Kategorie – mit dem Schicksal. Ihr Mann ist seinem Schicksal völlig gewachsen, das wiederum eine Facette des Universellen enthält – und zwar nicht des historischen, sondern gerade des ewigen, ursprünglichen Schicksals der Menschheit“ (1). M. P. Shustov betont, dass Petrushevskaya die Gesetze des literarischen Märchens ignoriert und „dies zur Zerstörung des traditionellen Genres führt, insbesondere wenn der Autor ungeduldig ist, Magie ohne Grenzen zu zeigen“ (2).

Die Dekonstruktion der Märchenwelt bedeutet jedoch keineswegs die Zerstörung des Genres, sondern dient bestimmten Zwecken in neuen Lebensbedingungen. Für Petrushevskaya ist dies vor allem ein parodistisch-satirisches Ziel. Sie zeichnet das wahre Gesicht unserer Zeit, deren Hauptmerkmal laut der Autorin der Mangel an Spiritualität ist. Und hier hat sie ihre Vorgänger. In V. Shukshins Erzählung „Bis zum dritten Hahn“ erscheint die Märchenwelt sowohl traditionell als auch erbärmlich modern.

In ihrem autobiografischen Roman „Geschichten aus meinem eigenen Leben“ wiederholt Petrushevskaya immer wieder, dass „jedes Genre seine eigenen Ausdrucksmittel erfordert … ein Märchen … erfordert immer ein gutes Ende“ (3). Diese Aussage klingt direkt am Ende ihrer Märchen: „So hat unsere Geschichte ihr glückliches Ende gefunden, wie es sein sollte“ (4). Dies ist das Märchen „Die dumme Prinzessin“, in dem Prinzessin Ira als Narr gilt, weil... Sie ist zu ehrlich und zutraulich, also findet sie einen passenden Bräutigam – einen Esel.

Auf die Frage, warum sie schreibt, definiert Petrushevskaya den Hauptgrund: „Es gibt ein unlösbares Problem, und es wird so bleiben... damit es etwas gibt, worüber man nachdenken kann“ (3, S. 536). Dies wird über Theaterstücke gesagt, bestimmt aber auch die Besonderheiten ihrer Märchen. Fast alle Happy Ends von Märchen haben pessimistische Untertöne. So endet „The Tale of the Clock“ mit dem Satz der alten Zauberin: „Nun, vorerst bleibt die Welt am Leben.“ Das Ende bestätigt eindeutig nicht den endgültigen und vollständigen Sieg des Guten. Das Märchen „Der Esel und die Ziege“, in dem der Held für einen Abend mit der Erfüllung all seiner Wünsche belohnt wird, ironisiert das Glück des modernen Mannes auf der Straße: „Und glücklich und ruhig schnappte er sich ein Stück Brot vom Tisch, einen Fischschwanz aus der Pfanne und fernsehen, das ist alles das Gleiche.“ (4, T.4, S.133). Der Held selbst freut sich nicht über die Auszeichnung, denn... Als Wünsche von seiner Frau, seinen Kindern, Nachbarn, Passanten hat er Angst vor bösen Dingen wie – damit du stirbst! Im Märchen „Die neuen Abenteuer von Elena der Schönen“ leben die Helden – Elena und ihr geliebter Millionär – glücklich, aber in einer Welt fernab der Realität, in der es weder Aufhebens noch Geld gibt.

So lässt sich in Petruschewskajas Märchen das Zwei-Welten-Prinzip in der Organisation des Raum-Zeit-Modells nachvollziehen. Petrushevskayas Charaktere leben in einer gewöhnlichen Welt, in der sie in einem Geschäft unterbezahlt werden, auf eine Schule für geistig Behinderte geschickt werden, im Bus unhöflich sind und in einem schmutzigen Eingangsbereich geschlagen werden können. Die konventionelle Märchenwelt wird durch die Figur eines Zauberers oder Zauberers, wunderbare magische Objekte, Motive der Transformation, Animation unbelebter Objekte und die Naturwelt dargestellt. Im Märchen „Gerettet“ (hier kommen die Genremerkmale der Legende stark zum Ausdruck) werden reale Ereignisse erwähnt – ein Erdbeben in Armenien und der wirkliche „unmärchenhafte“ Tod von Menschen, und die Geister der Toten erscheinen im Geisterhaften und Mystischen Welt. In der „Barbie Adventures“-Reihe wird wie in der Folklore das Unbelebte – Spielzeug, Puppen – animiert. Im Märchen „Glückliche Katzen“ verwandelt sich ein Mädchen in eine Katze. Im Märchen „Marilena“ wird aus zwei Ballerina-Schwestern eine dicke, hässliche Frau.

Die Magie selbst und die Figur des Zauberers in Petrushevskaya sind spezifisch. Meistens porträtiert sie keine guten Zauberer, sondern einen bösen Zauberer, böse Magie, die sehr reale Probleme mit sich bringt – Verletzung, Krankheit, Einsamkeit, Verlust geliebter Menschen und sogar den Tod. Die Betonung dieser Magie ist auch eine Möglichkeit, das moderne Leben und die ihm innewohnende Grausamkeit zu charakterisieren. Im Märchen „Das Mädchen mit der Nase“ beispielsweise schneidet der Zauberer Ninas Finger ab – dies ist eine Bezahlung für die Genesung ihres geliebten Menschen. Im Märchen „Der Pagen“ möchte der Zauberer den Brunnen mit einem Stein auffüllen, in den die Mutter des Kindes gefallen ist. Selbst gute Magie erscheint manchmal zweifelhaft. Im Märchen „Der Esel und die Ziege“ dankt die alte Frau dem Helden für seine Höflichkeit und dafür, dass er ihr einen Sitzplatz in der Straßenbahn gegeben hat – das Motiv der Wunscherfüllung wird eingeführt. Wie bereits erwähnt, ist der Held darüber nicht glücklich. Das Strukturmotiv des Wunscherfüllungsmärchens wird neu gedacht – für den Helden werden die Wünsche anderer Menschen erfüllt. Der Held selbst ist kleinlich, seine Leistung bestand darin, dass er seinen Platz an die alte Frau abgab (in der heutigen Zeit tatsächlich eine Leistung für viele junge Menschen) – und eine entsprechende Belohnung. Eine ähnliche Perspektive auf dieses Motiv gibt es im Märchen „Glückskatzen“. Das Mädchen selbst bittet den Zauberer, sie in eine Katze zu verwandeln, damit sie nicht zur Schule gehen muss.

Die Struktur von Petrushevskayas Märchen enthält das Motiv des Verbotsverstoßes und das Motiv der Prüfung. Im Märchen „Der Pagen“ zum Beispiel verstieß das Kind gegen das Verbot – es nahm ihm die Glocke aus der Hand und seine Mutter verlor sie. Was folgt, sind die Prüfungen des Helden: Er hat Angst, seine Mutter zu verlieren, macht sich auf die Suche nach ihr und trifft dabei auf einen Zauberer. Im Märchen „Anna und Maria“ bricht der gute Zauberer das Verbot, denen, die man liebt, nicht zu helfen. Er tauschte den Körper seiner sterbenden Frau mit dem Körper eines anderen Patienten aus, beide erholten sich. Die Prüfungen des Helden bestehen darin, dass die Frau ihren Mann meidet und ihn schließlich für die Familie eines anderen verlässt. Der Held findet eine Frau, der er den Körper seiner Frau gegeben hat (und ihr Kopf gehört einer anderen). Das Ende ist bedingt gut, definiert aber präzise die Moral des Märchens: Man liebt mit dem Herzen, nicht mit dem Kopf.

Magie selbst, magische Objekte werden vom Autor auf zwei Arten dargestellt. Einerseits ist das fabelhafte Magie. In „The Tale of Mirrors“ gibt es beispielsweise ein traditionelles magisches Attribut – einen Spiegel, der die Heldin rettet, ein Mädchen mit dem Spitznamen Red Baby. Böse Magie ist unerklärlich – es ist ein Schatten, Nebel, etwas „Unsichtbares, das die Bilder in den Spiegeln zerstört“ (5). Man nennt es hungrige Einsamkeit, sie sucht ein Opfer und nimmt das Schönste der Welt weg – nach ihrem Erscheinen verschwinden die Kinder. Nur ein kleiner Zauberspiegel konnte den Geist des Unsichtbaren widerspiegeln, rettete die Heldin und wurde selbst zerstört. Allerdings schmolz ein Fragment des Spiegels ein und ein neuer Zauberspiegel erschien. „Aus irgendeinem unbekannten Grund wurde es von einem strengen alten Mann, von Beruf Chefarzt, gekauft und in der Umkleidekabine seiner Kinderklinik aufgehängt. Da spiegeln sich laufende Kinder ... Auch Mütter blicken ängstlich in den Spiegel“ (5, S. 346). Märchenhafte Zaubergegenstände kommen auch in den Märchen „Zaubergläser“, „Zauberstift“ und „Das Märchen von der Uhr“ vor.

Neben märchenhafter Magie gibt es ein modernes Wunder – plastische Chirurgie, schnell wirkende Diäten, Parfüme und Kosmetik. Sie werden jeden in eine Schönheit verwandeln. Die Haltung des Autors gegenüber solchen Wundern ist parodistisch und satirisch; sie offenbaren die Realitäten des modernen Lebens, seine Absurdität und Abweichung von „ewigen“ Wahrheiten und Werten. So ist im Märchen „Das Mädchen mit der Nase“ der Zauberer ein plastischer Chirurg. Er führt eine Operation an Nina durch und entfernt ihre lange Nase. Aber das Mädchen wird nicht glücklich. Sie hat viele Verehrer, die Nina nicht bemerkt hatten Auch sie verschwinden schnell wieder, wenn die Langnase zurückkommt.“ Im Märchen „Marilenas Geheimnis“ befindet sich die Heldin in einer Klinik für Schönheitschirurgie und diätetische Ernährung, wo sie aus einer dicken Frau eine schlanke Schönheit machen soll. Doch stattdessen Sie betäuben sie und wollen sie töten. Elemente eines Gangsterdetektivs tauchen auf. Aus Profitgründen „befiehlt“ Marilenas Verlobter Vladimir sie den Mördern – Spezialeinheiten. Moderne Werbung wird parodiert und dem Verbraucher Dienstleistungen auferlegt: „an Werbung für eine tolle Klinik, in der einem Menschen in drei Tagen ein neuer Körper geschenkt wird und der Körper dank idealer Ernährung mit Kräutern wiederhergestellt wird“ (4, T4, S. 156), „waren die Zähne so groß und weiß, dass Alle Hersteller von Zahnpasta und Bürsten stürzten sich auf Marilena und flehten sie an, Werbung für ihr Produkt zu machen“ (4, Bd. 4, S. 149). Dank der Werbung wurde die Heldin „reicher, als sie war ... sie hatte bereits damit begonnen vergiss, dass zwei Seelen, diese Seelen schwiegen und ohne Tränen im Kerker weinten, der für sie der mächtige Körper Marilenas war, und statt ihnen wuchs in diesem Körper eine völlig neue, fremde Seele heran, fett und gefräßig, frech und fröhlich, gierig und unzeremoniell, witzig, wenn es profitabel ist, und düster, wenn es unrentabel ist“ (4, Bd. 4, S. 149-150). Bankgeschäfte werden ironischerweise als wunderbare Möglichkeit bewertet, schnell reich zu werden: „Wladimir bittet um vorübergehende Hilfe in Form eines Darlehens über dreißig Millionen mit einer Rendite in neunundvierzig Jahren“ (4, Bd. 4, S. 158). Die Details des Lebensstils der Elite werden in gleicher Weise dargestellt – Marilena wusste sehr gut, welche Journalisten sie vor einem Interview behandeln sollte, wann sie Waisenkindern aus dem Unternehmen Geschenke machen sollte usw.

Ein charakteristisches Merkmal von Petrushevskayas Märchen ist die Kombination von Elementen aus verschiedenen Genres: Märchen, Legenden, epische Erzählungen, Witze, Detektivgeschichten usw. So ist das Märchen „Vest Jack“ nach den Kanonen einer Detektivgeschichte geschrieben . Es gibt einen Amateur-Detektivkater, Vest Jack, und einen professionellen Polizeibluthund, Sharik, von den „Land Shepherds“. Es entwickelt sich die Handlung um die Entführung eines Kindes. Das Opfer des Verbrechens entpuppt sich als das Huhn Tsyplak, es gibt ein Verfolgungsmotiv, denn wie in einem klassischen Detektivroman wird das Verbrechen von einem Amateurdetektiv aufgeklärt und der Profi beschämt.

Petrushevskaya nutzt literarische Reminiszenzen und Anspielungen aus einer ironischen Perspektive. Im Märchen „Marilenas Geheimnis“ gibt es eine Goethean-Reminiszenz. Der Wachmann der Schwestern Maria und Lena wird einen Roman über die erstaunliche Kraft der Liebe eines jungen Mannes mit dem Titel „Die Leiden des jungen V“ schreiben, der auf den Briefen von Wladimir basiert, der nach dem Scheitern des Betrugs mit seiner Verlobten Marilena zeigt verstärktes Interesse an den Schwestern. Das Märchen „All the Dumb“ weist auf Krylows Fabel „Die Krähe und der Fuchs“ hin, und „The Treatment of Vasily“ weist auf Tschukowskis „Moidodyr“ hin. Das Märchen „Prinzessin Whitelegs“ wurde laut Petrushevskaya selbst unter dem Einfluss von Andersens „Die kleine Meerjungfrau“ geschrieben (dies ist ein Märchen über ein Mädchen, das nicht laufen kann). Andererseits vereinen sich hier stabile Folkloretypen in einem Bild der Heldin: der Typus der jüngsten liebevollen Tochter und der launischen Sissy-Prinzessin. Der männliche Typus der Prinzenverlobten wird parodiert. Er ist gierig nach äußerer Schönheit, gleichgültig gegenüber den Nöten anderer Menschen und wird das Königreich am Tag der Beerdigung der Prinzessin verlassen, die sich überanstrengte und krank wurde, als sie den vom Pferd gefallenen Prinzen rettete. Über die schlafende Schönheit gibt es ein Handlungsmotiv: „... sein (des Prinzen) Herz zitterte vor Mitleid... er küsste schnell die Prinzessin auf die Lippen – er las irgendwo, dass man so Prinzessinnen wiederbeleben kann“ (Bd. 4, S. 201-202). Die Märchen „Mutterkohl“ und „Klein und Klein“ verwenden Strukturelemente und Bilder aus Andersens „Däumelinchen“.

Einige von Petrushevskayas Märchen enthalten Lautmalerei („Es war einmal Trr“), Wortspiele und grammatikalische Formen („Burlak Pusski“). Der Autor verwendet die für Folklore und literarische Traditionen charakteristische Technik des Kontrasts, indem er Wahres und Falsches, Gut und Böse gegenüberstellt. Das Märchen „Barbie Smiles“ stellt zwei Lebensstile und ihre entsprechende Weltanschauung gegenüber: ein luxuriöses Leben und Gleichgültigkeit gegenüber anderen – das sind die Barbie-Puppen Toy, Ken, Susan – sie leben in einem Palast, verbringen Zeit mit Spielen in Casinos, Tanzen, Schwimmen Schwimmbäder und Tennisplätze. Andererseits ist das Leben bescheiden, ohne Luxusautos und -kleider, aber mit dem Gedanken an liebe und nahestehende Menschen. Am liebsten gibt Barbie ihr Baumwollkleid zurück, verlässt den Palast und bleibt im Staub zwischen Mücken und Ameisen liegen, damit sie von der kleinen Herrin gefunden werden kann, die die ganze Nacht weinte, nachdem sie die Puppe verloren hatte.

Petrushevskayas Kriterium für den Wert des Lebens und eines Helden ist oft das Todesmotiv. Petrushevskaya hat immer eine ernste Einstellung zum Tod, egal wie absurd die Situation auch erscheinen mag. Im Märchen „Anna und Maria“ sagt eine Krankenschwester zu einer Verwandten einer sterbenden Frau: „Stören Sie sie nicht, Ihre Frau ist mit ernsten Geschäften beschäftigt“ (5, S. 273). Im Märchen „Magische Brille“ ist das Problem des gegenseitigen Verständnisses zwischen Menschen akut. Die Heldin des Märchens ist ein Mädchen, das nicht wie die anderen ist; sie werden sogar auf eine Narrenschule oder in eine Nervenheilanstalt geschickt. Das Mädchen beschließt, Selbstmord zu begehen und aus dem sechsten Stock zu springen, aber sie erinnert sich an ihre Mutter und es tut ihr leid, dass sie ihren geliebten Menschen verlassen hat, was ihm Kummer und Tränen bereitet. „Nachdem sie das schwierige Leben der Erwachsenen kennengelernt hatte, beschloss das Mädchen, „am Leben zu bleiben, um Menschen zu helfen“ (4, Bd. 4, S. 284). Eine ähnliche Moral gibt es im Märchen „Großvaters Bild“. Das Mädchen ist bereit zu sterben, um alle vor dem ewigen Winter zu retten.

Auch in „The Tale of the Clock“, einer lyrischen Erzählung über die Beziehung zwischen Mutter und Tochter, gibt es ein Todesmotiv. Es gibt auch archetypische Bilder, die für Petrushevskayas Werk charakteristisch sind – Mutter und Kind. Die Tochter zeigt kindlichen Egoismus, den Wunsch der Jugend, schön zu leben und sich auf ihr eigenes „Ich“ zu konzentrieren. Mutter ist die Verkörperung trauriger Weisheit, des Verständnisses für andere und des Bewusstseins für sich selbst als den allgemeinen Fluss des Lebens. Die Tochter möchte eine goldene Uhr haben, ohne zu befürchten, dass dadurch das Leben ihrer Mutter verkürzt wird. Und erst als sie klüger geworden ist und Mutter geworden ist, ist sie bereit, ein Opfer zu bringen – sie zieht die Uhr selbst auf, verlängert so das Leben ihrer Mutter und beginnt den Countdown ihres eigenen Lebens. Archetypische Bilder von Mutter (Vater) und Kind finden sich in den Märchen „Mutterkohl“, „Vater“, „Der Pagen“ usw. Sie sind charakteristisch für Petrushevskayas Gesamtwerk (die Erzählung „Der eigene Kreis“, „Zeit ist Nacht“, das Theaterstück „Drei Mädchen in Blau“).

Einen besonderen Platz in Petrushevskayas Werk nehmen „Wild Animal Tales“ ein, die laut L. V. Ovchinnikova wie ein Volksmärchen über Tiere auf der Grundlage von Allegorien aufgebaut sind (6). Ein Volksmärchen über Tiere ist jedoch allegorisch und eine Allegorie ist konkret. Daher verkörpern Tiere in der Folklore, die von Märchen zu Märchen wandern, einen bestimmten Menschentyp. In Petrushevskaya werden Querschnittshelden (Tiere, Insekten, Vögel) in verschiedenen Situationen des modernen Lebens dargestellt, wo sie sich mehrdeutig manifestieren und manchmal nicht dem Folkloretyp entsprechen. Zum Beispiel sind die Wölfin Petrowna und ihr Ehemann Semyon Alekseevich weit entfernt vom Folklore-Wolfsschurken. Semyon Alekseevich, ein ungeordneter Alkoholiker und Nachtschwärmer, will keinen Ärger mit seiner Frau, der Wölfin Petrovna, machen, die eine Scheidung fordert. Petrowna selbst ist eine müde Frau, die aufgehört hat, auf sich selbst aufzupassen (das Märchen „Eintracht“). Leopard Edward ist keineswegs der König der Tiere wie der Folklore-Löwe, sondern ein etwas infantiler Aristokrat mit raffiniertem Geschmack. So raffiniert, dass in seiner neuen Version von „Die Möwe“ die weiblichen Rollen von Männern gespielt werden: Nina Zarechnaya wird vom Wolf Semyon Alekseevich gespielt, Arkadina wird von der Ziege Tolik gespielt, deren „Bart unter einem Bogen entfernt wurde, seine Hörner waren.“ Mit einem Hut bedeckt, war er blass rasiert, Wimpern waren aufgeklebt, was auch immer! Sie hängten einen BH, einen Gürtel mit schwarzen Strümpfen, Damen-Achsel- und Schulterpolster, eine Handtasche mit Tampex, ein völliger Triumph, kurzum“ (4, Bd. 5, S. 205, Märchen „Die Macht der Kunst“) . So harmlos, dass er „nichts verstehen konnte“, als das Mäusesofa in seiner Kommode Babymäuse brachte. „Der Leopard wurde gezwungen, fünfzehn Mäuse zu adoptieren, darunter Sophias Eltern und Großvaters bis zur dritten Generation, das kann man nicht sagen“ (4, Bd. 5, S. 81, Märchen „Großvater Edik“). Literarische Anspielungen und Tiermasken in „Wild Animal Tales“ schaffen ein parodistisches Bild des modernen Lebens (gewöhnliche Menschen, Alltagssituationen), ohne Anspruch auf die Ernsthaftigkeit der Probleme literarischer und folkloristischer Quellen zu erheben.

Die Position des Autors in Petrushevskayas Märchen kann als distanziert und weise bezeichnet werden: „Die besondere Eigenschaft der individuellen Art von Petrushevskaya besteht darin, dass die schrecklichsten und schrecklichsten Dinge so leicht und ruhig berichtet werden, als ob etwas selbstverständlich und seit langem bekannt wäre.“ jeder, oft unter Verwendung umgangssprachlicher Vokabeln. Auf diese Weise entsteht ein absurdes, umgestülptes Weltbild“ (6, S.212). Die Absurdität der Welt wird durch die triviale Alltagssituation und die sprachliche Gestaltung betont – die Sprache der Charaktere ist gewöhnlich, wirr, manchmal unhöflich und ungebildet. Ein markantes Beispiel dafür sind die Märchen „Der Esel und die Ziege“, „Vogelgirlande“, „Onkel Well und Tante Oh“. Lassen Sie uns abschließend noch einmal den hohen Grad der Verallgemeinerung betonen, der für Petrushevskaya charakteristisch ist. Private Geschichte, privates Schicksal offenbaren universell bedeutsame, zeitlose Kategorien des Lebens. Solche Verallgemeinerungen finden sich in fast allen hier genannten Erzählungen.

Anmerkungen

1. Leiderman N.A., Lipovetsky M.N. Moderne russische Literatur: 1950-1990er Jahre. Im 2v. – T.2. – M., 2006. – S.618.

2. Shustov M.P. Die Originalität der Märchen von L. Petrushevskaya //Materialien für die selbständige Arbeit von Philologiestudenten in Literatur an der Korrespondenzabteilung. Issue.U. – N. Nowgorod, 2006. – S.76.

3. Petrushevskaya L. Geschichten aus meinem eigenen Leben. – St. Petersburg, 2009. – S.536.

4.Petrushevskaya L.S. Gesammelte Werke in 5 Bänden. – Kharkov, M., 1996. – T.4. – S.195.

5. Petrushevskaya L. Zwei Königreiche. – St. Petersburg, 2009. – S.340.

6. Ovchinnikova L.V. Russisches Literaturmärchen des 20. Jahrhunderts. Geschichte, Klassifikation, Poetik. – M., 2003. – S.208.