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Auch Meisterwerke der Malerei, die uns bekannt vorkommen, haben ihre Geheimnisse.

Wir sind in Webseite Wir glauben, dass es in fast jedem bedeutenden Kunstwerk ein Geheimnis, einen „doppelten Boden“ oder eine geheime Geschichte gibt, die Sie enthüllen möchten. Heute werden wir einige davon teilen.

112 Sprichwörter auf einem Bild

Pieter Bruegel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559

Pieter Bruegel der Ältere stellte ein Land dar, das von wörtlichen Bildern niederländischer Sprichwörter jener Zeit bewohnt war. Das Gemälde enthält etwa 112 erkennbare Redewendungen. Einige davon werden heute noch verwendet, zum Beispiel: „Schwimmen Sie gegen den Strom“, „schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „Große Fische fressen kleine Fische“.

Andere Sprichwörter spiegeln die menschliche Dummheit wider.

Subjektivität der Kunst

Paul Gauguin, „Bretonisches Dorf im Schnee“, 1894

Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Mann, der die Auktion durchführte, hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, weil er darin einen Wasserfall sah.

Malewitschs Botschaft

Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915

Spezialisten der Tretjakow-Galerie entdeckten die Inschrift des Autors auf dem berühmten Gemälde von Malewitsch. Die Inschrift lautet: „Der Kampf der Schwarzen in der dunklen Höhle.“ Dieser Satz bezieht sich auf den Titel eines humorvollen Gemäldes des französischen Journalisten, Schriftstellers und Künstlers Alphonse Allais, „Die Schlacht der Neger in einer dunklen Höhle mitten in der Nacht“, das ein komplett schwarzes Rechteck darstellte.

Verstecktes Bild

Pablo Picasso, „Blaues Zimmer“, 1901

Im Jahr 2008 enthüllte Infrarotstrahlung, dass sich unter dem Blauen Raum ein weiteres Bild verbarg – das Porträt eines Mannes im Anzug mit Fliege, dessen Kopf auf die Hand gestützt war. „Sobald Picasso eine neue Idee hatte, griff er zum Pinsel und erweckte sie zum Leben. Aber er hatte nicht die Möglichkeit, jedes Mal, wenn eine Muse ihn besuchte, eine neue Leinwand zu kaufen“, erklärt die Kunsthistorikerin Patricia Favero einen möglichen Grund dafür.

Spontane Einsicht

Valentin Serov, „Porträt von Nikolaus II. in einer Jacke“, 1900

Serow konnte lange Zeit kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler völlig aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Arme vor sich aus... Und dann dämmerte es dem Künstler – hier ist das Bild! Ein einfacher Militärmann in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.

Noch eine Zwei

© Fedor Reshetnikov

Das berühmte Gemälde „Deuce Again“ ist nur der zweite Teil einer künstlerischen Trilogie.

Der erste Teil lautet „Angekommen im Urlaub“. Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.

Der zweite Teil ist „A deuce again.“ Eine arme Familie aus der Arbeiterklasse, auf dem Höhepunkt des Schuljahres, ein niedergeschlagener Idiot, der wieder eine schlechte Note bekam. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Im Urlaub angekommen“ zu sehen.

Der dritte Teil ist „Nachprüfung“. Ein ländliches Haus, Sommer, alle gehen spazieren, ein bösartiger Ignorant, der die jährliche Prüfung nicht bestanden hat, ist gezwungen, in seinen vier Wänden zu sitzen und zu stopfen. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Deuce Again“ zu sehen.

Wie Meisterwerke entstehen

Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844

Im Jahr 1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Regenguss ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang. Die Frau konnte ihre Neugier nicht zurückhalten, öffnete auch das Fenster und begann nach vorne zu schauen. Ein Jahr später entdeckte sie auf einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin dieselbe Episode im Zug erkennen.

Diese Gemälde sind selbst denen bekannt, die weit von der Welt der Kunst entfernt sind, denn sie sind wahre Meisterwerke. Und jeder von ihnen birgt ein Geheimnis, das mit bloßem Auge nicht zu erkennen ist.

Und es scheint, dass jeder Strich bereits von innen und außen untersucht wurde, dennoch entdecken Wissenschaftler in diesen alten Gemälden ständig etwas Neues. Ihre Autoren hinterließen ihren Nachkommen ungewöhnliche Rätsel, die sie lösen konnten!

Die Herausgeber von InPlanet haben eine Liste von 12 legendären Gemälden zusammengestellt, die über viele Jahre und sogar Jahrhunderte hinweg Geheimnisse bewahrt haben!

Porträt des Ehepaars Arnolfini / Jan van Eyck (1434)

Dieses Porträt war das erste in der europäischen Geschichte, das ein Paar darstellte. Es ist ein hervorragendes Beispiel der Frührenaissance. Historiker streiten immer noch darüber, wer auf der Leinwand abgebildet ist und was dort passiert. Viele sind sich sicher, dass es sich um eine Hochzeit handelt, wie einige Schilder auf dem Bild zeigen.

Aber das interessanteste Fragment ist praktisch unsichtbar – im Spiegelbild an der Wand erkennt man die Umrisse von vier Personen. Es ist vage klar, dass es sich um einen Mann und eine Frau handelt, und die Unterschrift lautet „Jan van Eyck war hier“. Kunstkritiker glauben, dass der Künstler sich selbst und seine Frau dargestellt hat.

Das letzte Abendmahl / Leonardo da Vinci (1495-1498)

Dieses Fresko ist eines der berühmtesten Werke von Leonardo da Vinci und birgt auch viele Geheimnisse. Das interessanteste Geheimnis verbirgt sich an der Oberfläche – in den Bildern von Jesus und Judas.

Die restlichen Bilder malte der Künstler mit Leichtigkeit, doch diese beiden Gesichter fielen ihm am schwersten. Für das Antlitz Jesu suchte er nach der Verkörperung des Guten und hatte Glück – im Kirchenchor traf er eine junge Sängerin. Doch der letzte ungeschriebene Fleck blieb Judas, und da Vinci saß stundenlang in Restaurants, um die ideale Verkörperung des Bösen auszuwählen. Und schließlich hatte er Glück – in einem Graben fand er einen Trunkenbold, der kaum auf den Beinen stehen konnte. Er malte daraus das Bild des Judas, doch am Ende war er überrascht.

Dieser Mann kam auf ihn zu und sagte, dass sie sich bereits getroffen hätten. Vor einigen Jahren war er Sänger in einem Chor und hatte bereits für dieses Bild für Leonardo posiert. So begann ein Mann, Gut und Böse zu verkörpern.

Porträt der Dame Lisa del Giocondo / Leonardo da Vinci (1503-1505)

Das vielleicht geheimnisvollste Gemälde, das jemals gemalt wurde, ist die Mona Lisa. Seit mehreren Jahrhunderten beschäftigt es Kunstkritiker und Historiker und hat zu immer wilderen und faszinierenderen Ideen für seine Entstehung geführt.

Wer ist diese Frau mit einem geheimnisvollen Lächeln und ohne Augenbrauen? Traditionell wird angenommen, dass es sich hierbei um die Frau des Kaufmanns Francesco Giocondo handelt. Aber es gibt noch einige andere Theorien, die eine Daseinsberechtigung haben. Zum Beispiel, dass die Mona Lisa ein Selbstporträt von Leonardo selbst ist. Es besteht auch die Möglichkeit, dass dieses Gemälde von da Vinci für sich selbst gemalt wurde und das echte Gemälde vor 100 Jahren in Aizerloot entdeckt wurde. Diese Mona Lisa entspricht eher der Beschreibung des Gemäldes durch Leonardos Zeitgenossen.

Und in jüngerer Zeit haben Wissenschaftler vermutet, dass das mysteriöse Lächeln des Mädchens auf der Leinwand darauf zurückzuführen ist, dass sie keine Zähne hatte. Das Röntgenbild zeigte übrigens, dass sie zwar Augenbrauen hatte, diese aber durch die Restaurationen erheblich beschädigt waren.

Erschaffung Adams / Michelangelo (1511)

Ein weiteres Genie der Renaissance, Michelangelo, schuf sein Fresko für die Sixtinische Kapelle, wo es bis heute steht. Das Thema dieses Teils des Gemäldes war eine Szene aus der Genesis mit dem Titel „Die Erschaffung Adams“. Und es gibt viele verschlüsselte Symbole auf dem Fresko.

Wenn Sie beispielsweise den Schöpfer, der Adam erschafft, genau betrachten, können Sie ... das menschliche Gehirn erkennen. Experten glauben, dass der Künstler auf diese Weise eine Analogie des Schöpfers mit der Quelle der Intelligenz oder einfach dem Gehirn gezogen hat. Diese Theorie wird durch die Tatsache bestätigt, dass Michelangelo sich für Anatomie interessierte und ständig Experimente an Leichen durchführte.

Sixtinische Madonna / Raffael (1513-1514)

Dieses riesige, von Raffael gemalte Gemälde ist ein Beispiel für die höchste Kunst der Renaissance. Das Gemälde wurde von Papst Julius II. in Auftrag gegeben und befand sich im Kloster Piacenza. Einige Kunsthistoriker glauben, dass dieses Meisterwerk für die Beerdigung des Papstes gemalt wurde.

Raffael verschlüsselte viele Zeichen auf der Leinwand, die Historiker aufdecken konnten. Eines der offensichtlichen Geheimnisse der Sixtinischen Madonna besteht darin, dass der Künstler im Hintergrund die Gesichter der Wolke in Form von Engelsgesichtern darstellte. Einige Historiker glauben, dass es sich dabei um ungeborene Seelen handelt.

Uferszene / Hendrick van Antonissen (1641)

Das Gemälde des berühmten niederländischen Marinemalers Hendrik van Antonissen hat seit langem die Aufmerksamkeit der Kunstkritiker auf sich gezogen. Dieses Gemälde aus dem 17. Jahrhundert zeigt eine scheinbar gewöhnliche Meereslandschaft. Doch die Experten waren verwirrt über die große Menschenmenge, die sich ohne ersichtlichen Grund am Ufer versammelt hatte.

Die Wahrheit wurde mithilfe einer Röntgenuntersuchung festgestellt, die ergab, dass das Gemälde in Wirklichkeit einen Wal darstellte. Aber der Künstler kam zu dem Schluss, dass es den Menschen langweilig werden würde, den Kadaver eines toten Wals zu betrachten, also malte er das Gemälde neu. Und mit einem Wal sieht die Leinwand noch viel eindrucksvoller aus!

Der letzte Tag von Pompeji / Karl Bryullov (1830-1833)

Der russische Künstler Karl Bryullov war von der Geschichte Pompejis beeindruckt, als er 1828 den Vesuv besuchte. Er war von Natur aus ein sehr zurückhaltender Mensch, doch dann wurde Karl einfach von Emotionen überwältigt, er blieb vier Tage in der zerstörten Stadt und nach ein paar Jahren begann er, sein berühmtes Gemälde zu malen.

Auf der Leinwand lauert ein besonderes Geheimnis: Bei genauem Hinsehen erkennt man in der linken Ecke ein Selbstporträt des Künstlers. Er nahm auch seine Geliebte, Gräfin Julia Samoilowa, gefangen, mit der er mindestens dreimal, möglicherweise sogar öfter, eine lange Beziehung hatte. Zu sehen ist sie als Mutter, die ihre Töchter an die Brust hält, als Mädchen mit einem Krug auf dem Kopf und als am Boden liegendes Mädchen.

Selbstbildnis mit Pfeife / Vincent van Gogh (1889)

Jeder kennt die Geschichte vom abgeschnittenen Ohr des extravaganten Künstlers Vincent van Gogh. Er malte sogar sein Selbstporträt mit verbundenem Ohr, was unter Kunstkritikern heftige Debatten auslöste. Es ist immer noch nicht sicher, ob er sich das Ohr vollständig abgeschnitten oder verletzt hat.

Experten waren lange Zeit verwirrt darüber, dass Van Gogh auf dem Gemälde mit einem Verband am rechten Ohr dargestellt ist, sein linkes Ohr jedoch verletzt hat. Aber das Geheimnis wurde gelüftet – der niederländische Künstler malte Selbstporträts, während er in den Spiegel schaute, sodass es aufgrund des Spiegelbildes zu Verwirrung auf dem Bild kam.

Blaues Zimmer / Pablo Picasso (1901)

Mittlerweile sind die Namen dieser Künstler jedem bekannt, aber zu Beginn ihrer Karriere mussten sie mehrere Gemälde auf eine Leinwand malen – sie konnten es sich nicht leisten, Stoffe zu kaufen. Deshalb haben viele Meisterwerke einen sogenannten Doppelboden, zum Beispiel Pablo Picassos Gemälde „Das Blaue Zimmer“.

Mithilfe von Röntgenaufnahmen konnte festgestellt werden, dass unter dem Bild ein Porträt eines Mannes gezeichnet war. Kunsthistoriker ermitteln, wer diese Person war. Einer Version zufolge malte Picasso ein Selbstporträt.

Der alte Fischer / Tivadar Kostka Chontvari (1902)

Der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary schuf im Laufe seines Lebens viele Gemälde, war jedoch wenig bekannt. Er litt unter schizophrenen Anfällen, träumte aber immer noch von Raffaels Ruhm. Berühmt wurde Tivadar nach seinem Tod, als das Gemälde „Der alte Fischer“ entziffert wurde, das sich mittlerweile großer Beliebtheit erfreut. Es entstand 1902 und gilt als eines der geheimnisvollsten Werke des Künstlers.

Auf den ersten Blick stellt die Leinwand einen alten Mann dar, wie viele Jahre lang geglaubt wurde. Bis eines Tages jemand auf die Idee kam, das Spiegelbild der beiden Gesichtshälften des alten Mannes zu betrachten. Dann wurde das Hauptgeheimnis dieser Leinwand enthüllt – darauf stellte der Meister Gott und den Teufel dar, die in jedem Menschen existieren.

Porträt von Adele Bloch-Gower / Gustav Klimt (1907)

Dieses Gemälde ist eines der berühmtesten Werke von Gustav Klimt. Im Jahr 2006 wurde die Goldene Adele für eine sagenhafte Summe gekauft – 135 Millionen Dollar. Die darauf abgebildete schöne Frau wurde tatsächlich aus ... Rache gemalt.

Im Jahr 1904 sprach ganz Wien, darunter auch ihr Mann Ferdinand, über den Roman zwischen Adele Bloch-Gower und Gustav Klimt. Er ließ sich eine ungewöhnliche Rache einfallen und beauftragte den Künstler, ein Porträt seiner geliebten Frau zu malen. Ferdinand war sehr wählerisch und Klimt fertigte mehr als 100 Skizzen an. Während dieser Zeit langweilte sich der Künstler mit seiner Geliebten, deren Darstellung so schwierig war, und ihre Romanze endete.

Schwarzes Quadrat / Kasimir Malewitsch (1915)

Eines der berühmtesten und umstrittensten russischen Gemälde ist „Schwarzes Quadrat“ von Kasemir Malewitsch. Nur wenige verstehen die verborgene Bedeutung dieses provokanten Gemäldes. Aber vielleicht lohnt es sich, mit der Tatsache zu beginnen, dass das Quadrat überhaupt nicht quadratisch und nicht einmal schwarz ist!

Mithilfe von Röntgenaufnahmen konnte festgestellt werden, dass sich unter dem „Schwarzen Quadrat“ ein weiteres Werk Malewitschs befindet, auf das er sein Meisterwerk malte. Für ihn bereitete er eine spezielle Komposition aus matten und glänzenden Farben vor, unter denen es übrigens keinen schwarzen Farbton gab. Und obwohl die Seiten des sogenannten Quadrats 79,5 cm lang sind, hat die Figur keinen einzigen rechten Winkel.

Auf die eine oder andere Weise bleibt die Mona Lisa eines der geheimnisvollsten Gemälde unserer Zeit. Vielleicht werden wir nie erfahren, was uns dieser oder jener Künstler sagen wollte, oder vielleicht sind sogar alle Zeichen nur Zufall ...

Es gibt einen Aberglauben, dass das Malen eines Porträts dem Modell Unglück bringen kann. In der Geschichte der russischen Malerei gab es mehrere berühmte Gemälde, die einen mystischen Ruf erlangten.

„Iwan der Schreckliche und sein Sohn Iwan, 16. November 1581.“ Ilja Repin

Ilja Repin galt als „tödlicher Maler“: Viele derjenigen, deren Porträts er malte, starben plötzlich. Unter ihnen sind Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, der italienische Schauspieler Mercy d'Argenteau und Fjodor Tyutchev.

Repins dunkelstes Gemälde ist „Iwan der Schreckliche tötet seinen Sohn“. Eine interessante Tatsache: Es ist immer noch unbekannt, ob Iwan IV. seinen Sohn tötete oder ob diese Legende tatsächlich vom Vatikan-Gesandten Antonio Possevino erfunden wurde.

Das Bild machte auf die Ausstellungsbesucher einen deprimierenden Eindruck. Fälle von Hysterie wurden registriert, und 1913 riss der Ikonenmaler Abram Balashov das Gemälde mit einem Messer auf. Später wurde er für verrückt erklärt.

Ein seltsamer Zufall: Der Künstler Myasoedov, von dem Repin das Bild des Zaren malte, hätte in einem Wutanfall bald seinen Sohn Ivan und den späteren Schriftsteller Wsewolod Garschin beinahe getötet Sitter Für Zarewitsch Iwan wurde er verrückt und beging Selbstmord.

„Porträt von M. I. Lopukhina.“ Wladimir Borowikowski

Maria Lopukhina, eine Abstammung aus der Familie Tolstoi, wurde im Alter von 18 Jahren, kurz nach ihrer eigenen Hochzeit, zum Modell der Künstlerin. Das unglaublich schöne Mädchen war gesund und voller Kraft, starb jedoch 5 Jahre später. Jahre später schrieb der Dichter Polonsky: „Borovikovsky rettete ihre Schönheit ...“.

Es gab Gerüchte über einen Zusammenhang des Gemäldes mit dem Tod von Lopukhina. Es entstand die urbane Legende, dass man ein Porträt nicht lange betrachten sollte – das „Model“ würde das traurige Schicksal erleiden.

Einige behaupteten, der Vater des Mädchens, ein Meister der Freimaurerloge, habe den Geist seiner Tochter in dem Porträt eingefangen.

80 Jahre später erwarb Tretjakow das Gemälde, der den Ruf des Porträts nicht fürchtete. Heute befindet sich das Gemälde in der Sammlung der Tretjakow-Galerie.

"Unbekannt." Iwan Kramskoi

Das Gemälde „Unbekannt“ (1883) erregte großes Interesse beim St. Petersburger Publikum. Doch Tretjakow weigerte sich rundweg, das Gemälde für seine Sammlung zu erwerben. So begann „The Stranger“ seine Reise durch Privatsammlungen. Bald geschahen seltsame Dinge: Die Frau des ersten Besitzers verließ ihn, das Haus des zweiten Besitzers brannte nieder, der dritte ging bankrott. Alle Unglücke wurden dem tödlichen Bild zugeschrieben.

Auch der Künstler selbst entging nicht den Schwierigkeiten; kurz nachdem er das Bild gemalt hatte, starben Kramskois zwei Söhne.

Das Gemälde wurde ins Ausland verkauft, wo es seinen Besitzern weiterhin nur Unglück brachte, bis das Gemälde 1925 nach Russland zurückkehrte. Als das Porträt in die Sammlung der Tretjakow-Galerie gelangte, hörte das Unglück auf.

„Troika“. Wassili Perow

Perov konnte lange Zeit kein Modell für den zentralen Jungen finden, bis er eine Frau traf, die mit ihrem 12-jährigen Sohn Vasya auf einer Pilgerreise durch Moskau reiste. Dem Künstler gelang es, die Frau zu überreden, Vasily für das Bild posieren zu lassen.

Einige Jahre später traf Perov diese Frau erneut. Es stellte sich heraus, dass Vasenka ein Jahr nach dem Gemälde starb und seine Mutter eigens zum Künstler kam, um das Gemälde von ihrem letzten Geld zu kaufen.

Aber die Leinwand war bereits gekauft und in der Tretjakow-Galerie ausgestellt. Als die Frau Troika sah, fiel sie auf die Knie und begann zu beten. Berührt malte die Künstlerin für die Frau ein Porträt ihres Sohnes.

„Dämon besiegt.“ Michail Wrubel

Vrubels Sohn Savva starb plötzlich, kurz nachdem der Künstler das Porträt des Jungen fertiggestellt hatte. Der Tod seines Sohnes war ein schwerer Schlag für Vrubel, deshalb konzentrierte er sich auf sein letztes Gemälde, „Der besiegte Dämon“.

Der Wunsch, das Gemälde fertigzustellen, entwickelte sich zur Obsession. Vrubel beendete das Gemälde auch dann noch, als es zur Ausstellung geschickt wurde.

Ohne auf die Besucher zu achten, kam der Künstler in die Galerie, holte seine Pinsel heraus und arbeitete weiter. Besorgte Angehörige kontaktierten den Arzt, aber es war zu spät – Tabes Rückenmark brachte Vrubel trotz Behandlung zu Grabe.

„Meerjungfrauen“. Iwan Kramskoi

Ivan Kramskoy beschloss, ein Bild nach der Geschichte von N.V. zu malen. Gogols „Maienacht oder die Ertrunkene“. Bei der ersten Ausstellung im Wandervereinigungsverband wurde das Gemälde neben dem Pastoral „Die Krähen sind angekommen“ von Alexei Savrasov aufgehängt. Gleich in der ersten Nacht fiel das Gemälde „Rooks“ von der Wand.

Bald kaufte Tretjakow beide Gemälde, „Die Türme sind angekommen“ nahm einen Platz im Büro ein und „Meerjungfrauen“ wurde in der Halle ausgestellt. Von diesem Moment an begannen sich die Diener und Mitglieder von Tretjakows Haushalt über den traurigen Gesang zu beschweren, der nachts aus dem Saal drang.

Darüber hinaus bemerkten die Leute, dass sie neben dem Gemälde einen Zusammenbruch erlebten.

Die Mystik hielt an, bis das alte Kindermädchen riet, die Meerjungfrauen vom Licht zum anderen Ende der Halle zu bringen. Tretjakow befolgte den Rat und die Fremdartigkeit hörte auf.

„Zum Tod Alexanders III.“ Iwan Aiwasowski

Als der Künstler vom Tod Kaiser Alexanders III. erfuhr, war er schockiert und malte das Bild ohne Auftrag. Laut Aivazovsky sollte das Gemälde den Triumph des Lebens über den Tod symbolisieren. Aber nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, versteckte Aivazovsky es und zeigte es niemandem. Erst 100 Jahre später wurde das Gemälde erstmals öffentlich ausgestellt.

Das Gemälde ist in Fragmente zerbrochen; auf der Leinwand sind ein Kreuz, die Peter-und-Paul-Festung und die Figur einer Frau in Schwarz abgebildet.

Der seltsame Effekt besteht darin, dass sich die weibliche Figur aus einem bestimmten Blickwinkel in einen lachenden Mann verwandelt. Einige sehen in dieser Silhouette Nikolaus II., während andere Pakhom Andreyushkin sehen, einen jener Terroristen, die bei dem Attentat auf den Kaiser im Jahr 1887 scheiterten.

Tatjana Kolyuchkina

Originalbeitrag und Kommentare unter

Der Künstler sieht die Welt auf seine eigene Weise. Angetrieben von der göttlichen Vorsehung bietet er dem Betrachter illusionäre Gemälde voller Wunsch, das Offensichtliche zu zeigen. Optische Täuschung oder, wissenschaftlich gesehen, optische Täuschung ist ein allgegenwärtiges Phänomen und kann endlos beobachtet werden, indem man die Welt um uns herum und sogar gewöhnliche Objekte wahrnimmt.

Die Vergänglichkeit wird besonders deutlich, wenn es um die Kunst und Werke großer Pinselmeister geht, ihre geheimnisvollen Leinwände, über die es sich lohnt, den Kopf zu zerbrechen ...

Geheimnisse von Leonardo da Vinci: Spiegelschwindel eines Genies

Leonardo da Vinci ist eine mysteriöse Person und zweifellos von Gott geküsst. Seine Kreationen waren ihrer Zeit weit voraus und zwingen die Menschen bis heute dazu, Rätsel zu lösen, die der Meister in seinen Gemälden verschlüsselte. Ein weiterer Versuch, das Genie zu verstehen, wurde von Mitgliedern der Weltstiftung „The Mirror of the Sacred Scriptures and Paintings WorldFoundation“ unternommen.

Den Forschern zufolge konnten sie mithilfe von Spiegeln die Botschaft des größten Künstlers verstehen. Heilige Bilder wollte das Genie der Welt zeigen. Eines der berühmtesten Gemälde des großen Betrügers weist deutlich auf die Anwesenheit des alttestamentlichen Jahwe hin. Der in der Skizze dargestellte junge Johannes der Täufer blickt weder Maria noch die Heilige Anna an. Sein Blick wandert über den neugeborenen Jesus. Er blickt in das Angesicht Gottes! Es war sein bizarres Bild, das die Aufmerksamkeit des Jungen auf sich zog.

Die Idee, Gemälde zu schaffen, deren Bild unter bestimmten Bedingungen erscheint, stammt von Leonardo da Vinci. Diese Art von Kunst wird anamorphotisch genannt. Seine Mona Lisa verbirgt ein erstaunliches Gesicht. Es ist im Bereich der rechten Hand der Mona Lisa zu sehen, das „Letzte Abendmahl“ verbirgt den umgekehrten Gral und Johannes der Täufer behält das Bild einer fantastischen Kreatur, die auf den Schöpfungsprozess hinweist. Eine der ersten anamorphotischen Zeichnungen war die Abbildung eines Kinderkopfes, der nur aus einem bestimmten Blickwinkel betrachtet werden kann.

Anamorphe Gemälde von Istvan Orosz

Tricks und Rätsel wurden im Mittelalter populär. Der Beginn der Transformation erfolgte im 19. Jahrhundert. Heute glänzt István Orós.

„Die geheimnisvolle Insel“ – das berühmteste Anamorph von Istvan Oros

Die bezaubernden Mystery-Gemälde des ungarischen Grafikers basieren auf den Gesetzen der Physik. Um ihre Wahrnehmung zu stärken, müssen Sie daher mindestens einen Schulkurs belegen. Der Fantasie des Schöpfers sind buchstäblich keine Grenzen gesetzt.

Der Zauberer verbirgt in seinen Gemälden die unglaublichsten Dinge und Phänomene und zwingt den Betrachter nicht nur zum Bewundern, sondern auch zum Nachdenken. Um ein anamorphotisches Bild zu erhalten, verwendet Oros zylindrische, pyramidenförmige oder kegelförmige Spiegelobjekte. Es reicht aus, sie an der richtigen Stelle zu platzieren, und schon erscheint das richtige Bild in einem auffälligen Licht.

3D-Illusionen von Alessandro Diddi

Keines der teuren Gemälde der Vergangenheit kann sich mit den „Live“-Bildern des italienischen Entertainers messen.

Wenn ich sie betrachte, möchte ich verstehen, wie er es schafft, nur mit Papier und Bleistift Wunder zu schaffen, die das menschliche Gehirn täuschen.

Diddy hat das Talent, jeder Zeichnung den Funken Gottes einzuhauchen. Seine Charaktere sind so real, dass sie mit ihrer Anwesenheit sogar Angst machen. Er erklärt sein Geheimnis einfach und schlägt vor, dass wir versuchen, die anamorphotische Kunst zu verstehen. Als nächstes kommt es auf die Technologie an.

Grafiken von Maurits Cornelis Escher

Der außergewöhnliche Niederländer ist einer der berühmtesten Künstler in der Welt der optischen Täuschung.

Er wurde berühmt für seine besondere Weltanschauung und seine Fähigkeit, mit den gewöhnlichen Gesetzen der Raumlogik zu jonglieren. Eschers phantasmagorische Gemälde werden als grafische Illustrationen der Relativitätstheorie bezeichnet. Ziel dieser Art von Illusionsbildern ist es, einen Stereoeffekt zu erzielen. Proben solcher Bilder werden mit speziellen Kameras erstellt (Erfindung von Ivan Aleksandrovsky, 1854).

Die Grafiken basieren auf einer doppelten Darstellung der Szene (Aufnahme mit zwei Kameras). Sie können diese bizarren Skizzen nur sehen, wenn Sie spezielle Techniken beherrschen.

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Hieronymus Bosch, „Der Garten der Lüste“, 1500-1510

Fast jedes bedeutende Kunstwerk hat ein Geheimnis, einen „doppelten Boden“ oder eine geheime Geschichte, die Sie aufdecken möchten. Heute Wir Lass uns teilen Einige von ihnen.

Musik auf dem Gesäß

Fragment der rechten Seite des Triptychons

Streitigkeiten über die Bedeutungen und verborgenen Bedeutungen des berühmtesten Werkes des niederländischen Künstlers haben seit seinem Erscheinen nicht nachgelassen. Der rechte Flügel des Triptychons mit dem Titel „Musikalische Hölle“ zeigt Sünder, die in der Unterwelt mit Hilfe von Musikinstrumenten gefoltert werden. Einer von ihnen hat Musiknoten auf seinem Gesäß eingeprägt. Amelia Hamrick, Studentin an der Oklahoma Christian University, die das Gemälde studierte, übersetzte die Notation aus dem 16. Jahrhundert in eine moderne Variante und nahm „ein 500 Jahre altes Hinternlied aus der Hölle“ auf.

Salvador Dalis Rache

Das Gemälde „Figur am Fenster“ entstand 1925, als Dali 21 Jahre alt war. Zu diesem Zeitpunkt war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers getreten und seine Muse war seine Schwester Ana Maria. Die Beziehung zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er in einem der Gemälde schrieb: „Manchmal spucke ich auf das Porträt meiner eigenen Mutter, und das macht mir Freude.“ Ana Maria konnte solch ein schockierendes Verhalten nicht verzeihen.

In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“. Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.

Danae mit zwei Gesichtern

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae“, 1636 – 1647

Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. So ergab die Schießerei, dass in einer frühen Version das Gesicht der Prinzessin, die eine Liebesbeziehung mit Zeus einging, dem Gesicht von Saskia, der 1642 verstorbenen Frau des Malers, ähnelte. In der endgültigen Fassung des Gemäldes begann es dem Gesicht von Gertje Dirks zu ähneln, der Geliebten von Rembrandt, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Vincent van Gogh, „Schlafzimmer in Arles“, 1888 – 1889

Im Mai 1888 erwarb Van Gogh ein kleines Atelier in Arles im Süden Frankreichs, wohin er vor Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, „Van Goghs Schlafzimmer in Arles“ zu malen. Für den Künstler waren die Farbe und die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles musste Gedanken der Entspannung hervorrufen. Gleichzeitig ist das Bild in alarmierenden Gelbtönen gestaltet.

Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Leonardo da Vinci, „Porträt der Lady Lisa del Giocondo“, 1503 - 1519

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln in seinem Geheimnis wunderschön ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ gerade wegen dem, was ihr passiert ist, so“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Hauptfach Gesichtskontrolle

Pavel Fedotov, „Major's Matchmaking“, 1848

Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde „Major’s Matchmaking“ sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. Der Major ist beispielsweise offensichtlich nicht mit den Regeln der edlen Etikette vertraut: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum ist Liberty nackt?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Freiheit auf den Barrikaden“, 1830

Dem Kunstkritiker Etienne Julie zufolge orientierte sich Delacroix beim Gesicht der Frau an der berühmten Pariser Revolutionärin, der Wäscherin Anne-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch die königlichen Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Gardisten tötete. Der Künstler stellte sie mit nackten Brüsten dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie für den Triumph der Demokratie: Die nackte Brust zeigt, dass die Freiheit als Bürgerin kein Korsett trägt.

Nicht quadratisches Quadrat

Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915

Tatsächlich ist „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. Und die dunkle Farbe ist das Ergebnis der Mischung verschiedener Farben, darunter kein Schwarz. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, mobile Form zu schaffen.

Alter Fischer

Im Jahr 1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary das Gemälde „Der alte Fischer“. Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches enthält, aber Tivadar hat einen Untertext hineingelegt, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.
Nur wenige Menschen dachten daran, einen Spiegel in der Mitte des Bildes zu platzieren. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.

Melodram der österreichischen Mona Lisa

Gustav Klimt, „Porträt der Adele Bloch-Bauer“, 1907

Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte über die stürmische Romanze zwischen Adele und dem berühmten Künstler. Der verwundete Ehemann wollte sich an seinen Liebhabern rächen, wählte jedoch eine sehr ungewöhnliche Methode: Er beschloss, bei Klimt ein Porträt von Adele zu bestellen und ihn zu zwingen, Hunderte von Skizzen anzufertigen, bis der Künstler anfing, sich von ihr zu übergeben.

Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre hält, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Paul Gauguin: „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“, 1897-1898

Gauguins berühmtestes Gemälde weist eine Besonderheit auf: Es wird nicht von links nach rechts, sondern von rechts nach links „gelesen“, wie die kabbalistischen Texte, für die sich der Künstler interessierte. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des menschlichen geistigen und körperlichen Lebens: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unvermeidlichkeit der Todesstunde (ein Vogel mit einer Eidechse in den Klauen). in der unteren linken Ecke).

Das Gemälde wurde von Gauguin in Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.

Nackte Mona Lisa

Die berühmte „La Gioconda“ existiert in zwei Versionen: Die nackte Version heißt „Monna Vanna“ und wurde von dem wenig bekannten Künstler Salai gemalt, der ein Schüler und Darsteller des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunsthistoriker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, dass Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente.

Doppelt beim Letzten Abendmahl

Leonardo da Vinci, „Das letzte Abendmahl“, 1495-1498

Als Leonardo da Vinci das Abendmahl schrieb, legte er besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Modellen für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, bei den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Leonardo konnte drei Jahre lang kein Vorbild für Judas finden. Doch eines Tages traf er auf der Straße auf einen Trunkenbold, der in einer Dachrinne lag. Er war ein junger Mann, der durch starken Alkoholkonsum gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort begann, Judas von ihm zu malen. Als der Trunkenbold zur Besinnung kam, erzählte er dem Künstler, dass er bereits einmal für ihn posiert hatte. Vor einigen Jahren, als er im Kirchenchor sang, malte Leonardo Christus von ihm.

Die unschuldige Geschichte von „Gothic“

Grant Wood, Amerikanische Gotik, 1930

Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten in der Geschichte der amerikanischen Malerei. Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen. Tatsächlich hatte der Künstler nicht die Absicht, irgendwelche Schrecken darzustellen: Während einer Reise nach Iowa fiel ihm ein kleines Haus im gotischen Stil auf und er beschloss, jene Menschen darzustellen, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind als die Charaktere verewigt, die die Iowaner so beleidigten.

„Nachtwache“ oder „Tageswache“?

Rembrandt, „Nachtwache“, 1642

Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Räumen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da die Figuren vor einem dunklen Hintergrund zu erscheinen schienen, wurde sie „Nachtwache“ genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst. Und erst bei der Restaurierung im Jahr 1947 stellte sich heraus, dass das Gemälde im Saal mit einer Rußschicht bedeckt war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber spielt. Die Position des Schattens von Kapitän Koks linker Hand zeigt, dass die Aktionsdauer nicht mehr als 14 Stunden beträgt.

Umgestürztes Boot

Henri Matisse, „Das Boot“, 1937

Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ wurde 1961 im New Yorker Museum of Modern Art ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Gemälde verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler hat aus einem bestimmten Grund zwei Segel gemalt: Das zweite Segel ist eine Spiegelung des ersten auf der Wasseroberfläche. Um bei der Aufhängung des Bildes keinen Fehler zu machen, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte sich in der oberen rechten Ecke befinden.

Täuschung im Selbstporträt

Vincent van Gogh, Selbstporträt mit Pfeife, 1889

Es gibt Legenden, dass Van Gogh sich angeblich das Ohr selbst abgeschnitten haben soll. Die zuverlässigste Version besagt nun, dass van Gogh sich bei einer kleinen Schlägerei, an der ein anderer Künstler, Paul Gauguin, beteiligt war, sein Ohr verletzte. Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität in verzerrter Form widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich war das linke Ohr betroffen.

Zwei „Frühstücke auf der Wiese“

Edouard Manet, Mittagessen im Gras, 1863

Claude Monet, Mittagessen im Gras, 1865

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden manchmal verwechselt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Monet übernahm sogar den Titel eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Mittagessen im Gras“, und schrieb sein eigenes „Mittagessen im Gras“.

Außerirdische Bären

Ivan Shishkin, „Morgen im Kiefernwald“, 1889

Das berühmte Gemälde gehört nicht nur Shishkin. Viele miteinander befreundete Künstler griffen oft auf „die Hilfe eines Freundes“ zurück, und Iwan Iwanowitsch, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass seine berührenden Bären nicht so werden würden, wie er es wollte. Deshalb wandte sich Shishkin an seinen Freund, den Tierkünstler Konstantin Savitsky.

Savitsky malte vielleicht die besten Bären in der Geschichte der russischen Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu waschen, da alles auf dem Bild „vom Konzept bis zur Ausführung alles von der Art des Malens, von der kreativen Methode spricht.“ eigenartig für Shishkin.“