Gemälde- die gebräuchlichste Art der bildenden Kunst, deren Werke mit Farben geschaffen werden, die auf jede Oberfläche aufgetragen werden.

In den von Malern geschaffenen Kunstwerken werden Zeichnung, Farbe, Hell-Dunkel, ausdrucksstarke Striche, Textur und Komposition verwendet. Dies ermöglicht es, den Farbenreichtum der Welt, das Volumen der Objekte, ihre qualitative materielle Originalität, räumliche Tiefe und Licht-Luft-Umgebung auf der Ebene zu reproduzieren.

Malerei ist wie jede Kunst eine Form des sozialen Bewusstseins, sie ist eine künstlerisch-figurative Reflexion der Welt. Aber die Welt reflektierend, verkörpert der Künstler in seinen Werken gleichzeitig seine Gedanken und Gefühle, Bestrebungen, ästhetischen Ideale, bewertet die Phänomene des Lebens, erklärt auf seine Weise ihr Wesen und ihre Bedeutung, drückt sein Verständnis der Welt aus.

Die Welt der Malerei ist reich und komplex, ihre Schätze wurden seit vielen Jahrtausenden von der Menschheit angesammelt. Die ältesten Gemälde wurden von Wissenschaftlern an den Wänden von Höhlen entdeckt, in denen Naturvölker lebten. Die ersten Künstler porträtierten Jagdszenen und Tiergewohnheiten mit erstaunlicher Genauigkeit und Eindringlichkeit. So entstand die Kunst der Wandmalerei, die für die Monumentalmalerei charakteristische Züge aufwies.

Monumentale Malerei Es gibt zwei Haupttypen der monumentalen Malerei. Fresko (aus dem italienischen Fresko - frisch) und Mosaik- (aus dem italienischen Mosaik, wörtlich - den Musen gewidmet).

Fresko- Dies ist eine Maltechnik mit mit reinem oder kalkhaltigem Wasser verdünnten Farben auf frischem nassem Putz.

Mosaik- ein Bild aus Partikeln eines homogenen oder unterschiedlichen Materials aus Stein, Smalt, Keramikfliesen, die in einer Erdschicht befestigt sind - Kalk oder Zement.

Fresko und Mosaik sind die wichtigsten Arten der monumentalen Kunst, die aufgrund ihrer Haltbarkeit und Farbechtheit zur Dekoration von architektonischen Volumen und Flächen (Wandmalereien, Schirme, Tafeln) verwendet werden. Namen sind unter russischen Monumentalisten bekannt A. A. Deineki, P.D. Korina, A. V. Vasnetsova, B.A. Talberg, D. M. Merpert, B. P. Miljukowa und andere.

Staffelei Malerei(Bild) hat einen eigenständigen Charakter und eine eigenständige Bedeutung. Die Breite und Vollständigkeit der Berichterstattung über das wirkliche Leben spiegelt sich in der Vielfalt der Typen wider, die der Staffeleimalerei innewohnen und Genres: Stillleben, Alltag, Historisch, Kampfgenres, Landschaft, Porträt.

Im Gegensatz zur monumentalen Staffeleimalerei ist sie nicht mit der Wandfläche verbunden und kann frei ausgestellt werden. Der ideologische und künstlerische Wert der Werke der Staffeleikunst ändert sich nicht c. je nach Ort, an dem sie sich befinden, obwohl ihr künstlerischer Klang von den Belichtungsbedingungen abhängt.

Neben den genannten Malereiarten gibt es Dekoration- Skizzen von Theater- und Kinokulissen und Kostümen, - und Miniaturen und Ikonenmalerei.

Ein Denkmal für die hohe Kunstfertigkeit der altrussischen Malerei des 15. Jahrhunderts. zu Recht gilt das von Andrei Rublev geschaffene Meisterwerk - die Ikone "Trinity", die im Allrussischen Museumsverband "Staatliche Tretjakow-Galerie" aufbewahrt wird (Abb. 6). Hier kommt in vollendeter Form, der höchsten für seine Zeit, das moralische Ideal der Harmonie des Geistes mit der Welt und dem Leben zum Ausdruck. Die Ikone ist mit tiefen poetischen und philosophischen Inhalten gefüllt. Das Bild von drei Engeln ist in einen Kreis eingeschrieben, der alle Höhenlinien dämpft, deren Kohärenz eine fast musikalische Wirkung erzeugt. Aufgeklärte, reine Töne, insbesondere Kornblumenblau ("Kohl") und transparentes Grün, verschmelzen zu einem subtil aufeinander abgestimmten Spektrum. Diese Farben kontrastieren mit dem dunklen Kirschgewand des mittleren Engels und betonen die führende Rolle seiner Figur in der Gesamtkomposition.

Die Schönheit der russischen Ikonenmalerei, Namen Theophanes der Grieche, Andrei Rublev, Dionisy, Prochors Gorodets, Daniel der Schwarze erst im XX Jahrhundert für die Welt geöffnet. gelernt, die alten Ikonen aus den späteren Aufzeichnungen zu löschen.

Leider gibt es ein vereinfachtes Kunstverständnis, wenn man in Werken die obligatorische Klarheit der Handlung sucht, das Wiedererkennen dessen, was der Maler unter dem Gesichtspunkt von „ähnlich“ oder „anders“ dargestellt hat. Gleichzeitig vergessen sie: Nicht in allen Kunstgattungen findet man eine direkte Ähnlichkeit mit dem, was auf der Leinwand mit einem Bild eines vertrauten konkreten Lebens dargestellt wird. Mit diesem Ansatz ist es schwierig, die Vorzüge der Malerei von Andrei Rublev zu beurteilen. Ganz zu schweigen von "nicht-bildlichen" Schaffensformen wie Musik, Architektur, angewandte und dekorative Kunst.

Die Malerei hat, wie alle anderen Kunstarten auch, eine besondere künstlerische Sprache, durch die der Künstler seine Vorstellungen und Gefühle, die die Realität widerspiegeln, vermittelt. In der Malerei „wird eine face-to-face-Darstellung der Wirklichkeit durch ein künstlerisches Bild, Linie und Farbe realisiert. Bei aller technischen Perfektion ist die Malerei noch kein Kunstwerk, wenn sie nicht Sympathie und Emotionen beim Betrachter hervorruft“ .

Bei absolut akkurater Ausführung wird dem Künstler die Möglichkeit genommen, seine Haltung zum Dargestellten zu zeigen, wenn er sich zum Ziel setzt, nur die Ähnlichkeit zu vermitteln!

Für berühmte Meister vermittelt das Bild die Realität nie vollständig und genau, sondern spiegelt sie nur aus einem bestimmten Blickwinkel wider. Der Künstler offenbart vor allem das, was er bewusst oder intuitiv für besonders wichtig hält, in diesem Fall die Hauptsache. Das Ergebnis einer solchen aktiven Einstellung zur Realität wird nicht nur ein genaues Bild sein, sondern künstlerisches Bild der Wirklichkeit, in dem der Autor einzelne Details zusammenfassend auf das Wichtigste, Charakteristikum hebt. So manifestieren sich das Weltbild und die ästhetische Position des Künstlers im Werk.

Stillleben- eines der unabhängigen Genres der Malerei. Die Originalität des Genres liegt in seinen großen visuellen Möglichkeiten. Durch die materielle Essenz bestimmter Gegenstände kann ein wahrer Künstler in figurativer Form die wesentlichen Aspekte des Lebens, des Geschmacks und der Sitten, die soziale Situation der Menschen, wichtige historische Ereignisse und manchmal eine ganze Epoche widerspiegeln. Durch die gezielte Auswahl der Bildobjekte und deren Interpretation drückt er seine Haltung zur Realität aus, offenbart seine Gedanken und Gefühle.

Nehmen wir zum Vergleich ein Stillleben, das zum Pinsel eines herausragenden sowjetischen Malers gehört FRAU. Saryan(1880-1972), "Eriwan Blumen" (Abb. 7). Seine Einstellung zu Blumen drückte der Meister in den Worten aus, die zum Epigraph der Monographie seines Schaffens wurden: „Was gibt es Schöneres als Blumen, die das Leben eines Menschen schmücken? ... Beim Anblick von Blumen wird man sofort von einer fröhlichen Stimmung angesteckt ... Die Reinheit der Farben, Transparenz und Tiefe, die wir in Blumen sehen, kann nur im Gefieder von Vögeln und Früchten gesehen werden “1.

„Hinter der scheinbaren Leichtigkeit und Spontaneität des Schreibens verbirgt sich eine große Bildkultur und eine riesige Erfahrung eines hochbegabten Künstlers. Seine Fähigkeit, sozusagen in einem Atemzug ein großes (96x103 cm) Bild zu schreiben und dabei die typischen Details bewusst zu ignorieren der schöpferischen Art des Künstlers, der bemüht ist, die Hauptsache zu vermitteln - den grenzenlosen Farbenreichtum der Natur des einheimischen Armeniens.

Haushaltsgenre, oder einfach "Genre" (vom französischen Wort Genre - Gattung, Art) - die häufigste Art der Staffeleimalerei, in der sich der Künstler auf die Darstellung des Lebens in seinen alltäglichen Erscheinungsformen bezieht.

In der russischen bildenden Kunst nahm die Alltagsgattung im 19. Jahrhundert führende Positionen ein, als 154 herausragende Vertreter der demokratischen Bewegung in der Malerei zu ihrer Entwicklung beitrugen: VC. Perow (1833-1882), K. A. Savitsky (1844-1905), N. A. Jaroshenko (1846 -1896), V. E. Makovsky (1846-1920), I. E. Repin (1844-1930).

Der unbestrittene kreative Erfolg von A.A. Plastova (1893-1972) Betrachtet wird das Gemälde "Frühling", in dem die Künstlerin eine keusche und subtile Bewunderung für die Mutterschaft ausdrückte. Die Figur einer Mutter, die einen Schal um den Kopf eines Kindes bindet, sieht vor dem Hintergrund des leichten Frühlingsschnees großartig aus. Den einfachen Lebenssituationen seiner Mitbewohner widmete der Künstler viele Genrebilder.

Historisches Genre in der russischen Kunst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts geprägt. Er half führenden russischen Künstlern, der Vergangenheit des Mutterlandes, den akuten Problemen der damaligen Realität, Aufmerksamkeit zu schenken. Die russische Historienmalerei erreichte in den 80er-90er Jahren des letzten Jahrhunderts ihren Höhepunkt in der Kreativität D.h. Repin, V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, K. P. Brjullow. Berühmter russischer Künstler P.D. Corinne (1892-1967) schuf ein Triptychon (eine Komposition aus drei separaten Leinwänden, die durch ein gemeinsames Thema verbunden sind) "Alexander Newski". Das Werk entstand in der harten Zeit des Großen Vaterländischen Krieges (1942-1943). In den schwierigen Kriegsjahren wandte sich der Künstler dem Bild des großen Kriegers des alten Russlands zu und zeigte seine unauflösliche Verbindung zum Volk, zum russischen Land selbst. Das Triptychon von Corin wurde zu einem der eindrucksvollsten Dokumente der heroischen Zeit unserer Geschichte, das den Glauben des Künstlers an den Mut und die Widerstandsfähigkeit eines Volkes ausdrückt, das schwere Prüfungen durchgemacht hat.

Kampfgenre(von der französischen Bataille - Schlacht) wird als eine Art historisches Genre angesehen. Zu den herausragenden Werken dieses Genres gehören Gemälde A. A. Deineki"Verteidigung von Petrograd" (1928), "Verteidigung von Sewastopol" (1942) und "Untergegangenes Ass" (1943).

Landschaft wird oft als wichtige Ergänzung zu alltäglichen Geschichts- und Schlachtenbildern verwendet, kann aber auch als eigenständiges Genre fungieren. Die Werke der Landschaftsmalerei sind uns nah und verständlich, obwohl der Mensch auf der Leinwand oft fehlt.

Naturbilder begeistern alle Menschen, geben ihnen ähnliche Stimmungen, Erfahrungen und Gedanken. Wer von uns ist den Landschaften russischer Maler nicht nahe: "The Rooks Have Arrived" A. K. Savrasov, "Auftauen" F. Wassiljew,"Roggen" I.I. Shishkina,"Nacht am Dnjepr" KI Kuindschi,"Moskauer Hof" VD. Polenova und "Über dem ewigen Frieden" I.I. Levitan... Wir beginnen unwillkürlich, die Welt mit den Augen von Künstlern zu betrachten, die die poetische Schönheit der Natur offenbart haben.

Landschaftsmaler sahen und vermittelten die Natur auf ihre Weise. Ihre Lieblingsmotive waren ICH K. Aivazovsky (1817-1900), Darstellung der unterschiedlichen Zustände von Meer, Schiffen und Menschen, die gegen die Elemente kämpfen. Seine Leinwände zeichnen sich durch eine subtile Abstufung von Hell-Dunkel, Lichtwirkung, emotionaler Aufwertung, Anziehungskraft zum Heldentum und Pathos aus.

Werke in diesem Genre der sowjetischen Landschaftsmaler sind bemerkenswert: ST. Gerasimova (1885-1964), Autor von Gemälden wie "Winter" (1939) und "Das Eis ist vergangen" (1945),

N.P. Krymov(1884-1958), Schöpfer der Gemälde "Herbst" (1918), "Grauer Tag" (1923), "Mittag" (1930), "Before Twilight" (1935), etc., Aquarelle A. P. Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - "Pavlovsk" (1921), "Petrograd. Marsfeld "(1922), Gemälde BIN. Gritsaya (geboren 1917) Sommergarten (1955), Mittag (1964), Mai. Frühlingswärme" (1970) und andere.

Porträt(aus dem französischen Portraire - abbilden) - ein Bild, ein Bild einer Person oder einer Gruppe von Menschen, die in der Realität existieren oder existiert haben.

Eines der wichtigsten Kriterien für die Porträtmalerei ist die Ähnlichkeit des Bildes mit dem Vorbild (Original). Es sind verschiedene Kompositionslösungen in einem Porträt möglich (Büste, Taille, Ganzfigur, Gruppe). Doch bei aller Vielfalt gestalterischer Lösungen und Manieren liegt die Hauptqualität der Porträtmalerei nicht nur in der Übertragung äußerer Ähnlichkeiten, sondern auch in der Offenlegung des geistigen Wesens des Dargestellten, seines Berufes, seines sozialen Status.

In der russischen Kunst begann die Porträtmalerei zu Beginn des 18. Jahrhunderts ihre glanzvolle Geschichte. F.S. Rokotow (1735-1808), D. G. Levitsky (1735-1822), V. A. Borowikowski (1757-1825) bis Ende des 18. Jahrhunderts. erreichte das Niveau der höchsten Errungenschaften der Weltkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Russische Künstler V. A. Tropinin (1776-1857) und O.A. Kiprenski (1782-1836) schuf bekannte Porträts von A.S. Puschkin.

Die Traditionen des russischen Bildporträts wurden von den Wanderkünstlern fortgeführt: V. G. Perow (1833 / 34-1882), N.N. Ge (1831 - 1894), I. N. Kramskoy (1837-1887), I.E. Repin (1844-1930) usw.

Ein brillantes Beispiel für das Lösen von Porträtkompositionen prominenter Persönlichkeiten aus Wissenschaft und Kunst ist eine Reihe von Leinwänden, die vom Künstler geschaffen wurden M. V. Nesterow (1877-1942)... Der Meister fand seine Helden sozusagen im intensivsten Moment in der Arbeit ihres kreativen, konzentrierten Denkens, ihrer spirituellen Suche (Abb. 13). So wurden Porträts berühmter sowjetischer Bildhauer gelöst. ICH WÜRDE. Shadr (1934) und V. I. Muchina (1940), Akademiemitglied IP-Adresse Pawlowa (1935) und ein prominenter Chirurg S.S. Yudin (1935).

Malerei ist eine Art der bildenden Kunst, die darin besteht, Gemälde zu schaffen, Gemälde, die die Realität am vollständigsten und lebensecht widerspiegeln.

Ein Kunstwerk, das mit Farben (Öl, Tempera, Aquarell, Gouache usw.) auf einer harten Oberfläche hergestellt wurde, wird Malerei genannt. Das wichtigste Ausdrucksmittel der Malerei ist die Farbe, ihre Fähigkeit, verschiedene Gefühle und Assoziationen hervorzurufen, erhöht die Emotionalität des Bildes. Der Künstler komponiert normalerweise die zum Malen erforderliche Farbe auf einer Palette und wandelt die Farbe dann auf der Bildebene in Farbe um, wodurch eine Farbordnung entsteht - Färbung. Farbkombinationen können von Natur aus warm und kalt, fröhlich und traurig, ruhig und angespannt, hell und dunkel sein.

Malereibilder sind sehr klar und überzeugend. Malerei ist in der Lage, Volumen und Raum, die Natur auf einer Ebene zu vermitteln, die komplexe Welt menschlicher Gefühle und Charaktere zu offenbaren, universelle menschliche Ideen, Ereignisse der historischen Vergangenheit, mythologische Bilder und einen Flug der Fantasie zu verkörpern.

Anders als die Malerei als eigenständige Form der bildenden Kunst kann der malerische Ansatz (Methode) in seinen anderen Formen verwendet werden: in der Zeichnung, Grafik und sogar in der Skulptur. Die Essenz des bildnerischen Ansatzes besteht darin, ein Objekt in Verbindung mit der umgebenden räumlichen Licht-Luft-Umgebung in einer subtilen Abstufung von Tonübergängen darzustellen.

Vielzahl von Objekten und Ereignissen der umgebenden Welt, Absicht

Interesse an ihnen führte zur Entstehung von Künstlern im XVII -

XX Jahrhunderte. Malerei-Genres: Porträt, Stillleben, Landschaft, Tier, Alltäglich (Genre-Malerei), mythologische, historische, Kampf-Genres. Eine Kombination von Genres oder deren Elementen findet sich in Werken der Malerei. Zum Beispiel kann ein Stillleben oder eine Landschaft eine gute Ergänzung zu einem Porträtbild sein.

Bezüglich der verwendeten Techniken und Materialien lässt sich die Malerei in folgende Arten einteilen: Öl, Tempera, Wachs (Enkaustik), Emaille, Leim, Wasserfarben auf nassem Putz (Fresko) usw. In manchen Fällen ist die Trennung der Malerei schwierig aus Grafiken. Arbeiten mit Aquarellen, Gouache, Pastellfarben können sich sowohl auf Malerei als auch auf Grafik beziehen.

Die Lackierung kann einschichtig, sofort ausgeführt und mehrschichtig sein, einschließlich Untermalen und Lasieren, transparente und durchscheinende Farbschichten, die auf die getrocknete Farbschicht aufgetragen werden. Dadurch werden feinste Nuancen und Farbnuancen erreicht.

Wichtige künstlerische Ausdrucksmittel in der Malerei sind neben der Farbe (Coloration), dem Fleck und der Art des Strichs, die Behandlung der Maloberfläche (Textur), Valere, die je nach Lichteinfall subtile Tonveränderungen zeigen, Reflexe durch das Zusammenspiel benachbarter Farben.

Die Konstruktion von Volumen und Raum in der Malerei ist verbunden mit einer linearen und luftigen Perspektive, den räumlichen Eigenschaften warmer und kalter Farben, Licht- und Schattenmodellierung der Form, der Übertragung des allgemeinen Farbtons der Leinwand. Um ein Bild zu erstellen, sind neben Farbe eine gute Zeichnung und eine ausdrucksstarke Komposition notwendig. Ein Künstler beginnt in der Regel die Arbeit auf einer Leinwand mit der Suche nach der erfolgreichsten Lösung in Skizzen. Dann, in zahlreichen malerischen Skizzen aus der Natur, er

arbeitet durch die notwendigen Elemente der Komposition. Die Arbeit an einem Gemälde kann damit beginnen, die Komposition mit einem Pinsel zu zeichnen, zu untermalen und

direkt mit dem einen oder anderen Bildmittel auf die Leinwand schreiben. Darüber hinaus haben auch vorbereitende Skizzen und Studien manchmal eine eigenständige künstlerische Bedeutung, insbesondere wenn sie zum Pinsel eines berühmten Malers gehören. Malerei ist eine sehr alte Kunst, die sich über viele Jahrhunderte von paläolithischen Felsmalereien zu den neuesten Malereitrends des 20. Jahrhunderts entwickelt hat. Die Malerei bietet vielfältige Möglichkeiten zur Verkörperung einer Idee vom Realismus bis zur abstrakten Kunst. Im Laufe ihrer Entwicklung haben sich enorme spirituelle Schätze angesammelt. In der Antike entstand der Wunsch, die reale Welt so zu reproduzieren, wie der Mensch sie sieht. Daraus entstanden die Prinzipien des Hell-Dunkels, Elemente der Perspektive, die Entstehung dreidimensionaler Bildbilder. Neue thematische Möglichkeiten der bildlichen Darstellung der Wirklichkeit wurden aufgezeigt. Die Malerei diente der Dekoration von Tempeln, Wohnhäusern, Gräbern und anderen Bauwerken, stand in künstlerischer Einheit mit Architektur und Bildhauerei.

Die mittelalterliche Malerei hatte einen überwiegend religiösen Inhalt. Es zeichnete sich durch den Ausdruck klangvoller, hauptsächlich lokalfarbener, ausdrucksstarker Konturen aus.

Der Hintergrund von Fresken und Gemälden war in der Regel konventionell, abstrakt oder golden und verkörperte in seinem geheimnisvollen Flimmern die göttliche Idee. Die Symbolik der Farbe spielte eine bedeutende Rolle.

In der Renaissance, dem Gefühl der Harmonie des Universums, spiegelte sich der Anthropozentrismus (eine Person im Zentrum des Universums) in Bildkompositionen zu religiösen und mythologischen Themen, in Porträts, alltäglichen und historischen Szenen wider. Die Rolle der Malerei hat zugenommen, indem sie ein wissenschaftlich fundiertes System der Linear- und Luftperspektive entwickelt hat, das Hell-Dunkel.

Es tritt abstrakte Malerei auf, die die Ablehnung der Figurativität und den aktiven Ausdruck der persönlichen Welteinstellung des Künstlers, Emotionalität und Konvention der Farbe, Übertreibung und Geometrisierung markiert

Formen, Dekorativität und Assoziativität kompositorischer Lösungen.

Im XX Jahrhundert. Die Suche nach neuen Farben und technischen Mitteln zur Schaffung von Gemälden geht weiter, was zweifellos zur Entstehung neuer Stile in der Malerei führen wird, aber die Ölmalerei bleibt immer noch eine der beliebtesten Techniken der Künstler.

Malereigenres (fr. Genre - Gattung, Art) ist eine historisch begründete Einteilung der Malerei nach Themen und Objekten des Bildes. In der modernen Malerei gibt es folgende Genres: Porträt, historisches, mythologisches, Schlacht, Alltagsleben, Landschaft, Stillleben, animalisches Genre.

Obwohl der Begriff "Genre" erst vor relativ kurzer Zeit in der Malerei auftauchte, gab es seit der Antike gewisse Genreunterschiede: Tierbilder in Höhlen der Altsteinzeit, Porträts des alten Ägypten und Mesopotamiens ab 3000 v. Chr., Landschaften und Stillleben in hellenistischer und römischer Sprache Mosaiken und Fresken. Die Entstehung des Genres als System in der Staffeleimalerei begann in Europa im 15.-15. Jahrhundert. und endete vor allem im 17.

Historische und mythologische Genres wurden dem "hohen" Genre zugeschrieben, Porträt, Landschaft und Stillleben - dem "niedrigen" Genre. Diese Abstufung der Genres dauerte bis ins 19. Jahrhundert. So wurden in Holland im 17. gehören nicht zu solchen.

Zu einer Form der Lebensdarstellung geworden, bleiben die Gattungen der Malerei bei aller Beständigkeit der Gemeinsamkeiten nicht unverändert, sie entwickeln sich mit dem Leben und verändern sich mit der Entwicklung der Kunst. Einige Genres sterben ab oder erhalten eine neue Bedeutung (z. B. ein mythologisches Genre), neue tauchen auf, normalerweise innerhalb bereits vorhandener (z. Es gibt Werke, die verschiedene Genres kombinieren (zum Beispiel eine Kombination eines Genres mit einer Landschaft, ein Gruppenporträt mit einem historischen Genre).

Das Genre der bildenden Kunst, das die äußere und innere Erscheinung einer Person oder einer Gruppe von Menschen widerspiegelt, heißt ein Portrait... Dieses Genre ist nicht nur in der Malerei, sondern auch in der Bildhauerei, Grafik usw. Die Hauptanforderungen an ein Porträt sind die Übertragung äußerer Ähnlichkeiten und die Offenlegung der inneren Welt, der Essenz des Charakters einer Person. Durch die Art des Bildes werden zwei Hauptgruppen unterschieden: Zeremonien- und Kammerporträts. Ein zeremonielles Porträt zeigt eine Person in vollem Wachstum (auf einem Pferd, stehend oder sitzend), vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund. Bei einem Kammerportrait wird ein Brust- oder Brustbild vor einem neutralen Hintergrund verwendet. Das Selbstporträt – das Selbstbild des Künstlers – sticht in einer besonderen Gruppe hervor.

Das Porträt ist eine der ältesten Gattungen der bildenden Kunst, zunächst hatte es einen Kultzweck, es wurde mit der Seele des Verstorbenen identifiziert. In der Antike entwickelte sich die Porträtmalerei mehr in der Bildhauerei sowie in Bildporträts - Fayum-Porträts des 1. - 3. Jahrhunderts. Im Mittelalter wurde der Begriff des Porträts durch verallgemeinerte Bilder ersetzt, obwohl auf Fresken, Mosaiken, Ikonen, Miniaturen einige Besonderheiten in der Darstellung historischer Figuren zu finden sind. Spätgotik und Renaissance sind eine stürmische Periode in der Entwicklung der Porträtmalerei, in der die Bildung des Porträtgenres stattfindet und die Höhen des humanistischen Glaubens an eine Person und des Verständnisses für ihr spirituelles Leben erreicht werden.

Ein Genre der bildenden Kunst, das historischen Ereignissen und Charakteren gewidmet ist, heißt historisches Genre... Das historische Genre, das sich durch Monumentalität auszeichnet, entwickelte sich lange Zeit in der Wandmalerei. Von der Renaissance bis zum 19. Jahrhundert. Künstler verwendeten Plots der antiken Mythologie, christliche Legenden. Oft waren die im Bild dargestellten realen historischen Ereignisse mit mythologischen oder biblischen allegorischen Charakteren gesättigt.

Das historische Genre verschränkt sich mit anderen - das Genre des Alltags (historische Szenen), Porträt (Darstellung historischer Figuren der Vergangenheit, Porträt-historische Kompositionen), Landschaft ("historische Landschaft") verschmilzt mit dem Schlachtgenre.

Das historische Genre verkörpert sich in Staffeleien und monumentalen Formen, in Miniaturen, Illustrationen. Aus der Antike stammend, verband das historische Genre reale historische Ereignisse mit Mythen. In den Ländern des Alten Orients gab es sogar symbolische Kompositionen (die Apotheose der militärischen Siege des Monarchen, die Machtübergabe an ihn durch eine Gottheit) und erzählerische Zyklen von Gemälden und Reliefs. Im antiken Griechenland gab es skulpturale Darstellungen von historischen Helden, im antiken Rom wurden Reliefs mit Szenen von Feldzügen und Triumphen geschaffen.

Im Mittelalter spiegelten sich in Europa historische Ereignisse in Miniaturen von Chroniken, in Ikonen. Das historische Genre der Staffeleimalerei nahm in Europa während der Renaissance im 17. - 18. Jahrhundert Gestalt an. es wurde als "hohes" Genre angesehen, das in den Vordergrund rückte (religiöse, mythologische, allegorische, eigentlich historische Themen).

Bilder des historischen Genres waren gefüllt mit dramatischen Inhalten, erhabenen ästhetischen Idealen und der Tiefe menschlicher Beziehungen.

Das Genre der bildenden Kunst, das den Helden und Ereignissen gewidmet ist, von denen die Mythen der alten Völker erzählen, heißt mythologisches Genre(aus dem griechischen Mythos - Legende). Das mythologische Genre trifft auf das Historische und nimmt in der Renaissance Gestalt an, als antike Legenden die reichsten Möglichkeiten für die Verkörperung von Geschichten und Charakteren mit komplexen ethischen, oft allegorischen Untertönen boten. Im 17. Jahrhundert. - früh. Jahrhundert erweitert sich in den Werken der mythologischen Gattung der Kreis der moralischen, ästhetischen Probleme, die in hohen künstlerischen Idealen verkörpert werden und entweder dem Leben näher kommen oder ein festliches Spektakel schaffen. Aus dem XIX-XX Jahrhundert. Themen der germanischen, keltischen, indischen, slawischen Mythen wurden populär.

Kampfgenre(von der französischen Bataille - Schlacht) ist ein Genre der Malerei, das zum historischen, mythologischen Genre gehört und sich auf die Darstellung von Schlachten, militärischen Heldentaten, militärischen Aktionen, der Verherrlichung der militärischen Tapferkeit, der Wut der Schlacht und des Triumphs des Sieges spezialisiert hat. Das Kampfgenre kann Elemente anderer Genres enthalten - Alltag, Porträt, Landschaft, Tier, Stillleben.

Das Genre der bildenden Kunst, das Szenen des täglichen, persönlichen Lebens einer Person, des Alltags aus dem bäuerlichen und städtischen Leben zeigt, heißt alltägliches Genre... Der Appell an das Leben und die Moral der Menschen findet sich bereits in den Gemälden und Reliefs des Alten Orients, in der antiken Vasenmalerei und Skulptur, in mittelalterlichen Ikonen und Stundenbüchern. Aber das Alltagsgenre ragte heraus und erhielt seine charakteristischen Formen erst als Phänomen der weltlichen Staffeleikunst. Seine Hauptmerkmale begannen im XIV.-XV. Jahrhundert Gestalt anzunehmen. in Altarbildern, Reliefs, Wandteppichen, Miniaturen in den Niederlanden, Deutschland, Frankreich. Im 16. Jahrhundert begann sich in den Niederlanden das Genre des Alltags schnell zu entwickeln und isolierte sich. Einer ihrer Gründer war Hieronymus Bosch.

Die Entwicklung des Genres in Europa wurde stark vom Werk Pieter Bruegels beeinflusst: Er bewegt sich zu einem reinen Genre, zeigt, dass der Alltag ein Studienobjekt und eine Quelle der Schönheit sein kann. Das 17. Jahrhundert kann in allen Malschulen Europas als das Jahrhundert der Gattung Genre bezeichnet werden.

Im XVIII Jahrhundert. in Frankreich wird die Genremalerei mit der Darstellung galanter Szenen assoziiert, "Pastorale", wird raffiniert und anmutig, ironisch. Die Werke des alltäglichen Genres sind vielfältig: Sie zeigten die Wärme der Heimat und die Exotik ferner Länder, sentimentale Erfahrungen und romantische Leidenschaften. Das Genre des Alltagslebens, das sich auf die Darstellung des bäuerlichen Lebens und des Lebens eines Städters konzentrierte, entwickelte sich in der russischen Malerei des 19.

Das Genre der bildenden Kunst, bei dem das Bild der Natur, der Umwelt, Landschaftsansichten, Städte, historische Denkmäler im Vordergrund steht, heißt Landschaft(fr.paysage). Unterscheiden Sie zwischen ländlicher, städtischer, architektonischer, industrieller, maritimer (Marina) und Flusslandschaft.

In der Antike und im Mittelalter taucht die Landschaft in den Gemälden von Tempeln, Palästen, Ikonen und Miniaturen auf. In der europäischen Kunst wandten sich die venezianischen Maler der Renaissance als erste der Naturdarstellung zu. Seit dem 16. Jahrhundert. Landschaft wird zu einem eigenständigen Genre, seine Spielarten und Richtungen werden geformt: lyrische, heroische, dokumentarische Landschaft. Im 19. Jahrhundert. schöpferische Entdeckungen von Landschaftsmeistern, deren Sättigung mit gesellschaftlichen Fragen, die Entwicklung des Pleinairs (das Abbild der natürlichen Umgebung) endete mit den Errungenschaften des Impressionismus, die neue Möglichkeiten in der bildlichen Übertragung von Raumtiefe, Variabilität des Lichts eröffneten. Luftumgebung, die Komplexität der Farbpalette.

Ein Genre der bildenden Kunst, das Haushaltsgegenstände, Arbeit, Kreativität, Blumen, Früchte, zerquetschtes Wild, gefangenen Fisch in einer echten Haushaltsumgebung zeigt, heißt Stillleben(fr. nature morte - tote Natur). Ein Stillleben kann mit einer komplexen symbolischen Bedeutung ausgestattet sein, die Rolle einer dekorativen Tafel spielen, die sogenannte. "Trick", der eine illusorische Reproduktion von realen Objekten oder Figuren ergibt und den Effekt der Anwesenheit der wahren Natur hervorruft.

Die Darstellung von Gegenständen ist auch in der Kunst der Antike und des Mittelalters bekannt. Als erstes Stillleben in Staffeleimalerei gilt jedoch ein Gemälde des venezianischen Künstlers Jacopo de Barbari „Rebhuhn mit Pfeil und Handschuhen“. Bereits im 16. Jahrhundert wird das Stillleben in viele Typen unterteilt: Kücheneinrichtung mit oder ohne Menschen, ein gedeckter Tisch in ländlicher Umgebung, "Vanitas" mit symbolischen Gegenständen (Blumenvase, erloschene Kerze, Musikinstrumente). Besonders reich war das niederländische Stillleben, bescheiden in Farbe und Dargestelltem, aber verfeinert in der ausdrucksstarken Textur der Gegenstände, im Spiel von Farbe und Licht.

Ein Genre der bildenden Kunst mit Tieren heißt animalisches Genre(von lat.Tier - Tier). Der Tiermaler achtet auf die künstlerischen und figurativen Eigenschaften des Tieres, seine Gewohnheiten, dekorative Ausdruckskraft der Figur, Silhouette. Tiere sind oft mit menschlichen Eigenschaften, Handlungen und Erfahrungen ausgestattet. Tierbilder finden sich häufig in antiken Skulpturen und Vasenmalereien.

- Dies ist eine der Hauptarten der bildenden Kunst; ist ein künstlerisches Abbild der objektiven Welt mit farbigen Farben auf der Oberfläche. Malerei ist unterteilt in: Staffelei, monumental und dekorativ.

- hauptsächlich vertreten durch Arbeiten mit Ölfarben auf Leinwand (Karton, Holzbretter oder blank). Es ist die am weitesten verbreitete Art der Malerei. Es ist diese Art, die normalerweise auf den Begriff " Gemälde".

Ist eine Maltechnik an Wänden bei der Dekoration von Gebäuden und architektonischen Elementen in Gebäuden. Besonders verbreitet in Europa Fresko - Monumentale Malerei auf nassem Putz mit wasserlöslichen Farben. Diese Maltechnik ist seit der Antike bekannt. Später wurde diese Technik bei der Gestaltung vieler christlicher religiöser Tempel und ihrer Gewölbe verwendet.

Dekorative Malerei - (von dem lateinischen Wort von decoro - dekorieren) ist eine Methode zum Zeichnen und Anwenden von Bildern auf Gegenstände und Innendetails, Wände, Möbel und andere dekorative Gegenstände. Bezieht sich auf Kunst und Handwerk.

Die Möglichkeiten der bildnerischen Kunst werden seit dem 15. Darin steht eine besondere inhaltliche Vielfalt und tiefe Ausarbeitung der Form zur Verfügung. Im Zentrum bildhafter künstlerischer Mittel stehen Farben (die Möglichkeiten der Farbe), in einer untrennbaren Einheit mit Hell-Dunkel und Linie; Farbe und Hell-Dunkel wurden durch Maltechniken mit einer für andere Kunstgattungen unzugänglichen Vollständigkeit und Helligkeit entwickelt und entwickelt. Dies liegt an der Perfektion der volumetrischen und räumlichen Modellierung, die der realistischen Malerei innewohnt, der lebendigen und genauen Übertragung der Realität, der Möglichkeit, die vom Künstler konzipierten Sujets (und Methoden der Kompositionskonstruktion) und anderen bildlichen Vorteilen zu verwirklichen.

Ein weiterer Unterschied in den Unterschieden der Malarten ist die Ausführungstechnik nach den Malarten. Allgemeine Merkmale reichen nicht immer aus, um sie zu definieren. Die Grenze zwischen Malerei und Grafik im Einzelfall: Arbeiten mit Aquarell oder Pastell können sich beispielsweise auf beide Bereiche beziehen, je nach Herangehensweise und Aufgaben des Künstlers. Obwohl das Zeichnen auf Papier ein grafisches Design ist, verwischt die Verwendung verschiedener Techniken der Tuschemalerei manchmal die Unterscheidung zwischen Malerei und Grafik.

Es ist zu beachten, dass der semantische Begriff "Malerei" selbst ein Wort in russischer Sprache ist. Es wird als Begriff während der Bildung der bildenden Künste in Russland im Barock verwendet. Der Gebrauch des Wortes "Malerei" wurde damals nur auf eine bestimmte Art der realistischen Malerei mit Farben angewendet. Aber ursprünglich kommt es aus der kirchlichen Technik des Zeichnens von Ikonen, die das Wort "schreiben" (bezieht sich auf das Schreiben) verwendet, weil dieses Wort eine Übersetzung der Bedeutung in griechischen Texten ist (dies sind die "Schwierigkeiten der Übersetzung"). Die Entwicklung einer eigenen Kunstschule in Russland und die Vererbung des europäischen akademischen Wissens auf dem Gebiet der Kunst haben das Anwendungsgebiet des russischen Wortes "Malerei" entwickelt und es in die Bildungsterminologie und Literatursprache eingeschrieben. In der russischen Sprache wurde jedoch eine Besonderheit der Bedeutung des Verbs "schreiben" in Bezug auf das Schreiben und Zeichnen von Bildern gebildet.

Malerei-Genres

Im Laufe der Entwicklung der bildenden Kunst haben sich mehrere klassische Bildgattungen herausgebildet, die ihre eigenen Eigenschaften und Regeln erhielten.

Porträt Ist eine realistische Darstellung einer Person, bei der der Künstler versucht, Ähnlichkeit mit dem Original zu erreichen. Eines der beliebtesten Genres der Malerei. Die meisten Kunden nutzten das Talent von Künstlern, um ihr eigenes Image zu bewahren oder ein Bild von einem geliebten Menschen, Verwandten usw. Kunden strebten nach einem Porträtbild (oder sogar nach einer Verschönerung) und hinterließen eine visuelle Verkörperung in der Geschichte. Porträts verschiedener Stilrichtungen sind der umfangreichste Teil der Ausstellung der meisten Kunstmuseen und Privatsammlungen. Zu diesem Genre gehört auch eine Art Porträt wie Selbstporträt - ein von ihm geschriebenes Bild des Künstlers selbst.

Landschaft- eines der populären Malereigenres, in dem der Künstler versucht, die Natur, ihre Schönheit oder Besonderheit darzustellen. Verschiedene Arten der Natur (Stimmung der Jahreszeit und des Wetters) haben eine lebendige emotionale Wirkung auf jeden Betrachter - dies ist ein psychologisches Merkmal einer Person. Der Wunsch, einen emotionalen Eindruck von Landschaften zu gewinnen, hat dieses Genre zu einem der beliebtesten im künstlerischen Schaffen gemacht.

- dieses Genre ähnelt in vielerlei Hinsicht der Landschaft, weist jedoch ein wesentliches Merkmal auf: Die Gemälde zeigen Landschaften unter Beteiligung von architektonischen Objekten, Gebäuden oder Städten. Eine besondere Richtung sind Straßenansichten von Städten, die die Atmosphäre des Ortes vermitteln. Eine andere Richtung dieses Genres ist das Bild der Schönheit der Architektur eines bestimmten Gebäudes - sein Aussehen oder das Bild seiner Innenräume.

- ein Genre, in dem die Haupthandlung von Gemälden ein historisches Ereignis oder seine Interpretation durch einen Künstler ist. Interessant ist, dass eine Vielzahl von Gemälden zum biblischen Thema zu diesem Genre gehören. Da im Mittelalter biblische Themen als "historische" Ereignisse galten und die Hauptkunden dieser Gemälde die Kirche waren. "Historische" biblische Themen sind im Werk der meisten Künstler präsent. Die Wiedergeburt der Historienmalerei findet in der Zeit des Neoklassizismus statt, wenn sich Künstler bekannten historischen Sujets, Ereignissen aus der Antike oder nationalen Legenden zuwenden.

- spiegelt die Szenen von Kriegen und Schlachten wider. Ein Merkmal ist nicht nur der Wunsch, das historische Ereignis zu reflektieren, sondern dem Betrachter auch die emotionale Erhebung von Leistung und Heldentum zu vermitteln. Anschließend wird dieses Genre auch politisch und ermöglicht es dem Künstler, dem Betrachter seine Sicht (seine Haltung) zum Geschehen zu vermitteln. Eine ähnliche Wirkung der politischen Betonung und der Kraft des Künstlertalents können wir im Werk von V. Wereschtschagin sehen.

Ist ein Genre der Malerei mit Kompositionen aus unbelebten Objekten, mit Blumen, Essen, Geschirr. Dieses Genre ist eines der neuesten und wurde in der niederländischen Malereischule gebildet. Vielleicht ist sein Aussehen auf die Besonderheit der niederländischen Schule zurückzuführen. Der wirtschaftliche Aufschwung des 17. Jahrhunderts in Holland führte bei einem erheblichen Teil der Bevölkerung zu dem Wunsch nach erschwinglichem Luxus (Gemälde). Diese Situation zog eine große Anzahl von Künstlern nach Holland, was zu einem intensiven Wettbewerb zwischen ihnen führte. Modelle und Werkstätten (Menschen in angemessener Kleidung) standen armen Künstlern nicht zur Verfügung. Beim Malen von Gemälden zum Verkauf verwendeten sie verfügbare Werkzeuge (Objekte), um die Gemälde zu komponieren. Diese Situation in der Geschichte der niederländischen Schule ist der Grund für die Entwicklung der Genremalerei.

Genremalerei - Die Handlung der Gemälde sind alltägliche Szenen des Alltags oder des Urlaubs, in der Regel unter Beteiligung der einfachen Leute. Neben dem Stillleben wurde es im 17. Jahrhundert unter niederländischen Künstlern weit verbreitet. In der Zeit der Romantik und des Neoklassizismus erlebt dieses Genre eine Neugeburt, Malerei strebt weniger danach, das Alltagsleben zu reflektieren, als es zu romantisieren, eine bestimmte Bedeutung oder Moral in die Handlung zu bringen.

Yachthafen- eine Landschaftsansicht, die Seestücke, Küstenlandschaften mit Meerblick, Sonnenauf- und -untergänge auf See, Schiffe oder sogar Seeschlachten darstellt. Obwohl es ein eigenes Kampfgenre gibt, gehören Seeschlachten immer noch zum Genre "Marina". Die Entwicklung und Popularisierung dieser Gattung ist auch der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts zuzuschreiben. In Russland war er dank der Arbeit von Aivazovsky beliebt.

- Ein Merkmal dieses Genres ist die Schaffung realistischer Gemälde, die die Schönheit von Tieren und Vögeln darstellen. Eines der interessanten Merkmale dieses Genres ist das Vorhandensein von Gemälden, die nicht existierende oder mythische Tiere darstellen. Tierkünstler heißen Tierfreunde.

Geschichte der Malerei

Das Bedürfnis nach einem realistischen Bild bestand seit der Antike, hatte jedoch aufgrund des Mangels an Technologie, einer systematischen Schule und Bildung eine Reihe von Nachteilen. In der Antike findet man oft Beispiele für angewandte und monumentale Malerei mit der Technik der Malerei auf Gips. In der Antike wurde mehr Wert auf die Begabung des Darstellers gelegt, Künstler waren in der Technik der Farbherstellung und der Möglichkeit einer systematischen Ausbildung eingeschränkt. Aber schon in der Antike haben sich Fachkenntnisse und Werke (Vitruvius) gebildet, die die Grundlage für eine neue Blüte der europäischen Kunst in der Renaissance bilden werden. Die dekorative Malerei hat in der griechischen und römischen Antike (die Schule ging im Mittelalter verloren) eine bedeutende Entwicklung erfahren, deren Niveau erst nach dem 15. Jahrhundert erreicht wurde.

Malerei eines römischen Freskos (Pompeji, 1. Jahrhundert v. Chr.), ein Beispiel für den Stand der antiken Malerei:

Das "dunkle Zeitalter" des Mittelalters, das militante Christentum und die Inquisition führen zu Studienverboten für das künstlerische Erbe der Antike. Die große Erfahrung alter Meister, Kenntnisse in den Bereichen Proportionen, Komposition, Architektur und Bildhauerei sind verboten und viele künstlerische Werte werden aufgrund ihrer Hingabe an antike Gottheiten zerstört. Die Rückkehr zu den Werten von Kunst und Wissenschaft in Europa erfolgt erst während der Renaissance (Revival).

Künstler der Frührenaissance (Revival) müssen die Leistungen und das Niveau der antiken Künstler aufholen und wiederbeleben. Was wir an der Arbeit der Künstler der Frührenaissance bewundern, war das Niveau der Meister Roms. Ein anschauliches Beispiel für den Verlust mehrerer Jahrhunderte der Entwicklung der europäischen Kunst (und Zivilisation) während des "dunklen Zeitalters" des Mittelalters, des militanten Christentums und der Inquisition - der Unterschied zwischen diesen Gemälden beträgt 14 Jahrhunderte!

Mit dem Aufkommen und der Verbreitung der Technik der Ölfarbenherstellung und der Maltechnik im 15.

Die Malerei erlebte in der Renaissance einen enormen Qualitätssprung, vor allem dank der Arbeit von Leon Battista Alberti (1404-1472). Er legte erstmals die Grundlagen der Perspektive in der Malerei (Abhandlung "Über die Malerei" 1436). Ihm (seinen Arbeiten zur Systematisierung wissenschaftlicher Erkenntnisse) verdankt die Europäische Kunstschule das Auftauchen (Wiederbelebung) einer realistischen Perspektive und natürlichen Proportionen in der Malerei der Künstler. Bekannt und bekannt für viele Zeichnungen von Leonardo da Vinci "Vitruvianischer Mann"(menschliche Proportionen) im Jahr 1493, gewidmet der Systematisierung von Vitruvs altem Wissen über Proportionen und Komposition, von Leonardo ein halbes Jahrhundert später als Albertis Abhandlung "Über die Malerei" geschaffen wurde. Und Leonardos Werk ist eine Fortsetzung der Entwicklung der europäischen (italienischen) Kunstschule der Renaissance.

Aber die Malerei erlebte ab dem 16.-17. Jahrhundert eine helle und massive Entwicklung, als sich die Technik der Ölmalerei verbreitete, verschiedene Techniken zur Herstellung von Farben auftauchten und Malschulen gebildet wurden. Es ist das System der Wissens- und Kunsterziehung (Maltechnik), das in Kombination mit der Nachfrage nach Kunstwerken von Adel und Monarchen zu einer raschen Blüte der bildenden Künste in Europa (Barockzeit) führt.

Die unbegrenzten finanziellen Möglichkeiten europäischer Monarchien, Aristokraten und Unternehmer wurden im 17.-19. Jahrhundert zu einer hervorragenden Grundlage für die Weiterentwicklung der Malerei. Und die Schwächung des Einflusses der Kirche und der weltlichen Lebensweise (multipliziert durch die Entwicklung des Protestantismus) ermöglichte die Geburt vieler Handlungen, Stile und Richtungen in der Malerei (Barock und Rokoko).

Im Laufe der Entwicklung der bildenden Kunst haben Künstler eine Vielzahl von Stilen und Techniken geformt, die in ihren Werken zu einem Höchstmaß an Realismus führen. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts (mit dem Aufkommen modernistischer Strömungen) begannen interessante Veränderungen in der Malerei. Die Verfügbarkeit von Kunstvermittlung, massiver Wettbewerb und hohe Anforderungen des Publikums (und Käufers) an die Kunst der Künstler führen zu neuen Ausdrucksweisen. Die bildende Kunst ist nicht mehr nur durch das technische Niveau der Aufführung begrenzt, Künstler streben danach, ihren Werken besondere Bedeutungen, Sichtweisen und Philosophien zu verleihen. Was oft zu Lasten des Leistungsniveaus geht, wird zu Spekulation oder Unverschämtheit. Die Vielfalt aufkommender Stile, lebhafte Diskussionen und sogar Skandale lassen das Interesse an neuen Formen der Malerei wachsen.

Moderne computergestützte (digitale) Zeichentechniken beziehen sich auf Grafiken und können nicht als Malerei bezeichnet werden, obwohl viele Computerprogramme und -geräte es Ihnen ermöglichen, alle Maltechniken mit Farben vollständig zu wiederholen.

). Im Rahmen dieses Artikels betrachten wir jedoch nur die Objektkunst.

Historisch wurden alle Genres in High und Low unterteilt. ZU hohes Genre oder Historienmalerei umfassten Werke monumentalen Charakters, die eine Art Moral aufweisen, eine bedeutende Idee, die historische, militärische Ereignisse in Verbindung mit Religion, Mythologie oder künstlerischer Fiktion zeigt.

ZU niedriges Genre alles zugeschrieben, was mit dem täglichen Leben verbunden ist. Dies sind Stillleben, Porträts, Haushaltsmalerei, Landschaften, Tierdarstellungen, Bilder von nackten Menschen und so weiter.

Animalismus (lat.animal - animal)

Das animalische Genre entstand in der Antike, als die ersten Menschen Raubtiere auf die Felsen malten. Allmählich entwickelte sich diese Richtung zu einem eigenständigen Genre, das ein ausdrucksstarkes Bild von Tieren impliziert. Tierfreunde zeigen in der Regel ein großes Interesse an der Tierwelt, sie können beispielsweise hervorragende Reiter sein, Haustiere halten oder einfach lange ihre Gewohnheiten studieren. Durch die Intention des Künstlers können Tiere realistisch oder in Form von künstlerischen Bildern erscheinen.

Unter russischen Künstlern waren viele zum Beispiel mit Pferden vertraut und. So werden in Vasnetsovs berühmtem Gemälde "Helden" heroische Pferde mit größtem Können dargestellt: Farben, Tierverhalten, Zaumzeug und ihre Verbindung zu Reitern sind sorgfältig durchdacht. Serov mochte Menschen nicht und hielt das Pferd in vielerlei Hinsicht für besser als den Menschen, weshalb er es oft in verschiedenen Szenen porträtierte. Obwohl er Tiere malte, betrachtete er sich selbst nicht als Animalist, so dass die Bären in seinem berühmten Gemälde "Morgen im Kiefernwald" von dem Animalisten K. Savitsky geschaffen wurden.

Besonders beliebt waren in der Zarenzeit Porträts mit Haustieren, die dem Menschen ans Herz gewachsen waren. Auf dem Gemälde erschien zum Beispiel Kaiserin Katharina II. mit ihrem geliebten Hund. Tiere waren auch in Porträts anderer russischer Künstler zu sehen.

Beispiele für Gemälde berühmter russischer Künstler des Genres

Historische Malerei

Dieses Genre impliziert monumentale Gemälde, die der Gesellschaft einen grandiosen Plan, eine Art Wahrheit, Moral oder bedeutende Ereignisse vermitteln sollen. Es umfasst Werke zu historischen, mythologischen, religiösen Themen, Folklore sowie militärischen Szenen.

In alten Staaten galten Mythen und Legenden lange Zeit als Ereignisse der Vergangenheit, daher wurden sie oft auf Fresken oder Vasen abgebildet. Später begannen Künstler, die Ereignisse von der Fiktion zu trennen, was sich vor allem in der Darstellung von Kampfszenen ausdrückte. Im alten Rom, Ägypten und Griechenland wurden oft Szenen heroischer Schlachten auf den Schilden siegreicher Krieger abgebildet, um ihren Triumph über den Feind zu demonstrieren.

Im Mittelalter überwogen aufgrund der Dominanz kirchlicher Dogmen religiöse Themen, in der Renaissance wandte sich die Gesellschaft vor allem der Vergangenheit zu, um ihre Staaten und Herrscher zu verherrlichen, und ab dem 18. der Ausbildung junger Menschen. In Russland verbreitete sich das Genre im 19. Jahrhundert, als Künstler oft versuchten, das Leben der russischen Gesellschaft zu analysieren.

In den Werken russischer Künstler wurde beispielsweise Schlachtmalerei präsentiert und. In seinen Gemälden berührte er mythologische und religiöse Themen. Historische Malerei herrschte bei, Folklore - bei.

Beispiele für Gemälde berühmter russischer Künstler im Genre der Historienmalerei

Stillleben (fr. Natur - Natur und Morte - tot)

Dieses Genre der Malerei wird mit der Darstellung lebloser Gegenstände in Verbindung gebracht. Dies können Blumen, Früchte, Geschirr, Wild, Küchenutensilien und andere Gegenstände sein, aus denen der Künstler oft eine Komposition nach seiner Intention komponiert.

Die ersten Stillleben erschienen in alten Ländern. Im alten Ägypten war es üblich, den Göttern Opfergaben in Form verschiedener Speisen darzustellen. Gleichzeitig stand die Anerkennung des Themas an erster Stelle, daher kümmerten sich die antiken Künstler nicht besonders um Hell-Dunkel oder die Textur von Stillleben-Objekten. Im antiken Griechenland und Rom wurden Blumen und Früchte in Gemälden und in Häusern zur Dekoration des Innenraums gefunden, um sie authentischer und malerischer darzustellen. Die Entstehung und Blüte dieses Genres fällt auf das 16. und 17. Jahrhundert, als Stillleben begannen, verborgene religiöse und andere Bedeutungen zu enthalten. Gleichzeitig erschienen viele Sorten davon, je nach Motiv des Bildes (Blumen, Früchte, Wissenschaftler usw.).

In Russland blühte das Stillleben erst im 20. Jahrhundert auf, da es zuvor hauptsächlich zu Bildungszwecken verwendet wurde. Aber diese Entwicklung war schnell und erfasst, einschließlich des Abstraktionismus mit all seinen Richtungen. So hat er beispielsweise in seinen Stillleben wunderschöne Blumenkompositionen geschaffen, bevorzugt, eingearbeitet und oft "wiederbelebt", die beim Betrachter den Eindruck erwecken, dass das Geschirr vom Tisch fällt oder alle Gegenstände sich nun zu drehen beginnen.

Die von den Künstlern dargestellten Objekte wurden zweifellos von ihren theoretischen Ansichten oder ihrer Weltanschauung beeinflusst. Es handelte sich also um Objekte, die nach dem von ihm entdeckten Prinzip der sphärischen Perspektive dargestellt wurden, und expressionistische Stillleben beeindruckten in ihrer Dramatik.

Viele russische Künstler verwendeten Stillleben hauptsächlich zu Bildungszwecken. So verfeinerte er nicht nur seine künstlerischen Fähigkeiten, sondern führte auch viele Experimente durch, legte Objekte auf unterschiedliche Weise an und arbeitete mit Licht und Farbe. experimentierte mit Form und Farbe der Linie, bewegte sich dann weg vom Realismus hin zum reinen Primitivismus und mischte dann beide Stile.

Einige Künstler kombinierten in Stillleben das, was sie früher dargestellt hatten, und ihre Lieblingssachen. Auf den Gemälden finden Sie zum Beispiel seine geliebte Vase, Notizen und das Porträt seiner Frau, das er zuvor geschaffen hat, und zeigt Blumen, die er seit seiner Kindheit liebte.

Viele andere russische Künstler, zum Beispiel, arbeiteten auch im gleichen Genre.

Beispiele für Gemälde berühmter russischer Künstler im Genre Stillleben

Nu (fr.nudite - Nacktheit, abgekürzt nu)

Dieses Genre soll die Schönheit des nackten Körpers darstellen und erschien vor unserer Zeitrechnung. In der Antike wurde der körperlichen Entwicklung viel Aufmerksamkeit geschenkt, da das Überleben der gesamten Menschheit davon abhing. So traten im antiken Griechenland Sportler traditionell nackt gegeneinander an, damit Jungen und junge Männer ihre gut entwickelten Körper sehen und nach der gleichen körperlichen Perfektion streben konnten. Um das 7.-6. Jahrhundert. BC e. nackte männliche Statuen erschienen, die die körperliche Stärke eines Mannes verkörperten. Weibliche Figuren hingegen traten stets in Gewändern vor dem Publikum auf, da es nicht üblich war, einen weiblichen Körper zu entblößen.

In den folgenden Epochen änderte sich die Haltung gegenüber nackten Körpern. So trat in den Tagen des Hellenismus (ab Ende des 6. Jahrhunderts v. Chr.) die Ausdauer in den Hintergrund und wich der Bewunderung der männlichen Figur. Zur gleichen Zeit tauchten die ersten weiblichen Aktfiguren auf. Im Barock galten Frauen mit prachtvollen Formen als Ideale, im Rokoko wurde die Sinnlichkeit groß geschrieben und im 19.-20. Jahrhundert wurden Gemälde oder Skulpturen mit nackten Körpern (insbesondere männlichen) oft verboten.

Russische Künstler haben sich in ihren Werken immer wieder dem Akt-Genre zugewandt. Das sind also Tänzerinnen mit theatralischen Attributen, das sind Mädchen oder Frauen, die im Zentrum monumentaler Handlungen stehen. Es hat viele sinnliche Frauen, auch zu zweit, es hat eine ganze Reihe von Gemälden, die nackte Frauen in verschiedenen Beschäftigungen darstellen, und es hat Mädchen voller Unschuld. Einige stellten zum Beispiel völlig nackte Männer dar, obwohl solche Bilder von der Gesellschaft ihrer Zeit nicht begrüßt wurden.

Beispiele für Gemälde berühmter russischer Künstler im Akt-Genre

Landschaft (fr. Paysage, aus Pays - Gebiet)

In diesem Genre steht das Bild der natürlichen oder vom Menschen geschaffenen Umwelt im Vordergrund: natürliche Ecken, Ansichten von Städten, Dörfern, Denkmälern usw. Je nach gewähltem Objekt werden Natur-, Industrie-, Meer-, ländliche, lyrische und andere Landschaften unterschieden.

Die ersten Landschaften antiker Künstler wurden in Felsmalereien der Jungsteinzeit entdeckt und waren Bilder von Bäumen, Flüssen oder Seen. Später wurde das Naturmotiv verwendet, um das Haus zu dekorieren. Im Mittelalter wurde die Landschaft fast vollständig durch religiöse Themen ersetzt, in der Renaissance hingegen traten harmonische Beziehungen zwischen Mensch und Natur in den Vordergrund.

In Russland hat sich die Landschaftsmalerei seit dem 18. schuf die sogenannte unscheinbare Landschaft, das heißt, anstatt spektakulären Aussichten nachzujagen, stellte er die intimsten Momente der russischen Natur dar. und kam zu einer lyrischen Landschaft, die das Publikum mit einer subtil vermittelten Stimmung verblüffte.

Und dies ist eine epische Landschaft, in der dem Betrachter die ganze Pracht der umgebenden Welt gezeigt wird. Er wandte sich endlos der Antike zu, E. Volkov verstand es, jede diskrete Landschaft in ein poetisches Bild zu verwandeln, verblüffte den Betrachter mit seinem wundersamen Licht in den Landschaften, und er konnte endlos die Waldecken, Parks, Sonnenuntergänge bewundern und diese Liebe an die Zuschauer.

Jeder der Landschaftsmaler konzentrierte sich auf eine solche Landschaft, die ihn besonders stark faszinierte. Viele Künstler kamen an großen Bauprojekten nicht vorbei und malten viele Industrie- und Stadtlandschaften. Darunter sind Werke anderer Künstler. Denkmäler weggetragen, und