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Komödie, Satire und Tragödie als Genres Achtundachtzig Professoren - Vaterland, du bist verloren! Ein satirisches Volkslied über das deutsche Frankfurter Parlament im Jahr 1849. In kleinen Genres ist die Komödie die erste, die nach einer Übersetzung in eine dramatische Form verlangt, denn wenn

Genres, Genres, Genres, Subgenres ... Schauen Sie in jede Internetbibliothek, normalerweise gibt es die gleiche Reihe von Romanen, die in Gruppen unterteilt sind: Prosa-Action, Thriller, Detektivgeschichten (manchmal auf einem Haufen, manchmal in getrennten Gruppen), Horror, Erotik, Melodram, Wissenschaftlich

Einteilung in Genres Wie Sie wissen, gibt es neben Wörtern wie "Prosa", "Poesie", "Fantasie" und anderen auch scheinbar verständliche wie "Komödie", "Tragödie", "Drama". Warum? Ist das nicht von vornherein klar? Schon aus der Schule, diese

Kommerzielle und nicht-kommerzielle Gattungen in der modernen Literatur Wenn Sie kein Graphomane, sondern Schriftsteller sind und "ganz selbst nichts" schreiben, ist es noch lange nicht so, dass Ihre Arbeit für den Verlag von Interesse sein wird. Es kann mehrere Gründe geben: ? Erstens Poesie, Drama, Tagebücher, Notizen,

ADAGIO- 1) langsames Tempo; 2) der Titel eines Stückes oder Teils einer zyklischen Komposition im Adagio-Tempo; 3) langsamer Solo- oder Duetttanz im klassischen Ballett.
BEGLEITUNG- Musikalische Begleitung für einen Solisten, Ensemble, Orchester oder Chor.
AKKORD- eine Kombination aus mehreren (mindestens 3) Klängen unterschiedlicher Höhe, die als Klangeinheit wahrgenommen werden; Töne in einem Akkord sind in Terzen angeordnet.
AKZENT- stärkere, perkussive Extraktion eines Sounds im Vergleich zu anderen.
ALLEGRO- 1) das Tempo, das einem sehr schnellen Schritt entspricht; 2) den Titel eines Stückes oder Teils eines Sonatenzyklus im Allegro-Tempo.
ALLEGRETTO- 1) Tempo, langsamer als Allegro, aber schneller als Moderato; 2) der Titel des Stückes oder eines Teils des Stückes im Tempo des Allegrettos.
ÄNDERUNG- Anheben und Absenken der Stufe der Bundskala, ohne ihren Namen zu ändern. Änderungszeichen - scharf, flach, doppelt-scharf, doppelt-flach; das Zeichen seiner Aufhebung ist der Bekar.
ANDANTE- 1) gemäßigtes Tempo, das einem ruhigen Schritt entspricht; 2) Werktitel und Teil des Sonatenzyklus im Andante-Tempo.
ANDANTINO- 1) Tempo, lebhafter als Andante; 2) den Titel eines Stückes oder Teils eines Sonatenzyklus im Andantino-Tempo.
ENSEMBLE- eine Gruppe von Künstlern, die als ein einziges künstlerisches Kollektiv agieren.
ANORDNUNG- Bearbeitung eines Musikstücks für die Aufführung auf einem anderen Instrument oder eine andere Komposition von Instrumenten, Stimmen.
ARPEGGIO- Klänge sequentiell ausführen, normalerweise beginnend mit dem tiefsten Ton.
BASS- 1) die tiefste männliche Stimme; 2) Musikinstrumente der tiefen Lage (Tuba, Kontrabass); 3) der untere Klang des Akkords.
BELCANTO- ein im 17. Jahrhundert in Italien entstandener Gesangsstil, der sich durch die Schönheit und Leichtigkeit des Klangs, die Perfektion der Kantilene und die Virtuosität der Koloraturen auszeichnet.
VARIANTEN- ein Musikstück, in dem das Thema mehrmals mit Veränderungen in Textur, Tonalität, Melodie usw.
VIRTUOSE- ein Interpret, der die Stimme oder die Kunst, ein Musikinstrument zu spielen, fließend beherrscht.
VOCALISE- ein Musikstück zum Singen ohne Worte in einem Vokalklang; normalerweise eine Übung zur Entwicklung der Stimmtechnik. Vokalisationen für Konzertaufführungen sind bekannt.
VOKAL MUSIK - Werke für eine, mehrere oder mehrere Stimmen (mit oder ohne Instrumentalbegleitung), mit wenigen Ausnahmen verbunden mit einem poetischen Text.
HÖHE SOUND - die Klangqualität, die von einer Person subjektiv bestimmt wird und hauptsächlich mit ihrer Frequenz verbunden ist.
GAMMA- die Abfolge aller Klänge des Bunds, die vom Hauptton in auf- oder absteigender Reihenfolge angeordnet sind, hat eine Oktavstärke, kann in benachbarte Oktaven fortgesetzt werden.
HARMONIE- Ausdrucksmittel der Musik, basierend auf der Vereinigung von Tönen in Konsonanz, auf der Verbindung von Konsonanzen in ihrer sequentiellen Bewegung. Es ist nach den Harmoniegesetzen der polyphonen Musik aufgebaut. Die Elemente der Harmonie sind Kadenz und Modulation. Die Harmonielehre ist einer der Hauptzweige der Musiktheorie.
STIMME- eine Reihe von Klängen unterschiedlicher Höhe, Stärke und Klangfarbe, die durch Schwingungen der elastischen Stimmbänder entstehen.
PALETTE- Lautstärke (das Intervall zwischen den tiefsten und höchsten Tönen) einer Singstimme, eines Musikinstruments.
DYNAMIK- Unterschiede im Grad der Schallleistung, Lautstärke und deren Veränderungen.
DURCHFÜHREN- Leitung einer musikalischen Darbietungsgruppe während des Lernens und der öffentlichen Aufführung einer Musikkomposition. Es wird vom Dirigenten (Dirigent, Chorleiter) mit Hilfe spezieller Gestik und Mimik vorgetragen.
VERDREIFACHEN- 1) die Form des mittelalterlichen zweistimmigen Gesangs; 2) eine hohe Kinder- (Knaben-)Stimme sowie die von ihm gespielte Stimme in einem Chor oder Vokalensemble.
DISSONANZ- wenig schmeichelhaftes, intensives gleichzeitiges Erklingen verschiedener Töne.
DAUER- die Zeit, die der Ton oder die Pause benötigt.
DOMINANT- eine der tonalen Funktionen in Dur und Moll, mit einer starken Anziehungskraft auf die Tonika.
SPIRITUOSEN INSTRUMENTE - eine Gruppe von Instrumenten, deren Schallquelle die Schwingungen der Luftsäule in der Bohrung (Rohr) sind.
GENRE- eine historisch begründete Unterteilung, die Werkart in der Einheit von Form und Inhalt. Sie unterscheiden sich in der Art der Aufführung (Gesang, vokal-instrumental, solistisch), Zweck (angewandt etc.), Inhalt (lyrisch, episch, dramatisch), Ort und Bedingungen der Aufführung (Theater-, Konzert-, Kammer-, Filmmusik etc.) .).
Lied- der einleitende Teil eines Chorliedes oder Epos.
KLANG- gekennzeichnet durch eine bestimmte Tonhöhe und Lautstärke.
NACHAHMUNG- in polyphonen Musikwerken eine exakte oder modifizierte Wiederholung einer zuvor in einer anderen Stimme erklingenden Melodie in einer beliebigen Stimme.
IMPROVISATION- Komponieren von Musik während der Aufführung, ohne Vorbereitung.
INSTRUMENTAL MUSIK - bestimmt für die Aufführung auf Instrumenten: Solo, Ensemble, Orchester.
INSTRUMENTIERUNG- Präsentation von Musik in Form einer Partitur für ein Kammerensemble oder Orchester.
INTERVALL- das Verhältnis von zwei Tönen in der Tonhöhe. Es kann melodisch (Klänge werden abwechselnd aufgenommen) und harmonisch (Klänge werden gleichzeitig aufgenommen) sein.
EINLEITUNG- 1) eine kurze Einführung in den ersten Teil oder das Finale eines zyklischen Instrumentalstücks; 2) die Art einer kurzen Ouvertüre zu einer Oper oder einem Ballett, einer Einführung in einen separaten Akt der Oper; 3) ein Chor oder ein Vokalensemble, das der Ouvertüre folgt und die Handlung der Oper eröffnet.
KADENZ- 1) harmonischer oder melodischer Wechsel, der die musikalische Struktur vervollständigt und ihr mehr oder weniger Vollständigkeit verleiht; 2) eine virtuose Solo-Episode in einem Instrumentalkonzert.
KAMMER MUSIK - Instrumental- oder Vokalmusik für eine kleine Besetzung.
GABEL- ein spezielles Gerät, das einen Ton einer bestimmten Frequenz abgibt. Dieser Klang dient als Referenz zum Stimmen von Musikinstrumenten und zum Singen.
CLAVIR- 1) der allgemeine Name der Saitentasteninstrumente im 17.-18. Jahrhundert; 2) Abkürzung des Wortes claviraustsug - eine Bearbeitung der Partitur einer Oper, eines Oratoriums usw. zum Singen mit einem Klavier sowie für ein Klavier.
KOLORATUR- schnelle, technisch schwierige, virtuose Gesangspassagen.
KOMPOSITION- 1) die Konstruktion des Werkes; 2) der Titel der Arbeit; 3) Komposition von Musik; 4) ein akademisches Fach in musikpädagogischen Einrichtungen.
KONSONANZ- kohärentes, koordiniertes gleichzeitiges Erklingen verschiedener Töne, eines der wichtigsten Elemente der Harmonie.
ALTSTIMME- eine tiefe weibliche Stimme.
ANBAU- der Moment der höchsten Spannung im musikalischen Gefüge, der Abschnitt des musikalischen Werkes, das Gesamtwerk.
JUNGE- die wichtigste ästhetische Kategorie der Musik: ein System von Tonhöhenverbindungen, vereint durch einen zentralen Klang (Konsonanz), das Verhältnis der Klänge.
LITMOTIVE- Musikalischer Wechsel, der in einem Werk als Merkmal oder Symbol einer Figur, eines Objekts, eines Phänomens, einer Idee, einer Emotion wiederholt wird.
LIBRETTO- ein literarischer Text, der als Grundlage für die Erstellung eines Musikstücks genommen wird.
MELODIE- monophones musikalisches Denken, das Hauptelement der Musik; eine Reihe von Klängen, die in modaler Intonation und rhythmisch organisiert sind und eine bestimmte Struktur bilden.
METER- Reihenfolge des Wechsels von starken und schwachen Schlägen, Rhythmus-Organisationssystem.
METRONOM- ein Werkzeug, das hilft, das richtige Tempo der Aufführung zu bestimmen.
MEZZO-SOPRANO- Frauenstimme, Mitte zwischen Sopran und Alt.
POLYFONIE- ein Musiklager, das auf der gleichzeitigen Kombination mehrerer Stimmen basiert.
MODERATO- gemäßigtes Tempo, Durchschnitt zwischen Andantino und Allegretto.
MODULATION- Übergang zu einem neuen Schlüssel.
MUSICAL FORM - 1) ein Komplex von Ausdrucksmitteln, die einen bestimmten ideologischen und künstlerischen Inhalt in einem musikalischen Werk verkörpern.
HINWEISBRIEF- ein System grafischer Zeichen für die Aufnahme von Musik sowie die Aufnahme selbst. In der modernen Musiknotation werden verwendet: 5-zeiliges Notensystem, Noten (Zeichen für Töne), Schlüssel (bestimmt die Tonhöhe der Noten) usw.
OBERTÖNE- Obertöne (Teiltöne), klingen höher oder schwächer als der Hauptton, mit diesem verschmolzen. Die Präsenz und Stärke eines jeden von ihnen bestimmen die Klangfarbe des Klangs.
ORCHESTRATION- Bearbeitung eines Musikstücks für ein Orchester.
ORNAMENT- Möglichkeiten, Gesangs- und Instrumentalmelodien zu dekorieren. Kleine melodische Dekorationen werden Melismen genannt.
OSTINATO- mehrfache Wiederholung einer melodischen rhythmischen Figur.
ERGEBNIS- musikalische Notation eines polyphonen Musikstücks, in der übereinander die Partien aller Stimmen in einer bestimmten Reihenfolge angegeben werden.
DIE SENDUNG- ein integraler Bestandteil eines polyphonen Stücks, das einstimmig oder auf einem bestimmten Musikinstrument sowie von einer Gruppe homogener Stimmen und Instrumente aufgeführt werden soll.
PASSAGE- die Abfolge von Geräuschen in schneller Bewegung, die oft schwer auszuführen sind.
PAUSE- eine Unterbrechung im Klang einer, mehrerer oder aller Stimmen in einem Musikstück; ein Zeichen in der Notenschrift, das auf diesen Bruch hinweist.
PIZZICATO- die Aufnahme der Klangerzeugung auf Streichinstrumenten (durch Zupfen), gibt einen abrupten Klang, der leiser ist als beim Spielen mit einem Bogen.
PLEKTRUM(Pick) - ein Gerät zur Klangerzeugung auf Saiten, hauptsächlich gezupften Musikinstrumenten.
KOPFSTÜTZE- in einem Volkslied eine Stimme, die das Hauptlied begleitet und gleichzeitig mit diesem erklingt.
AUFTAKT- ein kleines Stück, sowie eine Einführung in ein Musikstück.
SOFTWARE MUSIK - Musikstücke, die der Komponist mit einem Sprachprogramm versehen hat, das die Wahrnehmung konkretisiert.
REPRISE- Wiederholung des Motivs eines Musikstücks sowie der Wiederholungsnote.
RHYTHMUS- Wechsel von Tönen unterschiedlicher Dauer und Stärke.
SYMPHONISMUS- die Offenlegung eines künstlerischen Konzepts mit Hilfe einer konsequenten eigennützigen musikalischen Entwicklung, einschließlich der Konfrontation und Transformation von Themen und thematischen Elementen.
SYMPHONIE MUSIK - Musikstücke, die von einem Sinfonieorchester aufgeführt werden sollen (große, monumentale Stücke, kleine Stücke).
SCHERZO- 1) im XV1-XVII Jahrhundert. Bezeichnung von Vokal- und Instrumentalwerken für humorvolle Texte sowie Instrumentalstücken; 2) Teil der Suite; 3) Teil eines Sonaten-Sinfonie-Zyklus; 4) aus dem 19. Jahrhundert. eigenständiges Instrumentalstück, nahe Capriccio.
MUSIKHÖREN- die Fähigkeit einer Person, bestimmte Qualitäten von musikalischen Klängen wahrzunehmen und funktionale Verbindungen zwischen ihnen zu fühlen.
SOLFEGGIO- Stimmübungen zur Entwicklung von Hör- und Lesefähigkeiten.
SOPRAN- 1) die höchste Singstimme (hauptsächlich weiblich oder Kind) mit einem entwickelten Stimmregister; 2) der obere Teil im Chor; 3) hochregisterige Instrumentenvarianten.
STRING INSTRUMENTE - nach der Methode der Klangerzeugung werden sie in Streichen, Zupfen, Schlagzeug, Schlagzeug-Keyboard, Zupf-Keyboard unterteilt.
TAKT- die spezifische Form und Einheit des musikalischen Metrums.
THEMA- eine Struktur, die einem Musikstück oder seinen Abschnitten zugrunde liegt.
TIMBRE- die Klangfarbe einer Stimme oder eines Musikinstruments.
TEMPO- die Geschwindigkeit der metrischen Zähleinheiten. Zur genauen Messung wird ein Metronom verwendet.
Temperatur- Entzerrung der Intervallverhältnisse zwischen den Stufen des Soundsystems.
TONIC- der Hauptgrad des Bunds.
TRANSKRIPTION- Arrangement oder freie, oft virtuose Bearbeitung eines Musikstücks.
TRILLER- ein schillernder Klang, der aus der schnellen Wiederholung zweier benachbarter Töne entsteht.
OUVERTÜRE- ein Orchesterstück, das vor einer Theateraufführung aufgeführt wird.
SCHLAGZEUG INSTRUMENTE - Instrumente mit einer Ledermembran oder aus einem selbst klingenden Material.
EINKLANG- gleichzeitiges Erklingen mehrerer Musikklänge der gleichen Tonhöhe.
TEXTUR- das spezifische Klangbild des Werkes.
FALSETT- eines der Register der männlichen Singstimme.
FERMATA- Stoppen des Tempos in der Regel am Ende eines Musikstücks oder zwischen seinen Abschnitten; ausgedrückt in einer Verlängerung der Dauer des Tons oder der Pause.
DER ENDGÜLTIGE- der letzte Teil eines zyklischen Musikstücks.
CHOR- religiöse Gesänge in Latein oder Muttersprache.
CHROMATISMUS- Halbtonintervallsystem von zwei Typen (altgriechisch und neu europäisch).
Schläge- Methoden der Klangextraktion bei Streichinstrumenten, die dem Klang einen anderen Charakter und eine andere Farbe verleihen.
EXPOSITION- 1) der erste Abschnitt der Sonatenform, der die Hauptthemen des Werkes darstellt; 2) der erste Teil der Fuge.
BÜHNE- eine Art musikalische darstellende Kunst

Musikgenres- historisch begründete Gattungen und Typen von Musikwerken, die durch einen gemeinsamen Inhalt, Form, Bedingungen (Ort) der Aufführung und Zusammensetzung der Interpreten vereint sind.

In der Musikwissenschaft gibt es verschiedene Klassifizierungen von Genres der Komponistenkreativität. Sie hängen davon ab, welcher der das Genre bestimmenden Faktoren als der wichtigste angesehen wird. Durch die Zusammensetzung der Interpreten Genres werden in Instrumental- und Vokalmusik (einschließlich Vokal- und Instrumentalmusik) unterteilt. In jeder Gruppe können wiederum Solo-, Ensemble-, Orchester- / Chorgenres unterschieden werden.

Am Erfüllungsort Genres sind Kammermusik (für Solo- oder Ensembleaufführungen in kleinen Räumen), Konzert (für Aufführungen von einer Konzertbühne durch ein Orchester und / oder einen Chor), Musical und Theater. Haushaltsgenres (Lied, Tanz, Marsch) unterscheiden sich.

Die kumulative Wirkung dieser Kriterien in Bezug auf die Hauptgenres der akademischen Musik lässt sich in Form der folgenden Tabelle darstellen:

Per Formular Genres sind unterteilt in Miniaturen (kleine einstimmige Werke - Lieder, Romanzen, Theaterstücke), große einstimmige Werke (Ouvertüre, sinfonische Dichtung), Zyklen (mehrstimmige Werke - Sonate, Konzert, Sinfonie, Suite).

Nach Inhalt Musikalische Werke sind ebenso wie literarische lyrisch, dramatisch und episch. Die Einteilung von Musikgattungen nach diesem Kriterium ist jedoch am wenigsten zutreffend, da in der Musik die Qualitäten von Erzählung, Ausdruckskraft und Wirksamkeit manchmal schwer zu unterscheiden sind. Eine Romanze kann also in Gegenwart einer dramatischen Entwicklung über das lyrische Genre hinausgehen. Eine dramatische Sinfonie kann die Qualität eines konfessionell-lyrischen Ausdrucks erlangen.

Mehrere Kriterien zusammenfassend lassen sich folgende Definitionen der wichtigsten Musikgattungen geben:

Das Lied ist das am weitesten verbreitete Genre der Vokalmusik, Folk und Professional (Autoren). Solo- oder Chormusik und Poesie. Es kann für die Aufführung im Alltag, für Kammer- oder Konzertaufführungen bestimmt sein.

Romance ist ein kammermusikalisches Vokalwerk für Singstimme mit Instrumentalbegleitung. Lyrische Miniatur.

Cantata ist ein konzertantes Vokal- und Instrumentalgenre, ein Stück für einen Chor, einen oder mehrere Solosänger und ein Orchester. Enthält Arien, Rezitative, Chöre.

Das Oratorium ist ein bedeutendes Vokal- und Instrumentalwerk für Chor, Solisten und Orchester. Enthält Arien, Rezitative, Chöre. Sie unterscheidet sich von der Kantate in ihren größeren Dimensionen, von der Oper - in ihrer Zweckbestimmung für die konzertante Aufführung.

Oper ist ein Musik- und Theatergenre, das auf der Synthese von Wort, Bühnenperformance und Musik basiert. Beinhaltet Arien (Soloformen mit melodischer Melodie), Rezitative (Soloformen mit einer Melodie nahe der natürlichen Sprache), Ensembles, Chöre. Beginnt mit einer Ouvertüre (Orchestereinführung), kann weitere Instrumentalepisoden enthalten (Einführungen in einzelne Akte, Tänze)

Ein Instrumentalstück ist eine allgemeine Bezeichnung für kammermusikalische, hauptsächlich solistische Instrumentalminiaturen. Hat Dutzende von Genrevarianten und Autorenbezeichnungen (Nocturne, Impromptu, Musical Moment, "Lied ohne Worte", "Albumblatt" usw.)

Sonate ist eine der Hauptgattungen der instrumentalen Kammermusik, ein Stück für einen Solisten oder ein kleines Ensemble. Dreiteiliger (seltener vierteiliger) Zyklus mit schnellen Extremteilen.

Symphonie ist eine der Hauptgattungen der konzertanten Instrumentalmusik, ein Stück für ein Sinfonieorchester. Der Zyklus besteht normalerweise aus 4 Teilen.

Ein Konzert ist ein Stück für ein, selten mehrere Soloinstrumente mit einem Sinfonieorchester. Ein Zyklus aus 3 Teilen mit unterschiedlichem Tempo (schnell, langsam, schnell). Es gibt auch Konzerte für ein Instrument (ohne Orchester), für Orchester (ohne Solisten zu vereinzeln), für Stimme und Orchester, für Chor a cappella (ohne Instrumentalbegleitung).

Suite ist ein Genre der Instrumentalmusik, Kammermusik und Konzert. Ein Stück für Soloinstrument, Ensemble, Orchester. Ein Zyklus, der aus einer beliebigen Anzahl von Stimmen besteht, die sich normalerweise in Tempo, Rhythmus und Charakter unterscheiden.

GENRE DER MUSIK

Schüler sollten

Wissen: Genre-Klassifikationen, Vokal-Genres, Instrumental-Genres. Große Formen von Vokal-, Instrumental-, Instrumental- und Chormusik. Symphonische Musik. Oper, Ballett. Moderne Trends in der Musik.

Vorlesung

Kammermusik

Früher, als es noch keine Konzertsäle, Philharmonie, Instrumentalmusik und Klein Vokalwerke durchgeführt B in den Häusern von Musikliebhabern. Sonaten, Trios, Quartette erklangen, jemand sang zu einem Cembalo oder anderen Instrumenten. Unter den Zuhörern befanden sich meist nur wenige Personen, Verwandte und Bekannte.

So musizierten sie sowohl in den bescheidenen Handwerkerhäusern als auch in aristokratischen Salons. Daher der Ausdruck - Kammermusik, das heißt, die Musik soll im Raum gespielt werden, die Musik ist zu Hause.

Vokalmusik

Musik für die Stimme, für das Singen ist die älteste Form der musikalischen Kunst, so alt wie die menschliche Sprache. Dass ein langgezogener, langer Ton schöner und ausdrucksstarker ist als ein kurzer, abrupter, hat der Mensch lange verstanden. Offensichtlich betete er, beschwor unsichtbare Geister über etwas herauf, versuchte den Klang zu ziehen, versuchte seinen Klang melodisch zu machen. So war es oder anders - es ist nicht bekannt, aber die ältesten Lieder, die wir kennen, sind solche Zaubersprüche. Es ist sogar schwierig, sie Lieder zu nennen, ihre Melodien sind sehr einfach und primitiv, aber dennoch waren dies bereits die ersten Lieder. Natürlich gab es auch andere Lieder mit Bezug zum Alltag. Viele Lieder sind dem Wichtigsten im menschlichen Leben gewidmet - Arbeit, Arbeit. Viele von ihnen sind so konzipiert, dass sie während der Arbeit gesungen werden. Ihre Melodien, Rhythmen sind den Bewegungen einer Person während dieser oder jener Arbeit angepasst.

Ein Mann geht über das Feld, langsam, ohne Hast, schöpft Getreide aus dem Korb und streut es mit einer breiten, glatten Geste über das gepflügte Land - singt ein Lied im Rhythmus eines Schrittes.

Gras hat sich auf die Wiesen gegossen, es ist Zeit zu mähen. Die Mäher gehen einer nach dem anderen: Gemeinsam schwingen sie ihre Zöpfe auf einmal und natürlich sollte der Gesang energischer, klarer sein.

Roggen ist reif. Frauen mit Sicheln betraten die Felder - ein neues Lied; Dreschen von Roggen auf der Strömung - sie singen auch.

Der Winter ist gekommen - und hier kann man an langen Winterabenden hinter einer Spindel oder einem Spinnrad nicht auf ein Lied verzichten.

Singen ohne Instrumentalbegleitung heißt - A cappella.

(Lernen und Analysieren von Volksliedern nach Wahl des Lehrers)

Vokalmusik, von menschlichen Stimmen gespielt, ist es eine Kombination aus zwei Arten von Kunst: Musik und Poesie

Fast alle Gesangsstücke haben Worte. Deshalb sind ihre Melodien in gewisser Weise nicht nur mit der Sprache der Worte, sondern auch mit der ausdrucksstarken Intonation der menschlichen Sprache verbunden. In jedem Vokalwerk gehört die Hauptrolle der Melodie, in der sich meist die Hauptidee des Werkes konzentriert, die Essenz des musikalischen Bildes zum Ausdruck kommt.

Beim Kennenlernen der Volksmusik verschiedener Länder kann man sich von dem erstaunlichen Reichtum der Liedgenres überzeugen: Arbeit, Spielritual, Reigen, Tanz, Pracht, Lyrik, Heroisch-Epos, Komik, Satire. Zu den Familienliedern gehören Schlaflieder, Hochzeitslieder, Trauerlieder und Klagelieder. Und alle diese Arten von Liedern entstanden in engem Zusammenhang mit dem gesellschaftlichen Leben dieser oder jener Nation, die sie hervorbrachte, ihrer Arbeitstätigkeit und ihrem Familien- und Alltagsleben.

Kontrolltest

1.Was ist Vokalisierung?

A) Lied mit Begleitung;

B) Singen mit dem Namen der Noten;

V) ein spiel ohne worte.

2. Was ist eine Ballade?

A) Lied ohne Worte;

B) erzählendes Lied;

C) ein Lied mit sinnlichem, lyrischem Charakter.

3. Was haben Volkslieder und Romanzen gemeinsam? (Wo ist die falsche Antwort?)

C) wurden von Amateuren geschaffen - Sängern;

G) von Komponisten geschaffen.

4. Was ist A-cappella?

A) Singen mit Instrumentalbegleitung;

B) im Chor singen;

V) Singen ohne Instrumentalbegleitung.

Instrumentale Genres

Schüler sollten

Wissen :

Varianten des Instrumentalgenres;

die charakteristischen Merkmale dieser Werke;

die Namen einiger Werke und die Komponisten, die sie geschaffen haben.

die Methode, ein Musikstück wahrzunehmen.

In der Lage sein:

Instrumentalwerke verschiedener Genres nach Gehör identifizieren;

einen Plan zur Analyse eines Musikstücks erstellen;

eine Analyse eines Musikstücks mit Schülern zu einem bestimmten Thema durchführen;

Aufnahmeaufgaben für Schüler zur aktiven Wahrnehmung eines Musikstücks;

Aufgaben zur assoziativen Wahrnehmung von Musik erarbeiten;

rhythmische Bewegungen für plastische Intonation komponieren;

eine rhythmische Partitur für das Spielen auf DMI (Kindermusikinstrumenten) zu überdenken und aufzuschreiben;

führen verschiedene Arten von musikalischen Aktivitäten mit den Schülern durch, die die Wahrnehmung von Instrumentalmusik verschiedener Genres und Stile aktivieren.

Vorlesung

Welche Musik entwickelte sich früher vokal oder instrumental?

Europäische Instrumentalmusik entwickelte sich später als Vokalmusik, behielt lange Zeit einen angewandten Charakter und begleitete feierliche und Leichenzüge, Stadt- und Hofbälle, Jagdreisen.

Zu Hause spielten sie Lieder und Tänze auf Zupfinstrumenten - der mehrsaitigen LUTNE - dem Vorgänger von Gitarre und Mondolin. Im 16. Jahrhundert verbreiteten sich Tasteninstrumente im häuslichen Leben: Cembalo, Clavichord, Clavichembalo, in England jungfräulich.

Die städtischen Tänze der Haushalte des 16. - 18. Jahrhunderts waren in Bewegung und Rhythmus vielfältig. Darunter waren fließende Tänze - Prozessionen (italienische Pavana, deutsche Alemanda, spanische Sarabanda), lebhaft, gleitend (französisches Glockenspiel und Menuett), schnell mit einem Sprung und Springen (bore, gavotte gigue).

Aus dem Wechsel und Nebeneinander verschiedener Tänze entstand die alte Suite.

Suite(aus der Französischen Suite - "Serie", "Sequenz") - ein musikalisches Werk aus mehreren Stücken unterschiedlichen Charakters, die durch ein einziges Konzept vereint sind. Zum Beispiel "Karneval" von R. Schumann, ein Zyklus verschiedener Klavierminiaturen. Oder "Bilder einer Ausstellung" von M.P. Mussorsky - eine Sammlung von Stücken, die den Eindruck des Komponisten aus der Ausstellung des Künstlers V.A. Hartmann. Oftmals bestehen Suiten aus Musik für Theateraufführungen, Filme, Ballett- und Opernausschnitte. Dies sind zum Beispiel die Suiten „Peer Gynt“ von E. Grieg, „Carmen“ von R. Shchedrin.

Die Suite zeichnet sich durch bildliche Darstellung, enge Verbindung zu Gesang und Tanz aus. Die Suite unterscheidet sich von Sonate und Sinfonie durch die größere Eigenständigkeit der Stimmen, die geringere Strenge und Regelmäßigkeit ihrer Beziehungen.

In Deutschland wurde Ende des 17. Jahrhunderts eine genaue Teilefolge gebildet:. B. von G. F. Händel, J. B. Luli, J. S. Bach.

Die Suiten des 17.-18. Jahrhunderts waren tanzbar; Orchester-Nicht-Tanzsuiten erschienen im 19. Jahrhundert; die berühmteste - "Scheherazade" von N. A. Rimsky-Korsakov, "Bilder einer Ausstellung" von M. P. Mussorgsky

Neben den Suiten für Klavier und Orgel sind zweistimmige Zyklen charakteristisch, bestehend aus Präludien und Fugen oder Toccaten und Fugen.

Tokkata(italienisch - touch, touch) - der Titel eines Stückes von virtuosem Charakter, basierend auf schnellen und rhythmisch gleichmäßigen Bewegungen ohne melodische lyrische Episoden.

Auftakt(lat. prae ... - vor und lat. ludus - spielen) - ein kurzes Musikstück, das keine strenge Form hat. Während seiner Entstehung ging dem Präludium immer ein längeres, komplexeres und strenger gestaltetes Werk voraus (daher der Name), aber spätere Komponisten begannen, Präludien als eigenständige Werke zu schreiben.

JS Bach schrieb "Das Wohltemperierte Klavier"

bestehend aus Präludien und Fugen und beeinflusste fast alle bedeutenden Komponisten der nachfolgenden Epochen. Viele von ihnen schrieben ihre Zyklen von 12 oder 24 Präludien, die wie bei Bach in Tonarten angeordnet waren. Frederic Chopin schrieb einen Zyklus von 24 Präludien ohne Fugen und befreite damit das Präludium von seiner ursprünglichen Bestimmung – einem einführenden Stück. Seitdem haben viele Komponisten Präludien als eigenständige Werke geschrieben. Einen besonders großen Einfluss auf nachfolgende Komponisten hatten zwei Bände impressionistischer Präludien von Claude Debussy.

Bemerkenswerte Vorspielzyklen

JS Bach - zwei Bände von "Das Wohltemperierte Klavier", Jeder Band enthält 24 Präludien und Fugen in 12 Dur- und 12 Molltonarten, ein Präludium und eine Fuge für jede Klaviertaste.

F. Chopin - 24 Präludien,

K. Debussy - zwei Bände mit 12 Präludien. Jedes Präludium endet mit seinem Titel, während davor nur eine römische Zahl seine Nummer anzeigt.

S. V. Rachmaninov -24 Präludien, darunter das weltberühmte Präludium in cis-Moll.

A. N. Skrjabin - 24 Präludien

P. Hindemith - Ludus Tonalis, Präludium, 11 Zwischenspiele

D. D. Schostakowitsch - ein Zyklus von 24 Präludien und Fugen und ein früherer Zyklus von 24 Präludien für Klavier.

Prüfen.

B) Musikalische Übungen mit virtuosen Passagen;

C) eine kurze musikalische Begrüßung.

2. Der Marsch ist:

EIN) ein Stück mit einem gemessenen, klaren Rhythmus;

B) ein Musikstück, in dem der Hauptteil mehrmals wiederholt wird;

C) ein virtuoses Stück.

EIN) ein virtuoses Stück von skurrilem Charakter;

B) ein Theaterstück mit traurigem Charakter;

C) Jazzstück.

4. Eine Fuge ist:

A) ein Spiel der freien Form;

B) ein Stück im schnellen Satz mit klarem Rhythmus;

5. Ein Konzert ist:

A) öffentliches Reden;

B) Werk für Sinfonieorchester, bestehend aus vier Stimmen;

C) Stück für Soloinstrument und Orchester.

Sonate

Vergleichen wir die Sonate mit der literarischen Gattung, dann ist der Vergleich mit Roman oder Geschichte... Sie ist wie die Imsonate in mehrere Teile gegliedert. Normalerweise sind es drei oder vier davon. Wie der Roman ist die Sonate mit verschiedenen musikalischen "Helden"-Themen bevölkert.

Themen folgen nicht nur aufeinander, sondern interagieren, beeinflussen sich gegenseitig und geraten manchmal in Konflikt.

Der erste Satz der Sonate zeichnet sich durch größte Spannung und Schärfe aus. Daher hat sie eine eigene spezielle Sonatenform entwickelt.

Zuerst stellt der Komponist die Hauptfiguren vor - musikalische Themen. Es ist wie der Beginn eines Dramas. Dann entwickelt sich die Handlung, schärft sich, erreicht die Spitze, woraufhin die Auflösung kommt. Somit besteht die Sonatenform aus 3 Teilen.

1. Exposition, in dem die Hauptthemen in verschiedenen Tonarten erscheinen, die Aktion selbst ist 2 - Entwicklung und Ergebnis der 3-Reprise. In der Reprise gibt es eine Wiederholung dessen, was gezeigt wurde, jedoch mit Änderungen aufgrund von Entwicklungsereignissen. Alle musikalischen Themen der Reprise erscheinen in einer einzigen Grundtonart und vervollständigen manchmal den ersten Satz der Sonate des Satzes. Es enthält Auszüge aus den wichtigsten Themen der Partie, die Haupttonalität wird bekräftigt,

II. Teil in der Regel in Zeitlupe komponiert. Musik vermittelt den gemächlichen Gedankenfluss, verherrlicht die Schönheit der Gefühle, malt erhabene Landschaften.

Teil III (final) es wird normalerweise in einem schnellen Tempo, manchmal sogar in einer schnellen Bewegung, aufrechterhalten. Das ist das Ergebnis, Schlussfolgerungen aus den vorherigen Teilen: Es kann optimistisch, lebensbejahend, aber manchmal auch dramatisch und sogar tragisch sein.

Die klassischen Sonaten entstanden gleichzeitig mit den Sinfonien in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der Begriff „Sonate“ entstand früher im 16. Jahrhundert aus dem italienischen Wort to sound. Ursprünglich war dies der Name jedes instrumentalen Musikstücks.

Teil III klingt

Welche Assoziationen sind entstanden?

Klingt wie ein Sturm, der alles wegfegt, was sich ihm in den Weg stellt. Vier Schallwellen, die mit enormem Druck einrollen. Jede Welle endet mit zwei scharfen Schlägen – die Elemente toben. Aber hier kommt das zweite Thema. Ihre Oberstimme ist breit, melodiös: Klagen, Proteste. Der Zustand extremer Erregung bleibt dank der Begleitung erhalten – im gleichen Satz wie im stürmischen Anfang von Teil 3. Manchmal scheint es, als ob eine völlige Erschöpfung einsetzt, aber der Mensch erhebt sich wieder, um das Leiden zu überwinden.

Dies ist der dominierende Teil der Sonate und der natürliche Abschluss ihrer dramatischen Ereignisse. Hier ist alles wie im Leben vieler Menschen, für die leben heißt kämpfen, Leiden überwinden.

"Erbärmliche Sonate " № 8

Die Sonate wurde 1798 von L. Beethoven geschrieben. Der Titel gehört dem Komponisten selbst. Vom griechischen Wort "Pathos" - mit einer erhebenden, erhebenden Stimmung. Dieser Name bezieht sich auf alle drei Teile der Sonate, obwohl dieses "Erheben" in jedem Teil auf unterschiedliche Weise ausgedrückt wird.

Teil I in schnellem Tempo in Form eines Sonatenallegros geschrieben. Der Beginn der Sonate ist ungewöhnlich „Die langsame Einleitung klingt düster und zugleich feierlich. Schwere Akkorde, die Klanglawine zieht allmählich aus den tieferen Lagen auf. Drohende Fragen klingen immer eindringlicher Melodie mit einem Hauch von Flehen vor dem Hintergrund ruhiger Akkorde.

Nach der Einleitung beginnt ein schnelles Sonatenallegro.

Hauptparteiähnelt heftig wogenden Wellen. Vor dem Hintergrund des unruhigen Basses hebt und senkt sich die Melodie der Oberstimme ängstlich.

Bindungsparty beruhigt allmählich die Spannung des Hauptthemas und führt zu einem melodischen und melodischen Seitenpartei.

Entgegen den etablierten Regeln in den Sonaten der Wiener Klassiker erklingt die Seitenstimme der Pathetique-Sonate nicht im Parallel-Dur, sondern im gleichnamigen Moll.

Kontrolle

1.In welchem ​​Jahr wurde L, Beethoven geboren?

A) .1670,

B). 1870,

V). 1770 Jahr.

2. Wo wurde Beethoven geboren?

EIN). In Bonn,

B). In Paris,

V). In Bergen.

3. Wer war Beethovens Lehrer?

EIN). Händel G. F.

B). Nefe K.G.

V). Mozart W.

4. In welchem ​​Alter schrieb Beethoven die Mondscheinsonate?

EIN). Mit 50 Jahren.

B). Mit 41.

V). Im Alter von 21.

5. Genau richtig, um zu lieben, welche Frau Beethoven schrieb „Mondscheinsonate?

EIN). Julia Guichardi.

B) Julia Capulet.
V). Josephine Deim.

6. Welcher Dichter hat der Sonate Nr. 14 "Mondschein" den Namen gegeben?

A) und Schiller.

B). L. Relshtab.

V). Ich. Shenkom.

7. Welches Werk gehört nicht zu Beethovens Werk?

EIN). "Erbärmliche Sonate".

B). "Heroische Symphonie".

V),."Revolutionäre Studie".

8. Wie viele Sinfonien hat Beethoven geschrieben?

Übung 1.

Hören Sie sich zwei Werke an, bestimmen Sie nach Stilrichtung welches davon von L. Beethoven, begründen Sie Ihre Meinung.

Klänge: "Präludium Nr. 7" von F. Chopin und "Sonate" Nr. 14, Teil 3 von L. Beethoven.

Symphonie

Symphonie(aus dem Griechischen συμφωνία - "Konsonanz") - eine Gattung der symphonischen Instrumentalmusik einer mehrstimmigen Form von fundamentalem ideologischem Inhalt.

Aufgrund der Ähnlichkeit in der Struktur mit Sonate, Sonate und Sinfonie sind unter dem gemeinsamen Namen „ Sonaten-Sinfonie-Zyklus ". Eine klassische Symphonie (in der Form, in der sie in den Werken der Wiener Klassiker - Haydn, Mozart und Beethoven - vorgetragen wird, besteht in der Regel aus vier Teilen.

Der erste Satz mit hohem Tempo ist in Sonatenform geschrieben;

2., in Zeitlupe, in Variationen geschrieben, Rondo, Rondosonate, komplexer dreistimmig

3. - Scherzo oder Menuett - in dreistimmiger Form

4. Satz, in schnellem Tempo - in Sonatenform, in Form eines Rondos oder einer Rondosonate.

Eine Programmsymphonie ist eine Symphonie, die mit dem bekannten Inhalt des Programms verbunden ist und beispielsweise im Titel oder Epigraph zum Ausdruck kommt - "Pastorale Symphonie" von Beethoven, "Fantastische Symphonie" von Berlioz, Symphonie Nr. 1 "Winterträume" von Tschaikowsky usw.

Schüleraufgaben

Anhören und Analysieren von Auszügen aus Sinfonien von das Programm von Cretan E. D. "Music".

In Mozart Sinfonie Nr. 40, Exposition.

1. Singen Sie das Solfeggio der Hauptmelodie, vokalisieren Sie zu dem von Ihnen erfundenen Text.

2. Hören Sie zu und zeichnen Sie die melodische Linie des Hauptthemas.

3. Zeichnen Sie während des Hörens das entstandene künstlerische Bild.

4. Verfassen Sie einen rhythmischen Score für das WMI.

5. Lernen Sie die vorgeschlagenen rhythmischen Bewegungen und komponieren Sie rhythmische Improvisationen.

A.P. Borodin Symphonie Nr. 2 "Heroisch"

1. Das Hauptthema: Singen, Metallophone spielen, Klavier spielen.

2. Vergleichen Sie das musikalische Bild mit dem künstlerischen - A. Vasnetsov "Bogatyrs".

P. Tschaikowsky Symphonie Nr. 4 Finale

1. Singen Sie das Hauptthema mit Pausen zu den Worten des Liedes "There was a birch in the field".

2. Spielen Sie eine rhythmische Begleitung auf geräuschvollen Musikinstrumenten.

Theater.

Oper.

Die Schüler müssen:

wissen:

Was ist Oper;

Opernarten: (heroisch, lyrisch, märchenhaft, komisch, Volksdrama).

Was bildet die Grundlage der Oper; (Arie, Cavatina, Arioso, Ensembles - Duette, Trios, Quartette, Quintette; Rezitative, Ouvertüre, Chor)

Die berühmtesten Opern russischer und ausländischer Komponisten;

Musikfragmente aus verschiedenen Opern.

In der Lage sein:

Bereiten Sie für jüngere Schüler eine Geschichte über die Oper vor, über Komponisten, über alles, was eine Oper ausmacht.

Führen Sie ein Gespräch mit Schülern über dieses Genre.

Bereiten Sie eine Geschichte über eine Oper vor, indem Sie Fragmente anhören und analysieren.

Spielen und singen Sie einige beliebte Themen aus Opern;

Mit Schülern Fragmente von Opernarien lernen; Chöre.

Vorlesung

Oper- das ist eine große und komplexe Muse eine Ballettaufführung, in der Gesang, symphonische Musik, dramatische Handlung, Ballett, Malerei organisch miteinander verflochten sind. Die Oper findet wie jede Theateraufführung auf der Bühne statt. Zuschauer sehen die Helden der Arbeit, ihre Handlungen, verfolgen den Verlauf der Ereignisse. Sets und Kostüme geben einen Eindruck von der Epoche, bestimmen die Szene und das Erscheinungsbild jedes Charakters. Der führende Platz in der Oper gehört jedoch der Musik. Es ist das wichtigste Ausdrucksmittel: Es offenbart die Charaktere der Charaktere, ihre Beziehungen, vermittelt die Spannung der Handlung. Die Oper hat eine reiche historische Vergangenheit. Sie wurde vor etwa 400 Jahren auf Italienisch geboren die Stadt Florenz. Und die ganze Zeit über ist die Debatte darüber, was die Hauptsache ist, Musik oder Text. Es gab eine Zeit in der Geschichte der Oper, in der ein Dichter, Librettist als ihr Autor galt und der Komponist - eine minderjährige Person - den Autoren des Textes und den Sängern gehorchen musste.

Es gab eine Zeit, in der die Leute aufhörten, auf den Inhalt zu achten. Die Oper wurde zu einem "Konzert" in Kostümen. Im 18.-19. Jahrhundert entstand schließlich die Gattung Oper in der Form, die wir heute kennen und lieben.

Die Hauptsache in der Oper- alles das selbe Musik

Im 16. Jahrhundert in Italien geboren, erfuhr die Oper eine große und komplexe Verbreitung in andere Länder Europas und der Welt. Als mythologisches Werk entstanden – basierend auf der Handlung des antiken griechischen Mythos über den Kampf des Gottes Apollo mit der Schlange Python – ist es nun überraschend reich an Handlungssträngen.

Im 19. Jahrhundert entstanden in verschiedenen Ländern nationale Opernschulen. Ihre klügsten Vertreter in Italien sind Rossinis "Die Hochzeit des Figaro", "Der Barbier von Sevilla", Verdi "Rigaletto", "Traviata", Puccini "Cio-Cio-San".

In Russland erreichte die Opernkunst die höchsten Gipfel in den Werken von Glinka "Ivan Susanin", "Ruslan und Lyudmila", Dargomyzhsky "Rusalka", Borodin "Prinz Igor", Mussorsky "Boris Godunov", Rimsky-Kopsky "Snow Maiden", Tschaikowsky "Eugen Onegin", Die Pikkönigin.

Der Komponist schreibt eine Oper über eine Handlung, einen Inhalt, d.h. Libretto.

Libretto- dies ist der Volltext einer Musik- und Bühnenkomposition, jene. Oper, Operette, Ballett. In der Regel wird das Libretto von darauf spezialisierten Autoren – Librettisten – verfasst. Oft dient ein literarisches oder dramatisches Werk als Hauptquelle eines Librettos. Zum Beispiel die beliebten Werke "Eugene Onegin", "Die Pikkönigin", "Traviata", "Rigaletto", "Carmen", "Snow Maiden", "Boris Godunov", "Krieg und Frieden" ... das sind Russische, ausländische und sowjetische Opern, basierend auf den berühmten Werken von Puschkin, Tolstoi, Ostrowski, Merimee, Hugo, Dumas-Sohn. Diese Werke sind jedoch stark verändert, da das Genre der Oper seine eigenen Besonderheiten hat. Der Text der Oper sollte sehr lakonisch sein, schließlich klingt das gesungene Wort viel länger als das gesprochene. Darüber hinaus ist die Grundlage eines dramatischen Theaterstücks Dialog. In der Oper sollte es jedoch Arien, Ensembles, Chöre geben. All dies erfordert auch eine Verarbeitung. Libretto kann unabhängig sein und nicht auf einem literarischen Werk basieren. Manchmal wird der Komponist selbst zum Autor des Librettos. A. P. Borodin - "Prinz Igor", M.P. Musorsky - "Boris Godunov", "Khovanshchina"

A. Dargomyzhsky wählt ein dramatisches Werk von A.S. Puschkin, ohne ein einziges Wort darin zu ändern. Die Oper hat Arien.

1.Arie - Dies ist das Hauptmerkmal der Figur, das musikalische Porträt des Helden. Die Arie enthält das wichtigste musikalische Themenmaterial, das den Helden charakterisiert. Aus Sicht der Handlungsentwicklung und der Bühnenhandlung fällt die Arie meistens mit einem wichtigen Moment im Leben des Helden zusammen. Der Aufbau der Arie ist vielfältig - zweistimmig, dreistimmig, Rondo und andere. In den meisten Fällen enthält die Arie zwei verschiedene musikalische Materialien (zur vollständigen Charakterisierung des Helden). Die Arie ist ein Muss in den Teilen der Protagonisten.

2. Arioso - weicht in Inhalt und Umfang von der Arie ab. Dies ist eine teilweise Charakterisierung des Charakters in Bezug auf ein Ereignis. Hier wird die Einstellung des Helden zu einem anderen Charakter oder seine Reaktion auf das Ereignis vermittelt. Die Form ist meistens dreiteilig.

3. Arietta - Italienische kleine Arie, kleinformatig, an ein Arioso erinnernd, unterscheidet sich aber in einer einfacheren, liedhaften Melodieform - einstimmig, einfach zwei- und dreistimmig.

4. Ballade verbunden mit dem narrativen Charakter der Präsentation (Couple oder Querschnittsform).

5. Romantik, Serenade meistens vermitteln sie die lyrischen Erfahrungen des Helden (die Form ist eine einfache dreiteilige, Rondo, Couplet, Couplet-Variation).

6. Cavatina - eine kleine lyrische Arie. Ab Ende des 18. Jahrhunderts eine Arie in der Oper. Zum Beispiel Figaros funkelnde Cavatina aus Rossinis Oper Der Barbier von Sevilla, Lyudmila aus Glinkas Oper Ruslan und Lyudmila, Antonida in Ivan Susanin.

7. Ensembles- Duette, Trios, Quartette Quintette und so weiter sind in der Oper von großer Bedeutung. Unter ihnen sind die Duette von "Zustimmung" und "Uneinigkeit" am gebräuchlichsten. Im ersten Fall reagieren beide Helden gleich auf Ereignisse, was sich in der Melodie ihrer Aussagen widerspiegelt, die ähnlicher Natur ist. In der zweiten beziehen sich die Charaktere unterschiedlich auf dasselbe Phänomen, wodurch ihr melodisches Material kontrastreich und unabhängig ist.

Chor in der Oper wird am häufigsten mit Massenszenen in Verbindung gebracht und charakterisiert eine Gruppe von Menschen. Die Form der Chöre ist vielfältig und richtet sich nach Inhalt und Handlungsbedeutung.

ZU orchestral Opernmusik umfasst die folgenden Genres: Ouvertüre, Einführung, Einführung, Vorspiel - dies sind Einführungsstücke in die Oper; Pause - Eintritt in die folgenden Aktionen oder Bilder; intermezo - innerhalb der aktion.

Darüber hinaus enthält die Oper in einer Reihe von Fällen Ballettnummern.

Manchmal werden in der Oper kurze, durch Register getrennte Phrasen gespielt. Dieses Singen, aber der Rezitation sehr ähnlich, heißt Rezitativ- vom lateinischen Wort - laut vorlesen, laut aussprechen. Das Rezitativ ist die Grundlage für die Handlungsentwicklung in der Oper. Denn wenn ganze Musikstücke erklingen – Arien, Ensembles – hört die Handlung normalerweise auf.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde eine Wochenendarie, d.h. die erste Arie im Verlauf der Handlung, mit der der Held die Bühne betrat, hieß

Chor- (griechisch - Menge, Versammlung) - ein Werk für eine ausreichend große Sängergruppe sowie der Name der Gesangsgruppe, Massenszenen in der Oper.

Chöre sind homogen (für Kinder, Frauen, Männer) und gemischt monophon und polyphon. Ein Gesangskollektiv ohne Instrumentalbegleitung heißt nicht Chor, sondern a cappella. Alle Mitglieder des Chores sind in mehrere Gruppen eingeteilt, meistens vier.

Der gemischte Chor enthält alle Hauptstimmen: Sopran-Alt, Tenor, Bass.

Die Besonderheit der Chormusik besteht darin, dass sie es ermöglicht, die Ideen und Erfahrungen großer Volksmassen anschaulich zu verkörpern.

Ouvertüre -(Französische Ouyertur - Beginn, Eröffnung) instrumentale Einführung in ein Hauptwerk - Oper, Ballett, Oratorium, Theateraufführung, gibt eine Vorstellung von der Natur der bevorstehenden Aktion und deren Inhalt. Es baut auf musikalischen Themen auf, die später im Werk zu finden sind und dort eine wichtige Rolle spielen. Viele Ouvertüren des neuen Typs wurden tatsächlich zu Konzertstücken, zum Beispiel Glinkas Aragonese Jota, Tschaikowskys Romeo und Julia.

Berühmte Musiktheater:

Moskau - Bolschoi-Theater

St. Petersburg - Mariinski-Theater

Paris - Opernstipendium

Odessa Opern- und Balletttheater

Mailand (Italien) - Mailänder Scala

Bemerkenswerte Opernkünstler:

F. Schaljapin, I. Kozlovsky L. Lemeshev, B. Shtokolov E. Obraztsova, G. Vishnevskaya, Borisenko, Firsova, L. Kazarnovskaya.

Fragen und Aufgaben für Studierende

Kontrolltest

1.Oper ist:

A) Bühnenaktion, bei der Musik, Tanz, Malerei organisch miteinander verflochten sind;

B) Bühnenaktion, wo Musik, Gesang, Choreographie, Malerei organisch miteinander verflochten sind;

C) ein großes Musikstück für ein Sinfonieorchester und Chor und Solisten

2. Das Libretto lautet:

EIN) Volltext eines Musik- und Bühnenwerks;

B) eine Einführung in die Oper;

C) ein literarisches Werk, das als Grundlage für die Entstehung der Oper diente.

3. Die Ouvertüre lautet:

A) instrumentelle Pause zwischen Aktionen;

B) eine Soloaufführung in einer Oper;

V) eine Einführung in die Oper.

4. Arie ist:

A) ein Stück für viele Sänger;

B) Deklamationsgesang;

V) eine Soloaufführung in der Oper, die den Helden charakterisiert.

EIN) Tenor;

B) Bariton;

B) Mezzosopran;

D) Sopran;

.AUF DER. Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

Tikhvin, wo N.A. geboren wurde und seine Kindheit verbrachte. Rimski-Korsakow ist eine Stadt des freien russischen Nordens. Hier errichtete Zar Iwan der Schreckliche das Bogoroditsky-Kloster, zu dem die souveränen Gouverneure keinen Zugang hatten - es gab nur wenige von ihnen in Russland. Hier verbreiteten sich die Altgläubigen, bunte Rituale, poetische Bräuche in einer breiten Welle, und das Volk war unabhängig, lebendig sprachlich und schnell zu Repressalien.

Vater von Nikolai Andrejewitsch - ein Mann von seltenem Anstand und Freundlichkeit, ein bescheidener Mensch ohne Silberschmiede, der dazu neigte, Bücher und philosophische Überlegungen zu lesen. Er half den Dekabristen mit Geld auf ihrer Reise ins sibirische Exil.

Das Haus von Rimsky-Korsakov stand am hohen Ufer des Flusses Tichwinka gegenüber dem Kloster. Hinter dem großen Garten begannen Felder. Man musste nicht weit gehen, um tagsüber den Gesang einer Lerche zu hören, nachts die Nachtigallentriller. Alles zog die Aufmerksamkeit des Jungen auf sich. Die Mauern des Vvedensky-Klosters, wo einst 52 Jahre lang die vierte Frau von Ivan dem Schrecklichen gewaltsam in eine Nonne tosuriert wurde, schmachteten.

Nikas älterer Bruder Voin Andreevich segelt bereits in den Meeren des Fernen Ostens. Seine attraktiven Briefe über China, Japan, Sachalin beflügeln die Fantasie der Kinder. Er nimmt Musikunterricht. Mit 9 Jahren versucht er zu komponieren, mit 12 Jahren trennt sich der Junge von Tikhvin.

Sein ganzes Leben lang wird er sich an das Singen von Vögeln, Glocken, nördliche Wälder und Seen, Tichwin-Bräuche und Legenden erinnern.

Inzwischen hat die militärisch-bürokratische Petersburg das Kadettenkorps der Marine, wo sie Nika zugeteilt bekommen. Aber es gab immer noch etwas, das dem Teenager half, sich nicht zu verlieren und unter Bedingungen von Drill, Grausamkeit und Demütigung nicht entpersonalisiert zu werden. Dieses Etwas war Musik. Ohne Kenntnisse der Musiktheorie versucht er zu komponieren, ohne die Technik der Streicher und Blasinstrumente zu kennen, versucht er zu "orchestrieren". Dieses musikalische Chaos beginnt sich von dem Moment an aufzuklären, als Nika das Verständnis des echten Musikers, des Pianisten-Lehrers F.A. Canille. Nickys gesamte musikalische Entwicklung hat einen großen Schritt nach vorne gemacht. Er erkannte Schumann. Bach, Beethoven, neue Kompositionen von Glinka.

Als Rimsky-Korsakov 17 Jahre alt war, brachte ihn Canilla zu einem Musiker, der im Leben von N.A. eine außergewöhnliche Rolle spielen sollte. - es war Mily Alekseevich Balakirev.

Fragen und Aufgaben für Studierende

Kontrolltest

1. Wo wurde Rimsky Korsakov geboren und verbrachte seine Kindheit?

A) im Dorf Nowospasskoje;

B) in Wotkinsk;

V) in Tichwin.

2. Wo studiert der zukünftige Komponist mit 12 Jahren?

A) in der Rechtsschule;

B) zum Marine-Militärkorps;

C) zur Schule der Wachen Fähnriche.

3. Wer hat die Entstehung von Rimsky-Korsakov als professioneller Komponist beeinflusst?

A) Borodin;

B) Balakirew ;.

C) Mussorgski.

Ein Musikstück hören und analysieren

Oper "Schneewittchen"

Die Kreation von "The Snow Maiden" besticht durch ihre extreme Schnelligkeit. In zweieinhalb Monaten entstand ein riesiges Werk von seltener Schönheit und Originalität. Die Begeisterung für den Inhalt, die Bilder des "Frühlingsmärchens" und die Tatsache, dass der Komponist gestalterisch, technisch, emotional voll auf dieses Werk vorbereitet war, wirkten sich auch aus. Nachdem Rimsky-Korsakov nur die ersten Skizzen erstellt hatte, verschob er die Komposition auf den Sommer: Zusammen mit seiner Familie verbrachte er sie unter äußerst günstigen Bedingungen auf dem Anwesen Stelevo bei Luga. So beschrieb der Komponist diese für ihn glückliche Zeit – seine Arbeit an The Snow Maiden.

"Zum ersten Mal in meinem Leben hatte ich die Gelegenheit, den Sommer in einem echten russischen Dorf zu verbringen. Hier hat mir alles gefallen, alles bewundert. Eine wunderschöne Lage, schöne Haine, ein riesiger Wald, Roggen-, Buchweizen-, Hafer-, Flachsfelder , viele verstreute Dörfer, ein kleiner Fluss, in dem wir schwammen, die Nähe eines großen Sees.

Offroad, Trostlosigkeit – alles hat mich begeistert. Ein dicker und knorriger Ast oder Stumpf, der mit Moos bewachsen war, kam mir wie ein Kobold oder seine Behausung vor. Ein dreifaches Echo, gehört von unserem Balkon, wie von den Stimmen des Kobolds und anderer Monster.“

Mit Beginn der Arbeit am 30. Mai hatte der Komponist bis Mitte August die Skizze der gesamten Oper fertiggestellt. „Keine einzige Komposition wurde mir so leicht und schnell gegeben wie The Snow Maiden.

Der Komponist verbrachte sechs Monate mit der Instrumentierung der Oper, die am 29. Januar 1882 in St. Petersburg am Mariinsky-Theater uraufgeführt wurde. Das erfolgreiche Bühnenleben von "The Snow Maiden" setzt sich bis heute fort.

Prolog

1. Einleitung- Die Orchestereinleitung zeichnet ein Bild der letzten Winternacht. In einem tief verschneiten Wald regiert der Besitzer Frost; sein düsteres herbes Thema herrscht im Orchester.

(Anhören des Fragments).

Aber schon fliegen Vogelschwärme aus dem Süden, Spring-Red selbst fliegt mit den Vögeln. Ihr weiches, tiefes Thema wird klarer. Der treue Diener von Frost Leshy verkündet das Herannahen des Frühlings. Und die Vögel fliegen weiter und das ganze Orchester ist erfüllt von Zwitschern. Aber es war traurig im düsteren Wald." „Die Wälder sind still, dicke Tannenpfoten werden unter den Schnee gesenkt. Und alles ist nur Licht und kalter Schein – und es gibt keine Hitze.“

Vesna bekennt ihre Schuld: „Ich selbst bin schuld an der Kälte von mir und dir. Vor sechzehn Jahren, als ich anfing, mit Frost aus Spaß zu flirten und mein labiles, wechselhaftes und skurriles Gemüt zu amüsieren, und seitdem bin ich in Gefangenschaft mit den Alten! Den grauhaarigen Mann verlassen, aber hier ist das Problem: Wir haben eine alte Tochter mit einem Schneewittchen. Ich liebe die Schneewittchens, sie bemitleidet sie unglücklich mit den Alten, ich habe Angst, mich zu streiten. Und darüber ist er froh: Er friert mich, Vesna und die Berendejews. Die neidische Sonne schaut uns wütend an und runzelt die Stirn, und das ist der Grund für die harten Winter und den kalten Frühling."

Den Vögeln ist kalt, und der Frühling rät ihnen: „Ihr zittert, Arme! tanz, halte dich warm! Ich habe mehr als einmal gesehen, dass die Leute beim Tanzen aufgewärmt wurden!“ Und die Vögel tanzen immer fröhlicher und unbeschwerter.

Geräusche Fragment " Lieder und Tänze der Vögel“

2.ved- Frost ist bereit, nach Norden zu gehen. Aber was ist mit ihm mit seiner Tochter Snegurochka?

"Meile von allem in der Welt an das Mädchen - wird!" - so denkt Mutter Vesna, aber Frost hat Angst vor diesem Willen: „Hör zu! Ich weiß, dass die Sonne das Schneewittchen zerstören wird! Sie wartet nur darauf, mit seinem Strahl das Feuer der Liebe in ihr Herz zu pflanzen! Dann gibt es für das Schneewittchen kein Entkommen! Solange ihre Säuglingsseele rein ist, hat er keine Macht, dem Schneewittchen etwas anzutun!“

Widerstrebend beschließen die Eltern, das Schneewittchen ins Dorf Berendey zu schicken.

Und dann kommt ihre Tochter, eine verschneite Schönheit, aus dem Wald. Oh, sie geht gerne zu den Menschen!

Die Arie klingt "Walkingberries with friends…»

Bisher alles, wovon halb Kind-halb-Mädchen träumt.

Doch dieses Geständnis erschreckt Moroz:

„Woher hast du Lelya gekannt? Und die Schneewittchen schildert ihren Eltern besorgt den Gesang des Hirten:

Mama! Ich habe gehört, ich habe gehört

Und das Singen von Lerchen ...

Ich hörte auch das laute Grollen der Nachtigallen,

Ihre Lieblingssänger.

Lyols Lieder sind mir lieber!

Und Tage und Nächte bin ich bereit zuzuhören

Die Lieder seiner Hirten

Und du hörst und schmelzst ...

Aber das Wort "schmelzen" - alarmierte den Frost. "In diesem Wort lauert eine schreckliche Bedeutung!" Mutter Vesna verspricht dem Schneewittchen ihre Hilfe - auch wenn sie ins Yarilina-Tal, an den See, kommt und nach ihrer Mutter ruft!

Das Schneewittchen geht zur Berendey-Siedlung, sie bringen sie zu ihrem Haus Bobyl und Bobylikhe

Erster Akt

Der Hirte Lel singt dem Schneewittchen Lieder. Der erste traurige über "Strawberry Berry" - bringt das Mädchen zu Tränen. Dann singt Lel ein fröhliches Tanzlied "Wie der Wald im Wald Lärm macht". Die Schneewittchen hatte kaum Zeit, sich zu amüsieren, als der Hirte sie verließ! Andere Mädchen winken ihm zu und Lel rennt bereits auf sie zu und wirft die Blume, die das Schneemädchen geschenkt hat

„Wie schmerzhaft ist es hier! Wie schwer ist es für mein Herz geworden!

Mit großem Groll, wie ein Stein,

Eine von Lel zerdrückte Blume fiel auf mein Herz.

Ein Hirte läuft zu anderen, sie sind netter,

Ihr Lachen ist lauter, wärmer als Sprache.

Ich stehe und weine vor Kummer,

Dass Lel mich verlassen hat...

Väterchen Frost, du hast das Schneewittchen beleidigt!

Aber ich werde von meiner Mutter nehmen - Frühling

Ein bisschen Herzenswärme

Damit das Herz nur ein bisschen flackert.

3.hinzufügen.- Wie um den Kummer der Schneewittchens noch zu verstärken, kommt ihre Freundin Kupava zu ihr gerannt und spricht über ihr Glück, über das Treffen mit Mizgir, über die Liebe zu ihm, über die Hochzeit, die an Yarilins Tag stattfinden wird.

Mizgir kommt, die Mädchen starten das Hochzeitslied von Kupava. Mizgir kann das wundervolle Mädchen nicht aus den Augen lassen und zögert nicht, Kupava abzulehnen - er liebt sie nicht mehr! Er bleibt bei der Schneewittchen!

Misgir spricht leidenschaftlich das Schneemädchen an und verspricht ihre unbezahlbaren Geschenke und sein Leben in

Das Genre der Werke innerhalb der Grenzen einiger Kunst wird als französisches Wort Genre (Genre) bezeichnet - Gattung, Art.
Nicht alle Musikgenres sind gleichzeitig entstanden. Die Oper zum Beispiel wurde Ende des 19. Jahrhunderts in Italien geboren, und die Sinfonische Dichtung wurde Mitte des 19. Jahrhunderts von Franz Liszt geschaffen.
Während seiner Existenz haben sich verschiedene Genres stark verändert, aber alle haben ihre Hauptmerkmale behalten. Eine Oper ist also ein Werk für ein Musiktheater, das eine Handlung hat, inszeniert wird und von Künstlern, Sängern und einem Orchester aufgeführt wird. Es ist nicht mit Ballett und Symphonie zu verwechseln. Aber Opern sind auch anders: historisch, heroisch, komisch, lyrisch. Sie alle haben ihre eigenen charakteristischen Merkmale, obwohl sie derselben Operngattung angehören. Und dann, wenn wir klären müssen, von welcher Art von Oper wir sprechen, verwenden wir wieder, aber im engeren Sinne des Wortes, den Begriff "Genre".
Wir sagen: Genre der lyrischen Oper, Genre des Musikdramas, Genre der epischen Oper ... Innerhalb des allgemeinen Begriffs (Genre) der Vokalmusik unterscheiden wir Genres der Romantik, Lieder usw.
Dieser Begriff hat noch eine weitere Bedeutung. Vielleicht haben Sie schon einmal gehört, wie man über einen Künstler sagt: Er ist Genremaler. Das bedeutet, dass der Künstler Gemälde zu alltäglichen Themen schafft. Solche Bilder wurden zum Beispiel von V. Petrov gemalt. Von der Malerei ging das Wort Genre in diesem Sinne in andere Künste über, einschließlich der Musik. Wenn wir von einem Werk sprechen: Es enthält Genreepisoden, das heißt, der Komponist hat ein Lied, einen Tanz oder einen Marsch hineingebracht. Symphonie

Symphonie im Griechischen bedeutet Konsonanz. Es wird nicht nur in Bezug auf das Orchester, auf die Musik verwendet. Der russische Dichter Balmont zum Beispiel sah in der herbstlichen Schönheit der Natur "eine Symphonie der Farben und des Rauschens". Symphony in Music ist ein großes Stück, das für ein Sinfonieorchester geschrieben wurde. Wenn wir eine Symphonie hören, wissen wir nicht, worüber der Komponist traurig ist, wir sind traurig über unsere. Wir wissen nicht genau, welche Naturbilder vor seinen Augen standen. Mit dem Klang der Musik wird das, was wir selbst sehen, zum Leben erweckt.
Die Sinfonie besteht aus mehreren Teilen (Hören von Tschaikowskys Symphonie Nr. 6). Komponisten schrieben Konzerte für ein Sinfonieorchester und einige Instrumente. Oper

Oper ist eine Aufführung, in der die Figuren nicht sprechen, sondern singen. Die Oper gehört wie ein Theaterstück zu den Arten der Theaterkunst.
Musik ist das Wichtigste in der Oper.
Damit das Märchen auf die Bühne kommen kann, wird es in ein „Opernstück“ umgewandelt – sie schreiben ein Libretto.
Die Charaktere vermitteln alle ihre Gedanken durch Gesang. Wenn einer der Charaktere auf der Bühne singt, nennen wir das Arie oder Arioso. Wenn zwei singen, ist es ein Duett, drei sind ein Trio, vier sind ein Quartett.
Manchmal helfen Tanzepisoden, den Inhalt des Werks besser zu enthüllen. Dann erscheinen Ballettszenen in der Oper.
Mit Hilfe von Musik schafft der Komponist in der Oper nicht nur Porträts der Figuren, sondern ganze Bilder.
Die meisten Opern beginnen mit einer Ouvertüre. Das Wort "Ouvertüre" ist französisch und bedeutet Entdeckung. Es wird vom Orchester aufgeführt, bevor sich der Vorhang öffnet. Die Ouvertüre enthält die Leitmelodien der Oper. Vor den Akten 1 und 2 ertönen "Pausen" (musikalische Einführungen).
Das Wichtigste in der Oper ist also die Musik, der Klang des Orchesters und der Stimmen. Aber Oper ist zugleich Schauspiel, Tanz und Malerei, in einem verschmolzen. Deshalb macht die Oper einen besonders starken Eindruck auf das Publikum, sie ist die verständlichste Form ernster Musik. Ballett

Ballett ist eine Form der darstellenden Künste; eine Performance, deren Inhalt in musikalischen und choreografischen Bildern verkörpert wird. Auf der Grundlage eines allgemeinen dramatischen Plans (Drehbuch) verbindet Ballett Musik, Choreographie (Tanz und Pantomime) und bildende Kunst (Dekoration, Kostüm, Beleuchtung etc.) Unterschiedliche Epochen führten zu unterschiedlichen kreativen Kooperationen zwischen dem Komponisten und dem Choreografen , ihre eigene Art der Interaktion zwischen Musik und Choreografie. Manchmal ist die Musik im Ballett nur eine Begleitung, in anderen Fällen versucht die Choreographie, den tiefen Inhalt der Musik zu offenbaren.
Zeitgenössisches europäisches Ballett entstand während der Renaissance. Das Wort "Ballett" tauchte auf, was dann eine Komposition bezeichnete, die im Tanz keine Handlung, sondern eine Eigenschaft oder einen Charakterzustand vermittelte. Kunst reifte in anderen Formen: Prozessionen, Maskeraden, Reiterturniere, feierliche Mahlzeiten. Ende des 15. Jahrhunderts gehörte Ballett zu den Aufführungen berühmter Dichter und Künstler.
Bis zum 16. Jahrhundert entwickelte sich in England das Maskengenre.
Im 18. Jahrhundert begann sich Ballett als Performance in den Theatern Wiens zu etablieren, wo sich rein choreografische Aktionen auf der Grundlage von Drehbuch und Musik entwickelten.
Das Ballett existierte in Deutschland, Schweden, Holland. Den Italienern und Franzosen entlehnte Ballettformen wurden mit Nationalfarben angereichert.
Bis Mitte des 19. Jahrhunderts stabilisierte sich die Form der Mehrakteraufführung und die Form der Ballettmusik (allgemeine Tänze, die einen Akt oder eine Aufführung abschließen, Prozessionen, Jahrmärkte, Walzer, Polkas, Galopp) sowie die Struktur der Tänze von Solisten.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erreichte die Ästhetik der Ballettakademie ihren Höhepunkt in den Werken der großen russischen Meister (AA Gorsky, MM Fokin), deren Werk von der Kunst von A. Duncan, einem amerikanischen Tänzer, einem Unterstützer, beeinflusst wurde des freien Tanzes.
Ende 1950 verbreitete sich Ballett in allen Ländern der Welt.