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Es liegt in der Natur des Menschen, alles in Regale zu ordnen, für alles einen Platz zu finden und ihm einen Namen zu geben. Dies kann in der Kunst besonders schwierig sein, da Talent eine solche Kategorie darstellt, dass es nicht möglich ist, eine Person oder eine ganze Bewegung in eine Zelle eines allgemein geordneten Katalogs zu quetschen. Abstraktionismus ist ein solches Konzept. Es wird seit über einem Jahrhundert darüber diskutiert.

Abstractio – Ablenkung, Trennung

Ausdrucksmittel der Malerei sind Linie, Form, Farbe. Wenn man sie von unnötigen Werten, Bezügen und Assoziationen trennt, werden sie ideal, absolut. Platon sprach auch über die wahre, richtige Schönheit gerader Linien und geometrischer Figuren. Das Fehlen einer Analogie zwischen dem Dargestellten und realen Objekten eröffnet den Weg für den Einfluss von etwas noch Unbekanntem, Unzugänglichem für das gewöhnliche Bewusstsein auf den Betrachter. Die künstlerische Bedeutung des Gemäldes selbst sollte höher sein als die Bedeutung dessen, was es darstellt, denn talentierte Malerei bringt eine neue Sinneswelt hervor.

So argumentierten die Künstlerreformer. Für sie ist Abstraktionismus eine Möglichkeit, nach Methoden zu suchen, die eine bisher nicht gekannte Kraft besitzen.

Neues Jahrhundert – neue Kunst

Kunstkritiker streiten darüber, was abstrakte Kunst ist. Kunsthistoriker verteidigen leidenschaftlich ihren Standpunkt und füllen die weißen Flecken in der Geschichte der abstrakten Malerei. Über den Zeitpunkt seiner Geburt war sich die Mehrheit jedoch einig: 1910 stellte Wassily Kandinsky (1866-1944) in München sein Werk „Ohne Titel“ aus. (Erstes abstraktes Aquarell).“

Bald verkündete Kandinsky in seinem Buch „Über das Geistige in der Kunst“ die Philosophie einer neuen Bewegung.

Die Hauptsache ist der Eindruck

Man sollte nicht glauben, dass der Abstraktionismus in der Malerei aus dem Nichts entstand. Die Impressionisten zeigten eine neue Bedeutung von Farbe und Licht in der Malerei. Gleichzeitig verlor die Rolle der linearen Perspektive, der exakten Einhaltung von Proportionen etc. an Bedeutung. Alle führenden Meister dieser Zeit standen unter dem Einfluss dieses Stils.

Die Landschaften von James Whistler (1834-1903), seine „Nocturnes“ und „Symphonien“, erinnern überraschend an die Meisterwerke abstrakter expressionistischer Künstler. Whistler und Kandinsky besaßen übrigens Synästhesie – die Fähigkeit, Farben einen Klang mit einer bestimmten Eigenschaft zu verleihen. Und die Farben in ihren Werken klingen wie Musik.

In den Werken von Paul Cézanne (1839-1906), insbesondere in der Spätphase seines Schaffens, verändert sich die Form des Objekts und erhält eine besondere Ausdruckskraft. Nicht umsonst wird Cezanne als Vorläufer des Kubismus bezeichnet.

Allgemeine Bewegung nach vorne

Der Abstraktionismus in der Kunst nahm im Zuge des allgemeinen Fortschritts der Zivilisation als einheitliche Bewegung Gestalt an. Intellektuelle begeisterten sich für neue Theorien in Philosophie und Psychologie, Künstler suchten nach Verbindungen zwischen der geistigen Welt und der Materie, dem Individuum und dem Kosmos. So stützt sich Kandinsky bei seiner Begründung der Abstraktionstheorie auf Ideen, die in den theosophischen Büchern von Helena Blavatsky (1831-1891) zum Ausdruck kommen.

Grundlegende Entdeckungen in Physik, Chemie und Biologie veränderten die Vorstellungen über die Welt und die Macht des menschlichen Einflusses auf die Natur. Der technologische Fortschritt hat die Größe der Erde und des Universums verkleinert.

Mit der rasanten Entwicklung der Fotografie entschieden sich viele Künstler, ihr eine dokumentierende Funktion zu geben. Sie argumentierten: Die Aufgabe der Malerei besteht nicht darin, zu kopieren, sondern eine neue Realität zu schaffen.

Abstrakte Kunst ist eine Revolution. Und talentierte Menschen mit sensiblen Geisteshaltungen spürten: Die Zeit für gesellschaftliche Veränderungen kam. Sie lagen nicht falsch. Das 20. Jahrhundert begann und setzte sich mit beispiellosen Umwälzungen im Leben der gesamten Zivilisation fort.

Gründungsväter

Neben Kandinsky waren Kasimir Malewitsch (1879–1935) und der Niederländer Piet Mondrian (1872–1944) die Urheber der neuen Bewegung.

Wer kennt nicht Malewitschs „Schwarzes Quadrat“? Seit seinem Erscheinen im Jahr 1915 begeistert es sowohl Profis als auch normale Menschen. Manche halten es für eine Sackgasse, andere für eine einfache Empörung. Aber alle Arbeiten des Meisters sprechen von der Eröffnung neuer Horizonte in der Kunst, vom Voranschreiten.

Die von Malewitsch entwickelte Theorie des Suprematismus (lat. supremus – höchster) behauptete den Vorrang der Farbe unter anderen Malmitteln und verglich den Malvorgang mit einem Schöpfungsakt, „reiner Kunst“ im höchsten Sinne. In den Werken zeitgenössischer Künstler, Architekten und Designer finden sich tiefe und äußere Zeichen des Suprematismus.

Das Werk Mondrians hatte den gleichen Einfluss auf nachfolgende Generationen. Sein Neoplastizismus basiert auf der Verallgemeinerung der Form und dem sorgfältigen Einsatz offener, unverzerrter Farben. Gerade schwarze horizontale und vertikale Linien auf weißem Hintergrund bilden ein Raster mit Zellen unterschiedlicher Größe, und die Zellen sind mit lokalen Farben gefüllt. Die Ausdruckskraft der Gemälde des Meisters ermutigte Künstler, sie entweder kreativ zu verstehen oder blind zu kopieren. Künstler und Designer nutzen den Abstraktionismus, um sehr reale Objekte zu schaffen. Mondrian-Motive kommen vor allem in Architekturprojekten häufig vor.

Russische Avantgarde – Poesie der Begriffe

Russische Künstler erwiesen sich als besonders empfänglich für die Ideen ihrer Landsleute Kandinsky und Malewitsch. Diese Ideen passen besonders organisch in die turbulente Ära der Geburt und Bildung eines neuen Gesellschaftssystems. Die Theorie des Suprematismus wurde von Lyubov Popova (1889–1924) und (1891–1956) in die Praxis des Konstruktivismus umgewandelt, der insbesondere die neue Architektur beeinflusste. In dieser Zeit gebaute Objekte werden noch immer von Architekten auf der ganzen Welt untersucht.

Michail Larionow (1881–1964) und Natalja Gontscharowa (1881–1962) wurden die Begründer des Rayonismus bzw. Regionalismus. Sie versuchten, die komplizierte Verflechtung von Strahlen und Lichtebenen darzustellen, die von allem ausgesandt werden, was die umgebende Welt erfüllt.

Alexandra Esther (1882–1949), (1882–1967), Olga Rozanova (1886–1918) und Nadezhda Udaltsova (1886–1961) beteiligten sich zu verschiedenen Zeiten an der kubofuturistischen Bewegung und arbeiteten auch an der Poesie.

Der Abstraktionismus in der Malerei war schon immer ein Vertreter extremer Ideen. Diese Ideen verärgerten die Behörden des totalitären Staates. In der UdSSR und später im nationalsozialistischen Deutschland bestimmten Ideologen schnell, welche Art von Kunst für die Menschen verständlich und notwendig sein würde, und in den frühen 40er Jahren des 20. Jahrhunderts verlagerte sich das Zentrum der Entwicklung der abstrakten Kunst nach Amerika.

Kanäle eines Streams

Abstrakte Kunst ist eine eher vage Definition. Überall dort, wo der Gegenstand der Kreativität keine konkrete Analogie zur umgebenden Welt hat, spricht man von Abstraktion. In der Poesie, in der Musik, im Ballett, in der Architektur. In der bildenden Kunst sind die Formen und Arten dieser Richtung besonders vielfältig.

Folgende Arten der abstrakten Kunst in der Malerei lassen sich unterscheiden:

Farbkompositionen: Im Raum der Leinwand steht die Farbe im Vordergrund und das Objekt löst sich im Farbspiel auf (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), Orphist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnett Newman (1905-1970)).

Der geometrische Abstraktionismus ist eine eher intellektuelle, analytische Art der Avantgarde-Malerei. Er lehnt die lineare Perspektive und die Illusion von Tiefe ab und löst die Frage nach der Beziehung geometrischer Formen (Malevich, Mondrian, Elementarist Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), Anhänger der Op-Art (1906-1997). )).

Ausdrucksstarker Abstraktionismus – hier ist der Entstehungsprozess eines Bildes besonders wichtig, manchmal auch die Methode des Farbauftrags selbst, wie zum Beispiel bei den Tachi-Künstlern (von Tache – Fleck) (Jackson Pollock (1912-1956), Tachi-Maler Georges Mathieu (1921–2012), Willem de Kooning (1904–1997), Robert Motherwell (1912–1956).

Minimalismus ist eine Rückkehr zu den Ursprüngen der künstlerischen Avantgarde. Die Bilder sind völlig frei von externen Bezügen und Assoziationen (geb. 1936, Sean Scully (geb. 1945), Ellsworth Kelly (geb. 1923)).

Gehört abstrakte Kunst der Vergangenheit an?

Was ist nun abstrakte Kunst? Jetzt kann man im Internet lesen, dass abstrakte Malerei der Vergangenheit angehört. Russische Avantgarde, schwarzes Quadrat – wer braucht das? Jetzt ist die Zeit für Schnelligkeit und klare Informationen.

Information: Eines der teuersten Gemälde des Jahres 2006 wurde für mehr als 140 Millionen Dollar verkauft. Es heißt „Nr. 5.1948“, der Autor ist Jackson Pollock, ein ausdrucksstarker abstrakter Künstler.

Im Gegensatz zur klassischen bildenden Kunst, deren Ziel es ist, die Realität abzubilden, hat abstrakte Kunst im Allgemeinen nichts mit der natürlichen Welt zu tun. Obwohl die Abstraktion in der Kunst in vielen Kulturen schon seit der Antike existiert, gilt der Höhepunkt der Popularität der Bewegung als Beginn des 20. Jahrhunderts.

Bewegung in Quadraten (1961)

Bridget Riley

Im Genre der optischen Kunst erzeugt der Künstler Illusionen durch die Manipulation von Mustern, Formen und Farben. Bridget Riley ist eine der führenden britischen Künstlerinnen in dieser Richtung; ihre Arbeit steht auf Augenhöhe mit den Werken von Victor Vasarely. In „Movement in Squares“ stellt sie ein verzerrtes Schachbrett dar, das ein Gefühl von Tiefe und Bewegung erzeugt.

Serie abstrakter Gemälde (1986)

Gerhard Richter

Gerhard Richter ist ein berühmter deutscher Künstler, der so unterschiedliche Werke geschaffen hat, dass es immer noch schwierig ist, ihre Zugehörigkeit zu einer der Kunstgattungen zu bestimmen. Er malte 1976 das erste Werk der Serie „Abstract Canvases“ und setzte es in den nächsten zwei Jahrzehnten fort. Wenn Richter Gemälde schafft, trägt er zunächst große Streifen der Hauptfarbe auf und entwickelt dann nach und nach die Komposition weiter, wobei er deren Fortschritt, zufällige Details und Modelle widerspiegelt. Interessanterweise wurde im Februar 2015 eines der Gemälde der Serie für 44 Millionen US-Dollar verkauft und stellte damit einen Preisrekord für Werke lebender europäischer Künstler auf.

Orange, Rot, Gelb (1961)

Mark Rothko

Mark Rothko gilt als Pionier des abstrakten expressionistischen Stils, bei dem die Farbe das Hauptthema der Malerei ist. Zu seinen beliebten Werken gehören Leinwände, die symmetrische rechteckige Blöcke und eine kontrastierende Farbpalette verwenden. Das Gemälde „Color Field“ hält auch den Rekord für den höchsten Verkaufspreis bei einer öffentlichen Auktion: Im Mai 2012 wurde es für fast 87 Millionen US-Dollar verkauft.

Blau II (1961)

Piet Mondrian

Geometrische Abstraktion ist eine Art abstrakte Kunst, die auf der Verwendung geometrischer Formen basiert. Piet Mondrian prägte den Begriff „Neoplastizität“ für seine abstrakten geometrischen Gemälde, die nur gerade Linien, drei Grundfarben und neutrales Schwarz, Weiß und Grau verwendeten. Mondrians letztes vollständiges Gemälde, Boogie-Woogie am Broadway, wurde von der urbanen Atmosphäre Manhattans und der gleichnamigen Musikbewegung inspiriert, die der Künstler liebte. Das Gemälde gilt als Höhepunkt von Mondrians Vision und nutzt sein grafisches Vokabular aus Linien, Quadraten und Farben voll aus.

11 (1952)

Drip Painting ist eine Form der abstrakten Kunst, bei der Farbe auf die Leinwand getropft oder gegossen wird, anstatt sie sorgfältig mit verschiedenen Werkzeugen aufzutragen. Jackson Pollock ist der bekannteste Spezialist für Drip Painting. Zu seinen Werken gehört „Nr. 11“, das 1973 von der National Gallery of Australia für 1,3 Millionen US-Dollar erworben wurde (damals ein Weltrekord für zeitgenössische amerikanische Malerei). Australische Zeitungen kritisierten den Kauf und es kam zu einem Skandal, der dazu führte, dass die öffentliche Aufmerksamkeit zur wachsenden Popularität des Films beitrug. Heute ist dieses Gemälde eines der Hauptausstellungsstücke in der Sammlung der Galerie und sein Ankauf gilt als äußerst erfolgreich.

Komposition VII (1913)

Kasimir Malewitsch

Kasimir Malewitsch war der Begründer der als Suprematismus bekannten künstlerischen Bewegung, die sich auf geometrische Grundformen wie Kreise, Quadrate, Linien und Rechtecke sowie die Verwendung einer begrenzten Farbpalette konzentrierte. Damit gilt er als Pionier der geometrisch-abstrakten Kunst. Das berühmte „Schwarze Quadrat“ hat historische Bedeutung, es wird als „Nullpunkt der Malerei“ bezeichnet. Das Werk gilt nicht nur im Genre der abstrakten Kunst, sondern auch in der Malerei allgemein als Ikone.

Berühmte abstrakte Gemälde aktualisiert: 12. September 2018 von: Gleb

Abstrakte Kunst abstrakte Kunst

(Abstrakte Kunst), eine Richtung in der Kunst des 20. Jahrhunderts, die sich weigert, reale Objekte und Phänomene in Malerei, Skulptur und Grafik darzustellen. Es entstand in den 10er, Ende der 40er – Anfang der 60er Jahre. gehörte zu den am weitesten verbreiteten Kunstrichtungen. Einige Bewegungen der abstrakten Kunst (Suprematismus, Neoplastizismus), die die Suche nach Architektur und Kunstindustrie widerspiegelten, schufen geordnete Strukturen aus Linien, geometrischen Formen und Volumina, andere (Tachismus) versuchten, die Spontaneität und Unbewusstheit der Kreativität in der Dynamik von Flecken auszudrücken oder Bände.

ABSTRAKTE KUNST (abstrakte Kunst, ungegenständliche Kunst (cm. NICHT-GEGENSTÄNDIGE KUNST), nichtfigurative Kunst), eine Reihe von Strömungen in der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts, die die direkte Reproduktion der natürlichen Realität durch bildliche und plastische Zeichen und Symbole oder ein „reines“ Spiel künstlerischer Formen ersetzten. „Reine“ Abstraktion sollte bedingt wahrgenommen werden, da man selbst in den abstraktesten Bildern aus der konkreten Natur immer bestimmte objekt-figurative Motive und Prototypen erraten kann – Stillleben, Landschaft, Architektur usw.
Die Kunst des Ornaments dient seit jeher als ständiges Reservoir solcher Formen. Wichtige historische Vorläufer der abstrakten Kunst waren auch die alte Faszination der Künstler für Anamorphosen (oder sozusagen „zufällige“ Bilder), die in natürlichen Texturen (zum Beispiel in Mineralienabschnitten) erkennbar waren, sowie das Prinzip der non-finito, das in der Renaissance entstand (cm. NICHT-FINITO)(äußere Unvollständigkeit, die es ermöglicht, das Spiel von Linien und Farben unabhängig von den Handlungsformen zu bewundern). Die überwiegend ornamentale Kunst des Islam sowie die fernöstliche Kalligraphie, die den Pinsel von der Notwendigkeit befreite, die äußere Natur ständig nachzuahmen, entwickelten sich im Laufe des Mittelalters in eine ungegenständliche Richtung. In Europa begaben sich Künstler im Zeitalter der Romantik und des Symbolismus, also im 19 verstorbener J. M. W. Turner (cm. TURNER (William) oder Skizzen von G. Moreau); Dies waren jedoch nur vereinzelte Ausnahmen, und die entscheidende Wende erfolgte erst Anfang der 1910er Jahre.
Die Kunst der „großen Spiritualität“
Die ersten wirklich abstrakten Gemälde entstanden zwischen 1910 und 1911. V. V. Kandinsky (cm. KANDINSKY Wassili Wassiljewitsch) und der Tscheche F. Kupka (cm. KAUFEN Frantisek), und bereits 1912 begründete der erste von ihnen seine schöpferischen Entdeckungen ausführlich in dem programmatischen Aufsatz „Über das Geistige in der Kunst“. In den nächsten 12 Jahren ereigneten sich weitere Meilensteinereignisse: um 1913 M. F. Larionov (cm. LARIONOV Michail Fedorovich) und N. S. Goncharova (cm. GONCHAROVA Natalia Sergeevna) wechselte vom Futurismus zur abstrakten Kunst (Larionov nannte die neue Methode „Rayonismus“); Gleichzeitig vollzog sich ein ähnlicher Wandel im Werk des Italieners G. Balla (cm. BALLA (Giacomo). In den Jahren 1912-1913 der sinnlose „Orphismus“ von R. Delaunay war geboren (cm. Delaunay Robert), und in den Jahren 1915-1917. - eine strengere, geometrische Version der abstrakten Kunst von K. S. Malevich (cm. Malewitsch Kasimir Sewerinowitsch) in Russland (Suprematismus) und dann von P. Mondrian (cm. MONDRIAN (Piet) in den Niederlanden (Neoplastizismus). Dadurch entstand ein Experimentierfeld, in dem sich fast alle Avantgarde-Stile der Zeit kreuzten, vom Futurismus bis zum Dada.
Es entstanden sofort drei Richtungen abstrakter Kreativität: 1) geometrisch; 2) ikonisch (d. h. mit Schwerpunkt auf Symbolen oder Piktogrammen); 3) organisch, dem Rhythmus der Natur folgend (in Russland war vor allem P. N. Filonov der größte Befürworter solcher abstrakter organischer Stoffe (cm. FILONOV Pavel Nikolaevich)). Eine solche Klassifizierung betrifft jedoch nur äußere, formale Merkmale, da alle Versionen der frühen abstrakten Kunst auf die eine oder andere Weise symbolisch waren und alle auf die eine oder andere Weise von den „kosmischen Rhythmen“ der Natur inspiriert waren. Delaunays Orphismus, der auf einer Skala reiner Farben basierte, bildete eine besondere Richtung, die man gemeinhin als „chromatisch“ bezeichnen kann.
Hinter den formalen Unterschieden steckte eine inhaltliche Ähnlichkeit. Ich habe den starken Einfluss der Theosophie und ähnlicher mystischer Bewegungen erfahren (d. h. den Einfluss von Autoren wie H. P. Blavatsky). (cm. BLAVATSKAYA (Elena Petrowna) und ihre Anhänger sowie P. D. Uspensky (cm. USPENSKY (Petr Demjanowitsch) in Russland und M. Schoenmaekers in den Niederlanden) waren Kandinsky, Kupka, Malewitsch und Mondrian davon überzeugt, dass ihre Bilder, in denen die alte Welt deutlich im kosmischen „Nichts“ verschwindet, eine künstlerische Apokalypse darstellen oder, anders gesagt, dem Betrachter zeigen jene Schwelle, jenseits derer eine neue „Ära großer Spiritualität“ (Kandinsky) beginnt und „die Welt in Wohlstand führt“ (Filonov). Der Beginn einer Zeit der Kriege und Revolutionen verstärkte diese romantisch-idealistischen Überzeugungen nur noch.
Design und Texte
In den 1920er Jahren Die abstrakte Kunst behielt ihre utopische Grundlage (aber nicht mehr so ​​„apokalyptisch“) und wurde praktischer und weniger mystisch. "Bauhaus (cm. BAUHAUS)„In Deutschland hat es sein kreatives Potenzial (hauptsächlich in seiner geometrischen Version) aktiv gemeistert, um das Design und damit das gesellschaftliche Leben im Allgemeinen zu aktualisieren. Der Abstraktionismus wurde in das Leben eingeführt, auch in die Mode (zum Beispiel S. Delaunay-Turk). (cm. Sonia DELONE) verwendete Motive aus den Gemälden ihres Mannes, um Stoffe, Innenräume und sogar Autos zu entwerfen. Es war die abstrakte Kunst, die maßgeblich zur Entstehung dessen beitrug, was man den „modernen Stil“ der dekorativen Kunst nannte. Die Ungegenständlichkeit wiederum wurde aktiv in der Bildhauerei gemeistert, sowohl in der Staffelei als auch in der monumental-dekorativen (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), C. Brancusi (cm. BRANCUZI (Constantin), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovich), A. Pevzner usw.). Die Aktivitäten des französischen Vereins „Abstraction-creation“ trugen zum Übergang der abstrakten Kunst von philosophischen Utopien zu kontemplativeren und lyrischeren Bildern bei.
Allerdings ist die endlich neue, vierte Richtung dieser Kunst, die sogenannte. Der „lyrische Abstraktionismus“ (der zu einer persönlichen, auf seine Art konfessionellen Selbstdarstellung von Künstlern wurde) nahm etwas später, in den 1940er Jahren, Gestalt an. in NYC. Es war abstrakter Expressionismus, dominiert von einem sehr großen, strukturierten Pinselstrich, als ob er spontan auf die Leinwand geworfen worden wäre (J. Pollock (cm. POLLOCK Jackson), W. de Kooning (cm. KUNING Willem), usw.). Die dramatische Spannung, die vielen dieser Dinge innewohnt, nahm in Westeuropa in den 1940er und 1950er Jahren eine neue Dimension an. noch tragischerer Charakter im sogenannten. „informell (cm. INFORMEL)"(Vols, A. Tapies, J. Fautrier), während in Tachisme (cm. TACHISMUS) Im Gegenteil, das Prinzip des Dur-Epos oder des Impressionismus-Landschaftsprinzips herrschte vor (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung usw.); Der Schwerpunkt beider Richtungen (deren Namen manchmal synonym verwendet werden) lag zunächst auf Paris. Im gleichen Zeitraum gab es auch Konvergenzpunkte zwischen abstrakter Kunst und fernöstlicher Kalligraphie (zum Beispiel im Werk des Amerikaners M. Toby und des in Frankreich tätigen Chinesen Zao-Wuki).
Zwischen Underground und Ruhm
Die offizielle Anerkennung der abstrakten Kunst im Westen erfolgte Mitte des 20. Jahrhunderts, zu einer Zeit der Dominanz des internationalen Stils in der Architektur (ungegenständliche – bildliche oder skulpturale – Formen belebten die Monotonie von Glasbetonstrukturen erheblich). Parallel dazu entstand eine Mode der „Farbfeldmalerei“, die die Ausdrucksmöglichkeiten großer, gleichmäßig (oder mit leichten Tonabweichungen) bemalter Farbflächen erforscht (B. Newman, M. Rothko (cm. ROTKO-Zeichen)) und in den 1960er Jahren. - zum konturenscharfen „Hard-Edge“ oder „Lackieren klarer Kanten“. Später war die abstrakte Kunst stilistisch in der Regel nicht mehr isoliert und verschmolz mit Pop Art, Op Art und anderen postmodernen Strömungen.
In Sowjetrussland entwickelte sich die abstrakte Kunst lange Zeit (seit den 1930er Jahren) tatsächlich im Untergrund, da sie offiziell als Mittelpunkt „reaktionär-formalistischer Einflüsse des Westens“ galt (charakteristischerweise wurden häufig die Wörter „Abstraktionismus“ und „Modernismus“ verwendet). in der sowjetischen Presse als Synonyme verwendet). In der Zeit des „Tauwetters“ diente ihm die Architektur als eine Art Ventil, in dessen Gestaltung sie häufig abstrakte oder semi-abstrakte Kompositionen einbezog. Als die neue russische abstrakte Kunst in den Jahren der Perestroika an die Öffentlichkeit gelangte, zeigte sie ein reiches Spektrum unterschiedlicher Strömungen (vor allem in der Malerei und Grafik), die auf einzigartige Weise die Anfänge der frühen russischen Avantgarde fortsetzten. Zu seinen anerkannten Meistern (1960-1990er Jahre) gehört E. M. Belyutin (cm. Beljutin (Eli Michailowitsch), Yu. S. Zlotnikov, E. L. Kropivnitsky (cm. KROPIVNITSKY Evgeniy Leonidovich), M. A. Kulakov, L. Ya. Masterkova, V. N. Nemukhin (cm. NEMUKHIN Wladimir Nikolajewitsch), L. V. Nusberg (cm. NUSBERG Lev Valdemarovich), V. L. Slepyan, E. A. Steinberg (cm. STEINBERG (Eduard Arkadevich).

Enzyklopädisches Wörterbuch. 2009 .

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- (vom lateinischen abstractus abstract), Abstraktionismus, gegenstandslose Kunst, nichtfigurative Kunst, eine modernistische Bewegung, die die Darstellung realer Objekte in Malerei, Skulptur und Grafik grundsätzlich aufgab. Programm… … Kunstlexikon

Abstrakte Kunst- Abstrakte Kunst. V.V. Kandinsky. Komposition. Aquarell. 1910. Nationalmuseum für moderne Kunst. Paris. ABSTRAKTE KUNST (abstrakte Kunst), eine Bewegung in der Avantgarde-Kunst (siehe Avantgarde) des 20. Jahrhunderts, die sich weigert... ... Illustriertes enzyklopädisches Wörterbuch

- (ungegenständliche, nicht-figurative) Richtung in der Malerei des 20. Jahrhunderts, die die Darstellung der Formen der Realität aufgab; einer der wichtigsten Avantgarde-Trends. Die erste Zusammenfassung Die Werke wurden 1910 von V. Kandinsky und 1912 von F. Kupka geschaffen... Enzyklopädie der Kulturwissenschaften

- (Abstraktionismus), eine Richtung in der Avantgarde (siehe Avantgarde) Kunst des 20. Jahrhunderts, die sich weigert, reale Objekte und Phänomene in Malerei, Skulptur und Grafik darzustellen. Es entstand in den 10er Jahren und gehörte zu den am weitesten verbreiteten... ... Moderne Enzyklopädie

- (abstrakte Kunst, nicht-gegenständliche Kunst, nicht-figurative Kunst), eine Reihe von Trends in der Kunstkultur des 20. Jahrhunderts, die naturalistische, leicht erkennbare Objektivität durch ein mehr oder weniger freies Spiel mit Linien, Farben und Formen ersetzen (Handlung und Thema... ... Großes enzyklopädisches Wörterbuch

Substantiv, Anzahl der Synonyme: 1 Abstraktionismus (2) Synonymwörterbuch ASIS. V.N. Trishin. 2013… Synonymwörterbuch

Abstrakte Kunst (lat. Abstraktion– Entfernung, Ablenkung) oder nicht-figurative Kunst- eine Kunstrichtung, die die Darstellung realitätsnaher Formen in Malerei und Skulptur aufgab. Eines der Ziele der abstrakten Kunst besteht darin, durch die Darstellung bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen eine „Harmonisierung“ zu erreichen, die beim Betrachter ein Gefühl der Vollständigkeit und Vollständigkeit der Komposition hervorruft. Prominente Persönlichkeiten: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Natalia Goncharova und Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Geschichte

Abstraktionismus(Kunst im Zeichen der „Nullformen“, gegenstandslose Kunst) ist eine künstlerische Richtung, die sich in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts herausgebildet hat und die Reproduktion von Formen der realen sichtbaren Welt völlig aufgibt. Als Begründer der abstrakten Kunst gilt V. Kandinsky , P. Mondrian Und K. Malewitsch.

V. Kandinsky schuf seine eigene Art abstrakter Malerei und befreite die impressionistischen und „wilden“ Flecken von jeglichen Anzeichen von Objektivität. Zu seiner Ungegenständlichkeit gelangte Piet Mondrian durch die von Cézanne und den Kubisten initiierte geometrische Stilisierung der Natur. Modernistische Bewegungen des 20. Jahrhunderts, die sich auf den Abstraktionismus konzentrieren, weichen völlig von traditionellen Prinzipien ab, leugnen den Realismus, bleiben aber gleichzeitig im Rahmen der Kunst. Mit dem Aufkommen der abstrakten Kunst erlebte die Kunstgeschichte eine Revolution. Aber diese Revolution kam nicht zufällig, sondern ganz natürlich und wurde von Platon vorhergesagt! In seinem Spätwerk Philebos schrieb er über die Schönheit von Linien, Flächen und Raumformen an sich, unabhängig von jeglicher Nachahmung sichtbarer Gegenstände, von jeglicher Mimesis. Diese Art von geometrischer Schönheit ist laut Platon im Gegensatz zur Schönheit natürlicher „unregelmäßiger“ Formen nicht relativ, sondern bedingungslos, absolut.

20. Jahrhundert und Neuzeit

Nach dem Ersten Weltkrieg (1914–18) manifestierten sich Tendenzen der abstrakten Kunst häufig in einzelnen Werken von Vertretern des Dadaismus und des Surrealismus; Gleichzeitig bestand der Wunsch, nichtfigurative Formen in Architektur, dekorativer Kunst und Design (Experimente der Stilgruppe und des Bauhauses) anzuwenden. Mehrere Gruppen abstrakter Kunst („Konkrete Kunst“, 1930; „Kreis und Quadrat“, 1930; „Abstraktion und Kreativität“, 1931), die Künstler verschiedener Nationalitäten und Bewegungen vereinten, entstanden in den frühen 30er Jahren, hauptsächlich in Frankreich. Allerdings verbreitete sich die abstrakte Kunst zu dieser Zeit und bereits Mitte der 30er Jahre noch nicht. Die Gruppen lösten sich auf. Während des Zweiten Weltkriegs 1939–45 entstand in den Vereinigten Staaten eine Schule des sogenannten abstrakten Expressionismus (Maler). J. Pollock, M. Tobey usw.), die sich nach dem Krieg in vielen Ländern (unter dem Namen Tachisme oder „formlose Kunst“) entwickelte und als ihre Methode den „reinen mentalen Automatismus“ und die subjektive unbewusste Impulsivität der Kreativität, den Kult unerwarteter Farb- und Texturkombinationen, proklamierte .

In der zweiten Hälfte der 50er Jahre entstanden in den USA Installationskunst und Pop-Art, die etwas später Andy Warhol mit seiner endlosen Verbreitung von Porträts von Marilyn Monroe und Hundefutterdosen verherrlichten – Collagen-Abstraktionismus. In der bildenden Kunst der 60er Jahre wurde die am wenigsten aggressive, statische Form der Abstraktion, der Minimalismus, populär. Gleichzeitig Barnett Newman, Begründer der amerikanischen geometrischen abstrakten Kunst zusammen mit A. Liberman, A. Held Und K. Noland engagierte sich erfolgreich in der Weiterentwicklung der Ideen des niederländischen Neoplastizismus und des russischen Suprematismus.

Eine andere Strömung der amerikanischen Malerei wird als „chromatischer“ oder „postmalerischer“ Abstraktionismus bezeichnet. Ihre Vertreter waren teilweise vom Fauvismus und Postimpressionismus inspiriert. Strenger Stil, betont scharfe Umrisse des Werkes E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella Allmählich wichen Gemälde kontemplativ-melancholischer Natur. In den 70er und 80er Jahren kehrte die amerikanische Malerei zur Gegenständlichkeit zurück. Darüber hinaus hat sich eine so extreme Erscheinungsform wie der Fotorealismus weit verbreitet. Die meisten Kunsthistoriker sind sich einig, dass die 70er Jahre die Stunde der Wahrheit für die amerikanische Kunst sind, da sie sich in dieser Zeit endgültig vom europäischen Einfluss befreite und rein amerikanisch wurde. Doch trotz der Rückkehr traditioneller Formen und Genres, von der Porträtmalerei bis zur Historienmalerei, ist der Abstraktionismus nicht verschwunden.

Es entstanden nach wie vor Gemälde und Werke der „ungegenständlichen“ Kunst, da die Rückkehr zum Realismus in den USA nicht durch den Abstraktionismus als solchen, sondern durch dessen Kanonisierung, das Verbot der figurativen Kunst, überwunden wurde, die vor allem mit unserem sozialistischen Realismus identifiziert wurde , und konnte daher nicht umhin, in einer „freien demokratischen“ Gesellschaft als abscheulich angesehen zu werden, ein Verbot „niedriger“ Genres, ein Verbot der sozialen Funktionen der Kunst. Gleichzeitig erlangte der Stil der abstrakten Malerei eine gewisse Weichheit, die ihm zuvor fehlte – stromlinienförmige Volumen, verschwommene Konturen, eine Fülle von Halbtönen, subtile Farbschemata ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

All diese Trends legten den Grundstein für die Entwicklung des modernen Abstraktionismus. In der Kreativität kann es nichts Eingefrorenes oder Endgültiges geben, denn das wäre ihr Tod. Aber egal welchen Weg der Abstraktionismus einschlägt, egal welche Wandlungen er erfährt, sein Wesen bleibt immer unverändert. Der Abstraktionismus in der bildenden Kunst ist der zugänglichste und edelste Weg, die persönliche Existenz einzufangen, und zwar in einer Form, die am besten geeignet ist – wie ein Faksimiledruck. Gleichzeitig ist der Abstraktionismus eine unmittelbare Verwirklichung der Freiheit.

Richtungen

Im Abstraktionismus lassen sich zwei klare Richtungen unterscheiden: die geometrische Abstraktion, die vor allem auf klar definierten Konfigurationen basiert (Malevich, Mondrian), und die lyrische Abstraktion, bei der die Komposition aus frei fließenden Formen organisiert ist (Kandinsky). Es gibt auch mehrere andere große unabhängige Bewegungen in der abstrakten Kunst.

Kubismus

Eine Avantgarde-Bewegung in der bildenden Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und durch die Verwendung betont konventioneller geometrischer Formen und den Wunsch gekennzeichnet ist, reale Objekte in stereometrische Grundformen zu „spalten“.

Regionalismus (Rayismus)

Eine Bewegung in der abstrakten Kunst der 1910er Jahre, die auf der Verschiebung von Lichtspektren und der Lichtdurchlässigkeit basiert. Charakteristisch ist die Idee der Entstehung von Formen aus der „Schnittmenge reflektierter Strahlen verschiedener Objekte“, da der Mensch tatsächlich nicht das Objekt selbst wahrnimmt, sondern „die Summe der Strahlen, die von der Lichtquelle kommen und von ihr reflektiert werden“. das Objekt."

Neoplastizismus

Bezeichnung der Strömung der abstrakten Kunst, die in den Jahren 1917–1928 existierte. in Holland und vereinte Künstler, die sich um die Zeitschrift „De Stijl“ („Stil“) gruppierten. Charakteristisch sind klare rechteckige Formen in der Architektur und der abstrakten Malerei in der Anordnung großer rechteckiger Flächen, bemalt in den Grundfarben des Spektrums.

Orphismus

Richtung in der französischen Malerei der 1910er Jahre. Orphistische Künstler versuchten, die Dynamik der Bewegung und die Musikalität der Rhythmen mithilfe von „Regelmäßigkeiten“ der gegenseitigen Durchdringung der Grundfarben des Spektrums und der gegenseitigen Überschneidung gekrümmter Flächen auszudrücken.

Suprematismus

Eine Bewegung in der Avantgarde-Kunst, die in den 1910er Jahren gegründet wurde. Malewitsch. Es drückte sich in Kombinationen mehrfarbiger Flächen mit einfachsten geometrischen Formen aus. Die Kombination mehrfarbiger geometrischer Formen bildet ausgewogene asymmetrische suprematistische Kompositionen, die von innerer Bewegung durchdrungen sind.

Tachismus

Eine Bewegung in der westeuropäischen abstrakten Kunst der 1950er–60er Jahre, die in den Vereinigten Staaten am weitesten verbreitet war. Es ist das Malen mit Flecken, die keine Abbilder der Realität wiedergeben, sondern die unbewusste Aktivität des Künstlers zum Ausdruck bringen. Striche, Linien und Punkte im Tachismus werden mit schnellen Handbewegungen ohne einen vorher durchdachten Plan auf die Leinwand aufgetragen.

Abstrakter Expressionismus

Die Bewegung von Künstlern, die schnell und auf großen Leinwänden malen, wobei sie nicht geometrische Striche und große Pinsel verwenden und manchmal Farbe auf die Leinwand tropfen, um Emotionen vollständig zum Vorschein zu bringen. Dabei ist die ausdrucksstarke Malweise oft ebenso wichtig wie das Gemälde selbst.

Abstraktionismus im Innenraum

In letzter Zeit hat der Abstraktionismus begonnen, von den Gemälden der Künstler in das gemütliche Innere des Hauses vorzudringen und es vorteilhaft zu modernisieren. Ein minimalistischer Stil mit klaren, teilweise recht ungewöhnlichen Formen macht den Raum ungewöhnlich und interessant. Aber es ist sehr leicht, es mit Farbe zu übertreiben. Erwägen Sie die Kombination der Farbe Orange in diesem Einrichtungsstil.

Weiß verdünnt das satte Orange am besten und kühlt es sozusagen ab. Durch die Farbe Orange fühlt sich der Raum etwas wärmer an; nicht verhindern. Der Schwerpunkt sollte auf den Möbeln bzw. deren Design liegen, beispielsweise einer orangefarbenen Tagesdecke. In diesem Fall übertönen weiße Wände die Helligkeit der Farbe, lassen den Raum aber farbenfroh erscheinen. In diesem Fall sind Gemälde im gleichen Maßstab eine hervorragende Ergänzung – Hauptsache, man übertreibt es nicht, sonst kommt es zu Schlafproblemen.

Die Kombination der Farben Orange und Blau schadet jedem Raum, es sei denn, es handelt sich um ein Kinderzimmer. Wenn Sie nicht helle Farbtöne wählen, harmonieren diese gut miteinander, sorgen für Stimmung und wirken sich auch bei hyperaktiven Kindern nicht negativ aus.

Orange passt gut zu Grün und erzeugt die Wirkung eines Mandarinenbaums und eines Schokoladentons. Braun ist eine Farbe, die von warm bis kühl reicht und daher idealerweise die Gesamttemperatur des Raumes normalisiert. Darüber hinaus eignet sich diese Farbkombination für Küche und Wohnzimmer, wo Sie eine Atmosphäre schaffen möchten, ohne den Innenraum zu überladen. Nachdem Sie die Wände in Weiß- und Schokoladenfarben dekoriert haben, können Sie in aller Ruhe einen orangefarbenen Stuhl aufstellen oder ein helles Bild mit einer satten Mandarinenfarbe aufhängen. Während Sie sich in einem solchen Raum aufhalten, sind Sie in bester Stimmung und möchten so viele Dinge wie möglich tun.

Gemälde berühmter abstrakter Künstler

Kandinsky war einer der Pioniere der abstrakten Kunst. Er begann seine Suche im Impressionismus und gelangte erst dann zum Stil des Abstraktionismus. In seiner Arbeit nutzte er die Beziehung zwischen Farbe und Form, um ein ästhetisches Erlebnis zu schaffen, das sowohl die Vision als auch die Emotionen des Betrachters einbezog. Er glaubte, dass vollständige Abstraktion Raum für einen tiefen, transzendenten Ausdruck bietet und dass das Kopieren der Realität diesen Prozess nur stört.

Die Malerei war für Kandinsky zutiefst spirituell. Er versuchte, die Tiefe menschlicher Emotionen durch eine universelle visuelle Sprache aus abstrakten Formen und Farben zu vermitteln, die physische und kulturelle Grenzen überwinden würde. Er sah Abstraktionismus als idealer visueller Modus, der die „innere Notwendigkeit“ des Künstlers ausdrücken und menschliche Ideen und Emotionen vermitteln kann. Er betrachtete sich als Propheten, dessen Mission es war, diese Ideale zum Wohle der Gesellschaft mit der Welt zu teilen.

Versteckt in leuchtenden Farben und klaren schwarzen Linien sind mehrere Kosaken mit Speeren sowie Boote, Figuren und eine Burg auf einem Hügel abgebildet. Wie viele Gemälde aus dieser Zeit stellt es einen apokalyptischen Kampf vor, der zum ewigen Frieden führen wird.

Um die Entwicklung eines gegenstandslosen Malstils zu erleichtern, wie er in seinem Werk „Über das Geistige in der Kunst“ (1912) beschrieben wird, reduziert Kandinsky Objekte auf piktografische Symbole. Indem er die meisten Verweise auf die Außenwelt entfernte, drückte Kandinsky seine Vision auf eine universellere Weise aus und übersetzte die spirituelle Essenz des Themas durch all diese Formen in eine visuelle Sprache. Viele dieser symbolischen Figuren wurden in seinen späteren Werken wiederholt und verfeinert, wodurch sie noch abstrakter wurden.

Kasimir Malewitsch

Malewitschs Vorstellungen über Form und Bedeutung in der Kunst führten irgendwie zu einer Konzentration auf die Theorie des abstrakten Kunststils. Malewitsch arbeitete mit verschiedenen Malstilen, konzentrierte sich jedoch vor allem auf das Studium rein geometrischer Formen (Quadrate, Dreiecke, Kreise) und deren Beziehung zueinander im Bildraum. Dank seiner Kontakte in den Westen konnte Malewitsch seine Vorstellungen von der Malerei Künstlerfreunden in Europa und den Vereinigten Staaten vermitteln und so die Entwicklung der modernen Kunst maßgeblich beeinflussen.

„Schwarzes Quadrat“ (1915)

Das ikonische Gemälde „Schwarzes Quadrat“ wurde erstmals 1915 von Malewitsch auf einer Ausstellung in Petrograd gezeigt. Dieses Werk verkörpert die theoretischen Prinzipien des Suprematismus, die Malewitsch in seinem Essay „Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus: Neuer Realismus in der Malerei“ entwickelt hat.

Auf der Leinwand vor dem Betrachter befindet sich eine abstrakte Form in Form eines schwarzen Quadrats auf weißem Hintergrund – es ist das einzige Element der Komposition. Obwohl das Gemälde einfach erscheint, sind durch die schwarzen Farbschichten Elemente wie Fingerabdrücke und Pinselstriche sichtbar.

Für Malewitsch bedeutet das Quadrat Gefühle, und das Weiß bedeutet Leere, Nichts. Für ihn war das schwarze Quadrat eine gottähnliche Präsenz, eine Ikone, als könnte es ein neues heiliges Bild für die nichtfigurative Kunst werden. Schon bei der Ausstellung wurde dieses Gemälde an der Stelle platziert, an der normalerweise eine Ikone in einem russischen Haus steht.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, einer der Gründer der niederländischen De Stijl-Bewegung, ist für die Reinheit seiner Abstraktionen und seine methodische Praxis bekannt. Er vereinfachte die Elemente seiner Gemälde radikal, um das Gesehene nicht direkt, sondern figurativ darzustellen und in seinen Leinwänden eine klare und universelle ästhetische Sprache zu schaffen. In seinen berühmtesten Gemälden aus den 1920er Jahren reduzierte Mondrian seine Formen auf Linien und Rechtecke und seine Farbpalette auf das Einfachste. Die Verwendung des asymmetrischen Gleichgewichts wurde für die Entwicklung der modernen Kunst von grundlegender Bedeutung, und seine ikonischen abstrakten Werke haben bis heute Einfluss auf das Design und sind in der heutigen Populärkultur bekannt.

„The Grey Tree“ ist ein Beispiel für Mondrians frühen Übergang zum Stil Abstraktionismus. Dreidimensionales Holz wird auf die einfachsten Linien und Flächen reduziert, wobei nur Grau- und Schwarztöne verwendet werden.

Dieses Gemälde gehört zu einer Reihe von Werken Mondrians, die mit einem realistischeren Ansatz entstanden sind und beispielsweise Bäume auf naturalistische Weise darstellen. Während spätere Arbeiten zunehmend abstrakter wurden, werden beispielsweise die Linien eines Baumes reduziert, bis die Form des Baumes kaum noch wahrnehmbar ist und der Gesamtkomposition aus vertikalen und horizontalen Linien untergeordnet ist. Hier sieht man noch Mondrians Interesse an der Abkehr von der strukturierten Linienorganisation. Dieser Schritt war bedeutsam für Mondrians Entwicklung der reinen Abstraktion.

Robert Delaunay

Delaunay war einer der ersten Künstler des abstrakten Kunststils. Sein Werk beeinflusste die Entwicklung dieser Richtung, basierend auf der kompositorischen Spannung, die durch den Gegensatz der Farben entstand. Er geriet schnell unter den neoimpressionistischen koloristischen Einfluss und orientierte sich sehr stark an der Farbgebung der Werke im abstrakten Stil. Er betrachtete Farbe und Licht als die wichtigsten Werkzeuge, mit denen man die Realität der Welt beeinflussen kann.

Bis 1910 leistete Delaunay seinen eigenen Beitrag zum Kubismus in Form von zwei Gemäldeserien mit der Darstellung von Kathedralen und dem Eiffelturm, die kubische Formen, dynamische Bewegung und leuchtende Farben kombinierten. Diese neue Art der Farbharmonie trug dazu bei, den Stil vom orthodoxen Kubismus zu unterscheiden, der als Orphismus bekannt wurde, und beeinflusste sofort europäische Künstler. Delaunays Frau, die Künstlerin Sonia Turk-Delone, malte weiterhin im gleichen Stil.

Delaunays Hauptwerk ist dem Eiffelturm gewidmet, dem berühmten Symbol Frankreichs. Dies ist eines der beeindruckendsten einer Serie von elf Gemälden, die zwischen 1909 und 1911 dem Eiffelturm gewidmet sind. Es ist leuchtend rot gestrichen, wodurch es sich sofort vom Grau der umliegenden Stadt abhebt. Die beeindruckende Größe der Leinwand unterstreicht die Erhabenheit dieses Gebäudes zusätzlich. Wie ein Geist erhebt sich der Turm über die umliegenden Häuser und erschüttert metaphorisch die Grundfesten der alten Ordnung. Delaunays Gemälde vermitteln dieses Gefühl von grenzenlosem Optimismus, Unschuld und Frische einer Zeit, die noch keine zwei Weltkriege erlebt hat.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka ist ein tschechoslowakischer Künstler, der in diesem Stil malt Abstraktionismus, Absolvent der Prager Akademie der Künste. Als Student malte er vor allem zu patriotischen Themen und verfasste historische Kompositionen. Seine frühen Werke waren eher akademisch, sein Stil entwickelte sich jedoch im Laufe der Jahre weiter und wandte sich schließlich der abstrakten Kunst zu. Schon seine frühen Werke waren sehr realistisch geschrieben und enthielten mystische, surreale Themen und Symbole, die sich auch in den Abstraktionen fortsetzten. Kupka glaubte, dass der Künstler und sein Werk an einer kontinuierlichen schöpferischen Tätigkeit teilhaben, deren Natur nicht begrenzt, also absolut ist.

„Amorpha. Fuge in zwei Farben“ (1907-1908)

Von 1907 bis 1908 begann Kupka eine Reihe von Porträts eines Mädchens zu malen, das einen Ball in der Hand hält, als wollte sie damit spielen oder tanzen. Anschließend entwickelte er immer schematischere Bilder davon und erhielt schließlich eine Reihe völlig abstrakter Zeichnungen. Sie wurden in einer begrenzten Palette von Rot, Blau, Schwarz und Weiß hergestellt. 1912 wurde eines dieser abstrakten Werke im Salon d'Automne erstmals öffentlich in Paris ausgestellt.

Moderne abstrakte Künstler

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts experimentieren Künstler, darunter Pablo Picasso, Salvador Dali, Kasemir Malewitsch, Wassily Kandinsky, mit der Form von Objekten und ihrer Wahrnehmung und hinterfragen auch bestehende Kanons der Kunst. Wir haben eine Auswahl der berühmtesten zeitgenössischen abstrakten Künstler zusammengestellt, die beschlossen haben, die Grenzen ihres Wissens zu überschreiten und ihre eigene Realität zu schaffen.

Deutscher Künstler David Schnell(David Schnell) liebt es, durch Orte zu wandern, die früher voller Natur waren, heute aber voller menschlicher Gebäude sind – von Spielplätzen bis hin zu Fabriken. Aus Erinnerungen an diese Spaziergänge entstehen seine leuchtenden abstrakten Landschaften. David Schnell lässt seiner Fantasie und seinem Gedächtnis freien Lauf, anstatt sich auf Fotos und Videos zu verlassen, und schafft Gemälde, die der virtuellen Realität eines Computers oder Illustrationen für Science-Fiction-Bücher ähneln.

Bei der Schaffung ihrer großformatigen abstrakten Gemälde ist die amerikanische Künstlerin Christine Baker(Kristin Baker) lässt sich von der Kunstgeschichte und dem Rennsport von Nascar und Formel 1 inspirieren. Sie verleiht ihrer Arbeit zunächst eine Dimension, indem sie mehrere Schichten Acrylfarbe aufträgt und die Silhouetten mit Klebeband abdeckt. Christine schält es dann vorsichtig ab, wodurch die darunter liegenden Farbschichten sichtbar werden und die Oberfläche ihrer Gemälde wie eine vielschichtige, mehrfarbige Collage aussieht. Im allerletzten Arbeitsschritt kratzt sie alle Unregelmäßigkeiten ab, sodass ihre Bilder wie ein Röntgenbild wirken.

In ihren Werken zeigt die aus Brooklyn, New York stammende Künstlerin griechischer Herkunft, Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) erforscht Aspekte des Alltagslebens, die den Menschen oft entgehen. Während ihres „Dialogs mit der Leinwand“ erhalten gewöhnliche Konzepte neue Bedeutungen und Facetten: Negativer Raum wird positiv und kleine Formen nehmen an Größe zu. Mit dem Versuch, ihren Bildern „Leben“ einzuhauchen, versucht Eleanna, den menschlichen Geist zu erwecken, der aufgehört hat, Fragen zu stellen und offen für Neues zu sein.

Der amerikanische Künstler bringt helle Farbspritzer und Farbkleckse auf die Leinwand Sarah Spitler(Sarah Spitler) ist bestrebt, in ihrer Arbeit Chaos, Katastrophe, Ungleichgewicht und Unordnung widerzuspiegeln. Sie fühlt sich von diesen Konzepten angezogen, weil sie außerhalb der menschlichen Kontrolle liegen. Ihre zerstörerische Kraft macht Sarah Spitlers abstrakte Werke daher kraftvoll, energisch und spannend. Außerdem. Das resultierende Bild auf Leinwand aus Tusche, Acrylfarben, Graphitstiften und Emaille betont die Vergänglichkeit und Relativität des Geschehens um uns herum.

Inspiriert von der Architektur hat der Künstler aus Vancouver, Kanada, Jeff Dapner(Jeff Depner) schafft vielschichtige abstrakte Gemälde bestehend aus geometrischen Formen. In dem künstlerischen „Chaos“, das er schafft, sucht Jeff nach Harmonie in Farbe, Form und Komposition. Jedes der Elemente in seinen Gemälden ist miteinander verbunden und führt zum nächsten: „Meine Arbeiten erforschen die kompositorische Struktur [eines Gemäldes] durch die Beziehungen der Farben in der gewählten Palette ...“ Nach Aussage des Künstlers handelt es sich bei seinen Bildern um „abstrakte Zeichen“, die den Betrachter auf eine neue, unbewusste Ebene entführen sollen.

Richtung

Abstraktionismus (lateinisch abstractio – Entfernung, Ablenkung) oder nicht-figurative Kunst ist eine Kunstrichtung, die sich von der realitätsnahen Darstellung von Formen in Malerei und Skulptur verabschiedet. Eines der Ziele der abstrakten Kunst besteht darin, durch die Darstellung bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen eine „Harmonisierung“ zu erreichen, die beim Betrachter ein Gefühl der Vollständigkeit und Vollständigkeit der Komposition hervorruft. Prominente Persönlichkeiten: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Natalia Goncharova und Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Das erste abstrakte Gemälde wurde 1910 von Wassily Kandinsky gemalt. Derzeit befindet es sich im Nationalmuseum von Georgia – damit hat es eine neue Seite in der Weltmalerei aufgeschlagen – abstrakte Kunst, die Malerei zur Musik erhebt.

In der russischen Malerei des 20. Jahrhunderts waren die Hauptvertreter des Abstraktionismus Wassily Kandinsky (der den Übergang zu seinen abstrakten Kompositionen in Deutschland vollendete), Natalya Goncharova und Mikhail Larionov, der 1910-1912 den „Rauchismus“ begründete, der Schöpfer des Suprematismus als eine neue Art von Kreativität Kasimir Malewitsch, Autor von „Schwarzes Quadrat“ und Evgeny Michnov-Voitenko, dessen Werk sich unter anderem durch eine beispiellos breite Palette von Richtungen der in seinen Werken angewandten abstrakten Methode auszeichnet (einige davon, einschließlich des „Graffiti-Stils“, den der Künstler als erster nicht nur inländische, sondern auch ausländische Meister verwendete).

Eine mit dem Abstraktionismus verwandte Bewegung ist der Kubismus, der versucht, reale Objekte mit einer Vielzahl sich überschneidender Ebenen darzustellen und so das Bild bestimmter geradliniger Figuren zu schaffen, die die lebendige Natur reproduzieren. Zu den markantesten Beispielen des Kubismus zählen die frühen Werke von Pablo Picasso.

In den Jahren 1910–1915 begannen Maler in Russland, Westeuropa und den Vereinigten Staaten, abstrakte Kunstwerke zu schaffen; Zu den ersten Abstraktionisten zählen Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian. Als Geburtsjahr der gegenstandslosen Kunst gilt das Jahr 1910, als Kandinsky in Murnau seine erste abstrakte Komposition schrieb. Die ästhetischen Konzepte der ersten Abstraktionisten gingen davon aus, dass künstlerisches Schaffen die Gesetze des Universums widerspiegelt, die sich hinter den äußeren, oberflächlichen Phänomenen der Realität verbergen. Diese vom Künstler intuitiv erfassten Muster wurden durch die Beziehung abstrakter Formen (Farbflecken, Linien, Volumen, geometrische Figuren) in einem abstrakten Werk ausgedrückt. 1911 veröffentlichte Kandinsky in München sein mittlerweile berühmtes Buch „Über das Geistige in der Kunst“, in dem er über die Möglichkeit nachdachte, das innerlich Notwendige, das Geistige, im Gegensatz zum Äußeren, Zufälligen zu verkörpern. Die „logische Grundlage“ für Kandinskys Abstraktionen basierte auf dem Studium der theosophischen und anthroposophischen Werke von Helena Blavatsky und Rudolf Steiner. Im ästhetischen Konzept von Piet Mondrian waren die primären Formelemente die primären Gegensätze: Horizontal – Vertikal, Linie – Fläche, Farbe – Nichtfarbe. In der Theorie von Robert Delaunay wurde im Gegensatz zu den Konzepten von Kandinsky und Mondrian die idealistische Metaphysik abgelehnt; Die Hauptaufgabe des Abstraktionismus schien dem Künstler das Studium der dynamischen Qualitäten der Farbe und anderer Eigenschaften der künstlerischen Sprache zu sein (die von Delaunay begründete Richtung hieß Orphismus). Der Schöpfer des „Rayonismus“, Michail Larionow, beschrieb „die Emission von reflektiertem Licht; Farbstaub.“

Die in den frühen 1910er Jahren entstandene abstrakte Kunst entwickelte sich rasch und tauchte in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in vielen Bereichen der Avantgarde-Kunst auf. Die Ideen des Abstraktionismus spiegeln sich im Werk der Expressionisten (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), Kubisten (Fernand Léger), Dadaisten (Jean Arp), Surrealisten (Joan Miró), italienischen Futuristen (Gino Severini, Giacomo Balla,