Beethovens Einfluss auf die Musik der Zukunft. Das Problem „Beethoven und die Romantiker“
„Musik muss dem Menschen Feuer aus der Brust hauen“ – das sind die Worte des deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven, dessen Werke zu den höchsten Errungenschaften der Musikkultur gehören.
Beethovens Weltbild formte sich unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung und der freiheitsliebenden Maßstäbe der Französischen Revolution. Musikalisch knüpfte sein Schaffen einerseits an die Traditionen der Wiener Klassik an, andererseits griff er die Züge der neuen romantischen Kunst auf. Vom Klassizismus in den Werken Beethovens appellieren die Erhabenheit des Inhalts und die schöne Beherrschung musikalischer Formen an die Genres Symphonie und Sonate. Aus der Romantik mutiges Experimentieren auf dem Gebiet dieser Gattungen, Begeisterung für Vokal- und Klavierminiaturen.
Ludwig van Beethoven wurde in Deutschland in der Familie eines Hofmusikers geboren. Er begann, Musik von früher Kindheit an unter der Anleitung seines Vaters zu studieren. Aber der eigentliche Mentor Beethovens war der Komponist, Dirigent und Organist K.G. Kirchenschiff. Ab seinem elften Lebensjahr war Beethoven Hilfsorganist an der Kirche, später Hoforganist, Konzertmeister am Bonner Opernhaus.
1792 Beethoven zog nach Wien. Er nahm Musikunterricht bei den größten Musikern dieser Zeit. Daher das brillante Wissen des Komponisten über musikalische Formen, Harmonie und Polyphonie. Bald begann Beethoven, Konzerte zu geben; wurde bekannt. Er wurde auf der Straße erkannt, zu festlichen Empfängen in die Wohnungen hochrangiger Personen eingeladen. Er hat viel erfunden: Er schrieb Sonaten, Konzerte für Klavier und Orchester, Sinfonien.
Lange Zeit ahnte niemand, dass Beethoven von einer schweren Krankheit heimgesucht wurde - er begann sein Gehör zu verlieren. Überzeugt von der Unheilbarkeit der Krankheit beschloss der Komponist zu sterben und 1802. ein Testament aufgesetzt, in dem er die Beweggründe seiner eigenen Entscheidung darlegte. Aber Beethoven konnte die Verzweiflung überwinden und fand die Kraft, weiter Musik zu schreiben. Der Ausweg aus der Krise war die Dritte ("Heroische") Symphonie.
1803-1808. der Komponist arbeitete auch an der Entstehung von Sonaten; insbesondere die Neunte für Violine und Klavier, sie ist dem Pariser Geiger Rudolf Kreutzer gewidmet, daher erhielt sie den Titel „Kreutzer“; Dreiundzwanzigste ("Appassionata") für Klavier, fünfte und sechste Symphonie.
Die sechste ("pastorale") Sinfonie trägt den Untertitel "Erinnerungen an das ländliche Leben". Diese Arbeit zeigt verschiedene Zustände der menschlichen Seele, die für eine Weile von inneren Erfahrungen und Kämpfen losgelöst sind. Die Sinfonie vermittelt Gefühle, die durch den Kontakt mit der Welt der Natur und des ländlichen Lebens entstehen. Seine Struktur ist ungewöhnlich - fünf statt vier Teile. Die Symphonie hat Elemente der Figuration, Lautmalerei (Vögel singen, Donnergrollen usw.). Beethovens Funde wurden später von vielen romantischen Komponisten verwendet.
Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen war die Neunte Symphonie. Es wurde bereits 1812 konzipiert, aber der Komponist arbeitete von 1822 bis 1823 daran. Die Sinfonie ist grandios angelegt; Besonders ungewöhnlich ist das Finale, das so etwas wie eine große Kantate für Chor, Soli und Orchester ist, geschrieben auf den Text der Ode „An die Freude“ von J.F. Schiller.
Im ersten Teil ist die Musik grausam und dramatisch: Aus dem Klangchaos wird ein präzises und völlig großangelegtes Thema geboren. Der zweite Teil – das Scherzo erinnert charakterlich an den ersten. Der dritte Teil, langsam vorgetragen, ist der ruhige Blick einer erleuchteten Seele. Zweimal brachen Fanfarenklänge in den gemächlichen Musikfluss ein. Sie erinnern an Gewitter und Schlachten, können aber das allgemeine philosophische Bild nicht ändern. Diese Musik ist der Höhepunkt von Beethovens Lyrik. Der vierte Teil ist das Finale. Die Themen der vergangenen Teile schweben vor dem Hörer, als ob die Vergangenheit vorbei wäre. Und hier kommt das Thema Freude. Die innere Struktur des Themas ist verblüffend: Beklommenheit und strenge Zurückhaltung, große innere Kraft, freigesetzt in einer grandiosen Hymne auf das Gute, Wahre und Schöne.
Die Uraufführung der Sinfonie fand 1825 statt. im Wiener Opernhaus. Um den Plan des Autors mit dem Theaterorchester umzusetzen, reichte es nicht aus, sie mussten Amateure einladen: vierundzwanzig Geigen, zehn Bratschen, zwölf Celli und Kontrabässe. Für ein Wiener Klassikorchester war eine solche Komposition ungewöhnlich wuchtig. Darüber hinaus umfasste jede Chorstimme (Bass, Tenor, Alt und Sopran) vierundzwanzig Sänger, was ebenfalls die üblichen Normen übertraf.
Zu Beethovens Lebzeiten blieb die Neunte Symphonie für viele unverständlich; Bewundert wurde sie nur von denen, die den Komponisten näher kannten, seinen Schülern und musikalisch aufgeklärten Zuhörern, aber im Laufe der Zeit begannen die berühmten Orchester der Welt, die Symphonie in ihr Repertoire aufzunehmen.
Die Werke des Spätwerks des Komponisten zeichnen sich durch Zurückhaltung der Gefühle und philosophischen Tiefgang aus, was sie von den leidenschaftlich-dramatischen Frühwerken unterscheidet. Beethoven schrieb in seinem Leben 9 Symphonien, 32 Sonaten, 16 Streichquartette, die Oper Fidelio, Feierliche Messe, 5 Klavierkonzerte und eines für Violine und Orchester, Ouvertüren, Einzelstücke für verschiedene Instrumente.
Überraschenderweise schrieb der Komponist viele Werke (darunter die Neunte Symphonie), als er bereits völlig taub war. Aber auch seine neuesten Werke – Sonaten für Klavier und Quartette – sind unübertroffene Meisterwerke der Kammermusik.
Ryabchinskaya Inga Borisovna
Berufsbezeichnung: Klavierlehrer, Korrepetitor
Bildungseinrichtung: MBU DO Kindermusikschule benannt nach D.D. Schostakowitsch
Standort: Stadt Wolgodonsk, Gebiet Rostow
Name des Materials: methodische Entwicklung
Thema: "Historische Epochen. Musikstile" (Klassik, Romantik)
Erscheinungsdatum: 16.09.2015
Textteil der Publikation
Städtische Haushaltseinrichtung für zusätzliche Bildung Kindermusikschule benannt nach D. D. Schostakowitsch, Wolgodonsk
Methodenentwicklung zum Thema:
„Historische Epochen.
Musikstile »
Klassizismus, Romantik
) Die Durchführung erfolgte durch Inga Borisovna Ryabchinskaya, Lehrerin der 1. Kategorie, Korrepetitorin der höchsten Kategorie
Stil und Ära sind zwei miteinander verbundene Konzepte. Jeder Stil ist untrennbar mit der historischen und kulturellen Atmosphäre verbunden, in der er entstanden ist. Die wichtigsten Stilrichtungen erschienen, existierten und verschwanden in historischer Abfolge. In jedem von ihnen wurden allgemeine künstlerische und figurative Prinzipien, Ausdrucksmittel und kreative Methoden klar zum Ausdruck gebracht.
KLASSIZISMUS
Die Wörter "Klassik", "Klassizismus", "Klassik" stammen von der lateinischen Wurzel - classicus, dh vorbildlich. Wenn wir einen Künstler, Schriftsteller, Dichter, Komponisten einen Klassiker nennen, meinen wir, dass er die höchste Meisterschaft, Perfektion in der Kunst erreicht hat. Seine Arbeit ist hochprofessionell und für uns
Probe.
Bei der Entstehung und Entwicklung des Klassizismus sind zwei historische Stadien festzustellen.
Erste Stufe
gehört dem 17. Jahrhundert an. Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der aus der Kunst der Renaissance hervorgegangen ist. entwickelte sich gleichzeitig mit dem Barock, teils im Kampf, teils in Wechselwirkung mit ihm, und erhielt in dieser Zeit in Frankreich die größte Entfaltung. Für die Klassiker dieser Zeit waren Werke der antiken Kunst unübertroffene Beispiele künstlerischer Kreativität, deren Ideal Ordnung, Rationalität und Harmonie war. In ihren Werken suchten sie Schönheit und Wahrheit, Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Konstruktion.
Zweite Phase
- dem Spätklassizismus von Mitte des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts zugeordnet
Wiener Klassikschule
. Er ging in die Geschichte der europäischen Kultur ein als
Zeitalter der Erleuchtung
oder Zeitalter der Vernunft. Der Mensch legte großen Wert auf Wissen und glaubte an die Fähigkeit, die Welt zu erklären. Die Hauptfigur ist eine Person, die zu Heldentaten bereit ist und ihre Interessen unterordnet - gemeinsame, spirituelle
Klassizismus
Klassizismus
klar
Harmonie
klar
Harmonie
strikt
Formen
strikt
Formen
ausgewogen
die Sinne
ausgewogen
die Sinne
Böen - die Stimme der Vernunft. Er zeichnet sich durch moralische Standhaftigkeit, Mut, Wahrhaftigkeit, Pflichttreue aus. Die rationale Ästhetik des Klassizismus spiegelt sich in allen Kunstformen wider.
Die Architektur
Diese Periode ist gekennzeichnet durch Ordnung, Funktionalität, Proportionalität der Teile, Streben nach Gleichgewicht und Symmetrie, Klarheit der Ideen und Konstruktionen, strenge Organisation. Aus dieser Sicht ist das Symbol des Klassizismus die geometrische Anordnung des königlichen Parks von Versailles, wo Bäume, Sträucher, Skulpturen und Brunnen nach den Gesetzen der Symmetrie angeordnet waren. Der Standard der russischen strengen Klassiker war der Tauride-Palast, der von I. Starov erbaut wurde.
Beim Malen
Die logische Entwicklung der Handlung, eine klare ausgewogene Komposition, eine klare Übertragung des Volumens, die untergeordnete Rolle der Farbe mit Hilfe von Hell-Dunkel, die Verwendung lokaler Farben (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) erlangten die Hauptrolle Bedeutung.
In poetischer Kunst
Es gab eine Unterteilung in "hohe" (Tragödie, Ode, Epos) und "niedrige" (Komödie, Fabel, Satire) Genres. Hervorragende Vertreter der französischen Literatur P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere hatten großen Einfluss auf die Bildung des Klassizismus in anderen Ländern. Ein wichtiger Moment dieser Zeit war die Gründung verschiedener Akademien: Wissenschaften, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Inschriften, Musik und Tanz.
Musikstil des Klassizismus
Der Klassizismus in der Musik unterschied sich vom Klassizismus in verwandten Künsten und wurde zwischen 1730 und 1820 gebildet. In verschiedenen nationalen Kulturen verbreiteten sich Musikstile zu unterschiedlichen Zeiten; unbestritten ist, dass Mitte des 18. Jahrhunderts der Klassizismus fast überall triumphierte. Der Inhalt musikalischer Kompositionen ist mit der Welt der menschlichen Gefühle verbunden, die nicht der strengen Kontrolle des Verstandes unterliegen. Die Komponisten dieser Epoche schufen jedoch ein sehr harmonisches und logisches Regelwerk für den Aufbau eines Werkes. In der Ära des Klassizismus wurden Genres wie Oper, Symphonie, Sonate gebildet und erreichten Perfektion. Die eigentliche Revolution war die Opernreform von Christoph Gluck. Sein kreatives Programm waren drei große Prinzipien - Einfachheit, Wahrheit, Natürlichkeit. Im musikalischen Drama suchte er nach Bedeutung, nicht nach Süße. Aus der Oper entfernt Gluck alles Überflüssige: Dekorationen, prunkvolle Effekte, verleiht der Poesie große Ausdruckskraft, und die Musik ordnet sich ganz der Erschließung der Innenwelt der Figuren unter. Die Oper „Orpheus und Eurydike“ war das erste Werk, in dem Gluck neue Ideen umsetzte und den Grundstein für die Opernreform legte. Strenge, Proportionalität der Form, edle Schlichtheit ohne Schnickschnack, Gefühl
Das künstlerische Maß in Glucks Schriften erinnert an die Harmonie der Formen antiker Plastik. Arien, Rezitative, Chöre bilden eine große Opernkomposition. Die Blütezeit der musikalischen Klassik begann in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Wien. Österreich war damals ein mächtiges Imperium. Die Multinationalität des Landes wirkte sich auch auf die künstlerische Kultur aus. Der höchste Ausdruck des Klassizismus war das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, die in Wien wirkten und eine Richtung in der Musikkultur bildeten - die Wiener Klassik.
Begründer der Wiener Klassik in
Musik
W.Mozart
J. Haydn L.
Beethoven
Die Ästhetik des Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität und Harmonie der Weltordnung, die sich in der Aufmerksamkeit für die Ausgewogenheit von Teilen des Werks, der sorgfältigen Ausarbeitung von Details und der Entwicklung der wichtigsten Kanons der musikalischen Form manifestierte. In dieser Zeit wurde schließlich die Sonatenform gebildet, die auf der Entwicklung und Gegenüberstellung zweier gegensätzlicher Themen beruhte, und die klassische Komposition von Teilen der Sonate und Sinfonie wurde festgelegt.
Wiener
Klassizismus
Wiener
Klassizismus
Sonatenform
Sonata - (aus dem Italienischen Sonare - Ton) - eine der Formen der Kammerinstrumentalmusik, die aus mehreren Teilen besteht. Sonatine - (italienische Sonatine - Diminutiv von Sonata) - eine kleine Sonate, prägnanter in der Größe, viel einfacher im Inhalt und technisch einfacher. Zu den Instrumenten, für die Sonaten ursprünglich komponiert wurden, gehören Violine, Flöte, Clavier – die gebräuchliche Bezeichnung für alle Tasteninstrumente – Cembalo, Clavichord, Klavier. Die Gattung der Clavier-(Klavier-)Sonate erreichte ihren Höhepunkt in der Ära des Klassizismus. Zu dieser Zeit war das Musizieren zu Hause beliebt. Der in Sonatenform vorgetragene erste Teil der Sonate zeichnet sich durch größte Spannung und Schärfe aus. Der erste Teil (Sonate Allegro) besteht aus drei Abschnitten: Der erste Teil des Sonata Allegro umfasst den Haupt- und Neben-, Verbindungs- und Schlussteil: Reprisendurchführung Exposition
Der zweite Abschnitt der Sonate Allegro - Durchführung Der dritte Abschnitt der Sonate Allegro - Reprise:
Exposition
Heimat
die Sendung
Hauptsächlich
Schlüssel
Seite
die Sendung
Taste
Dominanten
Entwicklung
Entwicklung
Opposition
Parteien
Opposition
Parteien
Änderung
Parteien
Änderung
Parteien
"weben"
Parteien
"weben"
Parteien
Möglicher Abschnitt des Sonate-Allegro - Code:
Der zweite Teil
Sonatenform - langsam. Musik vermittelt einen gemächlichen Gedankenfluss, verherrlicht die Schönheit der Gefühle, zeichnet eine exquisite Landschaft.
Der dritte Teil
Sonaten (final). Sonatenfinals werden normalerweise in einem schnellen Tempo aufgeführt und haben einen tänzerischen Charakter, zum Beispiel ein Menuett. Oft sind die Schlusssätze klassischer Sonaten in Form geschrieben
Rondo
(vom italienischen rondo - Kreis). Wiederkehrender Teil -
ABER
-
Refrain
(Hauptthema),
B, C, D
- kontrastierend
Episoden
.
Wiederholung
Heimat
die Sendung
Hauptsächlich
Schlüssel
Seite
die Sendung
Hauptsächlich
Schlüssel
Verbindungsspiel Endspiel
Code
Code
Tonalität ist festgelegt
Tonalität ist festgelegt
Kontraste werden entfernt
Kontraste werden entfernt
die Hauptthemen
die Hauptthemen
Josef Haydn
"Haydn, dessen Name im Tempel der Harmonie so hell leuchtet..."
Joseph Haydn – der Begründer der Wiener Klassik – die Richtung, die den Barock ablöste. Sein Leben wird er weiterhin hauptsächlich am Hof weltlicher Herrscher verbringen, und in seinem Schaffen werden neue musikalische Prinzipien entstehen, neue Genres werden entstehen. All das
behält seine Bedeutung in unserer Zeit ... Haydn wird als Begründer der klassischen Instrumentalmusik, als Begründer des modernen Sinfonieorchesters und als Vater der Sinfonie bezeichnet. Er legte die Gesetze der klassischen Sinfonie fest: Er gab ihr ein schlankes, vollendetes Aussehen, bestimmte die Ordnung ihrer Anordnung, die sich bis heute in ihren Grundzügen erhalten hat. Die klassische Sinfonie hat einen Vier-Zeichen-Zyklus. Der erste Teil geht in einem schnellen Tempo und klingt meistens energisch, aufgeregt. Der zweite Teil ist langsam. Ihre Musik vermittelt die lyrische Stimmung eines Menschen. Der dritte Satz, das Menuett, gehört zu den Lieblingstänzen der Haydn-Ära. Der vierte Teil ist das Finale. Das ist das Ergebnis des ganzen Kreislaufs, die Schlussfolgerung aus allem, was in den vorangegangenen Teilen gezeigt, gedacht, gefühlt wurde. Die Musik des Finales ist meist nach oben gerichtet, sie ist lebensbejahend, feierlich, siegreich. In einer klassischen Sinfonie hat man eine ideale Form gefunden, die einen sehr tiefen Inhalt aufnehmen kann. Auch im Werk Haydns ist der Typus der klassischen dreisätzigen Sonate etabliert. Die Werke des Komponisten zeichnen sich durch Schönheit, Ordnung, subtile und edle Schlichtheit aus. Seine Musik ist sehr hell, leicht, meist in Dur, voller Heiterkeit, wunderbarer irdischer Freude und unerschöpflichem Humor. Seine Vorfahren waren Bauern und Arbeiter, deren Lebenslust, Ausdauer und Optimismus der Klassiker vererbte. "Mein verstorbener Vater war von Beruf Kutscher, Untertan des Grafen Harrach und von Natur aus ein leidenschaftlicher Musikliebhaber." Haydn zeigte schon als Kind Interesse an Musik. Als seine Eltern das Talent seines Sohnes bemerkten, schickten sie ihn zum Studium in eine andere Stadt - dort lebte der Junge in der Obhut seines Verwandten. Dann zog Haydn in eine andere Stadt, wo er im Chor sang. Tatsächlich führte Joseph Haydn ab seinem 6. Lebensjahr ein unabhängiges Leben. Man kann sagen, dass er Autodidakt war, da weder Geld noch Verbindungen für ein systematisches Studium bei berühmten Lehrern ausreichten. Je nach Reifegrad wurde die Stimme grob und der sehr junge Haydn fand sich ohne Dach über dem Kopf auf der Straße wieder. Er verdiente seinen Lebensunterhalt mit dem Unterricht, den er sich bereits selbst beigebracht hatte. Das Selbststudium geht weiter: Haydn studiert sorgfältig die Musik von C.P.E. Bach (Sohn von J. S. Bach), lauscht den Liedern, die von den Straßen erklingen (einschließlich slawischer Melodien), und Haydn beginnt zu komponieren. Er wird bemerkt. In Europa versuchten die Adligen, sich gegenseitig zu übertrumpfen, indem sie die besten Musiker anstellten. Die Jahre, die der junge Haydn als freischaffender Künstler verbrachte, waren fruchtbar, aber es war dennoch ein hartes Leben. Der bereits verheiratete Haydn (alle bezeichnen die Ehe als äußerst misslungen) nimmt die Einladung des Fürsten Esterhazy an. Und zwar am Hof von Esterhazy Haydn
wird 30 Jahre dauern. Zu seinen Aufgaben gehören das Schreiben von Musik und die Leitung des Orchesters des Fürsten. Prinz Esterhazy (oder Esterhazy) war allem Anschein nach ein anständiger Mann und ein großer Musikliebhaber. Haydn konnte tun, was er liebte. Die Musik wurde auf Bestellung geschrieben - keine "gestalterische Freiheit", aber damals üblich. Außerdem hat die Bestellung einen erheblichen Vorteil: Die bestellte Musik wurde sicher und sofort ausgeführt. Nichts wurde auf den Tisch geschrieben.
Aus dem ersten offiziellen Vertrag zwischen Prinz Esterhazy und
Vizekapellmeister Joseph Haydn:
„Auf ersten Befehl Seiner Lordschaft, des Großherzogs, verpflichtet sich der Vizekapellmeister (Haydn), jede Musik zu komponieren, die Seine Lordschaft wünscht, neue Kompositionen niemandem zu zeigen und erst recht nicht zuzulassen, dass jemand sie abschreibt. sondern sie ausschließlich für seine Lordschaft aufzubewahren und ohne Wissen und gnädige Erlaubnis von ihm nichts für irgendjemanden zu komponieren. Joseph Haydn ist verpflichtet, jeden Tag (ob in Wien oder in einem der fürstlichen Güter) vor und nach dem Abendessen im Saal zu erscheinen und sich zu melden, falls Seine Lordschaft sich herablässt, die Aufführung oder Komposition von Musik anzuordnen. Warten Sie, und nachdem Sie die Bestellung erhalten haben, machen Sie die anderen Musiker darauf aufmerksam. Aufgrund dieses Vertrauens gewährt Seine Durchlaucht ihm, dem Vizekapellmeister, eine jährliche Zulage von 400 Rheingulden, die er vierteljährlich aus der Hauptkasse erhält. Außerdem soll er, Joseph Haydn, auf Kosten des Herrn eine Summe von der Offizierstafel oder einen halben Gulden pro Tag Tafelgeld erhalten. (In Zukunft wurde das Gehalt mehrmals erhöht). Haydn empfand dreißig Dienstjahre bei den Fürsten Esterhazy als eine schöne Zeit in seinem Leben. Er war jedoch immer ein Optimist. Außerdem hatte Joseph Haydn alle Möglichkeiten zu komponieren, und er schrieb immer schnell und viel. Berühmt wurde Haydn durch den Dienst am Hofe der Fürsten Esterházy. Die Beziehung zwischen Esterhazy und Haydn wird durch den bekannten Fall der Abschiedssymphonie perfekt illustriert. Die Orchestermitglieder wandten sich an Haydn mit der Bitte, den Prinzen zu beeinflussen: Die Wohnungen für sie erwiesen sich als zu klein, um Familien zu transportieren. Die Musiker vermissten ihre Angehörigen. Haydn beeinflusste die Musik: Er schrieb eine Symphonie, in der es einen Satz mehr gibt. Und wenn dieser Teil erklingt, gehen die Musiker nach und nach. Zwei Geiger bleiben, aber auch sie löschen die Kerzen und gehen. Der Prinz verstand den Hinweis und erfüllte die „Anforderungen“ der Musiker.
1790 stirbt Prinz Esterhazy, Miklós der Prächtige. Der neue Prinz - Anton - war der Musik nicht zugeneigt. Nein, Anton verließ die Regimentsmusiker, löste aber das Orchester auf. Haydn blieb arbeitslos, allerdings mit einer hohen Rente, die Miklós ihm zuwies. Und es gab noch viele kreative Kräfte. So wurde Haydn wieder zum freien Künstler. Und er wird auf Einladung nach England gehen. Haydn wird bald 60 Jahre alt, er kennt keine Sprachen! Aber er geht nach England. Und wieder - ein Triumph! „Meine Sprache wird auf der ganzen Welt gut verstanden“, sagte der Komponist über sich. In England war Haydn nicht nur ein durchschlagender Erfolg. Von dort brachte er weitere 12 Symphonien und Oratorien mit. Haydn erlebte seinen Ruhm – und das ist eine Seltenheit. Der Begründer der Wiener Klassik hat unzählige Kompositionen hinterlassen, und das ist lebensbejahende, ausgewogene Musik. Das Oratorium „Die Schöpfung“ ist eines der berühmtesten Werke Haydns. Das ist ein monumentales Musikgemälde, sozusagen eine Betrachtung des Weltalls ... Haydn hat über 100 Symphonien, Hoffmann nannte sie "Kinderseelenfreuden". Eine Vielzahl von Sonaten, Konzerten, Quartetten, Opern ... Joseph Haydn ist der Autor der deutschen Nationalhymne.
Wolfgang Amadeus Mozart
27. Januar 1756 – 5. Dezember 1791
Die Kunst Haydns hatte einen enormen Einfluss auf die Entstehung des symphonischen und kammermusikalischen Stils von Wolfgang Mozart. Verlassen auf
seine leistungen auf dem gebiet der sonaten - symphonischen musik machte Mozart viel Neues, Interessantes, Originelles. Die ganze Kunstgeschichte kennt keinen markanteren Menschen als ihn. Mozart hatte ein phänomenales Gedächtnis und Gehör, hatte brillante Improvisationsfähigkeiten, spielte wunderbar Geige und Orgel, und niemand konnte seine Überlegenheit als Cembalist bestreiten. Er war der beliebteste, anerkannteste, beliebteste Musiker Wiens. Seine Opern sind von großem künstlerischen Wert. Seit zwei Jahrhunderten Le nozze di Figaro (Oper - buffa, aber realistisch und mit Textelementen) und Don Giovanni (Oper wird als "lustiges Drama" definiert - es ist sowohl eine Komödie als auch eine Tragödie mit sehr starken und komplexen Bildern) gelungen, verblüffend charmant elegante Melodie, Schlichtheit, luxuriöse Harmonie. Und "Die Zauberflöte" (eine Oper - ein Singspiel, aber zugleich eine philosophische Erzählung über den Kampf zwischen Gut und Böse) ging als Mozarts "Schwanengesang" in die Musikgeschichte ein, als ein Werk von größter Vollständigkeit und Helligkeit, die sein Weltbild, seine geschätzten Gedanken offenbart. Mozarts Kunst ist vollendet im Können und absolut natürlich. Er gab uns Weisheit, Freude, Licht und Güte. Johann Chrysostomus Wolfgang Theophilus Mozart wurde am 27. Jänner 1756 in Salzburg geboren. Amadeus - das lateinische Analogon des griechischen Namens Theophilus (b) - "Gottes Liebling". Unter zwei Namen wird Mozart meist genannt. Wolfgang Amadeus ist ein Wunderkind. Mozarts Vater – Leopold Mozart – war selbst ein berühmter Musiker – Lehrer und ziemlich produktiver Komponist. 7 Kinder wurden in der Familie geboren, zwei überlebten: Nannerl, Mozarts ältere Schwester, und Wolfgang selbst. Leopold begann beide Kinder von früher Kindheit an zu unterrichten und ging mit ihnen auf Tournee. Es war eine echte Wanderzeit. Es gab mehrere Tourneen, insgesamt dauerten sie mehr als 10 Jahre (mit Pausen für Heimkehr oder Kinderkrankheiten). Der Vater zeigte den Kindern nicht nur Europa, auch die Monarchen. Er suchte nach Verbindungen, die es seinem erwachsenen Sohn ermöglichen würden, einen zukünftigen Job zu finden, der seiner glänzenden Begabung entspricht. Mozart begann schon sehr früh zu komponieren, und seine frühe Musik wird fast so oft aufgeführt wie seine reife. Außerdem stellte der Vater auf Reisen die besten Lehrer Europas für seinen Sohn ein (in England war es der jüngste Sohn von J. S. Bach - „London Bach“, in Italien - der berühmte Padre Martini, der übrigens bei ihm studierte einer der Gründer der professionellen Komponistenschule in Russland Maxim Berezovsky). Im selben Italien beging ein sehr junger Mozart eine „schreckliche Sünde“, die in allen Biografien enthalten ist: In der Sixtinischen Kapelle erinnerte er sich, nachdem er einmal gehört hatte, vollständig an das Geschützte und schrieb es auf
Vatikanisches Werk „Miserere“ von Allegri. „Und hier hat Wolfgang die berühmte „Prüfung“ für die Feinheit des Gehörs und die Genauigkeit des Gedächtnisses bestanden. Aus dem Gedächtnis nahm er das berühmte „Miserere“ von Gregorio Allegri auf, das er hörte. Dieses Werk wurde allgemein als der Höhepunkt seines Genres und der Höhepunkt der päpstlichen Karfreitagsmusik angesehen. Es ist nicht verwunderlich, dass der Chor große Sorgfalt darauf verwendet hat, dieses Werk vor ungebetenen Schreibern zu schützen. Was Wolfgang gelungen ist, hat natürlich großes Aufsehen erregt. Dem Vater gelang es, Mutter und Schwester in Salzburg zu beruhigen, die befürchteten, Wolfgang habe mit der Aufnahme von „Miserere“ gesündigt und könnte in eine unangenehme Situation geraten. Mozart hat nicht nur keinen Universitätsabschluss gemacht, er hat auch nicht in der Schule studiert. Auch seine Allgemeinbildung wurde von seinem Vater übernommen (Mathematik, Sprachen). Aber dann wuchsen sie früh auf, und zwar in allen Gesellschaftsschichten. Für jugendliche Subkultur war keine Zeit. Die Kinder waren natürlich sehr müde. Schließlich sind sie erwachsen geworden, was bedeutet, dass sie aufgehört haben, Geeks zu sein, dass die Öffentlichkeit das Interesse an ihnen verloren hat. Tatsächlich musste Mozart das Publikum erneut „erobern“, da er bereits ein erwachsener Musiker war. 1773 trat der junge Mozart in den Dienst des Erzbischofs von Salzburg. Er hatte die Möglichkeit, weiter zu reisen und natürlich hart zu arbeiten. Unter dem nächsten Erzbischof gab Mozart sein Hofamt auf und wurde freischaffender Künstler. Nach einer Kindheit, die aus soliden Europatourneen und Diensten beim Erzbischof bestand, zog Mozart nach Wien. Er reist weiterhin regelmäßig in andere europäische Städte, aber die österreichische Hauptstadt wird sein ständiges Zuhause. „Mozart war der erste der größten Musiker, der ein freier Künstler blieb, und war der erste Komponist in der Geschichte – ein Vertreter der künstlerischen Bohème. Natürlich bedeutete die Arbeit für den freien Markt Armut.“ Das Leben „auf Brot umsonst“ ist gar nicht so einfach und rosig, wie es scheinen mag. In der Musik des reifen Mozarts spürt man die Tragik seines glänzenden Schicksals, durch die Brillanz und Schönheit der Musik werden Traurigkeit und Verständnis, Ausdruck, Leidenschaft und Dramatik hervorgehoben. Wolfgang Mozart hat in seinem kurzen Leben über 600 Werke hinterlassen. Sie müssen verstehen, dass wir über große Werke sprechen: Opern, Konzerte, Sinfonien. Mozart ist ein Universalkomponist. Er schrieb sowohl Instrumental- als auch Vokalmusik, das heißt in allen Genres und Formen, die zu seiner Zeit existierten. In Zukunft wird ein solcher Universalismus selten werden. Aber Mozart ist nicht nur deshalb universell: „Seine Musik enthält eine riesige Welt: Sie hat Himmel und Erde, Natur und Mensch, Komödie und Tragödie, Leidenschaft in all ihren Formen und Tiefe
inneren Frieden" (K. Barth). Es genügt, an einige seiner Werke zu erinnern: Opern, Sinfonien, Konzerte, Sonaten. Mozarts Klavierkompositionen waren eng mit seiner pädagogischen und aufführenden Praxis verbunden. Er war der größte Pianist seiner Zeit. Im 18. Jahrhundert. Natürlich gab es Musiker, die Mozart an Virtuosität in nichts nachstanden (hier war sein Hauptkonkurrent Muzio Clementi), aber an der tiefen Aussagekraft der Darbietung konnte sich niemand mit ihm messen. Mozarts Leben kam zu einer Zeit, als Cembalo, Clavichord und Pianoforte (wie das Klavier früher hieß) gleichzeitig im Musikleben üblich waren. Und wenn man in Bezug auf das Frühwerk Mozarts vom Clavierstil spricht, so schrieb der Komponist ab Ende der 1770er Jahre zweifellos für Klavier. Seine Innovation zeigte sich am deutlichsten in den Klavierkompositionen eines erbärmlichen Plans. Mozart ist einer der größten Melodiker. Seine Musik verbindet die Merkmale österreichischer und deutscher Volkslieder mit dem Wohlklang eines italienischen Liedes. Obwohl sich seine Werke durch Poesie und subtile Anmut auszeichnen, enthalten sie oft Melodien mit großem dramatischen Pathos und kontrastierenden Elementen. Die kammermusikalische Kreativität Mozarts wird durch eine Vielzahl von Ensembles (von Duetten bis zu Quintetten) und Klavierwerken (Sonaten, Variationen, Fantasien) repräsentiert. Mozarts Klavierstil zeichnet sich durch Eleganz, Klarheit, akribische Ausarbeitung von Melodie und Begleitung aus. W. Mozart schrieb 27 Konzerte für Klavier und Orchester, 19 Sonaten, 15 Variationszyklen, 4 Fantasien (zwei in c-Moll, eine in C-Dur, kombiniert mit einer Fuge, und eine weitere in d-Moll). Neben großen Zyklen gibt es in Mozarts Schaffen viele kleine Stücke, denen er selbst nicht immer die gebührende Bedeutung beimaß. Dies sind separate Menuette, Rondos, Adagio, Fugen. Die Oper war eine gesellschaftlich bedeutende Kunst. Bereits im 18. Jahrhundert gab es neben den Hofopernhäusern zwei Arten von öffentlichen Opernhäusern: ernste und komisch-häusliche (seria und buffa). Aber auch in Deutschland und Österreich blühte das Singspiel auf. Unter der großen Anzahl von Werken, die das Genie Mozart geschaffen hat, sind Opern beliebte Nachkommen. In seinem Werk lässt sich eine reiche Galerie von Lebensbildern von Opern nachzeichnen – Seria, Buffa und Singspiel, Erhabenes und Komisches, Sanftes und Verschmitztes, Kluges und Rustikales – sie alle sind natürlich und psychologisch authentisch dargestellt. Die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart verbindet auf harmonische Weise den Kult der Vernunft, das Ideal der edlen Einfachheit, und den Kult des Herzens, das Ideal einer freien Persönlichkeit. Mozarts Stil gilt seit jeher als Verkörperung von Anmut, Leichtigkeit, geistiger Lebendigkeit und nacharistokratischer Kultiviertheit.
P. I. Tschaikowsky schrieb: "Mozart ist der höchste Höhepunkt, den die Schönheit auf dem Gebiet der Musik erreicht hat ... was wir das Ideal nennen."
Ludwig van Beethoven
16. Dezember 1770 – 26. März 1827
Ludwig van Beethoven wurde als größter Symphoniker berühmt. Seine Kunst ist vom Pathos des Kampfes durchdrungen. Es setzte die fortschrittlichen Ideen der Aufklärung um, die die Rechte und die Würde der menschlichen Person bekräftigten. Er besitzt neun Symphonien, eine Reihe symphonischer Ouvertüren („Egmont“, „Coriolanus“) und zweiunddreißig Klaviersonaten, die eine Ära der Klaviermusik ausmachten. Die Bilderwelt Beethovens ist vielfältig. Sein Held ist nicht nur mutig und leidenschaftlich, er ist auch mit einem fein entwickelten Intellekt ausgestattet. Er ist ein Kämpfer und Denker. In seiner Musik manifestiert sich das Leben in seiner ganzen Vielfalt – stürmische Leidenschaften und distanzierte Verträumtheit, dramatisches Pathos und lyrisches Bekenntnis, Naturbilder und Szenen des Alltags. Mit dem Abschluss der Ära des Klassizismus hat Ludwig van Beethoven zugleich den Weg für das kommende Jahrhundert geebnet. Beethoven ist anderthalb Jahrzehnte jünger als Mozart. Aber das ist qualitativ andere Musik. Er gehört zu den „Klassikern“, aber in seinen reifen Werken ist er der Romantik nahe. Beethovens Musikstil ist ein Übergang von der Klassik zur Romantik. Doch um sein Werk zu verstehen, muss man zunächst einen Blick auf das Panorama des damaligen Gesellschafts- und Musiklebens werfen. Ende des 18. Jahrhunderts entstand und entwickelte sich das Phänomen „Sturm und Drang“ – eine Zeit, in der Maßstäbe brachen
Klassik zugunsten von mehr Emotionalität und Offenheit. Dieses Phänomen hat alle Sphären der Literatur und Kunst erfasst, es hat sogar einen interessanten Namen: Gegenaufklärung. Die größten Vertreter von "Sturm und Drang" waren Johann Wolfgang Goethe und Friedrich Schiller, und diese Zeit selbst nahm die Entstehung der Romantik vorweg. Die Energieaufladung und Gefühlsintensität von Beethovens Musik sind untrennbar mit den aufgezählten Erscheinungen im damaligen öffentlichen Leben Westeuropas und mit den persönlichen Lebensumständen des Genies verbunden. Ludwig van Beethoven wurde in Bonn geboren. Die Familie war nach Herkunft nicht reich - die Flamen, nach Beruf - Musiker. Der Vater wollte unbedingt aus seinem Sohn einen „zweiten Mozart“ machen, doch die Karriere eines Konzertvirtuosen – Wunderkindes – klappte nicht, aber hinter dem Instrument stand ein ständiger „Drill“. Schon im Kindesalter beginnt Ludwig nebenbei zu verdienen (er musste die Schule verlassen) und übernimmt mit 17 Jahren Verantwortung für die Familie: Er arbeitet mit Festgehalt und gibt Privatunterricht. Der Vater wurde alkoholabhängig, die Mutter starb früh, jüngere Brüder blieben in der Familie. Trotzdem findet Beethoven Zeit und besucht als Volontär die Universität Bonn. Alle Universitätsjugend wurde dann von einem revolutionären Impuls aus Frankreich ergriffen. Das junge Genie bewunderte die Ideale der Französischen Revolution. Sogar Napoleon Bonaparte widmete er seine Dritte „Heroische“ Sinfonie, strich dann aber die Widmung, enttäuscht von der „irdischen Verkörperung der Ideale“, und gab stattdessen an: „In Erinnerung an einen großen Mann“. „Niemand ist so klein wie große Menschen“ – die berühmten Worte Beethovens. Die Ideale „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“ blieben für immer Beethovens Ideale – und das bedeutete große Enttäuschungen im Leben. Ludwig van Beethoven hat das Werk von J. S. Bach gründlich studiert und verehrt. In Wien tritt er vor Mozart auf, der dem jungen Musiker gute Noten gibt. Bald zog Beethoven ganz nach Wien und half anschließend seinen jüngeren Brüdern, dorthin zu ziehen. Sein ganzes Leben wird mit dieser Stadt verbunden sein. In Wien nimmt er Unterricht in Spezialfächern, zu seinen Lehrern gehören Haydn und Salieri (drei Beethoven-Violinsonaten sind Salieri gewidmet). Er tritt in den Salons der Wiener Aristokratie und dann in eigenen Konzerten vor einem breiten Publikum auf. Seine Finger auf der Tastatur wurden als „dämonisch“ bezeichnet. „Ich will das Schicksal an der Gurgel packen, es wird ihm sicher nicht gelingen, mich zu Boden zu beugen“ (aus Beethovens Briefen). Schon in seiner Jugend erkannte Beethoven, dass er taub war („Seit zwei Jahren meide ich sorgfältig alle Gesellschaft, weil ich den Menschen nicht sagen kann: „Ich bin taub! » Es wäre noch möglich, wenn
mir einen anderen Beruf, aber mit meinem Handwerk kann es nichts Schlimmeres geben" (aus Beethovens Briefen). Periodische ärztliche Eingriffe brachten keine Heilung, die Taubheit schritt voran. Am Ende seines Lebens hörte er nichts mehr. Aber das innere Hören blieb – allerdings war es nicht mehr möglich, „mit eigenen Augen“ zu hören, was im Inneren gehört wurde. Und die Kommunikation mit Menschen war äußerst schwierig, mit Freunden übten sie das Schreiben in „Konversations“ -Notizbüchern. Der allhörende Taube - wie er manchmal genannt wurde. Und er hörte die Hauptsache: nicht nur Musik, sondern auch Ideen, Gefühle. Er hörte und verstand die Menschen. „Dieses Lieben, Leiden, Beharren des Willens, dieser Wechsel von Niedergeschlagenheit und Stolz, innere Dramen – das alles finden wir in den großen Werken Beethovens“ ... (Romain Rolland). Beethovens innige Zuneigung ist bekannt: die junge Gräfin Juliette Guicciardi. Aber er blieb allein. Wer sein „unsterblicher Liebhaber“ war, dessen Brief nach dem Tod des Komponisten gefunden wurde, ist nicht sicher bekannt. Aber einige Forscher halten Teresa Brunswick, eine Schülerin von L. Beethoven, für die „unsterbliche Geliebte“. Sie hatte musikalisches Talent – sie spielte wunderbar Klavier, sang und dirigierte sogar. Ludwig van Beethoven verband mit Teresa eine lange Freundschaft. Bis 1814 erlangt Beethoven Weltruhm. Der Wiener Kongress beginnt – nach dem Sieg über Napoleon und dem Einzug der Truppen Russlands, Österreichs und Preußens in Paris – und der berühmte friedliche Wiener Kongress beginnt mit Beethovens Oper Fidelio. Beethoven wird zu einer europäischen Berühmtheit. Er wird zu einer Feier zu Ehren des Namenstages der russischen Kaiserin in die Kaiserpfalz eingeladen, der er ein Geschenk überreicht: eine von ihm gemalte Polonaise. Ludwig van Beethoven komponiert viel.
32 Klaviersonaten
Die Klaviersonate war für Beethoven die direkteste Ausdrucksform der ihn bewegenden Gedanken und Gefühle, seines künstlerischen Hauptstrebens. Seine Anziehungskraft auf das Genre war besonders nachhaltig. Wenn Sinfonien bei ihm als Ergebnis und Verallgemeinerung einer langen Suche entstanden, so spiegelte die Klaviersonate unmittelbar die ganze Vielfalt kreativer Suche wider. Beethoven, als herausragender Klaviervirtuose, improvisierte sogar am häufigsten in Sonatensatzform. In den feurigen, originellen, ungezügelten Improvisationen Beethovens wurden die Bilder seiner zukünftigen großen Werke geboren. Jede Beethoven-Sonate ist ein Gesamtkunstwerk; zusammen bilden sie einen wahren Schatz klassischen Denkens in der Musik. Beethoven interpretierte die Klaviersonate als umfassende Gattung, die die Vielfalt moderner Musikstile widerspiegeln kann. BEI
In dieser Hinsicht kann er mit Philipp Emanuel Bach (Sohn von J.S. Bach) verglichen werden. Dieser in unserer Zeit fast vergessene Komponist war der erste, der die Klaviersonate des 18. Jahrhunderts gab. die Bedeutung einer der führenden Arten der Musikkunst, die seine Clavierwerke mit tiefen Gedanken sättigt. Beethoven folgte als erster dem Weg F. E. Bachs, übertraf jedoch seinen Vorgänger in der Breite, Vielfalt und Bedeutung der in den Klaviersonaten zum Ausdruck gebrachten Ideen, ihrer künstlerischen Perfektion und Bedeutung. Eine riesige Bandbreite an Bildern und Stimmungen – von sanfter Pastoral bis pathetischer Feierlichkeit, von lyrischem Erguss bis revolutionärer Apotheose, von den Höhen des philosophischen Denkens bis zu volkstümlichen Genre-Momenten, von der Tragödie bis zum Witz – charakterisieren Beethovens zweiunddreißig Klaviersonaten, die er selbst geschaffen hat ein Vierteljahrhundert. Der Weg von der ersten (1792) bis zur letzten (1822) Beethoven-Sonate markiert eine ganze Epoche in der Geschichte der weltweiten Klaviermusik. Beethoven begann mit einem bescheidenen klassizistischen Klavierstil (noch weitgehend mit der Kunst des Cembalospiels verbunden) und endete mit Musik für das moderne Klavier mit seiner großen Klangvielfalt und zahlreichen neuen Ausdrucksmöglichkeiten. Als „Werk für ein Hammerklavier“ bezeichnete der Komponist seine letzten Sonaten und betonte deren Modernität
pianistisch
Ausdruckskraft. 1822 beendete Beethoven mit der Schaffung der Zweiunddreißigsten Sonate seine lange Reise auf diesem Gebiet der Kreativität. Ludwig van Beethoven beschäftigte sich intensiv mit Problemen der Klaviervirtuosität. Auf der Suche nach einem einzigartigen Klangbild arbeitete er unermüdlich an seinem ursprünglichen Klavierstil. Das Gefühl eines weiten, luftigen Raums, erreicht durch den Vergleich entfernter Register, massive Akkorde, dichte, reichhaltige, facettenreiche Textur, Klangfarben-Instrumentaltechniken, reichhaltiger Einsatz von Pedaleffekten (insbesondere des linken Pedals) - dies sind einige der charakteristischen Innovationen Techniken des Klavierstils von Beethoven. Beginnend mit der ersten Sonate stellte Beethoven die Kammermusik der Claviermusik des 18. Jahrhunderts gegenüber. ihre majestätischen Klangfresken, gemalt in kräftigen, großen Strichen. Beethovens Sonate begann, einer Symphonie für das Klavier zu ähneln. Mindestens ein Drittel der 32 Klaviersonaten ist selbst "Nicht-Amateuren" ein Begriff. Darunter: „Pathetische“ Sonate Nr. 8. Dominanter, stolzer, tragischer Anfang – und erhebende Musikwellen. Ein ganzes Gedicht in drei Teilen, von denen jeder schön ist. Freude, Leiden, Rebellion und Kampf – ein typischer Beethoven-Bilderkreis, der hier ebenso heftig wie groß zum Ausdruck kommt
Adel. Das ist großartige Musik, genau wie jede Beethoven-Sonate oder Symphonie. „Quasi una fantasia“, die sogenannte „Mondschein“-Sonate Nr. 14, gewidmet der jungen Gräfin Giulietta Guicciardi, die eine Schülerin Beethovens war. Der Komponist war von Julia mitgerissen und dachte sogar an eine Ehe, aber sie bevorzugte eine andere. Normalerweise beschränkt sich der Zuhörer auf den ersten Teil und ahnt nicht, was für ein Finale – „ein Wasserfall, der sich auftürmt“ – in der bildlichen Äußerung eines der Forscher steckt. Und es gibt auch „Appassionata“ (Nr. 23), „Der Sturm“ (Nr. 17), „Aurora“ (Nr. 21) … Klaviersonaten sind einer der besten, wertvollsten Teile von Beethovens brillantem Erbe. In einer langen und aufregenden Folge ihrer großartigen Bilder zieht das ganze Leben eines großen Talents, eines großen Geistes und eines großen Herzens an uns vorbei, das nichts Menschlichem fremd ist, aber genau aus diesem Grund dem Liebsten all seine Schläge gibt, heiligsten Ideale der fortgeschrittenen Menschheit. L. Beethoven setzt die Traditionen Mozarts fort. Aber seine Musik erhält völlig neue Ausdrucksformen: Das Drama in der Musik erreicht die Tragödie, der Humor erreicht die Ironie, und die Texte werden zur Offenbarung einer leidenden Seele, zur philosophischen Reflexion über das Schicksal und die Welt. Beethovens Klaviermusik ist ein Beispiel für künstlerischen Geschmack. Zeitgenossen verglichen die emotionale Stimmung von Beethovens Sonaten oft mit dem Pathos von Schillers Tragödien. Neben 32 Sonaten für Klavier gibt es auch Sonaten für Violine. Eines ist vielen zumindest dem Namen nach bekannt – „Kreutzer Sonate“ – Sonate Nr. 9 für Violine und Klavier. Und dann gibt es noch Beethovens berühmte Streichquartette. Besonders beliebt sind dabei die „Russischen Quartette“. Darin sind wirklich russische Melodien zu hören („Ah, talent, my talent“, „Glory“ - Beethoven hat diese Lieder aus Lvovs Sammlung speziell kennengelernt). Das ist kein Zufall: Die Quartette entstanden im Auftrag des russischen Diplomaten Andrej Rasumowski, der lange in Wien lebte und ein Förderer Beethovens war. Razumovsky ist zwei Symphonien des Komponisten gewidmet. Beethoven hat neun Symphonien, von denen die meisten der Öffentlichkeit bekannt sind. Ich erinnere an die Dritte (Heroische) Symphonie, die Fünfte Symphonie mit dem berühmten Schicksalsthema. Diese "Schicksalsschläge" fallen und fallen wieder, das Schicksal hämmert immer wieder an die Tür. Und der Kampf endet nicht mit dem ersten Teil. Das Ergebnis wird erst im Finale sichtbar, wo das Schicksalsthema in den Jubel der Siegesfreude übergeht. Pastoral (6. Symphonie) - der Name selbst deutet auf den Gesang der Natur hin. Die atemberaubende 7. Sinfonie ist schließlich die berühmteste,
die epochemachende Neunte Symphonie, deren Idee Beethoven schon lange reifte. Auch Beethoven lebte das Leben eines „freien Künstlers“ (ab Mozart ist dies jedoch zur Normalität geworden) mit all seinen Entbehrungen und Ungewissheiten. Mehrmals versuchte Beethoven, Wien zu verlassen, dann bot ihm der österreichische Adel ein Gehalt an, wenn er nur nicht gehen würde. Und Beethoven blieb in Wien. Hier traf er seinen wichtigsten Triumph. Aus dem Abgrund der Trauer heraus plante Beethoven, die Freude zu verherrlichen. (Roland). Beethoven war bereits sehr krank. Dies ist nicht nur der Beginn der Taubheit, der Komponist entwickelt eine schwere Lebererkrankung. Es gab auch nicht genug Geld, es gab Probleme in seinem Privatleben (Erziehung eines Neffen). Unter diesen Bedingungen wurde etwas geboren, das manchmal schwerlich als menschliche Schöpfung betrachtet werden kann. Umarmung, Millionen! (Beethoven. 9. Symphonie, Finale). Sie wird auch Chorsinfonie genannt, weil im Finale der heute bekannte Chor zu den Worten von Friedrich Schiller erklingt - "Ode an die Freude", die periodisch zu verschiedenen Hymnen wurde, jetzt ist sie die Hymne der Europäische Union. Beethoven starb am 26. März 1827. Der Wiener Pathologe und Gerichtsmediziner Christian Reiter (außerordentlicher Professor für Gerichtliche Medizin an der Medizinischen Universität Wien) deutete 2007 an, dass sein Arzt Andreas Wavruch Beethovens Tod ungewollt beschleunigte, indem er wiederholt das Bauchfell des Patienten durchbohrte ( um Flüssigkeit zu entfernen), woraufhin er bleihaltige Lotionen auf die Wunden auftrug. Reuters Haarstudien zeigten, dass Beethovens Bleiwerte bei jedem Arztbesuch stark anstiegen.
Beethoven - Lehrer
Noch in Bonn begann Beethoven mit dem Musikunterricht. Sein Bonner Schüler Stefan Breining blieb bis an sein Lebensende der treueste Freund des Komponisten. Braining unterstützte Beethoven bei der Überarbeitung des Fidelio-Librettos. In Wien wurde die junge Gräfin Juliette Gvichchardi Schülerin Beethovens, in Ungarn, wo Beethoven auf dem Gut Brunsvik weilte, studierte Teresa Brunsvik bei ihm. Auch Dorothea Ertmann, eine der besten Pianistinnen Deutschlands, war Schülerin Beethovens. D. Ertman war berühmt für ihre Aufführung von Beethovens Werken. Ihr widmete der Komponist die Sonate Nr. 28. Als Beethoven erfuhr, dass Dorotheas Kind gestorben war, spielte er lange für sie. Auch Carl Czerny begann, bei Beethoven zu studieren. Karl war vielleicht das einzige Kind unter Beethovens Schülern. Er war erst neun Jahre alt, gab aber schon Konzerte. Czerny studierte fünf Jahre lang bei Beethoven, woraufhin ihm der Komponist ein Dokument überreichte, in dem er vermerkte
"der außergewöhnliche Erfolg des Studenten und sein erstaunliches musikalisches Gedächtnis." Czernys Gedächtnis war wirklich erstaunlich: Er kannte alle Klavierkompositionen des Lehrers auswendig. Czerny begann früh zu unterrichten und wurde bald zu einem der besten Lehrer Wiens. Unter seinen Schülern war Teodor Leshetitsky, der als einer der Gründer der russischen Klavierschule bezeichnet werden kann. Leshetitsky, der nach Russland in St. Petersburg gezogen war, war wiederum Lehrer von A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar. Franz Liszt studierte anderthalb Jahre bei K. Czerny. Seine Erfolge waren so groß, dass der Lehrer ihm erlaubte, vor der Öffentlichkeit zu sprechen. Beethoven besuchte das Konzert. Er erriet die Begabung des Jungen und küsste ihn. Liszt bewahrte die Erinnerung an diesen Kuss sein ganzes Leben lang. Nicht Czerny, aber Liszt hat Beethovens Spielweise geerbt. Wie Beethoven behandelt Liszt das Klavier wie ein Orchester. Auf Tourneen durch Europa förderte er das Werk Beethovens, indem er nicht nur seine Klavierwerke aufführte, sondern auch Symphonien, die er für das Klavier bearbeitete. Damals war Beethovens Musik, insbesondere die Sinfoniemusik, einem breiten Publikum noch unbekannt. Dank der Bemühungen von F. Liszt wurde 1839 in Bonn das Denkmal für den Komponisten Ludwig van Beethoven errichtet. Es ist unmöglich, Beethovens Musik nicht zu erkennen. Lakonismus und Relief von Melodien, Dynamik, klarer Muskelrhythmus - das ist ein leicht erkennbarer heroisch-dramatischer Stil. Auch in den langsamen Teilen (wo Beethoven nachdenkt) erklingt das Beethoven-Hauptthema: durch Leiden - zur Freude, "durch Dornen zu den Sternen". M. I. Glinka betrachtete Beethoven als den Höhepunkt der Wiener Klassik, den Künstler, der am tiefsten in die Tiefen der menschlichen Seele eindrang und sie perfekt in Klängen ausdrückte. Beethoven sagte: „Musik soll Feuer aus der menschlichen Seele schlagen!“.
Fazit
Das Anwachsen der Freiheit in der Gesellschaft führte zum Erscheinen der ersten öffentlichen Konzerte, Musikvereine und Orchester wurden in den wichtigsten Städten Europas gegründet. Die Entwicklung einer neuen Musikkultur in der Mitte des 18. Jahrhunderts. brachte die Entstehung vieler privater Salons hervor, in denen Opernaufführungen stattfanden. Die Musikkultur des Klassizismus ist mit der Schaffung vieler Genres der Instrumentalmusik verbunden - wie Sonate, Symphonie, Quartett. In dieser Ära kristallisiert sich die Gattung des klassischen Konzerts, der Variationsform, heraus und die Reform der Operngattungen findet statt.
Es gab radikale Veränderungen in den Orchestern, es war kein Cembalo oder eine Orgel erforderlich, da die wichtigsten Musikinstrumente, Blasinstrumente - Klarinette, Flöte, Trompete und andere, im Gegenteil, ihren Platz im Orchester einnahmen und ein neues, besonderes schufen Klang. Die Neubesetzung des Orchesters führte zur Entstehung der Sinfonie – der wichtigsten Musikgattung. Einer der ersten Komponisten, der das symphonische Format verwendete, war der Sohn von I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Zusammen mit der neuen Zusammensetzung des Orchesters, der
Streichquartett bestehend aus zwei Violinen, Viola und Cello. Eigens für Streichquartett entstehen Kompositionen mit eigenem Standard in vier Tempi. Es entstand eine mehrstimmige Sonaten-Symphonie-Form (4-Teilzyklus), die bis heute Grundlage vieler Instrumentalkompositionen ist. In der gleichen Zeit entstand das Klavier, dessen Entwurf im 18. Jahrhundert entstand. erfährt wesentliche Änderungen, der Klaviatur-Hammer-Mechanismus wird verbessert, ein Gusseisenrahmen, Pedale, der „Doppelprobe“-Mechanismus werden eingeführt, die Anordnung der Saiten ändert sich, der Tonumfang wird erweitert. All diese evolutionären Innovationen haben es Pianisten erleichtert, virtuose Stücke auf vielfältige Weise zu spielen, indem sie eine Vielzahl von Ausdrucksmitteln und eine angereicherte Dynamik verwenden. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven – drei große Namen, drei „Titanen“, die in die Geschichte eingingen
Wiener
Klassiker
. Die Komponisten der Wiener Schule beherrschten meisterhaft die unterschiedlichsten Musikgenres – vom Alltagslied bis zur Symphonie. Der hohe Musikstil, in dem sich reiche figurative Inhalte in einer einfachen, aber perfekten künstlerischen Form verkörpern, ist das Hauptmerkmal des Schaffens der Wiener Klassik. Die Komponisten der Wiener Klassik haben nämlich die Gattung der Klaviersonate, des klassischen Konzerts, auf die höchste Stufe gehoben. Die Entdeckung des Klassizismus sollte den Wunsch nach dem höchsten Ideal der Vollkommenheit ausdrücken, nach der himmlischen Fügung der Seele und des Lebens. Haydn sagte, Gott würde es ihm nicht übel nehmen, ihn in einem neuen Licht und in einem klaren Stil zu verherrlichen. Die Musikkultur des Klassizismus verherrlicht wie die Literatur sowie die bildenden Künste die Handlungen eines Menschen, seine Emotionen und Gefühle, über die der Verstand herrscht. Künstler - Schöpfer in ihren Werken zeichnen sich durch logisches Denken, Harmonie und Klarheit der Form aus. Der Klassizismus ist der Stil einer historisch definierten Epoche. Aber sein Ideal von Harmonie und Proportion bleibt bis heute ein Vorbild für zukünftige Generationen.
Inzwischen gingen die Zeitalter des Klassizismus bereits zurück; in der beispiellosen Polystilistik von "Don Juan", im rebellischen Geist von "Egmont" wurde ein Jahrhundert der Romantik mit seiner tragischen Ironie, der Unordnung des künstlerischen Bewusstseins, der Freiheit der lyrischen Intimität vermutet.
Die Prinzipien des Klassizismus
1. Die Basis von allem ist der Verstand. Nur was vernünftig ist, ist schön. 2. Die Hauptaufgabe besteht darin, die absolute Monarchie zu stärken, der Monarch ist die Verkörperung des Vernünftigen. 3. Das Hauptthema ist der Konflikt zwischen persönlichen und bürgerlichen Interessen, Gefühlen und Pflichten. 4. Die höchste Würde eines Menschen ist die Pflichterfüllung, der Dienst am Staatsgedanken. 5. Erbe der Antike als Vorbild. 6. Nachahmung der „geschmückten“ Natur. 7. Die Hauptkategorie ist Schönheit.
Literatur
Keldysh Yu. V. - Klassizismus. Musikalische Enzyklopädie, Moskau: Sowjetische Enzyklopädie, aus „Soviet Composer“, 1973 - 1982. Classicism – Big Encyclopedic Dictionary, 2000. Yu. A. Kremlev – Beethoven Klaviersonaten, Verlag „Soviet Composer“, Moskau 1970 .
Klassische Komponisten
Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Grétry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Ladislav Diabelli Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuc Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilgmin Hessler Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philip Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pjotr Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTIK
Romantik ist eine ideologische und künstlerische Strömung, die Ende des 18. Jahrhunderts in der europäischen und amerikanischen Kultur entstand. - die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. - war eine Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus, eine Art Reaktion auf die Aufklärung mit ihrem Vernunftkult. Die Entstehung der Romantik hatte verschiedene Gründe. Die wichtigsten von ihnen
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Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution
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rechtfertigte die in sie gesetzten Hoffnungen nicht. Das romantische Weltbild ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Traum gekennzeichnet. Die Wirklichkeit ist niedrig und seelenlos, sie ist durchdrungen vom Geiste des Spießbürgertums, des Spießbürgertums und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber für den Verstand unerreichbares und unbegreifliches. Die Romantik entstand erstmals in den 1790er Jahren und nahm Gestalt an. in Deutschland im Kreis der Schriftsteller und Philosophen der Jenaer Schule, deren Vertreter W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, die Brüder F. und A. Schlegel sind). Die Philosophie der Romantik wurde in den Werken von F. Schlegel und F. Schelling systematisiert und bestand darin, dass es einen positiven Genuss des Schönen gibt, der sich in ruhiger Kontemplation ausdrückt, und einen negativen Genuss des Erhabenen, Formlosen, Endlosen , die nicht Freude, sondern Staunen und Verständnis hervorruft. Das Singen des Erhabenen ist verbunden mit dem Interesse der Romantik am Bösen, seiner Veredelung und der Dialektik von Gut und Böse. Im 18. Jahrhundert. alles Seltsame, Malerische und in Büchern und nicht in Wirklichkeit Vorhandene wurde romantisch genannt. Am Anfang. 19. Jahrhundert die Romantik wurde zur Bezeichnung einer neuen Richtung gegenüber Klassizismus und Aufklärung. Von Epoche zu Epoche, von Stil zu Folgestil im Bereich der Kunst kann man „eine Brücke schlagen“ und das Entsprechende ausdrücken
Definition künstlerischer Strömungen: Barock ist Predigt, Romantik ist Bekenntnis. So werden sie vom schlanken und geordneten Klassizismus zu den Seiten "verstreut". In der Barockkunst wandte sich ein Mensch mit etwas global Wichtigem an einen Menschen (gepredigt), in der Romantik wendet sich ein Mensch an die Welt und erklärt ihm, dass die kleinsten Erfahrungen seiner Seele nicht weniger wichtig sind als alles andere. Und hier ist nicht nur das Recht auf ein individuelles Gefühl, sondern auch das Recht zu handeln. Die Romantik, die das Zeitalter der Aufklärung ersetzt, fällt mit der industriellen Revolution zusammen, die durch das Erscheinen von Dampfmaschine, Dampflokomotive, Dampfschiff, Fotografie und Fabrikrand geprägt ist. Ist die Aufklärung von Vernunftkult und prinzipienbasierter Zivilisation geprägt, so bejaht die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Ära der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknick, die die Einheit von Mensch und Natur wiederherstellen sollten. Das Image des „edlen Wilden“, bewaffnet mit „Volksweisheiten“ und nicht von der Zivilisation verwöhnt, ist gefragt. Die Romantik stellt dem aufklärerischen Fortschrittsgedanken ein Interesse an Folklore, Mythos, Märchen, am einfachen Menschen, einer Rückkehr zu den Wurzeln und zur Natur gegenüber. In der Weiterentwicklung der deutschen Romantik zeichnete sich ein Interesse an märchenhaften und mythologischen Motiven ab, das besonders deutlich im Werk der Brüder Wilhelm und Jacob Grimm, Hoffmann, zum Ausdruck kam. G. Heine, seine Arbeit im Rahmen der Romantik beginnend, unterzog ihn später einer kritischen Revision. Die philosophische Romantik fordert ein Überdenken der Religion und das Streben nach Atheismus. "Wahre Religion ist das Gefühl und der Geschmack der Unendlichkeit." Später in den 1820er Jahren verbreitete sich der romantische Stil in England, Frankreich und anderen Ländern. Zur englischen Romantik gehören die Werke der Schriftsteller Racine, John Keats und William Blake. Die Romantik in der Literatur ist in anderen europäischen Ländern weit verbreitet, zum Beispiel: in Frankreich - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; in Italien - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, in Polen - Adam Mickiewicz, Juliusz Slovatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; in den USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
In der russischen Romantik erscheint die Freiheit von klassischen Konventionen, es entsteht eine Ballade, ein romantisches Drama. Es wird eine neue Vorstellung vom Wesen und Sinn der Poesie bekräftigt, die als eigenständiger Lebensbereich, als Ausdruck der höchsten, ideellen Bestrebungen des Menschen anerkannt wird. Die Romantik der russischen Literatur zeigt das Leiden und die Einsamkeit des Protagonisten. In Russland können V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov auch romantischen Dichtern zugeschrieben werden. Auch die frühe Poesie von A. S. Puschkin entwickelte sich im Rahmen der Romantik. Die Poesie von M. Yu. Lermontov kann als Höhepunkt der russischen Romantik angesehen werden. Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev sind sowohl die Vollendung als auch die Überwindung der Romantik in Russland. Die Romantik entstand als literarische Bewegung, hatte aber einen bedeutenden Einfluss auf Musik und Malerei. In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger in der Architektur. Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Kontroverse mit den Anhängern des Klassizismus. Die Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und das Fehlen einer „Bewegung des Lebens“ vor. Im 18. Jahrhundert waren Berglandschaften und malerische Ruinen die bevorzugten Motive der Künstler. Seine Hauptmerkmale sind die Dynamik der Komposition, voluminöse Räumlichkeit, satte Farben, Hell-Dunkel (zum Beispiel die Werke von Turner, Géricault und Delacroix). In den 1920er und 1930er Jahren zeichneten sich die Werke vieler Künstler durch Pathos und nervöse Erregung aus; in ihnen gibt es eine Tendenz zu exotischen Motiven und ein Spiel der Fantasie, das aus dem "trüben Alltag" herausführen kann. Der Kampf gegen die eingefrorenen klassizistischen Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, eine neue Richtung zu festigen und die Romantik zu "rechtfertigen", war Theodore Géricault. Vertreter der Malerei: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTIK IN DER MUSIK
Die Musik der Romantik ist eine Periode in der Geschichte der europäischen Musik, die ungefähr die Jahre 1800-1910 umfasst. In der Musik nahm die Richtung der Romantik in den 1820er Jahren Gestalt an, ihre Entwicklung dauerte das gesamte 19. Jahrhundert. - die Blütezeit der Musikkultur Westeuropas. Romantik ist nicht nur Text, sondern die Dominanz von Gefühlen, Leidenschaften, spirituellen Elementen, die nur in den Ecken der eigenen Seele bekannt sind. Ein wahrer Künstler enthüllt sie mit Hilfe einer genialen Intuition.
Die Musik dieser Periode entwickelte sich aus den Formen, Genres und musikalischen Ideen, die in früheren Perioden wie der Klassik etabliert wurden. Komponisten der Romantik versuchten, die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen mit musikalischen Mitteln auszudrücken. Musik wird geprägter, individueller. Liedgenres entwickeln sich, einschließlich der Ballade. Ideen, die Struktur von Werken, die in früheren Perioden etabliert oder nur skizziert wurden, wurden in der Romantik entwickelt. Infolgedessen werden Werke mit Bezug zur Romantik von Zuhörern als leidenschaftlicher und emotional ausdrucksvoller wahrgenommen. Es ist allgemein anerkannt, dass die unmittelbaren Vorläufer der Romantik Ludwig van Beethoven in der österreichisch-deutschen Musik und Luigi Cherubini in der französischen waren; Viele Romantiker (z. B. Schubert, Wagner, Berlioz) betrachteten K. V. Gluck als ihren entfernteren Vorgänger. Die Übergangszeit vom Klassizismus zur Romantik gilt als vorromantische Zeit – ein relativ kurzer Zeitraum in der Musik- und Kunstgeschichte. Wenn in Literatur und Malerei die romantische Richtung ihre Entwicklung im Wesentlichen bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts abschließt, dann ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Hauptvertreter der Romantik in der Musik sind: in Österreich - Franz Schubert und Spätromantiker - Anton Bruckner und Gustav Mahler; in Deutschland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; in England Edward Elgar; in Ungarn - Franz Liszt; in Norwegen Edvard Grieg; in Italien - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, früher Giuseppe Verdi; in Spanien Felipe Pedrel; in Frankreich - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer und Cesar Franck, ein Vertreter der Spätromantik; in Polen - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; in der Tschechischen Republik - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
In Russland arbeiteten Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tschaikowsky im Einklang mit der Romantik.
Es ist kein Zufall, dass die Musik zur idealen Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollständigsten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik in der Ära der Romantik, die eine führende Stellung im System der Künste einnahm. Romantik in der Musik zeichnet sich durch einen Appell an die innere Welt eines Menschen aus. Musik ist in der Lage, das Unerkennbare auszudrücken und zu vermitteln, was Worte nicht vermitteln können. Die Romantik sucht immer die Flucht vor der Realität. Das Leben gewöhnlicher Menschen berühren, ihre Gefühle verstehen, sich auf Musik verlassen - das half den Vertretern der musikalischen Romantik, ihre Werke realistisch zu machen. Das Problem der Persönlichkeit wird als Hauptproblem der romantischen Musik in einem neuen Licht - in ihrem Konflikt mit der Außenwelt - dargestellt. Der romantische Held ist immer einsam, wenn er nur ein herausragender, begabter Mensch ist. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Der Künstler, Dichter, Musiker sind die Lieblingsfiguren in den Werken der Romantiker („Die Liebe des Dichters“ von Schumann, „Die Phantastische Sinfonie“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“). Die Enthüllung eines persönlichen Dramas erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. So sind beispielsweise viele von Schumanns Klavierwerken mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Der autobiografische Charakter seiner Opern wurde von Richard Wagner stark betont. Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel - die Texte erhalten eine dominante Position, in der Bilder der Liebe vorherrschen. Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrische Beichte“ verwoben. Die Entwicklung der Gattung und der lyrisch-epischen Symphonik ist eng mit den Naturbildern verbunden (eine der ersten Kompositionen ist die "große" Symphonie C - dur von F. Schubert). Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten war das Thema der Fantasie. Erstmals lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhaft phantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. - 18. Jahrhunderts. „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „Zauberflöte“) sprachen „allgemein“
musikalische Sprache, die sich kaum vom Hintergrund echter Menschen abhebt. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). Ein bemerkenswertes Beispiel ist die "Wolf Gulch Scene" in Webers Magic Shooter. Das Interesse an der Volkskunst ist sehr charakteristisch für die musikalische Romantik. Wie Dichter - Romantiker, die die literarische Sprache auf Kosten der Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Alles, was mit den Ohren gehört wurde, wurde sofort in Kreativität umgesetzt. Folklore – Lieder, Tänze, Legenden – wird verarbeitet, Themen, Handlungsstränge, Intonationen werden daraus entnommen. Unter den Romantikern erlangt das Lied einen besonderen Stellenwert (in Russland die Romantik). Neue Tänze erscheinen - Mazurkas, Polonaisen, Walzer. Sie verkörperten die Bilder der nationalen Literatur, der Geschichte und der einheimischen Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten die alten diatonischen Modi. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert
.
Neue Themen und Bilder forderten von der Romantik die Entwicklung neuer Mittel der Tonsprache und Gestaltungsprinzipien, die Erweiterung der Klangfarbe und der harmonischen Palette der Musik (natürliche Tonarten, farbige Gegenüberstellungen von Dur und Moll). Und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine zunehmend dem individuell Einzigartigen.
In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen. In der Blütezeit der Romantik entstanden eine Reihe neuer Musikgattungen, darunter auch Gattungen der Programmmusik (symphonische Dichtung, Balladen, Fantasien, Liedgattungen). Das wichtigste Moment in der Ästhetik der musikalischen Romantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, die ihren lebendigsten Ausdruck im Opernwerk von R. Wagner und in der Programmmusik von G. Berlioz, R. Schumann, F. Liszt.
FAZIT
Die Entstehung der Romantik wurde von drei Hauptereignissen beeinflusst: der Französischen Revolution, den Napoleonischen Kriegen, dem Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa. Romantik als Methode und Richtung in Musik und Kunstkultur war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen
nationaler Ausdruck. Die Romantiker rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Doch bei aller Vielseitigkeit und Vielfalt hat die Romantik stabile Züge: Enttäuschung über die Welt um uns herum, das Gefühl, Teil des Universums zu sein, Unzufriedenheit mit sich selbst, die Suche nach Harmonie, Konflikt mit der Gesellschaft. Sie alle entstammen der Leugnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanons des Klassizismus, die kreative Initiative behinderten. Interesse an einer starken Persönlichkeit, die sich der ganzen Welt widersetzt und sich nur auf sich selbst verlässt, und Aufmerksamkeit für die innere Welt einer Person. Die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Eine individualisierte, persönliche Sicht der Welt führte zur Entstehung neuer Musikgenres. In Verbindung mit dem Entwicklungstrend des Heimmusizierens, des Kammerspiels, nicht für ein Massenpublikum ausgelegt und der perfekten Aufführungstechnik, erweckte dies das Genre der Klavierminiaturen zum Leben - Improvisationen, musikalische Momente, Nocturnes, Präludien, viele Tanzgenres, die es gab bisher nicht in der professionellen Musik vertreten. Romantische Themen, Motive, Ausdrucksmittel gingen in die Kunst verschiedener Stile, Richtungen, kreativer Assoziationen ein. Gegen die Romantik formierten sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Kräfte (Brahms, Brückner, Mahler). Mit ihrem Erscheinen gab es Tendenzen zu einer erneuten Auseinandersetzung mit der realen Welt, der Objektivität und der Ablehnung des Subjektiven. Trotzdem erwies sich das romantische Weltbild oder Weltbild als eine der fruchtbarsten künstlerischen Stilrichtungen. Die Romantik als allgemeine Haltung, die vor allem für junge Menschen charakteristisch ist, als Wunsch nach idealer und schöpferischer Freiheit, lebt immer noch in der Weltkunst.
LITERATUR
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Kein einziger Bereich der Musikkunst des 19. Jahrhunderts entging dem Einfluss Beethovens. Von den Vokaltexten Schuberts bis zu den Musikdramen Wagners, vom Scherzo, den phantastischen Ouvertüren Mendelssohns bis zu den tragisch-philosophischen Sinfonien Mahlers, von der theatralischen Programmmusik Berliozs bis zu den psychologischen Abgründen Tschaikowskys – fast alle großen künstlerischen Phänomene das 19. Jahrhundert entwickelte eine der Seiten von Beethovens facettenreichem Schaffen. Seine hohen ethischen Prinzipien, Shakespeares Denkweise, grenzenlose künstlerische Innovation dienten als Leitstern für Komponisten der unterschiedlichsten Richtungen und Richtungen. „Ein Riese, dessen Schritte wir unweigerlich hinter uns hören“, sagte Brahms über ihn.
Hervorragende Vertreter der romantischen Musikschule widmeten Beethoven Hunderte von Seiten und erklärten ihn zu ihrem Gleichgesinnten. Berlioz und Schumann bekräftigten in getrennten kritischen Artikeln, Wagner in ganzen Bänden die große Bedeutung Beethovens als ersten romantischen Komponisten.
Aufgrund der Trägheit des musikwissenschaftlichen Denkens hat sich die Auffassung von Beethoven als einem der romantischen Schule tief verwandten Komponisten bis heute erhalten. Inzwischen erlaubt uns die breite historische Perspektive, die das 20. Jahrhundert eröffnet hat, das Problem zu sehen. „Beethoven und die Romantiker“ in einem etwas anderen Licht. Wenn wir heute den Beitrag beurteilen, den die Komponisten der romantischen Schule zur Weltkunst geleistet haben, kommen wir zu dem Schluss, dass Beethoven weder identifiziert noch den ihn vergötternden Romantikern bedingungslos näher gebracht werden kann. Es ist nicht charakteristisch für ihn Hauptsache und allgemein, die es ermöglicht, das Schaffen so unterschiedlicher Künstlerpersönlichkeiten wie beispielsweise Schubert und Berlioz, Mendelssohn und Liszt, Weber und Schumann im Konzept einer einzigen Schule zu vereinen. Es ist kein Zufall, dass in den kritischen Jahren, als Beethoven nach Erschöpfung seines reifen Stils eifrig nach neuen Wegen in der Kunst suchte, die aufkommende romantische Schule (Schubert, Weber, Marschner und andere) ihm keine Perspektive eröffnete. Und jene neuen, in ihrer Bedeutung grandiosen Sphären, die er schließlich in seinem Werk der letzten Periode gefunden hat, stimmen in entscheidenden Zügen nicht mit den Grundlagen der musikalischen Romantik überein.
Es gilt, die Grenze zwischen Beethoven und den Romantikern zu klären, wichtige Divergenzpunkte zwischen diesen beiden zeitlich nahe beieinander liegenden Phänomenen festzustellen, die ihre Seiten unbedingt berühren und doch in ihrem ästhetischen Wesen verschieden sind.
Formulieren wir zunächst jene Momente der Gemeinsamkeit zwischen Beethoven und den Romantikern, die letzteren Anlass gaben, in diesem genialen Künstler ihren Gleichgesinnten zu sehen.
Vor dem Hintergrund der musikalischen Atmosphäre des nachrevolutionären, d. h. bürgerlichen Europas des frühen und mittleren 19. Jahrhunderts verband Beethoven und die westliche Romantik eine wichtige gemeinsame Plattform – der Widerstand gegen protzige Brillanz und leere Unterhaltung, die zu dominieren begann diese Jahre auf der Konzertbühne und im Opernhaus.
Beethoven ist der erste Komponist, der das Joch eines Hofmusikanten abgeworfen hat, der erste, dessen Kompositionen weder äußerlich noch wesentlich mit der feudalfürstlichen Kultur oder mit den Erfordernissen der Kirchenkunst verbunden sind. Er, und nach ihm andere Komponisten des 19. Jahrhunderts, ist ein „freier Künstler“, der die demütigende Abhängigkeit von Hof oder Kirche nicht kennt, die das Los aller großen Musiker früherer Epochen war – Monteverdi und Bach, Händel und Gluck, Haydn und Mozart ... Und doch führte die gewonnene Freiheit aus den Fesseln des höfischen Milieus zu neuen Phänomenen, die für die Künstler selbst nicht weniger schmerzhaft waren. Das Musikleben im Westen erwies sich als maßgeblich dominiert von einem schlecht ausgebildeten Publikum, das den hohen Anspruch der Kunst nicht zu würdigen verstand und darin nur leichte Unterhaltung suchte. Der Widerspruch zwischen der Suche nach fortgeschrittenen Komponisten und dem Spießertum des trägen bürgerlichen Publikums hat die künstlerische Innovation im letzten Jahrhundert in hohem Maße gehemmt. Dies war die typische Tragödie des Künstlers der nachrevolutionären Zeit, die das in der westlichen Literatur so verbreitete Bild des "unerkannten Genies auf dem Dachboden" entstehen ließ. Sie definierte das feurige, enthüllende Pathos von Wagners journalistischen Arbeiten und brandmarkte das zeitgenössische Musiktheater als "leere Blume eines verfaulten Gesellschaftssystems". Es beschwor die beißende Ironie von Schumanns Artikeln herauf: So schrieb Schumann über die europaweit donnernden Werke des Komponisten und Pianisten Kalkbrenner, dass er zunächst virtuose Passagen für den Solisten komponiere und dann nur noch darüber nachdenke, wie man die Lücken fülle zwischen ihnen. Berlioz' Träume von einem musikalischen Idealzustand entsprangen direkt einer akuten Unzufriedenheit mit der Situation, die in seiner zeitgenössischen Musikwelt Wurzeln geschlagen hatte. Die gesamte Struktur der von ihm geschaffenen musikalischen Utopie drückt den Protest gegen den Geist des kommerziellen Unternehmertums und der staatlichen Förderung rückläufiger Strömungen aus, die Mitte des letzten Jahrhunderts so charakteristisch für Frankreich waren. Und Liszt, der ständig mit den begrenzten und rückständigen Anforderungen des Konzertpublikums konfrontiert war, erreichte einen solchen Grad an Irritation, dass ihm dies als die ideale Position eines mittelalterlichen Musikers erschien, der seiner Meinung nach die Möglichkeit hatte, zu schaffen, sich zu konzentrieren nur an seinen eigenen hohen Maßstäben.
Im Kampf gegen Vulgarität, Routine und Leichtigkeit war Beethoven der Hauptverbündete der Komponisten der romantischen Schule. Es war sein Werk, neu, mutig, vergeistigt, das zum Banner wurde, das alle fortschrittlichen jungen Komponisten des 19. Jahrhunderts auf der Suche nach einer ernsthaften, wahrheitsgemäßen, neue Perspektiven eröffnenden Kunst inspirierte.
Und in ihrer Opposition zu den überholten Traditionen der musikalischen Klassik wurden Beethoven und die Romantik Mitte des 19. Jahrhunderts als Ganzes wahrgenommen. Beethovens Bruch mit der Musikästhetik der Aufklärung war für sie Anstoß zu eigenen Recherchen, die die Psychologie der Neuzeit prägten. Die beispiellose emotionale Kraft seiner Musik, ihre neue lyrische Qualität, Formfreiheit gegenüber dem Klassizismus des 18. Jahrhunderts und schließlich die größte Bandbreite an künstlerischen Ideen und Ausdrucksmitteln – all dies erregte die Bewunderung der Romantiker und erhielt weitere multilaterale Beachtung Entwicklung in ihrer Musik. Nur die Vielseitigkeit von Beethovens Kunst und ihr Streben nach Zukunft kann ein so paradox erscheinendes Phänomen erklären, dass sich die unterschiedlichsten, teilweise völlig unterschiedlichen Komponisten als Erben und Nachfolger Beethovens empfanden und zu einer solchen Meinung berechtigte Gründe hatten. Und in der Tat, hat Schubert nicht von Beethoven jenes entwickelte instrumentale Denken übernommen, das zu einer grundlegend neuen Interpretation des Klavierplans im alltäglichen Gesang geführt hat? Berlioz ließ sich nur von Beethoven leiten und schuf seine grandiosen symphonischen Kompositionen, in denen er auf Software und Vokalklänge zurückgriff. Mendelssohns Programmouvertüren basieren auf Beethovens Ouvertüren. Wagners vokalsymphonischer Satz geht direkt auf Beethovens Opern- und Oratorienstil zurück. Liszts symphonische Dichtung – ein typischer Nachkomme der romantischen Epoche in der Musik – hat ihren Ursprung in ausgeprägten Farbzügen, die sich in den Werken des späten Beethoven manifestierten, einem Hang zur Variation und einer freien Interpretation des Sonatenzyklus. Gleichzeitig verweist Brahms auf die klassizistische Struktur von Beethovens Sinfonien. Tschaikowsky belebt ihre innere Dramatik, die organisch mit der Logik der Sonatenbildung verbunden ist. Beispiele für solche Verbindungen zwischen Beethoven und Komponisten des 19. Jahrhunderts sind im Grunde unerschöpflich.
Und auf einer breiteren Ebene gibt es Merkmale der Verwandtschaft zwischen Beethoven und seinen Anhängern. Mit anderen Worten, Beethovens Werk nimmt einige wichtige allgemeine Trends in der Kunst des 19. Jahrhunderts als Ganzes vorweg.
Das ist zunächst einmal ein psychologischer Anfang, der sowohl bei Beethoven als auch bei fast allen Künstlern der nächsten Generationen greifbar ist.
Nicht so sehr die Romantiker, sondern die Künstler des 19. Jahrhunderts entdeckten allgemein das Bild der einzigartigen inneren Welt eines Menschen - ein Bild, das sowohl integral als auch in ständiger Bewegung ist, nach innen gekehrt ist und verschiedene Seiten der objektiven Außenwelt bricht. Gerade in der Offenlegung und Bejahung dieser imaginativen Sphäre liegt zunächst einmal der grundlegende Unterschied zwischen dem psychologischen Roman des 19. Jahrhunderts und den literarischen Gattungen früherer Epochen.
Der Wunsch, die Wirklichkeit durch das Prisma der geistigen Welt der Individualität darzustellen, ist auch charakteristisch für die Musik der gesamten Nach-Beethoven-Ära. Durch die Spezifik der instrumentalen Ausdruckskraft gebrochen, führte sie zu einigen charakteristischen neuen Formbildungstechniken, die sowohl in Beethovens späten Sonaten und Quartetten als auch in den Instrumental- und Opernwerken der Romantiker immer wieder auftauchen.
Für die Kunst des „psychologischen Zeitalters“ haben die klassizistischen Gestaltungsprinzipien, die die gegenständlichen Aspekte der Welt zum Ausdruck bringen, ihre Relevanz verloren, nämlich klare, klar gegensätzliche thematische Bildungen, vollständige Strukturen, symmetrisch geteilte und ausgewogene Formteile, suite-zyklische Gestaltung des Ganzen. Beethoven hat wie die Romantiker neue Techniken gefunden, die den Aufgaben der psychologischen Kunst gerecht werden. Dies ist eine Tendenz zur Kontinuität der Entwicklung, zu Elementen der Einstimmigkeit auf der Skala des Sonatenzyklus, zur freien Variation in der Entwicklung des thematischen Materials, oft basierend auf flexiblen Motivübergängen, zu einer zweidimensionalen - vokal-instrumentalen - Struktur der musikalischen Sprache, als ob sie die Idee des Textes und des Subtextes der Aussage verkörpern würde * .
* Mehr dazu im Kapitel „Romantik in der Musik“, Abschnitt 4.
Es sind diese Merkmale, die die Werke des späten Beethoven und der Romantiker zusammenbringen, die sich in jeder anderen Hinsicht grundlegend voneinander unterscheiden. Schuberts Fantasie „Wanderer“ und Schumanns „Symphonische Etüden“, Berlioz’ „Harold in Italien“ und Mendelssohns „Schottische Symphonie“, Liszts „Präludien“ und Wagners „Ring des Nibelungen“ – wie weit sind diese Werke in ihrer Bilderwelt , Stimmung, Außenklang aus Beethovens Sonaten und Quartetten der letzten Periode! Und doch zeichnen sich beide durch einen einzigen Trend zur Kontinuität der Entwicklung aus.
Bringt den verstorbenen Beethoven näher an die Komponisten der romantischen Schule und eine außergewöhnliche Erweiterung des Spektrums der von ihrer Kunst abgedeckten Phänomene. Diese Eigenschaft manifestiert sich nicht nur in der Vielfalt der Thematik selbst, sondern auch in einem extremen Grad an Kontrast beim Vergleich von Bildern innerhalb desselben Werks. Wenn also die Komponisten des 18. Jahrhunderts Kontraste gleichsam auf einer Ebene hatten, dann werden im späten Beethoven und in einigen Werken der romantischen Schule Bilder verschiedener Welten verglichen. Ganz im Sinne von Beethovens gigantischen Kontrasten prallen Romantiker auf Irdisches und Jenseitiges, Realität und Traum, vergeistigter Glaube und erotische Leidenschaft. Erinnern wir uns an Liszts Sonate in h-Moll, Chopins Fantasie in f-Moll, Wagners „Tannhäuser“ und viele andere Werke der musikalisch-romantischen Schule.
Schließlich zeichnen sich Beethoven und die Romantiker durch einen Wunsch nach detailgenauem Ausdruck aus – ein Wunsch, der auch für die Literatur des 19. Jahrhunderts sehr charakteristisch ist, nicht nur für die Romantik, sondern auch für einen klar realistischen Plan. Dieser Trend wird durch musikalische Spezifität in Form einer vielgliedrigen, verdichteten und oft vielschichtigen (polymelodischen) Textur, einer äußerst differenzierten Orchestrierung gebrochen. Typisch ist auch die massive Klangfülle der Musik von Beethoven und der Romantik. Darin unterscheidet sich ihre Kunst nicht nur vom kammertransparenten Klang klassizistischer Werke des 18. Jahrhunderts. Ebenso widersetzt sie sich einigen Schulen unseres Jahrhunderts, die, als Reaktion auf die Ästhetik der Romantik entstanden, die „dick“ aufgeladene Klangfülle des Orchesters oder Klaviers des 19. Impressionismus oder Neoklassizismus).
Sie können auch auf einige besondere Ähnlichkeiten in den Gestaltungsprinzipien Beethovens und romantischer Komponisten hinweisen. Und doch sind Differenzmomente zwischen Beethoven und den Romantikern im Lichte unserer heutigen künstlerischen Wahrnehmung so grundlegend wichtig, dass vor diesem Hintergrund die Gemeinsamkeiten zwischen ihnen in den Hintergrund zu treten scheinen.
Heute ist uns klar, dass die Einschätzung Beethovens durch westliche Romantiker einseitig, in gewissem Sinne sogar tendenziös war. Sie "hörten" nur die Aspekte von Beethovens Musik, die mit ihren eigenen künstlerischen Ideen "in Einklang standen".
Bezeichnenderweise erkannten sie Beethovens spätere Quartette nicht. Diese Arbeiten, die weit über die künstlerischen Vorstellungen der Romantik hinausgingen, schienen ihnen ein Mißverständnis, ein Produkt der Phantasie eines alten Mannes, der den Verstand verloren hatte. Sie schätzten auch seine Werke der frühen Zeit nicht. Als Berlioz mit einem Federstrich die ganze Bedeutung von Haydns Werk als Kunst der angeblich höfisch angewandten Kunst durchstrich, brachte er in extremer Form eine für viele Musiker seiner Generation charakteristische Tendenz zum Ausdruck. Die Romantiker gaben der unwiderruflich Vergangenen leicht den Klassizismus des 18. Jahrhunderts und damit das Werk des frühen Beethoven, das sie nur als eine dem eigentlichen Werk des großen Komponisten vorausgehende Stufe zu betrachten neigten.
Aber auch in der Annäherung der Romantiker an Beethovens Werk der "reifen" Zeit zeigt sich Einseitigkeit. So haben sie zum Beispiel die programmatische „Pastoral-Symphonie“ auf ein Podest gehoben, die sich aus heutiger Sicht keineswegs über Beethovens andere Werke der symphonischen Gattung erhebt. In der Fünften Symphonie, die sie mit ihrer emotionalen Wut und ihrem feuerspuckenden Temperament fesselte, schätzten sie ihre einzigartige formale Konstruktion nicht, die die wichtigste Seite der künstlerischen Gesamtgestaltung bildet.
Diese Beispiele spiegeln keine besonderen Unterschiede zwischen Beethoven und den Romantikern wider, sondern eine tiefe allgemeine Diskrepanz zwischen ihren ästhetischen Prinzipien.
Der grundlegendste Unterschied zwischen ihnen liegt in der Einstellung.
Wie auch immer die Romantiker ihre Arbeit selbst verstanden haben, sie alle drückten darin auf die eine oder andere Weise den Widerspruch zur Realität aus. Das Bild eines einsamen Menschen, verloren in einer fremden und feindlichen Welt, eine Flucht aus der düsteren Realität in eine Welt unerreichbar schöner Träume, ein heftiger Protest am Rande nervöser Erregung, geistige Schwankungen zwischen Exaltation und Melancholie, Mystik und höllischer Anfang - es war diese dem Werk Beethovens fremde Bildsphäre, die in der Musikkunst zuerst von der Romantik entdeckt und von ihr mit hoher künstlerischer Perfektion entwickelt wurde. Beethovens heroisch optimistische Weltanschauung, seine Gelassenheit, der erhabene Gedankenflug, der nie in die Philosophie der anderen Welt übergeht – all das wurde von Komponisten, die sich für Beethovens Erben halten, nicht wahrgenommen. Auch bei Schubert, der sich viel mehr als die Romantiker der nächsten Generation Schlichtheit, Bodenständigkeit, Volkskunstverbundenheit bewahrte – auch bei ihm als Gipfel – sind klassische Werke vor allem mit einer Stimmung von Einsamkeit und Traurigkeit verbunden . Mit „Marguerite am Spinnrad“, „Der Wanderer“, dem Zyklus „Winterstraße“, der „Unvollendeten Symphonie“ und vielen anderen Werken schuf er als Erster das für Romantiker typisch gewordene Bild der seelischen Einsamkeit. Berlioz, der sich als Nachfolger der heroischen Traditionen Beethovens sieht, hat in seinen Sinfonien dennoch Bilder tiefer Unzufriedenheit mit der realen Welt, Sehnsucht nach dem Unerreichbaren, Byrons „Weltleiden“, festgehalten. Bezeichnend in diesem Sinne ist der Vergleich von Beethovens „Pastoral Symphony“ mit Berlioz‘ „Scene in the Fields“ (aus „Phantastisch“). Beethovens Werk ist von einer Stimmung leichter Harmonie durchdrungen, durchdrungen von einem Gefühl der Verschmelzung von Mensch und Natur - Berlioz' Werk hat einen Schatten von düsterer individualistischer Reflexion. Und selbst der harmonischste und ausgeglichenste aller Komponisten der Nach-Beethoven-Ära, Mendelssohn, kommt nicht an den Optimismus und die geistige Kraft Beethovens heran. Die Welt, mit der Mendelssohn völlig im Einklang steht, ist ein enges, „gemütliches“ bürgerliches Kleinod, das weder Gefühlsstürme noch helle Gedankeneinsichten kennt.
Vergleichen wir zum Schluss Beethovens Helden mit typischen Helden in der Musik des 19. Jahrhunderts. Anstelle von Egmont und Leonora – heroische, aktive Persönlichkeiten, die ein hohes moralisches Prinzip tragen, treffen wir auf ruhelose, unzufriedene Charaktere, die zwischen Gut und Böse schwanken. Max aus Webers Magic Shooter, Schumanns Manfred, Wagners Tannhäuser und viele andere werden so wahrgenommen. Wenn Florestan in Schumann etwas moralisch Integrales ist, dann drückt erstens dieses Bild selbst - brodelnd, hektisch, protestierend - die Idee extremer Unnachgiebigkeit gegenüber der Außenwelt aus, die Quintessenz der Stimmung der Zwietracht. Zweitens verkörpert er im Aggregat über Eusebius, der aus der Realität in die Welt eines nicht existierenden schönen Traums entführt wird, eine typische gespaltene Persönlichkeit eines romantischen Künstlers. In zwei genialen Trauermärschen – Beethovens „Heldensymphonie“ und Wagners „Götterdämmerung“ – spiegelt sich die Essenz der Differenz im Weltbild Beethovens und romantischer Komponisten wie in einem Wassertropfen wider. Für Beethoven war der Trauerzug eine Episode des Kampfes, der im Sieg des Volkes und im Triumph der Wahrheit gipfelte; bei Wagner symbolisiert der Tod eines Helden den Tod der Götter und die Niederlage der heroischen Idee.
Dieser tiefe Unterschied in der Haltung wurde in einer spezifischen musikalischen Form gebrochen, die eine klare Linie zwischen dem künstlerischen Stil Beethovens und der Romantik bildete.
Sie manifestiert sich vor allem in der figurativen Sphäre.
Die Erweiterung der Grenzen musikalischer Ausdruckskraft durch die Romantiker hing zu einem großen Teil mit der von ihnen entdeckten Sphäre der fabelhaft-phantastischen Bilder zusammen. Für sie ist dies keine untergeordnete, keine zufällige Sphäre, sondern die spezifischste und originellste- genau das, was das 19. Jahrhundert in einer breiten historischen Perspektive vor allem von allen früheren Musikepochen unterscheidet. Wahrscheinlich verkörperte das Land der schönen Fiktion den Wunsch des Künstlers, der langweiligen Alltagsrealität in die Welt eines unerreichbaren Traums zu entkommen. Unbestritten ist auch, dass sich in der Musikkunst das nationale Selbstbewusstsein, das in der Epoche der Romantik (als Folge der nationalen Befreiungskriege zu Beginn des Jahrhunderts) prunkvoll aufblühte, in einem gesteigerten Interesse an nationaler Folklore, durchzogen von märchenhaften Motiven.
Fest steht: Ein neues Wort in der Opernkunst des 19. Jahrhunderts wurde erst gesprochen, als Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann und nach ihnen – und auf besonders hohem Niveau – Wagner mit den historischen mythologischen und komödiantischen Handlungssträngen grundlegend brachen sind untrennbar mit der Musiktheaterklassik verbunden und haben die Welt der Oper mit fantastischen und legendären Motiven bereichert. Die neue Sprache der romantischen Sinfonie entsteht auch in Werken, die untrennbar mit dem Märchenprogramm verbunden sind – in den „oberonischen“ Ouvertüren von Weber und Mendelssohn. Die Ausdruckskraft des romantischen Pianismus entspringt zu einem großen Teil der figurativen Sphäre von Schumanns „Phantastischen Stücken“ oder „Kreisleriana“, in der Atmosphäre der Balladen von Mickiewicz – Chopin etc. etc. Die enorme Bereicherung des Farbigen – harmonischen und Klangfarbe - Palette, die eine der wichtigsten Eroberungen der Weltkunst des 19. Jahrhunderts ist, die allgemeine Stärkung des sinnlichen Reizes von Klängen, die die Musik des Klassizismus so direkt von der Musik der Nach-Beethoven-Ära trennt - all dies hängt vor allem mit dem fabelhaft-phantastischen Bilderkreis zusammen, der erst in den Werken des 19. Jahrhunderts konsequent entwickelt wurde. Von hier stammt zu einem großen Teil jene allgemeine Atmosphäre der Poesie, jene Verherrlichung der sinnlichen Schönheit der Welt, ohne die romantische Musik undenkbar ist.
Beethoven hingegen war der phantastischen Sphäre der Bilder zutiefst fremd. An poetischer Kraft steht seine Kunst freilich der Romantik in nichts nach. Die hohe Spiritualität von Beethovens Denken, seine Fähigkeit, verschiedene Aspekte des Lebens zu poetisieren, ist jedoch keineswegs mit magischen, fabelhaften, legendären, jenseitigen mystischen Bildern verbunden. Sie sind nur vereinzelt angedeutet, zudem nehmen sie stets einen episodischen, keineswegs zentralen Platz im Gesamtkonzept der Werke ein, etwa im Presto der Siebten Symphonie oder im Finale der Vierten. Letzteres (wie wir oben geschrieben haben) erschien Tschaikowsky als ein fantastisches Bild aus der Welt der magischen Geister. Diese Interpretation wurde zweifellos von der Erfahrung eines halben Jahrhunderts musikalischer Entwicklung nach Beethoven inspiriert; Tschaikowsky projizierte gewissermaßen die Musikpsychologie des späten 19. Jahrhunderts in die Vergangenheit. Aber selbst wenn man heute eine solche "Lektüre" von Beethovens Text akzeptiert, kann man nicht übersehen, wie viel in Sachen Farbe Beethovens Finale ist weniger hell und vollständig als die fantastischen Stücke der Romantiker, die ihm an Talent und Inspirationsstärke insgesamt deutlich unterlegen waren.
Gerade dieses Kriterium des Kolorismus unterstreicht besonders deutlich die unterschiedlichen Wege der innovativen Suche der Romantiker und Beethovens. Auch in den Werken des Spätstils, die auf den ersten Blick sehr weit vom klassizistischen Lager entfernt sind, ist Beethovens harmonische und instrumental-klangfarbene Sprache immer viel einfacher, klarer als die der Romantiker, drückt in stärkerem Maße das logische und organisierende Prinzip aus der musikalischen Ausdruckskraft. Wenn er von den Gesetzen der klassischen Funktionsharmonie abweicht, führt diese Abweichung eher zu antiken, vorklassischen Tonarten und polyphonen Strukturen als zu den komplizierten Funktionsbeziehungen der romantischen Harmonik und ihrer freien Mehrmelodie. Er strebt nie nach jenem autarken Glanz, der Dichte, dem Luxus harmonischer Klänge, die die wichtigste Seite der romantischen Musiksprache bilden. Der koloristische Ansatz bei Beethoven, besonders in den späteren Klaviersonaten, ist zu einem sehr hohen Niveau entwickelt. Und doch erreicht es nie einen dominanten Wert, unterdrückt nie das allgemeine Klangkonzept. Und der eigentliche Aufbau eines Musikwerkes verliert nie seine Deutlichkeit, Erleichterung. Um die gegensätzlichen ästhetischen Ansprüche Beethovens und der Romantiker zu demonstrieren, vergleichen wir noch einmal Beethoven und Wagner, den Komponisten, der die typischen Tendenzen romantischer Ausdrucksmittel zu einem Höhepunkt führte. Wagner, der sich als Erbe und Nachfolger Beethovens verstand, kam seinem Ideal in vielerlei Hinsicht tatsächlich näher. Seine äußerst detaillierte musikalische Sprache, reich an äußeren Klangfarben und Farbnuancen, würzig in ihrem sinnlichen Charme, erzeugt jedoch jene Wirkung von „Monotonie des Luxus“ (Rimsky-Korsakov), in der der Sinn für Form und innere Dynamik der Musik verloren geht . Für Beethoven war ein solches Phänomen grundsätzlich unmöglich.
Die enorme Distanz zwischen dem musikalischen Denken Beethovens und der Romantik wird ebenso deutlich in ihrer Haltung gegenüber der Miniaturgattung.
Im Rahmen der Kammerminiatur erreichte die Romantik für diese Kunstgattung bisher ungeahnte künstlerische Höhen. Der neue lyrische Stil des 19. Jahrhunderts, der direkte emotionale Ergüsse, intime Stimmungen des Augenblicks und Verträumtheit ausdrückt, wurde in idealer Weise in einem Lied und einem einsätzigen Klavierstück verkörpert. Hier zeigte sich die Innovation der Romantik besonders überzeugend, frei und kühn. Schuberts und Schumanns Romanzen, Schuberts „Musikalische Momente“ und „Impromptu“, Mendelssohns „Lieder ohne Worte“, Chopins Nocturnes und Mazurkas, Liszts einsätzige Klavierstücke, Schumanns und Chopins Miniaturenzyklen – sie alle charakterisieren auf brillante Weise das Neue, Romantische in Musik denken und die Individualität ihrer Schöpfer hervorragend widerspiegeln. Kreativität im Einklang mit den Traditionen der Sonaten-Symphonie-Klassik war romantischen Komponisten viel schwerer zugänglich und erreichte selten die künstlerische Überzeugungskraft und Vollständigkeit des Stils, die ihre einsätzigen Stücke auszeichnet. Darüber hinaus dringen die für die Miniatur typischen Gestaltungsprinzipien konsequent in die symphonischen Zyklen der Romantik ein und verändern ihr traditionelles Erscheinungsbild radikal. So nahm zum Beispiel Schuberts „Unvollendete Symphonie“ die Muster des Liebesromans auf; es ist kein Zufall, dass es „unvollendet“, also zweiteilig, blieb. „Fantastic“ Berlioz wird als gigantisch überwucherter Zyklus lyrischer Miniaturen wahrgenommen. Heine, der Berlioz „eine adlergroße Lerche“ nannte, erfasste feinfühlig den seiner Musik innewohnenden Widerspruch zwischen den äußeren Formen monumentaler Sonaten und der Mentalität des Komponisten hin zur Miniatur. Schumann verliert, wenn er sich der zyklischen Sinfonie zuwendet, weitgehend die Individualität des romantischen Künstlers, die sich in seinen Klavierstücken und Romanzen so deutlich manifestiert. Die symphonische Dichtung, die nicht nur das kreative Bild von Liszt selbst, sondern auch die allgemeine künstlerische Struktur der Mitte des 19. Jahrhunderts widerspiegelt, mit all dem deutlich zum Ausdruck gebrachten Wunsch, die für Beethoven charakteristische verallgemeinerte symphonische Denkstruktur zu bewahren, stößt in erster Linie ab ein Teil Konstruktionen der Romantik, von den für sie charakteristischen bunten und variantenfreien Formgebungsmethoden etc., etc.
Bei Beethoven gibt es eine diametral entgegengesetzte Tendenz. Natürlich ist die Vielfältigkeit, Diversität, Reichhaltigkeit von Beethovens Suchen so groß, dass es nicht schwierig ist, Miniaturwerke in seinem Nachlass zu finden. Und doch ist nicht zu übersehen, dass Kompositionen dieser Art bei Beethoven eine untergeordnete Stellung einnehmen und in der Regel im künstlerischen Wert den großangelegten Sonatengattungen nachstehen. Weder die Bagatellen, noch die „Deutschen Tänze“, noch die Lieder können einen Eindruck von der künstlerischen Individualität des Komponisten vermitteln, der sich im Bereich der monumentalen Form glanzvoll manifestierte. Beethovens Zyklus „An eine ferne Geliebte“ wird zu Recht als Prototyp zukünftiger romantischer Zyklen bezeichnet. Aber wie weit ist diese Musik an Inspiration, thematischer Leuchtkraft, melodischem Reichtum nicht nur den Schubert- und Schumann-Zyklen, sondern auch den Sonatenwerken Beethovens selbst unterlegen! Welch wunderbarer Wohlklang einige seiner Instrumentalthemen besitzen, besonders in Werken des späten Stils. Erinnern wir uns zum Beispiel an Andante aus dem langsamen Satz der Neunten Symphonie, Adagio aus dem Zehnten Quartett, Largo aus der Siebten Sonate, Adagio aus der Neunundzwanzigsten Sonate und unendlich viele andere. In Beethovens Gesangsminiaturen findet man fast nie einen solchen Reichtum an melodischer Inspiration. Gleichzeitig ist es charakteristisch, dass im Rahmen des Instrumentalzyklus, wie Element der Struktur des Sonatenzyklus und seiner Dramaturgie schuf Beethoven oft fertige Miniaturen, die in ihrer unmittelbaren Schönheit und Ausdruckskraft herausragten. Beispiele für solche Miniaturkompositionen, die die Rolle einer Episode in einem Zyklus spielen, sind unter den Scherzos und Menuetten von Beethovens Sonaten, Sinfonien und Quartetten endlos.
Und noch mehr in der Spätzeit des Schaffens (man versucht ihn nämlich der romantischen Kunst näher zu bringen) tendiert Beethoven zu grandiosen, monumentalen Leinwänden. Zwar schuf er in dieser Zeit „Bagateli“ op. 126, die mit ihrer Poesie und Originalität alle anderen Werke Beethovens in Form einer einstimmigen Miniatur überragen. Aber es ist nicht zu übersehen, dass diese Miniaturen für Beethoven ein einzigartiges Phänomen sind, das in seinem späteren Schaffen keine Fortsetzung fand. Im Gegenteil, alle Werke des letzten Jahrzehnts in Beethovens Leben – von den Klaviersonaten (Nr. 28, 29, 30, 31, 32) bis zur Feierlichen Messe, von der Neunten Symphonie bis zu den letzten Quartetten – mit höchster künstlerischer Kraft bekräftigen seine monumentale und majestätische Denkweise. , seine Neigung zu grandiosen, "kosmischen" Maßstäben, die eine erhaben abstrakte figurative Sphäre ausdrücken.
Ein Vergleich der Rolle der Miniatur in Beethovens Werk und der Romantik macht besonders deutlich, wie fremd (oder verfehlt) letztere der Sphäre des abstrakten philosophischen Denkens war, die für Beethoven insgesamt und im Besonderen sehr charakteristisch war für die Werke der späteren Zeit.
Erinnern wir uns daran, wie beständig Beethovens Hinneigung zur Polyphonie während seiner gesamten Karriere war. In der späteren Schaffensperiode wird ihm die Polyphonie zur wichtigsten Denkform, zu einem charakteristischen Stilmerkmal. In voller Übereinstimmung mit der philosophischen Denkrichtung wird Beethovens starkes Interesse der letzten Periode am Quartett wahrgenommen – einer Gattung, die sich gerade in seinem eigenen Werk als Exponent eines vertieften geistigen Beginns entwickelt hat.
Inspiriert und von lyrischem Gefühl berauscht, werden Episoden des späten Beethoven, in denen spätere Generationen nicht ohne Grund den Prototyp romantischer Lyrik sahen, in der Regel durch sachliche, meist abstrakt-polyphone Partien ausgeglichen. Lassen Sie uns zumindest die Beziehung zwischen dem Adagio und dem polyphonen Finale in der neunundzwanzigsten Sonate, der letzten Fuge und dem gesamten vorangehenden Material in der einunddreißigsten Sonate angeben. Freie Kantilenenmelodien langsamer Stimmen, die oft wirklich die lyrische Melodik romantischer Themen widerspiegeln, erscheinen im späten Beethoven, umgeben von abstraktem, rein abstraktem Material. Asketisch streng, oft linear in der Struktur, frei von Gesang und melodischen Motiven, verschieben diese Themen, oft in polyphoner Brechung, den künstlerischen Schwerpunkt des Werks von langsamen melodischen Teilen. Und das verletzt schon das romantische Image aller Musik. Auch die letzten Variationen der letzten Klaviersonate, geschrieben in „Arietta“, die oberflächlich sehr an eine Miniatur der Romantik erinnert, führen sehr weit weg von der intimen lyrischen Sphäre, in Kontakt mit der Ewigkeit, mit dem majestätischen Kosmos Welt.
In der Musik der Romantiker erweist sich jedoch der Bereich des abstrakten Philosophischen als dem emotionalen, lyrischen Element untergeordnet. Entsprechend sind die Ausdrucksmöglichkeiten der Polyphonie der harmonischen Farbigkeit deutlich unterlegen. Kontrapunktische Episoden sind in den Werken der Romantik generell selten, und wenn sie vorkommen, haben sie ein völlig anderes Erscheinungsbild als die traditionelle Polyphonie mit ihrer charakteristischen spirituellen Struktur. So sind im „Hexensabbat“ aus Berlioz‘ „Fantastischer Sinfonie“, in der Liszt-Sonate in h-Moll Fugentechniken Träger eines mephistophelischen, ominös sarkastischen Bildes und keineswegs jenes erhabenen kontemplativen Gedankens, der die Polyphonie charakterisiert des späten Beethoven und, nebenbei bemerkt, Bach oder Palestrina.
Es ist kein Zufall, dass keiner der Romantiker die von Beethoven in seinem Quartettbrief entwickelte künstlerische Linie fortsetzte. Berlioz, Liszt, Wagner war in dieser kammermusikalischen Gattung selbst mit ihrer äußeren Zurückhaltung, dem völligen Fehlen einer „rednerischen Pose“ und Abwechslung und der monotonen Klangfarbenfärbung „kontraindiziert“. Aber auch jene Komponisten, die im Rahmen des Quartettklangs schöne Musik geschaffen haben, sind nicht den Beethovenschen Weg gegangen. In den Quartetten von Schubert, Schumann, Mendelssohn dominiert die emotionale und sinnlich-bunte Wahrnehmung der Welt über das konzentrierte Denken. In ihrer ganzen Erscheinung sind sie der Symphonik und der Klaviersonate näher als Beethovens Quartettsatz, der sich durch eine „nackte“ Denklogik und reine Spiritualität auf Kosten der Dramatik und der unmittelbaren Zugänglichkeit der Thematik auszeichnet.
Es gibt noch ein weiteres wichtiges Stilmerkmal, das die Struktur von Beethovens Denken klar von der romantischen trennt, nämlich das „Lokalkolorit“, das zuerst von den Romantikern entdeckt wurde und eine der markantesten Eroberungen der Musik des 19. Jahrhunderts darstellt.
Dieses Stilmerkmal war dem musikalischen Schaffen der Epoche des Klassizismus unbekannt. Natürlich haben Elemente der Folklore schon immer einen weiten Einzug in das Schaffen des Berufskomponisten in Europa gehalten. Vor der Ära der Romantik wurden sie jedoch in der Regel in universelle Ausdrucksmethoden aufgelöst und gehorchten den Gesetzen der gemeinsamen europäischen Musiksprache. Auch dort, wo in der Oper bestimmte Bühnenbilder mit außereuropäischer Kultur und charakteristischem Lokalkolorit assoziiert wurden (z. B. „Janitscharen“-Bilder in komischen Opern des 18. Jahrhunderts oder die sogenannten „indischen“ von Rameau), die Musiksprache selbst sprengte den Rahmen eines einheitlichen europäischen Stils nicht. Und erst ab dem zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts begann die altbäuerliche Folklore konsequent in die Werke romantischer Komponisten einzudringen, und zwar in einer Form, die ihre national-ursprünglichen Züge gezielt hervorhob und hervorhob.
So verbindet sich die strahlende künstlerische Originalität von Webers „Magic Shooter“ mit den charakteristischen Intonationen deutscher und tschechischer Folklore ebenso wie mit dem märchenhaft-fantastischen Bilderkreis. Der grundlegende Unterschied zwischen Rossinis italienischen klassizistischen Opern und seinem „Wilhelm Tell“ liegt darin, dass das musikalische Gefüge dieser wahrhaft romantischen Oper vom Flair der Tiroler Folklore durchdrungen ist. In Schuberts Romanzen wurde das deutsche Alltagslied zum ersten Mal von den Schichten des ausländischen italienischen Opern-„Lacks“ „abgeräumt“ und glitzerte mit frischen melodischen Wendungen, die den alltagsklingenden multinationalen Liedern Wiens entlehnt waren; selbst Haydns symphonische Melodien entgingen dieser Originalität lokaler Färbung. Was wäre Chopin ohne polnische Volksmusik, Liszt ohne ungarische Verbunkos, Smetana und Dvořák ohne tschechische Folklore, Grieg ohne norwegische? Wir lassen sogar jetzt die russische Musikschule außer Acht, eine der bedeutendsten in der Musik des 19. Jahrhunderts, die untrennbar mit ihren nationalen Besonderheiten verbunden ist. Folkloreverbindungen färbten die Werke in eine einzigartige nationale Farbe und behaupteten eines der charakteristischsten Merkmale des romantischen Stils in der Musik.
Beethoven steht in dieser Hinsicht auf der anderen Seite der Grenze. Wie bei seinen Vorgängern erscheint das Folk-Prinzip in seiner Musik fast immer als zutiefst vermittelt und transformiert. Manchmal gibt Beethoven in einzelnen, buchstäblich isolierten Fällen selbst an, dass seine Musik „im deutschen Geist“ (alla tedesca) ist. Aber es ist kaum zu übersehen, dass diese Arbeiten (bzw. einzelne Teile der Arbeiten) von jeder deutlich wahrnehmbaren Lokalkolorierung frei sind. Folklorethemen sind so in das allgemeine musikalische Gefüge eingewoben, dass ihre nationalen und ursprünglichen Merkmale der Sprache der professionellen Musik untergeordnet werden. Auch in den sogenannten "Russischen Quartetten", in denen echte Volksthemen verwendet werden, entwickelt Beethoven das Material so, dass die nationale Spezifik der Folklore allmählich verdunkelt wird und mit den üblichen "Sprechweisen" der europäischen Sonaten verschmilzt. instrumentaler Stil.
Wenn die modale Originalität der Thematisierung die gesamte Struktur der Musik dieser Quartettstimmen beeinflusst hat, dann sind diese Einflüsse in jedem Fall tief überarbeitet und für das Ohr nicht direkt wahrnehmbar, wie dies bei Komponisten romantischer oder nationaldemokratischer Schulen der Fall ist des 19. Jahrhunderts. Und es geht keineswegs darum, dass Beethoven die Originalität russischer Themen nicht spüren konnte. Im Gegenteil, seine Arrangements englischer, irischer und schottischer Lieder zeugen von der erstaunlichen Sensibilität des Komponisten für volkstümliches Modaldenken. Aber im Rahmen seines künstlerischen Stils, der untrennbar mit dem instrumentalen Sonatendenken verbunden ist, interessiert die Lokalkolorierung Beethoven nicht, berührt sein künstlerisches Bewusstsein nicht. Und damit offenbart sich eine weitere grundlegend wichtige Facette, die sein Werk von der Musik des „romantischen Zeitalters“ unterscheidet.
Schließlich manifestiert sich die Divergenz zwischen Beethoven und den Romantikern auch in Bezug auf das künstlerische Prinzip, das der Überlieferung nach seit den Anschauungen der Mitte des 19. Jahrhunderts als wichtigste Gemeinsamkeit zwischen ihnen gilt. Wir sprechen über Programmierung, das ist der Eckpfeiler der romantischen Ästhetik in der Musik.
Komponisten der Romantik nannten Beethoven hartnäckig den Schöpfer der Programmmusik und sahen ihn als ihren Vorgänger. Tatsächlich hat Beethoven zwei bekannte Werke, deren Inhalt der Komponist selbst mit Hilfe des Wortes spezifiziert hat. Diese Werke – die Sechste und Neunte Symphonie – wurden von den Romantikern als Verkörperung ihrer eigenen künstlerischen Methode wahrgenommen, als Banner der neuen Programmmusik des „romantischen Zeitalters“. Wenn wir dieses Problem jedoch mit unvoreingenommenen Augen betrachten, dann ist es nicht schwer zu erkennen, dass sich Beethovens Programmierung grundlegend von der Programmierung der romantischen Schule unterscheidet. Und vor allem, weil das für Beethoven private und untypische Phänomen in der Musik des romantischen Stils zu einem durchgängigen, wesentlichen Prinzip geworden ist.
Die Romantiker des 19. Jahrhunderts brauchten Programmierung als einen Faktor, der fruchtbar zur Entwicklung ihres neuen Stils beitragen würde. Tatsächlich bilden Ouvertüren, Sinfonien, symphonische Dichtungen, Zyklen von Klavierstücken – allesamt programmatischer Natur – den allgemein anerkannten Beitrag der Romantiker zur Instrumentalmusik. Neu und charakteristisch romantisch ist hier allerdings weniger die Anziehungskraft auf außermusikalische Assoziationen, Beispiele davon durchziehen die gesamte Geschichte des europäischen Musikschaffens, Wie viele literarisch die Natur dieser Assoziationen. Alle romantischen Komponisten tendierten dazu zeitgenössische Literatur, denn die spezifischen Bilder und die allgemeine emotionale Struktur der neuesten Lyrik, des Märchenepos, des psychologischen Romans halfen ihnen, sich vom Druck veralteter klassizistischer Traditionen zu befreien und nach eigenen neuen Ausdrucksformen zu „tasten“. Erinnern wir uns zum Beispiel daran, welche fundamental wichtige Rolle für Berlioz' Phantastische Symphonie die Bilder von De Quinceys Roman - Mussets "Tagebuch eines Opiumrauchers", die Szenen der "Walpurgisnacht" - aus Goethes "Faust" spielten. Hugos Geschichte "Der letzte Tag der Verurteilten" und andere. Schumanns Musik wurde direkt von den Werken Jean Pauls und Hoffmanns inspiriert, Schuberts Romanzen wurden von der Lyrik von Goethe, Schiller, Müller, Heine usw. inspiriert. Der von der Romantik „wiederentdeckte“ Einfluss Shakespeares auf die neue Musik des 19. Jahrhunderts Jahrhundert ist kaum zu überschätzen. Es ist in der gesamten Nach-Beethoven-Ära zu spüren, beginnend mit Webers Oberon, Mendelssohns Ein Sommernachtstraum, Berlioz' Romeo und Julia und endend mit Tschaikowskys berühmter Ouvertüre zum gleichen Thema. Lamartine, Hugo und Liszt; die nordischen Sagen romantischer Dichter und Wagners Der Ring des Nibelungen; Byron und „Harold in Italy“ von Berlioz, „Manfred“ von Schumann; Schreiber und Meyerbeer; Apel und Weber usw. usw. - jede bedeutende Künstlerpersönlichkeit der Nach-Beethoven-Generation fand ihr neues Bildsystem unter dem direkten Einfluss der jüngsten oder offenen Moderne der Literatur. „Erneuerung der Musik durch die Verbindung mit der Poesie“ – so formulierte Liszt diese wichtigste Strömung der Romantik in der Musik.
Beethoven ist im Großen und Ganzen der Programmierung fremd. Mit Ausnahme der Sechsten und Neunten Symphonie sind alle anderen Instrumentalwerke Beethovens (mehr als 150) die klassische Spitze der Musik im sogenannten "absoluten" Stil, wie die Quartette und Symphonien des reifen Haydn und Mozart. Ihre Intonationsstruktur und die Prinzipien der Sonatenbildung verallgemeinern anderthalb Jahrhunderte Erfahrung in der bisherigen Entwicklung der Musik. Daher ist die Wirkung seiner Themen- und Sonatenentwicklung unmittelbar, öffentlich verfügbar und bedarf keiner außermusikalischen Assoziationen, um das Bild vollständig zu enthüllen. Wenn Beethoven sich dem Programmieren zuwendet, stellt sich heraus, dass es völlig anders ist als das der Komponisten der romantischen Schule.
So ist die Neunte Symphonie, die den poetischen Text von Schillers Ode „An die Freude“ verwendet, keineswegs eine Programmsymphonie im eigentlichen Sinne. Dies ist ein Werk von einzigartiger Form, das zwei unabhängige Genres vereint. Die erste ist ein großer sinfonischer Zyklus (ohne Finale), der sich in allen thematischen und gestalterischen Details an den für Beethoven typischen "absoluten" Stil anschließt. Die zweite ist eine Chorkantate nach Schillers Text, die den gigantischen Höhepunkt des ganzen Werkes bildet. Sie erscheint nur Nachdem wie sich die instrumentale Sonatenentwicklung erschöpft hat. Romantische Komponisten, denen Beethovens Neunte als Vorbild diente, gingen diesen Weg überhaupt nicht. Ihre Vokalmusik mit dem Wort ist in der Regel über die gesamte Leinwand des Werks verteilt und spielt die Rolle eines konkretisierenden Programms. So ist beispielsweise Berlioz' Romeo und Julia aufgebaut, eine Art Hybrid aus Orchestermusik und Theater. Und in Mendelssohns „Laudatory“- und „Reformation“-Symphonien und später in Mahlers Zweiter, Dritter und Vierter fehlt der Vokalmusik mit einem Wort jene Gattungsunabhängigkeit, die Beethovens Ode an Schillers Text auszeichnet.
Die „Pastorale Symphonie“ steht in äußeren Programmformen den sonatensymphonischen Werken der Romantik näher. Und obwohl Beethoven selbst in der Partitur darauf hinweist, dass diese „Landlebenserinnerungen“ „eher Stimmungsausdruck als Klangmalerei“ seien, werden hier doch die konkreten Handlungsassoziationen sehr deutlich. Sie sind zwar weniger malerisch als Opernbühnencharakter. Aber gerade in der tiefen Verbundenheit mit dem Musiktheater manifestiert sich die ganze einzigartige Spezifität des programmatischen Charakters der Sechsten Symphonie.
Anders als die Romantiker orientiert sich Beethoven hier nicht an einem völlig neuen künstlerischen Denksystem für Musik, das sich jedoch in der neuesten Literatur manifestieren konnte. Er setzt in der „Pastoralen Sinfonie“ auf ein solches Figurensystem, das (wie wir oben gezeigt haben) längst in das Bewusstsein von Musikern und Musikliebhabern eingeführt wurde.
Infolgedessen basieren die musikalischen Ausdrucksformen in der Pastoralsymphonie bei aller Originalität zu einem großen Teil auf gut etablierten Intonationskomplexen; neue rein beethovensche thematische Formationen, die vor ihrem Hintergrund entstehen, verdunkeln sie nicht. Es entsteht ein gewisser Eindruck, dass Beethoven in der Sechsten Symphonie bewusst die Bilder und Ausdrucksformen des Musiktheaters der Aufklärung durch das Prisma seines neuen symphonischen Stils bricht.
Beethoven erschöpfte mit diesem einmaligen Orus sein Interesse an Instrumentalprogrammierung selbst. In den nächsten zwanzig (!) Jahren - und etwa zehn davon fallen in die Spätstilperiode - schuf er kein einziges Werk mit konkretisierenden Überschriften und klaren Extras. musikalische Assoziationen nach Art der "Pastoralen Sinfonie" *.
* 1809-1810, also in der Zeit zwischen der Appassionata und der ersten der späten Sonaten, die von der Suche nach neuen Wegen auf dem Gebiet der Klaviermusik geprägt war, schrieb Beethoven die mit Programmüberschriften versehene 26. Sonate („Les Adieux“, „L „Absence“ , „La Retour“) Diese Titel haben sehr wenig Einfluss auf die Struktur der Musik als Ganzes, auf ihre Thematik und Entwicklung und zwingen dazu, sich an die Art des Programms zu erinnern, das es war in der deutschen Instrumentalmusik vor der Herausbildung des klassizistischen Sonaten-Sinfonik-Stils, insbesondere in den frühen Quartetten und Sinfonien von Haydn.
Dies sind die wichtigsten, grundlegenden Momente der Divergenz zwischen Beethoven und den Komponisten der romantischen Schule. Aber als zusätzlichen Blickwinkel auf das hier gestellte Problem sei darauf hingewiesen, dass die Komponisten des späten 19. taub".
So nimmt die Berufung des späten Beethoven auf die alten Tonarten (op. 132, Feierliche Messe) eine Überwindung des klassischen Dur-Moll-Tonsystems, das für die Musik unserer Zeit überhaupt so typisch ist, vorweg. Die den polyphonen Werken der Spätjahre Beethovens innewohnende Tendenz, ein Bild nicht durch die intonatorische Vollständigkeit und unmittelbare Schönheit der thematischen Kunst selbst, sondern durch die komplexe mehrstufige Entwicklung des Ganzen auf der Grundlage "abstrakter" Themen zu schaffen, hat sich, angefangen bei Reger, auch in vielen Komponistenschulen unseres Jahrhunderts manifestiert. Die Neigung zu einer linearen Textur, zu einer polyphonen Entwicklung spiegelt moderne neoklassische Ausdrucksformen wider. Beethovens Quartettstil, der bei westlichen Komponisten der Romantik keine Fortsetzung fand, ist in unseren Tagen in den Werken von Bartok, Hindemith, Schostakowitsch auf eigentümliche Weise wiederbelebt worden. Und schließlich, nach einem halben Jahrhundert zwischen Beethovens Neunter und den Symphonien von Brahms und Tschaikowsky, „erwachte der monumentale philosophische Symphonismus wieder zum Leben“, was für Komponisten des mittleren und dritten Viertels des letzten Jahrhunderts ein unerreichbares Ideal war. Im Werk der herausragenden Meister des 20. Jahrhunderts, in den symphonischen Werken von Mahler und Schostakowitsch, Strawinsky und Prokofjew, Rachmaninoff und Honegger lebt ein majestätischer Geist, ein verallgemeinerter Gedanke, groß angelegte Konzepte, die für Beethovens Kunst charakteristisch sind.
In hundert oder einhundertfünfzig Jahren wird der zukünftige Kritiker in der Lage sein, die ganze Facettenvielfalt von Beethovens Werk umfassender zu erfassen und sein Verhältnis zu verschiedenen künstlerischen Strömungen nachfolgender Epochen zu bewerten. Aber auch heute noch ist uns klar: Beethovens Einfluss auf die Musik beschränkt sich nicht auf Verbindungen zur romantischen Schule. So wie Shakespeare, von den Romantikern entdeckt, weit über die Grenzen des „romantischen Zeitalters“ hinausschritt und bis heute große kreative Entdeckungen in Literatur und Theater inspirierte und befruchtete, hört Beethoven, einst von romantischen Komponisten in den Schutzschild erhoben, unaufhörlich auf Erstaunen Sie jede neue Generation von seinem Einklang mit den fortschrittlichen Ideen und Suchen der Moderne.
Die Wiener Klassik ist als große Reformer in die Weltmusikgeschichte eingegangen, ihr Werk ist nicht nur einzigartig, sondern auch wertvoll, weil es die Weiterentwicklung des Musiktheaters, der Genres, Stilrichtungen und Strömungen bestimmt hat. Ihre Kompositionen legten den Grundstein für das, was heute als klassische Musik gilt.
Allgemeine Merkmale der Epoche
Diese Autoren verbindet die Tatsache, dass sie an der Wende zweier großer kultureller und historischer Epochen gearbeitet haben: Klassizismus und Romantik. Die Wiener Klassik lebte in einer Zeit des Umbruchs, in der nicht nur in der Musik, sondern auch in der Belletristik, Malerei und Architektur aktiv nach neuen Formen gesucht wurde. All dies bestimmte weitgehend die Richtung ihrer Aktivitäten und die Probleme der Schriften. Das 18. – die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts war geprägt von schweren politischen Umwälzungen, Kriegen, die die Landkarte Europas buchstäblich auf den Kopf stellten und einen starken Einfluss auf die Köpfe der modernen Intelligenz und der gebildeten Gesellschaft hatten. Die Wiener Klassiker waren da keine Ausnahme. Es ist zum Beispiel eine bekannte Tatsache, dass die napoleonischen Kriege das Werk Beethovens stark beeinflussten, der in seiner berühmten 9. Symphonie ("Choral") die Idee der universellen Einheit und des Friedens vertrat. Es war eine Art Reaktion auf all die Katastrophen, die den europäischen Kontinent zum Zeitpunkt, den wir hier betrachten, erschüttert haben.
Kulturleben
Die Wiener Klassik lebte in einer Zeit, in der der Barock in den Hintergrund trat und eine neue Richtung eine führende Rolle zu spielen begann. Es strebte nach Harmonie der Formen, nach Einheit der Komposition und gab daher die großartigen Formen der früheren Epoche auf. Der Klassizismus begann das kulturelle Bild vieler europäischer Staaten zu bestimmen. Aber gleichzeitig gab es schon damals die Tendenz, die starren Formen dieses Trends zu überwinden und starke Werke mit dramatischen und sogar tragischen Elementen zu schaffen. Dies waren die ersten Anzeichen für das Aufkommen der Romantik, die die kulturelle Entwicklung des gesamten 19. Jahrhunderts bestimmte.
Opernreform
Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle in der Entwicklung aller Musikgattungen des Berichtszeitraums. Jeder von ihnen spezialisierte sich sozusagen auf einen Stil oder eine Musikform, aber alle ihre Errungenschaften wurden in den goldenen Fundus der Weltmusik aufgenommen. Gluck (Komponist) war der größte und einer der berühmtesten Komponisten seiner Zeit. Seine Rolle in der Entwicklung des Theaters kann man kaum überschätzen, schließlich war er es, der der Gattung Oper die vollendete Form gab, in der wir sie heute kennen. Das Verdienst von Christopher Gluck besteht darin, dass er als Erster vom Verständnis der Oper als Werk zur Demonstration stimmlicher Fähigkeiten abgerückt ist, sondern das musikalische Prinzip der Dramaturgie untergeordnet hat.
Bedeutung
Gluck ist der Komponist, der die Oper zu einer echten Aufführung gemacht hat. In seinen Werken sowie in den Werken seiner Anhänger begann der Gesang weitgehend vom Wort abzuhängen. Die Handlung und Komposition und vor allem das Drama begannen, die Entwicklung der musikalischen Linie zu bestimmen. Damit war die Oper kein ausschließlich unterhaltsames Genre mehr, sondern ein ernstzunehmendes musikalisches Schaffen mit komplexer Dramaturgie, psychologisch interessanten Charakteren und fesselnder Komposition.
Werke des Komponisten
Die Wiener Klassik bildete die Grundlage des gesamten Weltmusiktheaters. Dafür gebührt Gluck viel Verdienst. Seine Oper Orpheus und Eurydike war ein Durchbruch in diesem Genre. Darin konzentrierte sich der Autor nicht auf die Virtuosität der Aufführung, sondern auf die Dramatik der Charaktere, dank derer das Werk einen solchen Klang erhielt und immer noch aufgeführt wird. Eine andere Oper – „Alceste“ – war ebenfalls ein neues Wort in der Weltmusik. Der österreichische Komponist betonte erneut die Entwicklung der Handlung, wodurch das Werk eine starke psychologische Färbung erhielt. Das Werk wird bis heute auf den besten Bühnen der Welt aufgeführt, was darauf hindeutet, dass die von Gluck durchgeführte Reform der Gattung Oper von grundlegender Bedeutung für die Entwicklung des Musiktheaters insgesamt war und die Weiterentwicklung der Oper in dieser Richtung bestimmt hat.
Die nächste Entwicklungsstufe
Auch der österreichische Komponist Haydn gehört zu der berühmten Schar von Autoren, die maßgeblich zur Reformation musikalischer Gattungen beigetragen haben. Er ist vor allem als Schöpfer von Symphonien und Quartetten bekannt. Dank ihnen erlangte der Maestro nicht nur in mitteleuropäischen Ländern, sondern auch im Ausland große Popularität. Am bekanntesten sind seine Werke, die unter dem Namen „Twelve London Symphonies“ ins Weltrepertoire aufgenommen wurden. Sie zeichnen sich durch eine Aufbruchsstimmung und Heiterkeit aus, die jedoch fast alle Werke dieses Komponisten prägen.
Merkmale der Kreativität
Ein charakteristisches Merkmal der Werke von Joseph Haydn war ihre Verbindung zur Folklore. In den Werken des Komponisten sind sehr oft Lied- und Tanzmotive zu hören, die sein Werk so erkennbar machten. Dies spiegelte die Haltung des Autors wider, der Mozart in vielerlei Hinsicht nachahmte und ihn für den besten Komponisten der Welt hielt. Von ihm entlehnte er fröhliche Lichtmelodien, die sein Werk ungewöhnlich ausdrucksstark und klangvoll machten.
Weitere Werke des Autors
Haydns Opern sind nicht so populär wie seine Quartette und Symphonien. Dennoch nimmt diese Musikgattung einen herausragenden Platz im Schaffen des österreichischen Komponisten ein, weshalb einige seiner Werke dieser Art erwähnt werden sollten, zumal sie eine bedeutende Etappe in seiner Schaffensbiografie darstellen. Eine seiner Opern heißt The Apothecary und wurde für die Eröffnung eines neuen Theaters geschrieben. Auch für die Theaterneubauten schuf Haydn noch einige Werke dieser Art. Er schrieb hauptsächlich im Stil der italienischen Buffa-Oper und kombinierte manchmal komische und dramatische Elemente.
Die berühmtesten Schriften
Haydns Quartette werden zu Recht als die Perle der Weltklassik bezeichnet. Sie vereinten die Hauptprinzipien des Komponisten: Eleganz der Form, Virtuosität der Aufführung, optimistischer Klang, thematische Vielfalt und eine originelle Art der Aufführung. Einer der bekannten Zyklen heißt „Russisch“, da er Zarewitsch Pawel Petrowitsch, dem späteren russischen Kaiser Paul I., gewidmet ist. Eine weitere Gruppe von Quartetten ist für den preußischen König bestimmt. Diese Kompositionen wurden auf eine neue Weise geschrieben, da sie sich durch ihre außergewöhnliche Klangflexibilität und den Reichtum kontrastierender musikalischer Schattierungen auszeichneten. Mit dieser Art von Musikgenre erlangte der Name des Komponisten weltweite Bedeutung. An dieser Stelle sei auch angemerkt, dass der Autor in seinen Kompositionen oft auf die sogenannten „Überraschungen“ zurückgriff und unerwartete musikalische Passagen an jenen Stellen einführte, wo das Publikum es am wenigsten erwartete. Zu solch ungewöhnlichen Kompositionen gehört Haydns Kindersymphonie.
Allgemeine Merkmale von Mozarts Werk
Dies ist einer der berühmtesten Musikautoren, der sich unter Klassik-Fans noch immer außerordentlicher Beliebtheit erfreut und auf der ganzen Welt geliebt wird. Der Erfolg seiner Schriften beruht darauf, dass sie sich durch logische Harmonie und Vollständigkeit auszeichnen. In dieser Hinsicht ordnen viele Forscher sein Werk der Ära des Klassizismus zu. Andere glauben jedoch, dass der Wiener Komponist zu einem Vorboten der Romantik wurde: Schließlich gab es in seinen Werken bereits eine klare Tendenz zur Darstellung starker, außergewöhnlicher Bilder sowie eine tiefgreifende psychologische Beschäftigung mit Charakteren (wir sprechen von Oper in dieser Fall). Wie dem auch sei, die Werke des Maestros zeichnen sich durch ihre Tiefe bei gleichzeitig außergewöhnlicher Leichtigkeit, Dramatik und Optimismus aus. Sie sind leicht und für jedermann zugänglich, aber gleichzeitig sehr ernst und philosophisch in Inhalt und Klang. Genau das ist das Phänomen seines Erfolges.
Opern des Komponisten
Die Wiener Klassik spielte eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Operngattung. Darin gebührt Mozart ein großes Verdienst. Aufführungen zu seiner Musik sind immer noch sehr beliebt und werden nicht nur von echten Musikliebhabern, sondern auch vom Massenpublikum geliebt. Vielleicht ist dies der einzige Komponist, dessen Musik irgendwie allen bekannt ist, auch wenn sie nur die entfernteste Ahnung von seinem Werk haben.
Die vielleicht berühmteste Oper ist Le nozze di Figaro. Das ist wohl das heiterste und zugleich ungewöhnlich witzigste Werk des Autors. Humor klingt in fast jeder Party, was ihm eine solche Popularität verschaffte. Die berühmte Arie des Protagonisten wurde schon am nächsten Tag zu einem echten Hit. Mozarts Musik - hell, verspielt, verspielt, aber gleichzeitig ungewöhnlich weise in ihrer Einfachheit - gewann sofort universelle Liebe und Anerkennung.
Eine weitere berühmte Oper des Autors ist Don Juan. In Bezug auf die Popularität steht es dem vorgenannten vielleicht nicht nach: Inszenierungen dieser Aufführung sind in unserer Zeit zu sehen. Es ist bezeichnend, dass der Komponist die recht komplexe Geschichte dieses Mannes in einer sehr einfachen und zugleich ernsten Form darstellt und damit einmal mehr sein tiefes Verständnis für das Leben unter Beweis stellt. Dabei gelang es dem Genie, sowohl dramatische als auch optimistische Komponenten zu zeigen, die in all seinen Werken untrennbar miteinander verbunden sind.
In unserer Zeit ist die Oper Die Zauberflöte nicht weniger berühmt. Mozarts Musik erreichte ihren Höhepunkt in ihrer Ausdruckskraft. In dieser Komposition ist es leicht, luftig, heiter und zugleich ungewohnt ernst, sodass man sich nur wundern kann, wie es dem Autor gelungen ist, ein ganzes philosophisches System in so einfachen, harmonischen Klängen zu transportieren. Auch andere Opern des Komponisten sind bekannt, zum Beispiel kann man derzeit regelmäßig "Die Barmherzigkeit des Titus" hören, sowohl im Theater als auch im Konzert. Somit nahm das Operngenre einen der Hauptplätze im Schaffen des genialen Komponisten ein.
Ausgewählte Werke
Der Komponist arbeitete in verschiedene Richtungen und schuf eine Vielzahl musikalischer Werke. Mozart, dessen „Nachtständchen“ beispielsweise längst über Konzertaufführungen hinausgegangen ist und große Popularität erlangt hat, schrieb in einer sehr einfachen und zugänglichen Sprache. Vielleicht wird er deshalb oft als das Genie der Harmonie bezeichnet. Auch in den tragischen Werken gab es ein Hoffnungsmotiv. In „Requiem“ drückte er seine Gedanken über ein besseres zukünftiges Leben aus, sodass das Werk trotz des tragischen Tons der Musik ein Gefühl erleuchteter Ruhe hinterlässt.
Auch Mozarts Konzert zeichnet sich durch harmonische Harmonik und logische Vollständigkeit aus. Alle Teile unterliegen einem einzigen Thema und sind durch ein gemeinsames Motiv verbunden, das den Ton für das gesamte Werk angibt. Daher hört man seine Musik in einem Atemzug. In dieser Art von Genre wurden die Hauptprinzipien der Arbeit des Komponisten verkörpert: eine harmonische Kombination von Klängen und Stimmen, ein leichter und gleichzeitig virtuoser Klang des Orchesters. Niemand sonst konnte sein musikalisches Werk so harmonisch aufbauen wie Mozart. Die „Night Serenade“ des Komponisten ist eine Art Standard für die harmonische Kombination unterschiedlich klingender Parts. Fröhliche und laute Passagen werden sehr rhythmisch durch kaum hörbare virtuose Parts ersetzt.
Separat sollte es über die Massen des Autors gesagt werden. Sie nehmen in seinem Werk einen herausragenden Platz ein und sind wie andere Werke von einem Gefühl heller Hoffnung und erleuchteter Freude durchdrungen. Erwähnenswert ist auch das berühmte "Türkische Rondo", das über Konzertaufführungen hinausgegangen ist, so dass es oft sogar in Fernsehwerbung zu hören ist. Aber das größte Harmoniegefühl besitzt vielleicht Mozarts Konzert, in dem das Prinzip der logischen Vollständigkeit seinen höchsten Grad erreicht hat.
Kurz über das Werk Beethovens
Dieser Komponist gehört ganz der Epoche der Dominanz der Romantik an. Steht Johann Amadeus Mozart gleichsam an der Schwelle zur Klassik und zu einer Neuorientierung, so hat Ludwig van Beethoven in seinen Werken ganz darauf umgestellt, starke Leidenschaften, starke Gefühle und herausragende Persönlichkeiten darzustellen. Er wurde zum vielleicht prominentesten Vertreter der Romantik. Es ist bezeichnend, dass er mit Bezug auf dramatische, tragische Themen nur eine Oper geschrieben hat. Das Hauptgenre für ihn blieben Symphonien und Sonaten. Ihm wird zugeschrieben, diese Werke reformiert zu haben, so wie Gluck zu seiner Zeit die Opernaufführung verändert hat.
Auffallend an der Arbeit des Komponisten war, dass das Hauptthema seiner Werke das Bild des mächtigen, titanischen Willens des Individuums war, der Schwierigkeiten und alle Hindernisse mit einer enormen Willensanstrengung überwindet. Auch L. V. Beethoven widmete in seinen Kompositionen dem Thema Kampf und Konfrontation sowie dem Motiv der universellen Einheit viel Raum.
Einige biografische Fakten
Er stammte aus einer Musikerfamilie. Sein Vater wollte, dass der Junge ein berühmter Komponist wird, also arbeitete er mit ihm und griff auf ziemlich harte Methoden zurück. Vielleicht wuchs das Kind deshalb von Natur aus düster und hart auf, was sich später auf seine Arbeit auswirkte. Beethoven arbeitete und lebte in Wien, wo er bei Haydn studierte, aber diese Studien enttäuschten sowohl den Schüler als auch den Lehrer sehr schnell. Letzterer machte darauf aufmerksam, dass der junge Autor von eher düsteren Motiven dominiert wurde, was damals nicht akzeptiert wurde.
Beethovens Biographie erzählt auch kurz von der Zeit seiner Leidenschaft für den Befreiungskampf. Die napoleonischen Kriege nahm er zunächst begeistert hin, verwarf aber später, als Bonaparte sich selbst zum Kaiser ausrief, die Idee, ihm zu Ehren eine Symphonie zu schreiben. 1796 begann Ludwig sein Gehör zu verlieren. Dies unterbrach jedoch seine kreative Tätigkeit nicht. Bereits völlig taub schrieb er seine berühmte 9. Sinfonie, die zu einem wahren Meisterwerk des weltweiten Musikrepertoires wurde. (es ist unmöglich, darüber kurz zu sprechen) enthält auch Informationen über die Freundschaft des Maestros mit prominenten Persönlichkeiten seiner Zeit. Trotz seines zurückhaltenden und schroffen Charakters war der Komponist mit Weber, Goethe und anderen Persönlichkeiten der Klassik befreundet.
Die berühmtesten Werke
Es wurde bereits oben gesagt, dass ein charakteristisches Merkmal von L. V. Beethovens Werk der Wunsch war, starke, emotionale Charaktere, den Kampf der Leidenschaften und die Überwindung von Schwierigkeiten darzustellen. Unter den Werken dieser Gattung sticht besonders die „Appassionata“ hervor, die in Bezug auf die Intensität der Gefühle und Emotionen vielleicht eine der stärksten ist. Als der Komponist nach der Idee seiner Entstehung gefragt wurde, verwies er auf Shakespeares Schauspiel „Der Sturm“, das seiner Meinung nach als Inspirationsquelle diente. Der Autor zog eine Parallele zwischen den Motiven titanischer Impulse im Werk des Dramatikers und seiner eigenen musikalischen Interpretation dieses Themas.
Eines der beliebtesten Werke des Autors ist die Mondscheinsonate, die im Gegenteil von einem Gefühl der Harmonie und des Friedens durchdrungen ist, als ob sie der dramatischen Melodie seiner Symphonien gegenübersteht. Es ist bezeichnend, dass der Name dieses Werks von den Zeitgenossen des Komponisten gegeben wurde, vielleicht weil die Musik in einer ruhigen Nacht an Meeresüberschwemmungen erinnerte. Es waren diese Assoziationen, die beim Hören dieser Sonate bei den meisten Zuhörern aufkamen. Nicht weniger und vielleicht sogar noch beliebter ist die berühmte Komposition „To Elise“, die der Komponist der Frau des russischen Kaisers Alexander I., Elizabeth Alekseevna (Louise), gewidmet hat. Diese Komposition besticht durch eine erstaunliche Kombination aus leichten Motiven und ernsten dramatischen Passagen in der Mitte. Einen besonderen Platz im Schaffen des Maestro nimmt seine einzige Oper „Fidelio“ (aus dem Italienischen übersetzt „Treue“) ein. Dieses Werk ist wie viele andere vom Pathos der Freiheitsliebe und dem Aufruf zur Freiheit durchdrungen. "Fidelio" verlässt die Bühnen der Gastgeber noch immer nicht, obwohl die Oper, wie es fast immer geschieht, nicht sofort Anerkennung fand.
Neunte Symphonie
Dieses Werk ist vielleicht das berühmteste unter den anderen Werken des Komponisten. Es wurde drei Jahre vor seinem Tod im Jahr 1824 geschrieben. Die Neunte Symphonie schließt die langjährige Suche des Komponisten nach der Schaffung eines perfekten symphonischen Werkes ab. Sie unterscheidet sich von allen vorangegangenen dadurch, dass sie erstens eine Chorstimme (auf die berühmte „Ode an die Freude“ von F. Schiller) einführte und zweitens darin vom Komponisten die Struktur der symphonischen Gattung reformiert wurde. Das Hauptthema wird nach und nach durch jeden Teil der Arbeit offenbart. Der Beginn der Symphonie ist eher düster, schwer, aber auch dann klingt ein fernes Motiv der Versöhnung und Aufklärung, das im Verlauf der musikalischen Komposition anwächst. Schließlich, ganz im Finale, erklingt ein ziemlich kraftvoller Chorgesang, der alle Völker der Welt aufruft, sich zu vereinen. Damit betonte der Komponist die Grundidee seines Werkes noch mehr. Er wollte seinen Gedanken so klar wie möglich zum Ausdruck bringen, deshalb beschränkte er sich nicht nur auf die Musik, sondern führte auch das Auftreten von Sängern ein. Die Symphonie war ein voller Erfolg: Bei der Uraufführung spendete das Publikum dem Komponisten Standing Ovations. Es ist bezeichnend, dass L. V. Beethoven es komponierte, da er bereits ein völlig gehörloser Mensch war.
Bedeutung der Wiener Schule
Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven wurden die Begründer der klassischen Musik und hatten einen großen Einfluss auf die gesamte nachfolgende Musikgeschichte nicht nur Europas, sondern auch der Welt. Die Bedeutung dieser Komponisten und ihr Beitrag zur Reformation des Musiktheaters kann kaum überschätzt werden. Sie arbeiteten in einer Vielzahl von Genres und schufen das Rückgrat und die Form von Werken, auf deren Grundlage ihre Anhänger neue Werke komponierten. Viele ihrer Kreationen gehen längst über Konzertauftritte hinaus und sind in Filmen und im Fernsehen weithin zu hören. "Türkisches Rondo", "Mondscheinsonate" und viele andere Werke dieser Autoren sind nicht nur Musikliebhabern bekannt, sondern auch denen, die mit klassischer Musik nicht vertraut sind. Viele Forscher bezeichnen die Wiener Etappe in der Entwicklung der Klassik zu Recht als die prägende der Musikgeschichte, da in dieser Zeit die wesentlichen Grundlagen für das Schaffen und Komponieren von Opern, Sinfonien, Sonaten und Quartetten gelegt wurden.
L. W. Beethoven - Deutscher Komponist, Vertreter der Wiener Klassik (geboren in Bonn, verbrachte aber den größten Teil seines Lebens in Wien - seit 1792).
Beethovens musikalisches Denken ist eine komplexe Synthese:
Ø Schaffensleistungen der Wiener Klassik (Gluck, Haydn, Mozart);
Ø die Kunst der Französischen Revolution;
Ø Neuerscheinungen in den 20er Jahren. 19. Jahrhundert künstlerische Leitung - Romantik.
Beethovens Kompositionen tragen die Prägung der Ideologie, Ästhetik und Kunst der Aufklärung. Dies erklärt weitgehend das logische Denken des Komponisten, die Klarheit der Formen, die Bedachtheit der gesamten künstlerischen Konzeption und einzelner Details der Werke.
Bemerkenswert ist auch, dass Beethoven sich in den Gattungen am umfassendsten zeigte Sonaten und Sinfonien(Genres charakteristisch für die Klassiker) . Beethoven war der erste, der die sog. "Konflikt-Symphonie" basierend auf der Opposition und dem Aufeinanderprallen hell kontrastierender musikalischer Bilder. Je dramatischer der Konflikt, desto komplexer der Entwicklungsprozess, der für Beethoven zur Hauptantriebskraft wird.
Ideen und Kunst der Französischen Revolution prägten viele Werke Beethovens. Von Cherubinis Opern führt ein direkter Weg zu Beethovens Fidelio.
In den Werken des Komponisten fanden ansprechende Intonationen und ziselierte Rhythmen, weite melodische Atemzüge und kraftvolle Instrumentierung der Hymnen von Liedern, Märschen und Opern dieser Epoche ihren Niederschlag. Sie veränderten Beethovens Stil. Deshalb unterschied sich die Tonsprache des Komponisten, obwohl mit der Kunst der Wiener Klassik verbunden, zugleich von ihr grundlegend. In den Werken von Beethoven sind im Gegensatz zu Haydn und Mozart selten exquisite Verzierungen, glatte rhythmische Muster, Kammern, transparente Texturen, Ausgewogenheit und Symmetrie musikalischer Themen zu finden.
Als Komponist einer neuen Ära findet Beethoven andere Intonationen, um seine Gedanken auszudrücken – dynamisch, unruhig, scharf. Der Klang seiner Musik wird viel gesättigter, dichter und dramatisch kontrastreicher. Seine musikalischen Themen erreichen eine bisher beispiellose Prägnanz, strenge Einfachheit.
Zuhörer, die mit dem Klassizismus des 18. Jahrhunderts aufgewachsen waren, waren fassungslos und wurden oft missverstanden emotionale Stärke Beethovens Musik, die sich entweder in stürmischer Dramatik oder in grandioser epischer Tragweite oder in eindringlichen Texten manifestiert. Aber gerade diese Qualitäten von Beethovens Kunst faszinierten romantische Musiker. Und obwohl Beethovens Verbindung zur Romantik unbestreitbar ist, stimmt seine Kunst in ihren Grundzügen nicht mit ihm überein. Es passt nicht ganz in den Rahmen des Klassizismus. Denn Beethoven ist wie kaum ein anderer einzigartig, individuell und facettenreich.
Beethovens Themen:
Ø Beethovens Fokus ist das Leben eines Helden, das in einem unaufhörlichen Kampf um eine universell schöne Zukunft fließt. Der heroische Gedanke zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Schaffen Beethovens. Beethovens Held ist untrennbar mit dem Volk verbunden. Er sieht den Sinn seines Lebens darin, der Menschheit zu dienen, ihr die Freiheit zu erringen. Aber der Weg zum Ziel führt durch Dornen, Kampf, Leiden. Oft stirbt ein Held, aber sein Tod wird von einem Sieg gekrönt, der der befreiten Menschheit Glück bringt. Beethovens Anziehungskraft auf heroische Bilder und die Idee des Kampfes beruht einerseits auf dem Lager seiner Persönlichkeit, dem schwierigen Schicksal, dem Kampf damit, der ständigen Überwindung von Schwierigkeiten; andererseits der Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution auf das Weltbild des Komponisten.
Ø Gefunden die reichste Reflexion in der Arbeit von Beethoven und Thema Natur(Symphonie 6 „Pastorale“, Sonate Nr. 15 „Pastorale“, Sonate Nr. 21 „Aurora“, Sinfonie Nr. 4, viele langsame Stimmen aus Sonaten, Symphonien, Quartetten). Passive Kontemplation ist Beethoven fremd: Die Ruhe und Stille der Natur helfen, die spannenden Themen tiefer zu erfassen, Gedanken und innere Kraft für den Kampf des Lebens zu sammeln.
Ø Tief dringt Beethoven und in Reich der menschlichen Gefühle. Aber Beethoven enthüllt die Welt des inneren, emotionalen Lebens eines Menschen und zeichnet alle denselben Helden, der in der Lage ist, die Spontaneität der Gefühle den Anforderungen der Vernunft unterzuordnen.
Die Hauptmerkmale der Musiksprache:
Ø Melodie . Das Grundprinzip seiner Melodie liegt in Trompetensignalen und Fanfaren, in beschwörenden oratorischen Ausrufen und Marschwendungen. Bewegung entlang der Klänge des Dreiklangs wird oft verwendet (G.P. "Heroic Symphony"; Thema des Finales der 5. Symphonie, G.P. I Teil 9 der Symphonie). Beethovens Zäsuren sind Satzzeichen in der Rede. Beethovens Fermaten sind Pausen nach pathetischen Fragen. Beethovens musikalische Themen bestehen oft aus gegensätzlichen Elementen. Die kontrastierende Themenstruktur findet sich auch bei Beethovens Vorgängern (insbesondere Mozart), aber bei Beethoven wird sie bereits zum Muster. Der Kontrast innerhalb des Themas entwickelt sich zu einem Konflikt zwischen G.P. und P. P. in Sonatenform, dynamisiert alle Abschnitte des Sonaten-Allegros.
Ø Metrorhythmus. Beethovens Rhythmen sind aus derselben Quelle geboren. Rhythmus trägt eine Ladung von Männlichkeit, Wille, Aktivität.
§ Marschierende Rhythmen extrem häufig
§ Tanzrhythmen(in den Bildern des Volksspaßes - das Finale der 7. Symphonie, das Finale der Aurora-Sonate, wenn nach langem Leiden und Kampf ein Moment des Triumphs und der Freude kommt.
Ø Harmonie. Mit der Einfachheit der Akkordvertikale (Akkorde der Hauptfunktionen, lakonische Verwendung von Nicht-Akkord-Klängen) - eine kontrastdramatische Interpretation der harmonischen Sequenz (Verbindung mit dem Prinzip der Konfliktdramaturgie). Scharfe, kühne Modulationen in entfernten Tonarten (im Gegensatz zu den plastischen Modulationen von Mozart). In seinen späteren Werken nimmt Beethoven die Merkmale romantischer Harmonik vorweg: polyphonisiertes Gewebe, eine Fülle von nicht übereinstimmenden Klängen, exquisite harmonische Sequenzen.
Ø Musikalische Formen Beethovens Werke sind grandiose Konstruktionen. „Das ist der Shakespeare der Massen“, schrieb V. Stasov über Beethoven. "Mozart war nur für Einzelne verantwortlich ... Beethoven hingegen dachte an die Geschichte und die ganze Menschheit." Beethoven ist der Schöpfer der Form kostenlose Variationen(Finale der Klaviersonate Nr. 30, Variationen über ein Thema von Diabelli, 3. und 4. Satz der 9. Symphonie). Ihm wird die Einführung der Variationsform in die große Form zugeschrieben.
Ø Musikgenres. Beethoven entwickelte die meisten der bestehenden musikalischen Genres. Grundlage seiner Arbeit ist die Instrumentalmusik.
Liste von Beethovens Kompositionen:
Orchestermusik:
Sinfonien - 9;
Ouvertüren: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 Fassungen zur Oper "Fidelio";
Konzerte: 5 Klavier, 1 Violine, 1 Tripel - für Violine, Cello und Klavier.
Klaviermusik:
32 Sonaten;
22 Variationszyklen (davon 32 C-Moll-Variationen);
Bagatellen (einschließlich "To Elise").
Kammermusik:
Sonaten für Violine und Klavier (ua „Kreutzer“ Nr. 9); Cello und Klavier;
16 Streichquartette.
Vokalmusik:
Oper „Fidelio“;
Lieder inkl. der Zyklus „To a Distant Beloved“, Bearbeitungen von Volksliedern: schottisch, irisch, etc.;
2 Messen: C-dur und feierliche Messe;
Oratorium „Christus am Ölberg“
