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Der Beitrag enthüllt die Essenz des Konzepts und die Grundprinzipien eines bifunktionalen Ansatzes zur musikalischen Entwicklung eines Kindes im Klavierunterricht unter den Bedingungen von Institutionen des zusätzlichen Bildungssystems. Der bifunktionale Ansatz in der Musikpädagogik wird als pädagogische Strategie interpretiert, die auf einer doppelten Grundlage der musikalischen Bildung von Kindern und Jugendlichen basiert: der Bildung einer kulturellen Schicht von aufgeklärten Musikliebhabern und hochqualifizierten Musikern in der Gesellschaft Der Autor charakterisiert zwei kürzlich formulierte Bildungsprogramme in neue Gesetzesdokumente - berufsvorbereitende und allgemeine Entwicklung - und führt deren vergleichende Analyse durch.Das vorberufliche Bildungsprogramm zielt auf die Ausbildung von zukünftigen Spezialisten - Musikern mit unterschiedlichen Profilen. Das allgemeine entwicklungspolitische Bildungsprogramm soll zur Bildung eines musikalisch gebildeten Publikums und eines gesellschaftlichen Publikums beitragen. Der Artikel betont die Notwendigkeit, beide Programme auf der Grundlage eines einzigen wissenschaftlichen Grundlagenkomplexes umzusetzen. Die Idee der Fundamentalisierung ist besonders wichtig für die Umsetzung eines allgemeinen entwicklungspädagogischen Programms, da ihre Umsetzung derzeit im Mainstream der Entlastung, Entspannung, Musikunterricht für die meisten Kinder die Richtung des Amateurmusizierens findet.

Amateurmusik machen.

zweizackiges Fundament

musikalische Entwicklung

einzelner methodischer Komplex

Allgemeines Entwicklungsprogramm

berufsvorbereitendes Programm

musikalische Entwicklung

bifunktionaler Ansatz

1. Abdullin E.B., Nikolaeva E.V. Theorie der Musikpädagogik. Äh. Für Universitätsstudenten. M.: Akademie, 2004 - 333 S.

2.Barbazyuk T.O. Die Entwicklung der häuslichen Musikgrundbildung als musikwissenschaftliches Problem. Dis. kann. Kunstgeschichte. Magnitogorsk. 2008 - 246p.

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Die gegenwärtige Zeit ist die Zeit der Reform des nationalen Systems der Musikausbildung. „Die Reform des Bildungssystems, die in der Russischen Föderation durchgeführt wird, basiert auf den in den späten 1980er Jahren entwickelten. und entwickelte in den frühen 90er Jahren die Prinzipien der Demokratisierung ", einschließlich:" Variabilität des Bildungssystems; .. Humanisierung der Bildung und Schaffung der günstigsten Bedingungen für die Offenlegung und Entwicklung der Fähigkeiten jedes Schülers; .. Entwicklung Bildung. " ... Unter den Bedingungen der Modernisierung der Musikausbildung entspricht ein solcher Ansatz nun voll und ganz der Umsetzung zusätzlicher allgemeinbildender Programme im Bereich der Kunst, die in den neuesten Rechtsdokumenten enthalten sind (Bundesgesetz "Über die Bildung" vom 16. Juni 2011 .). Nr. 145-FZ, Bundesgesetz vom 29. Dezember 2012 Nr. 273-FZ). Diese Programme sind unterteilt in berufsvorbereitende Programme, die dazu dienen, künstlerisch begabte Kinder und Jugendliche zu erkennen, kreatives und pädagogisches Personal im Bereich Kultur und Kunst auszubilden, und allgemeine entwicklungsfördernde Programme, um die Bildung eines vorbereiteten Publikums von Zuhörern und Zuschauern in Gesellschaft.

In diesem Zusammenhang ist die Dringlichkeit des Problems des bifunktionalen Ansatzes der musikalischen Entwicklung eines Kindes in der Klavierklasse im System der Zusatzausbildung, das in diesem Artikel behandelt wird, offensichtlich.

Bei der Analyse dieses Problems muss zunächst das Wesen des Konzepts des "bifunktionalen Ansatzes" geklärt werden.

Ansatz - „... es ist eine bestimmte Position in Bezug auf ein Problem oder Phänomen, ... eine theoretische oder logische Grundlage für die Betrachtung oder Gestaltung eines Objekts; eine Reihe von Methoden und Techniken zur Durchführung von Aktivitäten, die auf einer Idee oder einem Prinzip basieren."

Der pädagogische Lehransatz wird als Umsetzung der dominanten Lehridee in die Praxis in Form einer spezifischen Strategie und mit spezifischen Lehrmethoden interpretiert.

Die Definition von „funktional“ im Begriff „bifunktionaler Ansatz“ ist ein Adjektiv von „Funktion“ (lateinisch functio performance), was „Aktivitätskreis, Zweck“ bedeutet. R.K. Merton charakterisiert Funktionen (also explizite Funktionen) als Konsequenzen, die von den Teilnehmern des Systems geplant und realisiert werden, d.h. bewusste subjektive Absichten und objektive Konsequenzen fallen zusammen.

Der Begriff des „Funktionalen Ansatzes“ wurde in der Soziologie auf der Grundlage der Ideen von O. Comte, G. Spencer und E. Durkheim gebildet. Ihre Vertreter betrachten die Gesellschaft als ein System, das ein integraler Komplex miteinander verbundener Elemente ist, die in funktionalen Beziehungen und Verbindungen zueinander stehen. Funktionalisten konzentrieren sich auf einzelne Teilsysteme der Gesellschaft, insbesondere auf ihre wichtigsten Institutionen – Familie, Religion, Wirtschaft, Staat, Kultur, Bildung. Sie identifizieren die strukturellen Merkmale von Institutionen so wie Biologen die grundlegenden Eigenschaften eines Organismus beschreiben und dann die Funktionen von Institutionen definieren. Ein Merkmal des Systems ist der Wunsch, seine Komponenten auszubalancieren: Eine Veränderung in einer Institution hat Folgen sowohl für andere Institutionen als auch für die Gesellschaft insgesamt.

Kindermusikschulen sind eine weit verbreitete soziokulturelle Institution, die viele soziale Funktionen wahrnimmt, von denen zwei die Erhaltung und Stärkung des höchsten Niveaus der nationalen Klavierspielschule und die Bildung einer kulturellen Schicht kompetenter Musikliebhaber in der Gesellschaft sind Grundlage eines bifunktionalen Ansatzes zur musikalischen Entwicklung von Kindern. Der bifunktionale Ansatz wird in diesem Fall als pädagogische Strategie interpretiert, die auf einer doppelten Grundlage der musikalischen Bildung von Kindern und Jugendlichen basiert: der Bildung einer kulturellen Schicht aufgeklärter Musikliebhaber und hochqualifizierter Berufsmusiker in der Gesellschaft.

Die Entstehung der oben beschriebenen berufsvorbereitenden und allgemeinbildenden Bildungsprogramme ist in der Tat der erste gesetzlich verankerte Schritt zur Schaffung optimaler Bedingungen für die musikalische Ausbildung von Kindern in Kinderkunstschulen. Dies ist das erste Beispiel für ein zweigleisiges Bildungsprogramm, die erste Erfahrung von Programmvariabilität, die auf einen individuellen Verlauf der Persönlichkeitsentwicklung abzielt. In beiden sind die Aufgaben und Ziele des Bildungsprozesses richtig formuliert, die Spezifika jeder seiner Funktionen wird richtig betont: Allgemeine entwicklungspädagogische Programme sind auf die Erziehung eines aktiv gebildeten Zuhörers, eines Teilnehmers an Amateur Leistungen, berufsvorbereitende Programme sollen optimale Bedingungen für die Motivationsbildung der Kinder zur Fortsetzung der Berufsausbildung in berufsbildenden höheren Einrichtungen schaffen.

Um die oben genannten Aufgaben erfolgreich zu bewältigen, ist es notwendig, eine Reihe von Fragen zu beantworten: Welche Kenntnisse, Fähigkeiten und Fertigkeiten sollen bei zukünftigen Laienmusikern und Musikern mit einem Musikschulabschluss gebildet werden und wie sollte sich dies in den Inhalten der berufsvorbereitenden Ausbildung widerspiegeln? und allgemeinbildenden Programmen und Lehrmethoden an einer Musikschule, welche persönlichen und besonderen musikalischen Qualitäten jeder von ihnen haben sollte. Eine solche Analyse ist notwendig, weil die Kunstschulen für Kinder bis heute im Wesentlichen eng fokussierte Institutionen zum Erlernen des Musikinstrumentenspiels bleiben.

Amateurmusiker lassen sich in zwei Kategorien einteilen. Die erste umfasst Hörer, dh Konsumenten von klingender Musik. In die zweite (quantitativ kleinere) Kategorie fallen Laien, die sich damit auch selbst verwirklichen: Sie nehmen an verschiedenen Formen des kollektiven Musizierens teil, begleiten andere Laien (Sänger, Instrumentalisten, Chor) und treten oft sogar als Interpreten auf . Amateurmusiker der ersten, vorherrschenden Kategorie zeichnen sich durch ein stabiles Bedürfnis nach der Aktivität des Musikhörens aus - deren Wahrnehmung und Erfahrung, das entsprechende ästhetische Vergnügen als Quelle spiritueller Energie zu empfangen. Um dieses Bedürfnis zu erfüllen, muss ein Amateurmusiker mindestens: die Fähigkeit und das Geschick haben, Musik angemessen wahrzunehmen; das künstlerische Niveau von musikalischen Werken durch entwickeltes Gehör, Denken und Vorstellungsvermögen emotional erleben und ästhetisch einschätzen und einschätzen können, eine Vielzahl von Musikwerken unterschiedlicher Epochen, Stile und Gattungen kennen; in der Lage sein, die Besonderheiten der Form und des Inhalts eines gehörten Stücks zu analysieren; -die Besonderheiten ihrer Aufführung durch verschiedene Künstler oder Aufführungsgruppen geschickt zu bestimmen; großes Interesse am Musikgeschehen zeigen: neue Kompositionen und deren Interpretation durch verschiedene Interpreten, Wettbewerbe, Tourneen, interessante Debüts.

Dieser Typus von Musikliebhabern kann, wie aus den aufgeführten Eigenschaften hervorgeht, nicht als passiv bezeichnet werden - er ist aktiv darin, sein Bedürfnis zu erkennen, mit Musik zu kommunizieren, sie zu bewerten, sich zu erinnern, zu erleben und die entsprechende emotionale Reaktion zu erleben. Es ist klar, dass ein eng fokussierter Instrumentalunterricht die Bildung einer Musikkultur, die für einen kompetenten Zuhörer notwendig ist, nicht vollständig gewährleisten kann.

Alle oben genannten Qualitäten, die ein gebildeter Musikhörer haben sollte, sollten natürlich auch einem Musikliebhaber innewohnen. Gleichzeitig ist es für eine kompetente Laienaufführung von Musikwerken notwendig: die Intonationssprache der Musik zu kennen und durch sie die verschiedenen künstlerischen Inhalte der aufgeführten Werke ausdrücken zu können; haben musikalisches Denken entwickelt; ein entwickeltes musikalisches Gedächtnis haben; verfügen über eine bedeutende instrumentelle technische Ausstattung, eine hochwertige Klangerzeugung, die für die kompetente Aufführung von Orchester- und Ensemblestimmen erforderlich ist, Begleitungen, die die spezifischen virtuosen Schwierigkeiten des Solorepertoires nicht enthalten; besitzen elementare Fähigkeiten des Ensemble- und Orchestermusizierens; besitzen die Fähigkeiten des Sichtlesens.

Aus dem Gesagten geht klar hervor, dass die Aufführungstätigkeit von Laienmusikern ziemlich ernste Anforderungen an sie stellt, die in ihrem Niveau an professionelle herankommen. Lassen Sie uns zur Unterstützung dieser These analysieren, über welchen Komplex von persönlichen Eigenschaften, besonderen Kenntnissen und Fähigkeiten ein Absolvent einer Musikschule für eine erfolgreiche berufliche Weiterbildung verfügen sollte.

Die erste ist ein umfassend entwickeltes professionelles Ohr als komplexe Kombination seiner intonatorischen und analytischen Komponenten. Die zweite ist ein gesteigertes rhythmisches Gefühl, das sich vom Beginn des Unterrichts bis zur Grundlage der zukünftigen rhythmischen Kultur in der Summe all ihrer Aspekte entwickelt - von metrischem Pulsieren, rhythmischer Genauigkeit, einem Gefühl für Größe und Tempo bis hin zu logisch korrekten Akzentuierung, agogische Nuancen und Proportionalität von Teilen einer musikalischen Form. Die dritte ist die Fähigkeit, den figurativen und künstlerischen Gehalt des dargebotenen Werkes adäquat wahrzunehmen und gestalterisch zu interpretieren. Viertens muss ein potenzieller Musiker-Spezialist als Darsteller über bestimmte persönliche Qualitäten verfügen: künstlerisches Können, Arbeitsfähigkeit, erhöhte Konzentrationsfähigkeit, Stressbewältigung. Fünftens - ein professionelles, gut entwickeltes musikalisches Gedächtnis in all seiner Vielfalt: figurativ, motorisch, taktil, verbal-logisch, emotional. Sechstens - eine umfangreiche Sammlung des Repertoires, die Werke verschiedener historischer Epochen, Stile und Genres umfasst. Siebtens - eine entwickelte Fähigkeit, aus einem Blickfeld zu lesen. Achtens - die Ausbildung des Spielapparates, die schon in jungen Jahren die intensive Entwicklung aller Elemente der Instrumentaltechnik eines virtuosen Plans gewährleistet. Neuntens - das Vorhandensein bestimmter Fähigkeiten des gemeinsamen Musizierens (Spielen in einem Ensemble, Begleitung, Verstehen der Dirigentenzeichen). Zehntens - eine aktive Position in Bezug auf die wichtigsten Ereignisse in der Welt der Musik und anderer Künste.

Aus dem bisher Gesagten lässt sich also die Hauptschlussfolgerung ziehen: Die berufsvorbereitende Ausbildung eines angehenden Musikers darf sich inhaltlich und strukturell nicht grundlegend von der Ausbildung eines Laienmusikers unterscheiden - in es sollte in beiden Fällen als integrales System gebildet werden, das alle notwendigen wesentlichen Komponenten des wissenschaftlichen Methodenkomplexes umfasst. Die bestehenden Unterschiede sollten sich nicht im Ausschluss irgendwelcher Komponenten aus diesem System manifestieren, sondern in einer anderen Beherrschung, in den Besonderheiten ihrer Fundamentierung, insbesondere in einem anderen Umfang des Repertoirebesitzes, Spezialkenntnissen und Fähigkeiten. Diese Unterschiede sollten auf dem tiefen Verständnis der Lehrer für die Motivation jedes Kindes und seiner Eltern, Musikunterricht zu erhalten, beruhen, sowie auf dem Respekt vor der Wahl der Schüler in die eine oder andere Richtung beim Unterrichten.

Rezensenten:

Maykovskaya L.S., Doktor der Pädagogischen Wissenschaften, Professor, Leiter. Abteilung für Musikpädagogik, Staatliches Kulturinstitut Moskau, Moskau;

Chervatyuk P.A., Doktor der Pädagogischen Wissenschaften, Professor, Staatliche Pädagogische Universität Moskau, Moskau.

Bibliographische Referenz

Voskoboinikova E.G. BIFUNKTIONALER ANSATZ ZUR MUSIKENTWICKLUNG EINES KINDES IM KLAVIERKLASSE // Moderne Probleme der Wissenschaft und Bildung. - 2015. - Nr. 6 .;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=23891 (Zugriffsdatum: 01.02.2020). Wir machen Sie auf die Zeitschriften der "Academy of Natural Sciences" aufmerksam.

Swetlana Stepanenko
Ein integrierter Ansatz für die Musikausbildung

Ein integrierter Ansatz für die Musikausbildung.

Derzeit ist die Entwicklung einer Theorie der Ästhetik Bildung in drei durchgeführt Richtungen: künstlerisches Schaffen im Prozess ihrer Ausbildung; selbstständige künstlerische Tätigkeit von Kindern; , die Herstellung mehrseitiger Verbindungen zwischen ihren verschiedenen Seiten. Führende Richtung - ein integrierter Ansatz zur ästhetischen Bildung... Eine der führenden Funktionen integrierter Ansatz Ist die Programmierbarkeit der Ästhetik Bildung... Erstmals wurde versucht, ein beispielhaftes Programm zu erstellen, in dem die Aufgaben der Ästhetik Bildung für jede Altersgruppe des Kindergartens entwickelt. Unter ihnen Erziehung eine ästhetische Haltung zur Natur, zu umgebenden Gegenständen, zur Kunst im Unterricht, in der Arbeit und im Alltag.

Zeichen ein integrierter Ansatz in der musikalischen und ästhetischen Bildung.

* musikalische Ausbildung sollte den moralischen Charakter des Kindes bereichern, geistige Aktivität und körperliche Aktivität aktivieren; * Erziehungästhetische Einstellung zur umgebenden Realität, zu Musical Kunst soll helfen, eine Verbindung zwischen Kind und Leben herzustellen; * Inhalt und Lehrmethoden Musical Aktivitäten sollten die Einheit seiner lehrreich, Bildungs- und Entwicklungsfunktionen; * Kombination verschiedener Arten von Aktivitäten (traditionell, thematisch, Komplex) sollte die Entwicklung von Initiative, Aktivität und kreativem Handeln fördern; * Komplex Lehrmethoden unter Berücksichtigung der individuell differenzierten sich nähern soll zur ästhetischen Bildung beitragen gute Manieren, Neigung zum selbstständigen und kreativen Lernen, zur Entwicklung Musical Fähigkeiten und die ersten Manifestationen des ästhetischen Geschmacks; * harmonische Kombination aller Organisationsformen musikalische Aktivität der Kinder(Aktivitäten, Spiele, Urlaub, Unterhaltung, unabhängige Aktivitäten) soll zu einer allumfassenden allgemeinen künstlerischen Entwicklung von Vorschulkindern beitragen.

Komplexer Musikunterricht.

Musical Der Unterricht ist die wichtigste Organisationsform der systematischen Erziehung von Vorschulkindern gemäß den Anforderungen "Programme Kindergartenerziehung» Auf der Musical Klassen, die Beziehung wird in der Entscheidung durchgeführt musikalisch, aber ästhetisch und lehrreich- pädagogische Aufgaben. Während der aktiven Musical Aktivitäten erwerben die Kinder das notwendige Wissen, erwerben Fähigkeiten und Fertigkeiten, die Gelegenheiten zur emotional ausdrucksstarken Darbietung von Liedern bieten, musikalisch- rhythmische Bewegungen, die einfachsten Melodien beim Spielen für Kinder Musikinstrumente... Es gibt bereits eine altbewährte traditionelle Klassenstruktur. Es wurde von Lehrern erfolgreich gemeistert und hat sich in vielerlei Hinsicht gerechtfertigt. Experimentelle Forschungen und beste pädagogische Erfahrungen haben jedoch gezeigt, dass es andere Unterrichtsstrukturen gibt, die den Lernprozess aktivieren. Wir sprechen über thematische und integrierte Klassen. Komplex Klassen werden so genannt, weil in einer Stunde alle Arten von künstlerischen Aktivitäten: künstlerisch und sprachlich, musikalisch. Gut, theatralisch. Komplex der unterricht wird durch eine aufgabe vereint - sich mit dem gleichen künstlerischen bild vertraut zu machen, mit bestimmten werkgattungen (lyrisch, episch, heroisch) oder mit dem einen oder anderen künstlerischen Ausdrucksmittel (bilden, Komposition, Rhythmus usw.) Ziel ein integriertes Klassen - um Kindern eine Vorstellung von den Besonderheiten verschiedener Kunstarten zu geben ( Musik, Malerei, Poesie, Theater, Choreografie, über die Möglichkeiten, Gedanken, Stimmungen in jeglicher Art künstlerischer Betätigung in der eigenen Originalsprache zu vermitteln. Deshalb auf Komplex Klassen ist es wichtig, nicht formal, sondern nachdenklich alle Arten künstlerischer Tätigkeit zu vereinen, sich abzuwechseln, Merkmale der Nähe und Differenz in den Werken zu finden, Ausdrucksmittel jeder Art von Kunst zu finden, das Bild auf ihre eigene Weise zu vermitteln. Durch Vergleichen und Gegenüberstellen von künstlerischen Bildern werden Kinder die Individualität der Arbeit tiefer spüren und die Besonderheiten jeder Kunstart näher verstehen. Komplex die lektion hat die gleichen varianten wie die thematische. Das Thema kann dem Leben entnommen oder einem Märchen entlehnt sein, verbunden mit einer bestimmten Handlung, und schließlich kann das Thema die Kunst selbst sein.

Diese Themenvielfalt bereichert die Inhalte komplexer Unterricht, bietet dem Lehrer eine große Auswahl. Ein Thema aus dem Leben oder mit Bezug zu einem Märchen, zum Beispiel, "Jahreszeiten", "Märchenfiguren", hilft zu verfolgen, wie das gleiche Bild mit unterschiedlichen künstlerischen Mitteln vermittelt wird, Ähnlichkeiten und Unterschiede in Stimmungen und deren Schattierungen zu finden, zu vergleichen, wie das Bild des frühen Frühlings gezeigt wird, gerade erwachende Natur und eine stürmische, blühende und gleichzeitig Zeit, die lebendigsten Ausdrucksmerkmale der künstlerischen Sprache zu bemerken (Klänge, Farben, Wörter)... Wichtig ist, dass die Veränderung der künstlerischen Tätigkeit nicht formell ist (Kinder hören zu Musik über den Frühling, Quelle schöpfen, Quellwasser treiben, Gedichte lesen und die Aufgabe verbinden, etwas Ähnliches zu vermitteln wie Musik Stimmung in Zeichnung, Bewegung, Poesie. Wenn die Werke nicht mit dem figurativen Inhalt übereinstimmen, sondern nur durch ein gemeinsames Thema vereint sind, zum Beispiel nach dem Hören eines Fragments des Stücks von P.I.Tchaikovsky "Troika" aus der Schleife "Jahreszeiten"(sanft, verträumt, Zeilen aus dem Gedicht von N.A.Nekrasov sound "Jack Frost" --"Es ist nicht der Wind, der über den Wald weht ..."(schwer, etwas feierlich, nicht dem Charakter entsprechend Musik, aber in ihrer Nähe zum Thema ist es notwendig, die Aufmerksamkeit der Kinder auf den Kontrast der Stimmungen zu lenken, da sonst das Ziel des Unterrichts nicht erreicht wird. In einer Lektion zum Thema "Märchenfiguren", ist es interessant, nicht nur zu verfolgen, wie unterschiedlich oder ähnlich dasselbe Bild in verschiedenen Kunstgattungen übertragen wird, sondern auch zu vergleichen, wie viele musikalische Werke zu einem Thema geschrieben, wie zum Beispiel Theaterstücke "Baba yaga" P.I.Tschaikowsky aus "Album für Kinder", "Baba yaga" M.P. Mussorgsky aus dem Zyklus "Bilder aus der Ausstellung" und symphonische Miniatur "Baba yaga" A. K. Lyadova oder Theaterstücke "Prozession der Zwerge" E. Grieg und "Zwerg" M.P. Mussorgsky aus dem Zyklus "Bilder aus der Ausstellung" usw. Es ist schwieriger durchzuführen komplexe Lektion, deren Thema die Kunst selbst ist, die Züge des ausdrucksvollen Mittel: "Die Sprache der Kunst", "Einstellungen und ihre Schattierungen in Kunstwerken" usw.

In der Lektion zum ersten Thema können Sie Farben in der Malerei mit Klangfarben vergleichen Musical Instrumente oder andere Ausdrucksmittel (Register, Dynamik und deren Kombinationen)... Laden Sie die Kinder ein, zuzuhören Musical arbeitet in der Höhe (hell) Register und Low-Com (dunkel, gefüllt mit einem hellen, lauten Klang und sanft, leise, diese Mittel vergleichend Musical Ausdruckskraft mit der Intensität der Farbe in der Malerei. Man kann auch über die Kombination verschiedener Ausdrucksmittel sprechen, um zum Beispiel Kinderstücke mit einer Dynamik (leise, aber in verschiedenen Lagen (hoch und tief, damit sie den Unterschied im Charakter hören) zu spielen Musik... Leise klingend im oberen Register erzeugt einen sanften, leichten Charakter („Waltz of S. M. Maikapara, und im unteren Register – ein mysteriöses, unheilvolles ( "Baba yaga" P. I. Tschaikowsky). Diese Werke werden auch mit Gemälden verglichen.

Auf der ein integriertes Lektionen zum zweiten Thema müssen gemeinsame Stimmungen finden, die in verschiedenen Kunstgattungen vermittelt werden. Hier werden kreative Aufgaben genutzt, um zum Beispiel in Bewegungen den Charakter eines fröhlichen oder feigen Hasen zu vermitteln, ein Lied darüber zu komponieren, ein Märchen, es zu zeichnen. Mit den Ausdrucksmöglichkeiten dieser Künste vertraut, sammeln Kinder nach und nach Erfahrungen Wahrnehmung Kunstwerke. Das Thema solcher ein integriertes Klassen können eine Stimmung mit ihren Schattierungen sein, Beispielsweise: "Festliche Stimmung"(von Freude zu Trauer, "Fröhliche Stimmung" (von leicht, sanft bis enthusiastisch oder feierlich)... Diese Stimmungsnuancen werden in Beispielen verschiedener Kunstgattungen nachgezeichnet und in kreativen Zuordnungen: ein Lied komponieren (freundlich, sanft oder fröhlich, fröhlich, diesen Charakter in Bewegungen ausdrücken, Bilder zeichnen, in denen diese Stimmungen sichtbar werden. Der Lehrer kann auch die Aufmerksamkeit der Kinder auf die am erfolgreichsten gefundenen Bilder lenken und mit ihnen darüber sprechen, wie gelang es, diese oder jene Stimmung zu vermitteln. Manchmal spielen sie ein Spiel und erraten, welche Stimmung das Kind in der von ihm komponierten Bewegung ausdrücken wollte (Tanz, Lied, Marsch).

Komplex die Lektion kann mit einer Handlung kombiniert werden, zum Beispiel einem Märchen. Dann werden die schöpferischen Manifestationen der Kinder, wie in einer solchen thematischen Unterrichtsstunde, umfassender realisiert. Bereitet vor integrierter Musikunterricht Kopf in Verbindung mit Pädagogen alle Kenntnisse und Fähigkeiten zu nutzen, die die Kinder in anderen Aktivitäten erworben haben. Der Unterricht findet ungefähr einmal im Monat statt.

Umfassende musikalische Entwicklung.

Der Unterricht im Programm wird spielerisch abgehalten, baut auf den häufigen Wechsel der Aktivitäten auf, dies gewährleistet Ein komplexer Ansatz, die Dynamik der Förderung und das ständige Interesse der Kinder. Organisation Musical Aktivitäten finden in verschiedenen Formen: in Form von Plot-Themen Musikstunden, Komplex und integrierter Unterricht. Im Laufe des Unterrichts in frühen Gruppen musikalischer Komplex Entwicklung werden die wichtigsten Aufgaben in der Entwicklung von Kindern gelöst nka: Geistige Entwicklung, körperliche Entwicklung, ästhetische Entwicklung. Ziel des Programms ist die allgemeine geistige Entwicklung von Kindern im frühen und jüngeren Vorschulalter durch musikalische Ausbildung... Aufgaben Programme: Förderung der frühen Entwicklung des Kindes durch ein umfassendes musikalische Aktivität; Helfen Sie Kleinkindern, die Welt in einem lustigen Spiel zu betreten Musik; sinnlich fühlen und erleben; die Voraussetzungen für die Bildung kreativen Denkens schaffen; erleichtern das praktische Lernen musikalisches Wissen; Bildung der Weiterbildungsbereitschaft; Entwicklung von Kommunikationsfähigkeiten und Mittäterschaft: Kontakt, Wohlwollen, gegenseitiger Respekt; die Bildung von Eigenschaften bei Kindern, die zur Selbstbestätigung beitragen Persönlichkeit: Unabhängigkeit und Gedankenfreiheit, Individualität Wahrnehmung... Das Programm entspricht den modernen Anforderungen an das Bildungsprogramm. Es hat einen entwicklungsorientierten Charakter, ist auf allgemeine und Musical kindliche Entwicklung im Prozess der Beherrschung musikalische Aktivitäten... Es berücksichtigt die Ideen von Wellness und Entwicklung Komponente: das Prinzip der Einheit der Entwicklungs- und Freizeitarbeit mit Kindern. Der Inhalt des Programms ist darauf ausgerichtet, psychischen Komfort und emotionales Wohlbefinden für jedes Kind zu schaffen. Das Programm ist mit praktischen Materialien und Handbüchern für den Einzel- und Gruppenunterricht ausgestattet.

Ins Frühprogramm Integrierte Entwicklung beinhaltet: 1) Spiele im Freien und Logo-Rhythmik. Entwicklung der Grobmotorik; Entwicklung der Bewegungskoordination und Konzentration der Aufmerksamkeit; Entwicklung der Koordination von Aktionen im Team, Aufbau positiver Beziehungen, Entwicklung gemeinsamer produktiver Aktivitäten; Entwicklung von Fähigkeiten zur sozialen Interaktion und sozialen Anpassung in musikalisch- psychologische Spiele und Übungen; Entwicklung von Vorstellungskraft und Kreativität im Spiel. ; die Ausbildung motorischer Fähigkeiten; Sprachkorrektur in Bewegung (Aussprache, Mitsingen, Sprachbildung und Motorik)... Material- "Lustige Lektionen", "Spaßiger Unterricht", "Aerobic für Kinder", "Goldfisch", "Goldenes Tor", "Spiele für die Gesundheit" ua 2) Entwicklung der Feinmotorik. Entwicklung der Fingermotorik, Feinmotorik; Sprachentwicklung (sprechen und singen zusammen mit Liedern - Spiele zur Entwicklung der Feinmotorik); Entwicklung der Vorstellungskraft ( "Sich an etwas gewöhnen" im Bild und Charakter der Helden der Gesten- oder Fingerspiele); zählen lernen. Material- "Okay, zehn Mäuse, zwei kleine Schweinchen"... 3) Entwicklung des Gehörs, der Stimme. Die einfachste Intonation (Tierstimmen, Naturgeräusche, lustige Silben)... Entwicklung von Tonhöhe, Diamic, Timbre-Hören. Singen und Bewegen, Inszenieren. Elementare Stimmimprovisation. Material- "Lieder"- "Geschrei", "Azbuka – Poteshka", "Katzenhaus"... 4) Körperliche Entwicklung, Entwicklung einer Bewegungskultur, gesundheitsfördernde Arbeit. Stärkung des kindlichen Körpers, Bildung eines Muskelkorsetts, Entwicklung des Atmungs- und Herz-Kreislauf-Systems. Entwicklung der Bewegungskoordination, Konzentration der Aufmerksamkeit, Geschicklichkeit, Selbstvertrauen. Entwicklung der Fähigkeiten zur motorischen Kreativität. Gebaut auf Gebrauch Material: "Spielgymnastik", "Gymnastikstock für Mamas und Babys", "Spiele für die Gesundheit" usw. 5) Bekanntschaft mit musikalische Bildung, Hören Musik, lernen, Geräusch- und Toninstrumente zu spielen. Instrumente spielen lernen. Bekanntschaft mit Musikinstrumente... Musik machen, in einem Mini-Orchester spielen (Kinder und Eltern)... Hören musikalische Werke, emotionale Erfahrung Musik bei plastischen Improvisationen. 6) Kennenlernen von Briefen, Vorbereitung zum Lesen, Entwicklung Reden: Beim Formen und Falten von Buchstaben aus Knetmasse entwickeln sich Feinmotorik, Konzentration der Aufmerksamkeit, Bewegungskoordination, Vertrautheit mit den Buchstaben in praktischen Tätigkeiten und Vorbereitung der Kinder auf das Lesen. Im Kapitel "Wir singen-lesen" eine Kombination aus Silbenlesen und Gesang (Lesungen singen) ermöglicht es Ihnen, nicht nur das Lesen von Silben zu unterrichten, sondern auch an Stimme und Atmung zu arbeiten. 7) Kreative Aufgaben, die Entwicklung der Vorstellungskraft. Vertonung und Inszenierung von Märchen, Gedichten. Illustrieren (Zeichnungen, Modellierungen, Anwendungen) thematische Spiele und Märchen. Plastische Etüden und Bewegungsimprovisationen beim aktiven Zuhören Musik... Instrumentales Musizieren. Improvisation über Lärm und Kinder Musikinstrumente. 8) Musikkreise.

Ziele und Ziele des Unterrichts Musik.

Entwicklung Musical und allgemeine Kreativität durch verschiedene musikalische Aktivitäten, nämlich, Entwicklung: * musikalisches Gedächtnis; melodisches und rhythmisches Hören; * angemessene Möglichkeiten der Selbstdarstellung; * die Fähigkeit, einerseits das vom Pädagogen vorgeschlagene Material genau zu wiederholen, andererseits eigene Lösungen für die Situation zu finden; * Sprachkorrektur in Bewegung mit Musik... Entwicklung der geistigen und intellektuellen Fähigkeiten; * Vorstellung; Reaktionen; die Fähigkeit zuzuhören und sich zu konzentrieren; Hörfähigkeiten, um zu unterscheiden, zu kontrastieren und zu vergleichen. Körperliche Entwicklung Fähigkeiten: * Feinmotorik; große motorische Fähigkeiten. Entwicklung sozialer Fähigkeiten: * Fähigkeit, mit anderen zu interagieren; die Fähigkeit, sich selbst zu kontrollieren. Entwicklung des Interesses an Musical Aktivitäten und die Freude an der Kommunikation mit Musik.

Arbeitsformen im Unterricht.

* Singen; * ausdrucksstarkes Lesen von Kinderreimen und Kinderreimen; * für Kinder spielen Musikinstrumente; * Bewegung unter Musik, tanzen; * Hören Musik; * Dramatisierung von Märchen; * Outdoor-Spiele zur Entwicklung von Reaktion und Motorik, Entwicklung der Kontrolle über Bewegungen.

Unsere Zeit ist eine Zeit der Veränderung. Jetzt braucht Russland Menschen, die in der Lage sind, ungewöhnliche Entscheidungen zu treffen, die in der Lage sind, kreativ zu denken, die zu positiver Gestaltung fähig sind. Leider behält der moderne Kindergarten immer noch das Traditionelle Herangehensweise an die Assimilation von Wissen... Sehr oft kommt es beim Lernen auf das Auswendiglernen an und Reproduktion von Handlungen, typische Lösungswege von Aufgaben. Monotones, stereotypes Wiederholen der gleichen Handlungen tötet das Interesse am Lernen. Kindern wird die Entdeckerfreude genommen und sie können allmählich die Fähigkeit zur Kreativität verlieren. Natürlich streben viele Eltern danach, Kreativität in ihren Kinder: sie werden in Zirkel, in Ateliers, Sonderschulen gegeben, wo erfahrene Lehrer mit ihnen beschäftigt sind. Die Bildung der kreativen Fähigkeiten eines Kindes ist nicht nur auf seine Lebensbedingungen und Erziehung, sondern auch durch Sonderklassen, die in Vorschuleinrichtungen organisiert werden. Musik, Singen, Zeichnen, Modellieren, Spielen, künstlerische Betätigung - all dies sind günstige Voraussetzungen für die Entwicklung kreativer Fähigkeiten. Ich möchte Sie darauf aufmerksam machen komplexer Unterricht, in dem die Entwicklung schöpferischer Fähigkeiten durch verschiedene Kunstgattungen realisiert wird. Auf der ein integriertes Klassen wechseln sich ab mit Singen, Zeichnen, Poesielesen und Tanzen. Gleichzeitig ist die Aufführung dekorativer Werke oder Handlung Kompositionen zu den Klängen der großen Lyrik Musik schafft eine emotionale Stimmung und Kinder sind erfolgreicher bei der Erfüllung der Aufgabe. Auf der ein integriertes während des Unterrichts verhalten sich die Kinder entspannt und ungehemmt. Wenn sie beispielsweise eine gemeinsame Zeichnung durchführen, fragen sie, wer und wie zeichnet. Wenn sie ein Lied inszenieren wollen, dann stimmen sie ihr Handeln zunächst selbst ab, sie weisen selbst Rollen zu. Bei dekorativen und angewandten Tätigkeiten (Weben von Teppichen, Bemalen von Steingut) Sie können russische Volksmelodien im Gramm der Aufnahme verwenden, was bei Kindern gute Laune macht, sie zum Mitsummen bekannter Melodien bringt.

Einstufung komplexer Unterricht.

1 Nach Inhalt Komplex Der Unterricht kann variiert werden und wird in verschiedenen Optionen: * separate Unterrichtsblöcke, um Kinder in die Welt der Kunst einzuführen (musikalisch und visuell) ; * Aktivitätenblöcke, gruppiert nach den interessantesten für Kinder Themen: "Zoo", "Lieblingsgeschichten"; * Unterrichtsblöcke, um Kinder an die Arbeit von Schriftstellern heranzuführen, Musiker, Künstler und ihre Werke; * Unterrichtsblöcke, die auf der Arbeit basieren, um die Kinder mit der Welt um sie herum, mit der Natur, vertraut zu machen; * ein Block von Klassen zum Kennenlernen der Volkskunst; * Unterrichtsblock zu Moral und Emotion Bildung... 2. Struktur Komplex Klassen hängt vom Alter des Kindes ab, von der Ansammlung von sensorischen Erfahrung: von der Live-Beobachtung über das Betrachten von Bildern bis hin zu Wahrnehmung des Bildes in Versen, Musik... * 3-4 Jahre - Live-Beobachtung eines Objekts oder Phänomens sowie eine anschauliche Illustration davon. * 4-5 Jahre alt - eine helle Illustration oder Malerei, ein kleines literarisches Werk. * 5-6 Jahre alt - ein literarisches Werk plus mehrere Reproduktionen, die es ermöglichen, Ausdrucksmittel hervorzuheben; Musical Stück oder Lied (als Hintergrund oder als eigenständiger Teil des Unterrichts)... * 6-7 Jahre alt - Artwork plus 2-3 Reproduktionen (entweder eine ähnliche oder eine andere Landschaft darstellend) oder eine Beschreibung eines Objekts oder Phänomens in Gedichten (Vergleich, Vergleich); musikalische Komposition(im Vergleich, was? passt zu einer Reproduktion oder einem Gedicht). 3. Komplex Klassen werden entsprechend der Bedeutung der Typen in zwei Typen unterteilt Künste: dominanter Typ, wenn eine Kunstform dominiert und der Rest im Hintergrund zu erscheinen scheint, zum Beispiel ein Gedicht über die Natur und Musik helfen, das Bild, seine Stimmung zu verstehen)

gleichwertiger Typ, wenn sich jeder Teil der Lektion gegenseitig ergänzt.

4. Komplex Klassen können in Kombination variieren Musical, feine, künstlerische Arbeiten.

Option 1. Sequentielle Aufnahme von Werken verschiedener Kunstgattungen. Ziel: um die Wirkung von Kunst auf die Emotionen von Kindern zu verstärken. Struktur: Hören Musikstück; Kommunikation von Lehrern und Kindern über den Charakter Musikstück; Betrachten eines Gemäldes; Kommunikation zwischen Lehrern und Kindern über die Natur des Gemäldes; Hören eines literarischen Werkes; Kommunikation zwischen Lehrern und Kindern über das Wesen eines literarischen Werkes; Ähnlichkeitsvergleich Musical, bildnerische und literarische Werke je nach der in ihnen ausgedrückten emotionalen Stimmung, der Art des künstlerischen Vorbilds.

Option 2. Paarweise Einbeziehung von Werken verschiedener Kunstgattungen. Struktur: mehrere anhören musikalische Werke; Meinungsaustausch zwischen Lehrer und Kindern, Vergleich von Ähnlichkeiten und Unterschieden musikalische Werke; Betrachten mehrerer Gemälde; Vergleich der Ähnlichkeiten und Unterschiede von Gemälden; Hören mehrerer literarischer Werke; Vergleich der Gemeinsamkeiten und Unterschiede von Werken nach Charakter, Stimmung; Vergleich von ähnlich in emotionaler Stimmung Musical, malerische und literarische Werke.

Option 3. Gleichzeitige Aufnahme in Wahrnehmung verschiedene Arten von Kunst. Ziel: Harmonie zeigen Musik, Malerei und Literatur. Struktur: Geräusche Musical Arbeit und vor seinem Hintergrund Erzieher liest ein literarisches Werk; Erzieher zeigt ein Gemälde und bietet Kindern mehrere an Musical Werke oder literarisch und wählen Sie nur eines aus, das mit dem gegebenen Gemälde übereinstimmt; man klingt Musical das werk und die kinder wählen dazu aus mehreren gemälden oder literarischen werken ein stimmungsvolles aus.

Option 4. Aufnahme kontrastierender Werke verschiedener Kunstgattungen. Ziel: Wertbeziehungen zu bilden. Struktur: Hören von literarischen Werken mit kontrastierendem Klang; Meinungsaustausch zwischen Lehrer und Kindern über ihre Unterschiede; Betrachten von Gemälden mit Kontrast in Farbe, Stimmung; Meinungsaustausch des Lehrers und der Kinder über ihre Differenzen; Hören von literarischen Werken gegensätzlicher Stimmung; Meinungsaustausch zwischen Lehrer und Kindern über ihre Unterschiede; Wahrnehmung sich ähneln Musical, literarische und bildnerische Werke; Meinungsaustausch zwischen Lehrer und Kindern über ihre Gemeinsamkeiten.

Um zu verbringen Komplex die Lektion ist notwendig, um die Kunstwerke richtig auszuwählen (Literatur, Musik, Gemälde): * Zugänglichkeit von Kunstwerken zum Verständnis der Kinder (verlasse dich auf die Erfahrung der Kinder); * der Realismus von Werken der Belletristik, Malerei; * Attraktivität für Kinder, wenn möglich, sollten Sie Werke auswählen, die eine interessante Handlung haben, die eine Reaktion in der Seele des Kindes hervorruft.

Fazit.

Beliebig Musical Der Unterricht soll Spuren in der Seele des Kindes hinterlassen. Kinder Musik durch Spielen wahrnehmen, Bewegung, Zeichnung. Komplexe Musen-berechneter Unterricht hilft, Gedächtnis, Vorstellungskraft, Sprache und allgemeine motorische Fähigkeiten zu entwickeln. Kreativ ein Ansatz Unterricht zu leiten trägt dazu bei, eine positive Erfahrung in der Ausbildung zu schaffen die Weltwahrnehmung des Kindes... Hören musikalische Werke, Singen, Rhythmus, Weiterspielen Musical Tools sind die effektivsten Methoden, um ein Kind an Musik.

Im Gange Komplex Aktivitäten Kinder alleine und manchmal mit Hilfe Erzieher(besonders in jüngeren und mittleren Gruppen) lernen, mit künstlerischen und ausdrucksstarken Mitteln aller Kunstrichtungen ein Konzept zu vermitteln.

Ihre frühen künstlerischen Erfahrungen verhelfen ihnen zu einem ausdrucksstarken Bild. (Musical, poetisch, bildhaft).

Gemeinsames Handeln eines Lehrers mit Kindern, Kommunikation mit Gleichaltrigen schaffen die notwendigen Voraussetzungen für die Bildung und Entwicklung kreativer Fähigkeiten.

Müssen zur Sprache bringen und das Kind entwickeln, damit es in Zukunft etwas Neues schaffen kann, ein kreativer Mensch wird. Es ist oft zu spät, um Kreativität bei einem Kind zu entwickeln, da vieles viel früher festgelegt wird. "Wir kommen alle aus der Kindheit ..." Diese wunderbaren Worte von Antoine Saint-Exupéry könnten eine Art Inschrift für die Arbeit von Kinderpsychologen sein, die sich bemühen, zu verstehen, wie ein Mensch am Anfang seines Lebens fühlt, denkt, sich erinnert und erschafft. In der Vorschulkindheit bestimmt das, was unser Leben maßgeblich bestimmt "Erwachsene" Bestimmung.

Literatur.

Vetlugina N.A., Keneman A.V. Theorie und Methodik Musikunterricht im Kindergarten... Dzerzhinskaya I. L. Musikalische Ausbildung jüngere Vorschulkinder. Vygotsky L. S. Vorstellungskraft und Kreativität in der Kindheit. Chudnovsky V. E. Erziehung Fähigkeiten und Persönlichkeitsbildung. Chumicheva R. M. Vorschulkinder über Malerei. Bogoyavlenskaya D. B. Zum Thema und zur Methode der Erforschung kreativer Fähigkeiten. Sazhina S. D. Technologie integrierter Klassen in vorschulischen Bildungseinrichtungen.

Das Lehrbuch legt die Grundlagen der Theorie der Musikpädagogik dar, die in allgemeinbildenden Einrichtungen durchgeführt wird. Die Theorie der Musikpädagogik wird als akademisches Fach betrachtet, das die Essenz dieses pädagogischen Wissenschaftsgebietes offenbart. Besonderes Augenmerk wird auf die Musikkunst im Bildungsprozess, die Persönlichkeit des Kindes im Musikbildungssystem, die Hauptbestandteile der Musikpädagogik, die Persönlichkeit und Tätigkeit eines Musiklehrers gelegt. Alle Abschnitte des Handbuchs werden in Verbindung mit pädagogischen Aufgaben und einer Liste empfohlener Literatur für die Studierenden vorgestellt, um ihr berufliches Denken zu entwickeln, eine persönliche Position zu bilden und eine kreative Einstellung zu den untersuchten Problemen zu entwickeln. Das Lehrbuch richtet sich an Studierende, Doktoranden, Musiklehrer, Musiklehrer im System der Zusatzausbildung, Lehrerinnen und Lehrer musikpädagogischer Berufsoberschulen und -Sekundarschulen, an alle, die sich für die Problematik der Musikpädagogik interessieren. 2. Auflage, überarbeitet und erweitert.

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Das gegebene Einführungsfragment des Buches Theorie der Musikpädagogik (E. B. Abdullin, 2013) bereitgestellt von unserem Buchpartner - Liters Company.

Kapitel 4. Zweck, Ziele und Grundsätze der Musikausbildung

Ebenso wie Literatur und bildende Kunst durchdringt die Musik entscheidend alle Bereiche der Erziehung und Bildung unserer Schulkinder und ist ein kraftvolles und unersetzliches Mittel zur Gestaltung ihrer geistigen Welt.

D. B. Kabalewsky

Musikalische Bildung, einschließlich des Musikunterrichts, kann in Form eines bestimmten Strukturen, bestehend aus folgendem Komponenten: Zweck, Ziele, Grundsätze, Inhalte, Methoden und Formen.

4.1. Der Zweck und die Ziele der Musikausbildung

Das Ziel der Musikausbildung

In der modernen Pädagogik gilt als Ziel der Musikpädagogik: die Bildung, Entwicklung der Musikkultur der Schüler als Teil ihrer allgemeinen spirituellen Kultur.

Konzept Musikkultur der Schüler extrem voluminös und kann unterschiedlich interpretiert werden. Dies stellt DB Kabalewsky inhaltlich an erster Stelle: „... die Fähigkeit, Musik als lebendige, figurative Kunst wahrzunehmen, die aus dem Leben geboren und untrennbar mit dem Leben verbunden ist, ist ein „besonderes Empfinden“ von Musik Das ist die Fähigkeit, das Wesen der Musik nach dem Gehör zu bestimmen und die innere Verbindung zwischen dem Wesen der Musik und der Art ihrer Darbietung zu spüren, dies ist die Fähigkeit, den Autor unbekannter Musik nach Gehör identifizieren, wenn es für diesen Autor charakteristisch ist, seine Werke, mit denen Studenten bereits vertraut sind ... " ... So betont D. B. Kabalevsky die Bedeutung der musikalischen Bildung im weitesten Sinne als Grundlage, ohne die keine Musikkultur entstehen kann. Auch die Entwicklung des darstellenden, schöpferischen Prinzips bei Kindern ist aus seiner Sicht wichtig.

Diese Herangehensweise an die Ziele der allgemeinen Musikpädagogik wird von fast allen einheimischen Musiklehrern anerkannt. Jeder der Autoren der Konzepte der allgemeinen Musikpädagogik legt dieses Konzept jedoch auf seine Weise offen und hebt bestimmte Aspekte darin hervor.

So baut DB Kabalewsky selbst ein integrales System der Bildung und Entwicklung der Musikkultur der Studierenden auf der Grundlage einer immer vollständigeren Offenlegung so wesentlicher Eigenschaften der Musikkunst wie Intonation, Gattung, Stil, musikalisches Bild und Musikdrama in ihren Verbindung mit dem Leben, andere Arten von Kunst, Geschichte. Gleichzeitig wird vorgeschlagen, den Prozess des Erlernens von Musik zu beginnen, der sich auf drei Genres stützt: Gesang, Tanz und Marsch, da die bereits vorhandene Erfahrung der Kommunikation mit diesen Genres es den Kindern ermöglicht, zu Verallgemeinerungen zu gelangen, die zur Bildung des Fähigkeiten, bewusst zu hören, aufzutreten, Musik zu komponieren und darüber nachzudenken.

Die Deutung des musikpädagogischen Ziels – der Bildung der musikalischen Kultur der Schülerpersönlichkeit – erfolgt von D. B. Kabalevsky in seinem Konzept durch das Prisma folgender Zielsetzungen:

Eine ausgeprägte Bildungsorientierung, die zur Entwicklung einer primär interessierten, emotionalen, wertschätzenden, künstlerischen und ästhetischen Haltung zur Musik, des musikalischen Denkens, des musikästhetischen Geschmacks, der musikalischen und gestalterischen Fähigkeiten, Fertigkeiten und Fähigkeiten beiträgt;

Vertrauen auf das musikalische Welterbe - den "goldenen Fundus" musikalischer Werke verschiedener Formen, Genres, Stile;

Glaube an die verwandelnde Kraft der Musik, an die Möglichkeit, mit Hilfe geschickter und weiser pädagogischer Anleitung, die wohltuende Wirkung der Kunst vor allem auf die emotionale Wertsphäre der Persönlichkeit des Schülers;

Entwicklung des musikalischen Denkens von Kindern, ihres kreativen Potenzials beim Musikhören, Spielen und Komponieren.

V. V. Medushevsky betont in seinem Konzept "Geistliche und moralische Erziehung durch musikalische Kunst" die Notwendigkeit, die musikalische Erziehung der Kinder wiederzubeleben auf religiöser Grundlage und sogar "die Erklärung der weltlichen Musik" schlägt vor, "in spirituellen Kategorien" durchzuführen.

In L. V. Shaminas Konzept wird Musik auch als "ein wirksames Mittel zur Erziehung des Geistes" anerkannt. Aber im Gegensatz zu V. V. Medushevsky stellt der Autor vor ethnographisches Paradigma der Schulmusikpädagogik, bieten an, den Weg vom Verständnis der ethnographischen Kultur ihres Volkes zur "Musik der Welt" zu gehen.

Nach dem Konzept von L.A. Vengrus ist Singen ein Mittel, um Schulkinder an die Musikkultur heranzuführen. Der Autor fordert die Umsetzung der Reform der Musikausbildung durch die Einführung einer musikalischen Universalausbildung, die die Umsetzung der "musikalischen Bildung und Erziehung" impliziert nach der Methode des anfänglichen intensiven Chorgesangs".

Die musikalische Kultur des Kindes manifestiert sich in seiner musikalischen Erziehung und Ausbildung.

Musikalische Ausbildung setzt in erster Linie eine emotionale und ästhetische Reaktion auf hochkünstlerische Werke der Volks-, Klassik und Moderne voraus, die Notwendigkeit, mit ihnen zu kommunizieren, die Bildung einer Reihe von musikalischen Interessen und Vorlieben.

Ausgebildete Musikpädagogik äußert sich vor allem in den Kenntnissen über Musik und über Musik, in musikalischen Fähigkeiten und Fertigkeiten, in der Breite und Tiefe des Erlebens der emotionalen Werthaltung der Studierenden zur Musik sowie der Erfahrung musikalischer und gestalterischer Tätigkeit.

Musikalische Erziehung und musikpädagogische Ausbildung sind untrennbar miteinander verbunden, und die Grundlage ihrer Einheit ist die Besonderheit der Musikkunst, ihr intonatorisch-figurativer Charakter. Die einem Kind genetisch innewohnende Musikalität und deren Entwicklung im Prozess einer zielgerichteten Erziehung und Ausbildung sind die Grundlage für die erfolgreiche Gestaltung seiner Musikkultur.

LV Shkolyar, der die musikalische Kultur von Schulkindern charakterisiert, betont, dass „die Ausbildung eines Kindes, eines Schulkindes als Schöpfer, als Künstler (und dies ist die Entwicklung der spirituellen Kultur) ohne die Entwicklung grundlegender Fähigkeiten – der Kunst des Hören, die Kunst des Sehens, die Kunst des Fühlens, die Kunst des Denkens…“. Die Autorin identifiziert drei Komponenten der Musikkultur: die musikalische Erfahrung von Schulkindern, ihre musikalische Bildung und ihre musikalische und kreative Entwicklung.

Der litauische Musiklehrer A. A. Piliciauskas, der das Problem der Musikkultur von Schulkindern untersucht, schlägt vor, es als ein Bedürfnis nach musikalischer Aktivität zu betrachten, das auf der Grundlage einschlägiger Kenntnisse, Fähigkeiten und Fähigkeiten entsteht. Gleichzeitig betont der Wissenschaftler, dass ein Schüler, der einen bestimmten Lehrplan aufnimmt, sich oft von den angebotenen Werten abwendet und seine eigenen findet, die im Unterricht praktisch nicht erwähnt werden. Es gibt einen Gegensatz zwischen akademischer Musik, auf die sich der Lehrer konzentriert, und „alternativer Musik“ (der Begriff von AA Piliciauskas, was in der Pädagogik die Diskrepanz zwischen den musikalischen Vorlieben von Lehrer und Schüler bedeutet), die in der Regel nicht Ton im Klassenzimmer. Die Aufhebung dieses Widerspruchs ist eine notwendige Bedingung für die Bildung der musikalischen Kultur der Studierenden.

Das in unserem Land bestehende System der Musikausbildung bietet die folgenden notwendigen Voraussetzungen für die Entwicklung der Musikkultur der Schüler:

obligatorischer Musikunterricht in allgemeinbildenden Einrichtungen;

Erstellung von erweiterten Systeme der musikalischen Zusatzausbildung, realisiert in außerschulischer und außerschulischer Musikarbeit, an der sich jeder beteiligen kann;

Ausbildung von Musiklehrern im System der Fachhochschul- und Sekundarschulbildung;

Möglichkeiten für Musiklehrer bieten, ihr professionelles Niveau zu verbessern im System der postgradualen Ausbildung;

Schaffung pädagogische und methodische Basis.

Das einem bestimmten Konzept innewohnende Ziel der Musikpädagogik bestimmt die Ausrichtung aller Komponenten der Musikpädagogik: Aufgaben, Prinzipien, Inhalte, Methoden und Formen.

Die Hauptaufgaben der Musikpädagogik

Die Hauptaufgaben der Musikpädagogik wirken als engste pädagogische Interpretation ihres Ziels und zielen in ihrer Gesamtheit auf die musikalische Bildung, Ausbildung und Entwicklung des Kindes.

Diese Aufgaben können umfassen:

Die Entwicklung einer Gefühlskultur, künstlerischer Empathie, eines Sinns für Musik, Liebe dazu bei Kindern; kreative emotionale und ästhetische Reaktion auf Kunstwerke:

Bekanntschaft der Studierenden mit Volks-, Klassik- und Modernemusik, vor allem mit den Meisterwerken der Musikkunst in ihrer ganzen Vielfalt ihrer Formen und Gattungen: pädagogische Begleitung des Prozesses der Aneignung von Musikwissen in ihrer spirituellen Verbindung mit dem Leben;

Entwicklung von musikalischen und kreativen Fähigkeiten, Fertigkeiten und Fähigkeiten bei den Schülern in den Bereichen Hören, Aufführen und „Komponieren“;

Ausbildung bei Studenten des musikalischen und ästhetischen Empfindens, der Wahrnehmung, des Bewusstseins, des Geschmacks;

Entwicklung des Kommunikationsbedürfnisses mit hochkünstlerischer Musik;

Kunsttherapeutische Beeinflussung der Schüler durch Musik:

Gezielte Vorbereitung der Studierenden auf die Durchführung des musikalischen Selbststudiums;

Ein Kind dabei unterstützen, sich im Prozess der Kommunikation mit Musik seiner selbst als Person bewusst zu werden.

Je nachdem, welche dieser und andere Aufgaben in einem bestimmten Konzept der Musikpädagogik, einem bestimmten Curriculum priorisiert werden, erhält das Ziel der Musikpädagogik eine bestimmte Richtung. Dies kennzeichnet zunächst den Stand der modernen häuslichen Musikausbildung, die sich durch verschiedene Wege zur Erreichung ihres ursprünglichen Ziels auszeichnet.

4.2. Prinzipien der Musikpädagogik

Die wichtigste Komponente der Musikpädagogik sind die Prinzipien, die als Ausgangspunkte betrachtet werden, die das Wesen der Ziele und Zielsetzungen der Musikpädagogik, die Art ihrer Inhalte und Prozesse offenbaren.

Die Prinzipien der Musikausbildung Staat Position eines Musiklehrers in folgenden Bereichen.

1. Humanistische, ästhetische, moralische Orientierungen der Musikpädagogik sind in folgenden Grundsätzen verankert:

Aufzeigen der vielfältigen Verbindungen der Musikkunst mit dem spirituellen Leben;

Offenlegung des ästhetischen Wertes von Musik;

Anerkennung der einzigartigen Möglichkeiten der Musik für die ästhetische, moralische und künstlerische Entwicklung des Kindes;

Studium der Musikkunst im allgemeinen historischen Kontext und in Bezug auf andere Kunstgattungen;

Fokus auf hochkünstlerische Samples (Meisterwerke) der Musikkunst;

Anerkennung des Eigenwertes der Persönlichkeit des Kindes in seiner Kommunikation mit der Kunst.

2. Die musikwissenschaftliche Ausrichtung der Musikpädagogik manifestiert sich in folgenden Grundsätzen:

Studium der Musikkunst durch Studierende auf der Grundlage der Einheit von Volksmusik, akademischer (klassischer und moderner), spiritueller (religiöser) Musik;

Abhängigkeit von Intonation, Genre, Stilansätzen im Musikstudium:

Den Schülern den Prozess des Hörens, Aufführens und Komponierens von Musik als Möglichkeiten des persönlichen "Lebens" in der Musikkunst aufzuzeigen.

3. Die musikalische und psychologische Ausrichtung der Musikpädagogik ist in folgenden Grundsätzen verankert:

Im Mittelpunkt des musikpädagogischen Prozesses steht die Persönlichkeitsentwicklung des Schülers, seine musikalischen Fähigkeiten;

Mastering-Orientierung durch Studierende unterschiedlicher musikalischer Betätigungsfelder;

Vertrauen auf die Einheit der Entwicklung intuitiver und bewusster Prinzipien in der Musikausbildung;

Anerkennung der musikalischen Kreativität in ihren vielfältigen Erscheinungsformen als einer der wichtigsten Impulse für die kindliche Entwicklung:

Realisierung kunsttherapeutischer Möglichkeiten der Musik in der Musikpädagogik.

4. Die pädagogische Ausrichtung der Musikpädagogik manifestiert sich in folgenden Grundsätzen:

Die Einheit der musikalischen Bildung, Ausbildung und Entwicklung der Schüler;

Faszination, Konsequenz, Konsequenz, wissenschaftlicher Ansatz bei der Gestaltung des Musikunterrichts;

Dialektisches Verhältnis von musikalischen und pädagogischen Zielen und Mitteln;

Angleichung der Natur des Musikstudiums an den musikalischen und kreativen Prozess.

Die Gesamtheit und Komplementarität der oben genannten Prinzipien der Musikausbildung bietet ganzheitlicher Ansatz zur inhaltlichen und organisatorischen Gestaltung.

In den letzten Jahrzehnten hat das Problem der Identifizierung und Entwicklung musikpädagogischer Prinzipien eine besondere Bedeutung erlangt. Dieses Problem wird von vielen in- und ausländischen Musiklehrern angegangen. Darüber hinaus bietet jeder Autor bzw. jede Autorengruppe, die an der inhaltlichen Definition der allgemeinen Musikpädagogik arbeitet, eigene Grundsätze.

Im musikalisch-pädagogischen Konzept von D. B. Kabalevsky sind folgende Grundsätze von grundlegender Bedeutung:

Ausrichtung auf die Förderung des kindlichen Interesses am Musikunterricht, nach denen sie auf der Entwicklung der emotionalen Wahrnehmung von Musik bei Schülern, der persönlichen Einstellung zu den Phänomenen der musikalischen Kunst, der Einbeziehung der Schüler in den Prozess des künstlerisch-figurativen Musizierens und der Anregung ihrer musikalischen und gestalterischen Selbstentfaltung beruhen ;

Ausrichtung des Musikunterrichts auf die geistige Entwicklung der Persönlichkeit der Schüler, in denen die Inhalte der Musikausbildung vor allem auf ihre moralische, ästhetische Entwicklung, auf die Bildung der musikalischen Kultur der Schüler als wichtigen und integralen Bestandteil ihrer gesamten spirituellen Kultur ausgerichtet sind: die Verbindung von Musik und Leben im Prozess der Musikausbildung, erfolgt in erster Linie bei der Offenlegung des Inhalts von Bildungsthemen, bei der Auswahl des musikalischen Materials und der Methoden seiner Präsentation;

Einführung der Studenten in die Welt der großen Musikkunst - Klassik, Folk, Moderne, die die Vielfalt ihrer Formen, Genres und Stile abdeckt: thematischer Aufbau des Programms, eine gezielte und konsequente Offenlegung von Genre, Intonation, Stilmerkmalen der Musik, ihrer Verbindung mit anderen Kunst- und Lebensformen voraussetzt: Gemeinsamkeiten und Unterschiede erkennen auf allen Ebenen der Organisation von Musikmaterial und bei allen Arten von Musikaktivitäten;

Interpretation musikalischer Bildung im weitesten Sinne des Wortes, in den Inhalt dieses Konzepts nicht nur die elementare musikalische Notation, sondern im Grunde die gesamte Musikkultur einbeziehen;

Verständnis der Wahrnehmung von Musik als Grundlage für alle Arten musikalischer Betätigung und Musikausbildung im Allgemeinen;

Ausrichtung des Musikunterrichts auf die Entwicklung der Kreativität des Kindes, die beim Komponieren, Aufführen und Hören durchgeführt werden müssen.

In den Werken von L.V. Goryunova werden zwei Prinzipien vorgeschlagen:

das Prinzip der Integrität, die sich auf verschiedenen Ebenen manifestiert: im Verhältnis des Teils und des Ganzen in der Musik und im pädagogischen Prozess; im Verhältnis von Bewusstem und Unterbewusstem, Emotionalem und Rationalem; bei der Bildung der spirituellen Kultur eines Kindes usw .;

das Prinzip der Bildsprache, basierend auf der konkret-sinnlichen, figurativen Aneignung der Realität, die dem Kind innewohnt und es durch das figurative Weltbild zu Verallgemeinerungen führt.

Musikunterricht in der Schule als lebendige figurative Kunst;

das Kind zum philosophischen und ästhetischen Wesen der Kunst erziehen(Problematisierung der Inhalte der Musikausbildung);

Eindringen in das Wesen der Kunst und ihre Gesetze;

Modellierung des künstlerischen und kreativen Prozesses; aktive Entwicklung der Kunst.

Begeisterung;

die Dreifaltigkeit der Tätigkeit Komponist-Interpret-Hörer; Identität und Kontrast;

Intonation;

Vertrauen in die russische Musikkultur.

Im Musikprogramm von T. I. Baklanova, das im Rahmen des Sets "Planet of Knowledge" entwickelt wurde, werden die folgenden Einheitsprinzipien vorgetragen:

Wertprioritäten;

Didaktische Ansätze;

Der Aufbau von Lehr- und Arbeitsbüchern für alle Jahrgangsstufen;

Durch Linien, typische Aufgaben;

Navigationssystem.

Hinzu kommen der Grundsatz der Aufgabenwahl, der Tätigkeitsart und des Partners sowie der Grundsatz der differenzierten Ausbildung.

Abschließend zitieren wir die Worte zweier berühmter amerikanischer Musiklehrer - Forscher C. Leonhard und R. House, die sich an Musiklehrer über die Notwendigkeit richteten, die Prinzipien der Musikpädagogik in ihrer Entwicklung zu berücksichtigen und mit ihrer eigenen praktischen Erfahrung zu korrelieren: "To Fehler zu vermeiden, sollten die Grundlagen der Prinzipien einer doppelten Überprüfung unterzogen werden, ausgehend davon, dass man keine Glaubensdaten übernehmen sollte, die der eigenen Erfahrung widersprechen, auch wenn sie aus einer maßgeblichen Quelle stammen.“

Fragen und Aufgaben

1. Beschreiben Sie die Musikkultur des Schülers als Ziel der Musikausbildung.

2. In welcher Hierarchie würden Sie die Aufgaben der Musikpädagogik aufbauen und ihr Ziel konkretisieren?

3. Nennen Sie anhand des untersuchten Materials eines der Ihrer Meinung nach wichtigsten Prinzipien der Musikpädagogik mit Schwerpunkt auf deren philosophischer, musikwissenschaftlicher, psychologischer und musikpädagogischer Ausrichtung.

4. Wie Sie die folgende Aussage des deutschen Musiker-Forschers T. Adorno verstehen:

Der Zweck der Ausbildung sollte darin bestehen, die Schüler mit der Sprache der Musik und ihren wichtigsten Beispielen vertraut zu machen. „Nur ... durch eine genaue Kenntnis der Werke, und nicht mit sich selbst zufrieden zu sein, kann die Musikpädagogik ihre Funktion erfüllen.

(Adorno T. Dissonanzen. 4-te Auful. - Göttingen, 1969. - S. 102.)

5. Kommentar zu den Ansätzen zur Charakterisierung der Prinzipien der Musikpädagogik, die von den amerikanischen Musiklehrern Charles Leonhard und R. House formuliert wurden:

Prinzipien nehmen einen strategischen Platz in der Musikpädagogik ein: Sie sind Handlungsregeln, die auf relevantem Wissen basieren ... Die Prinzipien der Musikpädagogik müssen ständig verbessert werden ... Die Grundlagen der Prinzipien sollten neu überprüft werden, ausgehend davon, dass man keine Glaubensdaten übernehmen, die der eigenen Erfahrung widersprechen, auch wenn sie aus einer maßgeblichen Quelle stammen ... Nicht alle Prinzipien sind von derselben Art. Manche decken einen weiten Bereich ab, andere dienen nur als Ergänzung ... Die Zahl und Vielfalt der Prinzipien ist unendlich, das heißt Systematisierung ist notwendig ... Wenn die Grundprinzipien der Arbeit eines Musiklehrers durch besonderes Studium und gründliches Denken bewusst etabliert werden , wenn sie seine wahren Überzeugungen zum Ausdruck bringen, decken sie jeden Aspekt seiner Arbeit ab - das bedeutet, dass er sein eigenes Betriebsprogramm hat.

(Leonhard Ch., House R. Foundations and Principles of Music Education. -N.Y., 1959. -S. 63-64.)

6. Beschreiben Sie das Prinzip der "Erziehung eines Kindes zum philosophischen und ästhetischen Wesen der Kunst (Problematisierung des Inhalts der Musikausbildung), das in dem unter der Leitung von LV Shkolyar entwickelten Programm umgesetzt wurde, nachdem Sie den Abschnitt gelesen haben" Musikunterricht nach den Prinzipien Bildung "in der Schule" zu entwickeln.

Das Wichtigste

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Die allgemeine musikalische, persönliche und berufliche Entwicklung der Musikerinnen und Musiker vollzieht sich also nur im Lernprozess. Ist es möglich, die Bewusstseinssphäre des Musikers, seinen Willen, seine Emotionen und Gefühle, den Komplex seiner besonderen Fähigkeiten (Hören, Rhythmusgefühl, Gedächtnis) unter Umgehung des Trainings in der einen oder anderen Form zu beeinflussen? Hier, wie in allen privaten Zweigen der Pädagogik, bleibt „die Richtschnur des Handelns die unerschütterliche Wahrheit, dass die Aufgabe der Entwicklung erfüllt ist ... LV Zankow).

Daher sollte nach Lösungswegen für die persönliche und berufliche Entwicklung eines Musikerschülers gesucht werden, nicht um den Lernprozess herum, nicht außerhalb, sondern im Gegenteil, innerhalb des Lernprozesses. in einer solchen Organisation, die mit hohen Entwicklungsergebnissen versehen wäre. Da feststeht, dass sich der Mensch in jedem Beruf durch Lernen und sonst nichts entwickelt, stellt sich das betrachtete Problem im Wesentlichen wie folgt: Wie, wie sollte der Musikunterricht und insbesondere die musikalische Darbietung gestaltet sein, um für die Entwicklung des Schülers am erfolgversprechendsten zu werden? Dies wirft die Frage nach bestimmten musikalischen und pädagogischen Prinzipien auf, die als Grundlage, Grundlage dieser Art von Bildung dienen sollen. Die Praxis zeigt: Bei der einen Fallorganisation kann der Koeffizient der entwicklungsfördernden Wirkung des Musikunterrichts deutlich ansteigen, bei einer anderen ebenso deutlich sinken. Es ist in solchen Fällen - insbesondere in der Pädagogik im Bereich der Künste - üblich, vor allem auf die Persönlichkeit des Lehrers, auf seine individuellen Eigenschaften und Eigenschaften, Gelehrsamkeit, geistige Ausstattung usw. Unterdessen verbirgt sich hinter dem Äußeren am häufigsten das Innere, hinter den persönlich charakteristischen Zeichen des Auftretens eines bestimmten Lehrers - ein System von Prinzipien und Einstellungen, das in pädagogischen Aktivitäten umgesetzt wird.

Die Frage nach musikpädagogischen Prinzipien, die darauf abzielen, maximaler Entwicklungseffekt im Training, - im Wesentlichen zentral, gipfelnd in dem betrachteten Problem.

Lassen Sie uns die musikpädagogischen Grundprinzipien aufzählen, die zusammengenommen, systematisch organisiert, eine recht solide Grundlage für die entwicklungspolitische Bildung im Musikunterricht, im Musikunterricht allgemein bilden können.

1. Zunahme des Materialeinsatzes in Lehre und pädagogischer Praxis, Erweiterung des Repertoires der Studierenden im Musikunterricht durch den Bezug auf möglichst viele Werke, ein breiteres Spektrum künstlerischer und stilistischer Phänomene; im musikalischen Spiel vieles zu beherrschen, im Gegensatz zur Konzentration auf das Wenige, die in einem breiten musikalischen und pädagogischen Leben üblich ist - dies ist das erste der genannten Prinzipien, das erste in seiner Bedeutung für das allgemeine musikalische, persönliche und berufliche Entwicklung eines Studenten, der sein berufliches Bewusstsein, seine musikalische und intellektuelle Erfahrung bereichert. Denn die Menge des vom Studierenden beherrschten und verarbeiteten Materials (musikalische Werke, theoretische und musikwissenschaftliche Informationen) wird in den meisten Fällen in die Qualität künstlerischer und intellektueller Tätigkeit umgewandelt; hier kommt eines der Grundgesetze der Dialektik in vollem Umfang zur Geltung.

Und umgekehrt: Das Defizit an Unterrichtsstoff im Musik- und Darbietungsunterricht wirkt sich spürbar auf das Qualitätsniveau des künstlerischen und geistigen (und sonstigen) Handelns der Studierenden aus.

2. Beschleunigung des Bestehens eines bestimmten Teils des Unterrichtsmaterials, Verweigerung überlanger Arbeitszeiten in der Aufführungsklasse musikalischer Werke, die Ausrichtung auf die Beherrschung der notwendigen spieltechnischen Fähigkeiten und Fertigkeiten in kurzer Zeit - dies ist das zweite Prinzip, das durch das erste bedingt ist und mit ihm in unauflöslicher Einheit koexistiert. Die Umsetzung dieses Prinzips, ein ständiges und schnelles Einfließen verschiedener Informationen in den musikalischen Bildungsprozess, ebnet auch den Weg, um das Problem der allgemeinen musikalischen Entwicklung eines Schülers zu lösen, seinen beruflichen Horizont zu erweitern und das Arsenal an Wissen zu bereichern.

3. Der dritte Grundsatz betrifft unmittelbar die Unterrichtsinhalte in der Musikdarbietungsklasse sowie die Formen und Methoden ihrer Durchführung. Erhöhung des Maßes der theoretischen Leistungsfähigkeit von Musikaufführungsklassen, d.h. Ablehnung des "narrow-shop", rein pragmatische Interpretation dieser Aktivitäten; während des Unterrichts ein möglichst breites Spektrum an Informationen musiktheoretischer und musikhistorischer Natur zu nutzen, Stärkung der kognitiven Komponente und damit allgemeine Intellektualisierung des Unterrichts in der musizierenden Klasse; die Anreicherung des Bewusstseins des Musikinstrumentenspielers mit erweiterten Ideen- und Begriffssystemen, die mit dem spezifischen Material des Aufführungsrepertoires verbunden sind - all dies spiegelt die Essenz des genannten Prinzips wider.

Dem Gesagten ist hinzuzufügen, dass man im Musikunterricht verschiedene Phänomene, Muster und Sachverhalte nicht isoliert, nicht wie in der Praxis oft einzeln, sondern ganzheitlich in ihren inneren Zusammenhängen und Zusammenhängen lernen sollte natürliche Kombinationen ("Legierungen") miteinander. Mit anderen Worten, Kognition sollte integrativ (idealerweise transdisziplinär) sein; nur in diesem Fall wird sie dem Anspruch der Grundlagenlehre gerecht. Und je tiefer, je umfangreicher der allgemeine „Kontext“ des Lernprozesses wird, desto umfangreichere und aussagekräftigere Verallgemeinerungen der Lehrer (Pianist, Geiger, Dirigent etc.) die entwicklungsfördernde Wirkung des Unterrichts im Musikunterricht.

4. Das vierte Prinzip erfordert Abkehr von passiv-reproduktiven (imitativen) Handlungsweisen, die im studentischen Umfeld weit verbreitet sind, betont die Notwendigkeit einer solchen Arbeit mit musikalischem Material, in dem Aktivität, Selbstständigkeit und kreative Initiative studentischer Vollstrecker. Es geht darum, dem Schüler eine spezifische Freiheit und die Unabhängigkeit im Bildungsprozess - dass Freiheit und Selbständigkeit, die seinen beruflichen Fähigkeiten entspricht, dem Entwicklungsstand seiner musikalischen Intelligenz, seiner allgemeinen und besonderen Fähigkeiten entsprechen.

Für erfahrene Fachkräfte ist es kein Geheimnis, dass nur der Schüler, der über die notwendige und ausreichende Gestaltungsfreiheit verfügt, ein gewisses Wahlrecht in verschiedenen Bildungssituationen hat – zum Beispiel bei der Wahl einer interpretativen Lösung etc., produktiv handelt und sich intensiv in der persönlichen und beruflichen Entwicklung voranzutreiben P. Es kann keine positiven und ausreichend stabilen Ergebnisse geben, wenn kreative Berufe unter Bedingungen der Unfreiheit unterrichtet werden; dennoch genau die situationNicht-Freiheit viel häufiger als es sein sollte, kommt es im realen pädagogischen Einsatz vor – ob es nun von den Teilnehmern des Bildungsprozesses realisiert wird oder nicht!

Dabei ist von grundlegender Bedeutung: Die Freiheit des kognitiven Handelns und das Recht der gestalterischen Wahl sollen nicht nur jungen Musikern eingeräumt werden; dazu sollten sie gezielt ermutigt werden, indem sie in Bedingungen gebracht werden, in denen sie kreative Initiative und Eigenständigkeit zeigen müssen. "Freiheit", schrieb SI Gessen, "ist keine Tatsache, sondern ein Ziel in der praktischen Pädagogik, sie ist keine Selbstverständlichkeit, sondern eine ganz konkrete Aufgabe eines Lehrers." Damit sich ein Schüler innerlich frei, psychisch befreit usw. fühlen kann, ist manchmal – so paradox es auch erscheinen mag – Zwang notwendig, „Freiheit als Aufgabe schließt Zwang nicht aus, sondern setzt die Tatsache voraus“ 1.

Das oben Gesagte hat einen direkten Einfluss auf die Ausbildung in Musikdarbietungsklassen an weiterführenden und höheren Musikschulen.

5. Das nächste, fünfte Prinzip des entwicklungsbezogenen Lernens steht in direktem Zusammenhang mit die Einführung moderner Informationstechnologien, insbesondere Audio- und Videomaterialien, in den musikalischen Bildungsprozess. Die Realität ist, dass der Schüler mit ausschließlich traditionellen Methoden des Musikunterrichts heute nicht in der Lage ist, das gesamte erforderliche Wissen zu beherrschen. Auf Kassetten aufgenommene Tonaufnahmen sowie Computertechnologien sind heute eine der optimalen Möglichkeiten, das Wissensgepäck eines Musikstudenten schnell und vielseitig aufzufüllen, seinen künstlerischen und intellektuellen Horizont zu erweitern, die berufliche Bildung zu erweitern. Gekonnt eingesetzte moderne TCOs ermöglichen es, das einstudierte Musikmaterial an die individuellen Bedürfnisse und Wünsche der Studierenden anzupassen, „anzupassen“.

Die Relevanz des betrachteten entwicklungspädagogischen Prinzips liegt darin begründet, dass viele heute im Musikunterricht tätige Lehrkräfte „die entsprechende Methodik und „Technik“ der Arbeit nicht kennen, schlimmer noch, sie sehen keinen Änderungsbedarf ihre Praxis überhaupt. Der Fall ist die Konservativität des pädagogischen Denkens, die fachliche wie psychologische Unvorbereitetheit für Veränderungen und Modernisierungen der Unterrichtsarbeit "1.

Experten weisen darauf hin, dass die gegenwärtige Lehrmethodik fast aller Fächer ein geschlossenes und in sich schlüssiges, autarkes System von Methoden und Methoden der Bildungsarbeit ist, in dem es nicht leicht ist, Reserven für eine wesentliche Änderung der Struktur selbst zu finden des Lehrens 2. Mit anderen Worten, ein erheblicher Teil der russischen Musiklehrer, vor allem Vertreter der älteren Generation, erwies sich als nicht bereit, über die üblichen, etablierten Lehrmethoden hinauszugehen.

Daher wiederholen wir die Relevanz des betrachteten Prinzips der Entwicklung der Bildung im Musikunterricht.

6. Schließlich das sechste Prinzip, das sich nicht nur auf den Bereich der Musikpädagogik bezieht, der mit der Aufführung verschiedener Werke (Klavier, Violine, Gesang usw.) verbunden ist, sondern auch auf das gesamte professionelle System musikalische Bildung und Ausbildung. Die Essenz dieses Prinzips: einem jungen Musiker sollte das Lernen beigebracht werden, was es zu einer grundlegenden, strategischen Aufgabe macht, und je früher, desto besser. Es hängt maßgeblich vom Lehrer ab – ob sich sein Schüler in diesen Beruf verlieben wird, ob er seine „Technik“ beherrscht, ob er sich nach dem Abschluss selbstständig in seinem Beruf bewegen kann, nicht aus Gewohnheit auf den Lehrer zurückblickt , ohne auf einen Hinweis von außen zu rechnen. Wird er in der Lage sein, die Prozesse der persönlichen und beruflichen Entwicklung zu initiieren und zu regulieren, die mentalen Mechanismen der Erkenntnis und Selbsterkenntnis zu verbessern und dadurch eine hohe Bereitschaft für allerlei Überraschungen und Überraschungen sicherzustellen, die seine zukünftige berufliche Tätigkeit unweigerlich mit sich bringen wird?

Das Problem, mit dem der Lehrer heute konfrontiert ist, ist nicht nur und nicht einmal so sehr den Studenten mit besonderen Kenntnissen auszustatten, die auf die eine oder andere Weise nicht ausreichen, und nicht diese oder jene beruflichen Fähigkeiten in ihm auszubilden, die auf jeden Fall erweitert, aktualisiert, umgestaltet usw. werden müssen. Das Problem besteht darin, bei einem Absolventen einer Musikausbildungseinrichtung einen Komplex persönlicher und beruflicher Qualitäten und Eigenschaften zu entwickeln, die ihm helfen könnten, sich in ungewöhnlichen Situationen anzupassen, das Niveau zu erreichen, das für die Ausübung von „Produktions“-Aufgaben in einem ziemlich breiten Spektrum erforderlich ist, und auf dem geforderten Qualitätsniveau.

Und deshalb, bei aller Wichtigkeit spezifischer Aufgaben, "hier und jetzt" im Musikunterricht gelöst, pädagogische Haltungen, orientiert an der höhere Bildungsprioritäten, bezogen auf die "Wiederaufrüstung" des Bewusstseins der Schüler, um sie von ihren gewohnten, abhängigen Stimmungen zu befreien, die sich über die Jahre gebildet haben.

Im Schüler von gestern eine umfassend entwickelte, modern denkende Persönlichkeit zu hacken, mobil, bereit zu suchen, Risiken einzugehen, Neues und Unbekanntes zu treffen, eine Persönlichkeit, die zur Selbstbewegung, Selbstverwirklichung, zum Erfolg aus eigener Kraft aufgeladen ist - das Ist die Forderung des Lebens heute, so ist das sechste Prinzip des entwicklungsorientierten Lernens gemeint.

Studierende professioneller musikpädagogischer Einrichtungen, die im Studium die Zielgeraden betreten, sollten bereits ganz bewusst (allerdings natürlich nicht ohne Rücksprache mit einem Lehrer) einen individuell vorgezeichneten Bildungsweg unter Berücksichtigung ihrer Fähigkeiten, Naturdaten, Interessen, Bedürfnisse, berufliche Perspektiven usw. .d. Das heißt in der praktischen Umsetzung dieses Prinzips nämlich „lernen können“.

Gemäß dem sechsten Prinzip der Entwicklungspädagogik sollte der Modellierung des kreativ-heuristischen Prozesses in seinen wesentlichen attributiven Merkmalen und Merkmalen im Musikunterricht ein herausragender Platz eingeräumt werden. Ein anderer V. P. Wachterov empfahl einst nachdrücklich eine Lehrmethode, bei der ein Schüler - natürlich ausreichend auf diese Art von Aktivität vorbereitet - versucht, ein Bildungsproblem zu lösen, den Denkprozess, der für die kreative Praxis eines Wissenschaftlers oder Erfinders charakteristisch ist 1.

Natürlich meinten die Wachterows nicht die Disziplinen des künstlerischen und ästhetischen Zyklus und noch weniger den Bereich des Musikunterrichts. Aber gerade hier, in diesem Bereich, kann der Kurs, den Studenten in die Position eines Schöpfers und Entdeckers zu versetzen und gleichzeitig die Mechanismen seines kreativen Denkens, seiner kreativen Vorstellungskraft, seiner Vorstellungskraft usw Wirkung. Darüber hinaus ist es wichtig zu betonen, dass es in diesem Fall nicht auf bestimmte spezifische kreative Ergebnisse ankommt, die ein Musikschüler erzielen wird, indem er die Handlungen eines reifen Meisters simuliert und diese Handlungen als Vorbild nimmt (oder zumindest versucht, sie zu nehmen). In einer kreativ-heuristischen Situation ist der Prozess selbst wichtig, wobei die Entwicklung seiner "Technologie" und seiner inneren Struktur, in deren Rahmen die für einen zukünftigen Spezialisten notwendigen persönlichen und fachlichen Qualitäten gebildet werden, stark belastet wird 2.

Dies sind die Hauptprinzipien, auf deren Grundlage der Musikunterricht und vor allem die musikalische Darbietung wirklich ihren Charakter entwickeln können. Ihre praktische Umsetzung betrifft, wie man sieht, die Ausbildungsinhalte, stellt bestimmte Arten und Formen pädagogischer Arbeit in den Vordergrund und lässt die Methoden (Methoden) des Unterrichts nicht außer Acht. Damit müssen wir jetzt fortfahren.

1 Gessen S.I. Grundlagen der Pädagogik. Einführung in die Angewandte Philosophie. - M. 1995 .-- S. 62.

1 Gorlinsky V. I. Modernisierung des musikalischen Erziehungs- und Bildungssystems im modernen Russland: Aktuelle Probleme der Übergangszeit. - M., 1999 .-- S. 119.

2 Siehe: I. V. Grebnev Methodische Probleme der Computerisierung des Schulunterrichts // Pädagogik. - 1994. - Nr. 5. - S. 47.

1 Im Ausland spricht man heute oft von der besonderen Rolle eines Lehrers, der weniger lehrt und lehrt, sondern berät und beim Lernen hilft.

§ 14. Das Entwicklungspotential des Notenlesens und des Musikskizzierens

Wenn wir über Berufs- und Entwicklungsarten und Arbeitsformen im Musik- und Darbietungsunterricht sprechen, dann sollte es zunächst heißen: Zeichen lesen. Die Musikpädagogik ist sich seit langem des Nutzens dieses Unterrichts für den Schüler bewusst. Aussagen zu diesem Thema finden sich in den Abhandlungen von F.E. Bach, X. Schubart und andere bedeutende Musiklehrer des 17.-18. Jahrhunderts. Auf die besonderen Vorteile des Notenlesens für einen Profi jeden Ranges, jeder Fortgeschrittenenklasse wurde auch immer wieder von bedeutenden Interpreten und Lehrern späterer Zeiten hingewiesen.

Was genau ist der Vorteil des Sichtlesens? Aus welchen Gründen ist es in der Lage, die allgemeine musikalische Entwicklung des Schülers zu stimulieren?

Das Blattlesen ist eine Tätigkeitsform, die die günstigsten Möglichkeiten für eine umfassende und breite Bekanntschaft mit der Musikliteratur eröffnet. Vor dem Musiker zieht eine endlose und vielfältige Reihe von Werken verschiedener Autoren, Kunststile, historischer Epochen vorbei. Mit anderen Worten, Blattlesen ist ein ständiger und schneller Wechsel von neuen musikalischen Wahrnehmungen, Eindrücken, "Entdeckungen", ein intensiver Zufluss von reichhaltigen und vielfältigen musikalischen Informationen. „Wie viel wir lesen – wir wissen so viel“ – diese alte, immer wieder bestätigte Wahrheit behält ihre Bedeutung in der Musikpädagogik voll und ganz.

Die musikalischen und intellektuellen Qualitäten eines Schülers kristallisieren sich natürlich nicht nur beim Lesen, sondern auch in anderen Berufsfeldern heraus. Doch gerade durch das Blattlesen werden dafür die Bedingungen des „Maximum favored“ geschaffen. Warum, aufgrund welcher Umstände?

Zum einen, weil ein Schüler beim Notenlesen mit Werken zu tun hat, die in Zukunft nicht erlernt werden müssen, im aufführungs- ("technischen") Plan gemeistert. Man muss sie nicht extra studieren, um sie virtuos-technisch zu verbessern. Diese Werke dienen, wie sie sagen, nicht zum Auswendiglernen, nicht zum Auswendiglernen, sondern einfach zum Vergnügen des Lernens, des Entdeckens neuer Dinge. Daher die besondere psychologische Einstellung. Besondere Beobachtungen zeigen, dass das musikalische Denken beim Lesen - natürlich bei ausreichend geschicktem, qualifiziertem Lesen - merklich gestrafft wird, die Wahrnehmung heller, lebendiger, geschärft, zäh wird. "Es gibt eine subtile psychologische Regelmäßigkeit: Was nicht zu erinnern ist, was keiner bestimmten "Anatomie" unterworfen werden muss, spiegelt sich im spirituellen Leben eines Menschen mit der größten Kraft wider (VA Sukhomlinsky).

Günstige Voraussetzungen für die Aktivierung der musikalischen und intellektuellen Kräfte des Schülers, die durch das Lesen vom Blatt geschaffen werden, liegen auch darin begründet, dass das Kennenlernen neuer Musik ein Prozess ist, der immer eine besonders helle, ansprechende emotionale Färbung hat. Dieser Umstand wurde von vielen Musikern immer wieder betont. Der erste Kontakt mit einem bisher unbekannten Werk "gibt zunächst dem unmittelbaren Gefühl freien Lauf: der Rest kommt später" (KN Igumnov); beim Lesen eines Werkes aus der Sicht "ist der Interpret ganz der Macht der Musik ausgeliefert, er nimmt die Essenz der Musik in sich auf" (GP Prokofjew).

Faktoren einer emotionalen Ordnung spielen eine fundamental wichtige Rolle in der Struktur der menschlichen geistigen Aktivität im Allgemeinen und im künstlerisch-figurativen Denken im Besonderen. Auf dem Gipfel der emotionalen Welle gibt es einen allgemeinen Anstieg der musikalischen und intellektuellen

Aktionen, sie sind mit mehr Energie gesättigt, verlaufen mit besonderer Klarheit und Sicherheit, woraus folgt, dass Blattlesestunden, solange sie eine direkte und lebendige emotionale Reaktion des Spielers hervorrufen, nicht nur als Erweiterungsmöglichkeit wichtig sind die Repertoirehorizonte erweitern oder verschiedene musiktheoretische und musikhistorische Informationen ansammeln, tragen diese Lektionen letztendlich dazu bei Qualität die Prozesse des musikalischen Denkens selbst zu verbessern.

Auf diese Weise, Das Sichtlesen ist einer der kürzesten und erfolgversprechendsten Wege zur allgemeinen musikalischen Entwicklung des Schülers. In der Tat gibt es unter den verschiedenen Arbeitsformen, die in den Aufführungsklassen existieren, viele, mit deren Hilfe die Kunst des Spielens eines Musikinstruments erfolgreich gelehrt wird, und die Probleme der Ausbildung von beruflichen und technischen Fähigkeiten werden gelöst. aber Im Prozess des vollständigen und klaren Lesens von Noten kommen solche Prinzipien der Entwicklungserziehung wie eine Zunahme des Umfangs des von einem Schüler verwendeten Musikmaterials und eine Beschleunigung des Durchgangstempos ans Licht.

In der Tat, was bedeutet Sichtlesen, wenn nicht Assimilation? maximal Informationen in Minimum Zeit? Daraus die Schlussfolgerung: Wenn die allgemeine musikalische Entwicklung eines Schülers - seine Fähigkeiten, sein Intellekt, sein professionelles Hörbewusstsein - ein besonderes Ziel der Musikpädagogik sein soll, dann hat das Blattlesen grundsätzlich allen Grund, zu einem der besonderen Mittel zu werden der praktischen Verwirklichung dieses Ziels.

Das gleiche kann über gesagt werden skizzieren lernen musikalische Werke - eine der spezifischen Aktivitätsformen im Arsenal eines Musikers (sowohl eines Studenten als auch eines etablierten Meisters). Die Beherrschung des Stoffes wird in diesem Fall nicht zu einem hohen Grad an Vervollständigung gebracht. Die letzte Stufe in diesem Werk ist die Stufe, in der der Musiker den figurativen und poetischen Begriff des Werkes aufgreift, eine künstlerisch zuverlässige, unverfälschte Vorstellung davon erhält und als Interpret diesen Begriff auf dem Instrument überzeugend verkörpern kann . "Nachdem der Schüler die für ihn erforderlichen Fähigkeiten und Kenntnisse extrahiert hat (vom Lehrer im Voraus geplant), den Text herausgefunden hat, das Musikmaterial richtig und sinnvoll spielt, hört die Arbeit am Stück auf", schrieb L.A. Barenboim, der das Skizzenlernen als eine besondere Form der pädagogischen Tätigkeit definiert, die als Zwischenstufe zwischen dem Lesen vom Blatt und der gründlichen Beherrschung eines Musikstücks bezeichnet werden kann.

Viele herausragende Musiker, Interpreten und Lehrer sind seit langem Anhänger der konzeptionellen Entwicklung des pädagogischen Repertoires.

A. Boissier zum Beispiel schrieb unter dem Eindruck von Begegnungen mit dem jungen Liszt: "Er billigt die kleinliche Vollendung der Stücke nicht, da er glaubt, es genüge, den allgemeinen Charakter des Werkes zu erfassen ..." B.L. Kremenshtein: "... Genrikh Gustavovich gab dem jungen Interpreten nach mehreren Unterrichtsstunden Handlungsfreiheit ... er erreichte nicht das 'allerletzte' Stadium poliere jeden ausdrucksstarken Strich, jeden beabsichtigten Farbton zu Brillanz." ... Diese Arbeitsweise kann mehr oder weniger konventionell als pädagogische "Skizze" bezeichnet werden.

Folgende Fragen sind selbstverständlich: Was reizt die skizzenhafte Form der Arbeit der Meister der Pädagogik? Was sind seine besonderen, spezifischen Vorteile? Was genau ist der erzieherische und pädagogische Prozess geeignet, diese Art von Aktivität zu bereichern, welche Perspektiven verspricht er einem Musikerschüler?

Verkürzung der Arbeitszeit an einem Werk, die Gliederungsform des Unterrichts führt zu einer deutlichen Zunahme des von den Schülern studierten musikalischen Materials, zu einer spürbaren zahlenmäßigen Steigerung des Erlernten und Beherrschens im Zuge der pädagogischen Tätigkeit. In der Spielpraxis steckt ein viel größeres und vielfältigeres pädagogisches und pädagogisches Repertoire, als dies der Fall sein könnte, wenn jede musikalisch darbietende „Skizze“ auf das Niveau eines gewissenhaft „ausgearbeiteten“ Klangbildes in allen Details und Einzelheiten „heraufgezogen“ wurde. Die skizzenhafte Form der Arbeit an einem Werk sowie das Sichtlesen verwirklicht somit eines der zentralen Prinzipien der Entwicklungserziehung, das in der pädagogischen und pädagogischen Praxis einen erheblichen Anteil an musikalischem Material erfordert. Gerade hier, in der Möglichkeit, „viele“ und „andere“ anzusprechen, liegt der Grund für die Beachtung der Gliederungsform des Unterrichts herausragender Meister des Musikunterrichts, überzeugt davon, dass der Schüler sich bemühen sollte, die Liste der Meisterwerke zu erweitern so viel wie möglich arbeitet, soll möglichst viele Musikstücke lernen und aufführen.

Die zeitliche Begrenzung der Bearbeitung eines Werkes, die in Form von Unterrichtsskizzen stattfindet, bedeutet im Wesentlichen eine Beschleunigung des Durchlaufs des musikalischen Materials. Der pädagogische und pädagogische Prozess selbst wird beschleunigt: Der Schüler ist mit der Notwendigkeit konfrontiert, bestimmte Informationen in einem engen, engen Zeitrahmen zu verarbeiten. Letzteres, wie L.V. richtig bemerkte. Zankov, führt zu einer kontinuierlichen Bereicherung mit immer neuem Wissen, zur Absage an die Markierungszeit, aus der monotonen Wiederholung des Vorherigen. Damit trägt die Gliederungsform des Unterrichts zur Umsetzung des Prinzips des entwicklungsorientierten Lernens in der Musik bei, das die Forderung nach schnellerer Bearbeitung des Bildungsrepertoires, intensiven und kontinuierlichen Förderung des Schülers beinhaltet.

Es ist leicht zu erkennen, dass das Skizzenlernen als Form der Unterrichtsarbeit in einer Reihe von Merkmalen dem Notenlesen vom Blatt merklich nahe kommt. Im Rahmen jeder der genannten Tätigkeitsarten erfasst der Schüler eine beachtliche Anzahl unterschiedlicher musikalischer Phänomene, und zwar schnell und effizient. In beiden Fällen basiert der musikalische Bildungsprozess auf den gleichen Prinzipien der Entwicklungspädagogik. Gleichzeitig gibt es einen gewissen Unterschied zwischen dem Skizzieren des Repertoires und dem Blattlesen. Im Gegensatz zu einer einmaligen, episodischen Bekanntschaft mit Neuer Musik, die das Lesen ist, eröffnet das Skizzieren des Studiums eines Stückes Möglichkeiten für ein viel ernsthafteres Studium – natürlich vorausgesetzt, dass die Qualität des Unterrichts hier den notwendigen Anforderungen genügt. Sowohl in der Malerei als auch in der Musik kann eine Skizze mehr oder weniger erfolgreich sein. Die Rede ist von einer guten, gekonnt ausgeführten, in gewisser Weise perfekten pädagogischen und pädagogischen "Skizze". Der Student ist dabei nicht auf eine einzige, flüchtige Bekanntschaft mit der künstlerischen Erscheinung des Werkes beschränkt; Durch das mehrfache Spielen über einen bestimmten Zeitraum begreift er viel tiefer das intonations-expressive Wesen der gespielten Musik, ihre konstruktiv-kompositorischen Züge, letztlich ihren emotional-figurativen Gehalt. So ist das musikalische Denken eines skizzenhaft arbeitenden Studenten in eine sehr komplex aufgebaute, weit verzweigte analytische und synthetische Tätigkeit eingebunden.

Das Vorstehende lässt den Schluss zu: Der Unterricht auf einem Musikinstrument, der auf dem Prinzip der Erstellung von darstellenden "Skizzen" basiert, hat allen Grund, zu den effektivsten Methoden der allgemeinen musikalischen Entwicklung eines Schülers zu zählen (und, was besonders wichtig ist, musikalische und intellektuelle Entwicklung). Neben dem Blattlesen kann dieser Unterricht in solchen Situationen, in denen die Erweiterung des künstlerischen Horizonts, die Ergänzung der musikalischen und auditiven Erfahrung und die Bildung der Grundlagen für professionelles Denken bei Musikstudenten im Vordergrund stehen, besonders aussagekräftige Ergebnisse bringen pädagogische Aufgaben.

Nun ein paar Worte zum Repertoire für das Skizzieren des Lernens. In Bezug darauf lässt sich eine im Wesentlichen entscheidende Forderung aufstellen: möglichst vielfältig in der Komposition, stilistisch reich und facettenreich zu sein.

Grundsätzlich kann und soll dieses Repertoire eine viel breitere Palette von Komponistennamen und -werken repräsentieren, als dies von der Lehrkraft bei der Erstellung der üblichen Prüfungs- und Prüfungsprogramme verwendet wird. Dies ist die Besonderheit des Repertoires für skizzenhaftes Lernen, sein direkter musikalischer und pädagogischer Zweck, denn erst aus dem Verständnis vieler künstlerischer und poetischer Phänomene wird der eigentliche Prozess der Ausbildung eines zukünftigen Musikers geformt.

Wichtig ist, dass die in Skizzenform vermittelten Arbeiten dem Schüler gefallen und in ihm eine lebendige emotionale Resonanz wecken. Wenn die „Pflicht“-Programme (wie Prüfung oder Wettbewerb) manchmal die Tatsache enthalten, dass sollen einen jungen Musiker spielen, hier kann man sich durchaus darauf beziehen, was er ist Ich möchte arbeiten. Daher ist es, wie die praktische Erfahrung zeigt, zweckmäßig und gerechtfertigt, bei der Zusammenstellung einer Liste von Stücken "zum Kennenlernen" den Wünschen des Schülers zu entsprechen; Die Repertoirepolitik des Lehrers hat in dieser Situation Grund, viel flexibler zu sein als beispielsweise unter anderen Umständen.

Der Schwierigkeitsgrad der in Skizzenform gemeisterten Werke kann in gewissen Grenzen die wirklichen darstellerischen Fähigkeiten des Schülers übersteigen. Da ein Theaterstück aus der Kategorie der klasseninternen, funktionierenden "Skizzen" in Zukunft nicht mehr bei öffentlichen Aufführungen und Kritiken erscheinen soll, hat der Lehrer hier das Recht, ein gewisses Risiko einzugehen. Dieses Risiko ist um so berechtigter, als es bekanntlich der Weg des "größten Widerstandes" in der darstellenden Tätigkeit ist, der zur Intensivierung der allgemeinen musikalischen und motorischen Entwicklung des Schülers führt. A. Corteau glaubt, dass der beste Weg, den Fortschritt der Studenten zu fördern, darin besteht, rechtzeitig in ihrem Arbeitsplan das Studium einer Arbeit vorzusehen, deren Schwierigkeitsgrad definitiv höher sein würde als alles, was sie bisher wussten. Man sollte nicht die tadellose Aufführung dieser "zu schwierigen" Werke verlangen, deren häufiger Wechsel sehr ratsam ist. A. Corto hatte also genau die Gliederungsform von Klassen im Auge.

Ob die Arbeit im Rahmen der Skizzenform der Arbeit auswendig gelernt werden soll? Nach Ansicht einiger renommierter Pädagogen ist dies nicht erforderlich. Ziemlich souverän, aus professioneller Sicht "solide", Musik nach Noten spielend. Außerdem „wäre ein Auswendiglernen bei dieser Arbeitsform überflüssig“, glaubte M. Feigin vernünftigerweise. Und er argumentierte für seinen Gedanken: „Uns ist es wichtig sicherzustellen, dass die Schüler gut mit Noten spielen können … Schließlich wird das zukünftige Musikleben viel häufiger einen Pianisten erfordern, um Noten zu spielen als Konzertaufführungen , muss die Fähigkeit, Noten zu spielen, systematisch entwickelt werden." ...

Die Funktionen und Verantwortlichkeiten des den Bildungsprozess leitenden Lehrers ändern sich merklich in den Bedingungen des skizzenhaften Lernens. Erstens nimmt die Zahl seiner Begegnungen mit der Arbeit, die der Student skizziert, ab, und zwar signifikant die Zahl seiner Begegnungen. Die Erfahrung zeigt, dass insbesondere in der Arbeit mit studentischen Jugendlichen grundsätzlich zwei bis drei solcher Treffen ausreichend sind. Darüber hinaus werden die Probleme der Interpretation von Musik und deren technischer Umsetzung am Instrument gelöst, wenn der Schüler selbst eine "Skizze" erstellt. Der Lehrer scheint sich hier von der Arbeit zu entfernen, seine Aufgabe ist es, das letzte künstlerische Ziel der Arbeit zu skizzieren, ihr eine allgemeine Richtung zu geben, seinem Schüler die rationellsten Methoden und Tätigkeitsmethoden vorzuschlagen.

Obwohl die potentiellen Ressourcen der Skizzenarbeit in Bezug auf die allgemeine musikalische Entwicklung der Studierenden groß und vielfältig sind, können sie nur unter der Bedingung eines regelmäßigen und systematischen Bezuges auf diese Tätigkeit identifiziert werden. Nur wenn der Schüler jeden Tag einen gewissen Teil seiner Zeit dem Skizzieren widmet, kann der gewünschte Effekt erzielt werden.

Die skizzenhafte Beherrschung einiger Werke muss in ihrer Praxis ständig und sicher mit dem vollständigen Lernen anderer koexistieren; beide Formen der pädagogischen Tätigkeit entfalten ihre Fähigkeiten nur in enger, harmonischer Verbindung miteinander. Nur unter dieser Bedingung wird die Konzentration des Schülers auf die Lösung kognitiver, musikalischer und pädagogischer Aufgaben der Entwicklung der notwendigen professionellen Darbietungsqualitäten, der Fähigkeit, sorgfältig und genau an einem Musikinstrument zu arbeiten, nicht schaden - eine Anforderung, die ein qualifizierter Lehrer niemals opfern wird.

1 Feigin M. E. Musikalische Erfahrungen von Studierenden // Fragen der Klavierpädagogik. - M., 1971. - Ausgabe. 3. - S. 35.

§ 15. Bildung des aktiven, eigenständigen kreativen Denkens eines studentischen Musikers

Bei all den musikalischen Informationen, die ein Schüler der darstellenden Klasse beim Blattlesen erhält, bei aller Vielseitigkeit der Kenntnisse, die er sich im Zuge des Zeichnens von Musikwerken angeeignet hat, reichen diese Faktoren allein für sich genommen noch nicht aus für die erfolgreiche Entwicklung der persönlichen und beruflichen Qualitäten eines jungen Musikers. Diese Entwicklung bekommt erst dann wirklich ihre volle Tragweite, wenn sie, wie oben erwähnt, auf der Fähigkeit des Schülers beruht, sich die erforderlichen Kenntnisse und Fähigkeiten aktiv und selbstständig anzueignen, sich ohne fremde Hilfe und Unterstützung in der Vielfalt der musikalischen Phänomene zurechtzufinden Kunst.

Mit anderen Worten, im Prozess der Bildung eines professionellen musikalischen Bewusstseins erweist es sich als ebenso wichtig, dass was ein Studierender im Rahmen seines Studiums erworben hat und wie diese Akquisitionen getätigt wurden, auf welche Weise diese oder jene Ergebnisse erzielt wurden.

Die Forderung nach Eigeninitiative, Selbständigkeit und einer gewissen Freiheit des geistigen Handelns des Schülers spiegelt eines der zuvor genannten Prinzipien der Entwicklung des Musikunterrichts im weiteren Sinne wider - eines der wichtigsten didaktischen Prinzipien der Entwicklung von Bildung im Allgemeinen.

Das Problem der Entwicklung der Selbständigkeit des schöpferischen Denkens in unseren Tagen hat eine besonders lebhafte Resonanz gefunden; seine Relevanz ist eng verbunden mit der Aufgabe, das Training zu intensivieren und seine entwicklungsfördernde Wirkung zu verstärken. Verschiedene Aspekte dieses Problems werden nun von vielen russischen und ausländischen Experten aus wissenschaftlicher Sicht entwickelt und verfeinert. Die Musikpädagogik steht nicht abseits der Tendenzen, die die Vorwärtsbewegung der allgemeinen Pädagogik charakterisieren. Die Themen Förderung der kreativen Initiative und Selbständigkeit der Studierenden werden heute intensiv diskutiert und ihrer Bedeutung nach zu den wichtigsten gezählt.

Eine logische Frage ist: Wie wird der Begriff der „Unabhängigkeit“ in Bezug auf die Musikwissenschaft entschlüsselt? Die Antwort darauf ist nicht so einfach und eindeutig, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Die Begriffe „selbstständiges musikalisches Denken“, „selbständiges Arbeiten an einem Musikinstrument“ werden unterschiedlich und meist näherungsweise und allgemein interpretiert. Zum Beispiel machen viele praktizierende Lehrer manchmal keine grundlegenden Unterschiede zwischen solchen Qualitäten der pädagogischen Tätigkeit junger Musiker wie Aktivität, Unabhängigkeit, Kreativität. Dabei sind die genannten Qualitäten keineswegs identischer Natur; Ebenso sind die Begriffe, die sie ausdrücken, alles andere als Synonyme: die Tätigkeit eines Musikstudenten kann durchaus frei von Elementen der Selbständigkeit und Kreativität sein, die selbstständige Ausführung einer Aufgabe (oder Anweisungen des Lehrers) wird sich nicht unbedingt als kreativ erweisen, usw.

Das Konzept der Selbständigkeit im Musikunterricht im Allgemeinen und in der musikalischen Darbietung im Besonderen ist in seiner Struktur und seinem inneren Wesen heterogen. Da es ausreichend umfangreich und facettenreich ist, zeigt es sich auf verschiedenen Ebenen, synthetisiert (zum Beispiel beim Spielen eines Musikinstruments) die Fähigkeit des Schülers, sich ohne fremde Hilfe in unbekanntem Musikmaterial zurechtzufinden, den Text des Autors richtig zu entziffern, um eine überzeugende Interpretation zu bilden. Hypothese"; und die Bereitschaft, effektive Wege in der Arbeit zu finden, die notwendigen Techniken und Mittel zur Verkörperung des künstlerischen Konzepts zu finden; und die Fähigkeit, die Ergebnisse der eigenen und fremden musikalischen Darbietung kritisch zu beurteilen

Interpretationsbeispiele und mehr. Aus pädagogischer Sicht betrifft das Problem der Erziehung zur Selbständigkeit eines Musikschülers sowohl die Lehrmethoden als auch die Lehrmethoden (Methoden) und die Formen der Organisation von Bildungsaktivitäten in einer Musik darstellenden Klasse.

Die Entwicklung eines selbstständigen, wissbegierigen, letztlich kreativ denkenden Schülers war schon immer ein unermüdliches Anliegen bedeutender Musiker. Zur Veranschaulichung sei auf die Namen und pädagogischen Konzepte einiger von ihnen verwiesen. Nach den Memoiren von L.A. Barenboim, F. M. Blumenfeld verlangte von seinen Schülern nie Nachahmung und griff nicht auf pädagogische "Kosmetik" zurück. Er drückte sehr energisch seine Unzufriedenheit mit jenen Studenten aus, die mit schöpferischer Schüchternheit und Passivität versuchten, seine Gedanken herauszufinden oder zu erraten, nur um das Bedürfnis loszuwerden, sich selbst etwas zu überlegen. K.N. hielt sich an ähnliche pädagogische Prinzipien. Igumnov, der seinen Haustieren ständig beibrachte, in der Kommunikation mit ihm "nur Ansatzpunkte für ihre eigene Suche" zu finden. Die Aufgaben des Lehrers werden hier ganz offen über den Rahmen des Lehrens hinaus abgeleitet; unter prominenten spezialisten erweisen sich diese aufgaben als viel breiter und wesentlicher. Dem Studenten die grundlegenden Rahmenbedingungen zu geben, auf deren Grundlage dieser seinen künstlerischen Weg selbstständig und ohne Hilfestellung gehen kann - das ist die Sichtweise von Professor L.V. Nikolajew. Die Förderung der Selbständigkeit und Initiative eines jungen Musikers diktiert dem Lehrer manchmal die Ratsamkeit einer vorübergehenden Abkehr von der Arbeit des Schülers, schreibt vor, dass er nicht in die Prozesse eingreift, die in seinem künstlerischen Bewusstsein ablaufen. Ehemalige Schüler von Ya.V. Flier sagen, dass der Professor während der Arbeit an einer Arbeit manchmal an der Politik der "freundlichen Neutralität" festhielt - wenn sein persönliches Konzept nicht mit den Vorstellungen des Studenten übereinstimmte. Zuallererst versuchte er, dem Schüler zu helfen, sich selbst zu verstehen ...

Es wäre jedoch falsch zu glauben, dass die Konzentration auf die Entwicklung eines schöpferisch selbständigen, individuell beharrlichen Denkens bei einem Schüler die Meister der musikalischen Aufführungspädagogik daran hindert, von diesem das sogenannte "Handeln nach dem Vorbild" zu verlangen. Dieselben Lehrer, die, wenn möglich, die "Regierungszügel" absichtlich schwächen, der Eigeninitiative des Schülers Raum geben, im Gegenteil, in bestimmten Fällen deren Leistung regeln, ihm genau und konkret sagen, was und wie man in der zu lernenden Arbeit zu tun hat und einem jungen Musiker nichts anderes übrig lässt, als sich dem Willen des Lehrers zu unterwerfen.

Es sollte gesagt werden, dass es bei einer solchen Lehrmethode natürlich einen Grund gibt: Ein hochgebildeter Spezialist, ein Meister seines Fachs, der einem Studenten "fertige" Informationen übermittelt, deren Anteil nur darin besteht, sie zu erkennen und zu verarbeiten, nach der Methode der direkten und klaren "Anleitung" arbeiten - all dies birgt unter Umständen sowohl in der Musikpädagogik als auch in der Pädagogik allgemein viel Nützliches in sich. Es versteht sich von selbst, dass sich ein gewisses Maß an "fertigem" Fachwissen, Informationen etc. spart den Schülern viel Energie und Zeit.

Der Punkt ist jedoch, dass Lehrmethoden, die die Initiative und Selbstständigkeit des Schülers anregen ("schauen, denken, versuchen ...") und die Methoden der "autoritären" Pädagogik ("denken Sie daran, tun Sie dies ...") in der Praxis der Meister erweisen sie sich in der Regel als gekonnt ausgewogen. Das Verhältnis dieser Methoden kann sich je nach den sich im Unterricht ergebenden Situationen ändern, wodurch vielfältige Einflussmöglichkeiten auf den Schüler ausgeübt werden - dies ist die taktische Aufgabe des Lehrers. Was die strategische Aufgabe betrifft, so bleibt sie unverändert: "Dies so schnell wie möglich und gründlich zu tun, damit es für den Studenten unnötig ist ... Fähigkeit, Ziele zu erreichen, die man Reife nennt ...“ (G.G. Neuhaus).

In einer breiten musikalischen Lehrpraxis sieht das Bild oft anders aus. Der Weg zur Ausbildung der schöpferischen Selbstständigkeit des Schülers, hin zu einer gewissen Lernfreiheit wird hier eher selten gesehen. Für dieses Phänomen gibt es eine Reihe von Gründen: und die misstrauische und skeptische Haltung der Lehrer gegenüber der Fähigkeit der Schüler, selbst interessante interpretative Lösungen zu finden; und die sogenannte "Fehlerangst", die Zurückhaltung der Leiter von Musikdarbietungsklassen, Risiken einzugehen, die mit dem unabhängigen, von außen unregulierten Handeln junger, ungenügend qualifizierter Musiker verbunden sind; und der Wunsch, der Darbietung des Schülers eine äußere Attraktivität, Bühneneleganz zu verleihen (was mit der Unterstützung der festen, leitenden Hand des Lehrers viel einfacher zu erreichen ist); und pädagogischer Egozentrismus; und vieles mehr. Natürlich der Lehrer Es ist leichter, seinem Mündel etwas beizubringen, als ein individuell originelles, schöpferisch eigenständiges künstlerisches Bewusstsein in ihm zu wecken. Dies erklärt zunächst die Tatsache, dass das Problem des selbständigen Denkens eines Musikstudenten im massenpädagogischen Einsatz viel schwieriger und weniger erfolgreich gelöst wird als in der Praxis einiger großer Meister.

Wenn die Lehrtätigkeit der letzteren, wie gesagt, die unterschiedlichsten, manchmal gegensätzlichen Formen und Methoden der Beeinflussung des Schülers umfasst, dann hat der gewöhnliche Musiker einen Weg in der Pädagogik - die Direktive-Einstellung ("dies und das tun"), was zu seinen extremen Erscheinungsformen zum berüchtigten "Coaching" führt. Der Lehrer informiert, instruiert, zeigt, zeigt an, erklärt gegebenenfalls; der Schüler macht sich Notizen, erinnert sich, führt vor. Der deutsche Wissenschaftler F. Klein verglich einmal einen Studenten mit einer Kanone, die seit einiger Zeit mit Wissen vollgestopft ist, um eines schönen Tages (also dem Tag der Prüfung) daraus zu schießen und nichts darin zu hinterlassen. Ähnliches geschieht durch die Bemühungen einer autoritären Musikpädagogik.

Und noch ein paar Überlegungen im Zusammenhang mit dem oben Gesagten. Wie bereits angedeutet, sind die Begriffe "Aktivität", "Unabhängigkeit", "Kreativität" in ihrem inneren Wesen nicht identisch. Aus Sicht der modernen Pädagogischen Psychologie lässt sich das Verhältnis zwischen „aktivem Denken“, „selbstständigem Denken“ und „kreativem Denken“ in Form einiger konzentrischer Kreise darstellen. Dies sind qualitativ unterschiedliche Denkebenen, von denen jede nachfolgende in Bezug auf die vorherige spezifisch ist - generisch. Grundlage ist die Aktivität des Denkens einer Person. Daraus folgt, dass der erste Ausgangspunkt für die Stimulierung musikalischer Intelligenzqualitäten wie Selbständigkeit, schöpferische Initiative die allseitige Aktivierung der letzteren sein kann und sollte. Hier ist das zentrale Glied in der Kette entsprechender pädagogischer Aufgaben.

Wie wird das musikalische Bewusstsein bei einem Schüler der darstellenden Klasse aktiviert? Bei aller Vielfalt der in der Praxis bekannten Techniken und Methoden, um dieses Ziel zu erreichen, lassen sie sich im Prinzip auf eines reduzieren: die Einführung des Schüler-Darstellers in das aufmerksame, ununterbrochene Zuhören seines Spiels. Ein Musiker, der sich mit unablässiger Aufmerksamkeit zuhört, kann nicht passiv, innerlich gleichgültig, emotional und intellektuell inaktiv bleiben. Mit anderen Worten, es ist erforderlich, den Schüler zu aktivieren - ihm beizubringen, auf sich selbst zu hören, die Prozesse in der Musik zu erleben. Nur in die angegebene Richtung gehen, d.h. Durch die Vertiefung und Differenzierung der Fähigkeit des Schüler-Darstellers, seinem eigenen Spiel zuzuhören, verschiedene Klangmodifikationen zu erfahren und zu verstehen, erhält der Lehrer die Möglichkeit, das aktive Denken seines Schülers in eigenständiges Denken und später in kreatives Denken zu verwandeln Denken.

Das Problem des aktiven, eigenständigen kreativen Denkens im Musikunterricht im Allgemeinen und in der Musikaufführung im Besonderen hat zwei eng beieinander liegende, aber nicht identische Aspekte. Einer von ihnen ist mit einem bestimmten Ergebnis der entsprechenden Aktivität verbunden, der andere - mit den Wegen seiner Umsetzung (z. wie der Student gearbeitet hat, die angestrebten künstlerischen und darstellerischen Ziele erreicht hat, inwieweit seine Arbeitsbemühungen waren schöpferischen und suchenden Charakters). Dass die erste (Ergebnisse) direkt von der zweiten (Aktivitätsmethode) abhängt, liegt auf der Hand. Wir können sagen, dass das Problem der Selbständigkeitsbildung bei einem Schüler einer musizierenden Klasse als Hauptbestandteil das beinhaltet, was mit der Fähigkeit zu proaktiver, kreativ-konstruktiver lernen auf einem Musikinstrument. Es ist seit langem bekannt, seit den Tagen der großen Denker und Lehrer der Vergangenheit, dass menschliche Kreativität kann nicht gelehrt werden aber du kannst es ihm beibringen kreativ arbeiten(oder auf jeden Fall die notwendigen Anstrengungen unternehmen). Diese Aufgabe, wiederholen wir, gehört zur Kategorie der Hauptaufgaben, die für die Tätigkeit des Lehrers von grundlegender Bedeutung sind.

Welche Möglichkeiten gibt es, dieses Problem zu lösen? Einige prominente Musiklehrer wenden folgende Methode an: Der Unterricht im Klassenzimmer ist als eine Art "Modell" der Hausaufgaben des Schülers konstruiert. Unter Anleitung eines Lehrers findet so etwas wie eine Probe statt, die den Prozess der selbstständigen Hausaufgabenbetreuung eines jungen Musikers "debuggt". Dieser wird informiert und auf den neuesten Stand gebracht über: wie es sinnvoll ist, Hausaufgaben zu organisieren und durchzuführen; in welcher Reihenfolge das Material angeordnet werden soll, abwechselnd Arbeit mit Ruhe; erklären, wie man Schwierigkeiten erkennt, sich ihrer bewusst ist, berufliche Ziele bzw. Ziele skizziert, die richtigen Wege zu ihrer Lösung findet, produktive Techniken und Arbeitsmethoden verwendet usw.

Einige der erfahrensten Lehrer schlagen dem Schüler vor: "Arbeiten Sie so, wie Sie es zu Hause tun werden. Stellen Sie sich vor, Sie sind allein, niemand ist in der Nähe. Bitte lernen Sie ohne mich ..." - woraufhin der Lehrer selbst beiseite tritt und beobachtet hinter dem Schüler, versucht zu verstehen, wie seine Hausaufgaben tatsächlich aussehen könnten.

Dann kommentiert der Lehrer das Gesehene und Gehörte, erklärt dem Schüler, was er gut und was nicht gut gemacht hat, welche Arbeitsmethoden erfolgreich waren und welche nicht. Im Gespräch geht es nicht darum, wie ausführen ein musikstück, aber wie arbeiten darüber - ein spezielles, spezifisches und fast immer relevantes Thema.

Dies gilt in erster Linie für Studierende von Musikschulen und Hochschulen. Aber auch an Musikuniversitäten, an denen sich Studenten bereits mit "Kunstflug" beschäftigen (oder auf jeden Fall damit beschäftigt sein sollten), ist es manchmal nicht zwecklos, diesen Aspekt der Materie anzusprechen, ihm besondere Aufmerksamkeit zu schenken . „Keine Kunst ohne Übung, keine Übung ohne Kunst“,- sagte der große antike griechische Denker Protagoras. Je eher ein junger Musiker das versteht, desto besser.

Und das Letzte. Eines der charakteristischen Merkmale eines entwickelten, wirklich eigenständigen professionellen Denkens eines jungen Musikers ist die Fähigkeit, verschiedene künstlerische Phänomene zu beurteilen, und vor allem in seiner eigenen pädagogischen Tätigkeit in seiner eigenen, unvoreingenommenen, ziemlich unabhängigen von äußeren Einflüssen, die Fähigkeit, eine mehr oder weniger genaue professionelle Selbstdiagnose zu stellen. Die Aufgabe des Lehrers besteht darin, diese Qualität auf jede erdenkliche Weise zu fördern und zu stimulieren.

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