Annas Galerie. Galerie Anna Nova
Anna Nova in ihrer Anna Nova Gallery in der Schukowski-Straße 28, St. Petersburg. Im Vordergrund steht Denis Patrakeevs Skulptur „The Flow of the World“, 2017. An der Wand hängt ein Werk von Vlad Kulkov, 2017. S-Chair, Design von Tom Dixon, Cappellini.
Architektur, auch die Architektur des Innenraums, ist wie eingefrorene Musik. Aber eine Kunstgalerie braucht völlige visuelle Stille, damit die Kunst darin laut und störungsfrei erklingen kann. Ob das so ist, erfahren wir von Anna Nova, der Gründerin der Anna Nova-Galerie.
ELLE DECORATION Im Jahr 2005 berichteten St. Petersburger Medien: Sängerin Anna Nova eröffnete eine Galerie...
ANNA NOVA Ja, ich verfolgte eine Solokarriere und arbeitete auch als Moderator beim RTG-Kanal. Aber nachdem ich die Musikschule mit einem Abschluss in Flöte abgeschlossen hatte, machte ich, wie viele Menschen meiner Generation, ein Diplom in Wirtschaftswissenschaften.
Wie entstand die Idee, eine Galerie zu eröffnen? Ich war schon immer von kreativen Menschen umgeben. Als Kind besuchte ich oft meinen Onkel, einen Künstler, und war überrascht, dass die ernsthafte Kunst, die Künstler ausübten, nicht gefragt war. Bestenfalls musste ich meinen Lebensunterhalt mit der Bestellung von Plakaten bestreiten. Ich wollte Künstlern schon immer dabei helfen, ihr Potenzial auszuschöpfen. Eines Tages stellte mich der Designer Dmitry Sharapov der Kunstkritikerin Natalya Ershova vor und schlug vor, eine Galerie zu eröffnen, und so begann alles.
Am Fenster steht das Werk „Russischer Kosmismus“ von Rostan Tavasiev, 2015. Sessel aus schwarzem Kunststoff und Leder Pohjola, Design von Pekka Peryo, Haimi Oy, 1965, Finnland.
Welcher Künstler wurde zuerst eingeladen? Wir eröffneten mit einer Ausstellung von Elena Figura, damals bereits eine ikonische Künstlerin. Das ursprüngliche Konzept der Galerie wurde gemeinsam mit Natalya Ershova und Ekaterina Andreeva, einer Kunstkritikerin und leitenden Mitarbeiterin der Abteilung für zeitgenössische Trends des Russischen Museums, ausgearbeitet. 2006 haben wir einen Wettbewerb für junge Künstler ins Leben gerufen und 2007 waren wir die ersten, die zu westlichen Messen reisten.
In der Mitte ist Alexander Dashevsky, „Swimming pool“, 2014. Links ist Rostan Tavasiev, „Episode 2“, 2017. Auf dem Tisch steht Denis Patrakeevs Skulptur „Vow of Silence“, 2015. Im Hintergrund ist ein Teppich, 1960er Jahre, Schweden. Paar Kunststoffsessel, entworfen von Yrje Kukkapuro, Haimi, 1964, Finnland. Sperrholzsessel, Design von Soren Hansen, Anikarimobel Fabrik, 1944, Schweden. Klappbarren, Leif Alring für C.F. Christensen, 1964, Dänemark.
Wie entstand die Inneneinrichtung der Anna Nova-Galerie? Von der ursprünglichen Innenausstattung ist heute fast nichts mehr übrig. Wir kamen nicht sofort zu dem Schluss, dass der ideale Raum für eine Galerie konzeptueller zeitgenössischer Kunst ein leerer White Cube ist. Wir haben am Anfang viele Fehler gemacht. Der Empfangstresen, die farbigen Wände, die Holzverkleidung und die Glastrennwand begannen fast sofort im Weg zu stehen. Wir brauchten einen leeren Raum, der sich leicht in Vorträge und Performances verwandeln ließ. Alles ist jetzt anders.
Die ersten beiden Etagen sind ein sauberer Raum, in dem es keine Ablenkungen gibt. Wir haben kürzlich eine dritte Etage eröffnet – die Sammlerlounge, in der wir intime Veranstaltungen für Sammler veranstalten. Möbel – Klassiker des amerikanischen und skandinavischen Designs – wurden auf Auktionen ersteigert. Die Wände sind nicht weiß, der Mehrschichtputz wurde vom Künstler auf Basis von fünf komplexen Farbtönen angefertigt.
Sesann Sofa und Sessel, Design von Gianfranco Frattini, Cassina, 1970, Italien. An der Wand hängt das Werk von Denis Patrakeev „Crossroads“, 2014.
Könnte eine ähnliche Galerie im neuen Gebäude entstehen? Dann wäre es notwendig, ein separates Gebäude im Stil des Konstruktivismus oder Minimalismus zu bauen oder mit dem Kontrast zu spielen: alte Architektur, aber im Inneren gibt es einen modernen offenen Raum.
Sommernachtteppich, entworfen von Ritva Puotila, 1960er Jahre, Finnland.
Wie wählt man Kunst für den Innenraum aus? Viele Menschen kaufen Kunst als Dekorationsgegenstand und achten dabei vor allem auf Größe und Farbe. Das ist grundsätzlich falsch. Kunst erfordert einen bewussten Umgang. Sie müssen mehr laufen und schauen – einen Geschmack entwickeln. Und natürlich sollten Sie die Vermietung von Gemälden nicht vernachlässigen.
Anna Nova auf einem weißen Stuhl, entworfen von Albert Jacob Toller für Grosfillex, 1970, Frankreich.Welche Fehler sind beim Aufhängen von Bildern möglich? Im Zweifelsfall lohnt es sich, einen Kurator einzuschalten. Der Hauptfehler ist das standardmäßige Aufhängen von Gemälden. Es gibt viele Möglichkeiten, dies interessant zu gestalten. Kombinieren Sie beispielsweise klassische und moderne Kunst oder kombinieren Sie Gemälde zu Tafeln. Aber der Sinn für Harmonie ist hier wie in der Musik wichtig. Andernfalls wird die Improvisation zur Kakophonie. www.new.annanova-gallery.ru
An der Wand hängt ein Werk von Vlad Kulkov „Untitled“, 2014. Die Bank besteht aus einem Fragment des ursprünglichen Holzbodens, der nach der Rekonstruktion des Raumes übrig geblieben ist.
— Erzählen Sie uns von dem neuen Raum in Ihrer Galerie. Wie ist die Idee entstanden, was war der Grund?
— Die Galerie existiert seit 12 Jahren; wir begannen auf einer Etage und begannen dann zu wachsen. Jetzt sind die erste und zweite Etage ein Ausstellungsraum, außerdem gibt es einen Büro- und Lagerbereich, wo auch einige Sammler vorbeischauen. Vor kurzem wurde uns klar, dass wir keinen Raum hatten, in dem wir Gäste in ruhiger und gemütlicher Atmosphäre zum geselligen Beisammensein einladen konnten – also beschlossen wir, einen zu schaffen.
— Das war also ein Kundenbedürfnis?
— Ja. Es ist einfacher, Kunst im Innenraum zu betrachten: Sie sehen, wie dieses oder jenes Werk in Ihr Haus oder Ihre Wohnung eingebaut ist. Wir zeigen Arbeiten nicht nur an einer weißen Wand, sondern integriert in ein gemütliches Interieur. IN Sammlerlounge Wir schaffen eine freie Atmosphäre und führen dort freundschaftliche und private Treffen durch.
Wir waren die Ersten, die hier zu Abend gegessen haben Seien Sie neugierig, Martell aufgeführt vom St. Petersburger Kochduo Duoband— Dmitry Blinov und Renat Malikov ( Tatarbar, Duo-Gastrobar). Wir haben Freunde und Sammler versammelt. Wir haben die neuen Räume ausprobiert und hatten eine tolle Zeit. In Zukunft wollen wir hier Vorträge und Modenschauen veranstalten, wir werden bereits von Marken kontaktiert, die Veranstaltungen in Galerien durchführen oder grundsätzlich mit der Kunst zusammenarbeiten möchten. Wir werden auch Kammerausstellungen im geschlossenen Format durchführen und ein Clubsystem schaffen. Es gibt viele Ideen und ich möchte jetzt nicht alles verraten.
— Wie wählt man Künstler für die Galerie aus? Legen Sie Ihren Fokus auf junge Autoren?
— Wir beschäftigen uns mit konzeptueller zeitgenössischer Kunst und unsere Künstler sind völlig unterschiedlichen Alters. Stas Bags war wahrscheinlich der Jüngste; wir fingen damals gerade erst mit der Arbeit an. Mittlerweile beginnt die Altersspanne bei 25–26 Jahren, obwohl einige unserer Künstler bereits über 70 Jahre alt sind.
— Nach meinem Verständnis kann man auch mit 70 noch ein junger Künstler sein, wenn man gerade erst anfängt.
— Sicherlich. Wir kennen großartige Beispiele von Künstlern, Designern und Architekten, die als Erwachsene ihre ersten Meisterwerke schaffen.
Wenn es nichts gibt, woran man sich festhalten kann, ist es unmöglich, daraus etwas wachsen zu lassen.
— Wie ermitteln Sie die Künstler, die zu Ihnen passen? Gibt es bestimmte Kriterien, die sie erfüllen müssen?
— Ich denke, das ist bis zu einem gewissen Grad Intuition. Bei Marina ( Vinogradova, künstlerische Leiterin der Galerie, ca. Hrsg.) ausgezeichnete kunsthistorische Ausbildung, jeder in unserem Team hat einen ähnlichen Hintergrund. Außer mir. Ich hatte ursprünglich eine Finanz- und Wirtschaftsausbildung.
Bei der Auswahl von Künstlern – und bei der Arbeit in einer Galerie im Allgemeinen – ist ein gewisses Maß an Beobachtungsgabe sehr wichtig. Es entsteht ein Verständnis dafür, was zeitgenössische Kunst ist, was die Kriterien sind und wie man ihnen gerecht wird.
Damit wir mit einem Künstler zusammenarbeiten können, muss das Puzzle zusammenpassen: Relevanz, das Gefühl, dass es im Westen interessant sein wird, und zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein, ist wichtig. Aber der Künstler und sein Werk stehen immer noch im Vordergrund. Wenn es nichts gibt, woran man sich festhalten kann, ist es unmöglich, daraus etwas wachsen zu lassen. Der Betrachter, der Sammler, der Galerist muss an Sie glauben.
Bei der Suche nach „unseren“ Autoren hilft uns ein Wettbewerb für junge Künstler, den wir bereits zum sechsten Mal veranstalten. Gemeinsam mit der Jury sichten wir die Bewerbungen, dieses Mal sind rund 350 davon angekommen! Einige werden sofort abgeschnitten, aber es gibt auch sehr interessante Projekte.
Pressedienst der Anna-Nova-Galerie
— Ich würde gerne mehr von Ihnen über diesen Wettbewerb erfahren.
— Der Wettbewerb wird aufgerufen „Neue Projekte für die Anna Nova Gallery“. Wir sind an einer objektiven Bewertung durch Dritte interessiert und bilden eine unabhängige Jury, mit der wir gemeinsam das Gewinnerprojekt auswählen. ( Der diesjährige Absolvent hat gewonnen IPSI Alice Kern, deren Ausstellung im Herbst 2017 stattfinden wird – ca. Hrsg.).
Es begann alles ganz leicht und organisch, als wäre ein Puzzle entstanden. Eine Galerie wurde eröffnet und für uns arbeitete damals Katya Andreeva, die Künstler auswählte und einen Wettbewerb organisierte. Sie erarbeitete die ersten Themen und erarbeitete das Reglement. Und dann fügte es sich so organisch in unsere Existenz ein, dass es begann, sich von selbst zu entwickeln. Dies ist der sechste Wettbewerb in 12 Jahren – und wir sehen starke Veränderungen. Aus lokal ist international geworden: Bewerbungen kommen aus der Türkei, Belgien und den USA. Dabei hilft auch eine internationale Jury, seriöse Namen ziehen Künstler an. Dieses Jahr hatten wir Caroline Christov-Bakargiev in der Jury, sie betreute den 13 Dokumentieren, Joanna de Vos, belgische Kuratorin und Co-Kuratorin der Ausstellung von Jan Fabre Einsiedelei. Es gab auch Dmitry Ozerkov und Valentin Dyakonov.
— Und in der Zukunft? Kann der Wettbewerb als eigenständige Organisation gegründet werden?
— Ich würde mich nicht weigern, wenn ich es zum Beispiel auf mich nehmen würde, „Manege“. Ich möchte die Konkurrenz in gute Hände geben. Oder mach es mit jemandem. Nastya Kuryokhina hat eine wunderbare Auszeichnung... Es fällt uns schon schwer, alles alleine zu machen. Wir haben ein Kuratorium, eine Ausstellung, eine Auszeichnung. Wir geben Künstlern die Möglichkeit, eine Residenz zu absolvieren und eine zusätzliche Ausstellung zu machen – nach Ermessen des Kuratoriums. Was übrigens erst seit zwei Jahren existiert. Es sollte mehr Stipendien und Wettbewerbe für Künstler in unserem Land geben.
— Sie nehmen an der Cosmoscow-Messe teil. Ist das für Sie in Bezug auf das Image fair? Oder ist es auch ein profitables Geschäft?
— Es stellte sich heraus, dass für uns die letzten beiden Messen Cosmoscow sehr profitabel, im Allgemeinen steht der gesamte Stand zum Verkauf. Gemälde von Dashevsky, Kulkov, Objekte Aljoscha sind für Moskauer Sammler, sowohl für erfahrene als auch für Anfänger, von großem Interesse.
Und nicht nur unsere Stammsammler kaufen, sondern auch solche, von denen man es nicht erwarten würde. Das Interesse an zeitgenössischer Kunst auf dem heimischen Markt nimmt zu, was mich sehr freut – wir sehen, dass alle unsere Bemühungen Früchte tragen. Wir arbeiten hart daran, zeitgenössische Kunst gefragter zu machen. Unsere Aktivitäten sind in gewisser Weise missionarisch: Neben dem Wettbewerb veranstalten wir runde Tische, Treffen und veranstalten Ausstellungen außerhalb der Galerie. Wir waren kürzlich in Sotschi, wo wir eine Ausstellung veranstalteten. Jetzt wollen sie in Sotschi mit uns zusammenarbeiten, damit wir weiterhin Ausstellungen organisieren können, sie wollen auf ihren Standorten Kunst im öffentlichen Raum ausstellen.
Künstlerische Arbeit Aljoscha(Aljoscha)
annanova-gallery.ru
— Aber ist das ein privates Interesse? Privatunternehmen?
— Ja, immer noch privat.
— Ich wollte auch über den Sommer in St. Petersburg sprechen. Es ist seltsam, dass dort noch nicht alle Häuser in Hotels umgewandelt wurden, denn zu dieser Jahreszeit ist es wirklich sehr aktiv. Erhalten Sie im Sommer sozusagen viele „zufällige“ Kunden? Das heißt, Touristen?
—
Ja. Ich ging hinein und kaufte es. Das ist für Europäer eine normale Praxis; wir sind 50 Jahre im Rückstand.
—
Und solche Touristen kehren dann zurück, wer ist zufällig gekommen?
— Bisher ist es meiner Meinung nach noch nicht passiert. Aber wir kommunizieren, kontaktieren, senden Informationen.
— Ja, das ist absolut richtig. Zum Vergleich: Ich habe solche Geschichten über Moskauer Galerien noch nicht gehört, und diese sind normalerweise im Sommer geschlossen.
— Wir hatten die gleiche Praxis, wir hatten im August geschlossen. Die ersten fünf Jahre haben wir in diesem Modus gearbeitet, und dann wurde mir klar, dass dies in St. Petersburg die einzige Zeit ist, in der aktiv etwas passiert. Es ist besser, beispielsweise im Februar in den Urlaub zu fahren.
— Wo wäre es für Sie interessanter weiterzumachen – nach Europa, Asien...?
— Amerika ist in unseren Plänen. Aber auch Asien interessiert sich für russische Kunst. Ich hätte nicht einmal gedacht, dass sie sich so sehr von unserer Kunst angezogen fühlen; normalerweise unterstützen, entwickeln und kaufen sie ihre eigene. In Asien besteht inzwischen generell ein starkes Interesse an Kultur; man ist bereit, in alle Weltklassemarken zu investieren, die eine gute Rentabilität aufweisen.
— Aber denken Sie immer noch an Amerika?
— Laut Statistik hat Asien den größten Kunstmarkt. Es ist nur so, dass die Teilnahme für uns teuer ist. Wir möchten so viel wie möglich überall hin reisen, aber da der Staat keine Unterstützung leistet, müssen wir das irgendwie selbst entscheiden, und die Logistik ist uns immer noch zu teuer.
Werk des Künstlers Aljoscha (Aljoscha)
annanova-gallery.ru
— Mit welchen Künstlern möchtest du in Zukunft zusammenarbeiten? Werden Sie mit russischen Künstlern im Ausland zusammenarbeiten?
— Wir wollen gute Kunst zeigen, wir haben nicht das Ziel, nur russische Künstler zu zeigen. Wir möchten auch mit einigen Galerien zusammenarbeiten, die entweder höher bewertet oder auf Augenhöhe mit uns sind. Und vielleicht schließen Sie sich unseren Bemühungen an, mehr Berichterstattung zu erreichen.
Wir machen solche Projekte regelmäßig – diesen Sommer haben wir mit Amerikanern zusammengearbeitet, zuvor haben wir mit polnischen Künstlern zusammengearbeitet, mit französischen, letztes Jahr haben wir mit zusammengearbeitet Aljoscha(Aljoscha). Er stammt ursprünglich aus der Ukraine, lebt aber seit vielen Jahren in Deutschland. Seine Ausstellung war übrigens eine der meistbesuchten; es kamen Leute, die wahrscheinlich nicht einmal von der Existenz der Galerie wussten Anna Nova. Mit seinen leuchtenden, ungewöhnlichen Objekten zog er junge Menschen und Studenten an.
— Ja, wir müssen junge Sammler richtig ausbilden.
„Natürlich hatte ich zum Zeitpunkt der Entstehung des Werks keine Ahnung, welchen Ereignissen die ganze Welt ausgesetzt sein würde“, spricht Jonathan Monaghan über seine Werke und wie sie wahrgenommen werden sollten, und teilt auch seine Gedanken zur Pandemie in einem Interview für @lofficielrussia. Lesen Sie das Material über den Link im Profil! --- In seinem Interview für @lofficielrussia erzählt Jonathan Monaghan über seine Werke und deren Bedeutung und teilt seine Gedanken zur Pandemie. Lesen Sie über den Link in der Bio (russischer Text).
Das Projekt der North-7-Gruppe Lost & Found North-7 Expedition wurde für einen nach ihr benannten Preis nominiert. Sergei Kuryokhin als bestes Kunstwerk der bildenden Kunst! ⠀ „North-7“ präsentierte das Projekt im Frühherbst 2019 im @mhkamuseum in Antwerpen. Lost & Found ist ein Museum im Museum, das nichts mit dem Raum des „White Cube“ zu tun hat und einer Ruine, einem Tempel oder einem Theater ähnelt. In diesem Raum werden, ähnlich wie Artefakte in einem Provinzmuseum, die Werke der Gruppenmitglieder sowie Dokumentationen ihrer früheren Projekte und Performances gesammelt. ––– Das Projekt „Lost & Found North-7 Expedition“ steht auf der Longlist für den Sergej-Kurechin-Preis als bestes Kunstwerk! Das Kollektiv North-7 präsentierte das Projekt letzten Herbst im @mhkamuseum in Antwerpen. Lost & Found ist ein Museum in einem Museum, das eher einer klassischen Ruine als einem White-Cube-Raum ähnelt. In diesem Museum konnten die Besucher alle Arten von Dokumentationen und Archivstücken sehen, die sich auf frühere künstlerische Projekte und Aktivitäten der Gruppe beziehen.
Freunde! Die Sicherheit der Galeriemitarbeiter und Besucher hat für uns oberste Priorität. Aufgrund der ungünstigen epidemiologischen Lage haben wir beschlossen, die Ausstellung vom 24. März bis 6. April auszusetzen. Wir entschuldigen uns für etwaige Unannehmlichkeiten und hoffen, dass alle, die die Ausstellung besuchen wollten, Zeit dazu haben. Das Galeriebüro wird weiterhin remote arbeiten. Wir bereiten für Sie neue Videos und andere Materialien für die Ausstellung „Trace Left by the Future“ vor, also bleiben Sie dran! Bei Fragen schreiben Sie uns bitte per E-Mail [email protected]--- Liebe Freunde! Die Sicherheit unseres Teams und unserer Besucher hat für uns oberste Priorität. Als Reaktion auf die aktuelle COVID-19-Situation haben wir beschlossen, die Ausstellung A Trace Left by the Future vom 24. März bis 6. April vorübergehend zu schließen. Wir entschuldigen uns für etwaige Unannehmlichkeiten und hoffen, dass alle, die die Ausstellung besuchen wollten, dies tun können Tu es. Das Galeriebüro arbeitet weiterhin von zu Hause aus. Kontaktieren Sie bitte [email protected] wenn Sie irgendwelche Fragen haben.
Wir sprechen weiterhin über verschiedene Online-Projekte mit Kunstbezug. Diesmal wird er einen virtuellen Rundgang durch das Museum der DSL Collection machen. Die DSL Collection ist die weltweit erste Privatsammlung, die in virtueller Realität präsentiert wird und Gemälde, Skulpturen, Videokunst und Installationen von mehr als zweihundert chinesischen Künstlern umfasst. Die Gründer Domenic und Sylvain Levy sammeln seit über 30 Jahren Kunst, doch vor 15 Jahren beschlossen sie, sich auf zeitgenössische chinesische Kunst zu konzentrieren und ihre Sammlung für jedermann zu öffnen. Auf der Website der DSL Collection können Sie im Katalog blättern und sich über jedes Werk der Sammlung informieren. Am interessantesten ist jedoch das virtuelle Museum, in dem Sie mit einer VR-Brille herumlaufen und alle Werke betrachten können. Obwohl solche Technologien nicht in jedem Haushalt verfügbar sind, folgen Sie dem Link im Profil, um das Video anzusehen und sich vorzustellen, wie beeindruckend es aussehen kann! --- Heute gibt es einen virtuellen Rundgang durch das DSL Collection Museum. Die DSL Collection ist die weltweit erste Privatsammlung, die in virtueller Realität präsentiert wird. Sie umfasst Gemälde, Skulpturen, Videokunst und Installationen von mehr als zweihundert chinesischen Künstlern. Die Gründer Domenic und Sylvian Levy sammeln seit mehr als 30 und 15 Jahren Kunst Vorher beschlossen sie, sich auf zeitgenössische chinesische Kunst zu konzentrieren und ihre Sammlung für jedermann zugänglich zu machen. Auf der Website der DSL Collection können Sie den Katalog durchblättern und sich über jedes Werk aus der Sammlung informieren. Am interessantesten ist jedoch das virtuelle Museum, in dem Sie dies tun können Gehen Sie spazieren und sehen Sie sich alle Werke an, indem Sie einfach ein VR-Headset tragen. Obwohl solche Technologien nicht in jedem Haushalt verfügbar sind, folgen Sie dem Link in der Bio, um das Video anzusehen und sich vorzustellen, wie beeindruckend es ist!
ÄNDERUNGEN IM GALERIE-BETRIEBSMODUS Liebe Freunde! Wir verstehen, dass viele Menschen die neue Ausstellung so schnell wie möglich sehen wollten, aber aufgrund der aktuellen Situation bleibt die Galerie heute, am 21. März, geschlossen. Wir entwickeln einen speziellen Betriebsmodus für die Galerie und ergreifen die notwendigen Maßnahmen, um den Aufenthalt von Besuchern und Mitarbeitern in der Galerie sicher zu gestalten. Informationen zu den neuen Betriebszeiten werden am Montag bekannt gegeben. --- Liebe Freunde! Wir verstehen, dass viele von Ihnen gespannt auf die neue Show sind. Aufgrund der aktuellen Situation bleibt die Galerie heute, am 21. März, leider geschlossen. Wir besprechen eine neue Arbeitszeit und ergreifen Vorsichtsmaßnahmen, um die Gesundheit und Sicherheit unserer Besucher und des Galerieteams zu gewährleisten. Weitere Informationen werden am Montag veröffentlicht.
Der amerikanische Künstler Jonathan Monaghan @jonmonaghan spiegelt in seinen Werken die Sorgen der Menschheit über eine High-Tech-Zukunft wider und kritisiert die Konsumgesellschaft, die Kultur großer Marken und das kapitalistische System. Er arbeitet mit digitalen Technologien und erstellt Videos, Drucke und Objekte. In diesem Video gibt Jonathan einen Rundgang durch seine Ausstellung und spricht ausführlich über die ausgestellten Werke und den Entstehungsprozess. /// Der amerikanische Künstler Jonathan Monaghan @jonmonaghan nutzt digitale Technologien, um Videos, Drucke und Skulpturen zu erstellen. In seinen Werken deckt Jonathan unsere Ängste und Ängste vor einer zunehmend technologischen Zukunft auf und kritisiert die kapitalistische Gesellschaft, die Kultur großer Marken und den Konsumismus. Dieses Video ist ein virtueller Rundgang durch seine Einzelausstellung. Schauen Sie also weiter, um mehr über Jonathans Kunstwerke und den Entstehungsprozess zu erfahren.
Heute präsentieren wir Jonathan Monaghans Ausstellung „The Trace Left by the Future“ auf IGTV! Der Künstler wird einen Rundgang durch die Ausstellung geben und Ihnen mehr über das Projekt und seine Praxis erzählen. Bleiben Sie dran! --- Heute präsentieren wir A Trace Left by the Future, die erste Einzelausstellung von Jonathan Monaghan in Russland. Verpassen Sie nicht den Rundgang des Künstlers durch die Ausstellung im IGTV. Bleiben Sie dran!
Die Videoaufzeichnung des öffentlichen Online-Vortrags „Metamodernismus und Postmoderne“ kann jetzt auf Vimeo @artschoolmasters angesehen werden. Wenn Sie gestern keine Zeit hatten, dabei zu sein, folgen Sie dem Link im Profil! Das Foto zeigt Jonathan Monaghans Arbeit aus der Serie „Trace Left by the Future“ --- Der öffentliche Vortrag „Metamodernism and Post-Contemporaneity“ ist jetzt auf Vimeo @artschoolmasters verfügbar. Schau dir den Link in der Bio an! Auf dem Foto: Jonathan Monaghan, Kunstwerke aus der Serie „A Trace Left by the Future“, 2019.
Freunde! Wir freuen uns, Ihnen mitteilen zu können, dass wir weiterhin einen öffentlichen Vortrag zum Thema „Metamodernismus und Postmoderne“ mit @jonmonaghan und @dimitriozerkov führen werden, jedoch in einem Online-Format. Nehmen Sie über den Link im Profil an der @artschoolmasters-Übertragung teil! --- Liebe Freunde! Wir freuen uns, einen Stream des öffentlichen Vortrags mit Jonathan Monaghan und Dmitry Ozerkov ankündigen zu können. Begleiten Sie uns über den Link in der Bio.
Ab heute beginnen wir in diesem Abschnitt, über Online-Projekte im Zusammenhang mit zeitgenössischer Kunst zu sprechen. Jede Woche wählen wir Museumssammlungen, Videovorträge, Online-Aufführungen und andere Materialien aus, die Sie bequem von zu Hause aus studieren können, bis die globale Situation es Ihnen wieder erlaubt, zu reisen und Museen und Galerien zu besuchen. Der erste Punkt auf unserer Liste wird die Website @themuseumofmodernart sein. Am 1. März präsentierte das New York Museum eine Retrospektive des berühmten Vertreters des Minimalismus, Donald Judd. Auf der Ausstellungsseite finden Sie nicht nur zahlreiche Fotografien der Werke und der Ausstellung, sondern auch einen vom Kurator sowie zeitgenössischen Künstlern und Schriftstellern aufgenommenen Audioguide. Der Leitfaden enthält 21 werkspezifische Titel, in denen jeweils Gesprächsteilnehmer über die Innovationen nachdenken, die Judd seinerzeit in die Kunst einbrachte, und über die Auswirkungen, die seine Arbeit bis heute hat. Im Bild: Donald Judd, Ohne Titel, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York ––– Ab heute beginnt die Entdeckung von Online-Projekten im Bereich zeitgenössischer Kunst. Bis die Situation auf der Welt wieder sicher ist und es erlaubt ist, zu reisen und Museen und Galerien zu besuchen, werden wir über Museumssammlungen, Videovorträge, Online-Aufführungen und andere Materialien berichten, die Sie zu Hause erkunden können. Der erste Punkt auf unserer Liste ist die Website @themuseumofmodernart. Am 1. März präsentierte das Museum eine Retrospektive von Donald Judd. Auf der Ausstellungsseite finden Sie zahlreiche Werk- und Ausstellungsfotos sowie einen Audioguide. Es enthält 21 Titel, die an ein bestimmtes Werk gebunden sind. Der Ausstellungskurator spricht mit zeitgenössischen Künstlern und Schriftstellern und reflektiert die Innovationen und Auswirkungen von Judds Werk. Auf dem Foto: Donald Judd, Ohne Titel, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Am Vorabend der Eröffnung der Jonathan Monaghan-Ausstellung organisieren wir zusammen mit @artschoolmasters einen öffentlichen Vortrag „Metamodernismus und Postmoderne“ bei @manegespb. Der Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst der Staatlichen Eremitage, Dmitry Ozerkov, wird mit dem Künstler über die neuesten Trends in der zeitgenössischen Kunst sprechen. Wir treffen uns am 17. März um 18:30 Uhr in der Manege! Der Eintritt ist frei, eine Anmeldung über den Link im Profil ist erforderlich. Das Foto zeigt ein Fragment aus Jonathan Monaghans Video Out of the Abyss, 2018. --- Begleiten Sie uns und @artschoolmasters zum öffentlichen Vortrag Metamodernism and Postmodernity bei @manege. Jonathan Monaghan und Dmitry Ozerkov (Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst im Staatlichen Eremitage-Museum) werden über neue Trends in der zeitgenössischen digitalen Kunst sprechen. Wir sehen uns am 17. März um 18:30 Uhr in der zentralen Ausstellungshalle der Manege! Die Anmeldung ist kostenlos und über den Link in der Bio möglich. Auf dem Foto: ein Screenshot aus dem Video Out of the Abyss, 2018, von Jonathan Monaghan.
Alexander Dashevsky wurde in die Longlist des nach ihm benannten XI. Preises aufgenommen. Sergei Kuryokhin in der Kategorie „Bestes visuelles Kunstwerk“ mit dem Projekt „Gang of Simulators“! ⠀ Die Ausstellung, die dem zehnjährigen Jubiläum der Zusammenarbeit zwischen dem Künstler und der Galerie Anna Nova gewidmet ist, fand im Frühjahr 2019 statt. Das vom Autor konzipierte Projekt wurde zur dritten Episode einer actiongeladenen Geschichte , nach den Serien „Partial Losses“ und „Fallen and Fallen“, die sich Mutationen des klassischen Bildformats widmen, sind ein Ergebnis der Aktivitäten des Künstlers. Für Alexander ist dieses Projekt nicht nur eine Gelegenheit, über die Wechselfälle im Werk eines modernen Malers zu sprechen, sondern auch ein Versuch, zurückhaltende, „ernsthafte“, anti-narrative Werke aus seiner eigenen Vergangenheit mit den Ereignissen seiner neuen Helden in Beziehung zu setzen und neue Malerei bewirken. ––– Alexander Dashevskys Projekt „A Pack of Malingerers“ steht auf der Longlist des XI. Sergey Kuryokhin-Preises als bestes Werk der bildenden Kunst. Im vergangenen Frühjahr fand die Ausstellung „A Pack of Malingerers“ zur Feier des 10-jährigen Jubiläums der Partnerschaft zwischen Künstler und Galerie statt. Die Ausstellung scheint ein ironisches Biopic über Alexanders künstlerische Praxis zu sein. Das neue Projekt folgt auf die Vorgängerserien „Partial Losses“ und „The Fallen and the Dropped Out“ und ist die dritte Episode der spannenden Geschichte über Genremutationen in der Malerei, die während des Arbeitsprozesses der Künstler entstanden sind. Für Alexander Dashevskiy ist dieses Projekt sowohl eine Gelegenheit, über die Mühen des zeitgenössischen Malers zu sprechen, als auch ein Versuch, die zurückhaltenden, „ernsthaften“, anti-narrativen Werke seiner Vergangenheit mit den Missgeschicken seiner neuen Charaktere und neuen Gemälde in Beziehung zu setzen.
Freunde! Bitte beachten Sie, dass die Galerie Anna Nova bis zum 20. März wegen der Installation einer neuen Ausstellung geschlossen ist. Wir freuen uns, alle bei der Eröffnung der Ausstellung „The Trace Left by the Future“ des amerikanischen Künstlers Jonathan Monaghan am 20. März um 19.00 Uhr begrüßen zu dürfen. Wir werden Ihnen in Kürze mehr über die Ausstellung erzählen, also bleiben Sie dran! Im Bild: Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019. --- Bis zum 20. März ist die Anna Nova Gallery wegen Neuinstallation geschlossen. Bitte planen Sie Ihren Besuch sorgfältig. Wir freuen uns, Sie bei der Eröffnung von A Trace Left by the Future, einer Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers Jonathan Monaghan, am 20. März um 19 Uhr begrüßen zu dürfen. Bleiben Sie dran für weitere Informationen! Auf dem Foto – Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019.
Im Boiling Point-Raum präsentierte GUAP das Projekt „Per Chlorophytum ad astra / Durch Chlorophytum zu den Sternen“, bestehend aus einer organischen Installation von Anastasia Potemkina und einem Neonobjekt von Jenda Fluid (Antonina Baever). Das Projekt basiert auf dem Traum der Weltraumforschung, der aus der Zeit der Moderne hervorgegangen ist und eine Reihe qualitativ neuer Eigenschaften erlangt hat. Eine davon ist ein klares Verständnis für die Notwendigkeit, aufmerksam auf das zu achten, was uns auf der Erde umgibt. Nichtmenschliche Lebensformen, die in einer einheitlichen Verbindung mit der Gesellschaft koexistieren, befinden sich zunehmend in einer Zone erhöhter Gefährdung und werden für den Menschen zu einem Mittel zur Erreichung seiner Ziele – die völlige Disharmonie dieser Vereinbarkeit droht unter anderem mit einer Umweltkatastrophe . Die Installation ist eine sensorische Phytowand mit lebenden Pflanzen, darunter Chlorophytum, Spargel, Nephrolepsis und anderen Arten, die das Leben in geschlossenen Räumen problemlos vertragen. Neben Pflanzen sind auch echte Satellitenschüsseln in die Komposition integriert. Solche Antennen dienen dem Empfang und der Übertragung von Funksignalen zwischen Bodenstationen und künstlichen Erdsatelliten – sie fungieren als Verbindungsglied, als unbelebter Kommunikationsagent. Durch die Kombination von Antennen mit Pflanzen schafft der Künstler ein alternatives Ökosystem, in dem das Technologische mit dem Natürlichen koexistiert. Fotos – Alisa Spirlidi.
Heute schlägt er vor, in die Stadt St. Ives zu fahren und in der @tate Gallery eine große Ausstellung mit Werken des Konstruktivisten und Pioniers der kinetischen Kunst Naum Gabo zu besuchen. Gabos richtiger Name ist Naum Borisovich Pevzner. Als einer der Anführer der künstlerischen Avantgarde emigrierte er 1922 aus Russland und lebte zeitweise in Deutschland, Frankreich, Großbritannien und den USA, lehrte an der VKHUTEMAS, am Bauhaus und in Harvard, arbeitete mit Diaghilev zusammen und hatte engen Kontakt zu Piet Mondrian, Adolf Oberländer und andere Künstler. Die Ausstellung in der Tate markiert den 100. Jahrestag der Veröffentlichung des Realistischen Manifests gegen Kubismus und Futurismus, das der Künstler zusammen mit seinem Bruder Anton Pevzner erstellt hat. Die Brüder proklamierten Raum und Zeit als Hauptkategorien der Kunst und betonten auch die Bedeutung ihrer Wechselwirkung mit den Errungenschaften von Wissenschaft und Technik. Die Ausstellung veranschaulicht die Kernidee des Künstlers – „Kunst für die moderne Welt“ – und umfasst mehr als 80 Werke aus den Sammlungen der Tate Gallery und Berlin. Die Ausstellung läuft bis zum 3. Mai 2020. --- Diesmal geht es in die Kleinstadt St. Ives besucht die Ausstellung von Naum Gabo, einem der Pioniere des Konstruktivismus und der kinetischen Kunst, in der @tate. Der wirkliche Name des Künstlers ist Naum Borisovich Pevzner. Als einer der Anführer der künstlerischen Avantgarde emigrierte er 1922 aus Russland und lebte in Deutschland, Frankreich, Großbritannien und den USA, wo er an der VKhUTEMAS, am Bauhaus und in Harvard lehrte. Die Ausstellung in der Tate ist dem 100. Jahrestag des „Realistischen Manifests“ gegen Kubismus und Futurismus gewidmet, das Naum Gabo gemeinsam mit seinem Bruder Anton Pevzner verfasste. Die Brüder proklamierten Raum und Zeit als Hauptkategorien der Kunst und betonten auch die Bedeutung ihrer Wechselwirkung mit den Errungenschaften von Wissenschaft und Technik. Die Ausstellung ist bis zum 3. Mai 2020 zu sehen.
Morgen, 7. März, ist die Ausstellung des Valeria Abendroth Laboratorium Suggerere zum letzten Tag geöffnet! Wir warten von 12.00 bis 19.00 Uhr auf alle, die das Projekt des Finalisten des VII. Wettbewerbs @novaartcontest noch nicht gesehen haben. Freier Eintritt! Und wenn Sie mehr über das Projekt erfahren möchten, lesen Sie die Aufzeichnung der Sense of Humanity-Diskussion unter Beteiligung des Künstlers, Kurators und Kunstkritikers Stas Savitsky, des Direktors der Abteilung für fortgeschrittene Forschung bei BIOCAD Pavel Gershovich und der Kunstkritikerin Anastasia Yaromosh in das Masters Journal @artschoolmasters über den Link im Profil! --- Letzte Chance, Laboratorium Suggerere von Valeria Abendroth zu sehen! Kommen Sie morgen bis 19 Uhr vorbei, um das Projekt des Finalisten von VII @novaartcontest zu sehen!
Ab heute, 5. März, eröffnet im niederländischen Maastricht eine der größten Kunstmessen, die TEFAF, auf der ein neues Werk von @aljoscha.aljoscha präsentiert wird. Die Policentric Perspective ist eine drei Meter hohe Skulptur aus Aluminium mit farbiger Beschichtung, die der Künstler 2020 geschaffen hat. Auf der TEFAF können Sie nicht nur Werke zeitgenössischer Kunst sehen, sondern auch Werke alter Meister, Antiquitäten, Designobjekte und Schmuck. Die Messe dauert bis zum 15. März. Foto: @beckeggeling --- Ab heute, dem 5. März, heißt die Kunstmesse TEFAF ihre Besucher in Maastricht, Niederlande, willkommen. Auf der Messe gibt es ein neues Werk von @aljoscha.aljoscha, The Policentric Perspective. Die 3 Meter hohe Skulptur besteht aus lackiertem Aluminium und wurde erst dieses Jahr geschaffen. Neben Werken zeitgenössischer Künstler bietet TEFAF traditionelle Gemälde, Antiquitäten, Schmuck und Design des 20. Jahrhunderts. Die Messe läuft bis zum 15. März. Foto
Galerie Anna Nova
Gegründet: St. Petersburg, 2005
Schöpfer: Anna Nova
Gründerin Anna Nova— über seine eigenen Beweggründe, sich mit zeitgenössischer Kunst zu beschäftigen, die Bildung eines Galerie-Ökosystems, ungewöhnliche Ansätze und ideale Sammler.
Von „einem leidenschaftlichen kindlichen Wunsch zu helfen“ bis hin zu Hunderten von Ausstellungen
Als 2004-2005 klar wurde, dass wir eine Galerie eröffnen würden, hatte ich das Gefühl, dass ich mit dem Strom in einem bestimmten Strom schwebte, als ob etwas unabhängig von mir passierte und ich als eine Art Führer fungierte. Zu dieser Zeit begann ich, aktiv Menschen aus der Welt der Kunst und des Designs kennenzulernen; in meinem Leben traten der Designer Dmitry Sharapov, die Künstler Vladimir Dukhovlinov, Alexander Gerasimov, Vyacheslav Mikhailov auf – die Galerie arbeitete praktisch nicht mit ihnen zusammen, sondern meine Bekanntschaft mit der Kunst begann mit diesen Künstlern. Durch Dmitry Sharapov lernte ich Natalia Ershova kennen und wir hatten die gemeinsame Idee, eine Galerie für zeitgenössische Kunst zu eröffnen.
Zuerst war ich mir nicht sicher, ob das der richtige Weg für mich ist, aber es hat mir immer Spaß gemacht, talentierten Menschen zu helfen und sie zu unterstützen. Dabei spielten auch meine Erinnerungen an meinen Großvater väterlicherseits und den Bruder meines Vaters, Onkel Sasha, die Mitglieder der Künstlervereinigung waren, eine Rolle. Obwohl ich in den 1980er-Jahren noch ein Kind war, erinnere ich mich noch gut daran, wie schwierig es damals für Künstler war und wie wenig Raum es für die Selbstdarstellung gab. Jetzt, da ich die Geschichte unseres Landes und die komplexe Beziehung zwischen Kunst und Sowjetmacht kenne, schätze ich die Situation nüchterner ein, aber es war dieser leidenschaftliche Kindheitswunsch, Künstlern dabei zu helfen, ihr Talent in der Zukunft zu verwirklichen, der meine Entscheidung, mich zu engagieren, stark beeinflusst hat schwieriges Galeriegeschäft.
Ganz am Anfang verstand ich nicht ganz, was daraus werden würde und was mich in Zukunft erwarten würde, aber ich traf Menschen, an die ich glaubte. Die Unterstützung sowohl meines Mannes als auch von Natalia Ershova, die künstlerische Leiterin der Galerie wurde und das Team zusammenstellte, wurde für mich zu einer Art Fundament. Aus dieser Initiative ist ein Großprojekt geworden. Im Laufe von 15 Jahren wechselte das Team mehr als einmal und die Galerie schien ein Eigenleben zu führen. Das passiert, wenn eine Mutter ein Kind zur Welt bringt: Zuerst hat man das Gefühl, dass etwas sehr wichtig ist, und man macht sich große Sorgen um die Verantwortung („Haben Sie das Richtige getan?“), aber dann beginnt der Prozess und Sie finden es heraus Seien Sie nicht nur Teilnehmer, sondern auch Student. Ich lernte aus meinen Fehlern, neue Erfahrungen tauchten auf, neues Wissen, neue Empfindungen, neue Wahrnehmungen – im übertragenen Sinne begann ich wieder zu laufen. Rückblickend sehe ich, was für ein kolossaler Weg zurückgelegt wurde: Mehr als 100 Ausstellungen fanden statt, wir nahmen an mehr als 20 Messen teil, organisierten 7 Wettbewerbe für junge Künstler und veröffentlichten 9 Ausgaben des Booklet-Magazins.
Jede Phase dieser fünfzehn Jahre brachte etwas für meine persönliche Entwicklung und für die Entwicklung der Galerie. Anfangs war ich eher ein Beobachter, ein Zuschauer und vielleicht ein Motivator – ich habe mich nicht in die Mannschaft eingemischt, zu der ich vollstes Vertrauen hatte. Der richtige Schritt war, die Kunstkritikerin Ekaterina Andreeva einzuladen; in den ersten fünf Jahren war sie tatsächlich die Leiterin der Galerie, und wir verließen uns auf ihre Vision. Unser erstes Projekt war eine Ausstellung von Elena Figura, und einige Jahre später hatten wir den Mut, jungen Konzeptkünstlern Aufmerksamkeit zu schenken, die 2005 noch nicht in der russischen Kunstszene vertreten waren.
Meine eigentliche Bekanntschaft mit zeitgenössischer Kunst begann in den frühen 2000er Jahren, als ich zum ersten Mal die Biennale von Venedig und ARCO besuchte. Für mich öffnete sich eine völlig neue Welt und ich wollte die Situation in Russland zum Besseren verändern. Nach 15 Jahren verstehe ich, dass wir genau das tun: unseren Beitrag zur Entwicklung der zeitgenössischen Kunst leisten.
Über die Partnerschaft zwischen der Galerie und dem Künstler
Nehmen wir die Künstler, mit denen wir derzeit zusammenarbeiten – Denis Patrakeev, Vlad Kulkov, Alexander Dashevsky, Egor Kraft... Es gibt nur 10-15 Namen, und sie repräsentieren unterschiedliche Richtungen, weil wir unterschiedliche Künstler zeigen wollen. Wenn es in St. Petersburg hundert Galerien gäbe, die sich auf bestimmte Bereiche spezialisiert haben, würden wir uns wahrscheinlich auf eine konzentrieren, aber wir haben nur sehr wenige Galerien in der Stadt, praktisch keine, also haben wir es uns zur Aufgabe gemacht, die gesamte Vielfalt der aktuellen Kunst zu zeigen Praktiken Methoden Ausübungen. Ich kann nicht nur einen Künstler hervorheben. Sie unterscheiden sich nicht nur in der Technologie, sondern auch in Bezug auf ihre Karrieren sehr: Einige sind westlich orientiert, andere sind eher mit dem lokalen Kontext verbunden. Ihre Strategien mögen unterschiedlich sein, aber der „ideale Künstler“ ist für mich immer noch einer, der aktiv am Aufbau seiner eigenen Karriere beteiligt ist. Er ist nicht passiv, er erwartet nicht, dass die Galerie alles für ihn tut – in der heutigen russischen Realität ist das fast unmöglich. Es muss eine partnerschaftliche Arbeit geben, in der sowohl die Galerie als auch der Künstler jeweils ihre eigene Funktion erfüllen und wir uns dadurch gegenseitig zum Weitermachen motivieren.
Über ungewöhnliche Ansätze und konzeptionelle Ausstellungen
Wir waren einer der ersten in St. Petersburg, der zu westlichen Kunstmessen reiste – wir wollten uns auf den Weltmarkt konzentrieren und unsere Künstler auf der Weltbühne promoten. Das machen wir trotz aller Schwierigkeiten weiterhin.
In den letzten 15 Jahren haben sich Sammler, ihre Geschmäcker und Vorlieben stark verändert, Messen sind anders geworden – jetzt besteht immer mehr das Bedürfnis, das Publikum zu überraschen, und oft wird der Galeriestand zu einer konzeptionellen Ausstellung. Manchmal gehen wir Risiken ein und schaffen besondere Projekte. Beispielsweise haben wir bei der letzten viennacontemporary keinen einheitlichen Stand vertreten, sondern die Veranstalter haben auf unseren Wunsch erstmals zwei lange Showcases auf beiden Seiten des Ganges aufgebaut, in denen wir jeweils eine Einzelausstellung der Künstler Aljoscha und präsentierten Jegor Kraft. Es stellte sich heraus, dass es sich um zwei unabhängige Ausstellungen handelte, die ein gemeinsames Thema vereinte – das Thema der Zukunft. Es gab einen Dialog zwischen den beiden Ausstellungen, der sich aber gleichzeitig nicht gegenseitig störte. Dieses Experiment war sehr erfolgreich und erregte die Aufmerksamkeit von Menschen, die eine solche museale Präsentation auf der Kunstmesse nicht erwartet hatten. Viele blieben stehen und stellten Fragen, aber nicht, weil es etwas Unverständliches gab – sie waren interessiert.
Über ideale Sammler und alle, die sich darum kümmern
Es scheint mir, dass es unseren Sammlern an Beobachtungsgabe mangelt – es ist wichtig, mehr um die Welt zu reisen, um zu verstehen und zu sehen, wie private Sammlungen im Westen entstehen. Vielen mangelt es auch an ganzheitlichem Blick und strategischem Denken. Wenn wir einen idealen Sammler nennen, dann ist er meiner Meinung nach Roman Babichev. Obwohl er keine zeitgenössische Kunst sammelt, zeichnet sich seine Sammlung durch die hohe Qualität seiner Arbeit und die durchdachte Konzeption aus. Ich würde mich freuen, wenn solche Leute im Bereich der zeitgenössischen Kunst in St. Petersburg auftreten und anfangen, zur Entwicklung des Kunstmarktes beizutragen.
Letztes Jahr konnten wir bei Cosmoscow mit großer Freude feststellen, dass sich junge Menschen intensiv für Kunst interessierten und bereit waren, mit dem Kauf zu beginnen. Wir konnten uns nicht einmal vom Stand entfernen und unsere Künstler waren ständig damit beschäftigt, mit dem Publikum zu reden. Das Publikum möchte sich über Kunst informieren, ist kommunikations- und dialogbereit und die Messe ist für es eine dieser Möglichkeiten. Das ist ein sehr guter aktueller Trend.
Ich würde gerne mehr Sammler sehen. Wir kennen junge Menschen im Alter von 30 bis 35 Jahren, die in die Galerie kommen, sich mit zeitgenössischer Kunst beschäftigen, Fragen stellen und kleine Werke kaufen. Wir bringen ihnen das Sammeln von Kunst bei – seit mehreren Jahren arbeiten wir mit einem ausgewählten Künstler zusammen und veröffentlichen eine limitierte Auflage eines Werkes als personalisierte Neujahrsgeschenke.
Wir bauen ein Ökosystem auf, in dessen Zentrum die Galerie steht, aber parallel dazu entwickeln sich auch unsere anderen Projekte: das zeitgenössische Kunstmagazin Booklet, der Nova Art-Projektwettbewerb für junge Künstler und die Online-Plattform 28bugs. Vor nicht allzu langer Zeit ist im dritten Stock der Galerie eine Collectors‘ Lounge entstanden, in der wir mit Menschen aus anderen Bereichen interagieren können. Hier veranstalten wir verschiedene Veranstaltungen mit dem Ziel, den Menschen den Wert zeitgenössischer Kunst zu vermitteln, damit sie verstehen und erleben können, warum es so wichtig ist, sie zu unterstützen und Teil des spannenden künstlerischen Prozesses zu sein. Dies hilft bei der Bildung eines neuen Sammlers: Wer mich jetzt kontaktiert und bereit ist, aus Reputations- oder Investitionsgründen mit dem Sammeln von Kunst zu beginnen, beginnt, der Galerie und unserem Geschmack zu vertrauen. Heute bringt die Galerie Künstler, Sammler, Kunstkenner, Unternehmen, die Fachwelt und einfach interessierte, fürsorgliche Menschen zusammen.
Über den bei der Auktion präsentierten Künstler
