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Die Literatur des westlichen Frühmittelalters wurde von neuen Völkern geschaffen, die den westlichen Teil Europas durch die Kelten (Briten, Gallier, Belger, Helvetier) und die alten Germanen bewohnten, die zwischen Donau und Rhein, in der Nähe der Nordsee und in der südlich von Skandinavien (Sueben, Goten, Burgunder, Cherusker, Angles, Sachsen usw.).

Diese Völker verehrten zuerst heidnische Stammesgötter und nahmen später das Christentum an und glaubten, aber am Ende eroberten die germanischen Stämme die Kelten und besetzten das Gebiet des heutigen Frankreichs, Englands und Skandinaviens. Die Literatur dieser Völker wird durch folgende Werke repräsentiert:

• 1. Geschichten über das Leben der Heiligen - Hagiographie. Leben der Heiligen, Visionen und Zaubersprüche;
• 2. Enzyklopädische, wissenschaftliche und historiographische Werke.

Isidor von Sevilla (um 560-636) - "Etymologie oder Anfang"; Beda der Ehrwürdige (um 637-735) - "über das Wesen der Dinge" und "die Kirchengeschichte des Volkes der Engel", Jordan - "über den Ursprung der Taten der Goten"; Alkuin (um 732-804) - Abhandlungen über Rhetorik, Grammatik, Dialektik; Einhard (um 770-840) "Biographie Karls des Großen";

3. Mythologie und heroisch-epische Gedichte, Sagen und Lieder der keltischen und germanischen Stämme. Isländische Sagen, irisches Epos, „Elder Edda“, Younger Edda“, „Beowulf“, karelisch-finnisches Epos „Kalevala“.

Das Heldenepos ist eines der charakteristischsten und beliebtesten Genres des europäischen Mittelalters. In Frankreich existierte es in Form von Gedichten, die Gesten genannt wurden, d.h. Lieder über Taten, Heldentaten. Die thematische Grundlage der Geste bilden reale historische Ereignisse, die größtenteils aus dem 8. - 10. Jahrhundert stammen. Wahrscheinlich entstanden unmittelbar nach diesen Ereignissen Legenden und Legenden darüber. Es ist auch möglich, dass diese Legenden ursprünglich in Form von kurzen episodischen Liedern oder prosaischen Geschichten existierten, die sich in einer vorköniglichen Umgebung entwickelten. Sehr frühe episodische Legenden gingen jedoch über dieses Umfeld hinaus, verbreiteten sich unter den Massen und wurden zum Eigentum der ganzen Gesellschaft: Nicht nur die Militärs, sondern auch Kleriker, Kaufleute, Handwerker und Bauern hörten ihnen mit der gleichen Begeisterung zu.

Das Heldenepos als integrales Bild des Volkslebens war das bedeutendste Erbe der Literatur des frühen Mittelalters und nahm einen wichtigen Platz in der künstlerischen Kultur Westeuropas ein. Laut Tacitus ersetzten Lieder über Götter und Helden die Geschichte für die Barbaren. Das älteste ist das irische Epos. Es bildete sich vom 3. bis zum 8. Jahrhundert. Die epischen Gedichte über Heldenkrieger, die von den Menschen in der heidnischen Zeit geschaffen wurden, existierten zunächst in mündlicher Form und wurden von Mund zu Mund weitergegeben. Sie wurden von Volkserzählern gesungen und gesungen. Später, im 7. und 8. Jahrhundert, nach der Christianisierung, wurden sie von gelehrten Dichtern, deren Namen unverändert blieben, überarbeitet und niedergeschrieben. Für epische Werke ist der Gesang der Heldentaten der Helden charakteristisch; Verflechtung von historischem Hintergrund und Fiktion; Verherrlichung der heroischen Stärke und Taten der Hauptfiguren; Idealisierung des Feudalstaates.

Merkmale des Heldenepos:

• 1. Das Epos wurde unter den Bedingungen der Entwicklung der feudalen Beziehungen geschaffen;
• 2. Ein episches Weltbild reproduziert feudale Verhältnisse, idealisiert einen starken Feudalstaat und spiegelt christliche Überzeugungen wider, chr. Ideale;
• 3. In Bezug auf die Geschichte ist die historische Grundlage deutlich sichtbar, aber gleichzeitig idealisiert, übertrieben;
• 4. Bogatyrs - Verteidiger des Staates, des Königs, der Unabhängigkeit des Landes und des christlichen Glaubens. All dies wird im Epos als nationale Angelegenheit interpretiert;
• 5. Das Epos ist mit einem Volksmärchen verbunden, mit historischen Chroniken, manchmal mit einem Ritterroman;
• 6. Das Epos überlebte in den Ländern Kontinentaleuropas (Deutschland, Frankreich).

Das Heldenepos wurde stark von der keltischen und germanisch-skandinavischen Mythologie beeinflusst. Epen und Mythen sind oft so miteinander verflochten und verflochten, dass es ziemlich schwierig ist, eine Grenze zwischen ihnen zu ziehen. Diese Verbindung spiegelt sich in einer besonderen Form epischer Legenden – Sagas – altisländischer Prosaerzählungen (das isländische Wort „saga“ kommt vom Verb „sagen“) wieder. Die Sagen wurden von skandinavischen Dichtern des 9.-12. Jahrhunderts verfasst. - Skalden. Alte isländische Sagen sind sehr vielfältig: die Sagen über Könige, die Sagen über die Isländer, die Sagen über die Antike ("Die Welsungssage").

Die Sammlung dieser Sagen ist uns in Form von zwei Edda überliefert: "Elder Edda" und "Younger Edda". The Younger Edda ist eine prosaische Nacherzählung alter germanischer Mythen und Legenden, aufgeführt von dem isländischen Historiker und Dichter Snorri Sjurluson in den Jahren 1222-1223. The Elder Edda ist eine Sammlung von zwölf poetischen Liedern über Götter und Helden. Die prägnanten und dynamischen Lieder der Elder Edda, die auf das 5. Jahrhundert zurückgehen und anscheinend im 10. bis 11. Jahrhundert aufgenommen wurden, sind in zwei Gruppen unterteilt: Legenden über Götter und Legenden über Helden. Das Oberhaupt der Götter ist der einäugige Odin, der ursprünglich der Kriegsgott war. Der zweitwichtigste nach Odin ist der Gott des Donners und der Fruchtbarkeit Thor. Der dritte ist der bösartige Gott Locke. Und der bedeutendste Held ist der Held Sigurd. Die Heldenlieder der Älteren Edda basieren auf den gesamtdeutschen epischen Sagen um das Gold der Nibelungen, auf dem ein Fluch liegt und das allen Unglück bringt.

Die Sagen verbreiteten sich auch in Irland, dem größten Zentrum der keltischen Kultur im Mittelalter. Es war das einzige Land "Westeuropas, in das der Fuß des römischen Legionärs nicht ging. Irische Legenden wurden von Druiden (Priester), Barden (Sänger-Dichter) und Feliden (Wahrsager) geschaffen und an Nachkommen weitergegeben. Ein klares und prägnantes irisches Epos entstand nicht in Poesie, sondern in Prosa. Es kann in heroische Sagen und fantastische Sagen unterteilt werden. Der Protagonist der Heldensagen war der edle, schöne und tapfere Cuchulainn. Seine Mutter ist die Schwester des Königs und sein Vater der Gott des Lichts. Cuchulainn hatte drei Fehler: Er war zu jung, zu wagemutig und zu schön. Das alte Irland verkörperte sein Ideal von Tapferkeit und moralischer Perfektion im Bild von Cuchulainn.

In epischen Werken sind oft reale historische Ereignisse und phantastische Fiktion miteinander verwoben. So entstand "Das Hildenbrandlied" auf historischer Grundlage - dem Kampf des Ostgotenkönigs Theoderich mit Odoaker. Dieses altgermanische Epos aus der Zeit der Völkerwanderung stammt aus der heidnischen Zeit und wurde in einer Handschrift des 9. Jahrhunderts gefunden. Dies ist das einzige Denkmal des deutschen Epos, das uns in Liedform überliefert ist.

In dem Gedicht „Beowulf“ – dem Heldenepos der Angelsachsen, das uns in einer Handschrift vom Beginn des 10. Die Welt von "Beowulf" ist die Welt der Könige und Krieger, die Welt der Feste, Schlachten und Duelle. Der Held des Gedichts ist ein tapferer und großmütiger Krieger des Gichtvolkes, Beowulf, der Kunststücke vollbringt und immer bereit ist, den Menschen zu helfen. Beowulf ist großzügig, barmherzig, dem Anführer treu und gierig nach Ruhm und Belohnungen. Er hat viele Heldentaten vollbracht, dem Monster entgegengetreten und es zerstört; besiegte ein anderes Monster in einer Unterwasserwohnung - Grendels Mutter; Er zog mit einem feuerspeienden Drachen in die Schlacht, der über den Angriff auf den alten Schatz, den er bewachte, wütend war und das Land verwüstete. Auf Kosten seines Lebens gelang es Beowulf, den Drachen zu besiegen. Das Lied endet mit einer Szene der feierlichen Verbrennung des Leichnams des Helden auf einem Scheiterhaufen und dem Bau eines Hügels über seiner Asche. So taucht im Gedicht das bekannte Thema Gold auf, das Unglück bringt. Dieses Thema wird später in der ritterlichen Literatur verwendet.

Das unsterbliche Denkmal der Volkskunst ist "Kalevala" - ein karelisch-finnisches Epos über die Heldentaten und Abenteuer der Helden des Märchenlandes Kaleva. "Kalevala" besteht aus Volksliedern (Runen), die von Elias Lennrot, einem Eingeborenen einer finnischen Bauernfamilie, gesammelt und aufgenommen und 1835 und 1849 veröffentlicht wurden. Runen sind auf Holz oder Stein geschnitzte Buchstaben des Alphabets, die von den skandinavischen und anderen germanischen Völkern für Kult- und Gedenkinschriften verwendet wurden. Das ganze "Kalevala" ist ein unermüdliches Lob der menschlichen Arbeit, es ist nicht einmal ein Hauch von "höfischer" Poesie darin.

Das französische Epos "Das Rolandslied", das in einer Handschrift aus dem 12. Die Kampagne gegen die Basken im Gedicht wurde zwar zu einem siebenjährigen Krieg mit den "Ungläubigen" und Karl selbst - von einem 36-jährigen Mann zu einem grauhaarigen alten Mann. Die zentrale Episode des Gedichts, die Schlacht von Ronseval, verherrlicht den Mut der pflichttreuen und "süßen Frankreich".

Das ideologische Konzept der Legende wird durch den Vergleich des Rolandliedes mit den historischen Fakten, die dieser Legende zugrunde liegen, enthüllt. Im Jahr 778 griff Karl der Große in den inneren Streit der spanischen Mauren ein und erklärte sich bereit, einem der muslimischen Könige gegen den anderen zu helfen. Karl überquerte die Pyrenäen, eroberte mehrere Städte und belagerte Zaragoza, aber nachdem er mehrere Wochen unter den Mauern stand, musste er ohne Geld nach Frankreich zurückkehren. Als er durch die Pyrenäen zurückkehrte, legten die Basken, verärgert über den Durchgang fremder Truppen durch ihre Felder und Dörfer, einen Hinterhalt in der Ronseval-Schlucht und töteten viele von ihnen, als sie die Nachhut der Franzosen angriffen. Eine kurze und erfolglose Expedition nach Nordspanien, die nichts mit dem Religionskampf zu tun hatte und mit einem nicht besonders bedeutsamen, aber dennoch ärgerlichen militärischen Misserfolg endete, wurde von den Geschichtenerzählern in ein Bild eines siebenjährigen Krieges verwandelt, der mit die Eroberung ganz Spaniens, dann eine furchtbare Katastrophe beim Rückzug der französischen Armeen, und hier waren die Feinde nicht die baskischen Christen, sondern immerhin Mauren, und schließlich das Rachebild Karls im Form einer grandiosen, wahrhaft "Welt"-Schlacht der Franzosen mit den verbindenden Kräften der gesamten muslimischen Welt.

Neben der für das gesamte Volksepos typischen Hyperbolisierung, die sich nicht nur im Ausmaß der dargestellten Ereignisse, sondern auch in den Bildern übermenschlicher Kräfte und Geschicklichkeit einzelner Charaktere sowie in der Idealisierung der Hauptfiguren manifestierte ( Roland, Karl, Turpin) ist die ganze Geschichte durchdrungen von der Idee eines religiösen Kampfes gegen den Islam und Frankreichs besondere Mission in diesem Kampf. Diese Idee fand ihren lebendigen Ausdruck in zahlreichen Gebeten, himmlischen Zeichen, religiösen Appellen, die das Gedicht füllen, in der Verunglimpfung der "Heiden" - den Mauren, in der immer wieder betonten besonderen Schirmherrschaft, die Karl von Gott gegeben wurde, im Bild von Roland als Ritter - Vasall Karls und Vasall des Herrn, dem er vor seinem Tode seinen Handschuh wie ein Lehnsherr ausstreckt, schließlich nach dem Bilde des Erzbischofs Turpin, der mit einer Hand die französischen Ritter zum Kampf segnet und die Sünden der stirbt, und mit dem anderen besiegt er Feinde und verkörpert die Einheit von Schwert und Kreuz im Kampf gegen die „Ungläubigen“.

"Das Rolandlied" ist jedoch noch lange nicht von seiner national-religiösen Idee erschöpft. Es spiegelte mit großer Eindringlichkeit die gesellschaftspolitischen Widersprüche wider, die für die sich im 10. - 11. Jahrhundert intensiv entwickelnde Zeit charakteristisch waren. Feudalismus. Dieses Problem wird durch die Episode von Ganelons Verrat in das Gedicht eingeführt. Der Grund für die Aufnahme dieser Episode in die Legende könnte der Wunsch der Sänger-Geschichtenerzähler sein, den äußeren fatalen Grund für die Niederlage der "unbesiegbaren" Armee Karls des Großen zu erklären. Aber Ganelon ist nicht nur ein Verräter, sondern der Ausdruck eines bösen Prinzips, das jeder nationalen Sache feindlich gegenübersteht, die Personifizierung des feudalen, anarchischen Egoismus. Dieser Anfang zeigt das Gedicht in seiner ganzen Kraft, mit großer künstlerischer Objektivität. Ganelon ist keineswegs irgendein physischer und moralischer Freak. Dies ist ein würdevoller und mutiger Kämpfer. Das Rolandslied enthüllt nicht so sehr die Schwärze eines einzelnen Verräters - Ganelon, sondern enthüllt die Verderbnis dieses feudalen, anarchischen Egoismus für das Heimatland, für den Ganelon in mancher Hinsicht ein brillanter Vertreter ist.

Neben dieser Opposition von Roland und Ganelon zieht sich eine andere Opposition durch das ganze Gedicht, weniger scharf, aber genauso prinzipientreu - Roland und sein geliebter Freund namens Bruder Olivier. Hier prallen nicht zwei feindliche Kräfte aufeinander, sondern zwei Versionen desselben positiven Prinzips.

Roland in dem Gedicht ist ein mächtiger und brillanter Ritter, der in der Leistung eines Vasallen tadellos ist. Er ist ein Beispiel für ritterliche Tapferkeit und Adel. Aber die tiefe Verbundenheit des Gedichts mit der Volksliedkunst und dem volkstümlichen Heldenverständnis spiegelt sich darin, dass alle ritterlichen Züge Rolands vom Dichter in humanisierter Form, befreit von Klassengrenzen, gegeben werden. Roland ist dem Heldentum, der Grausamkeit, der Gier und dem anarchischen Eigensinn der Feudalherren fremd. Man spürt in ihm ein Übermaß an jugendlicher Kraft, einen freudigen Glauben an die Gerechtigkeit seiner Sache und an sein Glück, einen leidenschaftlichen Durst nach selbstloser Leistung. Voll stolzem Selbstbewusstsein, aber gleichzeitig jeder Arroganz und Eigennutz fremd, widmet er seine Kraft ganz dem Dienst an König, Volk, Heimat. Schwer verwundet, alle seine Kameraden im Kampf verloren, erklimmt Roland einen hohen Hügel, legt sich auf den Boden, legt sein treues Schwert und Olifans Horn neben sich und wendet sein Gesicht Spanien zu, damit der Kaiser weiß, dass er "gestorben ist, aber im Kampf gewonnen." Für Roland gibt es kein zarteres und heiligeres Wort als das "süße Frankreich"; bei dem Gedanken an sie stirbt er. All dies machte Roland trotz seiner ritterlichen Erscheinung zu einem wahren Volkshelden, verständlich und allen nahe.

Olivier ist ein Freund und Bruder, Rolands "schneidiger Bruder", ein tapferer Ritter, der den Tod der Schande des Rückzugs vorzieht. In dem Gedicht beschreibt Olivier den Beinamen „vernünftig“. Dreimal versucht Olivier, Roland davon zu überzeugen, Olifans Horn zu blasen, um die Armee Karls des Großen um Hilfe zu rufen, aber Roland weigert sich dreimal. Olivier stirbt mit seinem Freund und betet vor seinem Tod "für eine süße Heimat".

Kaiser Karl der Große ist Rolands Onkel. Sein Bild in dem Gedicht ist ein etwas übertriebenes Bild des alten weisen Führers. In dem Gedicht ist Charles 200 Jahre alt, obwohl er zum Zeitpunkt der realen Ereignisse in Spanien nicht älter als 36 Jahre war. Auch die Macht seines Imperiums wird in dem Gedicht stark übertrieben. Die Autorin schließt darin sowohl die Länder ein, die ihr wirklich gehörten, als auch diejenigen, die nicht darin enthalten waren. Der Kaiser kann nur mit Gott verglichen werden: Um Zeit zu haben, die Sarazenen vor Sonnenuntergang zu bestrafen, kann er die Sonne stoppen. Am Vorabend des Todes von Roland und seiner Armee sieht Karl der Große einen prophetischen Traum, doch er kann den Verrat nicht mehr verhindern, sondern vergießt nur "Tränenströme". Das Bild von Karl dem Großen ähnelt dem Bild von Jesus Christus - seine zwölf Kollegen (vergleiche mit den 12 Aposteln) und der Verräter Ganelon erscheinen vor dem Leser.

Ganelon ist ein Vasall Karls des Großen, des Stiefvaters des Protagonisten von Rolands Gedicht. Auf Anraten Rolands schickt der Kaiser Ganelon zu Verhandlungen mit dem Sarazenenkönig Marsil. Dies ist eine sehr gefährliche Mission und Ganelon beschließt, sich an seinem Stiefsohn zu rächen. Er geht mit Marsil eine heimtückische Verschwörung ein und kehrt zum Kaiser zurück und überredet ihn, Spanien zu verlassen. Auf Betreiben Ganelons in der Ronseval-Schlucht in den Pyrenäen wird die Armee Karls des Großen, angeführt von Roland, von den zahlenmäßig unterlegenen Sarazenen angegriffen. Roland, seine Freunde und alle seine Truppen sterben, ohne von Ronseval einen Schritt zurückzutreten. Ganelon verkörpert in dem Gedicht feudalen Egoismus und Arroganz, die an Verrat und Schande grenzt. Äußerlich ist Ganelon gutaussehend und tapfer ("er hat ein frisches Gesicht, ein frisches Aussehen und ist tapfer und stolz. Das war ein wagemutiger Mann, sei ehrlich, er war es"). Ganelon vernachlässigt die militärische Ehre und folgt nur dem Wunsch, sich an Roland zu rächen, und wird zum Verräter. Wegen ihm sterben die besten Krieger Frankreichs, daher ist das Ende des Gedichts - die Szene des Prozesses und der Hinrichtung von Ganelon - natürlich. Erzbischof Thurpen ist ein Krieger-Priester, der tapfer gegen die "Ungläubigen" kämpft und die Franken für die Schlacht segnet. Sein Bild ist mit der Idee der besonderen Mission Frankreichs im national-religiösen Kampf gegen die Sarazenen verbunden. Thurpen ist stolz auf sein Volk, das in seiner Furchtlosigkeit mit keinem anderen zu vergleichen ist.

Das spanische Heldenepos "Das Lied von Side" spiegelte die Ereignisse der Reconquista wider - die spanische Eroberung ihres Landes von den Arabern. Die Hauptfigur des Gedichts ist die berühmte Reconquista-Figur Rodrigo Diaz de Bivar (1040 - 1099), die die Araber Sid (Meister) nannten.

Sids Geschichte hat als Material für viele Gotapes und Chroniken gedient.

Die wichtigsten poetischen Legenden über Side, die uns überliefert sind, sind:

• 1) ein Gedichtzyklus über König Sancho II. und die Belagerung von Samara im 13.-14. Jahrhundert, so der spanische Literaturhistoriker F. Kelin, „als eine Art Prolog zum „Lied von meiner Seite“ dienend;
• 2) das "Lied von meiner Seite" selbst, geschaffen um 1140, wahrscheinlich von einem von Sids Kriegern, und in einer einzigen Kopie des 14. Jahrhunderts mit schweren Verlusten erhalten;
• 3) und das Gedicht oder die gereimte Chronik "Rodrigo" in 1125 Versen und verwandte Romanzen über Side.

In dem germanischen Epos "Das Nibelungenlied", das sich im 12.-13. Jahrhundert schließlich aus einzelnen Liedern zu einer epischen Legende entwickelte, gibt es sowohl eine historische Grundlage als auch eine fiktive Erzählung. Das Epos spiegelt die Ereignisse der großen Völkerwanderung des 4.-5. Jahrhunderts wider. es gibt auch eine echte historische Person - den beeindruckenden Anführer Attila, der sich in einen freundlichen, willensschwachen Etzel verwandelte. Das Gedicht besteht aus 39 Liedern - "Abenteuer". Die Handlung des Gedichts führt uns in die Welt der höfischen Feste, der ritterlichen Turniere und der schönen Damen. Der Protagonist des Gedichts ist der niederländische Prinz Siegfried, ein junger Ritter, der viele wunderbare Leistungen vollbracht hat. Er ist kühn und mutig, jung und gutaussehend, frech und arrogant. Aber das Schicksal von Siegfried und seiner späteren Frau Kriemhilda war tragisch, für die der Schatz mit dem Gold der Nibelungen zum Verhängnis wurde.

Das westeuropäische Epos durchläuft in seiner Entstehung zwei Stadien: das Epos des Frühmittelalters (YX Jahrhundert) oder archaisch, einschließlich der deutsch-skandinavischen "Lieder der älteren Edda", keltische Sagen (Skelette), das angelsächsische Epos "Beowulf"; und das Epos des reifen Mittelalters (X-XIII Jahrhundert) oder heroisch.

Die Kirche förderte die Verachtung der lebendigen Sprache des Volkes, kultivierte das "heilige" Latein, das dem Volk unverständlich war. Die Schriften der "Kirchenväter", geistliche Gedichte und das Leben von Heiligen wurden kopiert und verbreitet, doch das christliche Weltbild und die Autorität der Kirche konnten das geistliche Leben der Menschen nicht vollständig unterdrücken. Im frühen Mittelalter existierte und entwickelte sich die mündliche Volkskunst. Im Gegensatz zur wissenschaftlichen Kirchenliteratur wurden Volkslieder, Erzählungen und Legenden in den lebendigen Sprachen der Völker Europas verfasst, die ihr Leben, ihre Bräuche und ihren Glauben widerspiegelten. Als diese Völker später ihre eigene Schriftsprache hatten, wurden Werke der Volkskunst aufgeschrieben. Also kamen sie zu uns.

Zu den frühesten Werken der mündlichen Folklore im mittelalterlichen Europa gehören die Legenden der alten Iren, die sogenannten "Irische Sagen", im II-VI Jahrhundert entstanden. und von Volksbardensängern bewahrt. Die frühesten von ihnen, die heroischen Sagen, spiegeln das Leben der irischen Clans (wie die alten Iren den Clan, die Familiengemeinschaft nannten) in der Zeit des Zusammenbruchs des Clansystems, ihrer Bräuche und mörderischen Kriege wider.

Besonders interessant ist der Sagenzyklus des alten irischen Stammes Ulads. Der Held dieser Sagen - der fabelhafte Held Cuchulainn - ist mit übernatürlicher Stärke, Weisheit und Adel ausgestattet. Für ihn steht nichts über der Clanpflicht. Cuchulainn wird getötet, als er Irland vor Ausländern verteidigte, die aus dem Norden segeln.

Neuere Zeiten beinhalten fantastische Sagen- poetische Legenden über furchtlose irische Seeleute, die auf ihren zerbrechlichen Schiffen die rauen siebendimensionalen Meere und Ozeane durchpflügten. Die geographischen Entdeckungen der alten Iren, die den Weg nach Island und Grönland kannten und anscheinend nach Nordamerika segelten, sind eingefangen in der fantastischen Welt der fantastischen Sagen mit ihren wunderbaren Inseln und verwunschenen Ländern: Keltische Stämme, zu denen die alten Iren gehörten, bewohnte die britischen Inseln und den größten Teil des heutigen Frankreichs, Belgiens und Spaniens. Sie haben ein reiches poetisches Erbe hinterlassen. Eine bemerkenswerte Rolle für die weitere Entwicklung der mittelalterlichen Literatur spielten die keltischen Legenden um den sagenhaften König Artus und seine Ritter, die in Großbritannien entstanden und dann nach Nordfrankreich übertragen wurden. Sie wurden in ganz Westeuropa bekannt.

Ein großes Denkmal der mündlichen Poesie des frühen Mittelalters ist auch „ Ältester Edda"- eine Sammlung von Liedern in Altisländisch, die uns in einer Handschrift des 13. Jahrhunderts überliefert ist. und so benannt im Gegensatz zur "Younger Edda", einer etwas früher gefundenen Abhandlung über das Werk isländischer Skaldensänger. freie norwegische Bauern begannen unter dem Ansturm zunehmender feudaler Unterdrückung nach Island zu ziehen, auf eine fast menschenleere Insel, die im Ozean verloren war. Hier entstand eine Art Republik freier Grundbesitzer, die sich lange Zeit ihre Eigenständigkeit und uralte, vorchristliche Kultur bewahrte, Siedler brachten ihre Poesie nach Island. Die Werke der alten Skandinavier haben sich auf der Insel erhalten und es sind neue Versionen davon entstanden, die den hier vorherrschenden sozialen Bedingungen näher kommen. Die ältesten Lieder der "Elder Edda" erschienen anscheinend im 9.-10. Jahrhundert, noch vor der Auswanderung auf die Insel. Sie sind eng mit den Traditionen der kontinentalen germanischen Stämme verwandt. Sie klingen Echos von viel älteren Legenden -VI Jahrhundert. Die neuesten Edda-Songs wurden in Island zwischen dem 12. und 13. Jahrhundert geschrieben.

"The Elder Edda" besteht aus mythologischen, heroischen und moralinstruktiven Liedern, die die Weltweisheiten des frühen Mittelalters darlegen. Der mythologische Liederzyklus erzählt von den Göttern der alten Skandinavier, die in der himmlischen Stadt Asgard lebten, von den höchste Gottheit, den weisen Odin, seine Frau Frigga, über Thor - Gott Donner und Blitz, über den Kriegsgott Chu und den heimtückischen Loki - den Feuergott. Im himmlischen Palast - Walhalla, das Götterfest, und mit ihnen die Krieger, die den Tod auf dem Schlachtfeld akzeptierten. Die Mythologie der Edda spiegelte die Klassenschichtung der alten skandinavischen Stämme, den Wandel religiöser Kulte in der alten isländischen Gesellschaft wider. Einer der kraftvollsten Songs – „The Divination of the Seer“ vermittelt eine tragische Vorahnung einer Katastrophe, die über der alten heidnischen Welt und dem Stammessystem hängt, „es spricht vom Tod der Götter, vom Ende der Welt heroische Lieder der "Elder Edda" sind voll von Echos der Zeit der Völkerwanderung (IV-VI Jahrhundert) und der historischen Schlachten dieser Zeit. Spätere Lieder der Edda enthielten Erinnerungen an das "Wikingerzeitalter" - die alten skandinavischen Eroberer, die verheerende Überfälle auf die Küsten Europas machten (IX-XI Jahrhundert). Die historische Vergangenheit in diesen Liedern ist mit einem Nebel aus Volksfantasie bedeckt.

Von den Heldenliedern der Edda ist der Liederzyklus über die Niflungen - Feenzwerge, Schmiede und Bergleute - das interessanteste. Der böse Loki nahm ihnen den Schatz weg. Das Gold der Niflungen, das von Hand zu Hand geht, wird zur Ursache für blutigen Streit, den Tod von Helden, den Tod ganzer Stämme. Die Handlung dieser Legende bildete die Grundlage des mittelalterlichen deutschen "Nibelungenliedes". In der gleichen Zeit (X-XII Jahrhundert) blühte am Hof ​​der skandinavischen Feudalherren die Poesie professioneller Skaldensänger auf - Dichter-Vigilanten, die ihrem Gönner mit Schwert und Wort dienten. Unter den Skalden gab es viele Einwanderer aus Island, wo die Poesie höher war als in anderen skandinavischen Ländern. Die Poesie der Skalden entwickelte sich jedoch losgelöst von der volkstümlichen Grundlage und verlor allmählich die majestätische Einfachheit der Edda.

Auch das Genre der Prosa-Sagas (hauptsächlich XII-XIII Jahrhundert) erreichte in Island ein hohes künstlerisches Niveau. Sie schildern wahrheitsgetreu und vielseitig das Leben der Isländer im frühen Mittelalter. Meistens waren solche Sagen eine Art Familienchronik einer Bauernfamilie ("The Saga of Niall"). Manchmal ist eine Saga eine historische Erzählung. Die Saga von Eric dem Roten zum Beispiel erzählt von den Wikingern, die im 10. Jahrhundert entdeckten. Weg nach Amerika. Einige Sagen kehrten zu den alten Traditionen zurück, die aus den Liedern der Edda bekannt waren. Viele isländische Sagen haben wichtige Zeugnisse der engen Verbindung zwischen dem skandinavischen Norden und dem alten Russland erhalten (Die Saga von Olaf Trygvesen, Die Saga von Eimund) Bilder der Volkspoesie des frühen Mittelalters lebten weiterhin in den Werken moderner Schriftsteller. In Nachahmung der Poesie der Kelten schrieb der Dichter D. MacPherson im 18. Jahrhundert. ihre "Lieder von Ossian". Es gibt mehrere "Os-Sian"-Gedichte von Alexander Puschkin ("Kolna", "Evlega", "Osgar"). Die Motive von "Edda" wurden von dem deutschen Komponisten Wagner (siehe Artikel "Richard Wagner") in seinem Musikdrama "Ring der Nibelungen". Die Handlung vieler literarischer Werke wurde der Edda entlehnt, darunter die Handlung von Ibsens Drama (siehe Artikel „Henrik Ibsen“) „Krieger in Helgeland“.

Das führende Genre der mittelalterlichen Literatur war epische gedichte die auf der letzten Stufe der Bildung der Nationen und ihrer Vereinigung zu Staaten unter der Schirmherrschaft des Königs entstand. Die mittelalterliche Literatur jeder Nation hat ihre Wurzeln in der tiefen Antike.

Durch die komplizierte Leinwand fabelhafter Handlungen, durch die scheinbare Einfachheit der Bilder, erscheint die uralte Weisheit, von Generation zu Generation weitergegeben von den Geschichtenerzählern des nebligen Albion - Großbritannien und der Bretagne - einer Halbinsel voller Geheimnisse im Westen Frankreichs ... Picts and Schotten, Briten und Angelsachsen, mysteriöse Kelten, der weise Magier Merlin, der eine prophetische Gabe besaß und viele Ereignisse vorhersagte, die Jahrhunderte später geschahen. Fabelhaft klingende Namen – Cornwall, Wales, Tintagel, Camelot, der mysteriöse Broceliande-Wald. In diesem Wald geschahen, wie die Legenden sagen, viele Wunder, hier kämpften sich die Ritter der Tafelrunde in Duellen, hier befindet sich der Legende nach das Grab von Merlin. Hier sprudelt die magische Quelle Bellanton unter einem flachen Stein hervor. Wenn Sie Wasser aus einer Quelle schöpfen und diesen Stein damit befeuchten, dann weht selbst am heißesten und windstillsten Tag, wenn keine Wolke am Himmel ist, ein starker Wind und es regnet herab. Seit jeher umgeben die Einwohner der Bretagne mit Legenden und Traditionen stehende Steine ​​- Menhire und Steintafeln - Dolmen. Niemand weiß noch genau, wer und wann diese Bauwerke errichtet hat, und daher wird alten Steinen seit langem magische Kräfte zugeschrieben ...

Mythen und historische Fakten, Legenden und Geschichten über Wunder und Heldentaten vieler Generationen werden nach und nach zu einem Heldenepos synthetisiert, das den langen Prozess der nationalen Identitätsbildung widerspiegelt. Das Epos bildet das Wissen des Volkes über die historische Vergangenheit, und der epische Held verkörpert die Idealvorstellung des Volkes von sich selbst.

Trotz der Unterschiede in Bedingungen und Zeitpunkt des Auftretens, Inhalt und Stil frühmittelalterliche Epen haben eine Reihe typologischer Merkmale, die sie von den epischen Monumenten des reifen Mittelalters unterscheiden:

· Im Epos des frühen Mittelalters gibt es eine Art Mythologisierung der Vergangenheit, wenn die Erzählung von historischen Ereignissen mit Mythos und Märchen kombiniert wird;

· Das Hauptthema der epischen Zyklen dieser Zeit ist der Kampf des Menschen mit den ihm feindlichen Naturgewalten, verkörpert in den fabelhaften Bildern von Monstern, Drachen, Riesen usw .;

· Der Held ist in der Regel ein fabelhaft-mythologischer Charakter, der mit wunderbaren Eigenschaften und Eigenschaften ausgestattet ist (durch die Luft fliegen, unsichtbar sein, an Größe wachsen usw.).

Die keltischen (irischen) Sagen, die im II.-VII. Jahrhundert entstanden sind, waren in ihrer Handlung ziemlich verzweigt, ihre Schöpfer werden berücksichtigt Philiden- alte Bewahrer der weltlichen Gelehrsamkeit, Liedermacher von Kampfliedern und Begräbnisklagen. Gleichzeitig entwickelten die Barden eine lyrische Tradition. Der wichtigste Zyklus der irischen Sagen gilt als Ulad(benannt nach einem der alten Stämme Nordirlands), wo der zentrale epische Held ist Cuchulainn... Anschaulich in diesem Zyklus ist die Saga "The Hijacking of the Bull from Kualinge", die eine Reihe von Kämpfen zwischen Cuchulainn und feindlichen Helden darstellt. Der Haupterzählungstext hat viele Verzweigungen, poetische Einfügungen, es steckt viel Mythologisches und Fantastisches darin. Der gequälte Held wird vom Gott Lug in Gestalt eines jungen Kriegers gerettet, die kriegerische Fee Morrigan bietet seine Unterstützung an. Im Mittelpunkt der Saga steht die Schlacht von Cuchulainn mit seinem Schwager, dem mächtigen Helden Ferdiad, der eine geile Haut hatte. Der Kampf dauert drei Tage und Cuchulainn tötet Ferdiad nur mit der bekannten Kampftechnik des "gehörnten Speers". Er leidet sehr darunter, dass er bei der Erfüllung seiner Militärpflicht einen Jugendfreund töten musste, bewusstlos wird und dann trauert. Der braune Bulle aus Kualinge Uladov schlachtet den weißhornigen Bullen ihres Gegners Connacht und rast, verwüstet ihr Land, bis er auf dem Hügel zusammenbricht. Da wegen seiner Entführung der Krieg begann, verliert er jetzt seine Bedeutung, der Frieden ist geschlossen und die Siedlungen beschlagnahmen große Beute.

Skandinavische Lieder über Götter und Helden, die im 13. Jahrhundert in Island populär waren, stammen aus dem 9. – 12. Jahrhundert, dem sogenannten "Wikingerzeitalter", obwohl viel über ihre älteren Ursprünge aussagt. Es ist anzunehmen, dass zumindest einige von ihnen viel früher entstanden sind, auch in der ungeschriebenen Zeit. Sie sind in einem Buch mit dem Titel " Ältester Edda„(Der Name „Edda“ wurde im 17. Jahrhundert vom ersten Forscher des Manuskripts gegeben, der den Titel des Buches des isländischen Dichters und Historikers des 13. Götter in seiner Mythengeschichte, daher wird Snorris Abhandlung meist auch als „ Jüngere Edda", Und eine Sammlung mythologischer und heroischer Lieder -" Elder Edda ". Die Etymologie des Wortes "Edda" ist unklar).

Im Gegensatz zu den Liedern der isländischen Skaldendichter, von denen wir fast alle den Autor kennen, Eddische mythologische Lieder sind anonym. Mythen über Götter, Geschichten über Sigurd, Brunhild, Atli, Gudrun waren öffentliches Eigentum, und die Person, die das Lied nacherzählte oder aufnahm, sogar nachstellte, betrachtete sich nicht als dessen Autor. Von größtem Interesse sind eddische Lieder, die die mythologischen Ideen der alten Skandinavier widerspiegeln. Sie sind spürbar nah am realen Alltag. Die Götter sind hier mächtig, aber nicht unsterblich, ihr Verhalten lässt sich leicht mit dem Leben eines primitiven Stammes in Verbindung bringen: endlose Kriege mit Nachbarn, Polygamie, Beutefang und die ständige Todesdrohung. Alles, was geschieht, ist von einem schicksalhaften Schicksal besonders hart vorbestimmt: Gemeinsam mit der ganzen Welt werden die Götter im Kampf mit den Giganten untergehen, dann aber für ein neues, glückliches Leben wiedergeboren. Dies ist der Inhalt des Liedes "Divination of the Volva":

Am Anfang der Zeit
als Ymir lebte,
war nicht auf der Welt
kein Sand, kein Meer,
da war noch kein land
und das Firmament,
der Abgrund klaffte
das Gras wuchs nicht.
Während die Söhne Bohrs
Midgard, der erstellt hat
fabelhaft,
die Erde wurde nicht erhoben,
Sonne von Süden
leuchtete auf den Steinen,
auf der Erde aufgewachsen
grüne Kräuter.

Dann setzten sich die Götter hin
zum Thron der Macht
und verleihen
wurde heilig,
die Nacht wurde benannt
und zu den Sprösslingen der Nacht -
Abend Morgen
und mitten am Tag -
gab einen Spitznamen,
die Zeit zu berechnen.

... ich kann alles sehen
das Schicksal der Mächtigen
herrliche Götter.

Brüder werden beginnen
sich gegenseitig bekämpfen,
Verwandte in der Nähe
sie werden im Streit sterben;
schmerzhaft in der welt
große Unzucht,
das Zeitalter der Schwerter und Äxte,
Schilde werden brechen,
Zeitalter der Stürme und Wölfe
vor dem Tod der Welt;
eine Person verschonen
Mann wird nicht.

Die Sonne ist dunkel geworden
das Land versinkt im Meer,
vom Himmel fallen
helle Sterne,
die Flamme wütet
die Nahrungsquelle des Lebens,
unerträgliches Fieber
erreicht den Himmel.

Sie sieht:
erhebt sich wieder
aus dem Seeland,
grüner als zuvor;
das Wasser fällt,
der adler fliegt
Fisch aus den Wellen
er will angeln.

Asse treffen sich
zum Idavelle-Feld,
über den Gürtel der Welt
mächtig reden
und merke dir
über glorreiche Ereignisse
und die Runen der Alten
großer Gott.

Nach den Funktionen und den Namen der Götter wird die Verbindung der eddischen Mythologie nicht nur mit dem antiken, sondern auch mit dem altgermanischen verfolgt, was den Wissenschaftlern Anlass gibt, von ihr als deutsch-skandinavisch zu sprechen. Der höchste Gott ist Odin, der Schöpfer der Welt und der Menschen, er verleiht Siege und beschützt die Tapferen. Die Walküren, die geflügelten kriegerischen Töchter Odins, tragen die in den Schlachten gefallenen Helden in seinen Palast Walhalla und dienen ihnen bei Festen mit dem höchsten Gott persönlich. Die meisten sind dazu bestimmt, sich in drei Welten wiederzufinden. Die Oberwelt (Asgard) ist für die Götter, die Mitte (Midgard) ist für die Menschen, die Unterwelt ist das Reich der Toten (Niflheim), wo die Riesin Hel herrscht (alle gehen dorthin, außer denen, die nach Walhalla gehen) .

Der archaischste Teil der "Elder Edda" sind laut ihren Forschern die sogenannten Gnomenstrophen, die die Regeln weltlicher Weisheit und Verhaltensweisen enthalten. Die meisten davon sind in den "Reden des Hohen", also Odins, enthalten. Sie spiegeln das Leben, die Sitten und die Moral der alten Wikinger wider, als menschliche Eigenschaften wie Mut, Streben nach Ruhm, Loyalität gegenüber Freunden gefördert und Feigheit, Gier und Dummheit verurteilt wurden. Viele von ihnen bestechen durch die Tiefe der in ihnen enthaltenen Weisheit und ihre bleibende Bedeutung (einige klingen auch heute noch sehr relevant):

Die heroischen epischen Lieder der "Älteren Edda" beinhalten eine Reihe von Handlungssträngen, die aus den gängigen deutschen Sagen um Sigurd (Siegfried) und den Schatz der Nibelungen bekannt sind. Sie zeichnen sich durch ein hohes heroisches Pathos aus, thematischer Hauptinhalt ist in ihnen ein Umdenken der größten historischen Ereignisse der Zeit der großen Völkerwanderung und der Wikingerzeit als Stammesfehde, Rache für gebrochene Eidversprechen. Dies ist die tragische Geschichte der Riesin Brunhild, die den Tod von Sigurd sucht, der sein Eheversprechen gebrochen hat und den er immer noch liebt. Das sind die blutigen Ausführungen der Geschichten von Gudrun, Gunnar und Hegni, dem Schmied von Velund. Schicksal, Umstände führen zum Tod von würdigen, edlen Helden. Sowohl in mythologischen als auch in heroischen Liedern wird sie von der markanten Ausdruckskraft eddischer Poesie angezogen, die auf dem traditionellen volkspoetischen Arsenal basiert, eine subtile Verbindung von Heldentum und Alltag, Epen und Texten.

Das altdeutsche Folklore-Erbe wird auch durch mythologische und heroische Lieder repräsentiert, die im 1. Jahrhundert von dem römischen Historiker Tacitus erwähnt wurden. Die mythologischen Lieder erzählten vom erdgeborenen Gott Tuisko und seinem Sohn Mann, von dem die Vorfahren des Volkes abstammen. Sie meinten die Söhne Manns - die Vorfahren der wichtigsten deutschen Stämme. Aber unter den kriegerischen Deutschen waren vielleicht Lieder, die ihr militärisches Feldleben, Kämpfe, den Mut einzelner Helden verherrlichen, am häufigsten. Es ist immer ein Krieger, ein Krieger, der zum Ruhm der Familie Heldentaten vollbringt, repräsentiert durch ein Muster an physischer Stärke und Tapferkeit. Eines der überlebenden und selbst dann unvollständigen Monumente des Heldenepos ist um 800 . aufgezeichnet "Lied von Hildebrand"... Es basiert auf den Ereignissen der Zeit des Untergangs des Römischen Reiches und dem im Epos vieler Völker verbreiteten Motiv des zufälligen Duells zwischen Vater und Sohn. Das Werk entbehrt fast jedes beschreibenden Elements und ist ein einem militärischen Ritual entsprechender Dialog voller Heldentum und Dramatik.

Das angelsächsische Volksepos lässt sich dem VIII. Jahrhundert zuordnen. Gedicht "Beowulf"... Anders als die oben besprochenen ist dies ein Werk von großer epischer Form. Hier wird ein beschreibendes Element entwickelt, die Handlung entfaltet sich allmählich, die Erzählung ist voll von Abschweifungen, die die Geschichte der Ereignisse verlangsamen. Die Haupthandlung des Gedichts besteht aus zwei unabhängigen Zeilen, die durch das Thema des Kampfes gegen Monster, die in das friedliche Leben der Menschen eingriffen, vereint sind. Zuerst hilft der ruhmreiche Gautian Held Beowulf dem dänischen König Hrothgar, dem Urenkel des ersten Herrschers Skild Skefing, das humanoide Monster Grendel zu besiegen, und dann, als König der Gautischen Länder, in einem schwierigen Duell, tötet er die feuerspeiender Drache, der sein Land verwüstet hat. ... Das Gedicht beginnt mit einem Trauerbild der Beerdigung des Gründers der dänischen Könige, Skild Skeffing, und endet mit einer feierlichen Szene der Verbrennung des Gichtkönigs Beowulf auf einem Scheiterhaufen und dem Bau eines Hügels über seinem Grab. Man kann die tiefe Symbolik eines solchen Wechsels von zwei Linien annehmen: Die Anführer nur befreundeter Stämme sind gegangen, ihre Nachkommen in den neuen Ländern sind dazu bestimmt, eine einzige angelsächsische Nationalität zu gründen.

Das Epos des reifen Mittelalters unterscheidet sich von den Gedichten der Frühzeit:

· Einen viel kleineren Platz nimmt die Mythologie ein, es handelt sich nicht um Fabelwesen, sondern um Menschen, die zwar mit übertriebenen Eigenschaften ausgestattet sind (das Zeitalter von Karl Vliky, die Stärke von Brunhilda usw.);

· Die Hauptfigur kämpft mit Heiden für die Wahrheit des christlichen Glaubens;

· Zuerst -. Das zweite ist. Das dritte ist. Einige Gedichte konzentrieren sich auf eines dieser Themen, andere betonen für sie die Hauptsache und machen den Rest zweitrangig.

· Das zentrale Thema ändert sich. es kann in drei Bereiche unterteilt werden: 1) Verteidigung der Heimat gegen äußere Feinde (Mauren (Sarazenen), Normannen, Sachsen); 2) endloser blutiger Feudalstreit; 3) treuer Dienst am König, Schutz seiner Rechte und Bestrafung von Abtrünnigen

In epischen Legenden spielt nun ein treuer Vasall seines Oberherrn eine sehr wichtige Rolle. Dies wurde von der Ideologie der Feudalgesellschaft gefordert.Der Prozess der Konsolidierung der Nationen endete: Die zuvor zerstreuten Stämme vereinigten sich unter der Schirmherrschaft des Königs, der zum Symbol der nationalen Einheit wurde. Dem König zu dienen war die Verkörperung des Patriotismus, da er automatisch dem Mutterland und dem Staat diente. Die Pflicht treuer Vasallen ist bedingungsloser Gehorsam gegenüber dem König.

So ist zum Beispiel der Held der Franzosen "Gesänge von Roland", der sein Leben nicht verschonte, um König Karl dem Großen zu dienen. Er, an der Spitze einer kleinen Abteilung Franken in der Ronseval-Schlucht, wehrt einen Angriff einer sarazenischen Armee von vielen Tausenden ab. Auf dem Schlachtfeld sterbend, bedeckt der Held seine militärische Rüstung mit seinem Körper, legt sich den Feinden zugewandt hin, "damit Karl seinem glorreichen Gefolge sagen würde, dass Graf Roland gestorben, aber gewonnen hat."

Karl suchte Roland auf dem Hügel.

Dort ist das Gras nicht grün - die Farbe ist rot:

Französisches Blut glüht auf ihr.

Karl weinte - kein Urin zum Weinen,

Er sah drei Blöcke zwischen zwei Bäumen,

Durandal sah eine Spur an ihnen,

Neben ihnen fand ich meinen Neffen im Gras.

Wie konnte der König nicht von ganzem Herzen trauern!

Er stieg ab, wo der Tote lag,

Er drückte den Verstorbenen an seine Brust

Und mit ihm warf ich mich gefühllos auf den Boden.

Roland ist der Held zahlreicher Lieder über Kleidung, der sogenannten Chansons de Geste, die von Volkssängern, den Jongleuren, vorgetragen werden. Wahrscheinlich wiederholten sie die Texte der Lieder nicht mechanisch, aber sie brachten oft etwas Eigenes ein.

Das Denkmal der Volkspoesie basiert auf historischen Ereignissen, die erheblich neu gedacht wurden. 778 unternahm König Karl der Franken einen Feldzug in den Pyrenäen um reiche Beute. Die Invasion der Franken dauerte mehrere Wochen. Dann zog sich Karls Armee zurück, doch die Basken griffen in der Ronseval-Schlucht die Nachhut an, die vom Neffen von König Hruodland befehligt wurde. Die Kräfte waren ungleich, eine Abteilung Franken wurde besiegt und Hruodland getötet. Charles, der mit einer großen Armee zurückkehrte, rächte den Tod seines Neffen.

Die Volkserzähler gaben dem ganzen Geschehen einen außergewöhnlichen Charakter. Aus dem kurzen Feldzug wurde ein siebenjähriger Krieg, dessen Ziel in der Interpretation der Gaukler äußerst edel wurde: Karl wollte die untreuen Sarazenen zum christlichen Glauben bekehren. Die Sarazenen waren der Sammelname für die arabischen Stämme, die auf die Iberische Halbinsel eindrangen, sie waren Muslime, keine Heiden. Aber für die Geschichtenerzähler waren sie nur Nichtchristen, die auf den Weg des wahren Glaubens geführt werden sollten. Der König ist ziemlich alt geworden, das Lied sagt, der graubärtige Alte sei zweihundert Jahre alt. Dies unterstreicht seine Größe und Vornehmheit.

Wo die Wildrose blüht, unter der Kiefer,

Ein goldener ziselierter Thron wurde installiert.

Charles, König von Frankreich, sitzt darauf.

Er hat graue Haare und einen grauen Bart,

Schön von Statur, würdevoll im Gesicht.

Es ist leicht, ihn von weitem zu erkennen.

Die Gesandten stiegen von ihren Pferden und sahen ihn,

Sie verneigen sich vor ihm, wie sie sollten.

Er mochte es, die Antwort langsam abzuwägen.

Ihr Souverän ist sowohl alt als auch grauhaarig.
Er ist über zweihundert Jahre alt, wie ich gehört habe.

Aus Hruodland wurde Roland, aber vor allem erlangte er außergewöhnliche heroische Kraft. Zusammen mit seinen Gefährten: dem Ritter Olivier, Bischof Turpin und anderen tapferen Rittern legte er Tausende von Feinden auf dem Schlachtfeld nieder. Roland hat auch außergewöhnliche Kampfrüstungen: das Schwert Durendal und das Zauberhorn Oliphant. Sobald er in sein Horn blies, hätte ihn der König, wo immer er war, gehört und ihm geholfen. Aber für Roland ist es die größte Ehre, für den König und das süße Frankreich zu sterben.

In der Rüstung der Sarazenen, jeder Maure,

Jeder hat Kettenhemd in drei Reihen.

Alles in guten Saragossa-Shishaks,

Mit Wiener starken geschmiedeten Schwertern,

Mit valencianischen Speeren und Schilden.

Das Abzeichen an der Stange ist gelb, il bel, il al.

Die Araber haben es eilig, die Maultiere zu verlassen,

Die Armee sitzt auf den Kriegspferden.

Der Tag scheint und die Sonne scheint in die Augen

Die Rüstung der Kämpfer brennt mit Feuer.

Trompeten und Hörner der Mauren klirren,

Für die Franzosen fliegt der Lärm von weitem.

Olivier sagt zu Roland: "Bruder,

Die Ungläubigen wollen uns angreifen."

„Lobe den Schöpfer!“ antwortete Roland ihm.

Wir müssen für den König eintreten.

Der Vasall ist immer gerne bereit, dem Herrn zu dienen,

Hitze für ihn zum Aushalten und Kälte.

Es ist nicht schade, ihm Blut zu spenden.

Lass jeden den Ungläubigen von der Schulter abhacken,

Damit sie keine bösen Lieder über uns schreiben.

Der Herr ist für uns – wir haben Recht, der Feind hat nicht Recht.

Und ich werde dir kein schlechtes Beispiel geben.“ „Aoi!

Rolands Patriotismus kontrastiert mit dem Verrat seines Stiefvaters Ganelon, der eine heimtückische Verschwörung mit Frankengegnern einging.

"Das Rolandslied" nahm über fast vier Jahrhunderte Gestalt an. Die wahren Details wurden teilweise vergessen, aber ihr patriotisches Pathos verstärkte sich, der König wurde als Symbol der Nation und des Staates idealisiert, die Leistung im Namen des Glaubens und des Volkes verherrlicht. Für die Figuren des Gedichts ist der Glaube an die Unsterblichkeit, den der Held durch seine Heldentaten erlangt, höchst charakteristisch.

Ruy Diaz de Bivar, der seinen Spitznamen Sid Campeador (Meisterkrieger) von den Eroberern erhielt, die gezwungen waren, seine Überlegenheit anzuerkennen, dient auch seinem König Alfonso VI. Anfang "Lieder über Side"(XII Jahrhundert) ging verloren, aber die Ausstellung sagte, dass König Alfonso wütend auf seinen treuen Vasallen Rodrigo war und ihn von den Grenzen Kastiliens vertrieb. Volkssänger - in Spanien wurden sie Hugars genannt - betonen in ihren Favoriten die Demokratie, und der Grund für die königliche Ungnade war der Neid und die Verleumdung des Adels. Der neue König Alfons VI., der den Helden zu Unrecht verurteilte und verbannte, täuschte sich zunächst, als er die arroganten Aristokraten von Leon unterstützte, die sich mit dem Verlust des früheren Primats nicht abfinden wollten. Vor allem aufgrund des vernünftigen, unglücklichen Verhaltens von Sid, obwohl er vom König zu Unrecht beleidigt wurde, aber um der nationalen Einheit willen, der der Versuchung der Rache nicht erlag, findet die für alle so notwendige Versöhnung statt. Seine Vasallentreue gegenüber seinem König erscheint in dem Lied nicht weniger als eine tapfere, bedeutende Tat des Helden als militärische Heldentaten und Eroberungen. Bei der Eroberung neuer Ländereien von den Arabern schickt Sid jedes Mal einen Teil des Tributs an den König und erlangt so nach und nach Vergebung.

Im ersten Teil des Liedes, künstlerisch überzeugend ergänzend eine lange Geschichte über die Vertreibung von Sid, den Abschied von seiner Frau Dona Jimena und den kleinen Töchtern Elvira und Sol, mit einer Geschichte über die immer bedeutender werdenden Siege des Helden über die Mauren und die reiche Beute , die er großzügig mit dem König teilt. Der zweite Teil ist der Frage gewidmet, wie nach der Eroberung Valencias durch Sid und der endgültigen Aussöhnung mit ihm durch Alfonso VI. die Hochzeiten seiner Töchter mit den edlen Infants de Carrion geplant werden. Nur die Verdienste des Helden, der seiner Herkunft nach infancon war und vom König besonders hervorgehoben wurden, erlaubten ihm, sich mit der höchsten Aristokratie zu verheiraten. Der dritte Teil ist eine Geschichte darüber, wie abscheulich und kaufmännisch Sids Schwiegersöhne waren, wie entschieden er den König und die Cortes bestrafen will und wie die Prinzen von Navarra und Aragon ihre Anwälte schicken, um um die Hand zu bitten von Doña Elvira und Doña Sol.

Das Image von Sid besticht durch seine realistische Vielseitigkeit. Er ist nicht nur ein tapferer General, sondern auch ein feinsinniger Diplomat. Wenn er Geld brauchte, verachtete er nicht durch Täuschung, täuschte die leichtgläubigen Wucherer geschickt und hinterließ sie als Hypothekenkisten mit Sand und Steinen. Sid durchlebt eine harte Trennung von seiner Frau und seinen Töchtern, und als der König sie wegen bemerkenswerter Schwindler heiratet, leidet er unter der zugefügten Beleidigung und appelliert an den König und die Cortes um Gerechtigkeit. Nachdem er die Ehre der Familie wiederhergestellt und die königliche Gunst gewonnen hat, ist Sid zufrieden und heiratet seine Töchter in zweiter Ehe, jetzt mit würdigen Verehrern. Die Realitätsnähe des epischen Helden des spanischen Epos erklärt sich daraus, dass "The Song of Side" nur hundert Jahre nach Rodrigos Leistung entstand. In den folgenden Jahrhunderten entstand der Zyklus "Romancero", der von der Jugend des epischen Helden erzählt.

Germanisches Heldenepos "Lied der Nibelungen" wurde um 1200 aufgezeichnet, aber seine Handlung stammt aus der Zeit der "großen Völkerwanderung" und spiegelt ein echtes historisches Ereignis wider: den Tod des burgundischen Königreichs, das 437 von den Hunnen zerstört wurde. Aber wie bereits erwähnt, haben die nibelungenischen Helden einen noch älteren Ursprung: Helden mit ähnlichen Namen und Schicksalen tauchen im skandinavischen Denkmal "The Elder Edda" auf, das die archaische Ära der Wikinger widerspiegelte. Die skandinavischen und germanischen Helden haben jedoch auch erhebliche Unterschiede. In der Edda sind die Ereignisse überwiegend mythologischer Natur, während sich im Nibelungenlied neben Mythen und Sagen auch Geschichte und Moderne spiegeln. Es wird weniger von einem heroischen als von einem tragischen Beigeschmack dominiert; die Initiative gehört den Menschen mit starken, grausamen Leidenschaften, denen, die den Tod bringen und allem Aufrichtigen, Reinen (auch den guten Hexenkräften) und sich selbst. Der hellste Held des Liedes des holländischen Prinzen Siegfried wird also weder durch seine heroische Stärke und Unverwundbarkeit, die er erhalten, nachdem er im Blut des von ihm getöteten Drachen gebadet wurde, noch durch den unsichtbaren Hut vor dem Tod gerettet. Ein schreckliches Schicksal wiederum ereilt alle, die an der heimtückischen Ermordung Siegfrieds beteiligt waren, der sich seinen unermesslichen Reichtum aneignete und im Rheinwasser versteckte - den nibelungenischen Schatz (der Name des Schatzes geht auf die burgundischen Ritter zurück, die Schätze an sich rissen) , genannt die Nibelungen - die Bewohner des "Landes der Nebel") ...

Da das "Nibelungenlied" über mehrere Jahrhunderte hinweg entstanden ist, agieren seine Helden in unterschiedlichen Zeitdimensionen und verbinden in ihren Köpfen die Kühnheit tapferer Taten mit der Einhaltung höfischer Etikette. Insbesondere die höfische Poesie des 12. prägte das germanische Heldenepos.

Das groß angelegte "Das Nibelungenlied" ist in zwei ziemlich unabhängige Teile gegliedert. Ereignisse im ersten Zentrum rund um den Hof des Burgunderkönigs Gunther, wo Siegfried am Anfang der Geschichte ankommt. Der niederrheinische Prinz, Sohn des holländischen Königs Sigmund und Königin Sieglinde, der Bezwingerin der Nibelungen, die ihren Schatz – das Gold des Rheins – besaßen, ist mit allen ritterlichen Tugenden ausgestattet. Er ist edel, tapfer, höflich. Pflicht und Ehre sind für ihn vor allem. Die Autoren von "Lied des Nibelungen" betonen seine außergewöhnliche Attraktivität und körperliche Stärke. Schon sein Name, bestehend aus zwei Teilen (Sieg – Sieg, Fried – Friede) – drückt die nationale deutsche Identität in der Zeit der mittelalterlichen Kämpfe aus. Er kam an den Hof Gunthers mit der Absicht, seine Schwester Krimhild zu heiraten. Gerüchte über ihre außergewöhnliche Schönheit erwiesen sich für den Helden als so überzeugend, dass er sich in Abwesenheit in sie verliebte und bereit war, alles zu tun, um ihre Hand und ihr Herz zu gewinnen. Gunther ist nicht abgeneigt, sich mit dem stärksten der Ritter zu verheiraten, stellt jedoch vorläufig eine Reihe von Bedingungen dar, von denen die wichtigste darin besteht, ihm zu helfen, die isländische Kriegerin Brunhilda in Besitz zu nehmen, die er in den meisten Fällen nicht besiegen konnte schwieriger Sport (und das sind ihre Ehebedingungen). Dank des Unsichtbarkeitshutes bietet Siegfried Gunther diskret eine Lösung nicht nur für sportliche Probleme, sondern nimmt Brunhilda in der Hochzeitsnacht auch den Ring und den Gürtel der Unschuld ab. Anschließend werden diese Gegenstände die beiden Königinnen streiten, den Hass der beleidigten Brunhilda auf Siegfried entfachen und zu einer tragischen Auflösung führen. Gunther wird auf die Seite seiner Frau treten, und der Vasall Hagen von Tronier wird Siegfried mit seinem Einverständnis heimtückisch an der einzigen verwundbaren Stelle seines Rückens schlagen (beim Baden im Drachenblut stellte sich heraus, dass dieser von einem umgefallenen Lindenblatt bedeckt war .) ) und seinen Schatz in Besitz nehmen.

Der zweite Teil führt uns an den Hof des Hunnenkönigs Etzel (Attila), wo die Witwe Siegfried Krimhild, die seine Frau wurde, viele Jahre später eine blutige Rache für die vergangenen Gräueltaten üben wird. Vorgebend, alles sei schon vergessen, lädt sie die Burgunderritter, angeführt von ihrem Bruder Günther, herzlich zu einem Besuch ein. Als sie es endlich wagten zu kommen, befahl er, alle zu vernichten. Beim verwundeten Hagen versucht sie herauszufinden, wo der Schatz versteckt ist, und als dies fehlschlägt, schlägt sie ihm den Kopf ab. Sowohl Etzel als auch Hildebrand, der an seinem Hof ​​war, waren von der Grausamkeit der Repressalien gegen ruhmreiche Männer so beeindruckt, dass Hildebrand selbst Kriemhild tötete. Der Clan der Nibelungen liegt im Sterben, ein unglücklicher Schatz ist in den Tiefen des Rheins für immer verloren, der noch viele Suchende an sich ziehen wird.

Das Nibelungenlied ist eine Geschichte über die Wechselfälle menschlicher Schicksale, über die Bruderkriege, die die feudale Welt zerrissen.

Serbisches Heldenepos- einer der Bestandteile des volkspoetischen Erbes der Südslawen (Serben, Montenegriner, Slowenen, Kroaten, Bosnier, Mazedonier, Bulgaren). Lieder über die Geschehnisse im 14. Jahrhundert sind von besonderer Dramatik durchdrungen. Türkische Invasion und selbstlose Konfrontation. Im Mittelpunkt steht hier der Kosovo-Zyklus, der umfassend die heroische Schlacht und Niederlage der Serben im Kampf gegen die Türken 1389 auf dem Kosovo-Feld behandelt. Die epische Erzählung zeigt sowohl die größte Tragödie als auch ein lebendiges Symbol für die Tapferkeit und den Patriotismus der Verteidiger ihres Heimatlandes. Der Tod des serbischen Prinzen Lazar und seiner prominentesten Gefährten, das Opfer Tausender Nationalhelden in einem ungleichen Kampf, der Verlust der Unabhängigkeit erscheinen als größte nationale Katastrophe, besprenkelt mit bitteren Tränen der Überlebenden. Ihr Anteil ist nicht beneidenswert, deshalb sind die Bilder von trauernden und mutigen serbischen Frauen von besonderer Wärme und Lyrik durchdrungen: die Mutter der Jugovichs, die neun Söhne verloren hat, der junge Milosevski, die Frau des Gouverneurs Obilic und viele, viele andere. Das Heroische der Gefallenen spiegelt das Heroische der Besiegten, aber nicht Besiegten wider, die in ihren Herzen den Glauben an die kommende Freiheit bewahren.

Das Hauptpathos der epischen Erzählungen des reifen Mittelalters, sei es "Das Rolandslied", "Das Lied von Side" oder die ostslawische "Erzählung von Igors Heer" - ist ein Aufruf zur Festigung der Nation, um eine starke Zentralregierung zu sammeln. Im "Lied der Nibelungen" kommt dieser Gedanke nicht direkt zum Ausdruck, aber durch das ganze Gedicht wird konsequent der Gedanke über die verheerenden Folgen des Machtkampfes, welche Katastrophen der brudermörderische Zwiespalt mit sich bringt, wie gefährlich der Zwiespalt innerhalb eines Familienclans geführt wird und Staat ist.

Lateinische Literatur des Mittelalters. Poesie der Vagabunden.

Kleriker(d. h. kirchliche) mittelalterliche Literatur in lateinischer Sprache, die aus dem Römischen Reich stammt, hat ein ganzes System eigener Gattungen geschaffen. Die wichtigsten davon sind Leben der Heiligen und Visionen.

Hagiographie- Kirchenliteratur, die das Leben der Heiligen beschreibt - erfreute sich während der Jahrhunderte alten Entwicklung des Mittelalters besonderer Beliebtheit. Bis zum X. Jahrhundert. der Kanon dieser literarischen Gattung wurde gebildet: der unverwüstliche, feste Geist des Helden (Märtyrer, Missionar, Kämpfer für den christlichen Glauben), eine klassische Tugendensammlung, ständige Lobpreisformeln. Das Leben des Heiligen bot die höchste moralische Lektion, getragen von Beispielen eines rechtschaffenen Lebens. Die hagiographische Literatur zeichnet sich durch ein Wundermotiv aus, das den gängigen Vorstellungen von Heiligkeit entsprach. Die Popularität der Leben führte dazu, dass Auszüge aus ihnen - "Legenden" in der Kirche gelesen wurden und die Leben selbst in riesigen Sammlungen gesammelt wurden.

Die Tendenz des Mittelalters zur Allegorie, Allegorie drückte die Gattung der Visionen aus. Nach mittelalterlichen Vorstellungen wird die höchste Bedeutung erst durch die Offenbarung offenbart - eine Vision. Im Genre der Visionen offenbarte sich dem Autor im Traum das Schicksal von Mensch und Welt. Die Visionen wurden oft von echten historischen Persönlichkeiten erzählt, was zur Popularität des Genres beitrug. Visionen beeinflussten maßgeblich die Entwicklung der späteren mittelalterlichen Literatur, angefangen bei der berühmten französischen „Romanze der Rose“ (XIII "

Das Genre grenzt an Visionen didaktisch-allegorisches Gedicht(über das Jüngste Gericht, den Sündenfall usw.).

Zu den didaktischen Genres gehören auch Predigten, verschiedene Arten von Maximen (eine Maxime mit moralischem Charakter), die sowohl der Bibel als auch von alten satirischen Dichtern entlehnt sind. Die Maximen wurden in speziellen Sammlungen gesammelt, einer Art Lehrbücher der Weltweisheit.

Neben den epischen Genres der klerikalen Literatur entwickelten sich auch ihre Texte, die ihre eigenen poetischen Bilder und ihren eigenen Stil entwickelten. Unter den lyrischen Gattungen der klerikalen Literatur nahmen geistliche Gedichte und Hymnen, die die Schutzheiligen der Klöster und kirchlichen Feiertage lobten, die dominierende Stellung ein. Hymnen hatten ihren eigenen Kanon. Die Komposition der Hymne über die Heiligen umfasste beispielsweise eine Eröffnung, eine Lobrede auf den Heiligen, eine Beschreibung seiner Heldentaten, ein Gebet an ihn mit der Bitte um Fürbitte usw.

Von der weltlichen Literatur in lateinischer Sprache sind die historischen Chroniken am interessantesten, in denen Wahrheit und Fiktion oft miteinander verflochten sind. Werke wie "Geschichte der Goten" von Jordan (6. Jahrhundert), "Geschichte der Franken" von Gregor von Tours (6. Jahrhundert), "Geschichte der Dänen" von Sächsischer Grammatik (12 und dienten Schriftstellern des Mittelalters und der Renaissance oft als Handlungsquellen (zum Beispiel zeichnete Shakespeare die Handlung der Tragödie "Hamlet" in der Chronik der sächsischen Grammatik).

Einen besonderen Platz in der lateinischen Literatur des Mittelalters nahmen die freidenkenden, manchmal schelmischen ein Poesie der Vagante oder (eher ein seltener Begriff)) goliards (XI-XIII Jahrhundert). Seine Schöpfer waren Wandermönche, Schulkinder, Studenten, Vertreter der städtischen Bevölkerung. Im frühen Mittelalter (VIII Jahrhundert) entstanden, erreichte die Poesie der Vaganten im XII-XIII Jahrhundert ihren Höhepunkt. im Zusammenhang mit der Entstehung von Universitäten in Europa. Die Vagants waren gebildete Leute: Sie kannten Antike, Folklore, Kirchenliteratur sehr gut, ihre Musik richtete sich an die geistige Elite der mittelalterlichen Gesellschaft - den gebildeten Teil davon, der die poetische Kreativität zu schätzen wusste, aber gleichzeitig auch reisend Dichter blieben gleichsam aus der Gesellschaftsstruktur der mittelalterlichen Gesellschaft "ausgefallen", persönlich unabhängig und finanziell verunsichert - diese Merkmale ihrer Position trugen zur Entwicklung einer thematischen und stilistischen Einheit ihrer Texte bei.

Hier, in der vagantianischen Umgebung, erreichte die lateinische Poesie eine außergewöhnliche und auf den ersten Blick unerwartete Blüte. Die Vagants lebten unter dem Volk, unterschieden sich in ihrer Lebensweise kaum von Volkssängern und Geschichtenerzählern - Jongleuren und Schauspielleuten, aber sie mieden ihre Volkssprache: Sie hielten am Latein als letzte Stütze ihrer gesellschaftlichen Überlegenheit, ihrer kulturellen Aristokratie fest. Den französischen und deutschen Liedern stellten sie ihre eigenen, lateinischen gegenüber.

Das poetische Erbe der Vagants ist breit gefächert: Poesie, die die sinnliche Liebe lobt, Tavernen und Wein, Werke, die die Sünden von Mönchen und Priestern enthüllen, Parodien liturgischer Texte, schmeichelhafte und sogar unverschämte flehende Verse. Die Vagants verfassten auch religiöse Gesänge, didaktische und allegorische Gedichte, aber dieses Thema nahm in ihrem Werk einen unbedeutenden Platz ein.

Über lateinische Handschriften und Sammlungen verstreut sich eine Vielzahl von Vaganten Gedichten und Liedern: Die umfangreichste von ihnen, Benedictbeirensky (Carmina Burana), die im 13. Jahrhundert in Süddeutschland zusammengetragen wurde, umfasst über 200 Gedichte. Die überwiegende Mehrheit dieser Verse ist anonym. Diese Anonymität bedeutet natürlich nicht, dass es keine individuelle Kreativität gab: Hier wie anderswo schufen einige wenige neue und originelle Werke, Dutzende reproduzierten sie mit ihren Imitationen, und Hunderte beschäftigten sich mit der Bearbeitung und Korrespondenz des bereits Geschaffenen. Dabei brauchte der Dichter natürlich nicht selbst ein vagabundierendes Leben zu führen: Jeder ehrwürdige Kleriker hatte eine Schülerjugend hinter seinem Rücken, und viele hatten genug geistiges Gedächtnis, um Worte für die Gefühle ihrer frühen Jahre in . zu finden Ruhe und Frieden. Wenn diese Worte mit den Ideen und Emotionen der Vagant-Masse übereinstimmten, wurden sie von ihnen schnell assimiliert, ihre Gedichte wurden Gemeingut, verloren ihren Namen, wurden hinzugefügt, überarbeitet; es wird fast aussichtslos, das Erscheinungsbild einzelner Autoren von Vagants Werken wiederherzustellen.

Aus diesem namenlosen Element ergeben sich für uns drei Namen, die drei Generationen angehören. Der erste uns bekannte Vagant-Dichter ist Gugon, genannt Primas (d. h. der Ältere) von Orleans, der c. 1130-1140s. Die Gedichte des Primas zeichnen sich durch die Fülle alltäglicher Details für das Mittelalter aus: Sie sind äußerst "irdisch", der Autor betont bewusst die Niederträchtigkeit ihrer Themen - die bettelnden Gaben oder die Vorwürfe, die er erfährt. Er ist der einzige Vagant, der seine Geliebte nicht als konventionelle Schönheit, sondern als prosaische Stadthure darstellt:

Dieses Haus ist elend, schmutzig, elend und hässlich im Aussehen,
Und es liegt nicht viel auf dem Tisch: ein Salat und Kohl -
Das sind alle Leckereien. Und wenn Nässen erforderlich ist, -
Werde Rinderschmalz vom Kadaver kaufen, was auch immer,
Werde für wenig Geld kaufen, sei es ein Schafs- oder Ziegenbein,
Das Brot wird zerquetschen und einweichen, abgestanden seit der letzten Nacht,
Fügen Sie dem Speck Krümel hinzu, würzen Sie dieses Gefängnis mit Wein,
Oder besser gesagt Schlamm, wie Weinschwaden ...

(Übersetzt von M. Gasparov)

Der zweite herausragende Vagant-Dichter ist nur unter dem Spitznamen Arkhipita, dem Dichter der Dichter, bekannt; zehn seiner überlieferten Gedichte wurden 1161-165 geschrieben. und richten sich zum größten Teil an seinen Mäzen Reynald Dasselsky - den Kanzler des Kaisers Friedrich Barbarossa, den der Dichter auf Friedrichs Italienfeldzug und auf dem Rückweg begleitete. Arkhipita ist auch ein Wanderer, auch ein armer Mann, aber seine Gedichte enthalten nicht die ätzende Düsterkeit, die die Gedichte des Primas erfüllt, sondern prunkt mit Leichtigkeit, Ironie und Brillanz. Er stammte nach eigenen Angaben aus einer ritterlichen Familie und ging nur aus Liebe zur "Literatur" zu den Geistlichen. Anstatt über seine individuellen Missgeschicke zu sprechen, malt er ein allgemeines Selbstporträt: Er besitzt das berühmte Geständnis, eines der beliebtesten Vagant-Gedichte:

Nachdem ich den unehrenhaften Weg mit der Bitterkeit des Lebens verurteilt habe,
Ich habe ihr Urteil streng und wenig schmeichelhaft gesprochen:
Aus schwacher, leichter Materie
Ich bin wie ein Blatt, das der umgebende Wind über das Feld bläst ...

Hier bereut der Dichter mit unverhohlenem Vergnügen seine Hingabe erstens der Venus, zweitens dem Spiel und drittens der Schuld; Hier sind einige der berühmtesten Zeilen aus der gesamten Vagant-Dichtung:

Bring mich in die Taverne, Tod, und nicht aufs Bett!
Die Nähe zum Wein liegt mir am Herzen;
Auch das Singen macht den Engeln mehr Spaß:
"Erbarme dich des großen Trunkenbolds, o Gott!"

(Übersetzung von O. Rumer)

Der dritte Klassiker der Vaganten Lyrik schließlich ist uns Walter Chatillonsky, dem Autor von Alexandreida, bereits bekannt. Er war nie ein vakanter Kleriker, er hat überhaupt keine Bettelgedichte, er spricht in seinen Gedichten kaum über sich selbst, sondern setzt sich für seine ganze Gelehrtenschicht ein; die meisten seiner Gedichte sind satirisch, mit Pathos, das die Geldliebe der Prälaten und ihre Gleichgültigkeit gegenüber wahrer Gelehrsamkeit anprangert. Sowohl Walters anklagende Gedichte als auch seine nicht minder brillanten Liebeslieder waren weithin bekannt und sorgten für viele Nachahmungen. Von den drei Dichtern ist Walter der „literarischste“: Er nimmt volkstümliche Motive und setzt sie mit Hilfe eines Arsenals rhetorischer Mittel, das er in Perfektion besitzt, in beispielhafte Gedichte um. Besonders liebt er effektvoll eingesetzte Allegorien, bei denen zunächst ein breites Bild skizziert wird und dann jedes seiner Details eine genaue allegorische Interpretation erhält:

Wenn der Schatten bedeckt ist
Tief liegende Felder, -
Wir müssen auf den Zustrom warten.
Wenn die Höhen bergig sind
Mit einem schwarzen Leichentuch
Versteckt in der schrecklichen Dunkelheit, -
Sichtbar in diesem Phänomen
Enden
Wahre Zeichen.
Tieflandtäler -
Das ist die Essenz der Laien:
Königreiche und Throne
Grafen und Adlige.
Luxus und Eitelkeit
Wie eine Nacht des Bösen
Sie sind überwältigt;
Gottes Strafe
Todesangst
Warten auf Sünder.

(Übersetzt von M. Gasparov)

Leichter kann man sich vorstellen, wie der Primas in einer Taverne Gedichte liest, Arkhipita am Hof, Walter an der Predigtkanzel.

Das 12. Jahrhundert ist von der Kreativität der Begründer der vaganten Poesie erfüllt, das 13. Jahrhundert - mit den Aktivitäten namenloser Epigonen und das 14. Jahrhundert. diese lateinischen Texte verschwinden komplett von der Bühne. Die Krise der Überproduktion des gelehrten Klerus löste sich von selbst, die Interessen der gelehrten Klasse wechselten vom Ovidianismus zur Scholastik und Mystik, und statt wandernder Schulkinder zogen wandernde Mönche-Prediger die Straßen entlang. Und die künstlerische Erfahrung der lateinischen Lyrik des Vaganten ging auf die ritterliche Lyrik in neuen Sprachen über, die ein unvergleichlich breiteres Publikum anzog.

Ritterliche (höfische) Literatur: die Texte der Troubadours, der ritterliche Roman.

Im XI-XII Jahrhundert. die Kirche wird merklich entblutet in den Kreuzzügen, innerkonfessionellen Auseinandersetzungen, Diskussionen über zahlreiche Häresien, Diskussionen auf Kirchenräten über Glaubenskorrekturen und Sitten. Viele ihrer gebildeten Geistlichen gehen in die Welt und werden oft zu vagabundierenden Geistlichen, die besonders skeptisch gegenüber allen möglichen Verboten der Freiheit des menschlichen Geistes und Körpers sind. Der wachsende geistige Durchbruch war immer stärker zu spüren, der das kulturelle Leben immer beharrlicher von religiösen Zentren hin zu ritterlichen Burgen und Städten verlagerte, die ihr Gesicht gewannen. Die säkulare Kultur blieb christlich geprägt. Gleichzeitig prägten Image und Lebensstil der Ritter und Städter ihre Konzentration auf das Irdische, entwickelten besondere Ansichten, ethische Normen, Traditionen und kulturelle Werte. Bevor die eigentliche Stadtkultur entstand, begann sich in der ritterlichen Kultur säkulare Spiritualität durchzusetzen.

Schöpfer und Träger der ritterlichen Kultur war das Militärgut, das im 7.-8. Jahrhundert entstand, als sich die konventionellen Formen des feudalen Grundbesitzes entwickelten. Das Rittertum, eine besondere privilegierte Schicht der mittelalterlichen Gesellschaft, hat im Laufe der Jahrhunderte seine eigenen Traditionen und besonderen ethischen Normen, seine eigenen Ansichten über alle Lebensbeziehungen entwickelt. Die Bildung von Ideen, Bräuchen und Moral des Rittertums wurde in vielerlei Hinsicht durch die Kreuzzüge, seine Bekanntschaft mit der östlichen Tradition, erleichtert.

Die frühesten Zentren einer neuen Kultur sind im französischen Süden, in der Provence, bekannt, und die dort entstandene weltliche Poesie, in der der Ritter und seine schöne Dame die zentralen Helden sind, erhält den Namen höfisch(Hof-aristokratisch) (vom französischen Hof-Gericht).

Höflichkeit, Höflichkeit- der mittelalterliche Liebesbegriff, nach dem die Beziehung zwischen einem Liebhaber und seiner Dame der Beziehung zwischen einem Vasallen und seinem Herrn ähnelt. Den wichtigsten Einfluss auf die Bildung des Ideals der höfischen Liebe hatte der römische Dichter Ovid (1 Ritter verliebt in eine schöne Dame: er zittert vor Liebe, schläft nicht, er ist blass, kann an der Untrennbarkeit seiner Gefühle sterben. Das Konzept eines solchen Verhaltensmodells wurde aufgrund der christlichen Vorstellungen über den Kult der Jungfrau Maria komplizierter - in diesem Fall wurde die Schöne Dame, der der Ritter diente, zum Bild seiner spirituellen Liebe. Bedeutsam war auch der Einfluss der arabischen mystischen Philosophie, die das Konzept des platonischen Gefühls entwickelte. Eines der Zentren der aufkommenden neuen Kultur war der ritterliche Ehrenkodex. Ein Ritter sollte nicht nur tapfer, treu und großzügig sein, er sollte auch höflich, anmutig, attraktiv in der Gesellschaft werden, subtil und zärtlich fühlen können. Zu dem heroischen Ideal früherer Zeiten kommt ein moralisches und ästhetisches hinzu, das ohne Kunst nicht zu fühlen und zu beherrschen ist.

Die Schöpfer der Salonkultur, in der der Schönen Dame - der Herrin des Schlosses - die Mission einer Art Priesterin übertragen wird, waren diejenigen, die sich in großen Höfen niederließen und sich beruflich mit Schreiben, Aufführen und Lehren beschäftigten Troubadours und Spielleute... Groß ist ihr Verdienst, dass sie nicht nur die immer komplexer werdende Welt des Rittertums, die neue innerfamiliäre und gesellschaftliche Rolle der Frau in der Poesie (das 12. Vererbung), sondern auch in der Muttersprache bisher unbekannte Wörter finden, erschaffen, die Gefühle, Gemütszustände und Erfahrungen einer Person ausdrücken.

Den Hauptplatz in der provenzalischen Lyrik nimmt das Thema der hohen höfischen Liebe ein, die als das stärkste moralische Gefühl dient, das einen Menschen verändern, veredeln und erheben kann. Sie war dazu bestimmt, über Klassengrenzen zu triumphieren, sie erobert das Herz eines stolzen Ritters, der sich in einem Vasallenverhältnis mit der Schönen Dame wiederfindet. Um den Platz und die Rolle der Poesie im Leben der Menschen zu verstehen, wurden Troubadours in Anhänger klarer und dunkler Stile unterteilt. Befürworter einer klaren Art sahen es als ihre Pflicht an, für alle und über Dinge zu schreiben, die verständlich, aktuell und in einer einfachen gemeinsamen Sprache sind. Der dunkle Stil bevorzugte vage Andeutungen, Allegorien, Metaphern, komplizierte Syntax, ohne Angst davor zu haben, schwer zugänglich zu sein, und erforderte Mühe, ihn zu verstehen. Hat sich im ersten Fall eine demokratische Tradition aus der Folklore entwickelt, so ist im zweiten die wissenschaftliche Poesie, die Orientierung an einem engen Kreis von Eingeweihten, betroffen.

Höfische Texte hatten ihr eigenes System von Genres.

Cansona- das beliebteste Genre, es ist ein ziemlich umfangreiches Liebesgedicht, das mit Abschiedsworten des Dichters an seine Idee oder Empfehlungen an den Jongleur endet. Seine kürzere Form wurde Vers genannt.

Liebe wird alle Hindernisse hinwegfegen

Wenn zwei eine Seele haben.

Gegenseitige Liebe lebt

Kann hier nicht als Ersatz dienen

Das wertvollste Geschenk!

Es ist schließlich dumm, nach Genüssen zu suchen

Der, den sie nicht mögen!

Ich freue mich mit Hoffnung

Liebe zärtlich für den einen, der atmet,

Wer blüht mit reiner Schönheit,

Dazu, edel, unadressiert,

Wer wurde von einem bescheidenen Schicksal genommen,

Von wessen Perfektion sie sagen

Und Könige werden überall geehrt.

Serena- "Abendlied", gesungen vor dem Haus der Geliebten, in dem die Verherrlichung ihrer Schönheit mit subtilen, für ihren Mann unverständlichen Anspielungen auf die verbotene Liebe, die den Ritter und die Dame verbindet, verwoben werden konnte.

Alba- "Lied der Morgenröte", gesungen im Morgengrauen von einem schlaflosen Freund, um den Ritter, der die Nacht im Schlafzimmer seiner Geliebten verbrachte, zu wecken und eine ungewollte Begegnung mit ihrem Mann zu verhindern.

Weißdornblätter im Garten verwelkt,

Wo Don und ein Freund jeden Moment einfangen:

Der erste Ruf des Horns ist zu hören!

Ach. Dawn, du hast es zu eilig!

Oh, wenn der Herr die Nacht für immer geben würde,

Und mein Schatz hat mich nicht verlassen,

Und der Wachmann vergaß sein Morgenzeichen ...

Ach, Morgendämmerung, Morgendämmerung, Sie haben es zu eilig!

Tenson- ein Streit zwischen Dichtern über moralische, literarische, staatsbürgerliche Themen.

Sirventa- ursprünglich ein Soldatenlied (von Soldaten), später - eine Polemik zu politischen Themen.

Pastorela- eine Geschichte über ein Treffen im Herzen der Natur, ein wandernder Ritter und eine attraktive Hirtin. Sie kann seiner liebevollen Rede erliegen und, verführt, sofort vergessen. Aber er kann als Reaktion auf die Schikanen des Ritters die Dorfbewohner rufen, vor deren Mistgabeln und Knüppel er sich hastig zurückzieht. Zur Rechtfertigung kann er nur den Pöbel und seine unwürdigen Waffen verfluchen.

Ich habe gestern eine Hirtin getroffen,

Hier am Zaun, wandernd.

Lebendig, wenn auch einfach,

Ich traf ein Mädchen.

Sie trägt einen Pelzmantel

Und ein farbiges Katsaveika,

Eine Mütze - um sich vor dem Wind zu verstecken.

Zu den bekanntesten provenzalischen Troubadouren zählen Guillaume VII, Graf von Poitiers (1071-1127), Jaaufre Ruedel (um 1140-1170), Bernart de Ventadorn (geschrieben um 1150-1180), Bertrand de Born (1140-1215), Arnaut Daniel (geschrieben um 1180-1200).

Die Traditionen der provenzalischen Lyrik wurden von deutschen Dichtern fortgeführt - Minnesänger("Sänger der Liebe") - die Autoren der deutschen weltlichen Poesie. Deutsche Ritterlieder - Minnesang- wurde stark von provenzalischen Texten beeinflusst. Gleichzeitig weist die Kreativität der Minnesänger eine Reihe von Besonderheiten auf.

Die Minnesänger haben selbst Musik zu ihren Werken komponiert, aber in der Regel wurden sie von umherziehenden Sängern verteilt - Spielmanns... Obwohl das Hauptthema des Werkes des Minnesängers die Verherrlichung der feinen Gefühle für die Schöne Dame war, ist ihre Poesie wie ihre provenzalischen Vorgänger zurückhaltender, trauriger, zu Didaktik geneigt, oft in religiösen Tönen gefärbt (wobei sie meist weltlich bleiben). Die bekanntesten Minnesänger waren Heinrich von Feldecke, Friedrich von Hausen, Wolfram von Eschenbach und andere.

Zusammen mit den Texten schufen die Ritter ein Genre, das epische Gedichte ersetzte - das ist Roman .

Als Geburtsort der Ritterromantik gelten die französischsprachigen Gebiete im Nordwesten Europas, die im 12. Jahrhundert gegründet wurden. das Wort Roman bedeutete zunächst einfach ein großes Gedicht in einer lebendigen romanischen Sprache (im Gegensatz zu lateinischen Texten). Doch schon bald wird seine eigene genre-thematische Spezifität offensichtlich.

Der Held des Romans ist immer noch der edle Ritter, aber sein Bild unterliegt erheblichen Veränderungen. Das Epos kümmerte sich also nicht um das Aussehen des Heldenritters (Rolands Gesicht ist zum Beispiel unter dem Visier des Ritters nicht zu unterscheiden), während die Autoren von Ritterromanen neben selbstlosem Mut, Mut und Adel das Äußere beachten Schönheit des Helden (Tristans breite Schultern, Locken ...) und seine Fähigkeit, sich zu benehmen: Er ist immer höflich, höflich, großzügig, zurückhaltend im Ausdruck von Gefühlen. Raffinierte Umgangsformen überzeugen in der edlen Herkunft des Ritters. Außerdem hat sich die Einstellung des Helden zu seinem Overlord geändert. Der edle Paladin seines Königs bleibt zwar Vasall, erhält aber oft einen etwas anderen Status: ein Freund und Vertrauter des Monarchen. Und oft sind es Verwandte (Tristan zum Beispiel, der Neffe von König Mark). Auch das Ziel ritterlicher Taten hat sich geändert: Der Held wird nicht nur und nicht so sehr von dem Wunsch getrieben, die Anweisungen seines Meisters und seiner Hingabe zu erfüllen, sondern von dem Wunsch, berühmt zu werden, um die Liebe der Schönen zu gewinnen Dame. In den Romanen (wie im Text) ist die Liebe zu einem Ritter die Freude des irdischen Lebens, und derjenige, dem er sein Herz schenkte, ist eine lebendige körperliche Verkörperung der Madonna.

Der Roman stellt die Liebe in den Mittelpunkt und untermauert die Geschichte um sie mit legendären und historischen Bildern, die damals beeindruckend waren. Der Roman enthält auch notwendigerweise Fiktion in ihrer doppelten Erscheinungsform: als übernatürlich (wunderbar) und als ungewöhnlich (außergewöhnlich), den Helden über die Prosa des Lebens erhebend. Sowohl die Liebe als auch die Fantasie sind mit dem Konzept der Abenteuer bedeckt, auf die die Ritter stürzen.

Die ritterliche Romanze breitete sich über die Gebiete des zukünftigen Deutschland und Frankreich aus und überwand mühelos die Sprachbarriere. Die Autoren der Ritterromane hießen Hosen... Truvers komponierte im Wesentlichen unterhaltsame Geschichten über die endlosen Abenteuer eines Ritters. Chronologisch und thematisch wurden drei Zyklen des Ritterromans gebildet: antik, bretonisch, ostbyzantinisch.

Im antiken Zyklus wurden den Klassikern entlehnte, legendäre und historische Themen ritterlich neu aufgearbeitet. Liebe, Abenteuer, Fantasie dominieren eines der frühesten Werke des Genres - "The Romance of Alexander" (zweite Hälfte des 12. Jahrhunderts) von Lambert le Thor, in dem der berühmte Feldherr als anspruchsvoller mittelalterlicher Ritter präsentiert wird. Die anonyme Romanze des Aeneas (um 1160) geht auf Vergils Aeneis zurück, wo die unterschiedlich gestalteten Liebesbeziehungen des Helden zu Dido und Lavinia hervorgehoben werden. Etwa zur gleichen Zeit erschien Benoit de Saint-Maurs "Roman der Drei", basierend auf Liebesepisoden aus verschiedenen Adaptionen des trojanischen Mythoszyklus.

Der bretonische Zyklus ist der verzweigteste und bezeichnendste für einen ritterlichen Roman. Als Stoff dienten keltische Folklore voller ergreifender Liebesabenteuer, eine ganze Reihe von Legenden um den legendären Briten König Arthur (5.-6. Jahrhundert) und seine Ritter der Tafelrunde, die Prosachronik von Golfried of Monmouth „History of the Kings von Großbritannien“ (ca. 1136). Der gesamte Zyklus kann in vier Gruppen eingeteilt werden: 1) kurz, ähnlich einer Novelle, Breton le; 2) Romane über Tristan und Isolde; 3) die Romane der Tafelrunde - eigentlich Arthurian; 4) Romane über den Heiligen Gral.

Zu den beliebtesten Romanen des bretonischen Zyklus gehört die Legende von der Liebe des jungen Mannes Tristan von Leonois und der Königin von Cornish Isolde Belokura. Entstanden im keltischen Folk-Umfeld, verursachte die Legende dann zahlreiche literarische Fixierungen, zuerst auf Walisisch, dann auf Französisch, von denen aus sie in alle große europäische Literatur umgearbeitet wurde, ohne die slawischen zu umgehen.

Die Zahl der literarischen Denkmäler, in denen die Handlung um die starke, aber sündige Liebe von Tristan und Isolde entwickelt wird, ist sehr groß. Nicht alle von ihnen haben in gleichem Maße überlebt. So ist die Legende nach keltischen Quellen nur in Fragmenten bekannt und ihre frühen französischen Adaptionen sind vollständig verloren gegangen. Französische Poesieromane der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts. haben unsere Zeit auch noch lange nicht vollständig erreicht, spätere Versionen sind viel besser erhalten, aber sie sind viel weniger originell und unverwechselbar. Darüber hinaus zog die im tiefen Mittelalter entstandene Legende auch in der Neuzeit Schriftsteller und Dichter an. Ganz zu schweigen von der Erwähnung der Hauptfiguren der Legende (zB Dante, Boccaccio, Villon und viele andere), August Schlegel, Walter Scott, Richard Wagner und andere widmeten ihr ihre Werke. Alexander Blok wollte ein historisches Drama schreiben auf der Handlung der Legende.

Eine Vielzahl literarischer Werke über die Liebe von Tristan und Isolde führte zu einer Vielzahl von Versionen der Legende. Der früheste Beweis für die folkloristische Existenz der Legende von Tristan und Isolde ("The Triads of the Isle of Britain") sowie ihre ersten literarischen Adaptionen sind Fragmente walisischer Texte. Die Hauptfiguren in ihnen sind "Tristan, der Sohn von Talluh, und Essild, die Frau von Mark". Die Liebenden mit zwei Dienern, die Kuchen und Wein beschlagnahmen, suchen Zuflucht im Wald von Kelidon, aber Markh - Essilds Ehemann - suchte sie zusammen mit den Soldaten auf. „Tristan stand auf und stürzte sich mit erhobenem Schwert in das erste Duell und traf schließlich auf Markh, den Sohn von Mairkhion, der ausrief: „Und auf Kosten meines Lebens möchte ich ihn töten!“ Aber seine anderen Krieger sagten: "Schäm uns, wenn wir ihn angreifen!" Und aus drei Kämpfen ging Tristan unverletzt hervor." Der Streit zwischen Markha und Tristan wird von König Arthur beigelegt, an den sich Markh wendet. „Hier versöhnte Arthur ihn mit Markh, dem Sohn von Mairkhion. Aber obwohl Arthur alle überzeugte, wollte niemand Essild einem anderen überlassen. Und so entschied Arthur: dem einen wird es gehören, während die Blätter der Bäume grün werden, dem anderen - die ganze restliche Zeit. Für ihn hat sich Markh entschieden, denn dann sind die Nächte länger.“ Die Entscheidung des weisen Königs machte die kluge Essild glücklich: „Essild rief aus, als Arthur ihr davon erzählte: „Segne diese Entscheidung und den, der sie getroffen hat!“ Und sie sang so ein Englin:

Ich werde dir drei Bäume nennen,

Sie halten das ganze Jahr über Laub,

Efeu, Stechpalme und Eibe -

Solange wir leben

Niemand kann uns von Tristan trennen.

Eine weitere der frühen Fassungen des Romans, die dem normannischen Trouver Berul gehört, ist eine ausführliche, lange und sehr farbenfrohe Geschichte, in der Tristan und Isolde als unschuldige Opfer eines Liebestranks erscheinen, der ihnen irrtümlicherweise von einem Diener serviert wurde. Das Getränk wird seit drei Jahren gesprochen, in diesen Jahren können die Liebenden nicht ohne einander leben.

Eine weitere große epische Bewegung, die im bretonischen Zyklus entwickelt wurde, waren die Romane der Tafelrunde.

Arthur war ein kleiner Herrscher der Briten. Aber der walisische Autor der historischen Chronik, Galfried of Monmouth, porträtiert ihn als einen mächtigen Herrscher Großbritanniens, der Bretagne und fast ganz Westeuropas, eine halbmythische Figur, einen der Helden des Kampfes der Kelten gegen die Angelsachsen und Jüten. Arthur und seine zwölf treuen Ritter besiegen die Angelsachsen in vielen Schlachten. Er ist die oberste Instanz in der Politik, seine Frau Genievra bevormundet die verliebten Ritter. Lancelot, Gauvin, Ivain, Parzival und andere tapfere Ritter strömen an den Hof von König Artus, wo jeder am runden Tisch einen Ehrenplatz hat. Sein Hof steht im Mittelpunkt von Höflichkeit, Tapferkeit und Ehre. Eine andere Legende ist eng mit der Legende vom Königreich Arthur verbunden - über den Heiligen Gral - den Kelch, in dem das Blut Christi gesammelt wurde. Der Gral wurde zum Symbol des mystischen Ritterprinzips, der Personifikation höchster ethischer Vollkommenheit.

Die eigentliche Gruppe der Artusromane zeichnet sich durch eine Vielzahl von Handlungssträngen, Liebesgeschichten und Heldentaten vieler ruhmreicher Ritter aus, das einzige Gemeinsame war ihnen, dass sie sich bei Turnieren am Hofe von König Artus würdig erwiesen und an seiner berühmten Tafelrunde schlemmen . Am erfolgreichsten wurde dieses Thema von Chrétien de Troyes (um 1130-1191) entwickelt, der sowohl als Lyriker als auch als Autor von Geschichten über Tristan und Isolde, über den Heiligen Gral, bekannt ist. Seine Popularität beruhte nicht nur auf der Fähigkeit, Reales, Legendäres und Fantastisches auf seine Weise zu verbinden, sondern auch auf neuen Ansätzen, weibliche Bilder zu schaffen. Der gebildete talentierte Trouver wurde von Maria Champagne gefördert, die eine Vorliebe für ritterliche Poesie hatte. Chrétien de Trois war produktiv, fünf seiner Romane sind uns überliefert: "Erec und Enida", "Clejes oder der imaginäre Tod", "Yvein oder der Ritter mit dem Löwen", "Lancelot oder der Ritter des Karrens" . Der Hauptkonflikt seiner Romane liegt in der Lösung der Frage, wie man eine glückliche Ehe mit ritterlichen Leistungen verbinden kann. Hat ein verheirateter Ritter Erek oder Evein das Recht, in einer Burg zu sitzen, wenn der Kleine und die Waise von grausamen Fremden beleidigt werden? Am Ende seines Lebens stritt er sich aus unbekannten Gründen mit Maria von Champagne und suchte Schutz bei Philipp vom Elsass. "Parzival oder die Gralslegende" ist der letzte Roman, der uns nicht erreicht hat, aber berühmt wurde durch die sehr lockere Interpretation von Chretiens Text, die von Wolfram von Eschenbach ins Deutsche übersetzt wurde.

Im XIII-XIV Jahrhundert. Immer beliebter werden Werke, in denen Ritter Standhaftigkeit und Entschlossenheit nicht im Dienst, nicht in riskanten Zweikämpfen, sondern in rücksichtsloser idyllischer Liebe beweisen. Die Geschichte "Aucassin und Nicolette" (sie gehört zum ostbyzantinischen Zyklus) beispielsweise zeigt die Hauptfiguren auf diese Weise. Der Sohn des Grafen Aucassin, verliebt in die sarazenische Gefangene Nicolette, ist bereit, gegen den Willen seines Vaters vorzugehen, religiöse und standesgemäße Unterschiede zu verachten. Er tut alles nur um des Glücks mit seiner Geliebten willen und vergisst sogar seine patriotische Pflicht. Seine einzige Tapferkeit ist die Loyalität gegenüber seinem Auserwählten, der wiederum seiner Geliebten leidenschaftlich und rührend ergeben ist. Der nicht offengelegte parodistische Hintergrund solcher Werke, die gleichsam den Beginn einer neuen Ära vorwegnahmen, war indirekter Beweis für den wachsenden Einfluss der urbanen Literatur auf die ritterliche Literatur, die ihre Positionen verlor.

Stadt- und Volksliteratur: Fablio und Schwanki; allegorische Poesie; Volksballaden; Mysterien, Wunder und Farzen.

Mit der Erfindung der Artillerie verlor der Ritterstand allmählich seine gesellschaftliche Rolle, aber die Bürger wurden stärker - die Bürger schlossen sich in Handwerksbetrieben und Kaufmannsgilden zusammen. Mit dem Erhalt der Sonderstadtrechte durch Magdeburg im Jahr 1188 erweiterte sich der Kreis der europäischen Städte, die eine Selbstverwaltung in den wesentlichen Bereichen der rechtlichen, wirtschaftlichen und sozialen Beziehungen anstrebten, rasch. Dank der Entstehung und Verbreitung des Magdeburger Rechts wurden die Erfolge der Städte im Kampf gegen die Feudalmacht um die Selbständigkeit, für die schrittweise Selbstbehauptung des dritten Standes rechtlich verankert.

Zu Beginn des 12. Jahrhunderts bildete sich eine bürgerliche Literatur heraus, die dem Ritterroman und der höfischen Lyrik entgegenstand. Der Städter zeichnet sich durch Bodenständigkeit, Streben nach praktisch-nützlichem Wissen, Interesse nicht an ritterlichen Abenteuern in unbekannten Ländern, sondern an einer vertrauten Umgebung, dem Alltag aus. Er braucht nicht das Wunderbare, seinen eigenen Verstand, harte Arbeit, Einfallsreichtum und am Ende - List und Geschicklichkeit werden seine Stützen bei der Überwindung der alltäglichen Schwierigkeiten. Daher manifestiert sich in der Literatur die Aufmerksamkeit für die Details des Alltags, Einfachheit und Lakonizität des Stils, grober Humor, in dem eine freie Interpretation der etablierten ethischen Einstellungen sichtbar wird. Auf der anderen Seite nehmen darin Werke von lehrreicher, ja schützender Ausrichtung einen bedeutenden Platz ein, in denen privates Unternehmertum, gutes Benehmen und Gottesfurcht verherrlicht werden, verbunden mit scharfer antifeudaler und antikirchlicher Satire.

Die Städter hatten ihre eigenen Gattungen, und die Städter parodierten sie in Anlehnung an die bereits gebildeten Gattungen.Die lachende Literatur des Mittelalters entwickelte sich über ein ganzes Jahrtausend und noch länger, denn ihre Anfänge reichen bis in die christliche Antike zurück. Über einen so langen Zeitraum ihres Bestehens hat sich diese Literatur natürlich sehr stark verändert (die lateinische Literatur hat sich am wenigsten verändert). Diverse Genreformen und stilistische Variationen wurden entwickelt. Das erste, am weitesten entwickelte Genre der Alltagssatire des 12.-13. Jahrhunderts war das französische Fablio.

Fablio(der Name kam vom lateinischen "Plot" aufgrund der anfänglichen Identifizierung einer lustigen, amüsanten Geschichte mit einer Fabel, die bereits unter diesem alten lateinischen Namen bekannt war) waren kleine (bis zu 250-400 Zeilen, selten mehr) Geschichten in Versen, meist achtsilbig, mit einem Paarreim mit einfacher und klarer Handlung und wenigen Zeichen. Fablio wird fast zum am weitesten verbreiteten Genre der urbanen französischen Literatur und erlebt seine Blütezeit in den Jahren, in denen der Niedergang der ritterlichen Literatur beginnt, nominiert Meister wie Henri d'Andely, Jean Bodel, Jacques Bézieu, Gougon Leroy aus Cambrai, Bernier schließlich , wie berühmt Rutboeuf, der erste bemerkenswerte Vertreter der französischen Stadtliteratur, der sich an vielen poetischen Genres versuchte.

Der Begriff „Mittelalter“ entstand in der Renaissance. Die Denker der italienischen Renaissance verstanden sie als ein dunkles "Mittelalter" in der Entwicklung der europäischen Kultur, eine Zeit des allgemeinen Niedergangs, die in der Mitte zwischen der glanzvollen Antike und der Renaissance selbst liegt, einer neuen Blüte der europäischen Kultur, der Wiederbelebung alter Ideale. Und obwohl später, in der Epoche der Romantik, ein "Lichtbild" des Mittelalters entstand, schufen diese beiden Einschätzungen des Mittelalters äußerst einseitige Bilder dieser wichtigsten Etappe der westeuropäischen Kulturentwicklung.

Tatsächlich war alles viel komplizierter. Es war eine komplexe, vielfältige, widersprüchliche Kultur, so wie die mittelalterliche Gesellschaft eine komplexe hierarchische Formation war.

Die westeuropäische mittelalterliche Kultur stellt eine qualitativ neue Etappe in der Entwicklung der europäischen Kultur dar, die der Antike folgt und einen Zeitraum von mehr als tausend Jahren (V-XV Jahrhunderte) umfasst.

Der Übergang von der antiken Zivilisation zum Mittelalter wurde zum einen durch den Zusammenbruch des Weströmischen Reiches verursacht.

Zweitens die Große Völkerwanderung (vom 4. bis 7. Jahrhundert), während der Dutzende von Stämmen eilten, um neues Land zu erobern. Von 375, als die ersten Truppen der Westgoten die Donaugrenze des Reiches überschritten, und bis 455 (der Eroberung Roms durch die Vandalen) ging der schmerzhafte Prozess der Auslöschung der größten Zivilisation weiter. Das Weströmische Reich, das sich in einer tiefen inneren Krise befand, konnte den Wellen der Barbareninvasionen nicht standhalten und hörte 476 auf zu existieren. Infolge der Eroberungen durch die Barbaren entstanden auf seinem Territorium Dutzende von Barbarenkönigreichen.

Mit dem Untergang des Weströmischen Reiches beginnt die Geschichte des westeuropäischen Mittelalters (das Oströmische Reich - Byzanz - existierte noch 1000 Jahre - bis Mitte des 15. Jahrhunderts)

Die Bildung der mittelalterlichen Kultur vollzog sich als Ergebnis eines dramatischen und widersprüchlichen Prozesses der Kollision zweier Kulturen - der Antike und der Barbaren, begleitet einerseits von Gewalt, Zerstörung antiker Städte, Verlust herausragender Leistungen der antiken Kultur ( zum Beispiel wurde die Einnahme Roms durch Vandalen 455 zum Symbol für die Zerstörung kultureller Werte - "Vandalismus"), andererseits - für das Zusammenspiel und die allmähliche Verschmelzung römischer und barbarischer Kulturen.

Die Entstehung der mittelalterlichen Kultur erfolgte durch das Zusammenwirken zweier Prinzipien: der Kultur der Barbarenstämme (germanischen Ursprungs) und der antiken Kultur (romanischen Ursprungs). Der dritte und wichtigste Faktor, der den Prozess der europäischen Kulturbildung bestimmte, war das Christentum. Das Christentum ist nicht nur seine spirituelle Grundlage geworden, sondern auch das integrierende Prinzip, das es uns erlaubt, von der westeuropäischen Kultur als einer einzigen integralen Kultur zu sprechen.

Die mittelalterliche Kultur ist das Ergebnis einer komplexen, widersprüchlichen Synthese alter Traditionen, der Kultur der Barbaren und des Christentums.

Periodisierung der mittelalterlichen Kultur

Das Frühmittelalter - V-IX Jahrhunderte, reifes oder hohes (klassisches) Mittelalter - X-XIII Jahrhunderte werden unterschieden. und später das Mittelalter - XIV-XV Jahrhunderte. Die mittelalterliche Literatur wird in klerikale und weltliche unterteilt.

Merkmale der mittelalterlichen Literatur

1. Die mittelalterliche Literatur war vom traditionalistischen Typ. Während seiner gesamten Existenz hat es sich auf der Grundlage der ständigen Reproduktion einer begrenzten Menge figurativer, ideologischer, kompositorischer und anderer Strukturen entwickelt - Toposen (allgemeine Orte) oder Klischees, die sich in der Beständigkeit von Beinamen, Bildklischees, der Stabilität von Motiven und Themen, die Konstanz des Kanons zur Darstellung der gesamten figurativen Systeme (sei es ein verliebter junger Mann, ein christlicher Märtyrer, ein Ritter, eine Schönheit, ein Kaiser, ein Städter usw.). Ausgehend von diesen Klischees wurden Genretopos gebildet, die einen eigenen semantischen, thematischen und bildlich-expressiven Kanon besaßen (z.

Der mittelalterliche Mensch fand in der Literatur ein allgemein anerkanntes, traditionelles Modell, eine vorgefertigte universelle Formel zur Beschreibung eines Helden, seiner Gefühle, seines Aussehens usw. (Schönheiten sind immer goldköpfig und blauäugig, die Reichen sind geizig, die Heiligen haben eine traditionelle Reihe von Tugenden usw.).

2. Die Bildung mittelalterlicher Themen wurde maßgeblich von der Literatur der Antike beeinflusst. In den Bischofsschulen des frühen Mittelalters lasen vor allem Studenten "vorbildliche" Werke antiker Autoren (die Fabeln von Aesop, die Werke von Cicero, Vergil, Horaz, Juvenal usw.), beherrschten das antike Thema und verwendeten es in ihren eigenen Schriften.

Die ambivalente Haltung des Mittelalters zur antiken Kultur als vornehmlich heidnisch bestimmte die selektive Assimilation alter Kulturtraditionen und deren Anpassung an den Ausdruck christlicher spiritueller Werte und Ideale. In der Literatur drückte sich dies in der Auferlegung eines antiken Themas zum Thema Bibel aus, der Hauptquelle des figurativen Systems der mittelalterlichen Literatur, das die spirituellen Werte und Ideale der mittelalterlichen Gesellschaft heiligte.

3. Ausgeprägter moralischer und didaktischer Charakter. Der mittelalterliche Mensch erwartete von der Literatur Moral, außerhalb der Moral ging ihm der ganze Sinn des Werkes verloren.

4. Die Literatur des Mittelalters basiert auf christlichen Idealen und Werten und strebt nach ästhetischer Perfektion.

Offizielle klerikale Literatur

Didaktik kommt in der klerikalen Literatur deutlich zum Ausdruck. Alte und biblische Themen werden darin häufig verwendet.

Während der Jahrhunderte alten Entwicklung des Mittelalters war die Hagiographie besonders beliebt - kirchliche Literatur, die das Leben der Heiligen beschreibt. Bis zum X. Jahrhundert. der Kanon dieser literarischen Gattung wurde gebildet: der unverwüstliche, feste Geist des Helden (Märtyrer, Missionar, Kämpfer für den christlichen Glauben), eine klassische Tugendensammlung, ständige Lobpreisformeln. Das Leben des Heiligen bot die höchste moralische Lektion, getragen von Beispielen eines rechtschaffenen Lebens. Die hagiographische Literatur zeichnet sich durch ein Wundermotiv aus, das den gängigen Vorstellungen von Heiligkeit entsprach. Die Popularität der Leben führte dazu, dass Passagen aus ihnen - "Legenden" (zum Beispiel die berühmten Legenden über den Heiligen Franziskus von Assisi / 1181 / 1182-1226 /, der den Bettelorden der Franziskaner gründete) gelesen wurden in der Kirche, und die Leben selbst wurden in den umfangreichsten Sammlungen gesammelt. Die Goldene Legende von Yakov Voraginsky (13. Jahrhundert), eine Sammlung des Lebens katholischer Heiliger, wurde im mittelalterlichen Europa weithin bekannt.

Die Tendenz des Mittelalters zur Allegorie, Allegorie drückte die Gattung der Visionen aus. Nach mittelalterlichen Vorstellungen wird die höchste Bedeutung erst durch die Offenbarung offenbart - eine Vision. Im Genre der Visionen offenbarte sich dem Autor im Traum das Schicksal von Mensch und Welt. Die Visionen wurden oft von echten historischen Persönlichkeiten erzählt, was zur Popularität des Genres beitrug. Visionen beeinflussten maßgeblich die Entwicklung der späteren mittelalterlichen Literatur, angefangen mit dem berühmten französischen "Roman der Rose" (XIII ".

An Visionen grenzt die Gattung eines didaktisch-allegorischen Gedichts (über das Jüngste Gericht, den Sündenfall etc.).

Zu den didaktischen Gattungen gehören auch Predigten, verschiedene Arten von Maximen (eine Maxime mit moralischem Charakter), die sowohl der Bibel als auch von alten Satiredichtern entlehnt sind. Die Maximen wurden in speziellen Sammlungen gesammelt, einer Art Lehrbücher der Weltweisheit.

Unter den lyrischen Gattungen der klerikalen Literatur nahmen die Hymnen, die die Schutzheiligen der Klöster und kirchlichen Feiertage loben, die dominierende Stellung ein. Hymnen hatten ihren eigenen Kanon. Die Komposition der Hymne über die Heiligen umfasste beispielsweise eine Eröffnung, eine Lobrede auf den Heiligen, eine Beschreibung seiner Heldentaten, ein Gebet an ihn mit der Bitte um Fürbitte usw.

Die Liturgie, der seit dem 2. Jahrhundert bekannte christliche Hauptgottesdienst, ist streng kanonisch und symbolisch. Die Geburtsstunde des liturgischen Dramas geht auf das frühe Mittelalter zurück. Ihre Ursprünge sind dialogische Einfügungen in den kanonischen Text der Liturgie, die sogenannten Tropen, entstanden am Ende des 9.-10. Jahrhunderts. Anfangs wurden diese Dialoge von einer Pantomime begleitet, die sich nach und nach in Szenen verwandelte und dann zu kleinen Theaterstücken nach biblischen Handlungen, die von Priestern oder Sängern in der Nähe des Altars gespielt wurden. Die katholische Kirche unterstützte das liturgische Drama mit ihrer ausgeprägten Didaktik. Bis zum Ende des XI Jahrhunderts. das liturgische Drama verlor den Bezug zur Liturgie. Neben der Dramatisierung biblischer Episoden begann sie, das Leben der Heiligen zu spielen, wobei sie Elemente des Theaters selbst - die Kulissen - verwendete. Um die Unterhaltung und Spektakulärität des Dramas zu stärken, zwang das Eindringen des weltlichen Prinzips die Kirche zu dramatischen Aufführungen außerhalb des Tempels - zuerst auf der Veranda und dann auf dem Stadtplatz. Das liturgische Drama wurde zur Grundlage für die Entstehung des mittelalterlichen Stadttheaters.

Klerikale Texte

Klerikale Texte stammen aus dem Werk der Vagants (aus dem Lateinischen - "Wandern") (XI-XIII Jahrhundert). Ihre Musik richtete sich an die geistige Elite der mittelalterlichen Gesellschaft – den gebildeten Teil davon, der die Poesie zu schätzen wusste. Die Lieder wurden in lateinischer Sprache geschrieben. Die Schöpfer der Vagante-Texte waren umherziehende Geistliche, hauptsächlich Studenten, die nicht studierten, die keinen Platz für sich in der kirchlichen Hierarchie fanden. Die Vagants waren gebildete Menschen, persönlich unabhängig, wie aus der sozialen Struktur der mittelalterlichen Gesellschaft "ausgefallen", finanziell verunsichert - diese Merkmale ihrer Position trugen zur Entwicklung der thematischen und stilistischen Einheit ihrer Texte bei.

Wie die gesamte lateinische Literatur dieser Zeit basiert die Lyrik des Vagante auf alten und christlichen Traditionen (die Quellen der Vagante-Satire sind Juvenal und die biblischen Propheten mit erotischen Themen - Ovid und das Hohelied). Das poetische Erbe der Vagants ist breit gefächert: Poesie, die die sinnliche Liebe lobt, Tavernen und Wein, Werke, die die Sünden von Mönchen und Priestern enthüllen, Parodien liturgischer Texte, schmeichelhafte und sogar unverschämte flehende Verse. Die Vagants verfassten auch religiöse Gesänge, didaktische und allegorische Gedichte, aber dieses Thema nahm in ihrem Werk einen unbedeutenden Platz ein.

Die Arbeit der Vagants ist meist anonym. Es sind nur wenige Namen bekannt, darunter - Gugon, Spitzname "Primat (Ältester) von Orleans" (Ende 11. - Mitte 12. Jahrhundert), Arkhipit (12. Jahrhundert), Walter Chatillonsky (zweite Hälfte des 12. Jahrhunderts). Antiasketische, antikirchliche Literatur der Vagants wurde von der katholischen Kirche verfolgt. Bis zum Ende des XIII Jahrhunderts. Vagante Poesie scheiterte an den Repressionen der Kirche und konnte der Konkurrenz weltlicher Rivalen nicht standhalten - mit der neusprachigen Poesie provenzalischer Troubadours, französischer Trouvern und deutscher Minnesänger.

Säkulare Kultur

Obwohl die mittelalterliche Kultur eine ideologische, spirituelle und künstlerische Integrität besaß, machte die Dominanz des Christentums sie nicht vollständig homogen. Eines seiner wesentlichen Merkmale war die Entstehung einer säkularen Kultur, die die kulturelle Identität und die spirituellen Ideale der militärisch-aristokratischen Klasse der mittelalterlichen Gesellschaft widerspiegelte - des Rittertums und einer neuen sozialen Schicht, die im reifen Mittelalter entstand - der Städter.

Die säkulare Kultur, eine der Komponenten der westeuropäischen mittelalterlichen Kultur, blieb christlich geprägt. Gleichzeitig prägten Image und Lebensstil der Ritter und Städter ihre Konzentration auf das Irdische, entwickelten besondere Ansichten, ethische Normen, Traditionen und kulturelle Werte.

Bevor die eigentliche Stadtkultur entstand, begann sich in der ritterlichen Kultur säkulare Spiritualität durchzusetzen.

Ritterkultur als Bestandteil der säkularen Kultur

Schöpfer und Träger der ritterlichen Kultur war das Militärgut, das im 7.-8. Jahrhundert entstand, als sich die konventionellen Formen des feudalen Grundbesitzes entwickelten. Das Rittertum, eine besondere privilegierte Schicht der mittelalterlichen Gesellschaft, hat im Laufe der Jahrhunderte seine eigenen Traditionen und besonderen ethischen Normen, seine eigenen Ansichten über alle Lebensbeziehungen entwickelt. Die Bildung von Ideen, Bräuchen und Moral des Rittertums wurde in vielerlei Hinsicht durch die Kreuzzüge, seine Bekanntschaft mit der östlichen Tradition, erleichtert.

Die Blütezeit der ritterlichen Kultur fällt auf das XII.-XIII. Jahrhundert, was erstens auf ihre endgültige Gestaltung zu einer unabhängigen und mächtigen Klasse und zweitens auf die Einführung des Rittertums in die Bildung zurückzuführen ist (in der vorherigen Zeit war das meiste Analphabet).

Waren im frühen Mittelalter ritterliche Werte überwiegend militärisch-heroischen Charakters, so bildeten sich im 12. Jahrhundert insbesondere ritterliche Ideale und ritterliche Kultur.

Zu den Aufgaben des Ritters gehörte nicht nur der Schutz der Ehre und Würde des Landesherrn. Die Tradition verlangte von einem Ritter, dass er bestimmten "Ehrenregeln", dem sogenannten "ritterlichen Ehrenkodex", folgte. Grundlage des Kodex ist die Idee der Pflichttreue, der Kodex regelt die Regeln der Kriegsführung usw. Zu den ritterlichen Tugenden gehörten edles Verhalten im Kampf, Duell, Großzügigkeit, Mut. Die Tradition verlangte vom Ritter, die Regeln der höfischen Etikette zu kennen, sich in der Gesellschaft zu verhalten, eine Dame mit Vornehmheit zu pflegen, eine Frau edel zu behandeln, die Erniedrigten und Beleidigten zu schützen. Zu den "sieben ritterlichen Tugenden" gehörten neben Reiten, Fechten, Schwimmen, Dame spielen, der geschickte Umgang mit dem Speer auch die Anbetung und der Dienst an der Dame des Herzens, das Verfassen und Singen von Gedichten zu ihren Ehren.

Diese Ideale bildeten die Grundlage des Konzepts des spezifisch ritterlichen Verhaltens - courtoisie (von französischem Hof ​​- Hof). CURTUISE, Höflichkeit ist ein mittelalterlicher Liebesbegriff, nach dem die Beziehung zwischen einem Liebhaber und seiner Dame der Beziehung zwischen einem Vasallen und seinem Herrn ähnelt. Den wichtigsten Einfluss auf die Bildung des Ideals der höfischen Liebe hatte der römische Dichter Ovid (1 Ritter verliebt in eine schöne Dame: er zittert vor Liebe, schläft nicht, er ist blass, kann an der Untrennbarkeit seiner Gefühle sterben. Das Konzept eines solchen Verhaltensmodells wurde aufgrund der christlichen Vorstellungen über den Kult der Jungfrau Maria komplizierter - in diesem Fall wurde die Schöne Dame, der der Ritter diente, zum Bild seiner spirituellen Liebe. Bedeutsam war auch der Einfluss der arabischen mystischen Philosophie, die das Konzept des platonischen Gefühls entwickelte.

So bis zum 12. Jahrhundert. ritterliche Werte wurden systematisiert und verallgemeinert, ihnen wurde eine breite ethische Bedeutung gegeben. Diese neuen Werte bildeten die Grundlage der weltlichen, sogenannten höfischen Literatur – ritterliche Lyrik und ritterliche Romantik. Es entstand im 12. Jahrhundert. gleichzeitig mit dem mittelalterlichen Heldenepos. Wenn diese jedoch das nationale Ideal ausdrückte, dann war die höfische Literatur an einem bestimmten Klassenumfeld orientiert.

Es sei darauf hingewiesen, dass im Hochmittelalter neben der Trennung der Literatur von historischer, religiöser, wissenschaftlicher usw. Werken wird die Kluft zwischen Volkskultur und Elitekultur immer größer (in der Vorperiode spiegelte die gesamte Poesie überwiegend das nationale Ideal wider). Das klassische Mittelalter kontrastiert das Volksheldenepos mit einem Ritterroman und die Volkslyrik mit der Poesie von Trouvern, Troubadours und Minnisatoren.

Ritterliche Poesie

Am Ende des XI Jahrhunderts. in der Provence erscheint die lyrische Ritterpoesie der Troubadours (ungefähre Übersetzung - "Verse komponieren"). Die nächsten zwei Jahrhunderte waren die Zeit der höchsten Blütezeit der Poesie der Troubadours, die zur ersten weltlichen Poesie des Mittelalters wurde und das Ende der Dominanz der Kirchenpoesie markierte. Das Thema der poetischen Kreativität der Troubadours ist umfangreich - die Gedichte waren der ritterlichen Tapferkeit gewidmet, aber das Hauptthema ist die höfische Liebe (der Begriff der "Höflichkeit", der Kult einer schönen Dame als neues ästhetisches Ideal, wurde zuerst entwickelt in der Poesie der Troubadours).

Unter den Troubadouren waren lyrische Werke zuerst in der Volkssprache zu hören (vor ihnen wurde die westeuropäische mittelalterliche Literatur nur in Latein verfasst, während die Volkskultur ungeschrieben war). Zum ersten Mal wurde die Poesie das Werk von Laien und nicht ausschließlich von Geistlichen. Die Texte der Troubadours haben die literarischen Elemente der kirchlichen lateinischen Poesie aufgenommen, Folklore und arabische Einflüsse sind auch darin spürbar. Die Troubadours schufen auch ein neues Image des Autors - eine Person, die nur der Schönheit dient.

Der berühmteste höfische Dichter war Bernard de Ventadorn (12. Jahrhundert). Unter den Troubadouren - Bertrand de Born (gestorben 1210), Peyre Vidal (XII Jahrhundert), Guillaume de Cabestagne (Ende XII Jahrhundert), Guillaume IX, Herzog von Aquitanien, Graf von Poitiers (1071 - 1127). Gedichte wurden auch von adeligen Frauen geschrieben, die berühmteste von ihnen ist die Herzogin von Aquitanien Alienora.

Die Traditionen der provenzalischen Lyrik wurden von deutschen Dichtern - den Minnesängern ("Sänger der Liebe") - den Autoren deutscher weltlicher Poesie weitergeführt. Die deutsche Ritterpoesie - Minnesang - wurde stark von provenzalischen Texten beeinflusst. Gleichzeitig weist die Kreativität der Minnesänger eine Reihe von Besonderheiten auf.

Die Minnesänger komponierten selbst Musik zu ihren Werken, verbreiteten sie aber in der Regel von umherziehenden Sängern - Spielmans. Obwohl das Hauptthema des Werkes des Minnesängers das Singen raffinierter Gefühle für eine schöne Dame war, wie ihre provenzalischen Vorgänger, ist ihre Poesie zurückhaltender, trauriger, zu Didaktismus geneigt, oft in religiösen Tönen gefärbt (wobei sie meist weltlich bleiben). Die bekanntesten Minnesänger waren Heinrich von Feldecke, Friedrich von Hausen, Wolfram von Eschenbach und andere.

Kreativität der Minnesänger des 13. - 14. Jahrhunderts spiegelt die beginnende Krise der Ritterkultur wider. Besonders deutlich wird dies in der Poesie von Neidhart von Reienthal, wo alltägliche Skizzen und Szenen des alltäglichen Lebens (fremden ritterlichen Texten) keine Seltenheit sind. Anhänger Neidhart von Reienthals neigen zu Formen des Volkstanzliedes, verspotten "Höflichkeit" als Verhaltens- und Lebensform. Im XIV - XV Jahrhundert. der Niedergang des Minnesangs kommt, verbunden mit der Krise der ritterlichen Ideologie. Die Ritterlichkeit verliert im Zusammenhang mit der Aufstellung kampfbereiter Infanterie an Bedeutung als wichtigste Militärmacht des Staates.

Im XIV. Jahrhundert. in der Ideologie des Rittertums beginnt sich die Kluft zwischen Traum, Ideal und Wirklichkeit zu vergrößern. Die ritterliche Ethik mit ihren Grundsätzen der Pflichttreue, Oberherrin, Dame steckt in einer tiefen Krise. Unter den neuen Bedingungen wird die "Höflichkeit" selbst zum Anachronismus, und die Ritter selbst wenden sich unter den veränderten historischen Bedingungen immer weniger der Poesie zu. Die höfische Poesie weicht der Literatur und wird immer mehr zum Gegenstand von Spott und Parodie.

Romantik

Im Gegensatz zu religiösen Werken, die die Askese verherrlichten, verherrlichte die ritterliche Literatur irdische Freuden, drückte die Hoffnung auf den Triumph der Gerechtigkeit bereits in diesem irdischen Leben aus. Die ritterliche Literatur spiegelte nicht die Realität wider, sondern verkörperte nur Idealvorstellungen über den Ritter. Das Bild eines ritterlichen Romans ist ein Held, der nach Ruhm strebt und wundersame Taten vollbringt (Ritter in ihnen kämpften oft gegen Drachen, Zauberer). Komplexe Symbolik und Allegorie sind im Roman weit verbreitet, obwohl auch ein realistisches Element darin enthalten ist. Die Handlung enthält oft echte Informationen über Geschichte, Geographie usw. Der Autor des höfischen Romans war meistens ein Kleriker, in der Regel ein einfacher Bürger der Stadt oder ein armer Ritter.

Ritterromane erschienen zuerst in Frankreich. Der vielleicht berühmteste Autor von ihnen war Chrétien de Trois (XII Jahrhundert), der in seinen Werken die alte Tradition und das keltische Heldenepos verwendet.

Einer der drei größten epischen Zyklen, die in der mittelalterlichen Literatur entwickelt wurden, war der sogenannte Artuszyklus. Arthur ist eine halbmythische Figur, anscheinend einer der Helden im Kampf der Kelten gegen die Angeln, Sachsen und Jüten. Die Chronik von Arthur wurde erstmals im 12. Jahrhundert aufgezeichnet. Arthur und seine zwölf treuen Ritter besiegen die Angelsachsen in vielen Schlachten. Eine andere Legende ist eng mit der Legende vom Königreich Arthur verbunden - über den Heiligen Gral - den Kelch, in dem das Blut Christi gesammelt wurde. Der Gral wurde zum Symbol des mystischen Ritterprinzips, der Personifikation höchster ethischer Vollkommenheit.

Obwohl Adaptionen der keltischen Artuslegenden weit verbreitete Themen in vielen Liebesromanen waren, stellte Chrétien de Troyes die ersten Adaptionen dieser berühmten Geschichten zusammen. Der fabelhafte König Arthur und sein Hof wurden zu einem Muster an Höflichkeit. Unter den 12 Rittern von Arthur ragten Percival und Lancelot durch ihre Heldentaten heraus. Die Legenden des Artuszyklus bildeten die Grundlage für die Romane von Chretien de Trois "Lancelot oder der Karrenritter", "Perzival oder die Gralsgeschichte" usw. Zur gleichen Zeit verfasste Maria von Frankreich sie Lieder. Keltische Legenden über König Artus inspirierten Wolfram von Eschenbach (XII.

Die Liebesgeschichte von Tristan und Isolde (XII Jahrhundert) wurde zur Handlung zahlreicher Ritterromane, von denen hauptsächlich nur Fragmente überliefert sind. Der Roman wurde Anfang des 20. Jahrhunderts von dem französischen Gelehrten J. Bedier restauriert. Die Handlung geht auf irische Legenden zurück. Der Ritter Tristan findet sich in Irland auf der Suche nach einer Braut für seinen Verwandten König Mark wieder. In der Königstochter Isolde die Goldhaarige erkennt er Marks Brautwunsch. Auf dem Schiff trinken Tristan und Isolde versehentlich ein Liebesgetränk, das von Isoldes Mutter zubereitet und für Isolde und ihren Mann bestimmt ist. Zwischen Tristan und Isolde bricht Liebe aus. Getreu seiner Pflicht reist Tristan in die Bretagne und heiratet dort. Am Ende des Romans bittet der tödlich verwundete Held um ein Treffen mit seiner Geliebten, die ihn allein heilen kann. Er wartet auf ein Schiff mit einem weißen Segel - Isoldes Schiff. Die eifersüchtige Frau informiert Tristan jedoch, dass ein Schiff mit einem schwarzen Segel segelt. Tristan liegt im Sterben. Isolde, die zu ihm kam, stirbt vor Verzweiflung.

Bis zum XIV. Jahrhundert. im Zusammenhang mit der einsetzenden Krise der Ritterideologie nimmt die höfische Romanze allmählich ab, verliert den Bezug zur Realität und wird immer mehr zum Gegenstand von Parodien.

Urbane Kultur

Im X-XI Jahrhundert. in Westeuropa beginnen alte Städte zu wachsen und neue entstehen. Eine neue Lebensweise, eine neue Vision der Welt, ein neuer Typus von Menschen wurde in Städten geboren. Auf der Grundlage der Entstehung der Stadt bildeten sich neue soziale Schichten der mittelalterlichen Gesellschaft - Bürger, Zunfthandwerker und Kaufleute. Sie schließen sich in Gilden und Werkstätten zusammen, die die Interessen ihrer Mitglieder wahren. Mit dem Aufkommen von Städten wird das Handwerk selbst komplizierter, es erfordert bereits eine spezielle Ausbildung. In den Städten entstehen neue soziale Beziehungen - der Handwerker ist persönlich frei, durch den Laden vor Willkür geschützt. Allmählich gelang es großen Städten in der Regel, die Macht des Seigneurs zu stürzen, in solchen Städten entstand die städtische Selbstverwaltung. Die Städte waren Handelszentren, auch des Außenhandels, was zu einem stärkeren Bewusstsein der Städter und einer Erweiterung ihres Horizonts beitrug. Ein Städter, der von keiner anderen Autorität als dem Magistrat unabhängig war, sah die Welt anders als der Bauer. Im Streben nach Erfolg wurde er zu einem neuen Persönlichkeitstyp.

Die Bildung neuer sozialer Schichten der Gesellschaft hatte einen großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der mittelalterlichen Kultur, Nation und Bildung des Bildungssystems.

Die freiheitsliebende Ausrichtung der urbanen Kultur, ihre Verbindung zur Volkskunst spiegelt sich am stärksten in der urbanen Literatur wider. Obwohl in einem frühen Stadium der Entwicklung der Stadtkultur die Nachfrage nach klerikaler Literatur - dem Leben von Heiligen, Wundergeschichten usw. - war immer noch großartig, diese Werke selbst haben sich verändert: Der Psychologismus hat zugenommen, künstlerische Elemente haben sich intensiviert.

In der freiliebenden, antikirchlichen Literatur der Stadt bildet sich eine eigenständige Schicht, die die Hauptpunkte des Kirchenkults und der Kirchenlehre (sowohl in lateinischer als auch in volkssprachlicher Sprache) parodiert. Überliefert sind zahlreiche Parodie-Liturgien (zB die "Liturgie der Trunkenbolde"), Gebets-, Psalmen- und Kirchenlieder.

In der Parodieliteratur in populären Sprachen nehmen weltliche Parodien den Hauptplatz ein, die ritterliche Heldentaten lächerlich machen (zum Beispiel erscheint Rolands komisches Double). Es entstanden parodistische Ritterromane, parodistische Epen des Mittelalters - Tiere, Schelm, Dummkopf -. Also im XIII Jahrhundert. zahlreiche Tiergeschichten - der schlaue Fuchs Renan, der dumme Wolf Isengrin und der einfältige Löwe Noble, in dessen Verhalten man leicht menschliche Züge erraten konnte, wurden zusammengetragen und verdichtet. So entstand das umfangreiche Epos "Der Roman des Fuchses".

Eines der beliebtesten Genres der französischen urbanen mittelalterlichen Literatur des XII. - XIV. Jahrhunderts. es gab fablio (von französisch - fablio - fabel). Fablio ist lustige Kurzgeschichten in Versform, komische Alltagsgeschichten. Die anonymen Autoren dieses Genres der urbanen Literatur waren Städter und umherziehende Sänger und Musiker. Der Held dieser Kurzgeschichten war meistens ein Bürgerlicher. Fablio ist eng mit der Volkskultur verbunden (Volkssprache, Fülle an folkloristischen Motiven, Komik und Handlungsgeschwindigkeit). Fablio unterhielt, unterrichtete, lobte die Städter und Bauern, verurteilte die Laster der Reichen und Priester. Die Handlung des Fablio waren oft Liebesgeschichten. Fablio spiegelte die Lebenslust der Bürger wider, ihren Glauben an den Triumph der Gerechtigkeit.

Thematisch grenzt Schwank (aus dem Deutschen - ein Witz) - eine Gattung der deutschen urbanen Mittelalterliteratur - an das Fablio. Schwank ist wie Fablio eine kleine humorvolle Geschichte in Versen, später in Prosa. Im 13. Jahrhundert gegründet, war der Schwank nicht nur im Mittelalter, sondern auch in der Renaissance bei deutschen Bürgern sehr beliebt. Die Handlung der Schwank basierte oft auf Folklore, später auf einer Kurzgeschichte der Frührenaissance. Schwank war antiklerikal und verspottete die Laster der katholischen Kirche. Die anonymen Autoren von fablio und Schwanks kontrastierten ihre Werke mit elitärer Ritterliteratur. Fröhlichkeit, Grobheit, satirische Verspottung der Ritter waren eine Art Antwort auf die spirituelle Elite und ihre raffinierte Kultur.

Urbane Literatur des XIV. - XV. Jahrhunderts. spiegelte das wachsende soziale Bewusstsein der Stadtbewohner wider, die zunehmend zum Gegenstand des spirituellen Lebens wurden. In der urbanen Poesie traten deutsche Dichter auf - Sänger aus dem Umfeld der Handwerkszunft - Meistersinger (wörtlich - ein Meistersänger). Sie lernten in ihren Gesangsschulen die kanonische Art, die Lieder der Minnesänger zu singen, die sie ersetzten. Die Poesie der Meistersinger war religiösen und didaktischen Motiven nicht völlig fremd, obwohl ihr Werk überwiegend weltlicher Natur war. Die bekanntesten Meistersinger waren G. Sachs, H. Foltz, G. Vogel und andere.

Zur gleichen Zeit entstand ein neues Genre der urbanen Literatur - eine Prosanovelle, in der die Stadtbewohner als unabhängige, scharfsinnige, erfolgshungrige und lebenslustige Menschen auftreten.

Stadttheater

Bis zum XIII Jahrhundert. die Entstehung des Stadttheaters.

Das mittelalterliche Volkstheater wurzelt im liturgischen Drama der katholischen Kirche. Wie bereits erwähnt, begannen im späten Mittelalter Unterhaltung und Unterhaltung darin zu herrschen, und die Kirche war gezwungen, dramatische Aufführungen auf den Stadtplatz zu verlegen, was das weltliche Element darin weiter verstärkte.

Etwa zur gleichen Zeit verbreiteten sich weltliche Farzen - humorvolle Szenen, in denen das Leben der Bürger realistisch dargestellt wird. Später wurde die Farce als eigenständige Form der mittelalterlichen Aufführung bezeichnet - satirische, oft leichtfertige Inhalte, deren Charaktere bestimmte soziale Typen repräsentierten. Die Farce wurde zum wichtigsten Volksgenre des mittelalterlichen Theaters. Zu dieser Zeit erschienen Volksstücke und Pastorale, hauptsächlich von anonymen Autoren.

Seit dem XIII Jahrhundert. eine besondere Gattung des Dramas in Versen - die Moral - ein allegorisches Theaterstück mit moralischem Charakter, verbreitet sich. Die Charaktere der Spielmoral personifizierten christliche Tugenden und Laster. Bis zum XV. Jahrhundert. Moralstücke haben große Veränderungen erfahren. Obwohl ihre Handlung auf christlichen Themen beruhte, wurden sie zu allegorischen Dramen, die von professionellen Schauspielern aufgeführt wurden. Die Geradlinigkeit und Erbauung der Moral blieben bestehen, aber die Stärkung des Komischen, die Einführung von Musik in die Darstellung schuf eine Form des Volksdramas.

XIV-XV Jahrhunderte. - die Blütezeit der städtischen Zivilarchitektur. Reiche Städter bauen große, schöne Häuser. Feudale Burgen verwandeln sich nach und nach in Landhäuser und verlieren die Funktion von Militärfestungen. Die Produktion von Luxusgütern nimmt zu, die Kleidung adliger Bürger wird reicher und heller. Mit zunehmender Bedeutung des Kapitals verschwinden die Klassenunterschiede zwischen Aristokraten und Bürgern. Gleichzeitig verändert sich die gesellschaftliche Stellung des dritten Standes. Die mittelalterliche Gesellschaftsstruktur wird zunehmend zerstört. All dies spiegelt die tiefe Krise des Mittelalters wider. Der Niedergang der mittelalterlichen Kultur kommt allmählich.

Volkskultur des mittelalterlichen Westeuropas

Während des gesamten Mittelalters sind Spuren des Heidentums, Elemente der Volksreligion in der Volkskultur erhalten geblieben. Jahrhunderte nach der Annahme des Christentums beteten westeuropäische Bauern weiterhin heimlich und brachten Opfer für die alten heidnischen Schreine. Unter dem Einfluss des Christentums wurden viele heidnische Gottheiten in böse Dämonen verwandelt. Bei Missernten, Dürre usw. wurden besondere magische Riten durchgeführt. Der alte Glaube an Zauberer und Werwölfe hielt sich während des gesamten Mittelalters in der bäuerlichen Umgebung. Um böse Geister zu bekämpfen, wurden verschiedene Amulette verwendet, sowohl verbal (alle Arten von Verschwörungen) als auch objekthaft (Amulette, Talismane). Fast in jedem mittelalterlichen Dorf konnte man eine Zauberin treffen, die nicht nur zu beschädigen, sondern auch zu heilen verstand.

Heroisches Epos

Das kollektive Gedächtnis der Menschen war das Heldenepos, das ihr spirituelles Leben, ihre Ideale und Werte widerspiegelte. Die Ursprünge des westeuropäischen Heldenepos liegen in den Tiefen der Barbarenzeit. Erst vom 8. - 9. Jahrhundert. die ersten Aufnahmen von Epen wurden zusammengestellt. Das Frühstadium der epischen Poesie, verbunden mit der Entstehung der frühen feudalen Militärpoesie - keltisch, angelsächsisch, germanisch, altnordisch - ist nur bruchstückhaft überliefert.

Das frühe Epos der westeuropäischen Völker entstand als Ergebnis des Zusammenspiels eines heroischen Märchenliedes und eines primitiven mythologischen Epos über die Ahnen - "Kulturhelden", die als die Vorfahren des Stammes galten.

Das Heldenepos ist uns in Form von grandiosen Epen, Liedern, in gemischter, poetisch-liedhafter Form und seltener in prosaischer Form überliefert.

Die älteste isländische Literatur zur Zeit ihrer Entstehung umfasst die Poesie der Skalden, eddische Lieder und isländische Sagen (prosaische Legenden). Die ältesten Skaldenlieder sind nur in Form von Zitaten aus den isländischen Sagen des 13. Jahrhunderts überliefert. Nach isländischer Tradition hatten die Skalden sozialen und religiösen Einfluss, sie waren mutige und starke Menschen. Skaldische Poesie widmet sich dem Lob einer Leistung und dem dafür erhaltenen Geschenk. Skaldische Poesie ist unbekannte Lyrik, sie ist Heldenpoesie im wahrsten Sinne des Wortes. Gedichte von etwa 250 Skalden sind bis heute überliefert. Einer von ihnen - der berühmte Kriegerdichter - Egil Skallagrimson (10. Jahrhundert) wird über die erste der isländischen Sagen - "Die Saga von Egil" erzählt.

Neben der Poesie des Autors über die Skalden in Island im gleichen Zeitraum waren auch Lieder über Götter und Helden, die Werke einer unpersönlichen Tradition waren, weithin bekannt. Ihr Hauptinhalt sind die wichtigsten mythologischen Handlungen - die Heldentaten von Göttern und Helden, Legenden über den Ursprung der Welt, ihr Ende und ihre Wiedergeburt usw. Diese Lieder wurden ungefähr in der Mitte des 13. Jahrhunderts aufgenommen. und bedingt durch den Namen "Elder Edda" vereint. Das Datum des Auftretens des einen oder anderen der eddischen Lieder ist nicht bekannt, einige von ihnen stammen aus der Wikingerzeit (IX-XI Jahrhundert).

Isländische Sagen sind den Ereignissen gewidmet, die ein Jahrhundert nach der Besiedlung Islands durch die Norweger stattfanden ("Jahrhundert der Sagen" - 930 - 1030). In prosaischer Form zusammengestellt, erzählen sie von den berühmtesten Vertretern bestimmter Clans, von Stammesfeindschaften, Feldzügen, Kämpfen usw. Die Anzahl der Helden in den Sagen ist sehr bedeutend, ebenso wie ihre Größe. Die riesige Sammlung von Sagen ist wie ein riesiges Epos, dessen Helden Tausende von Isländern sind, die ungefähr gleichzeitig agieren. Namenlose Autoren isländischer Sagen beschreiben nicht nur Ereignisse, sondern auch die Bräuche, Psychologie und Überzeugungen ihrer Zeit und drücken die kollektive Meinung der Menschen aus.

Das keltische Epos ist die älteste europäische Literatur. Die irischen Sagen haben ihren Ursprung im 1. Jahrhundert. ANZEIGE und nahm über mehrere Jahrhunderte Gestalt an. Schriftlich existieren sie seit dem 7. Jahrhundert. - (sind uns in den Aufzeichnungen des 12. Jahrhunderts überliefert). Die frühen irischen Sagen sind mythologisch und heroisch. Ihr Inhalt ist der heidnische Glaube der alten Kelten, die mythische Geschichte der Besiedlung Irlands. In den Heldensagen spiegelte die Hauptfigur Cuchulainn das nationale Ideal des Volkes wider - ein furchtloser Krieger, ehrlich, stark, großzügig. In den Heldensagen wird der Beschreibung von Cuchulainns Kämpfen viel Raum eingeräumt.

Der Fenian-Zyklus stammt aus dem 12. Jahrhundert. Sein Held ist Finn McCool, sein Sohn, Sänger Oisin, und ihre Armee. Dieser Zyklus existierte in vielen Auflagen, einige davon erzählen von Oisins Wanderungen in wundervolle Länder und von seiner Rückkehr nach Irland nach der Christianisierung. In den Dialogen von Oisin und St. Patrick vergleicht das Leben der Menschen vor und nach der Christianisierung.

Obwohl die alten irischen Sagen bereits im 12. Jahrhundert bis zum 17. Jahrhundert aufgezeichnet wurden. sie existierten weiterhin in Form einer mündlichen Überlieferung und nahmen schließlich die Form einer irischen Volksmärchen und einer Ballade an.

Das angelsächsische Epos "Beowulf", das auf das Ende des 7. - Anfang des 8. Jahrhunderts zurückgeht, wurde auf der Grundlage früherer mündlicher Heldenlieder gebildet. Der Held des Epos ist ein tapferer Ritter aus dem südskandinavischen Stamm der Gauten, der den dänischen König Hrothgar in Not rettet. Der Held vollbringt drei wundervolle Taten. Er besiegt das Monster Grendal, das die Krieger des Königs ausgerottet hat. Nachdem er Grendal tödlich verwundet und seine Mutter besiegt hat, die ihren Sohn gerächt hat, wird Beowulf König der Gicht. Da er schon alt ist, vollbringt er seine letzte Leistung - er vernichtet einen schrecklichen Drachen, der sich an den Gauts für den ihm gestohlenen Goldpokal rächt. Im Duell mit einem Drachen stirbt der Held.

Beowulf ist eine skurrile Verflechtung von Mythologie, Folklore und historischen Ereignissen. Schlangenkämpfe, drei wundervolle Duelle - Elemente eines Volksmärchens. Gleichzeitig sind der Held selbst, der für die Interessen seines Stammes kämpft, sein tragischer Tod charakteristische Merkmale des Heldenepos, das in seinem Wesen historisch ist (einige im Epos beschriebene Namen und Ereignisse finden sich in der Geschichte der alten Germanen). ). Da die Entstehung des Epos zum Ende des 7. - Anfang des 8. Jahrhunderts gehört, d.h. mehr als ein Jahrhundert nach der Übernahme des Christentums durch die Angelsachsen finden sich auch in Beowulf christliche Elemente.

Im 12. Jahrhundert. die ersten schriftlichen Denkmäler des mittelalterlichen Heldenepos erscheinen in Bearbeitungen. Da sie vom Autor stammen, basieren sie im Wesentlichen auf dem Volksheldenepos. Die Bilder des mittelalterlichen Epos ähneln in vielerlei Hinsicht den Bildern traditioneller epischer Helden - es sind furchtlose Krieger, die ihr Land tapfer verteidigen, mutig und pflichttreu.

Das mittelalterliche Heldenepos in idealisierter Form spiegelt die Normen des heroischen Verhaltens des Volkes wider, es synthetisierte die Vorstellungen des Volkes über die königliche Macht, die Truppe, über Helden, es ist vom Geist des Volkspatriotismus durchdrungen.

Da zugleich das mittelalterliche Heldenepos in Bearbeitungen im Zeitraum einer bereits hinreichend entwickelten Kultur seiner Zeit entstand, sind in ihm Spuren des Einflusses ritterlicher und religiöser Vorstellungen aus der Zeit seiner Entstehung offensichtlich. Die Helden des mittelalterlichen Epos sind treue Verteidiger des christlichen Glaubens (Sid, Roland), treue Vasallen ihrer Herren.

In der mittelalterlichen Literatur wurden drei umfangreiche epische Zyklen entwickelt – über Alexander den Großen, über König Artus und über Karl den Großen. Die beliebtesten waren die letzten beiden, tk. Alexander der Große lebte in der vorchristlichen Zeit.

Im Zentrum des karolingischen Epos steht der Krieg in Spanien. Im Gegensatz zu König Artus ist der Held des karolingischen Epos eine echte historische Person - Karl der Große. Im Zentrum des Epos über den spanischen Krieg steht die Verherrlichung der Leistung des Neffen Karls des Großen Roland, die als Grundlage für eines der frühesten Monumente des mittelalterlichen Heldenepos diente - das französische Rolandslied. Das Gedicht wurde während der Zeit der Kreuzzüge geschrieben. (Mitte des 11. Jahrhunderts war es weithin bekannt - es wurde von den Truppen Wilhelms des Eroberers vor der Schlacht von Hastings im Jahr 1066) gesungen. Seine früheste Handschrift stammt aus dem 12. Jahrhundert. Die historische Grundlage des "Liedes" ist der Feldzug Karls des Großen nach Spanien im Jahr 778 mit dem Ziel, das Christentum mit Gewalt unter den Mauren einzupflanzen. (Die Volkssage verband die Ereignisse von 778 mit dem Kampf der Franken gegen die Invasion der Araber in Europa.) Der Versuch Karls des Großen war jedoch erfolglos - die Mauren vernichten die sich zurückziehenden Franken in der Ronseval-Schlucht. Dieses Ereignis wurde zur Handlung eines Heldenliedes, und später wurde es buchstäblich verarbeitet und bildete die Grundlage von "The Song of Roland" (obwohl das Gedicht auf historischen Ereignissen und Persönlichkeiten basiert, steckt viel Fiktion darin). Die Hauptfigur von "Song" ist eine historische Person, er wird in der Chronik Karls des Großen als adeliger Lehnsherr erwähnt.

Der Held des Gedichts, Roland, der Neffe Karls des Großen, rät dem König, seinen Stiefvater Ganelon zu Verhandlungen mit dem Sarazenenkönig Marsil zu schicken. Letzterer verrät die Franken jedoch, indem er mit Marsil ein Geheimabkommen abschließt. Um seinen Stiefsohn für eine riskante Mission zu rächen, rät Ganelon Karl, die Ronseval-Schlucht zu verlassen und nur Rolands Krieger dort zu lassen. Die Mauren vernichten die Truppe des Helden, Roland selbst stirbt zuletzt und erinnert sich an seine gefallenen Soldaten. Ganelon, der den Helden verraten hat, wird zu einem schändlichen Tod verurteilt.

Das spanische Epos - "Das Lied von meiner Seite" - entstand während der "Rückeroberung" (XII Jahrhundert), während des Kampfes der Spanier um die Rückgabe der von den Mauren eroberten Ländereien. Der Prototyp des Helden des Gedichts war eine historische Person - Rodrigo Diaz de Vivar (die Mauren nannten ihn "Sid", dh Herr).

Das Lied erzählt, wie Sid, von König Alphonse von Kastilien vertrieben, einen tapferen Kampf gegen die Mauren führt. Als Belohnung für die Siege heiratet Alphonse Sids Töchter mit den edlen Aaskindern. Der zweite Teil von "The Song" erzählt vom Verrat von Sids Schwiegersöhnen und seiner Rache für die empörte Ehre seiner Töchter.

Die Abwesenheit von Fiktion, die realistische Wiedergabe des Lebens und der Gebräuche der damaligen Spanier, die volkstümliche Sprache des "Liedes" machen "Das Lied von meiner Seite" zum realistischsten Epos der mittelalterlichen Literatur.

Ein herausragendes Denkmal des deutschen Epos - "Das Nibelungenlied" - wurde um 1225 aufgezeichnet. Die Handlung des "Liedes" basiert auf alten germanischen Legenden aus der Zeit der Völkerwanderung - dem Tod eines der Germanen Königreiche - das burgundische - infolge des Hunneneinfalls (437). Es ist jedoch äußerst schwierig, diese historische Episode der Ära der Nomadeneinfälle in "Song" wiederzuerkennen. Nur ein entferntes Echo dieser fernen Ereignisse ist zu hören.

Der niederländische Prinz Siegfried wirbt um die burgundische Königin Krimgilda und hilft ihrem Bruder Gunther, die isländische Königin Brunhilde durch Täuschung zu heiraten. Jahre später entdeckt Brünnhilde eine Täuschung und befiehlt Siegfried zu töten (der Bruder seiner Frau Krimgilda ist in die Verschwörung gegen Siegfried verwickelt). Die Könige locken aus Krimgilda den goldenen Schatz der sagenhaften Nibelungen, und Siegfrieds Mörder versteckt ihn im Rhein. Krimgilda schwört, den heimtückischen Tod ihres Mannes (durch einen Stich in den Rücken getötet) zu rächen. Sie heiratet den Hunnenkönig Attila und lädt nach einiger Zeit alle ihre Verwandten mit ihren Kriegern ins Hunnenland ein (im "Lied" erscheinen die Burgunder unter dem Namen der Nibelungen). Während des Festes arrangiert Krimgilda bewusst einen Streit, bei dem die gesamte burgundische Familie ums Leben kommt. Krimgilda selbst stirbt in den Händen der einzigen überlebenden Kriegerin ...

Folklore der westeuropäischen Völker

Die Bauernschaft war der Träger der folkloristischen Traditionen. Die folkloristische Tradition, rituellen Ursprungs, hatte einen großen Einfluss auf die Bildung der mittelalterlichen Literatur, inkl. klerikal. Obwohl im Mittelalter keine Volkslieder aufgenommen wurden, hatten ihre Themen, Bilder und Rhythmen einen großen Einfluss auf die späteren Gattungen der mittelalterlichen Poesie (ritterliche und urbane Lyrik).

Spuren des heidnischen Glaubens der Bauern finden sich in der Folklore, insbesondere in Märchen und Sprüchen. Bauernfolklore drückt eine negative Einstellung gegenüber den Reichen aus. Der Lieblingsheld der westeuropäischen Märchen ist ein armer Mann. Die Helden der Volksmärchen waren oft Jean-Fool in Frankreich, Foolish Hans – in Deutschland, Big Fool – in England.

In der weltlichen und kirchlichen Literatur wurde märchenhaftes Material des Mittelalters ziemlich häufig verwendet. Um 1100 stellte der Spanier Petrus Alfonsky eine ganze Sammlung zusammen, die 34 Geschichten umfasste, darunter eine Reihe von Tiergeschichten – „allgemeine Geschichten“. Der kompilierende Klerus gab diesen Geschichten eine moralistische Interpretation.

Märchenhaftes Erzählmaterial wurde in Ritterromanen, in den Kurzgeschichten der Maria von Frankreich (XII.

In allen Fällen handelt es sich jedoch nur um Material, oft werden nur einzelne Episoden, Motive und Details verwendet. Erst ab der Mitte des 16. Jahrhunderts. wir können über die Einführung des eigentlichen Märchens in die Literatur sprechen.

Alle Arten von bösen Geistern sind ein häufiger Held der westeuropäischen Volksmärchen. In vielen Geschichten sind die Charaktere Tiere mit menschlichen Fähigkeiten. Im XIII Jahrhundert. diese zahlreichen Geschichten wurden kombiniert und in Verse gebracht - so entstand das bereits erwähnte berühmte mittelalterliche Volksgedicht "Der Roman vom Fuchs".

Bäuerliche Vorstellungen von einem gerechten Leben, von Adel und Ehre finden sich in den Legenden von adligen Räubern, die Waisen und Benachteiligte beschützen.

Anglo-schottische Balladen zu diesem Thema wurden zu einem Genre der mittelalterlichen Volkskunst. Ihre anonymen Autoren - Bauern, Handwerker, manchmal professionelle Sänger - Spielleute komponierten Balladen. Diese Werke waren unter dem Volk verbreitet. Die Entstehungszeit der Ballade als Genre der Volkskunst ist unbekannt. Die früheste Ballade stammt aus dem 13. Jahrhundert.

Englische und schottische Balladen werden in mehrere Gruppen eingeteilt: epische Balladen, die auf realen historischen Ereignissen basieren, die sogenannten Räuberballaden, lyrisch-dramatische Liebesballaden, phantastische und alltägliche.

Der Held der Räuberballaden ist der edle Robin Hood, der Volksheld Englands, und seine Armee. Die ersten Balladen über Robin Hood wurden im 15. Jahrhundert aufgenommen. In der Ballade lässt sich leicht die Sympathie der Menschen für die Waldpfeile nachzeichnen, die als Folge der Unterdrückung in den Wald gingen. Zum ersten Mal in der europäischen Poesie wurde ein Mann von unedler Herkunft zum Ideal. Anders als die Ritter kämpft Robin Hood gegen die Unterdrücker des Volkes. Alle guten Gefühle und Taten eines tapferen Bogenschützen gelten nur für das Volk.

Die Hauptsache in der Handlung von Liebesballaden ist nicht die Verherrlichung einer Leistung im Namen einer schönen Dame (wie in der ritterlichen Poesie), sondern ein echtes Gefühl, emotionale Erfahrungen von Liebenden.

Die fantastischen Balladen spiegelten den Glauben der Menschen wider. Die übernatürliche Welt mit ihren Feen, Elfen und anderen fantastischen Charakteren erscheint in diesen Balladen als echte, reale Welt.

In einer späteren Zeit erschienen alltägliche Balladen, die sich durch größere Prosaik und das Überwiegen des Komischen auszeichnen.

Die Ballade verwendet oft künstlerische Techniken der Volkskunst. Die Sprache der Balladen ist eigenartig - konkrete Worte, ohne üppige Metaphern und rhetorische Figuren. Ein Merkmal der Balladen ist auch ihr klarer Rhythmus.

Bauernarbeit und Ruhe waren mit Liedern verbunden - Zeremonien, Arbeit, Feiertage, Volkstänze.

In den Ländern der französischen und deutschen Kultur, auf Jahrmärkten und in Dörfern traten oft Joggler (Vergnügen) und Spielmans (wörtlich - Igrets) - wandernde Dichter-Sänger, Träger der Volkskultur - auf. Sie führten geistliche Verse, Volkslieder, Heldengedichte usw. zu musikalischer Untermalung vor. Begleitet wurde der Gesang von Tanz, Puppentheater und allerlei Tricks. Volkssänger traten oft in den Schlössern der Feudalherren und in Klöstern auf und machten die Volkskultur zum Eigentum aller Schichten der mittelalterlichen Gesellschaft. Später, ab dem 12. Jahrhundert, begannen sie, verschiedene Genres der ritterlichen und städtischen Literatur aufzuführen. Die Volkskunst der Gaukler und Handwerker wurde zur Grundlage der weltlichen ritterlichen und urbanen Musik- und Poesiekultur.

In der späten Phase des primitiven Clansystems begann das westeuropäische Epos Gestalt anzunehmen. Es stützt sich auf das künstlerische Arsenal von Mythen und Märchen. Das Epos spiegelt das Wachstum des historischen Bewusstseins des mittelalterlichen Menschen wider, befindet sich in ständiger Entwicklung und erlebt im 7.-8. Jahrhundert, wenn die Konturen der feudalen Staatlichkeit festgelegt werden, sozusagen eine Wiedergeburt. Dies gibt Anlass, von zwei Stadien des Epos zu sprechen: archaisch (vorstaatlich) und heroisch (staatlich).

Alte isländische epische Lieder sollten als das älteste Beispiel für die epische Kreativität der Völker Westeuropas angesehen werden. Diese Lieder wurden von den Skandinaviern in der vorliterarischen Ära geschaffen und während ihrer Entwicklung im späten 9. bis frühen 10. Jahrhundert nach Island gebracht. Im 13. Jahrhundert, während der Blütezeit des isländischen Schreibens, wurde eine handschriftliche Sammlung auf Pergament mit 29 epischen Liedern zusammengestellt. Lange Zeit unbekannt geblieben, wurde die Sammlung erst im 17. Jahrhundert entdeckt. und wurde "Elder Edda" genannt. Zu dieser Zeit wurde das Wort "Edda" (dessen genaue Bedeutung unklar bleibt) dem Buch des isländischen Gelehrten Snorri Sturluson (XIII Sänger-Geschichtenerzähler "- Skalden." früher und ursprünglicher als das Buch von Snorri, weshalb sie begannen, die "Jüngere Edda" zu nennen.

Lieder der "Elder Edda" werden normalerweise in Lieder über Götter und Lieder über Helden unterteilt. Sowohl in diesen als auch in anderen Liedern von "Edda" sind die Skalen kosmisch und es gibt fast keine spezifischen historischen, geografischen, zeitlichen Realitäten. Die Welt ist in drei Sphären unterteilt: die obere Welt der Götter, die Unterwelt der Monster, die mittlere Welt der Menschen. Die Götter sind anthropomorph: Sie ähneln den Menschen, ihnen und ihren Verbündeten im Kampf gegen die dunklen Mächte des Bösen. Das Konzept des Lebens ist tragisch: Sowohl Götter als auch Helden sind sterblich. Aber die kommenden Unruhen und Katastrophen berauben die Helden nicht der Stärke, stürzen sie nicht in Verzweiflung und Apathie. Der Mensch geht heroisch seinem Schicksal entgegen; guter Name, posthumer Ruhm sind seine wichtigsten Vorzüge.

Unter den mythologischen Liedern der Älteren Edda ist die Weissagung der Volva eines der bedeutendsten - eine Art Einführung in das mythologische System der alten Skandinavier. Das Lied ist als Monolog gerahmt: Die Wahrsagerin Völva erzählt dem höchsten Gott Odin von vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Schicksalen der Welt.

Einst, heißt es in dem Lied, gab es keinen Sand, kein Meer, kein Firmament, keine Erde, kein Gras wuchs, und nur der Riese Ymir lebte, aus dessen Körper die Welt erschaffen wurde. Odin und seine Brüder schufen Midgard - den mittleren Raum - den Lebensraum des Menschen. Die ersten Menschen - Ask und Emblya - wurden von den Göttern an der Küste in Form von baumartigen Prototypen von Eschen und Weiden gefunden und gaben ihnen Atem, Geist, Wärme und bemalten ihre Gesichter mit Rouge. Und es gab einmal ein "goldenes Zeitalter". Und dann kamen schreckliche Zeiten. Ärger kam mit dem Krieg der Götter: Esel und Venen. Und dann folgt eine Geschichte darüber, wie die Götter ihre Eide brachen, wie der Lichtgott Balder, der geliebte Sohn Odins, und bereits ein anderer Sohn Odins, Vali, "seine Handflächen nicht wusch, sich nicht an den Haaren kratzte", den Tod akzeptierte bis er den Mörder seines Bruders schlug.

Die tragischen Schicksale der Welt werden in der Geschichte um die Geburt des Riesenwolfs Fenrir noch eindringlicher offenbart. Die Götter werden damit nicht fertig und Fenrir selbst wird beauftragt, die Sonne zu verschlingen. Unterdessen stürzt die Menschenwelt in den Abgrund blutiger Grausamkeit. Vollständiger moralischer Niedergang: Brüder werden mit Brüdern kämpfen, Verwandte mit Verwandten, eine Person wird eine Person nicht verschonen. Und dort wird sich die Sonne verdunkeln und die Erde wird im Meer verschwinden. So zeichnet der Wahrsager das universelle Bild der Zerstörung der Welt.

Aber das Finale des Liedes soll den Glauben an die Rückkehr des "goldenen Zeitalters" wecken: Der Prophet wird als strahlender, wunderbarer Palast gesehen, in dem treue Truppen leben werden, die zum ewigen Glück bestimmt sind.

Die heroischen Lieder der Edda sind inhaltlich spezifischer. Sie erzählen von den tragischen Schicksalen einzelner, die fest mit den Sorgen und Nöten ihrer Gemeinschaft verbunden sind. Normalerweise ist dies eine Geschichte über die Beziehungen zwischen den Stämmen, über Schlachten und Streit, über Rächer und Rächer. Jedes einzelne Lied erzählt nur von einem bestimmten Abschnitt des Lebens des Helden; was vorher geschah und was danach folgte, kann man meist aus anderen Liedern lernen. Es kommt auch vor, dass das gleiche Ereignis in den Liedern unterschiedlich interpretiert wird. Außerdem werden im Lied viele Namen genannt, die nur aus anderen Legenden zu erfahren sind. Es ist definitiv sichtbar: Epische Lieder verlangen nach einem Zyklus; der nachfolgende Prozess der Zyklisierung wird eine natürliche Etappe auf dem Weg zur Entstehung eines umfangreichen epischen Gedichts sein.

Eddische Lieder über Helden enthalten viele Gesichter, deren Schicksale in einer Reihe von Liedern erzählt werden. Das sind Atli, Sigurd, Brunhild, Gudrun. Die tragischen Schicksale und schrecklichen Taten jedes dieser Helden sind atemberaubend. Aber die Lieder geben den Helden keine moralischen Urteile ab. An diese Leute kann man nicht mit den üblichen Maßstäben herantreten. Alles, was damit zusammenhängt, ist unerhört, was nach damaligen Vorstellungen heroisch heißt. Also schlägt Sigurd einen monströsen Drachen und nimmt seinen Schatz in Besitz. Doch der Held selbst wird von den Brüdern seiner Frau Gudrun auf einen schrecklichen Tod vorbereitet. "Sigurd wurde in einem tiefen Wald in zwei Teile geschnitten", und einer anderen Version zufolge wurde er in seinem eigenen Bett getötet. Die Ermordung von Sigurd wurde von Brunhild angestrebt: mit ihr war er durch einen Treueid verbunden, den er später brach. Als sie vom Tod Sigurds erfuhr, lachte Brunhild "ein einziges Mal herzlich" - endlich wurde sie gerächt! Aber sie konnte den Tod ihrer Geliebten nicht ertragen. "Nach dem Tod von Brunhild wurden zwei Freudenfeuer gebaut, eines für Sigurd, und dieses Feuer wurde zuerst verbrannt und Brunhild wurde auf einem anderen Feuer verbrannt" ("Brunhilds Reise nach Hel"). Der zweite Ehemann, Gudrun Atli, tötet ihre Brüder heimtückisch: Hegni "hatte sich mit einem scharfen Messer ein Herz aus der Brust gerissen", Gunnar wurde in einen Schlangengraben geworfen. Und dann rächt sich Gudrun mit furchtbarer Rache an ihrem Mann: Sie tötet ihre Söhne und verwöhnt ihren Vater Atli mit Kinderfleisch. Sie mischt Blut mit Bier und serviert das schreckliche Getränk in Schalen aus Jungenschädeln. Dann wird Atli getötet und seine Wohnung in Brand gesteckt.

Die heroischen Lieder von "The Elder Edda" sind majestätisch episch, aber sie sind nicht frei von lyrischen Noten. Und ihr Hauptmotiv ist eine nagende Elegie, die aus Kummer und Schmerz geboren ist.

Die reichste epische Literatur wurde von den Kelten geschaffen. In der Antike siedelten diese Stämme in den weiten Gebieten Europas. Während des Aufstiegs des Römischen Reiches wurden die Kelten teilweise romanisiert und die Denkmäler ihrer Poesie gingen unwiederbringlich verloren. So geschah es beispielsweise nach der Eroberung Galliens durch die Römer im 1. Jahrhundert. BC e. Besser war die Situation bei der Kultur der Kelten, die sich auf den britischen Inseln niederließen. Im frühen Mittelalter wurde Irland zum wichtigsten Zentrum ihrer Kultur. Charakteristisch ist die Christianisierung Irlands im 5. Jahrhundert. änderte die Haltung gegenüber den poetischen Denkmälern des Heidentums nicht, sondern trug im Gegenteil sogar zu ihrer Erhaltung bei. Zusammen mit dem Christentum kam die Schrift nach Irland, und in den Klöstern, die hier in kurzer Zeit in großer Zahl erschienen, gab es Werkstätten zum Umschreiben von Büchern - Scriptorien. Damit wurde die bereits in Kontinentaleuropa bestehende Tradition fortgeführt: Ein Mönch muss nicht nur beten, sondern auch körperliche und geistige Arbeit leisten, Bücher lesen und neu schreiben. Es sei darauf hingewiesen, dass die irischen Mönche der antiken Kultur eine erstaunliche Aufmerksamkeit entgegenbrachten: poetische Legenden wurden niedergeschrieben, aufbewahrt und es war nicht verboten, sie in Schulen zu studieren.

Unersetzliche Schäden an der keltischen Kultur wurden später angerichtet: im 8.-10. Jahrhundert im Zusammenhang mit der Invasion Irlands durch die Wikinger und ab dem 11. Jahrhundert, als das Land von den Anglo-Normannen erobert wurde. Während dieser Zeit wurden viele irische Klöster geplündert und zerstört, und die Zahl der verlorenen Manuskripte kann nicht gezählt werden.

Trotz der verheerenden Folgen der Eroberungskriege haben sich viele Denkmäler der altskandinavischen Literatur bis heute erhalten. Dabei handelt es sich um Prosawerke mit Verseinlagen, meist an den Stellen, an denen dramatische oder lyrische Töne besondere Spannung erreichen. Schon in der Neuzeit wurden diese Geschichten Sagen (Legenden) genannt, die Isländer nannten sie "Geschichten", "Geschichten".

In den irischen Sagen sind die kosmischen Ausmaße im Vergleich zu den Liedern der "Elder Edda" erheblich gedämpft; im Vordergrund stehen dabei vor allem die Heldentaten und Taten einzelner Helden, deren Lebensziele von den Interessen der Familie und des Clans bestimmt werden. Die Komposition der Sagen ist offen. Sie alle suggerieren sich in Zyklen, deren verbindender Anfang entweder die Heldengeschichte ist (Ulad-Zyklus, Finn-Zyklus) oder einige allgemeine Seinsprobleme (mythologische Sagen, Sagen über das Segeln ins Land der Seligkeit).

Der bedeutendste Teil des irischen Epos ist der Ulad-Zyklus, dessen älteste Version in einer Handschrift vom Anfang des 11. Jahrhunderts bis in unsere Zeit überliefert ist. und - wegen der Qualität seines Pergaments - "Das Buch der braunen Kuh" genannt.

Der zentrale Held des Zyklus ist der Held Cuchulainn, dessen Lebenstage sich in der Legende auf das 1. Jahrhundert beziehen. n. e. Das Bild von Cuchulainn ist eine der größten Schöpfungen des poetischen Genies der alten Iren. Und heute ist sein Name in Irland mit dem höchsten Ruhm umgeben, er ist ein im Volksmund anerkannter Nationalheld. Beachten Sie, dass die absolute Perfektion von Cuchulainn in den ihm gewidmeten Legenden immer wieder erwähnt wurde: "Die Frauen von Ulad liebten ihn vor allem für seine Geschicklichkeit bei Spielen, seinen Mut beim Springen, seine Klarheit des Geistes, seine Süße in der Sprache, seinen Charme und sein Gesicht sanfter Blick." Cuchulainn hatte nur drei Mängel: seine Jugend, den unerhörten Stolz auf seinen Mut und die Tatsache, dass er zu gutaussehend und stattlich war ("Matchmaking to Emer"). Cuchulainn vereint gleichermaßen die Züge eines mythologischen Helden, eines Trägers archaischen Dämonismus und die Qualitäten eines irdischen Menschen. Diese Dualität, die sich jedoch in einer organischen künstlerischen Einheit präsentiert, macht sich seit seiner wundersamen Geburt ständig bemerkbar. Nach einer Version ist er also der Sohn des Lichtgottes und Schutzpatron des Handwerks Lug; andererseits - der Sohn von König Conchobor, der mit seiner Schwester eine inzestuöse Beziehung einging. Aber in jeder Version ist Cuchulainns Mutter die sterbliche Frau Dekhtire.

Die "Biographie" des Helden, die sich vom Moment seiner Geburt bis zu den letzten Momenten seines Lebens nachverfolgen lässt, basiert auf Motiven, die einen stabilen Charakter in der Volkspoesie haben. Dies sind unglaubliche Leistungen, die Cuchulainn als Kind vollbracht hat; unter ihnen sticht der Sieg über den monströsen Hund des Schmieds Kulan hervor. Dies ist die Geschichte eines heroischen Matchmaking eines Helden, eines tödlichen Duells mit seinem eigenen Sohn, eines Besuchs in der anderen Welt, eines Kampfes mit seinem Bruder Ferdind ...

Cuchulainn vollbringt nicht nur dank seiner Stärke, seines Mutes und seines Mutes die größten Kunststücke, sondern auch seiner magischen Kraft: die Fähigkeit, sich unerwartet zu verwandeln, die Fähigkeit, wunderbare Kampftechniken zu meistern. Das Überirdische manifestiert sich schon in der Erscheinung des Helden: "In den Augen des jungen Mannes waren sieben Pupillen - drei in der einen und vier in der anderen, sieben Finger an jedem Fuß und sieben an jeder Hand" ("Matchmaking to Emer "). Eine bedeutende Rolle im Leben des Helden spielen mythologische Kreaturen: Er wird von der Zauberin Skathah ausgebildet, seine Liebhaber waren die heroische Jungfrau Ayore und die Fee Fand, seine Verbündeten und Gegner sind die Fee Morrigan, der Zauberer Ku Roi .. .

Nach den Überlieferungen solcher Legenden steigt Cuchulainn in der Stunde des Todes zur höchsten Stufe seines heroischen Schicksals auf. Davon erzählt die Saga "Tod von Cuchulainn" - eine der erhabensten des Zyklus. Die ewige Gegnerin von Cuchulainn, Königin Medb, schickt eine schreckliche Armee in die Ulads, angeführt von den Söhnen Galatins, die in den Zauberkünsten ausgebildet sind. Auch Cuchulainn zog in die Schlacht, doch sein Schicksal war bereits vorherbestimmt: "Die Frauen stießen einen Schrei des Leidens, der Trauer und des Mitleids aus, wissend, dass der Held niemals zurückkehren würde ..." Und auf dem Weg zum Schlachtfeld wurde die Hexe behandelt zu Hundefleisch. Cuchulainn konnte dies nicht ablehnen: denn er schwor, auf die Bitte jeder Frau einzugehen. Doch die Gabe der Hexe war fatal: Mit ihrer linken Hand gab sie Cuchulainn das Fleisch - und sie verloren ihre frühere Kraft und die linke Hand und den linken Oberschenkel des Helden. Trotzdem kämpfte Cuchulainn tapfer und besiegte viele Feinde. Aber er konnte den Kräften der Angreifer nicht widerstehen: Der Fahrer des Helden wurde getötet, dann sein Pferd, und dort wurde er selbst tödlich verwundet. Und dann band sich Cuchulainn an einen hohen Stein: "denn er wollte nicht sterben, weder sitzend noch liegend, sondern nur stehend." Aber Lugaid, der Sohn von drei Hunden, "griff Cuchulainn von hinten an den Haaren und hackte ihm den Kopf ab. Dann fiel sein Schwert aus Cuchulainns Händen und schnitt Lugaids rechten Arm ab, so dass sie zu Boden fiel. Als Vergeltung schnitten sie ab." Cuchulainns rechte Hand. Dann verließen sie dort Krieger und nahmen den Kopf von Cú Chulainn und seine Hand mit "(Tod von Cú Chulainn").

Die dem Ulad-Zyklus am nächsten liegende Stelle wird von den Finnen gewidmeten Legenden eingenommen. Der Name des Helden ist als „geheimes Wissen“ entziffert und hat folgende Bedeutung: „Einmal fiel ein Tropfen eines wunderbaren Getränks auf Finns Finger; und von nun an, sobald der Held diesen Finger in den Mund steckt, schließt er sich dem Höchsten an Geheimnisse." Es gibt eine andere Version: Finn wurde ein Weiser, weil er den Lachs der Weisheit gekostet hat. Aber Finn ist nicht nur ein Weiser. Er ist auch ein tapferer Krieger. Er war es, der es geschafft hat, das schreckliche einäugige Monster zu treffen.

Eine der poetischsten Sagen des Zyklus ist "The Pursuit of Diarmade and Greine". Mit vielen ihrer Motive nimmt sie die Geschichte der tragischen Liebe von Tristan und Isolde vorweg. Die Sage erzählt, dass der alte Finne beschlossen hat zu heiraten, die Tochter des Königs von Irland, Graine, wurde als Braut ausgewählt. Aber Greina mag den Bräutigam nicht. Und während des Festes verwöhnt das Mädchen alle mit einem einschlafenden Getränk. Und sie legt der "gebräunten, süß sprechenden Kriegerin Diarmayd" "gefährliche und zerstörerische Fesseln der Liebe" auf. Von diesen Bindungen verzaubert, flieht Diarmade mit Greine. Die Wanderungen der Helden dauern lange sechzehn Jahre an. Und die ganze Zeit besiegt der furchtlose Diarmade die mächtigen Krieger und Monster, die ihm auf der Jagd nachgeschickt werden - giftige Hunde. Endlich schließt Finn Frieden mit Diarmuid. Abgeschieden, aber glücklich und glücklich lebte Diarmuid mit seiner Familie. Und er hatte vier Söhne und eine Tochter. Aber Glück ist veränderlich und ein Mensch will immer mehr. Greina wollte ein Fest feiern und dazu Gäste einladen, darunter einen Finnen. Ohne Verlangen stimmte Diarmuid dem zu, als hätte er eine Vorahnung seines traurigen Endes. Und tatsächlich arrangierte der kluge Finne eine Jagd, bei der ein schrecklicher Eber Diarmayd tödlich verwundete. Finn konnte den Helden wieder zum Leben erwecken, indem er ihm einen Schluck aus der Handfläche gab – aber er tat es nicht. Graine trauerte lange. Doch dem gerissenen Finn gelang es, die Witwe auf seine Seite zu ziehen. Sie wurden Ehemann und Ehefrau. Und als die Söhne von Diarmaid, die gereift waren und militärische Erfahrung gesammelt hatten, beschlossen, gegen Finn in den Krieg zu ziehen, gelang es Graine, alle davon zu überzeugen, zuzustimmen.

Die Welt der irischen Sagen ist eine harte Welt. Er testet einen Menschen bis zum höchsten Maß seiner Stärke und noch mehr. Dies ist eine Welt voller grandioser und majestätischer, mysteriöser und mysteriöser. Bewertungen: gut oder schlecht, moralisch oder unmoralisch, sind noch kein Kriterium. Der Mensch behauptet sich heroisch in dieser Welt, zeigt das Unerhörte in seinen Taten und behält den Glauben an die Macht des Schicksals. Und deshalb unterliegen seine beispiellosen Heldentaten und entsetzlichen Taten keinem ordentlichen Gericht.

Das archaische Epos als besonderer Typus epischen Schaffens erschöpft sich im 7.-8. Jahrhundert. Die Gründe dafür sind in der Natur der Poetik des Epos zu suchen.

Ein Epos ist eine poetische Reflexion des historischen Bewusstseins einer Person, und was das Epos erzählt, wird als absolute Wahrheit verstanden. Diese Wahrheit war die Welt der Mythen und der Märchen, auf denen das archaische Epos wuchs und auf das er sich stützte. Aber das archaische Epos verlor seine ursprüngliche Basis, sich nach dem Prinzip der Entmythologisierung entwickelnd, gesättigt mit immer konkreteren historischen Realitäten. Die Entwicklung des Staatslebens stellte den Menschen wiederum vor neue Probleme, die mit dem Bewusstsein seines Platzes nicht nur im System des Universums, der Familie und des Clans, sondern auch in der Geschichte verbunden waren. All dies veränderte das Wesen der epischen Kreativität grundlegend: Das archaische (vorstaatliche) Epos wurde durch das heroische (Staats-) Epos ersetzt.

Das auffälligste und bedeutendste Denkmal des Übergangstyps ist das angelsächsische Gedicht "Beowulf", das entweder Ende des 7. oder Anfang des 8. Jahrhunderts entstand. und ist in einer einzigen Handschrift aus dem 10. Jahrhundert bis in unsere Zeit überliefert. Nach dem Muster der Märchen wird die Struktur des Gedichts durch die drei zentralen Heldentaten des Helden bestimmt, und jede weitere ist komplizierter als die vorherige.

Der Name Beowulf, der „Wolf der Bienen“, Bär, bedeutet, wird in historischen Quellen nicht erwähnt. Die Helden kamen zu dem epischen Gedicht aus der Welt der Mythen und Märchen. Beowulf wird in dem Gedicht als Vertreter des Gauts-Stammes dargestellt, der freiwillig die Mission übernahm, Monster zu bekämpfen, "Lebenszerstörer" von Menschen. Als Beowulf hört, dass ein schrecklicher Kannibale namens Grendel in Dänemark aufgetaucht ist, geht er dorthin, überwindet das Monster mit relativer Leichtigkeit, und danach besiegt Grendels Mutter sie mit großer Mühe und kämpft gegen sie in einer fremden Welt - einem wässrigen Abgrund. Fünfzig Jahre vergehen. Ein feuerspeiender Drache taucht in der Nähe des von Beowulf regierten Landes auf. Beowulf tritt mit ihm in den Kampf. Der Drache wird besiegt, aber auch der Held stirbt an einer tödlichen Wunde.

Das Gedicht bleibt im Wesentlichen im Rahmen des archaischen Epos. Dies wird durch die wundersamen Kräfte des Helden, die wunderbaren Taten, die er vollbringt, bewiesen. Beowulf verkörpert im Allgemeinen die Stärke, Macht und Furchtlosigkeit der gesamten Gemeinschaft, zu der er gehört: "Er war der stärkste unter den mächtigen Helden des Edlen, Stattlichen und Stolzen." Die Feinde von Beowulf sind mythologische Kreaturen, Bewohner einer fremden, dämonischen Welt. Das Motiv des Drachenkampfes spielt in dem Gedicht eine auffällige Rolle. Der Held selbst fungiert als Beschützer der Kultur und beherrscht die Elemente der Natur.

Aber die Geschichte vom Kampf des Helden mit Fabelwesen wird vor einem spezifischen historischen Hintergrund erzählt: Die Länder, Stämme und Nationalitäten werden benannt, die Beziehung zwischen den Angeln und den Sachsen wird reflektiert, es wird von den Gaug-Überfällen auf die Franken erzählt, von die Stammesfehden der Dänen und Friesen. Die Abdeckung der historischen Welt in dem Gedicht ist breit – und dies ist ein Zeichen dafür, dass die Stammesisolation überwunden wird. Und in Verbindung damit entsteht ein umfangreiches Gedicht mit einem entwickelten beschreibenden Element, einer Fülle von Exkursen. So wird zum Beispiel die Schlacht von Beowulf mit Grendel und seiner Mutter zuerst ausführlich beschrieben, und dann erzählt der Held nach seiner Rückkehr in seine Heimat noch einmal ausführlich von ihnen. Die kompositorische Harmonie des Werkes nimmt zu. Dies ist keine Kette epischer Lieder mehr, die durch einen einzigen Helden verbunden sind, sondern eine organische Einheit der Handlung.

Das Gedicht spiegelt deutlich die Christianisierung der Angelsachsen wider, die bis ins 7. Jahrhundert zurückreicht. Die Heiden sind zum Scheitern verurteilt, der Erfolg begleitet diejenigen, die den Schöpfer ehren. Der Allmächtige hilft Beowulf: "Gott der Fürsprecher ... der Glücksweber stellte einen Helden über die Armee von Gautsk." In dem Gedicht ist die militärische Tapferkeit manchmal nicht von den christlichen Tugenden des Helden zu unterscheiden. Einige von Beowulfs Persönlichkeitsmerkmalen und Wechselfällen erinnern an das Leben Jesu Christi.

Die Schlussszenen des Gedichts sind in ihrem Ton mehrdeutig. Die letzte Heldentat des Helden ist von hoher Tragik gefärbt, nicht ohne Opfer. Als er sich auf das Treffen mit dem Drachen vorbereitete, sagte Beowulf „die Nähe des Todes in seinem Herzen voraus“. In einem schwierigen Moment verließ die Truppe den Helden. Die Szenen von Beowulfs Tod und der Bestattung seines Körpers sind von eschatologischen Motiven durchdrungen. "Das Stöhnen des Feuers wurde von Klagen widerhallt", und eine gewisse alte Frau "heulte über Beowulf und sagte eine schreckliche Zeit voraus, Tod, Raubüberfälle und unrühmliche Schlachten."

Aber es gibt auch ermutigende Hinweise in den gleichen Szenen. Der junge Ritter Wiglaf hilft Beowulfa, den Drachen zu besiegen. Er war einer von Beowulfs Truppe, der im Herzen nicht verlegen war, im Geiste stark blieb, in schwierigen Zeiten nicht zusammenzuckte, den Ruhm seiner Vorfahren nicht fallen ließ. Er, Wiglaf, war es, der das feierliche Begräbnis von Beowulf arrangierte; Darüber hinaus wird nicht nur der Körper des Helden auf dem Begräbnisfeuer verbrannt, sondern auch der Schatz, über den die alten Zaubersprüche zogen.

Das Gedicht beginnt mit einer Beschreibung der Beerdigung des dänischen Königs Skid Skeving und endet mit der Beerdigung von Beowulf. Aber in jedem Fall bedeutet der Tod keineswegs das Ende. Trauer und Freude, Verzweiflung und Hoffnung gehen Hand in Hand. Und das Leben geht ewig weiter.