Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Zurück vorwärts

Aufmerksamkeit! Die Folienvorschau dient nur zu Informationszwecken und stellt möglicherweise nicht den vollen Umfang der Präsentation dar. Wenn Sie an dieser Arbeit interessiert sind, laden Sie bitte die Vollversion herunter.

Unterrichtsart: Eine Lektion zum Studium und zur primären Konsolidierung neuer Kenntnisse und Aktivitätsmethoden (Organisation der Aktivitäten der Schüler zur Wahrnehmung, zum Verständnis und zum primären Auswendiglernen neuer Kenntnisse und Aktivitätsmethoden).

Didaktisches Ziel: Bedingungen schaffen, um einen Block neuer Informationen über die zyklischen Formen der Musik zu verstehen und zu verstehen, sie in einer neuen Bildungssituation anzuwenden, den Grad der Assimilation eines Systems von Wissen und Fähigkeiten zu überprüfen,

Inhaltliche Ziele:

Lehrreich:

• Kennenlernen der Studierenden mit Beispielen der zyklischen Musikform am Beispiel eines Instrumentalkonzerts;
• die Schüler mit den Merkmalen der Form eines Instrumentalkonzerts auf der Grundlage der Merkmale des Musikstils von A. Schnittke vertraut zu machen;
• neue Fähigkeiten, Fertigkeiten, Kenntnisse über die musikalische Dramaturgie des Konzerts zu bilden;
• Kenntnisse der Begriffe vertiefen: Polystilistik, Stilisierung.
• die Studierenden mit Kompositionstechniken vertraut zu machen, die es ermöglichen, Vergangenheit und Gegenwart in einem Musikstück zu verbinden.

Lehrreich:

• alle möglichen Verbindungen zwischen einem Kunstwerk und Phänomenen der Kunst und des Lebens herstellen können (Metasubjektverbindungen: zyklische Formen in der Musik, Collage in der zeitgenössischen bildenden Kunst);
• Entwickeln Sie auf der Grundlage all dieser Verbindungen Ihre eigene Haltung zu dieser Arbeit durch eine kreativ-produktive Verkörperung;
• die Fähigkeit, Verbindungen zwischen Werken der Gegenwart und der Vergangenheit zu erkennen, Merkmale alter Musik in einem modernen Werk;
• Verbindungen zwischen Werken der Musikkultur, der Bildenden Kunst und der Kinematographie erkennen können;
• die Fähigkeit von Kindern zu entwickeln, den Klang eines Soloinstruments und eines Orchesters, ihre Beziehung nach Gehör zu unterscheiden;
• die Bildung der Erfahrung des Hörers beim Kennenlernen der Werke der Instrumentalmusik fortzusetzen;

Lehrreich:

• Liebe und Respekt für das musikalische Erbe russischer Komponisten und die Traditionen der italienischen und deutschen klassischen Musik zu pflegen;
• die Schüler zu einer nachdenklichen, sorgfältigen Haltung gegenüber den Traditionen der Vergangenheit, der nationalen oder historischen Farbe zu ermutigen;
• Kommunikationsfähigkeiten entwickeln, das Prinzip des Lernens durch Zusammenarbeit erarbeiten (kreative Aktivität zu zweit);
• die Fähigkeit zur Selbstverwirklichung, Selbstbestimmung durch kreative und produktive Tätigkeit zu bilden;
• Schaffung von Bedingungen für die Beteiligung jedes Schülers an einem aktiven kognitiven Prozess unter Berücksichtigung der psychologischen, persönlichen Qualitäten der Schüler;
• Steigerung der Lernmotivation durch Beteiligung an einem einzigen kreativen Prozess (Arbeit an einer kreativen Aufgabe).

Methoden: partielle Suche, reproduktiver, Metasubjekt-Ansatz.

Informationen und methodische Unterstützung: PC, Multimedia-Projektor, interaktives Whiteboard, UMK, herausgegeben von E. D. Kritskaya.

Verwendete Software: Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic.

Technische Mittel: nimmt "Die Nacht ist vergangen" auf der nächsten auf. R. Rozhdestvensky, Musik. A. Rybnikova, „Concerto grosso“ von A. Schnittke (5. Satz, Rondo), „Chaconne“ von I. Bach, Ausschnitt aus Richard Viktorovs Film „Youths in the Universe“, Präsentation über zyklische Form und Konzert, Videopräsentation für Rybnikovs Lied, Dias mit Reproduktionen von P. Filonov „The Head“, I. Levitan „Lake Rus“, Alfred Sisley „Lonely Path“, Niccolò Poussin „Landscape with Two Nymphs“.

Eingesetzte Kompetenzen: wertsemantische, allgemeine kulturelle, pädagogische und kognitive, persönliche Verbesserung, Suche.

Arten und Formen der Kontrolle: Korrektur der mündlichen Antworten der Schüler, Beobachtung des kreativen Prozesses bei der Arbeit zu zweit.

Unterrichtsproblem: die Widersprüche der modernen Musik durch die Verbindungen zwischen Phänomenen des Lebens und Phänomenen in der Kunst aufzeigen sowie Verbindungen zwischen verschiedenen historischen Epochen herstellen.

Voraussichtliches Ergebnis:

• die Struktur zyklischer Musikformen wahrnehmen und verstehen können;
• die Fähigkeit, die Gründe zu verstehen, warum sich moderne Komponisten durch eine moderne Konzertinszenierung den Formen klassischer Musik der Vergangenheit zuwenden.

Mehr Wissen, Kreativität:

• die Fähigkeit, die eigene Wahrnehmung eines musikalischen Werks durch plastische Formen zu verkörpern (Skulptur, ganzheitliches Erstellen eines einzelnen Bildes - eine Collage);
• die Fähigkeit zur gemeinsamen Aufführung, Elemente der Improvisation und Kreativität;
• Bekanntschaft mit Werken der Musik, der bildenden Kunst, des Kinos über den Rahmen eines bestimmten Programms hinaus.

Begründung.

Diese Unterrichtsstunde ist Teil des zweiten Halbjahres „Besonderheiten der Dramaturgie der Kammer- und Sinfonikmusik“. Hier haben Jugendliche dank der Bekanntschaft mit Kunstwerken verschiedener Stile und Epochen die Möglichkeit, in einen Dialog mit Gleichaltrigen und mit Menschen aus ferner Vergangenheit zu treten (als würden sie verschiedene Zeiten besuchen). So haben die Studierenden die Möglichkeit, eine Verbindung zwischen der Welt um sie herum und dem Erscheinen von Werken herzustellen, die das Geschehen in dieser Welt widerspiegeln (die Metasubjektnatur von Kunstobjekten). Es ist auch eine Variante einer Gesundheitserhaltungsstunde, als Ergebnis der Suche nach Lösungen für Probleme durch Kreativität, Selbstverwirklichung in den Bildern des Gehörten (Hören ernsthafter klassischer Musik - Erstellen von Teilen einer Collage).

Organisationszeit: Die Schüler betreten den Klassenraum zur Musik von A. Rybnikov, auf dem Bildschirm ist die Videopräsentation Nr. 1 für das Lied (auditive Immersion) zu sehen, Albumblätter sind auf den Schreibtischen vorfixiert, Kisten mit Plastilin sind ausgelegt. Folie Nummer 1.

Struktur und Inhalt des Unterrichts

Klassische Komponisten sind auf der ganzen Welt bekannt. Jeder Name eines musikalischen Genies ist eine einzigartige Individualität in der Kulturgeschichte.

Was ist klassische musik

Klassische Musik - bezaubernde Melodien, geschaffen von talentierten Autoren, die zu Recht als klassische Komponisten bezeichnet werden. Ihre Werke sind einzigartig und werden bei Interpreten und Zuhörern immer gefragt sein. Klassik wird einerseits als strenge, tiefgründige Musik bezeichnet, die sich nicht auf die Richtungen bezieht: Rock, Jazz, Folk, Pop, Chanson usw. Andererseits gibt es in der historischen Entwicklung der Musik eine Periode der das späte XIII - frühe XX Jahrhundert, Klassizismus genannt.

Klassische Themen zeichnen sich durch erhabene Intonation, Raffinesse, Farbvielfalt und Harmonie aus. Sie wirken sich positiv auf das emotionale Weltbild von Erwachsenen und Kindern aus.

Entwicklungsstufen der klassischen Musik. Ihre kurze Beschreibung und Hauptvertreter

In der Entwicklungsgeschichte der klassischen Musik lassen sich Etappen unterscheiden:

• Renaissance oder Renaissance - frühes 14. - letztes Viertel des 16. Jahrhunderts. In Spanien und England dauerte die Renaissance bis ins frühe 17. Jahrhundert.
• Barock - ersetzte die Renaissance und dauerte bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts. Spanien war das Zentrum des Stils.
• Der Klassizismus ist eine Entwicklungsperiode der europäischen Kultur vom Beginn des 18. bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts.
• Die Romantik ist eine dem Klassizismus entgegengesetzte Richtung. Sie dauerte bis Mitte des 19. Jahrhunderts.
• Klassiker des 20. Jahrhunderts - die Moderne.

Kurze Beschreibung und Hauptvertreter der Kulturepochen

1. Renaissance - eine lange Entwicklungsperiode aller Kulturbereiche. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria komponierten und hinterließen unsterbliche Kreationen für die Nachwelt.

2. Barock - in dieser Zeit erscheinen neue Musikformen: Polyphonie, Oper. In dieser Zeit schufen Bach, Händel und Vivaldi ihre berühmten Kreationen. Bachs Fugen sind nach den Vorgaben der Klassik gebaut: obligatorische Beachtung der Kanons.

3. Klassizismus. Wiener Klassik-Komponisten, die im Zeitalter der Klassik ihre unsterblichen Schöpfungen schufen: Haydn, Mozart, Beethoven. Die Sonatenform erscheint, die Zusammensetzung des Orchesters nimmt zu. und Haydn unterscheiden sich von den schwerfälligen Werken Bachs durch ihren unkomplizierten Aufbau und die Eleganz ihrer Melodien. Es war immer noch ein Klassiker, der nach Perfektion strebte. Beethovens Kompositionen stehen am Rande der Berührung zwischen romantischen und klassischen Stilrichtungen. In der Musik von L. van Beethoven gibt es mehr Sinnlichkeit und Inbrunst als rationale Kanonik. So wichtige Genres wie Symphonie, Sonate, Suite, Oper ragten heraus. Beethoven begründete die Romantik.

4. Romantik. Musikalische Werke zeichnen sich durch Farbe und Dramatik aus. Es werden verschiedene Liedgenres gebildet, zum Beispiel Balladen. Klavierkompositionen von Liszt und Chopin fanden Anerkennung. Die Traditionen der Romantik wurden von Tschaikowsky, Wagner, Schubert geerbt.

5. Klassiker des 20. Jahrhunderts - geprägt vom Wunsch der Autoren nach Neuerungen in Melodien, entstanden die Begriffe Aleatorik, Atonalismus. Die Werke von Strawinsky, Rachmaninov, Glass beziehen sich auf das klassische Format.

Russische klassische Komponisten

Tschaikowsky P.I. - Russischer Komponist, Musikkritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Lehrer, Dirigent. Seine Kompositionen sind die meistgespielten. Sie sind aufrichtig, leicht wahrnehmbar, spiegeln die poetische Originalität der russischen Seele wider, malerische Bilder der russischen Natur. Der Komponist schuf 6 Ballette, 10 Opern, mehr als hundert Romanzen, 6 Symphonien. Das weltberühmte Ballett „Schwanensee“, die Oper „Eugen Onegin“, „Kinderalbum“.

Rachmaninow S. V. - Die Werke des herausragenden Komponisten sind gefühlvoll und heiter, teilweise dramatisch im Inhalt. Ihre Genres sind vielfältig: von kleinen Theaterstücken bis hin zu Konzerten und Opern. Die allgemein anerkannten Werke des Autors: die Opern „Der geizige Ritter“, „Aleko“ nach Puschkins Gedicht „Zigeuner“, „Francesca da Rimini“ nach einer Handlung aus Dantes „Göttlicher Komödie“, das Gedicht „Die Glocken“ ; Suite "Sinfonische Tänze"; Klavierkonzerte; Vokalisierung für Singstimme mit Klavierbegleitung.

Borodin A.P. war Komponist, Lehrer, Chemiker, Arzt. Die bedeutendste Kreation ist die Oper „Prince Igor“, die auf dem historischen Werk „The Tale of Igor's Campaign“ basiert, das der Autor fast 18 Jahre lang geschrieben hat. Zu seinen Lebzeiten hatte Borodin keine Zeit, es fertigzustellen, nach seinem Tod vollendeten A. Glazunov und N. Rimsky-Korsakov die Oper. Der große Komponist ist der Begründer klassischer Quartette und Sinfonien in Russland. Die „Bogatyr“-Symphonie gilt als Krönung der Welt- und russischen Nationalhelden-Symphonie. Als herausragend wurden die instrumentalen Kammerquartette Erstes und Zweites Quartett ausgezeichnet. Einer der ersten, der Heldenfiguren aus der altrussischen Literatur in Romanzen einführte.

Großartige Musiker

M. P. Mussorgsky, den man als großen realistischen Komponisten bezeichnen kann, als mutigen Erneuerer, der akute soziale Probleme berührt, als exzellenten Pianisten und exzellenten Sänger. Die bedeutendsten musikalischen Werke sind die Opern „Boris Godunov“, die auf dem dramatischen Werk von A.S. Puschkin und "Khovanshchina" - ein volksmusikalisches Drama, die Hauptfigur dieser Opern sind die rebellischen Menschen aus verschiedenen sozialen Schichten; Kreativzyklus "Bilder einer Ausstellung", inspiriert von den Werken Hartmanns.

Glinka M.I. - ein berühmter russischer Komponist, der Begründer der klassischen Richtung in der russischen Musikkultur. Er schloss den Prozess der Gründung einer Schule russischer Komponisten ab, die auf dem Wert von Volksmusik und professioneller Musik basierte. Die Werke des Meisters sind von der Liebe zum Vaterland durchdrungen und spiegeln die ideologische Ausrichtung der Menschen dieser historischen Epoche wider. Das weltberühmte Volksdrama „Ivan Susanin“ und die Märchenoper „Ruslan und Ljudmila“ sind zu neuen Trends in der russischen Oper geworden. Die symphonischen Werke „Kamarinskaja“ und „Spanische Ouvertüre“ von Glinka sind die Grundlagen der russischen Symphonie.

Rimsky-Korsakov N.A. ist ein talentierter russischer Komponist, Marineoffizier, Lehrer, Publizist. Zwei Strömungen lassen sich in seinem Werk verfolgen: historisch („Die Zarenbraut“, „Pskowiter“) und fabelhaft („Sadko“, „Schneewittchen“, Suite „Scheherazade“). Eine Besonderheit der Werke des Komponisten: Originalität basierend auf klassischen Werten, Homophonie in der harmonischen Konstruktion früher Kompositionen. Seine Kompositionen haben den Stil eines Autors: originelle Orchesterlösungen mit ungewöhnlich aufgebauten Vokalpartituren, die die wichtigsten sind.

Russische klassische Komponisten versuchten, in ihren Werken das für die Nation charakteristische kognitive Denken und die Folklore widerzuspiegeln.

Europäische Kultur

Berühmte klassische Komponisten Mozart, Haydn, Beethoven lebten in der damaligen Hauptstadt der Musikkultur - Wien. Genius kombiniert meisterhafte Darbietung, hervorragende kompositorische Lösungen und die Verwendung verschiedener Musikstile: von Volksmelodien bis hin zu polyphonen Entwicklungen musikalischer Themen. Die großen Klassiker zeichnen sich durch eine umfassende kreative Geistestätigkeit, Kompetenz, Klarheit in der Konstruktion musikalischer Formen aus. In ihren Werken sind Intellekt und Emotion, tragische und komische Komponenten, Leichtigkeit und Besonnenheit organisch miteinander verbunden.

Beethoven und Haydn tendierten zu Instrumentalkompositionen, Mozart beherrschte sowohl Opern- als auch Orchesterkompositionen meisterhaft. Beethoven war ein unübertroffener Schöpfer heroischer Werke, Haydn schätzte und setzte Humor erfolgreich ein, volkstümliche Gattungstypen in seinem Werk, Mozart war ein Universalkomponist.

Mozart ist der Schöpfer der Sonaten-Instrumentalform. Beethoven perfektionierte es, brachte es zu unübertroffenen Höhen. Die Zeit wurde zu einer Blütezeit des Quartetts. Haydn, gefolgt von Beethoven und Mozart, leisten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung dieser Gattung.

Italienische Meister

Giuseppe Verdi - ein herausragender Musiker des 19. Jahrhunderts, entwickelte die traditionelle italienische Oper. Er hatte eine tadellose Handwerkskunst. Die Opernwerke Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida wurden zum Höhepunkt seiner kompositorischen Tätigkeit.

Niccolo Paganini – geboren in Nizza, eine der musikalisch begabtesten Persönlichkeiten des 18. und 19. Jahrhunderts. Er war ein Virtuose auf der Geige. Er komponierte Capricen, Sonaten, Quartette für Violine, Gitarre, Viola und Cello. Er schrieb Konzerte für Violine und Orchester.

Gioacchino Rossini - im 19. Jahrhundert gearbeitet. Autor von Kirchen- und Kammermusik, komponierte 39 Opern. Herausragende Werke - "Der Barbier von Sevilla", "Othello", "Aschenputtel", "Die diebische Elster", "Semiramide".

Antonio Vivaldi ist einer der größten Vertreter der Geigenkunst des 18. Jahrhunderts. Berühmt wurde er durch sein berühmtestes Werk - 4 Violinkonzerte "Die Jahreszeiten". Er lebte ein erstaunlich fruchtbares kreatives Leben, komponierte 90 Opern.

Berühmte italienische klassische Komponisten hinterließen ein ewiges musikalisches Erbe. Ihre Kantaten, Sonaten, Serenaden, Symphonien, Opern werden mehr als einer Generation Freude bereiten.

Besonderheiten der Wahrnehmung von Musik durch ein Kind

Laut Kinderpsychologen wirkt sich das Hören guter Musik positiv auf die psycho-emotionale Entwicklung des Kindes aus. Gute Musik führt einen in die Kunst ein und bildet einen ästhetischen Geschmack, wie Lehrer glauben.

Viele bekannte Kreationen wurden von klassischen Komponisten für Kinder unter Berücksichtigung ihrer Psychologie, Wahrnehmung und der Besonderheiten des Alters geschaffen, dh zum Hören, während andere verschiedene Stücke für die Krümel der Interpreten komponierten, leicht zu hören und technisch zugänglich zu ihnen.

„Kinderalbum“ von Tschaikowsky P.I. für kleine Pianisten. Dieses Album ist einem Neffen gewidmet, der Musik liebte und ein sehr begabtes Kind war. Die Sammlung umfasst mehr als 20 Stücke, von denen einige auf folkloristischem Material basieren: neapolitanische Motive, russischer Tanz, Tiroler und französische Melodien. Sammlung "Kinderlieder" von Tschaikowsky P.I. für die auditive Wahrnehmung eines Kinderpublikums konzipiert. Aufbruchsgesänge über Frühling, Vögel, einen blühenden Garten („My garden“), über Mitleid mit Christus und Gott („Christ the baby had a garden“).

Klassiker für Kinder

Viele klassische Komponisten arbeiteten für Kinder, deren Werkliste sehr vielfältig ist.

Prokofjew S.S. „Peter und der Wolf“ ist ein symphonisches Märchen für Kinder. Dank dieses Märchens lernen Kinder die Musikinstrumente des Sinfonieorchesters kennen. Der Text der Geschichte wurde von Prokofjew selbst geschrieben.

Schumann R. „Kinderszenen“ sind musikalische Kurzgeschichten mit einfacher Handlung, geschrieben für erwachsene Darsteller, Kindheitserinnerungen.

Debussys Klavierzyklus "Children's Corner".

Ravel M. „Mutter Gans“ nach den Märchen von Ch. Perrault.

Bartok B. „Erste Schritte am Klavier“.

Fahrräder für Kinder Gavrilova S. "Für die Kleinsten"; "Helden der Märchen"; "Kinder über Tiere."

Schostakowitsch D. "Album mit Klavierstücken für Kinder".

Bach I.S. Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach. Er unterrichtete seine Kinder in Musik und schuf spezielle Stücke und Übungen für sie, um technische Fähigkeiten zu entwickeln.

Haydn J. - Stammvater der klassischen Symphonie. Erstellt eine spezielle Symphonie namens "Children's". Die verwendeten Instrumente: Tonnachtigall, Rassel, Kuckuck - geben ihm einen ungewöhnlichen Klang, kindlich und provozierend.

Saint-Saens K. erfand eine Fantasie für Orchester und 2 Klaviere mit dem Titel „Karneval der Tiere“, in der er meisterhaft das Gackern von Hühnern, das Brüllen eines Löwen, die Selbstgefälligkeit eines Elefanten und seine Art der Bewegung wiedergab, mit musikalischen Mitteln ein rührend anmutiger Schwan.

Die großen klassischen Komponisten komponierten Kompositionen für Kinder und Jugendliche und kümmerten sich um die interessanten Handlungsstränge des Werks, die Verfügbarkeit des vorgeschlagenen Materials unter Berücksichtigung des Alters des Interpreten oder Zuhörers.

Fahrräder. Ein Zyklus kann auch als eine Reihe miteinander verbundener Werke (von denen jedes eine zyklische Form haben kann oder nicht) oder als Konzertprogramme bezeichnet werden. In der nicht-akademischen Musik (Jazz, Rock) können Konzeptalben und separate große Werke zu zyklischen Formen tendieren.

Zyklus "Präludium-Fuge"

Der zweiteilige „Präludium-Fuge“-Zyklus ist seit der Barockzeit bekannt. Es schlägt eine Funktionalisierung des Präludiums als improvisatorische Einführung in die Fuge vor.

Die "Präludium-Fuge"-Zyklen können auf der Grundlage eines formalen oder thematischen Prinzips zu größeren Zyklen kombiniert werden. Das berühmteste Beispiel ist das Wohltemperierte Klavier von J. S. Bach, das auf dem Prinzip einer bestimmten Abwechslung modaler Entsprechungen aufgebaut ist. Ein Beispiel aus der Musik des 20. Jahrhunderts sind „24 Präludien und Fugen“ von D. D. Schostakowitsch.

Suite-Zyklus

Im 20. Jahrhundert wurde die Gattung der Suite grundlegend neu gedacht, neue Techniken wurden darauf angewandt (z. B. dodekaphonische Orchestersuiten von A. Schönberg und A. Berg), neues Material wurde behandelt (z. B. in der Suite von P. Hindemith). „1922“, Modetänze der entsprechenden Zeit: Shimmy, Boston, Ragtime).

Einige Werke der nicht-akademischen Musik (hauptsächlich Progressive Rock) tendieren ebenfalls zur Suitenform. Beispiele sind „Lizard“ aus dem gleichnamigen Album der Rockband King Crimson und „Atom Heart Mother“ aus dem gleichnamigen Album von Pink Floyd. Als „Rock-Suiten“ werden aber auch oft Kompositionen bezeichnet, die eher zu freien und gemischten Formen (in traditioneller musiktheoretischer Terminologie) tendieren.

Sonaten-Symphonie-Zyklus

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus umfasst die abstraktesten Gattungen der akademischen Musik, wie Symphonie, Sonate, Konzert. Es zeichnet sich aus durch:

• Abstraktion von der angewandten Natur der Musik (selbst wenn angewandtes Material als Material irgendeines Teils verwendet wird);
• die Möglichkeit figurativer und semantischer Kontraste zwischen einzelnen Teilen (bis zu ihrer direkten Opposition);
• komplexe tonale Entwicklung;
• etablierte Funktionen und Formen einzelner Stimmen (charakteristisch für einzelne Gattungen der Sonaten-Symphonie).

Die klassische Sonate entstand im 18. Jahrhundert, erreichte ihren Höhepunkt in der Wiener Klassik und bleibt, mit einigen Vorbehalten, eine lebendige Gattung. Die Gattung Sinfonie entstand Mitte des 18. Jahrhunderts, sie erreichte auch in der Wiener Klassik ihren Höhepunkt und ist bis heute eine lebendige Gattung der akademischen Musik. (Die symphonische Form sollte nicht mit Symphonismus verwechselt werden, was auch für Werke charakteristisch sein kann, die nicht mit dieser Form verwandt sind). In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden Leitmotive und monothematische Prinzipien für viele Werke dieser Gattung charakteristisch. Das Konzert als eine Art sonatensymphonisches zyklisches Werk, das durch den Gegensatz des Klangs des Gesamtensembles und einzelner Gruppen oder Solisten gekennzeichnet ist, nahm in seiner heute bekannten Form gegen Ende des 18. Jahrhunderts Gestalt an.

Freie und Mischformen

Ein Musikwerk kann aus Teilen bestehen, die nach einem anderen Prinzip als in den aufgeführten Gattungen zusammengefügt sind, und dennoch mehr oder weniger zyklischen Charakter haben. Dies sind viele Gattungen angewandter geistlicher Musik (Messe, geistliches Konzert, Vigil), Kantaten, Vokal- und Vokalchorzyklen (erzählerisch und lyrisch).

Große Zyklen

Quellen

• Zhdanova G.V. Symphonie // Lexikon der Musik / ch. ed. G. V. Keldysh. - M.: Sow. Enzyklopädie, 1990. - S. 499. - 150.000 Exemplare- ISBN 5-85270-033-9.
• Nekljudow Yu. I. Suite //

Klassische Musik im mp3

• music.edu.ru Musiksammlung. Musik im mp3. Biographien von Komponisten
• classic.ru Klassische Musik in Russland
• classic.chubrik.ru Klassische Musik. Musik in mp3, Noten, Biografien von Komponisten
• classic.manual.ru Klassische Musik. MP3 mit klassischer Musik mit Kommentaren, Noten
• belcanto.ru In der Welt der Oper. Libretto, Sänger, mp3
• ClassicMp3.ru Sammlung klassischer Musik im MP3-Format
• firemusic.narod.ru Die Musik in mp3, die Komponisten, das Libretto der Opern, der Ballette

Klassisch. Komponisten

• wolfgang-mozart.ru Wolfgang Mozart. Biographie, Rezensionen
• itopera.narod.ru G.Verdi. Libretto, Biographie, mp3
• glinka1804.narod.ru Michail Glinka. Biografie des Begründers der russischen klassischen Musik
• rachmaninow1873.narod.ru Rachmaninow. Komponist, Pianist und Dirigent
• skill21.com Balakirev Russischer Komponist und Pianist
• borodin1833.narod.ru Alexander Borodin. Das Leben eines Komponisten und Wissenschaftlers, mp3

Philharmonie und Interpreten

• classicmusic.ru Moskauer Philharmonie. Geschichte, Philharmonien, Plakat
• philharmonia.spb.ru St. Petersburg acad. Philharmonie. Struktur, Musiker, Repertoire
• lifanovsky.com Boris Lifanovsky - Cellist. Artikel, mp3

Musikinstrumente

• simphonica.narod.ru Sinfonieorchester. Beschreibung von Musikinstrumenten
• sheck.ru Werkstatt der alten europäischen Instrumente

Tasteninstrumente

• digitalpiano.ru - Digitale Klaviere
• keys.rni.ru - Musiksynthesizer. Modelle

Blasinstrumente

• trumpetclub.ru Das Portal der Trompeter. Artikel, Interpreten, Notizen
• brassmusic.ru Gemeinschaft der Musiker - Blechblasinstrumente
• partita.ru Für Blaskapelle. Noten, Stimmen, Partituren
• soprano-recorder.ru Im Zuge des Blockflötenunterrichts bei einem Lehrer
• blockfluete.newmail.ru Rekorder. Spielfähigkeiten
• Fagotizm.narod.ru Fagoto: Noten, mp3, Midi
• harmonika.ru Mundharmonika. Spielen lernen
• shaku-rus.com Schule, Musik, Shakuhachi-Herstellung

Schlaginstrumente

• drumspeech.com Schlagzeuger. Kommunikation, Artikel, Lektionen, Notizen
• drums.ru Projekt des Schlagzeugers E. Ryabogo
• EthnoBeat.ru Lernen, ethnische Trommeln zu spielen

Streichinstrumente

• skripach.ru Über Geiger und für Geiger, Mp3
• domraland.narod.ru Webseite über domra. Informationen, Notizen
• gukovski.narod.ru Volksinstrumente

Die Gitarre ist großartig

• guitarhistory.narod.ru Die Geschichte der klassischen Gitarre, das Glossar der Fachausdrücke
• guitarra-antiqua.km.ru Geschichte der klassischen Gitarre, Noten, mp3
• eslivamnravitsa.narod.ru Wenn Sie gerne Gitarre spielen. Akkorde, pädagogische Literatur

ethnische Instrumente

• vargan.ru Die akustischen und ethnischen Instrumente. Beschreibung, Tipps, mp3
• dudelsack.narod.ru Dudelsack. Tipps, Lektionen, Notizen
• folkinst.narod.ru Russische Volksinstrumente, Links, mp3
• kuznya.ru Ethnische Instrumente und Volksmusik, Foto, mp3
• khomus.ru Vargan Musik

Musikseiten. Sonstiges

• classic-music.ru - Klassische Musik. Biographien von Komponisten, Glossar
• cdguide.nm.ru - Musik auf CD. Rezensionen, CD-Rezensionen, Notizen zu klassischer Musik
• stmus.nm.ru - Zeitschrift für Alte Musik
• abc-guitar.narod.ru - Gitarristen und Komponisten. Biographisches Lexikon
• music70-80.narod.ru - Lieder und Musik der 70-80er Jahre.
• viaansambles.narod.ru - VIA 60-70-80er. Ensembleinfo, Lieder, Forum
• elf.org.ru Volksmusik

Die Realisierbarkeit der Couplet-Variationsform "Glinka" wird durch ihre Verwendung durch sowjetische Komponisten belegt. Gleichzeitig werden Entwicklungstechniken und Ausdrucksmittel aktualisiert (insbesondere die harmonische Sprache), aber die Art der Form selbst bleibt erhalten: der Anfangsabschnitt der „Kleinen Kantate“ („Mädchen-Chastushkas“) aus Shchedrins Oper „Not Only Love ".

BEI Couplet-Variantenform zunächst wird der Gesangspart variiert.

Unterscheidungsmerkmale der Varianz: Eine Variante, die melodische Änderungen impliziert, erlaubt Struktur- und Tonleiteränderungen, behält aber die figurative und gattungsmäßige Einheit bei. Die Folge davon ist die relative Gleichheit von Variante und Thema, während die Variation ein abgeleitetes, sekundäres Phänomen ist, das dem Thema untergeordnet ist.

Die Kombination aus Klarheit, klarer Struktur, vielfältiger Wandlungsfähigkeit und der Fähigkeit, dem Text zu folgen, machen die Couplet-Variante zu einer der häufigsten Formen der Vokalmusik. Diese Form nimmt einen enormen Platz im Songwriting von Schubert und Mahler ein. Von den sowjetischen Komponisten wendet sich G. Sviridov bereitwillig an sie: den Chor „Wie das Lied geboren wurde“, „In diesem Land“ aus „Das Gedicht zur Erinnerung an S. Yesenin“. Andere Beispiele sind Schuberts Gretchen am Spinnrad, Polinas Romanze aus Tschaikowskys Pique Dame.

durch Form

Die Querschnittsform entstand aus der Notwendigkeit, dass die Musik der Entwicklung der Handlung folgt. Mehr als in jeder anderen Form werden hier die bildnerischen und bildnerischen Möglichkeiten der Musik genutzt und ihre Fähigkeit, die emotionale Seite des Textes zu verstärken. Es ist kein Zufall, dass dieser Form große Aufmerksamkeit von jenen Komponisten geschenkt wurde, die besonders sensibel für die subtilsten Schattierungen von Textbildern und psychologischen Obertönen waren – Schubert, Mussorgsky. Die meisten Lieder von Liszt sind in einer durchgehenden Form geschrieben. Diese Form nahm einen großen Platz in der Musik des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts ein, insbesondere im Genre der "Poesie mit Musik", das sich im Werk von Wolf in der russischen Musik verbreitete - in Medtner, Prokofjew, Gnesin, Cherepnin , teilweise Rachmaninow und in Vokalwerken zu Prosatexten ("Das hässliche Entlein" von Prokofjew).

Jede Querschnittsform basiert auf dem Prinzip der kontinuierlichen Erneuerung des musikalischen Materials gemäß dem Inhalt des Textes. Komponisten bemühen sich jedoch darum, bestimmte musikalische verbindende Faktoren in die Querschnittsformen einzuführen. Zu diesem Zweck wurden die Prinzipien der Reprise, des Reprisenschlusses, des durchgehenden Refrains („Leitakkorde“ des Todes in Mussorgskys „Wiegenlied“ und des Chors „bayushki, bayu, bayu“), der intonations-thematischen Verbindung der Teile des Form und tonale Organisation verwendet werden.

Beispiele für eine durchgehende Form: Schuberts „Waldkönig“, Kalinnikovs „The Stars Dim“-Chor.

Thema 14. Zyklische Formen: Suite, Sonaten-symphonischer Zyklus

zyklisch eine Form genannt, die aus mehreren separaten kontrastierenden Teilen besteht, die in ihrer Form unabhängig sind, aber durch ein einziges künstlerisches Konzept verbunden sind.

Die Hauptmerkmale zyklischer Formen:

♦ das Vorhandensein mehrerer Teile (von 2 bis 10),

♦ Unabhängigkeit der Form jedes Teils,

♦ separate Stimmen (eine Stimme kann separat aufgeführt werden),

♦ Tempokontrast,

♦ Kontrast in der Natur,

♦ tonale Gemeinsamkeiten:

a) eine einzige Tonalität aller Stimmen,

b) Erstellen einer tonalen Reprise (Sonaten-Symphonie-Zyklus),

c) Auswahl tonaler Zentren (vorherrschende Tonarten),

♦ allgemeine Absicht:

a) ein Darstellerteam,

b) eine Gattungssphäre,

c) thematische Gemeinschaft,

d) Programm.

Zyklische Formen sind Gesang, Instrumental und Bühne.

Vokal(vokal-instrumentale) Zyklen sind unterteilt in Kantate-ora-torial(Kantate, Oratorium, Messe, Requiem, Passionen) und Kammergesang(Stimmzyklen).

Phasenzyklen: Oper und Ballett.

Werkzeugzyklen

Es gibt zwei Haupttypen zyklischer Formen: die Suite und den Sonaten-Symphonie-Zyklus. Die Eigenständigkeit der Teile des Zyklus wird dadurch bestimmt, dass sie getrennt aufgeführt werden können (Tänze von Suiten, Teile von Sonaten oder Sinfonien).

Suite (Serie, Sequenz) - ein zyklisches Werk, bestehend aus unabhängigen, in Charakter und Tempo kontrastierenden Teilen eines Tanz- oder Genrecharakters. Der Wechsel der Stimmen in einer Suite ist nicht streng, und ihre Anzahl ist nicht geregelt. Oft sind alle Stimmen in der gleichen Tonart geschrieben.

Die Suite hat mehrere historisch festgelegte Typen. Die antike (barocke) Suite entstand schließlich Mitte des 17. Jahrhunderts. - die erste Hälfte des XVIII Jahrhunderts. in der Arbeit von Komponisten verschiedener nationaler Schulen: Froberger, Händel, Corelli, Couperin, Rameau usw. In verschiedenen Ländern wurde es anders genannt: in Deutschland - Partita, in England - Unterricht, in Frankreich - Ouvertüre, in Italien - Sonate da Kamera, Ballett.

Für Suiten des 17. Jahrhunderts. und früher war die thematische Gemeinschaft der Tänze üblich, aber im 18. Jahrhundert. es ist vergleichsweise selten geworden (nicht bei Bach, zu finden bei Händel). Suitentänze schon seit Mitte des 17. Jahrhunderts. verloren ihren angewandten Charakter und im 18. Jahrhundert. ihre Form wurde viel komplizierter, obwohl sich kleine Formen durchsetzten (einfache 2- und 3-stimmige, zusammengesetzte Form, Starosonate, Konzert und Kontrastkomposit).

Die Grundlage der alten Suite des XVII-XVIII Jahrhunderts. bestand aus 4 Tänzen: Allemande, Courant, Sarabande und Jig. Im Zyklus wurden ruhig-langsame Tänze lebhaft-schnellen zweimal gegenübergestellt:

1) allemanda - mäßig langsames Tempo,

2) Glockenspiel - mäßig schnell,

3) Sarabande - sehr langsam,

4) Vorrichtung - sehr schnell.

Allemande - zweiteiliger (Grösse 4/4) geschmeidiger Rundtanz in moderatem Tempo deutscher Herkunft. Es beginnt wegen des Taktes (bis XVII Jahrhundert) mit einem Achtel oder Sechzehntel Dauer. Was die Anzahl der Stimmen betrifft, ist die Allemande häufiger vierstimmig, mit einer Fülle von Untertönen und Imitationen. Gleichzeitig glättet die polyphone Entwicklung die Tanzbarkeit des Rhythmus. Die Form der Allemande ist eine alte zweistimmige (Teil II - umgekehrte Version von Teil I).

Kurant - dreifacher (3/4 oder 3/2) Tanz französischen Ursprungs. Das Tempo ist moderat oder schnell. typischer Rhythmus. Zusammen mit der Allemande am Anfang. 18. Jahrhundert Die Courante ging außer Gebrauch und diente als Stilisierungsobjekt (Bach). Durch die Anzahl der Stimmen ist das Glockenspiel normalerweise zweistimmig. Das Formular ist einfach zweiteilig (am Ende - eine Art Reprise).

Sarabande - dreifacher (3/4 oder 3/2) Tanz spanischen Ursprungs. Kein Initialkick. Typische rhythmische Muster:

in Kadenzen - . Der Wechsel der Harmonien betont den Grundtyp des Rhythmus. Die Sarabande wird von einem Akkordlager (homophon-harmonische Textur) dominiert. Die Form ist tendenziell dreigliedrig (Reprise ist ausgeprägter).

Gigue - schneller Dreiertanz (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) englischen Ursprungs. Häufige Treffer. Oft einer Fugenentwicklung unterzogen, einschließlich der Umkehrung des Themas im zweiten Teil, je nach Stimmenzahl zwei- oder dreistimmig. Das Formular ist ein einfacher dreiteiliger.

Zusätzlich zu den Haupttänzen werden oft zusätzliche Stücke in die Suite eingeführt:

1) einige Tänze hatten ein Double (Variante), eine Art ornamentale Variation;

2) Vor der Allemande steht ein Präludium (Präambel, Ouvertüre, Toccata, Fantasie, Sinfonia); ein solches Stück kann ein kleiner zwei- oder dreiteiliger Zyklus sein;

3) Innerhalb der Suite (normalerweise zwischen der Sarabande und der Gigue) werden andere Tänze platziert - Menuett, Gavotte, Bourre, Paspier, Rondo, Burleske, Scherzo, Capriccio oder Theaterstücke (Arie).

Von den anderen zyklischen Formen verbreiteten sich im Barock die Sonate und das Konzert.