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Im 19. Jahrhundert. Als herausragender Pianist entdeckte er ganz neue, ungenutzte Möglichkeiten im Klavierklang.

Debussys Pianismus ist der Pianismus eines zarten transparenten Klangs, murmelnder Passagen, der Dominanz der Farbe, exquisiter Pedaltechnik verbunden mit Tonsatz. Zeitgenossen bemerkten die gleichen Qualitäten in seinem Spiel, das vor allem mit einem erstaunlichen Charakter auffiel klingend: extreme Weichheit, Leichtigkeit, Fließfähigkeit, "streichelnde" Artikulation, keine "Schock"-Effekte.

Der Komponist hatte ein ständiges Interesse am Klavier. Die ersten Klavier-"Experimente" gehen auf die 80er Jahre zurück ("Kleine Suite" zu 4 Händen), die letzten Stücke entstanden in den Kriegsjahren (1915 - ein Zyklus von 12 Etüden "In Memory of Chopin", eine Suite für zwei Klaviere .) "Weiß und Schwarz") ... Insgesamt schrieb Debussy über 80 Klavierwerke, von denen die meisten allgemein anerkannte Meisterwerke der pianistischen Weltliteratur sind.

Die Neuheit von Debussys Klavierstil manifestierte sich bereits in seinen frühen Kompositionen, insbesondere in "Bergamas-Suite" (1890) . Der Komponist belebt hier die Prinzipien der alten Claviersuite auf neuer Basis: Im Präludium, Menuett, Paspier werden Züge der Cembalomusik des 18. Jahrhunderts wiedererkannt. Und daneben erscheint erstmals eine impressionistische Nachtlandschaft - "Moonlight" (Teil 3), das beliebteste Stück dieses Zyklus.

Die überwältigende Mehrheit von Debussys Klavierstücken sind programmierte Miniaturen oder Miniaturzyklen, was vom Einfluss der Ästhetik des Impressionismus spricht (großformatige Formen waren nicht nötig, um flüchtige Eindrücke einzufangen). In vielen seiner Stücke greift der Komponist auf die Genres Tanz, Marsch, Gesang und verschiedene Formen der Volksmusik zurück. Die Interpretation von Genreelementen nimmt jedoch immer einen impressionistischen Charakter an: Dies ist keine direkte Verkörperung, sondern freakige Echos Tanz, Marsch, Volkslied. Ein markantes Beispiel ist „ Abend in Grenada " aus dem Zyklus "Drucke" (1903).

Der Zyklus besteht aus drei Programmstücken, einer Art musikalischen "Porträts" dreier unterschiedlicher Nationalkulturen - China ("Pagoden"), Spanien ("Evening in Grenada") und Frankreich ("Gardens in the rain"). Jedes hat einen besonderen Reiz des Modalsystems (so entstand beispielsweise die gesamte Thematik von "Pagoden" aus der pentatonischen Tonleiter und ihren Bestandteilen - große Sekunden und Trichorde), die Originalität der Klangfarben (in "Pagoden" - chinesische Trommeln, Gongs, javanische Volksinstrumente).

Im Spiel "Abend in Grenada" es entsteht ein Bild von einem wunderbaren Sommerabend. Hauptelemente ihrer Musik sind tänzerische Motive wie Habanera und Nachahmung des Klingens von Gitarrensaiten. Man hat den Eindruck, dass an einem Sommerabend jemand leise spanische Volksmelodien auf der Gitarre spielt. Das spanische Flair ist so lebendig, dass der spanische Komponist Manuel de Falla das Stück bis ins kleinste Detail spanisch nannte ( ein wahres Wunder der Eindringung in die Essenz der Bilder Andalusiens, Wahrheit ohne Authentizität, das heißt, ohne volkstümliche Originale zu zitieren). Drei verschiedene Tanzthemen lassen sich unterscheiden. Die erste, die Atmosphäre orientalischer Exotik verkörpert, wird in einem doppelharmonischen Moll gehalten, das heißt in einem Moll mit zwei erhöhten Sekunden (wie im Leitmotiv von Carmens fataler Leidenschaft). Längeres Erklingen des dominanten Tons "cis" in der oberen "Ebene" der Klaviertextur verstärkt die helle Farbigkeit der harmonischen Sprache. Die anderen beiden Themen sind bei aller Originalität nicht so national charakteristisch. Trotz der Tanzbarkeit, die das ganze Stück durchdringt, ist es kein Tanz im wahrsten Sinne des Wortes.

Debussy sagte, dass der Interpret "vergessen muss, dass das Klavier Hämmer hat"

Der Name bedeutet in diesem Fall - "Italienisch"

Der bildhaft-grafische Begriff "Drucke" (frz. "estampe" - Druck, Druck), der diesem Werk den Namen gab, soll offenbar die Besonderheit des "schwarz-weißen" Klaviersatzes ohne orchestrale Brillanz betonen. In allen drei Stücken verwendet der Komponist jedoch sehr lebendige Klangeffekte. Dies ist insbesondere die Nachahmung des javanischen Orchesters - des Gamelans mit seiner besonderen Stimmung und des chinesischen Gongs "Pagoden".

Debussy hörte ihren Sound während der Pariser Weltausstellung und erwischte dabei etwas mehr als nur Exotisches. Die Kunst der "unzivilisierten" Völker half ihm, seine eigene Art zu sprechen.

Der Zweck des Unterrichts: Erweiterung und Vertiefung der Vorstellungen von Kindern über die visuellen Möglichkeiten der Musikkunst.

Lernziele:

1. Entwicklung von kreativem Denken, Aufmerksamkeit und Gedächtnis.
2. Vergleich und Identifizierung ähnlicher und unterschiedlicher Merkmale in der Musik verschiedener Komponisten.
3. Beherrschen der Fähigkeiten der plastischen Intonation.
4. Festigung der Fähigkeit, die musikalischen Ausdrucksmittel nach Gehör zu erkennen.

Musikalisches Material: L. van Beethoven Klaviersonate Nr. 14 "Moonlight", C. Debussy "Moonlight".

Ausrüstung für den Unterricht:

1. Klavier.
2. DVD Spieler. Fernseher oder Videoprojektor.
3. Porträts von L. Beethoven, G. Guicciardi, K. Debussy.
4. Audioaufnahmen von Beethovens "Moonlight"-Sonate, "Moonlight" von Debussy.
5. Beethoven L. Klaviersonate Nr. 14 "Mondschein" - Klavier.
6. Farbige Karten (farbiger Karton).

Unterrichtsstruktur:

1. Zeit organisieren. Die Hauptphase des Unterrichts.
2. Gespräch.
3. Hören und Analysieren eines Musikstücks (Beethovens Mondscheinsonate).
4. Intonation aus Plastik.
5. Hören und Analysieren eines Musikstücks („Moonlight“ von C. Debussy).
6. Ansehen von Videos zu Musik von Debussy, Analyse, Vergleich.
7. Erstellen einer Farbpalette der Mondfarbe (Applikation).
8. Zusammenfassung der Lektion. Verallgemeinerung und Festigung der gewonnenen Erkenntnisse.

Während des Unterrichts

Lehrer: (Anhang: Präsentation - Folie Nummer 2).

In einen tiefen Schlaf eintauchen, Seele
Ich werde die Nacht loslassen, -
Fliege über das Meer und über das Land,
Über der Wüste und in einem dichten Wald.
Die Nacht hat die Erde mit einem Schleier bedeckt
Träume, Fantasien, Märchen und Träume ...
Die Sterne und der Mond sehen müde aus
Frieden, Ruhe und Träume schützen.

Es war kein Zufall, dass ich unsere heutige Stunde mit Poesie begonnen habe, denn sie wird der geheimnisvollsten, romantischsten, fabelhaftesten und poetischsten Zeit des Tages gewidmet sein. Die Heldin unserer Lektion ist ein wunderschöner und bezaubernder Nachtstern, die Königin der Nacht ist Ihre Majestät der Mond. Wir werden unsere Lektion "Moonlight Melody" nennen, denn heute hören wir die Werke von Komponisten aus verschiedenen Epochen, Ländern, aber alle diese Werke sind dem Mond gewidmet.

2.

Zunächst schlage ich vor, dass Sie Assoziationen spielen. Welche Gedanken, Emotionen, Erfahrungen erlebst du bei den Worten Nacht, Mond? Welche Assoziationen haben Sie mit diesen Konzepten?

Antworten der Kinder.

(Weiter auf der Folie der Präsentation (Anwendung: Präsentation - Foliennummer 3) Es erscheinen Wörter, die mit der Nachtlandschaft in Verbindung gebracht werden können: „Geheimnis“, „Romantik“, „Gefahr“, „Angst“, „Fantasie“, „Kälte“, „Magie“, „Einsamkeit“, „Geheimnis“, „Spaß“ , „Licht“, „Freude“, „Fröhlichkeit“ usw. Bitten Sie die Kinder, geeignete Wörter zu wählen).

Die Antworten und Wörter der Kinder auf Karten zusammenfassen.

Lehrer: Verschiedene Menschen nehmen Mond und Nacht auf unterschiedliche Weise wahr: Für manche ist es eine Zeit der Gefahr, Angst und Einsamkeit, während es für andere die romantischste Zeit des Tages ist, wenn Dichter Gedichte schreiben, Magie passiert, sich Liebende treffen .

Viele Künstler, Musiker, Dichter haben ihre Kreationen dem Mond gewidmet. Jetzt gehen wir auf eine musikalische Reise und hören die Musik des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven.

(Anhang: Präsentation - Foliennummer 4)

Lehrer: Schauen Sie sich das Porträt des Komponisten an. Welchen Charakter hat Ihrer Meinung nach die abgebildete Person? Was für ein Leben hat er gelebt?

Antworten der Kinder.

Lehrer: In Beethovens Blick spüren wir Strenge, Strenge, Vor uns steht ein Mann von unbeugsamer Standhaftigkeit, Charakterstärke, denn das ganze Leben des Komponisten war ein endloser Kampf mit dem Schicksal, mit einer schweren Krankheit, an der er seit seinem 25. Lebensjahr litt. Es war Taubheit. Für einen Komponisten, sein Gehör zu verlieren, ist ein Satz, das Ende seines Schaffensweges!.. Aber nicht für Beethoven: Mit seinen Werken bewies er der Menschheit immer wieder, dass er sich seiner Krankheit, seinem Schicksal nicht unterwerfen würde.

Anhören der "Mondscheinsonate" in Tonaufnahme.

Antworten der Kinder auf die Fragen, die vor dem Zuhören gestellt wurden. Verallgemeinerung der Aussagen der Kinder durch den Lehrer.

Der Lehrer spielt die Anfangsphase der Mondscheinsonate auf dem Klavier. Dann gibt es ein Gespräch über die Art der Begleitung (3 aufsteigende Töne, die an die Bewegung von Wellen erinnern) und über die Besonderheiten der Melodielinie (das Thema auf der Höhe einer Note, gespielt in einem punktierten Rhythmus, gibt die Musik männlicher Charakter, aber mit einem Hauch von Verzweiflung). Kinder sind eingeladen, die Besonderheiten des Melodie- und Harmoniemusters in plastischen Bewegungen zu vermitteln. Dazu werden die Kinder in 3 Gruppen eingeteilt: „Harmonie“ und „Melodie“ und „Bassstimme“.

Gruppe "Harmonie":

Mit sanften, wellenartigen Handbewegungen reproduziert es die nach oben gerichtete Richtwirkung von Arpeggio-Klängen in der Luft. Im Prozess der "Intonation" wird die genaue Übereinstimmung von Handbewegungen und Harmonieklängen, die Ausdruckskraft der Gesten beurteilt.

Gruppe "Melodien":

Mit der gesammelten Handfläche auf gleicher Höhe „tont“ die Klänge einer melodischen Stimme an. Beurteilt werden die genaue Wiedergabe des punktierten Rhythmus und die Ausdruckskraft der Gesten.

Gruppe „Bass“: absteigende, sanfte Handbewegungen, als ob „eintauchen“ in die Tiefe.

Lehrer: So geht unsere musikalische Reise entlang der "Mondbahn" weiter. Diesmal geht es nach Frankreich zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Zu dieser Zeit begann sich in ganz Europa eine neue Richtung in der Malerei mit einem sehr schönen, aber komplexen Namen zu verbreiten - IMPRESSIONISMUS (Anhang: Präsentation - Foliennummer 7). Gemälde von impressionistischen Künstlern - Claude Monet, Auguste Renoir und andere (Anhang: Präsentation - Folien Nummer 8, 9, 10) - waren voller leuchtender Farben, Licht; Künstler haben ihre Bilder schon immer auf der Straße gemalt, im Schoß der Natur, so dass wir den Hauch des Windes, das Wiegen des Laubs der Bäume, das Schlagen der warmen Luft, den Aufruhr der Farben der Natur zu spüren scheinen.

Sie fragen, wie hängt der Impressionismus in der Malerei mit Musik und darüber hinaus mit dem Mond zusammen? In unseren vorherigen Lektionen haben Sie und ich immer wieder gesagt, dass alle Arten von Kunst miteinander verbunden sind, dass Malerei, Architektur, Poesie und Musik viel gemeinsam haben! Der Impressionismus entstand also in der Malerei und manifestierte sich auch in der Musik. Einer der impressionistischen Komponisten war ein Franzose (Anhang: Präsentation - Foliennummer 11). Debussy gab seinen musikalischen Werken gerne sehr poetische, „malerische“ Namen: „Footprints in the Snow“, „Fallen Leaves“, „Sea: From Dawn to Noon“. In der Tat, als wäre dies kein Musikstück, sondern ein Bild, gemalt nicht mit Farben, sondern mit Klängen! Bitte beachten Sie, dass viele von Debussys Werken mit Naturgemälden in Verbindung gebracht werden.

Heute werden wir eines der Werke von C. Debussy hören und sogar sehen. Sie ist wie Beethovens Sonate der Nacht gewidmet. Der Titel des Stückes lautet "Moonlight".

Wahrnehmungsfragen vor dem Zuhören:

1. Welches Instrument ist der Solist in diesem Stück?
2. Der Charakter, die Stimmung der Musik (sanft, ruhig, friedlich, heiter)

Anhören der Audioaufnahme von Debussys "Moonlight" (arrangiert für Harfe).

Antworten der Kinder auf die zuvor gestellten Fragen. Es gibt ein Gespräch über die Harfe und die Entsprechung ihrer Klangfarbe zur Musik von C. Debussy. (Anhang: Präsentation - Foliennummer 12)

5.

Lehrer: Wir werden unser zweites Vorsprechen mit dem Anschauen eines Videos von Debussys Musik kombinieren.

Ihre Aufgabe ist es, vollständig in die Musik einzutauchen, ihren Klang zu genießen. Und die aufmerksamsten Jungs werden sicherlich einen Unterschied zwischen der ersten und zweiten Version hören. (Transkription für Klavier im Video). Stellen Sie sich vor, Sie sind ein impressionistischer Maler. Hier ist eine Palette mit Farben. Sie möchten eine Nachtlandschaft mit Mondlichtreflexionen auf der Meeresoberfläche, auf den Blättern von Bäumen usw. malen. Ihr Gemälde wird zu einer Illustration für die Musik, die Sie jetzt hören werden. Welche Farben werden sich in Ihrer Malerei durchsetzen?

Anschauen eines Videos zur Musik von C. Debussy (arrangiert für Klavier). (Ein Videoclip zur Musik "Moonlight" von Debussy wird im Video-Tutorial des Autors "The Magic Screen" präsentiert). Optionen für die Videosequenz können ausgewählt werden, indem Sie dem Link folgen

http://video.yandex.ru/search.xml?text=%D0%BB%D1%83%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B9+%D1%81%D0%B2%D0 % B5% D1% 82 +% D0% B4% D0% B5% D0% B1% D1% 8E% D1% 81% D1% 81% D0% B8

Antworten der Kinder.

6.

Die Lehrerin fasst die Antworten der Kinder zusammen:

Debussys Unterhaltungsmusik bestimmt auch die Farbgebung der Illustrationen für "Moonlight" - gedeckte Töne, Silbertöne, Gelb. Das Video erfüllt uns mit Frieden und Ruhe. Für die Leidenschaften und die Dramatik von Beethovens Mondscheinsonate ist kein Platz.

7.

Erstellen einer Farbpalette. Kinder bekommen bunte Karten. Ziel: die Farben auszuwählen, die verwendet werden können, um die Musik von Debussy zu illustrieren. Es ist notwendig, eine kleine Zusammenstellung der ausgewählten Karten zu erstellen.

Antworten der Kinder mit einer Erklärung und einer Geschichte zu ihrer Zusammensetzung.

8.

Wir hörten tatsächlich zwei Werke mit demselben Titel von zwei Komponisten aus verschiedenen Epochen, Ländern und künstlerischen Richtungen. Es ist erstaunlich, wie unterschiedlich Komponisten dieselben Naturphänomene, Jahreszeiten, Tageszeiten wahrnehmen! Jeder legt seine eigene Bedeutung, seinen eigenen Inhalt in die Musik, basierend auf seiner Lebenserfahrung, seinem Charakter. Ich bin mir sicher, dass sich Ihre Kreationen zum Thema Mond auch voneinander unterscheiden werden. Unser Spaziergang unter dem Mond neigt sich dem Ende zu und ich würde gerne überprüfen, wie Sie das neue Material auswendig gelernt haben (eine kurze Übersicht zum behandelten Thema: Präsentation - Foliennummer 13):

1. Wie hieß Beethoven?
2. In welchem ​​Jahrhundert lebte er?
3. In welchem ​​Land hat er gelebt?
4. An welchem ​​Leiden litt Beethoven?
5. Wie heißt die Sonate Nr. 14?
6. Wem ist es gewidmet?
7. Wie war Debussys Name?
8. In welchem ​​Jahrhundert lebte er?
9. In welchem ​​Land hat er gelebt?
10. Welche Kunstrichtung vertritt er?
11. Wie wird "Impressionismus" übersetzt?
12. Welches Stück hat dir am besten gefallen?

Hausaufgabe: Machen Sie eine Applikation "Mondlicht" aus farbigen Karten.

Claude Debussy (150. Geburtstag)
Hat heute stattgefunden
Konzert im Kleinen Saal der Philharmonie, gewidmet dem 150. Geburtstag des großen französischen Komponisten Claude Debussy.

Suite für Klavier
Kinderecke. Insel der Freude
Präludien
Igor Uryash Klavier

Streichquartett g-Moll

Streichquartett sie. I. F. Strawinsky
Alexander Shustin Violine
Viktor Lisnyak Violine
Daniil Meerovich alt
Semyon Kovarsky Cello

Ich versuche, neue Realitäten zu finden ... Narren nennen es Impressionismus.
K. Debussy

Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Weise zu hören ist, sie ein freieres, bunteres Leben führen können, als würden sie ihren eigenen Klang genießen, seine allmähliche, mysteriöse Auflösung in der Stille. Debussy hat mit dem malerischen Impressionismus wirklich viel gemeinsam: die autarke Brillanz flüchtiger, fließend-bewegter Momente, die Liebe zur Landschaft, das luftige Zittern des Raumes. Nicht umsonst gilt Debussy als Hauptvertreter des Impressionismus in der Musik. Er ging jedoch weiter als die impressionistischen Maler von traditionellen Formen, seine Musik ist viel tiefer in unser Jahrhundert gerichtet als die Gemälde von C. Monet, O. Renoir

Debussy glaubte, dass Musik der Natur mit ihrer Natürlichkeit, unendlichen Variabilität und Formenvielfalt ähnlich ist: „Musik ist eben jene Kunst, die der Natur am nächsten ist … Nur Musiker haben den Vorteil, die ganze Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel, um ihre Atmosphäre nachzubilden und ihr immenses Pulsieren rhythmisch zu vermitteln." Natur und Musik empfindet Debussy als Mysterium und vor allem als Mysterium der Geburt, als unerwartete, einzigartige Gestaltung des kapriziösen Zufallsspiels.

Claude Ashile Debussy wurde am 22. August 1862 am Stadtrand von Paris Saint-Germain geboren. Seine Eltern - Kleinbürger - liebten die Musik, waren aber weit entfernt von echter professioneller Kunst. Zufällige musikalische Eindrücke der frühen Kindheit trugen wenig zur künstlerischen Entwicklung des späteren Komponisten bei. Er studierte am Pariser Konservatorium. Bereits in den Konservatoriumsjahren zeigte sich die Unkonventionalität seines Denkens, die zu Auseinandersetzungen mit den Harmonielehrern führte. 1881 begleitete Debussy als Hauspianist den russischen Philanthropen N. von Meck (einen guten Freund von P. Tschaikowsky) auf einer Reise nach Europa und besuchte dann auf ihre Einladung hin zweimal Russland (1881, 1882). So begann Debussys Bekanntschaft mit russischer Musik, die die Bildung seines eigenen Stils stark beeinflusste. „Die Russen werden uns neue Impulse geben, um uns aus dem lächerlichen Zwang zu befreien. Sie ... öffneten ein Fenster mit Blick auf die Weite der Felder.“ In der Schweiz traf Debussy die Witwe eines bedeutenden Industriellen, Eisenbahnbauers, Nadezhda Filaretovna von Meck, Patronin von Tschaikowsky und leidenschaftliche Musikliebhaberin. MIT Die 17-jährige Debussy war Musiklehrerin in der Familie Nadeschda Filaretowna von Meck, Debussy lernte bei den Kindern des Millionärs Klavier, begleitete die Sänger und nahm an Hausmusikabenden teil. Die Gastgeberin vernarrt in den jungen Franzosen, unterhält sich lange und begeistert mit ihm über Musik. Als sich die junge Musikerin jedoch in ihre fünfzehnjährige Tochter Sonya verliebte und Nadezhda Filaretovna um ihre Hand bat, hörte das Gespräch über Musik sofort auf ... Der veralteten Musiklehrerin wurde sofort ein Platz verweigert.
„Lieber Monsieur“, sagte von Meck Debussy trocken, „verwechseln wir Gottes Geschenk nicht mit Rührei! Neben der Musik liebe ich Pferde sehr. Aber das bedeutet keineswegs, dass ich bereit bin, mit dem Bräutigam zu heiraten ...

Sonechka von Meck heiratete daraufhin zweimal auf Wunsch ihrer Mutter, und sie liebte Claude Debussy ebenso wie er seine erste Liebe und widmete ihr viele Werke.

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Das musikalische Genie von Claude Debussy und sein Charakter eines Mannes, der ständig in düstere Meditation versunken ist, hinterließen bei vielen Frauen einen unauslöschlichen Eindruck. Er wurde sowohl von seinen Frauen als auch von seiner Geliebten zutiefst geliebt, und zwei Frauen stritten sogar um ihn.

Nach der Rückkehr aus Russland nach Paris blieb die "in Ungnade gefallene" Debussy nicht lange ohne die Aufmerksamkeit der Frauen. Debussy begann als Begleiterin für eine junge Sängerin zu arbeiten Madame Vasnier , deren Ehemann keine Ahnung hatte, was während der Proben in einem separaten Saal ihres Hauses vor sich ging, der für den Dirigierunterricht gedacht war. Dann ging Debussy für zwei Jahre nach Rom, Aber als er nach Paris zurückkehrte, sagte ihm Madame Vasnier, dass ihre Beziehung der Vergangenheit angehört und er sie vergessen müsse.Zwei Jahre lang hatte Debussy keine feste Adresse, bis er sich mit einer jungen Blondine namens Gabrielle Dupont niederließ. In den nächsten 10 Jahren arbeitete Gabrielle daran, Debussy finanziell zu unterstützen, die sich mit der Komposition genialer Musikstücke beschäftigte. Debussy betrog sie ständig, aber sie blieb ihm treu und lebte auch dann mit ihm zusammen, als Claude bereits mit der Sängerin Theresa Roger verlobt war. Diese Verlobung wurde nach ihrer gemeinsamen Reise nach Brüssel abgebrochen, wo Teresa erfuhr, dass Debussy mit einer anderen Frau übernachtet hatte. Gabrielles Geduld war einfach unglaublich, aber er endete auch, als sie zufällig eine Liebeserklärung fand, die einige seiner Bekannten an Claude geschrieben hatten. Gabrielle versuchte, sich zu erschießen, überlebte aber und wurde ins Krankenhaus eingeliefert. Nachdem sie das Krankenhaus verlassen hatte, lebte sie noch einige Monate bei Debussy, und er tat so, als wäre diese Episode in ihrem Leben noch nie passiert. Gabrielle freundete sich zu dieser Zeit mit Rosalie "Lily" Texier an, einer jungen, dunkelhaarigen Schönheit, die in einem kleinen Pariser Laden arbeitete. Die Freundinnen trafen sich oft, tranken gemeinsam Kaffee und verbrachten Zeit in freundschaftlichen Gesprächen. Gabrielle war nur verärgert, dass Lily Claude nicht mochte, und er lachte oft über sie. Der Spott wich jedoch bald Komplimenten, und Debussy und Lily heirateten im Oktober 1899. Ihr Familienleben begann in völligem Geldmangel. An ihrem Hochzeitstag gab Debussy eine Klavierstunde, um ihr Frühstück zu bezahlen.
Lily war Debussy absolut ergeben, aber ihre Jugend, Loyalität und Schönheit reichten eindeutig nicht aus, um Debussy zu behalten. Vier Jahre nach der Hochzeit begann Debussy mit Emma Bardak, einer Sängerin und Ehefrau eines erfolgreichen Bankiers, auszugehen. Am 14. Juli 1904 machte der Komponist seinen Morgenspaziergang und kehrte nicht nach Hause zurück. Ein paar Wochen später erfuhr Lily von Freunden, dass auch Emma ihren Mann verlassen hatte und bei Debussy lebte. Am 13. Oktober brach Lily zusammen und erschoss sich zweimal. Sie wurde von der zurückkehrenden Debussy gefunden, der es gelang, eine Nachricht über ihre Entscheidung zum Selbstmord zu senden. Lily wurde von Ärzten gerettet, aber eine der Kugeln wurde nicht entfernt und Lily trug sie für den Rest ihres Lebens in ihrer Brust. Am 2. August 1904 ließ sich Debussy von Lily scheiden, und im Herbst 1905 bekam Emma eine Tochter mit ihm. Emma ließ sich 1908 von ihrem Mann scheiden und heiratete Debussy. Ihr Familienleben erwies sich als glücklich, obwohl einige Debussy zu Unrecht beschuldigten, wegen Geldes geheiratet zu haben. Emma war mittleren Alters und hässlich, aber eine sehr intelligente Frau und eine fürsorgliche Ehefrau. Sie war eine Stütze für Debussy und kümmerte sich auf jede erdenkliche Weise um ihn und unterstützte ihn bis zu Debussys Tod. Er starb am 25. März 1918 im Alter von 55 Jahren an Krebs.

Eines der ersten Werke von Debussy - Kantate verlorener Sohn... Sehr interessant ist die Entstehungsgeschichte der großartigen Kantate Der verlorene Sohn, die Claude Debussy den Großen Rom-Preis einbrachte. Es war eine Diplomarbeit am Pariser Konservatorium. Es entstand in Russland, als er als Hauspianist für Nadezhda Filaretovna von Meck diente. Debussy wandte sich sehr früh an Gott. Nachdem er in seiner Jugend Buße getan hatte, begann er Sünden zu begehen, in der Hoffnung auf die Liebe Gottes.

Es muss gesagt werden, dass das Gleichnis vom verlorenen Sohn die tiefste Passage in der Heiligen Schrift ist, die dem Herzen eines Sünders am nächsten kommt. Es scheint, dass, wenn es nur dieses Gleichnis im Evangelium gäbe, es möglich wäre, allein aus ihm ein vollständiges Bild von Gottes Liebe zu den Menschen zu bekommen. Diese direkte und mitfühlende Teilnahme Gottes am Schicksal des Sünders lässt keinen Raum für Sünde; aus solcher väterlichen Liebe wird Reue sozusagen zur Notwendigkeit. Dieser wundersame Respekt Gottes gegenüber einer Person, die in Sünde ist, schließt jede Gleichgültigkeit gegenüber der Heiligkeit und Reinheit des Lebens aus.
Wie viele verschiedene Urteile über die Natur der Sünde, über ihre "Legitimität und Notwendigkeit" haben die sündige Menschheit hervorgebracht ... Und all diese Spekulationen werden durch die Liebe Gottes des Vaters für den jüngsten Sohn, der von der imaginären Freude versucht wird, zunichte gemacht der äußeren Freiheit und der die wahre Freude der inneren Freiheit noch nicht erkannt hat - Freiheit von Sünden und Wahnsinn, die ein Mensch nur durch die Rückkehr zu Gott erhält. Die ganze Essenz des Lebens liegt in der Liebe, und nur in ihr ist wahre Freiheit. Das Mysterium des Lebens bringt uns alle an den Rand von Versuchungen, und manchmal auch schwerwiegenden. Jeder von uns durchläuft seine eigene Lebensschule und ist bestrebt, möglichst alles darin zu sehen, zu erleben. Wir stürzen uns in einen endlosen Kreis von Wünschen, und aus Unersättlichkeit, aus Unzufriedenheit, aus Missverständnissen geraten wir oft in Verzweiflung und manchmal in Verzweiflung. Unser himmlischer Vater weiß dies und hat daher Mitleid mit uns und erwartet daher mit Liebe unsere Rückkehr in das Haus des Vaters, von wo Satan uns in sein wildes Königreich führte.

Die Ausführung "Verlorene Sohn" am Pariser Konservatorium für Furore gesorgt. Das Publikumsidol jener Jahre, Charles Gounod, umarmte den 22-jährigen Autor, Claude Debussy, mit den Worten: „Mein Freund! Du bist ein Genie!"

Hören Sie Lilys Arie aus dieser Kantate

Debussy ist nicht mehr wegzudenken Klaviermusik... Der Komponist selbst war ein talentierter Pianist (sowie ein Dirigent); „Er spielte fast immer in ‚Halbtönen', ohne jede Härte, aber mit solcher Fülle und Klangdichte, wie Chopin spielte“, erinnert sich der französische Pianist M. Long. Aus Chopins Luftigkeit, der Weitläufigkeit des Klangs des Klavierstoffs machte Debussy den Anfang seiner koloristischen Suche. Antike Genres aus der Bergamas-Suite und der Suite für Klavier (Präludium, Menuett, Passpier, Sarabande, Toccata) repräsentieren eine Art "impressionistische" Version des Neoklassizismus. Debussy greift überhaupt nicht auf Stilisierungen zurück, sondern schafft sich ein eigenes Bild der Alten Musik, eher einen Eindruck davon als ihr "Porträt".

Heute hat der herausragende St. Petersburger Pianist Igor Uryash die Klaviersuiten aufgeführt.

Die Klaviersuite "Children's Corner" ist Debussys Tochter gewidmet. Der Wunsch, die Welt in der Musik durch die Augen eines Kindes in seinen üblichen Bildern zu offenbaren - ein strenger Lehrer, eine Puppe, ein kleiner Hirte, ein Spielzeugelefant - lässt Debussy sowohl alltägliche Tanz- und Liedgenres als auch Genres der professionellen Musik weithin verwenden in grotesker, karikierter Form.

Diese Komposition heißt "Schnee tanzt"

Eine der Kompositionen der "Kinderecke" heißt "Marionettenkuchen-Spaziergang".Und was ist das? Wörtlich das Spaziergang, ("Walk with a pie") - ein Negertanz zur Begleitung von Banjo, Gitarre oder Mandoline mit für Ragtime charakteristischen rhythmischen Mustern: synkopierter Rhythmus und kurze unerwartete Pausen auf starken Taktschlägen. Der Name des Tanzes war mit dem ursprünglichen Brauch verbunden, die besten Tänzer mit einer Torte zu belohnen, sowie mit der Pose der Tänzer, als ob sie ein Gericht anbieten würden.

Warum Debue ssi als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet wird? Der Beginn des Jahrhunderts ist geprägt von einer verstärkten Suche nach neuen, "exotischen" musikalischen Ausdrucksmitteln. Vielen schien es, als hätten sich klassische und romantische Themen erschöpft. Auf der Suche nach einem neuen Intonationshintergrund, einer neuen Harmonie, interessierten sich Komponisten der 10er - 30er Jahre für Musik, die sich außerhalb der europäischen Kultur gebildet hatte. Diese Bestrebungen standen im Einklang mit dem Jazz, der Debussy, Ravel sowie den Komponisten der "Six"-Gruppe einzigartige Möglichkeiten zur Bereicherung des Systems der musikalischen und ausdrucksstarken Mittel eröffnete. Debussy betrachtete Jazz als exotische Neuheit und nicht mehr, aber mit seiner leichten Hand eroberte der Jazz Europa und wurde zur zweiten Heimat des Jazz.

Das wichtigste synkopierte Cakewalk-Motiv sind die perkussiven Akzente auf dem schwachen Beat; Pausen statt der erwarteten Töne; Verletzung der erwarteten Akzente; Akkorde, die die Klänge eines Banjos reproduzieren; unerwartete aufeinanderfolgende Akzente am Ende einer kurzen Phrase - ähnliche (und andere) hell gespielte Momente kehren den Hörer zu den Improvisationen der Minnesänger-Banjo-Spieler zurück [Debussy nannte sein Werk nicht "Doll Cakewalk", wie wir es übersetzen, sondern "Golliwog's Cakewalk" Hollywood ist der Name einer grotesken schwarzen männlichen Puppe. Charaktere in den Aufführungen schwarzer Minnesänger hatten auch einen solchen Spitznamen. Auf dem Cover der Erstausgabe von Children's Corner ist übrigens eine Minnesängermaske abgebildet.

In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts wurde der Cakewalk, abgespalten von der Minnesängerbühne, nicht nur auf dem amerikanischen Kontinent zu einer dominierenden Mode. Es verbreitete sich in Form des Salontanzes in Europa und führte das für diese Zeit neue polyrhythmische Denken in die Musikpsychologie unserer Zeit ein. Die enorme Einflusskraft des Cakewalks hing offensichtlich damit zusammen, dass er sich als Träger der Sozialpsychologie des Westens entpuppte, die den „Viktorianismus“ ablehnte. Eine Vielzahl von Formen der amerikanischen Hausmusik um die Jahrhundertwende erlag ihrem Einfluss. Der Rhythmus des Cakewalk findet sich in Salonklavierstücken und in Popnummern für traditionelle Instrumentalensembles und in Märschen für eine Blaskapelle und manchmal in Gesellschaftstänzen europäischen Ursprungs. "Selbst bei Walzern traten Synkopen auf, von denen Waldteuffel und Strauss nie träumten."

Beliebig leuchtende Komposition Debussy "Mondlicht". Claude Debussy liebte im Allgemeinen das Licht des silbernen Gefährten der Erde. In mondhellen Nächten komponierte er besser. Vielleicht, weil er sich in seiner Jugend in einer mondhellen Nacht in die Tochter der russischen Millionärin und Kunstmäzenin Nadezhda Filaretovna von Meck verliebte - eine begeisterte Schönheit Sonechka? ..

Sonya ... Ein unberechenbarer goldhaariger Engel ... Sie lernte fanatisch die Tonleitern, dann schmollte sie und weigerte sich, am Klavier zu sitzen. Sie ging mit Claude spazieren, jeden Abend führte sie Claude heimlich in den Wald, auf die Wiesen, an den See. Ein magisches Mondlicht beleuchtete die Straße. Die goldhaarige Sonya lächelte wie eine Meerjungfrau:
- Du musst mir alles Französisch beibringen - Sprache und Küssen! - und der erste küsste Claude.

Balmonts Gedicht stimmt sehr gut mit der Musik von Debussy überein.

Wenn der Mond in der Dunkelheit der Nacht funkelt
Mit deiner Sichel, glänzend und sanft,
Meine Seele sehnt sich nach einer anderen Welt,
Gefangen von all dem Fernen, all dem Grenzenlosen.

Zu den Wäldern, zu den Bergen, zu den schneeweißen Gipfeln
Ich hetze in Träumen; wie ein kranker Geist,
Ich bin wach über einer heiteren Welt,
Und ich weine süß und ich atme - der Mond.

Ich trinke in diesem blassen Schein
Wie ein Elf, der in einem Strahlengitter schwingt
Ich höre der Stille zu.

Meine Verwandten sind weit davon entfernt zu leiden,
Die ganze Erde ist mir fremd mit ihrem Kampf,
Ich bin eine Wolke, ich bin ein Hauch einer Brise.

Der Komponist N. Ya. Myaskovsky schrieb über Debussys Werk: "... In den Momenten, in denen er (Debussy) es unternimmt, seine Wahrnehmung der Natur einzufangen, passiert etwas Unfassbares: Eine Person verschwindet, als ob sie sich auflöst oder in ein schwer fassbares Staubkorn verwandelt , und herrscht über alles wie ewig, wechselhaft unveränderlich, rein und still, alles verzehrende Natur selbst, all diese stillen, gleitenden "Wolken", sanften Überläufe und Absprünge von "spielenden Wellen", Rascheln und Rascheln von "Frühlingsrunden". Tänze", sanftes Flüstern und träge Seufzer des Windes, der mit dem Meer spricht - Ist das nicht der wahre Hauch der Natur! Und ist der Künstler, der die Natur in Klängen nachgebildet hat, nicht ein großer Künstler, kein außergewöhnlicher Dichter? "

In seinen Werken gibt es oft keine Melodie im üblichen Sinne, sie verengt sich auf mehrere Klänge, manchmal zwei oder drei.

V Textur Debussys Satz ist in Parallelkomplexen (Intervalle, Dreiklänge, Septakkord) von großer Bedeutung. Solche Schichten bilden in ihrer Bewegung komplexe polyphone Kombinationen mit anderen Texturelementen. Es gibt eine einzige Harmonie, eine einzige Vertikale.

Nicht weniger eigenartig melodisch und Rhythmus Debussy. In seinen Werken finden sich selten detaillierte, geschlossene Melodiekonstruktionen - es dominieren kurze Themen-Impulse, prägnante Phrasen-Formeln. Die melodische Linie ist sparsam, zurückhaltend und flüssig. Ohne weite Sprünge, scharfe "Aufschreie", beruft es sich auf die ursprünglichen Traditionen der französischen poetischen Deklamation. Die dem allgemeinen Stil entsprechenden Qualitäten haben sich erworben und Rhythmus- mit ständiger Verletzung metrischer Grundlagen, Vermeidung klarer Akzente, Tempofreiheit. Debussys Rhythmus ist geprägt von kapriziöser Unstetigkeit, dem Wunsch, die Kraft des Taktstrichs zu überwinden, betonte Rechteckigkeit (obwohl der Komponist in Bezug auf Folk-Genre-Themen die die charakteristischen Rhythmen von Tarantella, Habokaer, Marschprozession bereitwillig angewendet).

Auftakt "Mädchen mit Flachshaar"(Ces-dur) ist eines der beliebtesten Werke von Debussy. Die betont schlichte Klaviertextur dieses charmanten Stückes verbindet sich mit der Frische melodischer Umrisse und harmonischer Sprache. Kein Ausdruck von Gefühlen, sondern ein Ausrutscher ..."

Und so klingt diese Melodie in der Interpretation des berühmten amerikanischen Geigers Joshua Bell

Debussys einziges Streichquartett ist das Ergebnis des Experimentierens mit einem revolutionären Stil namens Impressionismus. Ein charakteristisches Merkmal des Impressionismus ist eine neue Kombination von Klängen, die für sich zu existieren scheinen und anderen Klängen nicht folgen und sie nicht fortsetzen. Die Uraufführung des Quartetts war erfolglos, aber Generationen von Interpreten haben seine extreme technische und musikalische Komplexität gemeistert, und jetzt kann das Publikum eine erstaunliche Menge an Texturen und Effekten genießen.

Und ein paar Worte zum Pianisten. Igor Uryash ist ein neuer Name für mich. Er ist ungefähr 50 Jahre alt. Er spielt sehr gut.

Igor Uryash — einer der führenden Pianisten Russlands. Mitglied der Ensembles "Neva-Trio", "St. Petersburg Chamber Players", "St. Peters-Trio". Als Solist, Teilnehmer an Sinfonieprogrammen und Kammerensembles tourt Igor Uryash ausgiebig durch Russland, Westeuropa, die Länder des Fernen Ostens, die USA und Kanada. Er machte eine Reihe von hoch bewerteten Aufnahmen. Igor Uryash hat erfolgreich mit dem herausragenden Cellisten Mstislav Rostropovich zusammengearbeitet und ist mit ihm sowohl in St. Petersburg als auch auf Tournee im Duett aufgetreten. Seit 1996 arbeitet der Pianist mit dem weltberühmten Geiger M. Vengerov zusammen.

Ich möchte mich nicht von Debussys Musik verabschieden.

Debussy ist verblüffend in ihrer Einzigartigkeit!.. Seine Musik ist voller Leidenschaft, aber nicht durchdringend, sondern bezaubernd; Funken vermischen sich dort auf wundersame Weise und seltsamerweise mit Eisstücken, und das Geheimnis, für ein zweites Flackern mit der Möglichkeit der Lösung, wird nie ganz gelüftet ...

andere Motive. Das Thema des Refrains (A) bei der ersten Ausführung besteht also aus zwei ungleichen Sätzen - 11 Takte und 6 Takte. In diesen 17 Maßnahmen gibt es mindestens vier verschiedene Motive. Die erste Episode (B) besteht ebenfalls aus vier Motiven, von denen eines aus dem Refrain abgeleitet ist. Darüber hinaus gibt es Motive, die deutliche Verbindungen zum Präludium haben (auf der Ebene melodischer, rhythmischer und texturierter Elemente).

BEISPIEL 23. Menuett (Bergas Suite für Stunden)

BEISPIEL 23a. Präludium (Suite Bergamas)

BEISPIEL 24. Menuett (Suite Bergamas)

BEISPIEL 24a. Präludium (Suite Bergamas)

So demonstriert Debussy bereits in diesem Stück unerschöpfliche Phantasie und Freiheit in der Form. Aber die Hauptsache ist das Original, jenseits jeder Stilisierung, die Brechung des Genres des antiken Tanzes.

Mondschein Clair de lune

Andante, tres expressif (Andante sehr ausdrucksstark), Des-dur, 9/8

Moonlight ist ein Meisterwerk des jungen Debussy, eines der Repertoire seiner Klavierstücke. Es existiert in verschiedenen Bearbeitungen: für Violine, für Cello, für Orchester.

"Mit "Moonlight" dringen wir in ein neues Universum ein" - sagte Halbreich®. „In der Tat ist dies Debussys erste Arbeit auf dem Gebiet der Klanglandschaft und der Landschaft der Nacht, insbesondere seine geliebte, außerdem die Mondlandschaft. Es genügt, sich an die Namen späterer Werke zu erinnern, um Debussys „Nacht“ vorzustellen "Thema: Und der Mond geht auf den einst ehemaligen Tempel herab. Moonlight Rendezvous Terrace, Piano Nocturne, Orchestral Nocturnes, Düfte der Nacht, Sternennachtromantik ...

Das Stück ist voller Charme, dezenter Klanggeschmack. Eine besondere Rolle spielt dabei der Phonismus singender Terzen, Parallelismen von absteigenden, leise klingenden Septakkorden. Und die Terzen sind eine Pause, die Debussy viel bedeutet hat (es ist kein Zufall, dass er ein Vorspiel hat Abwechselnde Terzen, Etüde Für Terzen,"Thrz" Auftakt des Segels).

Die Des-Dur (Cis-Dur)-Tonalität der matten Farbe hat Debussy wahrscheinlich auch viel bedeutet: Dies ist die Tonalität des Piano-Nocturne, Pelléas' Orchester-Nachspiele, Pelléas' Arioso aus dem dritten Akt, die More-Symphonie, Präludien Feen sind schöne Tänzer. Alhambra-Tor All dies, mit Ausnahme von Nocturne, wurde viel später geschrieben.

Paradoxerweise ist das Mondlicht mit dünnen Fäden verbunden Auftakt zu Fauns Nachmittag. In der Bedeutung sind die beiden Stücke gegensätzlich (Nacht - Tag) und gleichzeitig gibt es deutliche Parallelen zwischen ihnen. Erstens sind beide Stücke in einem, eher seltenen 9/8-Takt, zweitens beginnt Faun mit der Haupttonart E-Dur in cismoll – einer einstimmigen Tonleiter für Des-Dur, in der Moonlight geschrieben ist. Drittens gibt es im anfänglichen Moonlight-Thema ein Motiv, das dann in den Anfangstakten von Faun auftaucht.

Lockspeiser E., Halbreich N. Or. zit. R.558.

BEISPIEL 25 Mondschein (Bergamas Suite)

BEISPIEL 25a. Fauns Nachmittag

p doux und expressif

Schließlich ist der Phonismus des Erklingens des dritten Themas im Mondschein eindeutig Flöte (das Hauptthema von Faun wird der Flöte zugeordnet). In der dreiteiligen Form, in der der Mittelteil beweglicher ist und die Melodie vor dem Hintergrund fließender Figurationen erklingt, wird Debussys Lieblingselement verkörpert, das mit einem fließenden Strom aus Luft, Wasser, Licht verbunden ist - Solar oder Mond. Und das entspricht auch Faun.

Der Verzicht auf quadratische Strukturen wird zur Norm der rhythmischen Organisation und zeugt von einem neuen musikalischen Zeitgefühl. So ist zum Beispiel der erste Satz acht Takte und der zweite achtzehn.

Im Bereich der Dynamik wird die Hauptsache gelegt: die Dominanz von Pianopianissimo und nur zwei Takte im ganzen Spiel forte. Genau diese Beziehung wird die meisten Werke Debussys charakterisieren.

Interessanterweise bleibt Debussys Dynamik im zweiten Satz pianissimo (trotz des bescheidenen, fast unmerklichen Crescendo), wenn die Melodie in die obere Lage ansteigt und die Akkordstruktur erscheint und wenn ein romantischer Komponist forte schreiben würde. Debussistische Angst, quälendes Understatement und die Raffinesse des Gefühls verstecken sich hier bereits. Es gibt noch einen Höhepunkt - im Mittelteil gibt es einen Forte-Takt, danach ein schnelles (zwei Takte) Ausklingen des Klangs - zuerst zwei Klaviere, dann drei Klaviere in der Reprise. Und im Code danach pianissimo - morendo jusqu "d la fin (bis zum Ende verblassend).

V. Yankelevich, der über die Philosophie des Mondlichts als solche von Debussy nachdachte, brachte interessante Gedanken zum Ausdruck, die es verdienen, häufig zitiert zu werden:

"'Mondschein" ... das Debussy-Nocturne hat wenig mit romantischem Mondlicht zu tun, denn dieses Mondlicht ist nur ein Vorwand, um die Träume und Gedanken des Dichters zu offenbaren. Die Nacht schärft für Debussy seine Gefühle; und sie sind für uns [.. .] als unerwartete Anmut Diese Gefühle dringen umso tiefer in unsere Seele ein, weil sie absolut unaufdringlich sind: Sie spiegeln eine gewisse Naivität wider - eine Bedingung für poetische Inspiration [...] Wind, vom Duft der Glyzinien, die in uns spannende Erinnerungen wecken, ein Gefühl der Sehnsucht nach dem vergangenen Frühling [...].

Entgegen jeder Subjektivität [...] bleibt Debussy sozusagen im Einklang mit den Elementen der Natur, [...] mit dem universellen Leben. Er fühlt sich eingetaucht in die universelle Musik, die der Natur innewohnt. Diese Musik umhüllt uns gleichermaßen gut im Sonnenlicht wie im Mondlicht der Nacht [...]. Man kann Debussys Musik mit Ekstase vergleichen – der Ekstase des Gebets. Sein heller Blick ist gewissermaßen ein Spiegel der Außenwelt. Wo ist Claude Debussy selbst in den halluzinierenden Bildern, in die uns diese Musik eintaucht? Claude Debussy vergaß sich selbst, Claude Debussy vereinte sich in Ekstase mit der Nacht und mit dem Licht, mit dem Mittagslicht, der Mitternachtsdämmerung ... ”^.

Es ist poetisch und sehr prägnant gesagt über die Hauptsache zum Verständnis von Debussys Musik.

Paspier Passepied

Allegretto ta pop troppo, fls-moll, 4/4

Das Finale der Suite ist das detailreichste Stück. Und sie ist voller Charme, dem Moonlight in dieser Hinsicht nicht nach. Ihre Idee ist Bewegung, aber in dieser kontinuierlichen Bewegung steckt vieles.

Der 4/4-Takt entspricht nicht dem Paspier-Rhythmus - dem alten Tanz bei 6/8 oder 3/8. Vielleicht hat Debussy diesen Namen gerade als Symbol für schnelle und kontinuierliche Bewegung verwendet? Aber Anspielungen auf die Musik der Epoche, als der Paspier in die Suiten aufgenommen wurde, bestehen vor allem in der asketischen Textur der zweistimmigen Stimme, in der Annäherung an den Klang des Cembalo.

Eine elegante Melodie (extrem lang für Debussy) wird von einem durchgehenden Stakkato mit gleichmäßigen Achtelnoten begleitet.

nementa (im Geiste von Alberti Bass), die an die Vision eines Pferderennens erinnert. Aber nicht dieser dramatische Sprung wie im Waldzaren von Schubert und nicht dieser dramatische Sprung von Wronski aus dem Roman von L.N. Tolstoi Anna Karenina. Nein! Schönes, friedliches Bild. Man kann sich einen Ausritt im Bois de Boulogne vorstellen. Aber unter dieser äußeren Inhaltsschicht verkörpern sich viele verschiedene subtile Emotionen, als ob dieser Sprung mit einer Kette von Erinnerungen an etwas Leichtes, Angenehmes, verführerisch Zartes, Leichtes vermischt wäre, das mit einem Spaziergang verbunden ist. V. Yankelevich schreibt mit Recht, dass Debussy das Geheimnis der Dinge spürt, auch wenn es scheinbar kein Geheimnis gibt. "Er präsentiert das poetische Mysterium, das Mysterium der Atmosphäre vertrauter Phänomene, alltäglicher Ereignisse als Traum" ^ K Und dies wird nur in Bezug auf Paspier gesagt.

Das Stück ist seinem Wesen nach französisch. Darin steckt französische Raffinesse, Subtilität, schwer fassbare Empfindungen, Leichtigkeit und Charme. Auf einem durchgehenden Ostinata-Hintergrund überlagern sich Motive und Themen anderer Art, darunter verträumt, zerbrechlich, schmerzlich zart, glockig, klangvoll. Ein Kaleidoskop von Motiven wird kombiniert mit einem subtilen Klangfarbenspiel, mit einer flexiblen, ungezwungenen rhythmischen Organisation, mit der Anordnung von Triolen in Vierteln über den gleichmäßigen Achtelsatz.

Paspiers Form ist ein komplexer Dreiklang (das Hauptthema variiert mit jeder neuen Wiederholung) mit einem mehrthematischen Mittelteil und einer abwechslungsreichen Reprise, bei der die Mitte auf einem neuen Thema steht:

A (a-b-a,)

C (c-c1-e-g-e, -mode) Aj (a ^ -g-aj)

Es ist schwierig, Yu. Kremlev zuzustimmen, der außer Lunnoye

Licht, nennt er alle Stücke der Suite "gekünstelt", während es in dieser wunderbaren Suite nichts Natürlicheres und schon sehr Originelles gibt.

Für Klavier (1901) Pour le piano

Ungefähr 10 Jahre auseinander Bergamas-Suite aus der Pour le Piano Suite. Dies ist das Jahrzehnt der rasanten Entwicklung des Komponisten, die Zeit der Entstehung der Oper. Es ist möglich, dass einige der Stücke in der Suite etwas früher geschrieben wurden. Aber Fakt bleibt: Pour le piano -

"Jankelevitch V. Debussy et le myst ^ re de I" sofort. S. 19.

eine der ersten post-pellasianischen Kompositionen. Harmonische Sprache ist viel komplexer geworden. Debussy verwendet Ketten unaufgelöster Septen und Nicht-Akkorde, Nebeneinanderstellung von Dreiklängen entfernter Tonalitäten, Ganzton sowohl in Harmonie als auch in Melodie.

Der Zyklus besteht aus drei Stücken, was für viele Werke Debussys unterschiedlicher Gattungen typisch ist. Trotz der ziemlich großen temporären Distanz, die trennt Bvrgamas-Suite von Pour le piano stehen sie in ihrer neoklassischen Ausrichtung, der Wiederauferstehung der Genres der Musik des 18. Jahrhunderts, nahe. Aber was ist dieser "Neoklassizismus"? Es ist einzigartig mit Impressionismus kombiniert. Debussy greift auf das Schaffen von Komponisten der Ära Bach, Scarlatti, Couperin zurück, zeigt aber gleichzeitig auf, was mit alten Gattungen, Formen, ja sogar einigen Entwicklungsprinzipien der Neuzeit in den neuen ästhetischen Bedingungen des Impressionismus möglich ist .

Vorspiel Vorspiel

Assez anime et tresritme (Ziemlich lebendig und sehr rhythmisch), a-moll, 3/4

Das energische, schnelle Prelude ist vielleicht das einzige Werk von Debussy, in dem der Komponist an Bach "erinnert". Eine einzige rhythmisch-texturierte Formel, die auf dem Satz der Sechzehntel basiert, wird fast während des gesamten Vorspiels beibehalten, nur zweimal vom Akkordmartellato unterbrochen und endet mit einer rezitativ-improvisatorischen Coda. Das Vorspiel ist geprägt von Bachs „Ernst“ und Bedeutung. Das tiefe Echo des Hauptthemas ist wie ein schwerer Orgelbass. Die kontinuierliche Weiterentwicklung des Themas gleicht barocken Formen des sich entfaltenden Typs. Der durchgehende Satz der Sechzehntelnoten ist ebenfalls auf Bach bezogen (wie im Präludium mit-ToI aus dem ersten Band des WTC), die Rezitativ-Improvisation im Code gleicht dem Ende desselben Präludiums. All dies legt nahe, dass die Anspielungen auf Bachs Musik beabsichtigt waren.

BEISPIEL 26. Präludium (für Klavier)

Tempo di Cadenza

BEISPIEL 26a. Bach. Präludium c-moll, Band I des WTC

Gleichzeitig ist dies in Harmonie und im Aufbau der Form ein typisches Debussy. Die Kanten der Form verhüllt er geschickt. So enthalten vier Takte, die als rhythmisch pulsierende Einleitung wahrgenommen werden, tatsächlich wichtiges thematisches Material (Motiv a, siehe Diagramm), auf dem die kontrastierenden Formteile aufbauen.

Schema Nr. 1. Präludium (Für Klavier

Das zweite Thema (b) ist originell. In der Motorik der 16er tritt eine verborgene tiefere Stimme (Melodie in gleichmäßigen Vierteln) im Geiste des Gregorianischen Gesangs auf. Die langwierige Bereitstellung des Themas umfasst 37 Ticks. Neben diesen beiden Themen enthält der erste Abschnitt auch den dritten: das akkordische Martellato fortissimo, in dem die Parallelitäten vergrößerter Dreiklänge vorherrschen (das Bild einer läutenden Glocke - es scheint in liturgischen Gesang auszubrechen). Aber dieses scheinbar neue Thema (c) ist im Wesentlichen eine Variante (und figurative Transformation) des Eintrittsmotivs (a).

Der Mittelteil wechselt zu einem ganz anderen phantasievollen Plan, obwohl er auf den Expositionsmotiven (a und b) basiert. Es basiert auf einem durchgehend zitternden zweiten Tremolo (Oper Pelléas und Melisande!), vor dem Hintergrund welches Motiv a zuerst entwickelt wird, dann Motiv b. Die Tonalität ist instabil, das Vertrauen auf die Ganztonskala überwiegt. Aber die Hauptsache ist, dass in diesem Abschnitt der Pelléas-Triton d-as fast durchgehend auf dem starken Takt betont wird. Alles, was in Debussys Musik mit ihm zu tun hat, ist immer geheimnisvoll und verstörend.

"" Die Buchstaben im Schema sind die Motive, die Zahlen sind die Taktzahlen im Motiv. Diese Form der Notation wird in nachfolgenden Schemata beibehalten.

aber. Das Chorthema geht in die hohe Lage (hier kommt die Nachahmung der Klangfarbe von Celesta oder Glocken zur Geltung), wird brüchig und unruhig; Als Fortsetzung des Hauptkorns überlagert sich der Takt der 16er den Diskanttriolen in den Achteln wie das Läuten hoher Glocken.

Die Anzahl der Balken in den Motiven zeigt eine neue Art der temporären Organisation. Organische Nicht-Rechtwinkligkeit ist das Herzstück des ganzen Spiels. Jedes Thema in einem neuen Verhalten erscheint immer in einer anderen Maßstabsdimension, dh seine Struktur verändert sich ständig, einige Elemente verschwinden, andere entstehen.

Sarabande Sarabande

Avec ipé elegance grave et lente (Mit elegantem Ernst, langsam), cis-moll, 3/4

Sarabande ist eines der ausdrucksstärksten Klavierstücke Debussys. Später wandte sich Debussy diesem Genre mehr als einmal zu und zog damit die Aufmerksamkeit von Komponisten einer neuen Generation auf sich. In Rhythmus und Bewegung behält Debussy die Hauptmerkmale des Q / a mit einer Betonung des zweiten Taktschlags dieses Genres bei.

Sarabandes Musik ist voller überirdischer Traurigkeit und Zärtlichkeit. In der Stimmung des Stücks kann man eine Reaktion auf eine der Szenen von Pelléas spüren. Fast unmerklich führt der Komponist in der Mitte des Stückes ein lakonisches (man könnte sagen, ein verstecktes Zitat) aus der Orchestereinleitung in die dritte Szene des ersten Aktes (die erste Begegnung der jungen Helden) ein. Das Zitat ist Melisandes Motiv in seiner sängerischsten und schönsten Version. In dieser Form verkörpert dieses Motiv sowohl den ersten Ruf der Liebe als auch die Traurigkeit der Vorahnung. Debussy verschleiert seinen Auftritt in Saraband und gibt das Motiv nicht ganz an, sondern nur seinen "Schwanz". Er scheint das Zitat zu verbergen und fängt es gleichzeitig mit der Dynamik von Mezzo forte (zum ersten Mal), Mezzo Piano (zum zweiten Mal) umgeben von Piano und Pianissimo sowie dem allgemeinen Ton des Cis- Moll des Stücks und der gegebenen Szene. So bescheiden und unaufdringlich lenkt Debussy die Aufmerksamkeit auf dieses Zitat.

BEISPIEL 27. Sarabande (Für Klavier)

BEISPIEL,. 27". Pelléas und Melisande (I - 3)

Die Themen von Sarabande sind eine wunderbare melodische Entdeckung von Debussy: es sind Melodielinien, die mit Septakkorden, Nicht-Akkorden (und gelegentlich Dreiklängen) verdichtet sind, die entweder herb oder weich klingen, aber mit großer innerer Spannung. Das Anfangsthema ist sehr ausdrucksstark, präsentiert durch Septakkord in natürlichem Cis-Moll, wenn auch eher vage, weil es manchmal als Gis-Moll wahrgenommen wird. Der harmonische Geschmack ist exquisit. Noch weiter geht der Komponist in der Kühnheit der Harmonie im zweiten Thema (am Anfang des Mittelteils). Es basiert auf der Parallelität von Viertelsekunden-Akkorden mit einem sehr spezifischen Timbre-Geschmack. Aber die beeindruckendste Melodie ist die dritte: ganze Bündel von Septakkorden in zwei Händen, die mit durchdringender Traurigkeit klingen. Die Hauptsache: Nach Stimmung und Intonation folgen alle Melodielinien aus dem Zitat, sie werden aus ihm und der Bedeutung geboren, die der Komponist diesem Thema in der Oper beigemessen hat. T a k Sarabande mit t und l a erstes f ungefähr t e p in an n ungefähr ein p e s ungefähr, mit einem Wort dazu ungefähr auf der Rückseite

Oper s.

V die Textur des Stückes ist ein ursprünglicher Gegensatz von Akkordmelodie und strengem archaischem Unisono oder Gegensatz von disharmonischen Akkorden zur Konsonanz von Dreiklängen. In der Reprise wird das erste Thema also nicht wie am Anfang durch Septakkord, sondern durch Dreiklänge harmonisiert (in diesem Fall beginnt es mit einem Dreiklang zweiter niedriger Stufe für cis-moll, forte). Ihr Charakter verändert sich dramatisch. Von zerbrechlich und geheimnisvoll zart wird es zu einem feierlichen, als ob es an einen anderen Moment der Oper erinnert: "Ich bin Prinz Golaud". Somit hat Sarabande einen doppelten Boden, mit einer versteckten Bedeutung.

Toccata Toccata

U1 / (lebendig), cis-moll, 2/4

Das Ende des Zyklus ist die Verkörperung des Bewegungsgedankens (wie Paspier), bzw. der Freude an der Bewegung. Ein brillantes, leichtes, lebendiges Virtuosenstück. Paspier ist auch eine Bewegung, aber anders als in Toccata. Es gibt fast ein sichtbares Bild, hier überträgt der Komponist alles in einen abstrakten Plan. Tatsächlich ist die Idee nicht neu – die Idee von Motorstücken von Bach, Vivaldi und ihren Zeitgenossen. Toccata befindet sich in der Nähe des Prelude, das die Pourlepiano-Suite eröffnet. Aber wenn darin - "Ernst", Massivität von Bachs Orgelstücken, dann ist Toccata näher an leichten Klavierstücken französischer Cembalisten. Seine Textur basiert auf einem besonderen Gefühl der "Tastatur" eines pedallosen Instruments. Hier wird insbesondere die Textur alter Klavierstücke kombiniert - trocken, monophon, mit zwei Händen gespielt, wobei die Musik frei von heller Thematik (dh basierend auf Figurationen, Sequenzierungen, harmonischen Modulationen) und Texturen ist, in denen ein ausdrucksstarkes Melodielinie erscheint.

Von den alten Klavierstücken - das Prinzip, den Stoff in einer kontinuierlichen Bewegung von 16 Dauern zu entfalten. Außerdem wird der Temporhythmus der Toccata vom Anfang des Stückes bis zum Ende ohne Abweichungen beibehalten (ein eher seltener Fall bei Debussy). Aber mit der kontinuierlichen Bewegung der 16er vollbringt Debussy erstaunliche Dinge. Atematische Musik (im Sinne des Barock) wird hier durch die Verschleierung des Phonismus des Pedalklaviers ersetzt. Und das ist schon eine Hinwendung zur modernen Konnotation, ein solcher Gegensatz ist an sich schon interessant. Hier, sagen sie, schau, wie es damals war und was man mit dem gleichen Material heute auf einem modernen Klavier und den Mitteln der modernen Harmonie machen kann. Über in über t to n e o l as s und c i s m u i z n e n über diese fett über n über n und e alles über ph über t e p und n über g s t i l i in o p über re n s t und r n y Musik-Sprache.

Debussy verbindet das barocke Prinzip der Entfaltung (auf einer einzigen rhythmisch-strukturierten Formel) mit der kontinuierlichen Erneuerung der Textur und schmückt sie mit frischen harmonischen Farben, ungewöhnlichen tonalen Gegenüberstellungen, Modulationen. So wird am Anfang des cis-moll - E-dur Toccata schnell durch chromatische Sequenzen mit instabilem Tonzentrum ersetzt. Der Mittelteil beginnt im fernen C-Dur, das schnell einem sprunghaften Herumwandern in Tonarten weicht.