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Heute hat die moderne Malerei eine unglaubliche Popularität erlangt, so dass sie nicht nur für ihre Tendenz bekannt wurde, Grenzen zu erweitern und neue Ausdrucksmittel zu erkunden, sondern in den letzten Jahren auch für Rekordverkäufe auf dem Markt für zeitgenössische Kunst bekannt wurde. Darüber hinaus sind Künstler aus fast der ganzen Welt, von Amerika bis Asien, erfolgreich. Als nächstes erfahren Sie, wessen Namen das beste zeitgenössische Gemälde der Welt repräsentieren, wer er ist, der teuerste zeitgenössische Künstler und wer diesen Titel knapp verfehlt hat.

Die teuersten zeitgenössischen Künstler

Unter den unzähligen Namen, die die moderne Malerei hat, genießen nur die Gemälde bestimmter Künstler außergewöhnlichen Erfolg. Unter ihnen befanden sich die teuersten Gemälde im Besitz des berühmten Neo-Expressionisten und Graffiti-Künstlers Jean-Michel Basquiat, der jedoch im Alter von 27 Jahren starb. In unserer Liste sehen Sie nur die ersten sieben dieser wohlhabenden Künstler, die heute noch leben.

Bryce Marden

Die Werke des amerikanischen Autors sind eher schwer einzuordnen und einer einzigen Kunstrichtung zuzuordnen, obwohl er oft als Vertreter des Minimalismus oder des Abstraktionismus bezeichnet wird. Aber im Gegensatz zu Künstlern dieser Stilrichtungen, deren Gemälde angeblich nie berührt wurden, behält die moderne Malerei von Marden Spachtelstriche und andere Spuren seiner Arbeit. Einer von denen, die seine Arbeit beeinflusst haben, ist ein anderer zeitgenössischer Künstler Jasper Johns, dessen Namen Sie später sehen werden.

Zeng Fanzhi

Dieser zeitgenössische Künstler ist heute eine der Hauptfiguren der chinesischen Kunstszene. Es war sein Werk mit dem Titel "Das letzte Abendmahl", das auf dem berühmten Werk von Leonardo da Vinci basiert, das für 23,3 Millionen US-Dollar verkauft wurde und zum teuersten Gemälde der modernen asiatischen Malerei wurde. Berühmt sind auch die Werke des Künstlers "Selbstporträt", das Triptychon "Krankenhaus" und Gemälde aus der Serie "Masken".

In den 90er Jahren änderte sich der Stil seiner Malerei oft und verließ schließlich den Expressionismus zugunsten des Symbolismus.

Peter Doig

Peter Doig ist ein international renommierter schottischer zeitgenössischer Künstler, dessen Werk das Thema des magischen Realismus durchdringt. Viele seiner Werke neigen dazu, den Betrachter zu desorientieren, auch wenn sie erkennbare Bilder wie Figuren, Bäume und Gebäude darstellen.

Im Jahr 2015 gelang es seinem Gemälde "Swamped", den Rekord zu brechen und den Titel des teuersten Gemäldes zeitgenössischer Künstler aus Schottland zu erhalten, das für 25,9 Millionen versteigert wurde. Beliebte und Doigs Leinwände "Haus eines Architekten in der Mulde", "Weißes Kanu", "Reflektion", "Roadside Diner" und andere.

Christopher Wolle

Der zeitgenössische Künstler Christopher Wool erforscht in seiner Arbeit verschiedene postkonzeptuelle Ideen. Die bekanntesten zeitgenössischen Gemälde des Künstlers sind Blockinschriften in Schwarz auf weißer Leinwand.

Solche Gemälde zeitgenössischer Künstler verursachen viel Kontroverse und Unzufriedenheit unter Anhängern der traditionellen Malerei, aber auf die eine oder andere Weise brachte ihm eines von Wools Werken - "Apocalypse" - 26 Millionen Dollar ein. Wool denkt lange nicht über die Titel der Bilder nach, sondern nennt sie entsprechend der Inschriften: "Blauer Narr", "Trouble" etc.

Jasper Johns

Der zeitgenössische Künstler Jasper Johns ist bekannt für seine rebellische Haltung gegenüber dem Abstrakten Expressionismus, der zu Beginn seiner Karriere die Malerei dominierte. Darüber hinaus erstellt er teure Leinwände mit Flaggen, Nummernschildern, Nummern und anderen bekannten Symbolen, die bereits eine klare Bedeutung haben und nicht gelöst werden müssen.

Zu den teuersten Gemälden zeitgenössischer Künstler gehört übrigens das Werk der amerikanischen "Flag", das 2010 für 28 Millionen US-Dollar versteigert wurde. Sie können sich auch die Werke "Drei Fahnen", "Fehlstart", "Von 0 bis 9", "Ziel mit vier Gesichtern" und viele andere anschauen.

Gerhard Richter

Dieser zeitgenössische Künstler aus Deutschland studierte wie viele Maler zu Beginn seiner Reise realistische akademische Malerei, interessierte sich jedoch später für progressivere Kunst.

Im Werk des Autors kann man den Einfluss vieler Kunstströmungen des 20 dass moderne Malerei Dynamik und Suche ist. Zu den Werken des Künstlers gehören "Land of Meadows", "Reading", "1024 Colours", "Wall" etc.

Jeff Koons

Und endlich ist er da - der teuerste zeitgenössische Künstler der Welt. Der Amerikaner Jeff Koons arbeitet im Neo-Pop-Stil und ist bekannt für seine eingängige, kitschige und trotzige Kreativität.

Er ist vor allem als Autor einer Vielzahl moderner Skulpturen bekannt, von denen einige in Versailles selbst ausgestellt wurden. Aber auch unter den Werken des Künstlers gibt es Gemälde, für die besondere Kenner bereit sind, Millionen von Dollar zu geben: "Liberty Bell", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" und andere.

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Leonardo di ser Piero da Vinci (15. April 1452 - 2. Mai 1519) - berühmter italienischer Maler, Architekt, Philosoph, Musiker, Schriftsteller, Forscher, Mathematiker, Ingenieur, Anatom, Erfinder und Geologe. Bekannt für seine Gemälde, von denen die berühmtesten Das letzte Abendmahl und Mona Lisa sind, sowie zahlreiche Erfindungen, ihrer Zeit weit voraus, blieb aber nur auf dem Papier. Darüber hinaus leistete Leonardo da Vinci einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung der Anatomie, Astronomie und Technik.

Raphael Santi (28. März 1483 - 6. April 1520) war ein großer italienischer Maler und Architekt, der während der Renaissance arbeitete und die Zeit vom späten 15. und frühen 16. Jahrhundert abdeckte. Traditionell gilt Raffael neben Michelangelo und Leonardo da Vinci als einer der drei großen Meister dieser Zeit. Viele seiner Werke befinden sich im Apostolischen Palast im Vatikan, in einem Raum namens Raffaels Strophe. Hier befindet sich unter anderem sein bekanntestes Werk The School of Athens.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6. Juni 1599 - 6. August 1660) - Spanischer Maler, Porträtmaler, Hofmaler von König Philipp IV., dem größten Vertreter des goldenen Zeitalters der spanischen Malerei. Neben zahlreichen Gemälden, die historische und kulturelle Szenen aus der Vergangenheit darstellen, malte er viele Porträts der spanischen Königsfamilie sowie anderer berühmter europäischer Persönlichkeiten. Das berühmteste Werk von Velazquez gilt als das Gemälde "Meninas" (oder "Die Familie von Philipp IV") aus dem Jahr 1656, das sich im Prado-Museum in Madrid befindet.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Märtyrer Patricio Ruiz und Picasso (25. Oktober 1881 - 8. April 1973) - der weltberühmte spanische Maler und Bildhauer, der Begründer der Kubismus-Bewegung in der bildende Kunst. Er gilt als einer der größten Künstler, die die Entwicklung der bildenden Kunst im 20. Jahrhundert beeinflusst haben. Experten wurde als der beste Künstler unter denjenigen, die in den letzten 100 Jahren gelebt haben, sowie als der "teuerste" der Welt ausgezeichnet. Während seines Lebens schuf Picasso etwa 20.000 Werke (nach anderen Quellen 80.000).

Vincent Willem Van Gogh (30. März 1853 - 29. Juli 1890) war ein berühmter niederländischer Künstler, der erst nach seinem Tod berühmt wurde. Van Gogh ist nach Meinung vieler Experten einer der größten Künstler der europäischen Kunstgeschichte sowie einer der prominentesten Vertreter des Postimpressionismus. Autor von über 2.100 Kunstwerken, darunter 870 Gemälde, 1.000 Zeichnungen und 133 Skizzen. Seine zahlreichen Selbstporträts, Landschaften und Porträts gehören zu den bekanntesten und teuerste Kunstwerke der Welt... Das berühmteste Werk von Vincent Van Gogh gilt vielleicht als eine Reihe von Gemälden namens "Sonnenblumen".

Michelangelo Buonarroti (6. März 1475 - 18. Februar 1564) ist ein weltberühmter italienischer Bildhauer, Künstler, Architekt, Dichter und Denker, der die gesamte Weltkultur unauslöschlich geprägt hat. Das wohl bekannteste Werk des Künstlers sind die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle. Unter seinen Skulpturen sind Pieta (Beweinung Christi) und David die bekanntesten. Aus den Werken der Architektur - die Gestaltung der Kuppel des Petersdoms. Interessant ist, dass Michelangelo der erste Vertreter der westeuropäischen Kunst wurde, dessen Biografie noch zu seinen Lebzeiten verfasst wurde.

An vierter Stelle im Ranking der berühmtesten Künstler der Welt steht Masaccio (21. Dezember 1401-1428) - der große italienische Künstler, der einen großen Einfluss auf andere Künstler hatte. Masaccio hatte ein sehr kurzes Leben, daher gibt es nur wenige biografische Beweise über ihn. Nur vier seiner Fresken sind erhalten geblieben, die zweifellos das Werk von Masaccio sind. Andere sollen zerstört worden sein. Masaccios berühmtestes Werk gilt als das Dreifaltigkeitsfresko in der Kirche Santa Maria Novella in Florenz, Italien.

Peter Paul Rubens (28. Juni 1577 - 30. Mai 1640) - flämischer (südholländischer) Maler, einer der größten Maler des Barock, bekannt für seinen extravaganten Stil. Er galt als der vielseitigste Künstler seiner Zeit. Rubens betonte und verkörperte in seinen Werken die Lebendigkeit und Sinnlichkeit der Farbe. Er malte zahlreiche Porträts, Landschaften und Historienbilder mit mythologischen, religiösen und allegorischen Themen. Das bekannteste Werk von Rubens ist das Triptychon "Kreuzabnahme", das in der Zeit von 1610 bis 1614 geschrieben wurde und dem Künstler Weltruhm einbrachte.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. September 1571 - 18. Juli 1610) - der große italienische Künstler des Frühbarocks, der Begründer der europäischen realistischen Malerei des 17. Jahrhunderts. In seinen Werken nutzt Caravaggio gekonnt die Kontraste von Licht und Schatten und konzentriert sich auf Details. Er porträtierte oft gewöhnliche Römer, Menschen von den Straßen und Märkten in Heiligen- und Madonnenbildern. Beispiele sind Matthäus der Evangelist, Bacchus, Sauls Bekehrung usw. Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers ist Der Lautenspieler (1595), den Caravaggio als sein erfolgreichstes Gemäldefragment bezeichnete.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) war ein berühmter niederländischer Maler und Grafiker, der als der größte und berühmteste Maler der Welt gilt. Autor von etwa 600 Gemälden, 300 Radierungen und 2 Tausend Zeichnungen. Sein charakteristisches Merkmal ist ein meisterhaftes Spiel mit Lichteffekten und tiefen Schatten. Als bekanntestes Werk Rembrandts gilt das vier Meter hohe Gemälde "Nachtwache", das 1642 gemalt wurde und heute im Staatlichen Museum von Amsterdam aufbewahrt wird.

Die Wertung der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die weit weniger über die Rolle und Stellung des Künstlers in der Kunstgeschichte aussagt als über Alter und Gesundheitszustand.

Die Regeln für die Erstellung unseres Ratings sind einfach: Zum einen werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Auktionsverkäufe gezählt; und drittens wird die Regel „ein Künstler – ein Werk“ eingehalten (wenn in der Bewertung der Werke zwei Datensätze zu Jones gehören, bleibt nur der teuerste übrig und der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Rangfolge erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Tag des Verkaufs).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91.075 Millionen US-Dollar

Je länger man die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgt, desto mehr wird man davon überzeugt, dass für die Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können die Skulpturen von Koons in Form von Spielzeug aus Luftballons bewundern, oder Sie können sie als kitschig und geschmacklos bezeichnen - Sie haben Recht. Eines ist nicht zu leugnen: Die Installationen von Jeff Koons kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seine Karriere als erfolgreichster lebender Künstler der Welt im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation "Hanging Heart" bei der Sotheby's-Auktion für 23,6 Millionen US-Dollar gekauft wurde. Das Werk wurde von der Larry Gagosian Gallery, die Koons vertritt ( in der Presse schrieb, es sei im Interesse des ukrainischen Milliardärs Viktor Pintschuk.) Die Galerie erwarb nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Schmuckstück (2,7 m und 1.600 kg), aber es hat einen ähnlichen Zweck .Es dauerte über sechseinhalbtausend Stunden, um eine Komposition mit einem Herz zu produzieren, das mit zehn Farbschichten bedeckt war.

Dann gab es den Verkauf der Purple Balloon Flower für 12,92 Millionen Pfund (25,8 Millionen Dollar) bei Christie's Londoner Auktion am 30. Juni 2008. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von "Tsvetka" sieben Jahre zuvor das Werk für 1,1 Millionen US-Dollar.Es ist leicht zu berechnen, dass sich der Marktpreis in dieser Zeit fast um das 25-fache erhöht hat.

Die Rezession auf dem Kunstmarkt von 2008-2009 gab Skeptikern Anlass zu klatschen, dass die Mode für Koons vorbei sei. Aber sie lagen falsch: Zusammen mit dem Kunstmarkt wurde das Interesse an Koons' Werken wiederbelebt. Andy Warhols Thronfolger des King of Pop Art erneuerte im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulpen“ aus der „Celebration“-Serie für 33,7 Millionen US-Dollar inklusive Provision bei Christie’s seine persönliche Bestleistung.

Aber "Tulpen" waren "Blumen" im wörtlichen und übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Edelstahlskulptur „Balloon Dog (Orange)“: Der Hammerpreis lag bei bis zu 58,4 Millionen Dollar! Eine sagenhafte Summe für einen lebenden Künstler. Das Werk eines zeitgenössischen Künstlers wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren schon Beeren...

Mit diesem Ergebnis regierte Koons mehrere Jahre an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney übertroffen (siehe zweite Zeile unseres Ratings). Doch nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 in New York stellte Christie's bei der Auktion für Nachkriegs- und Gegenwartskunst eine Lehrbuchskulptur für Koons von 1986 zum Verkauf – ein silbriges „Rabbit“ gefertigt aus Edelstahl und imitiert einen Ballon ähnlicher Form.

Insgesamt schuf Koons 3 solcher Skulpturen plus eine Kopie eines Autors. Die Auktion erhielt ein Exemplar von "Rabbit" auf Platz 2 - aus der Sammlung des Kultverlages Cy Newhouse, Mitinhaber des Verlags Conde Nast (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ etc.). Das silberne "Rabbit" wurde 1992 vom "Vater des Glamours" Sai Newhouse für eine für damalige Verhältnisse beeindruckende Summe - 1 Million Dollar - gekauft. Nach 27 Jahren in einem 10 Bieterkampf erzielte der Skulpturenhammer das 80-fache seines bisherigen Verkaufspreises. Und unter Berücksichtigung der Buyer's Premium Provision betrug das Endergebnis für alle lebenden Künstler einen Rekordwert von 91,075 Millionen US-Dollar.

2. DAVID HOCKNEY Porträt des Künstlers. Schwimmbad mit zwei Figuren. 1972. $ 90.312.500

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 2011 wurde David Hockney von einer Umfrage unter Tausenden professioneller britischer Maler und Bildhauer zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig umging Hockney Meister wie William Turner und Francis Bacon. Sein Werk wird normalerweise als Pop-Art klassifiziert, obwohl er in seinen frühen Werken mehr zum Expressionismus im Sinne von Francis Bacon tendierte.

David Hockney ist in England in Yorkshire geboren und aufgewachsen. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig auf Amateurniveau malte, ermutigte seinen Sohn zum Malen. In seinen Zwanzigern ging David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Dort hat er noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu den Reichen der Einheimischen, ihre Villen, Schwimmbäder und Rasenflächen in der kalifornischen Sonne. Eines seiner berühmtesten Werke der amerikanischen Zeit - das Gemälde "Splash" - ist ein Bild eines Gischtbündels, das aus einem Pool aufstieg, nachdem eine Person ins Wasser gesprungen war. Um diese Garbe darzustellen, die nicht länger als zwei Sekunden "lebt", arbeitete Hockney zwei Wochen lang. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits über achtzig Jahre alt, aber er arbeitet immer noch und erfindet mit technischen Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst hatte er die Idee, riesige Collagen aus Polaroid-Fotografien zu machen, druckte seine Werke auf Faxgeräten, und heute meistert der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Auf dem Tablett gezeichnete Bilder nehmen in seinen Ausstellungen einen würdigen Platz ein.

2005 kehrte Hockney schließlich aus den Staaten nach England zurück. Jetzt malt er unter freiem Himmel und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften örtlicher Wälder und Ödland. Laut Hockney hat er sich in den 30 Jahren, die er in Kalifornien verbracht hat, an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten so ungewohnt, dass sie ihn wirklich bewundert und verzaubert. Ganze Zyklen seiner jüngsten Arbeiten widmen sich beispielsweise derselben Landschaft zu unterschiedlichen Jahreszeiten.

2018 erreichten die Preise für Hockneys Gemälde mehrfach die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 verzeichnete Christie’s einen neuen absoluten Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers – 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde „Portrait of an Artist (Swimming Pool with Two Figures)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktes Gemälde. 1986. 46,3 Millionen US-Dollar

Wohnklassiker Gerhard Richter (1932) belegt in unserem Ranking den zweiten Platz. Der deutsche Künstler war bis zum 58-millionsten Plattenhit von Jeff Koons führend unter den lebenden Kollegen. Aber dieser Umstand dürfte Richters ohnehin schon eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt nicht erschüttern. Der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers liegt Ende 2012 hinter denen von Andy Warhol und Pablo Picasso.

Über viele Jahre hinweg war der Erfolg, der Richter nun widerfährt, nicht zu vermuten. Jahrzehntelang nahm der Künstler einen bescheidenen Platz auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt ein und strebte keineswegs nach Ruhm. Wir können sagen, dass der Ruhm ihn selbst überholt hat. Viele betrachten den Ankauf einer Werkserie Richters „18. Oktober 1977“ durch das New Yorker Museum des MoMA im Jahr 1995 als Ausgangspunkt. Das American Museum zahlte 3 Millionen Dollar für 15 Gemälde in Grautönen und dachte bald darüber nach, eine vollwertige Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Die grandiose Ausstellung wurde sechs Jahre später, im Jahr 2001, eröffnet, und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 haben sich die Preise für seine Bilder verdreifacht. 2010 brachten Richters Werke bereits 76,9 Millionen US-Dollar ein, 2011 verdienten Richters Werke laut der Website Artnet auf Auktionen insgesamt 200 Millionen US-Dollar und 2012 (laut Artprice) – 262,7 Millionen US-Dollar – mehr als das Werk eines anderen lebenden Künstlers.

Während beispielsweise der überwältigende Auktionserfolg von Jasper Jones überwiegend nur von frühen Werken begleitet wird, ist eine so scharfe Aufteilung nicht typisch für Richters Arbeiten: Die Nachfrage ist gleichermaßen stabil nach Dingen aus unterschiedlichen Schaffensperioden, von denen es sehr viele gab in Richters Karriere. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Malereigenres versucht – Porträt, Landschaft, Yachthafen, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsrekorden begann mit einer Serie von Stillleben "Kerzen". 27 fotorealistische Kerzenbilder in den frühen 1980er Jahren kosteten zum Zeitpunkt ihrer Abfassung nur 15 Tausend D-Mark (5800 US-Dollar) pro Werk. Aber noch immer kaufte niemand "Kerzen" bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart. Damals wurde das Thema der Gemälde als altmodisch bezeichnet; heute gelten "Kerzen" als Werke aller Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 "Kerze", geschrieben 1983, wurde unerwartet für £ . gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar)... Dieser persönliche Rekord hielt dreieinhalb Jahre. Dann im Oktober 2011 noch eine "Kerze" (1982) ging bei Christie's für £ . unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar)... Mit diesem Rekord landete Gerhard Richter erstmals unter den Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler und nahm seinen Platz hinter Jasper Johns und Jeff Koons ein.

Dann begann der Siegeszug der "Abstrakten Bilder" von Richter. Der Künstler schreibt solche Werke in einer einzigartigen Autorentechnik: Er trägt eine Mischung aus einfachen Farben auf hellen Hintergrund auf und streicht sie dann mit einem langen Schaber in der Größe einer Autostoßstange auf die Leinwand. Dadurch entstehen filigrane Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner "Abstract Paintings" gleicht einer Ausgrabung: Auf ihnen sind durch die Brüche zahlreicher Farbschichten Spuren verschiedener "Figuren" sichtbar.

9. November 2011 bei der Versteigerung moderner und Nachkriegskunst Sotheby's großformatig "Abstrakte Malerei (849-3)" 1997 kam unter den Hammer für 20,8 Millionen US-Dollar (13,2 Millionen Pfund)... Und sechs Monate später, 8. Mai 2012 bei der Auktion von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst Christie's in New York "Abstrakte Malerei (798-3)" 1993 ging für Rekord 21,8 Millionen US-Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später - wieder der Rekord: "Abstrakte Malerei (809-4)" aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton ging am 12. Oktober 2012 bei der Sotheby's-Auktion in London für £ . unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar)... Die 30-Millionen-Grenze wurde von Richter mit solcher Leichtigkeit genommen, als sprächen wir nicht von moderner Malerei, sondern von Meisterwerken, die nicht weniger als hundert Jahre alt sind. Die Aufnahme der „Großen“ in das Pantheon scheint bei Richter allerdings noch zu Lebzeiten des Künstlers zu erfolgen. Die Preise für die Arbeit der Deutschen steigen weiter.

Richters nächste Platte gehörte zu fotorealistischen Arbeiten – Landschaft "Domplatz, Mailand (Domplatz, Mailand)" 1968 Jahr. Die Arbeit wurde verkauft für 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013... Die Aussicht auf den schönsten Platz hat ein deutscher Künstler 1968 im Auftrag von Siemens Electro speziell für das Mailänder Büro des Unternehmens gemalt. Zum Zeitpunkt der Abfassung war es Richters größtes figuratives Werk (fast drei mal drei Meter groß).

Der "Cathedral Square"-Rekord dauerte fast zwei Jahre, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht "Abstraktes Gemälde" ( 1986): Zuschlagspreis erreicht £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar)... Das bei Sotheby’s versteigerte „Abstract Painting“ 300,5 × 250,5 cm ist eines der ersten großformatigen Werke Richters in seiner speziellen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. Das letzte Mal im Jahr 1999 wurde dieses "Abstrakte Gemälde" für 607.000 US-Dollar versteigert (von diesem Jahr bis zur aktuellen Auktion war das Werk im Ludwig Museum in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erreichte ein bestimmter amerikanischer Kunde mit Auktionsschritten von 2 Mio. £ den Zuschlagspreis von 46,3 Mio. $, d.h. seit 1999 ist der Preis des Werkes um mehr als das 76-fache gestiegen!

4. TSUI ZHUZHO "Große schneebedeckte Berge." 2013. 39.577 Millionen US-Dollar

Wir haben die Entwicklung der Situation auf dem chinesischen Kunstmarkt lange Zeit nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit zu vielen Informationen über "nicht unsere" Kunst zu überladen. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der als resonanter Künstler gar nicht so teuer ist, erschienen uns chinesische Autoren zu zahlreich und zu weit von uns entfernt, um uns mit dem Marktgeschehen dort auseinanderzusetzen. Aber die Statistik ist, wie sie sagen, eine ernste Dame, und wenn wir von den erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, dann können wir nicht auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst des Himmlischen Imperiums verzichten.

Beginnen wir mit einem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo... Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren, von 1981 bis 1996 lebte er in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er an der National Academy of Arts zu unterrichten. Cui Ruzhuo interpretiert die traditionelle chinesische Tuschemalerei neu und kreiert riesige Schriftrollen, die sich chinesische Geschäftsleute und Beamte gerne gegenseitig schenken. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele daran erinnern müssen die Geschichte einer 3,7-Millionen-Dollar-Schriftrolle, die von den Reinigungskräften eines Hotels in Hongkong fälschlicherweise als Müll weggeworfen wurde... Also - es war Cui Ruzhuos Schriftrolle.

Cui Ruzhuo ist über 70 und hat einen florierenden Markt für seine Arbeit. Über 60 Werke des Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Marke überschritten, seine Werke sind jedoch nur bei chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst es "Landschaft im Schnee" bei der Poly-Auktion in Hongkong 7. April 2014 erreichte einen Zuschlagspreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später, 6. April 2015 bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich den Werken von Cui Ruzhuo gewidmet ist, Serie „Die große verschneite Landschaft des Berges Jiangnan“(Jiangnan - eine historische Region in China, die das rechte Ufer des unteren Jangtse einnimmt) von acht Landschaften in Tinte auf Papier erreichte den Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte: bei der Einzelauktion von Cui Ruzhuo von Poly Auctions in Hongkong 4. April 2016 sechsteiliges Polyptychon "Große schneebedeckte Berge" 2013 erzielter Zuschlagspreis (einschließlich Auktionshausprovision) HK $ 306 Millionen (39,577 Millionen US-Dollar)). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter den lebenden asiatischen Künstlern.

Laut dem Kunsthändler Johnson Chan, der seit 30 Jahren mit chinesischer zeitgenössischer Kunst arbeitet, besteht der unbedingte Wunsch, die Preise für das Werk dieses Autors zu erhöhen, aber all dies geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler wahrscheinlich nicht kaufen wollen etwas. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler steigern, indem sie die Preise ihrer Werke bei großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong in die Höhe treiben, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chan zu Cui Rujos neueste Platte.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzelnen Händlers, aber wir haben einen echten Rekord in allen Datenbanken. Wir werden also mit ihm rechnen. Cui Ruzhuo selbst ist seinen Aussagen nach weit von der Bescheidenheit Gerhard Richters entfernt, wenn es um seinen Auktionserfolg geht. Dieses Rennen um Rekorde scheint ihn ernsthaft zu faszinieren. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Arbeit in den nächsten 5-10 Jahren die Preise für die Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist ein chinesischer Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flagge. 1983. 36 Millionen US-Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler gehört einem Amerikaner Jasper Johns (1930)... Aktueller Rekordpreis für Jones Works - $ 36 Millionen... So viel bezahlt für seinen berühmten "Flagge" bei der Christie "s 12. November 2014.

Die Gemäldeserie "Flaggen", die Jones Mitte der 1950er Jahre, unmittelbar nach der Rückkehr des Künstlers aus der Armee, begann, wurde zu einem der zentralen in seinem Werk. In seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee des Readymade, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Jones 'Flaggen waren jedoch nicht echt, sie wurden in Öl auf Leinwand gemalt. So hat ein Kunstwerk die Eigenschaften einer Sache aus dem alltäglichen Leben erworben, es war zugleich Abbild der Flagge und Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Flaggen brachten Jasper Johns weltweite Berühmtheit. Aber seine abstrakten Werke sind nicht weniger beliebt. Die Liste der teuersten Werke, die nach den oben genannten Regeln erstellt wurde, wurde viele Jahre lang von ihrer Zusammenfassung angeführt "Fehlstart"... Bis 2007 galt diese sehr helle und dekorative Leinwand, die 1959 von Jones gemalt wurde, als Besitzer eines Preises, der für einen lebenden Künstler praktisch unzugänglich war (wenn auch ein Klassiker fürs Leben) - $ 17 Millionen... So viel wurde dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988 Jahr.

Interessanterweise war der Rekord von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit eines Kollegen in der Werkstatt Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter lange Abstraktion "Mixing" wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Jasper Johns musste umziehen. Doch 8 Jahre später, 1997, de Kooning starb, und „Fehlstart“ Jones belegte wieder fast 10 Jahre lang die erste Zeile der Auktionswertung lebender Künstler.

Aber 2007 änderte sich alles. Der False Start-Rekord wurde zunächst von der Arbeit der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons überschattet. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar des Gemäldes "The Sleeping Allowance Inspector" von Lucien Freud (inzwischen verstorben und daher nicht an dieser Wertung beteiligt). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Überhaupt liegt Jasper Jones, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst, der an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art arbeitet, mit einem aktuellen Rekord von bisher 36 Millionen auf einem ehrenvollen dritten Platz .

6. ED RUSHEI Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen US-Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes "Smash" des amerikanischen Künstlers Edward Ruscha (geb. 1937) bei der auktion Christie's 12. November 2014 brachte diesen Autor auf die Liste der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Ruscha (oft wird der Nachname Ruscha im Russischen als "Rusha" ausgesprochen, aber die richtige Aussprache ist Rusha) lag bei "nur" 6,98 Millionen Dollar: So viel wurde für seine Leinwand "Burning ." bezahlt Tankstelle" im Jahr 2007. Sieben Jahre später "Zerschlagen" mit einer Schätzung von 15-20 Millionen Dollar den Preis eines Hammers erreicht 30,4 Millionen US-Dollar... Offensichtlich hat der Markt für die Werke dieses Autors ein neues Niveau erreicht – nicht umsonst schmückt Barack Obama mit seinen Werken das Weiße Haus, und Larry Gagosian selbst stellt es in seinen Galerien aus.

Ed Ruscha strebte nie nach New York der Nachkriegszeit mit seiner Begeisterung für abstrakten Expressionismus. Stattdessen suchte er über 40 Jahre lang Inspiration in Kalifornien, wohin er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand am Anfang eines neuen Kunsttrends, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thibault und anderen Popkultur-Sängern nahm Edward Ruscha 1962 am Pasadena Museum, A New Image of Ordinary Things, teil, das zur ersten Museumsausstellung amerikanischer Pop-Art wurde. Ed Ruscha selbst mag es jedoch nicht, wenn seine Arbeiten der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstrichtung zugeschrieben werden.

Sein einzigartiger Stil heißt „Text Painting“. Ab den späten 1950er Jahren begann Ed Ruscha mit dem Zeichnen von Wörtern. So wie für Warhol eine Suppendose zu einem Kunstwerk wurde, waren dies für Ed Ruscha gewöhnliche Wörter und Sätze, die entweder von einer Werbetafel oder einem Paket in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films stammten (Hollywood war immer an Ruschas Seite, und im Gegensatz zu vielen seiner Künstlerkollegen respektierte Rusha die "Traumfabrik"). Wörter auf seinen Leinwänden erhalten die Eigenschaften von dreidimensionalen Objekten, das sind echte Stillleben aus Wörtern. Beim Betrachten seiner Leinwände denkt man zuerst an die visuelle und klangliche Wahrnehmung des gezeichneten Wortes und erst danach an die semantische Bedeutung. Letzteres eignet sich in der Regel nicht zur eindeutigen Entschlüsselung; die Wörter und Phrasen, die Rushey wählt, können auf unterschiedliche Weise interpretiert werden. Das gleiche leuchtend gelbe Wort "Smash" auf tiefblauem Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einsames, aus dem Kontext gerissenes Adjektiv (zum Beispiel als Teil einer Zeitungsschlagzeile) oder einfach als separates Wort, das im urbanen Fluss visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruschai genießt diese Ungewissheit. "Ich habe seltsame, unerklärliche Dinge immer zutiefst respektiert ... Erklärungen bringen gewissermaßen Dinge um", sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOOL Ohne Titel (RIOT). 1990. 29,93 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Maler Christopher Wolle(1955) stürmte erstmals 2013 in die Wertung der lebenden Künstler - nach dem Verkauf des Werkes "Apocalypse Now" für 26,5 Millionen Dollar und stellte ihn damit sofort auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Die Höhe dieser historischen Transaktion - mehr als 20 Millionen US-Dollar - überraschte viele, da zuvor die Preise für die Werke des Künstlers 8 Millionen US-Dollar nicht überschritten haben : Die Erfolgsbilanz des Künstlers umfasst 48 Auktionstransaktionen für Beträge über 1 Million US-Dollar, von denen 22 (fast die Hälfte) im Jahr 2013 stattfanden. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der für mehr als 1 Million Dollar verkauften Werke von Chris Wool 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei der Auktion Sotheby's 12. Mai 2015 Werk "Untitled (RIOT)" wurde für $ verkauft 29,93 Millionen einschließlich Käuferprämie.

Christopher Wool ist vor allem für seine umfangreichen Arbeiten mit schwarzen Schriftzügen auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die in der Regel bei Auktionen Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge der späten 1980er - Anfang der 1990er Jahre. Der Legende nach spazierte Wool eines Abends durch New York und sah plötzlich Graffiti auf einem neuen weißen Truck in schwarzer Schrift - die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort in die Werkstatt zurückkehrte und seine Version mit denselben Worten schrieb. Es war 1987, und die weitere Suche des Künstlers nach Wörtern und Wendungen für seine "Brief"-Arbeiten spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Dies ist der von Wool aus dem Film "Apocalypse Now" übernommene Ruf "verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder" und das Wort "FOOL" ("Narr") in Großbuchstaben und das Wort "RIOT" ("Rebellion"), oft in Zeitungsschlagzeilen der Zeit zu finden.

Wörter und Sätze mit Wollschablone auf Aluminiumblechen mit Alkyd- oder Emailfarben, die absichtlich Schlieren, Schablonenspuren und andere Zeugnisse des kreativen Prozesses hinterlassen. Die Künstlerin teilte die Wörter so, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung der Phrase oder des Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die vom amerikanischen Militär nach dem Zweiten Weltkrieg verwendet wurde, was den Eindruck einer Ordnung, einer Direktive, eines Slogans verstärkt. Diese „Brief“-Arbeiten werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, als illegale Graffiti, die die Sauberkeit der Oberfläche eines Straßenobjekts verletzen. Diese Werkserie von Christopher Wool gilt als eine der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst sehr geschätzt.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen US-Dollar

Brite Peter Doig(1959), obwohl er der Generation der Postmodernisten Koons und Hirst angehört, wählte für sich ein völlig traditionelles Genre der Landschaft, das lange Zeit bei führenden Künstlern nicht beliebt war. Peter Doig belebt mit seinem Werk das erloschene öffentliche Interesse an der figurativen Malerei wieder. Sein Werk wird sowohl von Kritikern als auch von Nichtfachleuten hoch geschätzt, wovon die rasant steigenden Preise seiner Werke zeugen. Kosteten seine Landschaften Anfang der 90er Jahre mehrere tausend Dollar, geht es jetzt in die Millionen.

Doigs Arbeit wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Basierend auf realen Landschaften schafft er fantasievolle, mysteriöse und oft düstere Bilder. Die Künstlerin liebt es, von Menschen verlassene Gegenstände darzustellen: ein baufälliges Gebäude von Le Corbusier mitten im Wald oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben Natur und Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos und mehr inspirieren. Doigs Gemälde sind bunt, komplex, dekorativ und nicht provokant. Es ist schön, ein solches Gemälde zu besitzen. Das Interesse der Sammler wird auch durch die geringe Produktivität des Autors geschürt: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

In den frühen 2000er Jahren wurden einige Landschaften des Künstlers für mehrere Hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Werke in die Saatchi Gallery, auf die Biennale im Whitney Museum und in die MoMA-Sammlung aufgenommen. Im Jahr 2006 wurde die Auktionsgrenze von 1 Million Dollar überschritten, und im nächsten Jahr gab es einen unerwarteten Durchbruch: das Werk "White Canoe", das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's mit einer Schätzung von 0,8-1,2 Millionen Dollar vorgeschlagen wurde, fünfmal übertraf die vorläufige Schätzung und wurde für 5,7 Mio. £ (11,3 Mio. $) verkauft. Dies war damals ein Rekordpreis für die Werke eines lebenden europäischen Künstlers.

2008 fanden Doigs Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris statt. Multimillionen-Dollar-Preisschilder für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Das Personenverzeichnis von Peter Doig wird seit kurzem mehrmals im Jahr aktualisiert - wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserer Bewertung der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bisher teuerstes Werk ist die Schneelandschaft „Rosedale“ von 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby’s oder Christie’s aufgestellt, sondern bei der Auktion zeitgenössischer Kunst des Auktionshauses Phillips. Dies geschah am 18.05.2017. Eine Ansicht des verschneiten Rosedale, einer der Bezirke von Toronto, wurde für 28,81 Millionen Dollar an einen Telefonkäufer verkauft, das sind rund 3 Millionen mehr als der bisherige Rekord (25,9 Millionen Dollar für das Werk "Swamp"). Rosedale nahm 1998 an Doigs bedeutender Ausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war diese Arbeit frisch für den Markt, und daher ist der Rekordpreis wohlverdient.

9. FRANK STELLA Kiefernkap. 1959. 28 Millionen US-Dollar

Frank Stella ist ein prominenter Vertreter der Post-Painting-Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Stadium wird es als Hard Edge Painting klassifiziert. Die streng geometrisch-asketische Monochromie und Strukturiertheit seiner Bilder kontrastierte Stella zunächst mit der Spontaneität und dem Chaos der Malerei abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er Jahre wurde der Künstler vom renommierten Galeristen Leo Castelli aufgefallen und erstmals mit einer Ausstellung ausgezeichnet. Darauf präsentierte er die sogenannten "Schwarzen Bilder" - mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Lücken aus unbemalter Leinwand dazwischen. Die Linien werden zu geometrischen Formen gefaltet, die ein wenig an optische Täuschungen erinnern, gerade die Bilder, die flackern, sich bewegen, verdrehen, ein Gefühl von tiefer Weite erzeugen, wenn man sie lange betrachtet. Das Thema paralleler Linien mit dünnen Trennstreifen führte Stella in seinen Arbeiten auf Aluminium und Kupfer fort. Die Farben, die Bildgrundlagen und sogar die Form der Gemälde veränderten sich (unter anderem stechen Werke in Form der Buchstaben U, T, L hervor). Aber das Hauptprinzip seiner Malerei bestand immer noch in der Klarheit der Umrisse, Monumentalität, schlichte Form, Monochromie. In den folgenden Jahrzehnten bewegte sich Stella weg von einer solchen geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien, und von monochromatischen Malereien hin zu leuchtenden und abwechslungsreichen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella von den riesigen Mustern fasziniert, mit denen Schiffe bemalt wurden. Der Künstler verwendete sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen - er baute Stahlrohrstücke oder Drahtgeflecht in seine Arbeiten ein.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutungen seiner Arbeit bzw. über deren Abwesenheit: "What you see is what you see." Das Bild ist selbst ein Objekt, keine Reproduktion von irgendetwas. „Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts“, sagte Stella.

Nun, von Frank Stella signiert, könnte diese "Farbe darauf"-Oberfläche heute Millionen von Dollar wert sein. Erstmals in die Wertung lebender Künstler gelangte Frank Stella 2015 mit dem Verkauf des Werkes "Delaware Crossing" (1961) für 13,69 Millionen Dollar unter Berücksichtigung der Provision.

Vier Jahre später, am 15. Mai 2019, wurde mit dem Frühwerk "Cape of Pines" (1959) ein neuer Rekord aufgestellt: Der Preis des Hammers lag bei über 28 Millionen Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines von 29 "schwarzen Gemälden" - genau mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Der Absolvent der Princeton University, Frank Stella, war damals 23 Jahre alt. Er hatte oft nicht genug Geld für Ölfarben für Künstler. Der junge Künstler war Schwarzarbeit als Reparaturarbeit, ihm gefielen die reinen Farben der Farbe sehr gut, und dann entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt feine Linien einer ungrundierten Leinwand dazwischen. Und er schreibt ohne Lineale, nach Augenmaß, ohne Vorzeichnung. Stella wusste nie, wie viele schwarze Linien in einem bestimmten Gemälde erscheinen würden. Auf dem Gemälde "Cape of Pines" waren es beispielsweise 35. Der Titel des Werkes bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay - Point of pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es einen großen Vergnügungspark, heute ist er einer der Stadtteile der Stadt Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter seinem Rücken. 2000. 24,95 Millionen US-Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japaner - denn trotz Weltruhm und langjähriger Arbeit im Ausland zeichnet sich sein Werk nach wie vor durch eine ausgeprägte nationale Identität aus. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die Bilder, die er seit vielen Jahren erfunden hat, gehen zu den Menschen: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merchs“ daraus hergestellt. In eine arme Familie hineingeboren, weit weg von der Hauptstadt, wird er nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Mensch geschätzt, der sich selbst gemacht hat. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Die Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr lakonisch, wenn nicht geizig in Ausdrucksmitteln, tragen aber immer eine starke emotionale Aufladung. Naras Teenager-Mädchen schauen den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Blinzeln an. In ihren Augen - Unverschämtheit, Herausforderung und Aggression. In seinen Händen - ein Messer, dann eine Zigarette. Es wird angenommen, dass die dargestellten Perversionen des Verhaltens eine Reaktion auf die unterdrückende öffentliche Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Erziehungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham treiben Probleme nach innen, schaffen die Grundlage für einen verzögerten Gefühlsausbruch. "The Knife Behind the Back" spiegelt gerade weitläufig eine der Hauptideen des Künstlers wider. In dieser Arbeit gibt es sowohl einen hasserfüllten Blick des Mädchens als auch eine Hand, die sich drohend hinter ihrem Rücken verschränkt. Bis 2019 erreichten Yoshitomo Naras Gemälde und Skulpturen mehr als einmal die Millionen- oder sogar mehrere Millionen-Marke. Aber zum ersten Mal zwanzig Millionen. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Maler der Welt. Und jetzt der liebste lebende Mensch. 6. Oktober 2109 bei Sotheby's in Hongkong, er nahm diesen Titel von Takashi Murakami und die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama merklich umgangen (die maximalen Auktionspreise für ihre Bilder liegen bereits bei fast 9 Millionen Dollar).

11. Zeng FANZHI Das letzte Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen US-Dollar

Bei Sotheby's Hong Kong Auktion 5. Oktober 2013 großformatige Leinwand "Das letzte Abendmahl" Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) für einen Rekordwert von 160 Millionen HK $ verkauft - 23,3 Millionen US-Dollar VEREINIGTE STAATEN VON AMERIKA. Die endgültigen Kosten für das Werk von Fanzhi, das natürlich unter dem Einfluss des Werkes von Leonardo da Vinci geschrieben wurde, waren doppelt so hoch wie die vorläufige Schätzung von etwa 10 Millionen US-Dollar 9,6 Millionen bei Christie’s Hong Kong Auktion im Mai 2008 für die Arbeit bezahlt „Maskenserie. 1996. Nein. 6".

Das letzte Abendmahl ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der Masks-Serie, das den Zeitraum von 1994 bis 2001 umfasst. Der Zyklus widmet sich der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss wirtschaftlicher Reformen. Die Einführung von Elementen der Marktwirtschaft durch die Regierung der Volksrepublik China führte zu Urbanisierung und Uneinigkeit der Chinesen. Fanzhi stellt die Bewohner moderner chinesischer Städte dar, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Die bekannte Komposition von Leonardos Fresko in der Lesung von Fanzhi bekommt eine ganz andere Bedeutung: Der Schauplatz der Handlung wurde mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden von Jerusalem in das Klassenzimmer einer chinesischen Schule verlegt. „Christus“ und „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – dies ist eine Metapher für den westlichen Kapitalismus, die die übliche Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Zeng Fanzhis Arbeiten stehen dem europäischen Expressionismus stilistisch nahe und sind ebenso dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbole und Besonderheiten. Diese Vielseitigkeit zieht sowohl chinesische als auch westliche Sammler für das Werk des Künstlers an. Eine direkte Bestätigung dafür ist die Provenienz von The Last Supper: Das Werk wurde von dem berühmten Sammler der chinesischen Avantgarde der 1980er - Anfang der 1990er Jahre, dem belgischen Baron Guy Ullens, versteigert.

12. ROBERT RYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen US-Dollar

Bei der Auktion Christie's 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85-jähriger amerikanischer Künstler Robert Ryman(Robert Ryman) wurde verkauft für 20,6 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der niedrigere Kostenvoranschlag.

Robert Ryman(1930) erkannte nicht sofort, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, mit dem Wunsch, Jazzsaxophonist zu werden. Bis er ein berühmter Musiker wurde, musste er als Wachmann im MoMA arbeiten, wo er Saul LeWitt und Dan Flavin kennenlernte. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Aufzugsführer. Beeindruckt von den Werken abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 mit der Malerei.

Rayman wird oft als Minimalist bezeichnet, zieht es jedoch vor, als "Realist" bezeichnet zu werden, da er nicht an Illusionen interessiert ist, sondern nur die Qualität der verwendeten Materialien demonstriert. Die meisten seiner Werke sind mit Farben aller möglichen Weißtöne (von gräulich oder gelblich - bis hin zu strahlendem Weiß) auf der Grundlage einer lakonischen quadratischen Form gemalt. Während seiner Karriere hat Robert Ryman viele Materialien und Techniken ausprobiert: Er malte in Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapete usw. Seine Freund, professioneller Restaurator, Orrin Riley, beriet ihn über die Ätzwirkung der Materialien, die er verwenden wollte. Wie der Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage, was schreib, Hauptsache wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der Malfläche und den Rändern des Untergrundes, sowie das Verhältnis von Werk und Wand. Seit 1975 sind Leuchten, die von Ryman selbst entworfen und bewusst sichtbar bleiben, zu einem besonderen Merkmal seiner Arbeit geworden. Ryman gibt den Werken lieber "Namen" als "Titel". Der "Name" hilft, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Farbmarken, Firmen usw Werke, bestreitet der Künstler regelmäßig. Nichts als Material und Technik sind wichtig.

13. DAMIEN HURST Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen US-Dollar

Englischer Künstler Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, im Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als erster auf Platz eins dieser Wertung zu schwingen. Das bereits erwähnte Werk "False Start" könnte noch lange ein unsinkbarer Anführer bleiben, wenn 21. Juni 2007 Installation zur Zeit des 42-jährigen Hirst "Verschlafener Frühling"(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ . verkauft 9,76 Millionen, das heißt für 19,2 Millionen US-Dollar... Die Arbeit hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits ist dies eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), eigentlich eine klassische Installation. Andererseits ist diese Vitrine flach ausgeführt (10 cm tief), in einen Rahmen eingefasst und wie ein Plasmapanel an die Wand gehängt, so dass sie den gemäldetypischen Besitzkomfort voll und ganz bietet. Im Jahr 2002 wurde die Schwester der Installation, Sleepy Winter, für 7,4 Millionen US-Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand hat den Preisunterschied damit "erklärt", dass im Winter die Tabletten verblasst sind. Aber es ist klar, dass diese Erklärung absolut haltlos ist, denn der Preismechanismus für solche Dinge ist nicht mehr mit ihrer dekorativen Wirkung verbunden.

2007 wurde Hirst von vielen als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern anerkannt. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie "je nachdem, wie man zählt". Tatsache ist, dass Hirst für teure Pfunde verkauft wurde und Jones für die jetzt billigeren Dollar, und das sogar vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert zählen, ohne die 20-Jahres-Inflation, war Hirsts Arbeit in Dollar teurer und die von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig, und jeder konnte frei entscheiden, wer am teuersten war. Doch Hirst hielt nicht lange auf Platz eins durch. Im selben Jahr 2007 wurde er von Koons mit seinem "Hanging Heart" vom ersten Platz entfernt.

Kurz vor dem weltweiten Preisverfall für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst ein für einen jungen Künstler noch nie dagewesenes Unterfangen - eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vorabend bekannt gegebene Insolvenz der Lehman Brothers Bank verdarb den Liebhabern zeitgenössischer Kunst nicht den Appetit: Von den 223 Werken, die Sotheby's angeboten hatte, fanden nur fünf keinen neuen Besitzer (einer der Käufer war übrigens Viktor Pintschuk). Arbeiten "Goldenes Kalb"- ein riesiger ausgestopfter Bulle in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe, - so viel mitgebracht 10,3 Mio. £ (18,6 Mio. $)... Dies ist das beste Ergebnis von Hirst in Pfund (in der Währung, in der die Transaktion durchgeführt wurde). Wir rangieren jedoch in Dollar, also (möge uns das Goldene Kalb verzeihen) werden wir den Sleepy Spring immer noch als den besten Verkauf für Hirst betrachten.

Seit 2008 hat Hirst keine Verkäufe der Stufen "Sleepy Spring" und "Golden Calf" mehr gemacht. Neue Platten der 2010er Jahre - für Werke von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons - brachten Damien auf die sechste Reihe unserer Bewertung. Aber urteilen wir nicht kategorisch über das Ende der Ära Hirst. Laut Analysten ist Hirst als "Superstar" bereits in die Geschichte eingegangen, wird also noch sehr lange gekauft; den größten Wert in der Zukunft wird jedoch für Werke prognostiziert, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, also in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. MAURIZIO CATTELAN Ihm. 2001. 17,19 Millionen US-Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam nach seiner Tätigkeit als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner zur Kunst. Der Autodidakt ist durch seine ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er stürzte einen Meteoriten auf den Papst, verwandelte die Frau des Kunden in eine Jagdtrophäe, bohrte ein Loch in den Boden eines Museums alter Meister, zeigte der Börse in Mailand einen riesigen Mittelfinger, brachte einen lebenden Esel zum Fries Messe. Cattelan verspricht, in naher Zukunft eine goldene Toilette im Guggenheim-Museum zu installieren. Letztendlich fanden die Possen von Maurizio Cattelan in der Kunstwelt breite Anerkennung: Er wurde zur Biennale von Venedig eingeladen (Installation "Others" im Jahr 2011 - ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus allen Rohren und Balken drohend auf die vorbeiziehenden Besuchermassen blicken unten), arrangiert er eine Retrospektive im New Yorker Guggenheim Museum (November 2011) und bekommt schließlich viel Geld für seine Skulpturen.

Das teuerste Werk von Maurizio Cattelan ist seit 2010 eine Wachsskulptur eines Mannes, der aus einem Loch im Boden lugt, äußerlich dem Künstler selbst ähnlich (Ohne Titel, 2001). Diese Skulptur-Installation, die in drei Kopien plus der Kopie des Autors existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann schaute diese schelmische Figur aus einem Loch im Boden der Halle mit Gemälden niederländischer Maler des 18. - 19. Jahrhunderts. Maurizio Cattellan verbindet sich in dieser Arbeit mit einem waghalsigen Kriminellen, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum der Museumshalle eindringt. Damit will er der Kunst die Aura der Heiligkeit nehmen, die ihr durch Museumswände verliehen wird. Die Arbeit, um jedes Mal auszustellen, wenn Sie den Boden perforieren müssen, wurde bei Sotheby's für 7,922 Millionen US-Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokativeres Werk „Him“, das Hitler auf den Knien darstellte, für 17,189 Millionen Dollar unter den Hammer kam. Der Name ist seltsam. Die Charakterauswahl ist riskant. Wie alle anderen bei Cattelan. Was meint er? "Seine" oder "Seine höllische Majestät"? Es ist klar, dass es hier keineswegs um eine Verherrlichung des Führerimages geht. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einem hilflosen, elenden Zustand. Und absurd - die Inkarnation Satans ist so groß wie ein Kind, gekleidet in ein Schuljungenkostüm und kniet mit einem demütigen Gesichtsausdruck. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absoluten Bösen nachzudenken und Ängste abzubauen. Die Skulptur „Him“ ist übrigens dem westlichen Publikum bestens bekannt. Ihre Brüder in der Serie wurden mehr als 10 Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTIAN Ohne Titel (S III für Frankreich Face 43.14 veröffentlicht). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien bei Christies Abendauktion in New York eines der mächtigsten Gemälde von Mark Grotian, das jemals zur Versteigerung kam. Das Gemälde "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13-16 Millionen US-Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses von einem Dritten garantiert wurde, war niemand besonders überrascht einen neuen persönlichen Auktionsrekord für den 49-jährigen Künstler aufzustellen ... Der Zuschlagspreis von 14,75 Millionen US-Dollar (inklusive Buyer's Premium 16,8 Millionen US-Dollar) übertraf Grotians bisheriger Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar und trat damit in den Club der lebenden Künstler ein, deren Werke für achtstellige Summen verkauft werden. In der Auktionsbox von Mark Grotian befinden sich bereits etwa siebenunddreißigstellige Ergebnisse (Umsatz von mehr als 1 Million US-Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen US-Dollar).

Mark Grotian (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss von Moderne, abstraktem Minimalismus, Pop und Op Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seinem Corporate Style, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles gezogen und dort eine Galerie eröffnet hatte "Zimmer 702". Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er damals darüber nachzudenken, was für ihn an erster Stelle in der Kunst stand. Er suchte nach einem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und ich merkte, dass er sich immer für Linie und Farbe interessierte. Experimente im Geiste von Rayonismus und Minimalismus mit einer linearen Perspektive, zahlreichen Fluchtpunkten und vielfarbigen abstrakten Dreiecksformen brachten Grotian schließlich Weltruhm.

Aus abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizonten und Fluchtpunkten gelangte er schließlich zu Dreiecksformen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Grotians Gemälde 2001-2007 so nennen sie "Schmetterlinge". Das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer Fluchtpunkte, die im Raum voneinander entfernt sind, gilt heute als eine der mächtigsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkreihe hieß "Faces"; in den abstrakten Linien dieser Serie werden die Züge eines menschlichen Gesichts erahnt, vereinfacht zum Zustand einer Maske im Geiste von Matisse, Jawlensky oder Brancusi. In Bezug auf die extreme Vereinfachung und Stilisierung der Formen, über die kompositorische Auflösung von Gemälden, wenn die verstreuten Konturen der Augen und Münder aus einem Walddickicht auf uns zu blicken scheinen, stellen die Forscher die Verbindung von Grotians „Gesichtern“ mit der Kunst fest der primitiven Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach „die Bildaugen mag, die aus dem Dschungel schauen. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von der primitiven afrikanischen Kunst beeinflusst wurde, eher wurde ich von den Künstlern beeinflusst, die unter ihrem Einfluss standen. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel.“

Die Werke der Serie "Faces" werden als brutal und elegant bezeichnet, angenehm für das Auge und für den Geist. Im Laufe der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um die Wirkung des Innenraums zu erzeugen, verwendet der Künstler dicke Farbstriche, sogar ein Spray im Pollock-Stil, die Oberfläche des Gemäldes wird jedoch beim Schließen nivelliert Untersuchung scheint es absolut flach. Das Auktions-Rekordgemälde "Ohne Titel (S III Released to France Face 43.14)" bezieht sich genau auf diese illustre Serie von Mark Grotian.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen US-Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) mit einer Skulptur in unsere Bewertung aufgenommen „Mein einsamer Cowboy“ verkauft bei Sotheby's im Mai 2008 für $ 15,16 Millionen... Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als erfolgreichster lebender asiatischer Künstler – bis er vom Verkauf von Zeng Fanzhis Das letzte Abendmahl überschattet wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Künstler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage seiner Arbeit nehmen, ohne westliche und andere Anleihen. In seiner Studienzeit war er von der traditionellen japanischen Malerei des Nihonga fasziniert, später wurde sie von der beliebten Anime- und Manga-Kunst abgelöst. So wurde der psychedelische Mr. DOB geboren, mit lächelnden Blumenmustern und leuchtenden, glänzenden Fiberglasskulpturen, die wie aus den Seiten japanischer Comics hervorgegangen zu sein schienen. Manche halten Murakamis Kunst für Fast Food und Verkörperung von Vulgarität, andere nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen, wie man sieht, gibt es viele sehr reiche Leute.

Den Namen für seine Skulptur entlehnte Murakami dem Film Lonely Cowboys (1968) von Andy Warhol, den die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, ihm aber die Wortkombination sehr gefiel. Murakami mit einer Skulptur und erfreute Fans von erotischen japanischen Comics und lachte über sie. Vergrößert und dabei auch noch dreidimensional, verwandelt sich der Anime-Held in einen Fetisch der Massenkultur. Dieser künstlerische Ausdruck ist ganz im Sinne der klassischen westlichen Pop-Art (erinnern Sie sich an die Möbel von Allen Jones oder Koons' Pink Panther), aber mit einem nationalen Touch.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donnelly aus New Jersey. Er ist das jüngste Mitglied unseres Ratings, Jahrgang 1974. Donnelly begann als Animator bei Disney (er zeichnete Hintergründe für den Cartoon 101 Dalmatiner usw.). Von Jugend an liebte er Graffiti. Sein Markenzeichen war zunächst ein Totenkopf mit X anstelle der Augenhöhlen. Die Werke des jungen Autors wurden von Showbusiness-Leuten und Leuten aus der Modebranche geliebt: Er machte das Cover für das Album von Kanye West, veröffentlichte Kollaborationen für Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit hat sich KAWS zu einer bekannten Persönlichkeit in der zeitgenössischen Kunstwelt entwickelt. Seine charakteristische Mickey-Mouse-Figur hat sich in Museen, öffentlichen Räumen und privaten Sammlungen etabliert. KAWS hat einmal ein Vinylspielzeug in limitierter Auflage mit der Marke My Plastic Heart herausgebracht, und es wurde plötzlich zu einem Gegenstand von hohem Sammlerinteresse. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser "Spielzeuge" ist der Gründer von Black Star, Rapper Timati: Er hat die gesamte Serie der "Cavs Companions" fast vollständig gesammelt.

Die Arbeit von KAWS stellte am 1. April 2019 bei Sotheby's Hong Kong einen Künstlerrekord von 14,7 Millionen US-Dollar auf. Sie war früher in der Kollektion des japanischen Modedesigners Nigo. Die lange Leinwand The KAWS Album ist eine Hommage an das Cover der berühmten Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band von 1967. Nur statt Menschen sind darauf Kimpsons gezeichnet – stilisierte Charaktere aus der Zeichentrickserie Die Simpsons mit Xs statt Augen.

18. JIN SHANI Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen US-Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die alle zusammen zur sogenannten "neuen Welle" der späten 1980er Jahre in der chinesischen Kunst gehören, ist unerwartet ein Vertreter einer ganz anderen Generation und einer anderen Schule in unsere Bewertung geraten. Jin Shangyi, heute über 80, ist einer der klügsten Vertreter der ersten Künstlergeneration im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden weitgehend unter dem Einfluss des engsten kommunistischen Mitstreiters - der UdSSR - geprägt.

Offizielle sowjetische Kunst, sozialistischer Realismus, die für China noch ungewöhnliche Ölmalerei (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei) erlebten in den 1950er Jahren den Höhepunkt ihrer Popularität, und der sowjetische Künstler Konstantin lehrte an der Beijing Art University für drei Jahre (von 1954 bis 1957) Methodievich Maksimov. Jin Shani, damals der Jüngste in der Gruppe, kam in seine Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, es sei Maksimov gewesen, der ihm beigebracht habe, das Modell richtig zu verstehen und darzustellen. KM Maksimov hat eine ganze Galaxie chinesischer Realisten ausgebildet, die heute Klassiker sind.

Der Einfluss sowohl des sowjetischen „strengen Stils“ als auch der europäischen Schule der Malerei ist in Jin Shanis Werk zu spüren. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 entstandene Gemälde "Tadschikische Braut" gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shani. Es wurde im November 2013 bei der China Guardian-Auktion aufgestellt und um ein Vielfaches teurer verkauft als die Schätzung – für 13,89 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision.

19. BANKSY Verfallenes Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

Ende der 1990er Jahre tauchten Wandmalereien mit dem Etikett Banksy auf Stadtmauern auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich scharfen Graffiti widmeten sich den Problemen der Offensive des Staates auf die Freiheiten der Bürger, Verbrechen gegen die Umwelt, verantwortungslosem Konsum und der Unmenschlichkeit des illegalen Migrationssystems. Im Laufe der Zeit gewannen Banksys Wand-„Zurückweisungen“ beispiellose Medienpopularität. Tatsächlich wurde er zu einem der wichtigsten Wortführer der öffentlichen Meinung, verurteilte die Heuchelei von Staaten und Unternehmen und führte zu zunehmender Ungerechtigkeit im kapitalistischen System.

Banksys Wert, Sinn für den "Nerv der Zeit" und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur von den Zuschauern, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden für seine Werke Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar gespendet. Es ging so weit, dass Banksys Graffiti zerstört und zusammen mit Teilen der Wände gestohlen wurden.

In einer Ära fortschrittlicher digitaler Überwachung gelingt es Banksy immer noch, anonym zu bleiben. Es gibt eine Version, dass es sich nicht mehr um eine Person handelt, sondern um eine Gruppe von mehreren Künstlern, an deren Spitze eine talentierte Frau steht. Das würde vieles erklären. Sowohl die äußere Unähnlichkeit der Autoren, die in den Linsen der Kameras der Zeugen gefangen sind, als auch die unpersönliche Methode der Schablonenanwendung (sie bietet eine hohe Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die berührende Romantik der Handlungen von die Bilder (Bälle, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute des Banksy-Projekts, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

2019 wurde Banksys teuerstes Werk unerwartet die vier Meter lange Leinwand Devolved Parliament („degraded“, „zerfallt“ oder „delegated“ Parliament). Schimpansen, die im Unterhaus streiten, scheinen die Zuschauer im Jahr des skandalösen Brexit zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde und daher von manchen als prophetisch angesehen wird. Bei der Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer dieses Öl in heftigen Verhandlungen für 12.143.000 US-Dollar – das Sechsfache der vorläufigen Schätzung.

20. JOHN CARREN „Schön und einfach“. 1999. 12.007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Maler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde zu provokanten sexuellen und sozialen Themen. Currens Arbeiten gelingt es, die Techniken der Malerei alter Meister (insbesondere Lucas Cranach d. Ä. und der Manieristen) mit der Modefotografie aus Hochglanzmagazinen zu verbinden. Im Streben nach größerer Groteske verzerrt Curren oft die Proportionen des menschlichen Körpers, vergrößert oder verkleinert seine einzelnen Teile, zeigt Charaktere in gebrochenen, manierierten Posen.

Curren begann 1989 mit Mädchenporträts, die aus einem Schulalbum neu gezeichnet wurden; fortgesetzt in den frühen 1990er Jahren mit Bildern vollbusiger Schönheiten, inspiriert von Fotos von Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Frauen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die für viele Jahre seine Hauptmuse und sein Vorbild wurde. In den späten 1990er Jahren brachte Currens technisches Können, kombiniert mit dem Kitsch und der Groteske seiner Bilder, ihm Popularität. 2003 hat Larry Gagosian die Förderung des Künstlers aufgenommen, und wenn ein Händler wie Gagosian den Autor übernimmt, ist der Erfolg garantiert. 2004 gab es eine Retrospektive von John Curren im Whitney Museum.

Ungefähr zu dieser Zeit begann der Verkauf im sechsstelligen Bereich. Der aktuelle Rekord für Malerei von John Curren gehört zu dem Werk "Nice and Simple", das am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen Dollar verkauft wurde. Jetzt über 50. Dies ist definitiv ein Karriere-Durchbruch. Sein bisheriger Rekord im Jahr 2008 lag bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt übrigens für das gleiche Werk "Nice and Simple").

21. BRICE MARDEN Der Beteiligte. 1996-1999. 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Bryce Marden (1938). Mardens Werke im Stil des Minimalismus, und seit Ende der 1980er Jahre - gestische Malerei, zeichnen sich durch eine einzigartige, leicht gedeckte Farbpalette eines Autors aus. Die Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen um die Welt inspiriert - Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die die Entstehung von Marden beeinflussten, gehörten Jackson Pollock (Anfang der 1960er Jahre arbeitete Marden als Wachmann im Jüdischen Museum, wo er Pollocks "Tropfen" persönlich beobachtete), Alberto Giacometti (kannte seine Werke in Paris) und Robert Rauschenberg (manchmal arbeitete Marden als sein Assistent). Die erste Etappe von Mardens Werk ist klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestehen. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität der Werke erreichten, wie von einer Maschine gedruckt und nicht von einer Person gezeichnet, bewahrte Marden die Spuren der Arbeit des Künstlers, kombinierte verschiedene Materialien (Wachs- und Ölfarben). Unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie wird seit Mitte der 1980er Jahre die geometrische Abstraktion durch mäanderförmige, mäanderartige Linien ersetzt, für die dieselben monochromen Farbfelder als Hintergrund dienten. Eines dieser "Mäander"-Werke - "The Attended" - wurde bei der Sotheby's-Auktion im November 2013 für 10,917 Millionen US-Dollar inklusive Provision versteigert.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. Dezember 1959. 10,6 Mio. $

23. ZHANG Xiaogang Ewige Liebe. 10,2 Millionen US-Dollar

Ein weiterer Vertreter der chinesischen zeitgenössischen Kunst - Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958)... Bei Sotheby's Hong Kong Auktion 3. April 2011 wo die chinesische Avantgarde aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens verkauft wurde, das Triptychon von Zhang Xiaogang "Ewige Liebe" wurde für $ verkauft 10,2 Millionen... Damals war es ein Rekord nicht nur für den Künstler, sondern für die gesamte chinesische Gegenwartskunst. Xiaogangs Werk soll von der Milliardärsfrau Wang Wei gekauft worden sein, die kurz vor der Eröffnung ihres eigenen Museums steht.

Zhang Xiaogang, ein Fan von Mystik und östlicher Philosophie, schrieb die Geschichte der "Ewigen Liebe" in drei Teilen - Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in der Kultausstellung "China / Avantgarde" im National Museum of Art gezeigt. Im selben Jahr 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal unterdrückt. Nach diesem tragischen Ereignis begann das Festziehen der Schrauben – die Ausstellung im Nationalmuseum wurde aufgelöst, viele Künstler wanderten aus. Als Reaktion auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand ein Trend des zynischen Realismus, dessen Hauptvertreter Zhang Xiaogang war.

24. BRUCE NAUMAN Hilfloser Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen US-Dollar

amerikanisch Bruce Nauman (1941), Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), ist seinem Rekord schon lange entgegengetreten. Naumann begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner bezeichnen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys als eine der einflussreichsten Figuren der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die reiche Intellektualität und die absolute Nichtdekoration einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg bei der breiten Öffentlichkeit. Naumann experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen bekannter Sätze. Wörter werden in vielen seiner Werke zu zentralen Figuren, darunter auch Pseudo-Neonschilder und -tafeln. Nauman selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren in ganz anderen Genres versucht hat – Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performance, Grafik. Larry Gagosian sprach Anfang der neunziger Jahre prophetische Worte: "Der wahre Wert von Naumans Werk muss noch erkannt werden." Und so geschah es: 17. Mai 2001 bei Christies Werk von Naumann 1967 "Hilfsloser Henry Moore (Rückansicht)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Bereich der Nachkriegskunst auf. Ein Abguss von Naumanns auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ . unter den Hammer 9,9 Millionen zur Sammlung des französischen Tycoons Francois Pinault (nach anderen Quellen Amerikanerin Phyllis Wattis). Die Schätzung der Arbeit betrug nur 2-3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor dieser legendären Auktion überstiegen nur zwei von Naumanns Werken die Millionengrenze. Und während seiner gesamten bisherigen Auktionskarriere wurden neben "Henry Moore ..." nur sechs Werke für siebenstellige Summen verkauft, doch ihre Ergebnisse sind immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen.

The Helpless Henry Moore gehört zu einer Reihe polemischer Arbeiten Naumanns über die Figur des britischen Malers Henry Moore (1898–1986), der in den 1960er Jahren als einer der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts galt. Junge Autoren, die im Schatten des anerkannten Meisters standen, stürzten sich dann mit vehementer Kritik auf ihn. Naumanns Arbeit ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion über das Thema Kreativität. Der Titel der Arbeit wird zu einem Wortspiel, da er die beiden Bedeutungen des englischen Wortes „bound“ verbindet – gebunden (wörtlich) und einem bestimmten Schicksal geweiht.

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