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- ▲ Art der Belletristik Genres der Literatur. episches Genre. Epos. Prosa ist eine künstlerische Geschichte darüber, was l. Veranstaltungen. prosaisch (# funktioniert). Fiktion. Text. Theater... Ideografisches Wörterbuch der russischen Sprache

Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Drama. Nicht zu verwechseln mit Drama (einer Art Literatur). Drama ist ein literarisches (dramatisches), Bühnen- und Filmgenre. Besondere Verbreitung in der Literatur des XVIII XXI Jahrhunderts erhalten, ... ... Wikipedia

In der Kunst: Drama ist eine Art Literatur (neben Epos und Lyrik); Drama ist eine Art Bühnenfilmaktion; ein Genre, das verschiedene Subgenres, Modifikationen (wie kleinbürgerliches Drama, Drama des Absurden usw.) umfasst; Toponym(e): ... ... Wikipedia

D. als poetische Gattung Herkunft D. Östlicher D. Antik D. Mittelalter D. D. Renaissance Von der Renaissance zum Klassizismus Elisabethanisch D. Spanisch D. Klassik D. Bourgeois D. Ro ... Literarische Enzyklopädie

Epos, Poesie, Drama. Sie wird nach verschiedenen Kriterien bestimmt: unter dem Gesichtspunkt von Möglichkeiten der Realitätsnachahmung (Aristoteles), inhaltlichen Typen (F. Schiller, F. Schelling), erkenntnistheoretischen Kategorien (objektiv subjektiv bei G. W. F. Hegel), formal ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch

Drama (griechisches dráma, wörtlich - Aktion), 1) eine der drei Arten von Literatur (zusammen mit Epos und Lyrik; siehe Literarische Art). D. gehört gleichzeitig zum Theater und zur Literatur: Als Grundprinzip der Aufführung wird es auch wahrgenommen in ... ... Große sowjetische Enzyklopädie

Moderne Enzyklopädie

Gattung literarisch- GENUS LITERARY, eine der drei Gruppen von Werken der Fiktion Epos, Lyrik, Drama. Die Tradition der generischen Einteilung der Literatur wurde von Aristoteles begründet. Trotz der Fragilität der Grenzen zwischen Gattungen und der Fülle von Zwischenformen (lyroepic ... ... Illustriertes enzyklopädisches Wörterbuch

Epos, Poesie, Drama. Sie wird nach verschiedenen Kriterien bestimmt: unter dem Gesichtspunkt von Möglichkeiten der Imitation der Wirklichkeit (Aristoteles), Inhaltstypen (F. Schiller, F. Schelling), erkenntnistheoretischen Kategorien (objektiv subjektiv bei G. Hegel), formalen Merkmalen ... ... Großes enzyklopädisches Wörterbuch

GATTUNG, a (y), vorh. über (in) Art und in (auf) Art, pl. s, ov, Ehemann. 1. Die wichtigste soziale Organisation des primitiven Gemeinschaftssystems, verbunden durch Blutsverwandtschaft. Ältester der Familie. 2. Eine Reihe von Generationen, die von einem Vorfahren abstammen, sowie eine Generation im Allgemeinen ... Erklärendes Wörterbuch von Ozhegov

Bücher

• Puschkin, Tynyanov Yuri Nikolaevich. Juri Nikolajewitsch Tynjanow (1894-1943) – ein herausragender Prosaschriftsteller und Literaturkritiker – sah äußerlich aus wie Puschkin, wie man ihm aus seiner Studienzeit erzählte. Wer weiß, vielleicht war es diese Ähnlichkeit, die geholfen hat ...

Schauspiel ist eine der drei Arten von Literatur (zusammen mit dem Epos und der Lyrik). Drama gehört gleichzeitig zu Theater und Literatur: Als Grundprinzip der Aufführung wird es auch beim Lesen wahrgenommen. Es entstand auf der Grundlage der Entwicklung der Theateraufführungen: Die Bekanntheit von Schauspielern, die Pantomime mit dem gesprochenen Wort kombinierten, kennzeichnete seine Entstehung als eine Art Literatur. Das für die kollektive Wahrnehmung bestimmte Drama hat sich immer zu den akutesten sozialen Problemen hingezogen und ist in den auffälligsten Beispielen populär geworden; seine Grundlage sind sozialgeschichtliche Widersprüche oder ewige, universelle Antinomien. Es dominiert das Drama – eine Eigenschaft des menschlichen Geistes, der durch Situationen geweckt wird, in denen das Wertvolle und Lebenswichtige für einen Menschen unerfüllt bleibt oder bedroht ist. Die meisten Dramen bauen auf einer einzigen äußeren Handlung mit ihren Wechselfällen auf (was dem auf Aristoteles zurückgehenden Prinzip der Einheit der Handlung entspricht). Dramatische Handlung ist in der Regel mit einer direkten Konfrontation zwischen den Charakteren verbunden. Es wird entweder von der Handlung bis zur Auflösung verfolgt und umfasst große Zeiträume (mittelalterliche und orientalische Dramen, zum Beispiel Shakuntala von Kalidasa), oder es wird nur an seinem Höhepunkt kurz vor der Auflösung aufgenommen (alte Tragödien oder viele Dramen der Moderne). Zeiten, zum Beispiel The Dowry, 1879, A. N. Ostrovsky).

Dramatische Prinzipien

Die klassische Ästhetik des 19. Jahrhunderts verabsolutierte diese Prinzipien der Dramakonstruktion. V. G. Belinsky betrachtete das Drama – in Anlehnung an Hegel – als eine Reproduktion von Willensimpulsen („Aktionen“ und „Reaktionen“), die miteinander kollidieren, und glaubte, dass „es keine einzige Person im Drama geben sollte, die im Mechanismus des Dramas nicht notwendig wäre dessen Verlauf und Entwicklung" und dass "die Entscheidung über die Wahl des Weges vom Helden des Dramas und nicht vom Ereignis abhängt". In den Chroniken von W. Shakespeare und in der Tragödie „Boris Godunow“ von A. S. Puschkin wird die Einheit des äußeren Handelns jedoch geschwächt, während sie bei A. P. Tschechow vollständig fehlt: Hier entfalten sich mehrere gleiche Handlungsstränge gleichzeitig. Oft wird das Drama von einer inneren Handlung dominiert, bei der die Figuren weniger etwas tun, als vielmehr stabile Konfliktsituationen erleben und intensiv nachdenken. Binnenhandlungen, deren Elemente bereits in den Tragödien „König Ödipus“ von Sophokles und „Hamlet“ (1601) von Shakespeare vorhanden sind, dominieren im Drama des späten 19. – Mitte des 20. Jahrhunderts (G. Ibsen, M. Maeterlinck, Tschechow, M. Gorki, B. Shaw, B. Brecht, modernes "intellektuelles" Drama, zum Beispiel: J. Anouil). Das Prinzip des inneren Handelns wird in Shaws The Quintessence of Ibsenism (1891) polemisch proklamiert.

Die Grundlage der Komposition

Die universelle Grundlage der Komposition des Dramas ist die Artikulation seines Textes. auf Bühnenepisoden, innerhalb derer ein Moment eng an einen anderen, benachbarten grenzt: Die dargestellte, sogenannte reale Zeit entspricht eindeutig der Wahrnehmungszeit, der künstlerischen (siehe).

Die Einteilung des Dramas in Episoden erfolgt auf unterschiedliche Weise. Im mittelalterlichen und orientalischen Volksdrama sowie bei Shakespeare, in Puschkins Boris Godunov, in Brechts Stücken ändern sich Ort und Zeit der Handlung oft, was dem Bild gleichsam epische Freiheit verleiht. Das europäische Drama des 17.-19. Jahrhunderts basiert in der Regel auf wenigen und langen Bühnenepisoden, die mit den Akten der Aufführungen zusammenfallen, was der dargestellten Lebensfärbung Authentizität verleiht. Die Ästhetik des Klassizismus pochte auf möglichst kompakte Beherrschung von Raum und Zeit; die von N. Boileau proklamierten „drei Einheiten“ überlebten bis ins 19. Jahrhundert („Woe from Wit“, A. S. Griboedova).

Drama und Charakterausdruck

In einem Drama spielen die Aussagen der Figuren eine entscheidende Rolle., die ihr willentliches Handeln und ihre aktive Selbstoffenbarung bedeuten, während die Erzählung (die Geschichten der Figuren über das Vorhergehende, die Botschaften der Boten, das Einbringen der Stimme des Autors in das Stück) untergeordnet ist, wenn nicht sogar ganz fehlt; Die von den Charakteren gesprochenen Wörter bilden eine durchgehende Linie im Text. Die theatralisch-dramatische Rede hat eine doppelte Art der Ansprache: Der Charakterdarsteller tritt in einen Dialog mit Bühnenpartnern und wendet sich monologisch an das Publikum (siehe). Der monologische Sprachanfang tritt im Drama zunächst implizit in Form von Repliken in den Dialog zur Seite, die keine Antwort erhalten (so sind die Äußerungen von Tschechows Figuren, die eine Woge der Uneinigkeit bedeuten und einsame Menschen); zweitens in Form von eigentlichen Monologen, die die verborgenen Erfahrungen der Figuren offenbaren und dadurch die Dramatik der Handlung steigern, den Umfang des Dargestellten erweitern und dessen Bedeutung direkt offenbaren. Durch die Verbindung von dialogischer Umgangssprache und monologer Rhetorik bündelt das Sprechen im Schauspiel die appellativ-wirksamen Möglichkeiten der Sprache und erhält eine besondere künstlerische Energie.

In den historisch frühen Stadien (von der Antike bis F. Schiller und V. Hugo) setzte D., überwiegend poetisch, weitgehend auf Monologe (Ergüsse der Heldenseelen in „Pathosszenen“, Botenaussagen, Bemerkungen beiseite, direkt Appelle an die Öffentlichkeit), was sie der Oratorie und Lyrik näher brachte. Im 19. und 20. Jahrhundert wird der Hang der Helden des traditionellen poetischen Dramas, „bis zur völligen Erschöpfung zu gedeihen“ (Yu.A. Strindberg), oft distanziert und ironisch wahrgenommen, als Hommage an Routine und Falschheit. In der Dramatik des 19. Jahrhunderts, geprägt von einem intensiven Interesse am privaten, familiären Leben, dominiert das dialogisch-dialogische Prinzip (Ostrowskij, Tschechow), die Monologrhetorik ist auf ein Minimum reduziert (Ibsens Spätstücke). Im 20. Jahrhundert wird der Monolog wieder im Drama aktiviert, das sich den tiefsten gesellschaftspolitischen Konflikten unserer Zeit (Gorki, V. V. Mayakovsky, Brecht) und den universellen Antinomien des Seins (Anui, J. P. Sartre) zuwendet.

Rede im Drama

Sprache in einem Drama, das dazu bestimmt ist, in einem weiten Raum gesprochen zu werden theatralische Räumlichkeiten, die auf Massenwirkung ausgelegt sind, potentiell klangvoll, vollstimmig, das heißt voller Theatralik ("ohne Eloquenz gibt es keinen dramatischen Schriftsteller" - bemerkte D. Diderot). Theater und Drama brauchen Situationen, in denen der Held zur Öffentlichkeit spricht (die Höhepunkte von The Inspector General, 1836, N. V. Gogol und Thunderstorms, 1859, A. N. Ostrovsky, Schlüsselepisoden von Mayakovskys Komödien), sowie in theatralischen Übertreibungen: eine dramatische Figur braucht lautere und deutlichere Worte, als es die abgebildeten Positionen erfordern (ein publizistisch anschaulicher Monolog von Andrey, der im 4. Akt der Drei Schwestern, 1901, Tschechow, allein einen Kinderwagen rollt). Puschkin sprach über die Neigung des Dramas zur Konventionalität von Bildern („Von allen Arten von Kompositionen sind die dramatischsten die unglaubwürdigsten.“ A. S. Puschkin. Über die Tragödie, 1825), E. Zola und L. N. Tolstoi. Die Bereitschaft, sich leichtsinnig Leidenschaften hinzugeben, die Neigung zu plötzlichen Entscheidungen, zu scharfen intellektuellen Reaktionen, zum eingängigen Ausdruck von Gedanken und Gefühlen, ist den Helden des Dramas viel mehr eigen als den Charakteren erzählender Werke. Die Szene „verbindet auf engstem Raum im Abstand von etwa zwei Stunden alle Bewegungen, die selbst ein leidenschaftliches Wesen oft nur in einem langen Lebensabschnitt erleben kann“ (Talma F. About theatrics.). Das Hauptthema der Suche des Dramatikers ist bedeutsam und lebendig und erfüllt das Bewusstsein vollständig mit spirituellen Bewegungen, die hauptsächlich Reaktionen auf das sind, was gerade passiert: auf das gerade gesprochene Wort, auf die Bewegung von jemandem. Gedanken, Gefühle und Absichten, vage und vage, werden in dramatischer Sprache mit weniger Konkretheit und Vollständigkeit wiedergegeben als in narrativer Form. Solche Einschränkungen des Dramas werden durch seine Bühnenwiedergabe überwunden: Die Intonationen, Gesten und Gesichtsausdrücke der Schauspieler (manchmal von Schriftstellern in Bemerkungen festgehalten) fangen die Schattierungen der Erfahrungen der Charaktere ein.

Drama-Termin

Der Zweck des Dramas, so Puschkin, sei es, „auf die Menge einzuwirken, ihre Neugier zu befriedigen“ und dafür die „Wahrheit der Leidenschaften“ einzufangen: „Lachen, Mitleid und Entsetzen sind die drei Saiten unserer erschütterten Vorstellungskraft durch dramatische Kunst“ (A. S. Puschkin. O Volksdrama und Drama „Marfa Posadnitsa“, 1830). Das Drama ist mit der Sphäre des Lachens besonders eng verbunden, weil sich das Theater im Rahmen von Massenfesten, in einer Atmosphäre von Spiel und Spaß gefestigt und entwickelt hat: Der „komödiantische Instinkt“ ist „die Grundbasis aller dramatischen Fähigkeiten“ (Mann T.). In früheren Epochen – von der Antike bis zum 19. Jahrhundert – entsprachen die Haupteigenschaften des Dramas allgemeinen literarischen und allgemeinen künstlerischen Strömungen. Der transformative (idealisierende oder groteske) Ansatz in der Kunst dominierte den reproduzierenden, und das Dargestellte wich merklich von den Formen des wirklichen Lebens ab, sodass das Drama nicht nur erfolgreich mit der epischen Gattung konkurrierte, sondern auch als „Krone der Poesie“ wahrgenommen wurde “ (Belinsky). Im 19. und 20. Jahrhundert reagierte der Wunsch der Kunst nach Lebendigkeit und Natürlichkeit mit der Vorherrschaft des Romans und dem Niedergang der Rolle des Dramas (vor allem im Westen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts) gleichzeitig veränderte seine Struktur radikal: Unter dem Einfluss der Erfahrung von Romanciers begann die traditionelle Konventionalität und Übertreibung der dramatischen Darstellung auf ein Minimum zu reduzieren (Ostrovsky, Chekhov, Gorki mit ihrem Wunsch nach alltäglicher und psychologischer Authentizität von Bildern). Das neue Drama enthält jedoch auch Elemente der "Unplausibilität". Sogar in Tschechows weltlich authentischen Stücken sind einige der Aussagen der Figuren konventionell poetisch.

Obwohl das figurative System des Dramas stets von Sprachmerkmalen dominiert wird, ist sein Text auf spektakuläre Ausdruckskraft ausgerichtet und berücksichtigt die Möglichkeiten der Bühnentechnik. Die wichtigste Voraussetzung für ein Drama ist daher seine Bühnenpräsenz (in letzter Konsequenz bedingt durch einen scharfen Konflikt). Es gibt jedoch Dramen, die nur zum Lesen gedacht sind. So viele Stücke aus den Ländern des Ostens, in denen die Blütezeit von Drama und Theater manchmal nicht zusammenfiel, der spanische Drama-Roman "Celestina" (Ende des 15. Jahrhunderts), in der Literatur des 19. Jahrhunderts - die Tragödie von J. Byron, „Faust“ (1808-31) I.V. .Goethe. Problematisch ist Puschkins Haltung gegenüber der Bühne in Boris Godunov und besonders in kleinen Tragödien. Das Theater des 20. Jahrhunderts, das nahezu alle Genres und Gattungsformen der Literatur erfolgreich beherrscht, lässt die einstige Grenze zwischen Schauspiel und Lesedrama verschwimmen.

Auf der Bühne

Bei der Inszenierung wird ein Drama (wie andere literarische Werke) nicht nur aufgeführt, sondern von den Schauspielern und dem Regisseur in die Sprache des Theaters übersetzt: Auf der Grundlage des literarischen Textes werden intonationsgestische Rollenzeichnungen entwickelt, Bühnenbilder, Soundeffekte und Mise-en-Szenen werden erstellt. Die „Vervollständigung“ der Bühne des Dramas, in der ihre Bedeutung bereichert und wesentlich modifiziert wird, hat eine wichtige künstlerische und kulturelle Funktion. Dank ihm vollziehen sich die semantischen Neuakzentuierungen der Literatur, die ihr Leben in den Köpfen der Öffentlichkeit unweigerlich begleiten. Die Bandbreite der Bühneninterpretationen des Dramas ist, wie die moderne Erfahrung überzeugt, sehr breit. Bei der Erstellung eines eigentlichen aktualisierten Bühnentextes sind sowohl Anschaulichkeit, wörtliche Lesart des Dramas und Reduzierung der Aufführung auf die Rolle seiner „Zwischenlinearität“ als auch willkürliche, modernisierende Umformung eines zuvor geschaffenen Werks – seine Verwandlung in einen Anlass für den Regisseur seinen eigenen dramatischen Ambitionen Ausdruck zu verleihen, sind unerwünscht. Der respektvolle und sorgfältige Umgang der Schauspieler und des Regisseurs mit dem inhaltlichen Konzept, den Gattungs- und Stilmerkmalen des dramatischen Werks sowie mit seinem Text wird im Bezug auf die Klassiker zum Gebot.

als eine Art Literatur

Drama als Genre der Literatur umfasst viele Genres.. Tragödie und Komödie gibt es in der Geschichte des Dramas; das Mittelalter ist geprägt von liturgischem Drama, Mysterien, Wundern, Moral, Schultheater. Im 18. Jahrhundert bildete sich das Drama als Genre heraus, das sich später in der weltweiten Dramaturgie durchsetzte (siehe). Auch Melodramen, Farcen, Varietés sind weit verbreitet. In der modernen Dramatik haben Tragikomödien und tragische Farcen, die im Theater des Absurden vorherrschen, eine wichtige Rolle eingenommen.

An den Ursprüngen des europäischen Dramas stehen die Werke der antiken griechischen Tragiker Aischylos, Sophokles, Euripides und des Komikers Aristophanes. Sie konzentrierten sich auf die Formen von Massenfesten, die rituellen und kultischen Ursprung hatten, und folgten den Traditionen von Chortexten und Rhetorik, und schufen ein originelles Drama, in dem die Charaktere nicht nur miteinander, sondern auch mit dem Chor kommunizierten und die Stimmung des Chores zum Ausdruck brachten Autor und Publikum. Das antike römische Drama wird von Plautus, Terence, Seneca vertreten. Dem antiken Drama wurde die Rolle eines öffentlichen Erziehers anvertraut; es liegt in der Philosophie, in der Erhabenheit tragischer Bilder, in der Komödie der Glanz des karnevalsatirischen Spiels. Die Theorie des Dramas (insbesondere der tragischen Gattung) trat seit Aristoteles in der europäischen Kultur gleichzeitig als Theorie der Wortkunst überhaupt auf, was von der besonderen Bedeutung der dramatischen Literatur zeugt.

Im Osten

Die Blütezeit des Dramas im Osten bezieht sich auf eine spätere Zeit: in Indien - ab der Mitte des 1. Jahrtausends n. Chr. (Kalidasa, Bhasa, Shudraka); Das alte indische Drama stützte sich weitgehend auf epische Handlungen, vedische Motive und liedlyrische Formen. Die größten Dramatiker Japans sind Zeami (frühes 15. Jahrhundert), in dessen Werk das Drama erstmals eine vollständige literarische Form erhielt (Genre Yokyoku), und Monzaemon Chikamatsu (spätes 17. bis frühes 18. Jahrhundert). Im 13. und 14. Jahrhundert nahm in China weltliches Drama Gestalt an.

Europäisches Drama der Neuzeit

Das europäische Drama der Neuzeit, basierend auf den Prinzipien der antiken Kunst (hauptsächlich in Tragödien), erbte gleichzeitig die Traditionen des mittelalterlichen Volkstheaters, hauptsächlich Komödien-Farce. Ihr "goldenes Zeitalter" - englisches und spanisches Renaissance- und Barockdrama Der Titanismus und die Dualität der Renaissance-Persönlichkeit, ihre Freiheit von den Göttern und gleichzeitig die Abhängigkeit von den Leidenschaften und der Macht des Geldes, die Integrität und Widersprüchlichkeit des historischen Flusses wurden in Shakespeare in einer wahrhaft volkstümlichen dramatischen Form verkörpert, die das Tragische und das Komische, Reales und Phantastisches synthetisierte, kompositorische Freiheit besaß, Handlungsvielfalt besaß und subtilen Intellekt und Poesie mit rauer Farce kombinierte. Calderon de la Barca verkörperte die barocken Ideen: die Dualität der Welt (die Antinomie des Irdischen und des Spirituellen), die Unausweichlichkeit des Leidens auf Erden und die stoische Selbstbefreiung des Menschen. Auch das Drama der französischen Klassik ist zum Klassiker geworden; die Tragödien von P. Corneille und J. Racine entfalteten psychologisch tief den Konflikt zwischen persönlichen Gefühlen und der Pflicht gegenüber der Nation und dem Staat. Molières "Hohe Komödie" verband die Traditionen des Volksspektakels mit den Prinzipien des Klassizismus und die Satire auf soziale Laster mit volkstümlicher Fröhlichkeit.

Die Ideen und Konflikte der Aufklärung spiegelten sich in den Dramen von G. Lessing, Diderot, P. Beaumarchais, K. Goldoni; im Genre des kleinbürgerlichen Dramas wurde die Universalität der Normen des Klassizismus in Frage gestellt und es fand eine Demokratisierung des Dramas und seiner Sprache statt. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts schufen die Romantiker (G. Kleist, Byron, P. Shelley, V. Hugo) die bedeutsamste Dramaturgie. Das Pathos der individuellen Freiheit und des Protests gegen die Bourgeoisie wurde durch helle Ereignisse, legendäre oder historische, in lyrische Monologe gekleidet, vermittelt.

Ein neuer Aufstieg des westeuropäischen Dramas geht auf die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zurück: Ibsen, G. Hauptman, Strindberg, Shaw konzentrieren sich auf akute soziale und moralische Konflikte. Im 20. Jahrhundert wurden die Traditionen des Dramas dieser Ära von R. Rolland, J. Priestley, S. O'Casey, Y. O'Neill, L. Pirandello, K. Chapek, A. Miller, E. de Filippo, F. Durrenmatt, E. Albee, T. Williams. Einen herausragenden Platz in der ausländischen Kunst nimmt das mit dem Existentialismus verbundene sogenannte intellektuelle Drama ein (Sartre, Anouille); in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich das Drama des Absurden (E. Ionesco, S. Beckett, G. Pinter etc.). Akute gesellschaftspolitische Konflikte der 1920-40er Jahre spiegelten sich in Brechts Werk wider; sein Theater ist betont rationalistisch, intellektuell intensiv, offen gesagt bedingt, oratorisch und treffend.

Russisches Drama

Das russische Drama erlangte ab den 1820er und 30er Jahren den Status hoher Klassiker.(Gribojedow, Puschkin, Gogol). Ostrovskys spartenübergreifende Dramaturgie mit ihrem Querschnittskonflikt von Menschenwürde und Macht des Geldes, mit der Spitze einer von Willkür geprägten Lebensweise, mit ihrer Sympathie und ihrem Respekt vor dem „kleinen Mann“ und der Vorherrschaft des „Lebens -ähnliche" Formen, wurden entscheidend für die Bildung des nationalen Repertoires des 19. Jahrhunderts. Psychologische Dramen voller nüchternem Realismus wurden von L. N. Tolstoi geschaffen. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erfuhr das Drama einen radikalen Wandel im Werk Tschechows, der, nachdem er das spirituelle Drama der Intelligenz seiner Zeit verstanden hatte, tiefes Drama in die Form traurig ironischer Lyrik kleidete. Die Repliken und Episoden seiner Stücke werden nach dem Prinzip des „Kontrapunkts“ assoziativ verknüpft, die seelischen Befindlichkeiten der Figuren werden vor dem Hintergrund des gewohnten Lebenslaufs mit Hilfe des von Tschechow parallel entwickelten Subtextes sichtbar Symbolist Maeterlinck, der sich für die „Geheimnisse des Geistes“ und die verborgene „Tragödie des Alltags“ interessierte.

An den Ursprüngen des häuslichen Dramas der Sowjetzeit steht das Werk von Gorki, das durch historische und revolutionäre Stücke fortgesetzt wird (N. F. Pogodin, B. A. Lavrenev, V. V. Vishnevsky, K. A. Trenev). Anschauliche Beispiele für satirische Dramen wurden von Mayakovsky, M. A. Bulgakov und N. R. Erdman geschaffen. Das Genre des Märchenspiels, das leichte Lyrik, Heldentum und Satire verbindet, wurde von E. L. Schwartz entwickelt. Das sozialpsychologische Drama wird durch die Werke von A. N. Afinogenov, L. M. Leonov, A. E. Korneichuk, A. N. Arbuzov und später - V. S. Rozov, A. M. Volodin repräsentiert. L.G.Zorina, R.Ibragimbekova, I.P.Druta, L.S.Petrushevskaya, V.I.Slavkina, A.M.Galina. Das Inszenierungsthema bildete die Grundlage der gesellschaftskritischen Stücke von I. M. Dvoretsky und A. I. Gelman. Eine Art "Drama der Moral", das sozialpsychologische Analysen mit einem grotesken Varieté-Stream kombiniert, wurde von A. V. Vampilov geschaffen. In den letzten zehn Jahren waren die Stücke von N. V. Kolyada erfolgreich. Das Drama des 20. Jahrhunderts enthält manchmal einen lyrischen Anfang („lyrische Dramen“ von Maeterlinck und A.A. Blok) oder eine Erzählung (Brecht nannte seine Stücke „episch“). Die Verwendung von Erzählfragmenten und die aktive Montage von Bühnenepisoden verleihen der Arbeit von Dramatikern oft einen Hauch von Dokumentarfilm. Und gleichzeitig wird gerade in diesen Dramen die Illusion der Authentizität des Dargestellten offen zerstört und der demonstrierenden Konvention Tribut gezollt (direkte Appelle der Figuren an das Publikum; Reproduktion der Erinnerungen oder Träume des Helden auf der Bühne ; liedlyrische Fragmente, die in die Handlung eindringen). Mitte des 20. Jahrhunderts verbreitete sich ein dokumentarisches Drama, das reale Ereignisse, historische Dokumente und Memoiren reproduzierte ("Dear Liar", 1963, J. Kilty, "The Sixth of July", 1962 und "Revolutionary Study", 1978). , M. F. Schatrowa).

Das Wort Drama kommt von Griechisches Drama, was Handlung bedeutet.

Das dramatische Genre der Literatur hat drei Hauptgenres: Tragödie, Komödie und Drama im engeren Sinne des Wortes, aber es gibt auch solche Genres wie Varieté, Melodram, Tragikomödie.

Tragödie (gr.

Tragoidia, lit. - Ziegenlied) - "ein dramatisches Genre, das auf dem tragischen Zusammenprall heroischer Charaktere, seinem tragischen Ausgang und voller Pathos basiert ..."266.

Die Tragödie stellt die Realität als einen Haufen innerer Widersprüche dar, sie offenbart die Konflikte der Realität in äußerst intensiver Form. Dies ist ein dramatisches Werk, das auf einem unüberbrückbaren Lebenskonflikt basiert, der zum Leiden und Tod des Helden führt. So kommt bei einem Zusammenstoß mit der Welt des Verbrechens, der Lügen und der Heuchelei der Träger fortschrittlicher humanistischer Ideale, der dänische Prinz Hamlet, der Held der gleichnamigen Tragödie von W. Shakespeare, auf tragische Weise ums Leben.

Im Kampf der tragischen Helden kommen die heroischen Züge des menschlichen Charakters mit großer Fülle zum Vorschein.

Das Genre Tragödie hat eine lange Geschichte. Es entstand aus religiösen Kultriten, war eine Bühnenaufführung eines Mythos. Mit dem Aufkommen des Theaters entwickelte sich die Tragödie zu einer eigenständigen Gattung der dramatischen Kunst. Die Schöpfer der Tragödien waren die antiken griechischen Dramatiker des 5. Jahrhunderts. BC e. Sophokles, Euripides, Aischylos, die ihre perfekten Proben hinterließen. Sie spiegelten die tragische Kollision der Traditionen des Stammessystems mit der neuen Gesellschaftsordnung wider. Diese Konflikte wurden von Dramatikern hauptsächlich auf mythologischem Material wahrgenommen und dargestellt. Der Held einer antiken Tragödie wurde entweder durch den Willen eines gebieterischen Schicksals (Schicksal) oder durch den Willen der Götter in einen unlösbaren Konflikt gezogen. So leidet der Held der Tragödie von Aischylos „Prometheus Chained“, weil er gegen den Willen des Zeus verstoßen hat, als er den Menschen Feuer gab und ihnen das Handwerk beibrachte. In der Tragödie von Sophokles „König Ödipus“ ist der Held dazu verdammt, ein Vatermörder zu sein, seine eigene Mutter zu heiraten. Die antike Tragödie umfasste normalerweise fünf Akte und wurde in Übereinstimmung mit den „drei Einheiten“ – Ort, Zeit, Handlung – aufgebaut. Tragödien wurden in Versen geschrieben und zeichneten sich durch erhabene Sprache aus; ihr Held war ein „hoher Held“.

Der große englische Dramatiker William Shakespeare gilt als Begründer der modernen Tragödie. Im Mittelpunkt seiner Tragödien „Romeo und Julia“, „Hamlet“, „Othello“, „König Lear“, „Macbeth“ stehen akute Konflikte. Shakespeares Figuren sind nicht mehr Helden der Mythen, sondern echte Menschen, die mit realen, nicht mythischen Kräften und Umständen kämpfen. Im Streben nach maximaler Wahrhaftigkeit und Vollständigkeit in der Wiedergabe des Lebens entwickelte Shakespeare alle besten Aspekte der antiken Tragödie und befreite gleichzeitig diese Gattung von den Konventionen, die zu seiner Zeit ihre Bedeutung verloren hatten (mythologische Handlung, Einhaltung der Regel der "drei Einheiten". "). Die Figuren in Shakespeares Tragödien verblüffen durch ihre vitale Überzeugungskraft. Formal ist die Shakespeare-Tragödie weit von der Antike entfernt. Die Tragödie von Shakespeare deckt alle Aspekte der Realität ab. Die Persönlichkeit des Helden seiner Tragödien ist offen, undefiniert, veränderbar.

Die nächste Stufe in der Entwicklung des Tragödiengenres ist mit der Arbeit der französischen Dramatiker P. Corneille (Medea, Horace, The Death of Pompey, Oedipus usw.) und J. Racine (Andromache, Iphigenia, Fed - ra) verbunden. usw.) * Sie schufen brillante Beispiele der Tragödie des Klassizismus - der Tragödie des "hohen Stils" mit der obligatorischen Einhaltung der Regel der "drei Einheiten".

An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert.

F. Schiller aktualisierte den "klassischen" Tragödienstil und schuf die Tragödien "Don Carlos", "Maria Stuart", "Die Jungfrau von Orleans".

In der Ära der Romantik wird der Inhalt der Tragödie zum Leben eines Menschen mit seiner spirituellen Suche. Tragische Dramen wurden von V. Hugo (Ernani, Lucrezia Borgia, Ruy Blas, The King Amusesself usw.), J. Byron (Two Fascari), M. Lermontov (Masquerade) geschaffen.

In Russland entstanden im 18. Jahrhundert die ersten Tragödien im Rahmen der Poetik des Klassizismus. A. Sumarokov („Khorev“), M. Kheraskov („Flammen“), V. Ozerov („Polyxena“), Y. Knyazhnin („Dido“).

Im 19. Jahrhundert Auch der russische Realismus lieferte überzeugende Beispiele für Tragödien. Der Schöpfer der Tragödie eines neuen Typs war A.

C. Puschkin. Die Hauptfigur seiner Tragödie „Boris Godunow“, in der alle Forderungen des Klassizismus verletzt wurden, war das Volk, dargestellt als treibende Kraft der Geschichte. Das Verständnis der tragischen Konflikte der Realität wurde von A.N. Ostrovsky („Schuld ohne Schuld“ usw.) und L.N. Tolstoi ("Die Macht der Dunkelheit").

Am Ende des XIX - Anfang des XX Jahrhunderts. Die Tragödie „im hohen Stil“ wird wiederbelebt: in Russland - in den Werken von L. Andreev („Das Leben eines Mannes“, „Zarenhunger“), Vyach. Ivanov ("Prometheus"), im Westen - in der Arbeit von T.-S. Elliot ("Mord in der Kathedrale"), P. Claudel ("Verkündigung"), G. Hauptmann ("Ratten"). Später, im 20. Jahrhundert, im Werk von J.-P. Sartre ("Fliegen"), J. Anouilh ("Antigone").

Tragische Konflikte in der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts. spiegeln sich in der Dramaturgie von M. Bulgakov („Tage der Turbinen“, „Laufen“) wider. In der Literatur des sozialistischen Realismus erhielten sie eine besondere Interpretation, da der Konflikt, der auf dem unversöhnlichen Zusammenstoß der Klassenfeinde beruhte, in ihnen dominierte und die Hauptfigur im Namen der Idee starb („Optimistische Tragödie“ von Vs. Vishnevsky, „Sturm“ von B.

N. Bill-Belotserkovsky, "Invasion" von L. Leonov, "Adler auf seiner Schulter" von I. Selvinsky usw.). In der gegenwärtigen Entwicklungsphase des russischen Dramas ist das Genre der Tragödie fast vergessen, aber tragische Konflikte sind in vielen Stücken enthalten.

Komödie (lat. sotoesIa, griech. kotosIa, von kotoe - ein lustiger Umzug und 6s1yo - ein Lied) ist eine Art Drama, in dem Charaktere, Situationen und Handlungen in lustigen Formen dargestellt oder von Komik durchdrungen sind1.

Die Komödie stammt wie die Tragödie aus dem antiken Griechenland. Der "Vater" der Komödie ist der antike griechische Dramatiker Aristophanes (V-IV Jahrhunderte v. Chr.). In seinen Werken verspottete er die Habgier, Blutrünstigkeit und Unmoral der athenischen Aristokratie, trat für ein friedliches patriarchalisches Leben ein ("Reiter", "Wolken", "Lysistrata", "Frösche").

In der europäischen Literatur der Neuzeit setzte die Komödie die Traditionen der antiken Literatur fort und bereicherte sie. In der europäischen Literatur stechen stabile Arten von Komödien hervor. Zum Beispiel die Komödie der Masken, die Commedia dell'arte (sottesia (le1marle), die im 16. Jahrhundert in Italien erschien. Ihre Charaktere waren typische Masken (Harlekin, Pulcinella usw.). Diese Gattung beeinflusste das Werk von J. - B. Molière, K. Goldoni, C. Gozzi.

In Spanien war die Komödie „Umhang und Schwert“ in den Werken von Lope de Vega („Schaffrühling“), Tirso de Molina („Don Gil Green Pants“), Calderon („No Joking With Love“) beliebt.

Kunsttheoretiker haben die Frage nach dem gesellschaftlichen Zweck der Komödie auf unterschiedliche Weise gelöst. Während der Renaissance beschränkte sich ihre Rolle darauf, die Moral zu korrigieren. Im 19. Jahrhundert V. Belinsky bemerkte, dass die Komödie nicht nur leugnet, sondern auch bekräftigt: „Wahre Empörung über die Widersprüche und Vulgarität der Gesellschaft ist eine Krankheit einer tiefen und edlen Seele, die über ihrer eigenen Gesellschaft steht und das Ideal einer anderen, besseren Gesellschaft trägt.“ Zunächst einmal sollte die Komödie darauf abzielen, das Hässliche lächerlich zu machen. Aber zusammen mit dem Lachen, dem unsichtbaren „ehrlichen Gesicht“ der Komödie (laut N.V. Gogol war das Lachen das einzige ehrliche Gesicht seiner Komödie „Der Generalinspekteur“), könnte es eine „edle Komödie“ haben, die ein positives Prinzip symbolisiert , vertreten zum Beispiel im Bild von Chatsky in Griboyedov, Figaro in Beaumarchais, Falstaff in Shakespeare.

Bedeutende Erfolge erzielte die Kunst der Komödie im Werk von W. Shakespeare („Twelfth Night“, „Der Widerspenstigen Zähmung“ etc.). Der Dramatiker drückte in ihnen die Renaissance-Idee von der unwiderstehlichen Macht der Natur über das menschliche Herz aus. Die Hässlichkeit in seinen Komödien war lustig, Spaß herrschte in ihnen, sie hatten solide Charaktere von starken Menschen, die wissen, wie man liebt. Noch immer verlassen Shakespeares Komödien die Theaterbühnen der Welt nicht.

Glanzvolle Erfolge erzielte der französische Komiker des 17. Jahrhunderts. Molière ist Autor der weltberühmten „Tartuffe“, „Der Kaufmann im Adel“, „Der Geizhals“. Beaumarchais wurde ein berühmter Komiker (Der Barbier von Sevilla, Die Hochzeit des Figaro).

Volkskomödien gibt es in Russland schon lange. Ein herausragender Komiker der russischen Aufklärung war D.N. Fonvizin. Seine Komödie „Undergrowth“ verspottete gnadenlos den „wilden Adel“, der in der Familie Prostakov regierte. Schrieb Komödien I.A. Krylov („Lektion für Töchter“, „Modegeschäft“), ​​die Bewunderung für Ausländer lächerlich macht.

Im 19. Jahrhundert Beispiele für satirische, sozial-realistische Komödien werden von A.S. Gribojedow ("Weh dem Witz"), N.V. Gogol ("Inspektor"), A.N. Ostrovsky („Profitabler Ort“, „Unsere Leute - wir werden miteinander auskommen“ usw.). Die Fortsetzung der Traditionen von N. Gogol, A. Sukhovo-Kobylin in seiner Trilogie („Krechinskys Hochzeit“, „Taten“, „Tarelkins Tod“) zeigte, wie die Bürokratie ganz Russland „umarmte“ und ihm Schwierigkeiten brachte, die mit dem Schaden vergleichbar waren verursacht durch die Tataren, das mongolische Joch und die Invasion Napoleons. Berühmte Komödien von M.E. Saltykow-Schtschedrin („Der Tod von Pazukhin“) und A.N. Tolstoi ("Die Früchte der Aufklärung"), die sich in gewisser Weise der Tragödie näherten (sie enthalten Elemente der Tragikomödie).

Comedy hat verschiedene Genre-Varianten hervorgebracht. Es gibt Stellungskomödien, Intrigenkomödien, Charakterkomödien, Sittenkomödien (Alltagskomödien), Possenreißerkomödien. Es gibt keine klare Grenze zwischen diesen Genres. Die meisten Komödien kombinieren Elemente verschiedener Genres, was die Komödienfiguren vertieft, die Palette des Comicbildes diversifiziert und erweitert. Dies wird von Gogol in The Government Inspector deutlich demonstriert. Einerseits schuf er eine „Situationskomödie“, die auf einer Kette lächerlicher Missverständnisse basierte, von denen das wichtigste der lächerliche Fehler von sechs Kreisbeamten war, die Chlestakovs „Elystratishka“, „Kestrel“, für einen mächtigen Wirtschaftsprüfer hielten, der war die Quelle vieler komischer Situationen. Andererseits erschöpft die komische Wirkung mancher absurder Lebenssituationen den Inhalt des Generalinspekteurs noch lange nicht. Schließlich liegt der Grund für den Fehler der Bezirksbeamten in ihren persönlichen Qualitäten - in ihrer Feigheit, geistigen Unhöflichkeit, geistigen Einschränkungen - und in der Essenz von Khlestakovs Charakter, der, während er in St. Petersburg lebte, das Verhalten von Beamten lernte . Vor uns liegt eine lebendige „Komödie der Charaktere“, genauer gesagt eine Komödie realistisch gezeichneter Gesellschaftstypen, präsentiert unter typischen Umständen.

In Sachen Genre gibt es auch satirische Komödien („Undergrowth“ von Fonvizin, „Inspector General“ von Gogol) und hohes, nah an Drama. Die Handlung dieser Komödien enthält keine lustigen Situationen. In der russischen Dramaturgie ist dies vor allem „Woe from Wit“ von A. Griboyedov. An Chatskys unerwiderter Liebe zu Sophia ist nichts Komisches, aber die Situation, in die sich der romantische junge Mann begab, ist komisch. Die Stellung des gebildeten und fortschrittlich denkenden Chatsky in der Gesellschaft der Famusovs und der Silent Ones ist dramatisch. Es gibt auch lyrische Komödien, ein Beispiel dafür ist „The Cherry Orchard“ von A.P. Tschechow.

Am Ende des XIX - Anfang des XX Jahrhunderts. Komödien erscheinen, gekennzeichnet durch erhöhten Psychologismus, Installation auf dem Bild komplizierter Charaktere. Dazu gehören „Ideenkomödien“ von B. Shaw („Pygmalion“, „Millionär“ usw.), „Stimmungskomödien“ von A. P. Tschechow („Der Kirschgarten“), Tragikomödien von L. Pirandello („Sechs Charaktere in Suche nach einem Autor“), J. Anuya („Wilde Frau“).

Im XX Jahrhundert. Die russische Avantgarde bekennt sich auch im Bereich der Dramaturgie, deren Wurzeln zweifellos in der Folklore liegen. Der Beginn der Folklore findet sich jedoch bereits in den Stücken von V. Kapnist, D. Fonvizin, in der Satire von I. Krylov, N. Gogol, M. Saltykov-Shchedrin, deren Traditionen im 20. Jahrhundert Fortsetzung M. Bulgakov ("Crimson Island", "Zoyka's Apartment", "Adam and Eve"), N. Erdman ("Suicide", "Mandate"), A. Platonov ("Barrel Organ").

In der russischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Drei Stufen werden bedingt unterschieden: futuristisch („Zangezi“ von V. Khlebnikov, „Sieg über die Sonne“ von A. Kruchenykh, „Mystery-Buff“ von V. Mayakovsky), postfuturistisch (Oberiut-Theater der Absurdität: „Elizabeth to you“ von D. Charms, Ivanovs' Christmas Tree von A. Vvedensky) und zeitgenössische Avantgarde-Dramaturgie (A. Artaud, N. Sadur, A. Shipenko, A. Slapovsky, A. Zheleztsov, I. Savelyev, L. Petrushevskaya , E. Gremina und andere. ).

Avantgardistische Tendenzen in der modernen Dramatik sind Gegenstand der Literaturwissenschaft. Zum Beispiel M.I. Gromova sieht die Ursprünge dieses Phänomens darin, dass in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts. Versuche, "alternative" Kunst (Theater Oberiut) zu schaffen, wurden unterdrückt, die viele Jahre in den Untergrund gingen, was zu "Samizdat" und "Dissidenz" führte, und in den 70er Jahren (Jahre der Stagnation) auf den Bühnen zahlreicher " Underground"-Studios, die in den 90er Jahren (den Jahren der Perestroika) das legale Arbeitsrecht erhielten, als es möglich wurde, sich mit westeuropäischer Avantgarde-Dramaturgie aller Art vertraut zu machen: „das Theater des Absurden“, „Theater der Grausamkeit“, „Theater des Paradoxons“, „Happening“ usw. Auf der Bühne des Studios „Laboratory“ wurde ein Stück von V. Denisov „Six Ghosts on the Piano“ aufgeführt (sein Inhalt wurde von einem Gemälde von Salvador Dali inspiriert ). Kritiker waren beeindruckt von der grausamen absurden Realität der Stücke von A. Galin („Sterne am Morgenhimmel“, „Sorry“, „Titul“), A. Dudarev („Dump“), E. Radzinsky („Sportspiele von 1981“, „Unser Decameron“, „Ich stehe im Restaurant“), N. Sadur („Luna Wolves“),

A. Kazantsev ("Träume von Evgenia"), A. Zheleztsov ("Askolds Grab", "Nail"), A. Buravsky ("Russischer Lehrer"). Stücke dieser Art gaben dem Kritiker E. Sokolyansky Anlass zu der Schlussfolgerung: „Es scheint, dass das Einzige, was ein Dramatiker unter den gegenwärtigen Bedingungen vermitteln kann, ein gewisser Wahnsinn des Augenblicks ist. Das heißt, das Gefühl eines Wendepunkts in der Geschichte mit dem Triumph des Chaos. Alle diese Stücke haben Elemente der Tragikomödie. Die Tragikomödie ist eine Art dramatischer Werke (Drama als eine Art), die sowohl die Merkmale der Tragödie als auch der Komödie aufweist, was die Tragikomödie von Formen unterscheidet, die zwischen Tragödie und Komödie liegen, dh vom Drama als Gattung.

Die Tragikomödie verzichtet auf das moralische Absolute von Komödie und Tragödie. Die ihr zugrunde liegende Haltung ist verbunden mit einem Sinn für die Relativität der bestehenden Kriterien des Lebens. Die Überschätzung moralischer Prinzipien führt zu Unsicherheit und sogar Ablehnung; subjektive und objektive Anfänge verschwimmen; Ein unklares Verständnis der Realität kann Interesse daran oder völlige Gleichgültigkeit und sogar das Erkennen der Unlogik der Welt hervorrufen. Das tragikomische Weltbild dominiert in ihnen an Wendepunkten der Geschichte, obwohl der tragikomische Anfang bereits in der Dramaturgie des Euripides (Alcestis, Ion) präsent war.

Die „reine“ Art der Tragikomödie wurde charakteristisch für das Drama des Barock und des Manierismus (F. Beaumont, J. Fletcher). Seine Merkmale sind eine Kombination aus lustigen und ernsten Episoden, eine Mischung aus erhabenen und komischen Charakteren, das Vorhandensein pastoraler Motive, die Idealisierung von Freundschaft und Liebe, komplizierte Handlungen mit unerwarteten Situationen, die vorherrschende Rolle des Zufalls im Schicksal der Charaktere, Die Charaktere sind nicht mit Charakterkonstanz ausgestattet, aber ihre Bilder betonen oft eine Eigenschaft, die einen Charakter zu einem Typus macht.

Dramaturgie am Ende des 19. Jahrhunderts. in den Werken von G. Ibsen, Yu.A. Strindberg, G. Hauptmann, A. Tschechow, L. Pirandello, im 20. Jahrhundert. - G. Lorca, J. Giraudoux, J. Anouilh, E. Ionesco, S. Beckett wird das tragikomische Element intensiviert, wie in der russischen Avantgarde-Dramaturgie des 20. Jahrhunderts.

Die moderne Tragikomödie hat keine klaren Gattungsmerkmale und zeichnet sich durch einen „tragikomischen Effekt“ aus, der dadurch entsteht, dass sowohl in der tragischen als auch in der komischen Berichterstattung die Realität, die Diskrepanz zwischen dem Helden und der Situation (die tragische Situation ist ein komischer Held oder Laster) gezeigt wird umgekehrt, wie in Griboyedovs Komödie „Woe from Wit“); die Unauflösbarkeit des inneren Konflikts (die Handlung setzt die Fortsetzung der Handlung voraus; der Autor verzichtet auf eine abschließende Bewertung), ein Gefühl der Absurdität des Seins.

Eine besondere Art der Unterhaltungskomödie ist das Vaudeville (fr. Vaudeville aus Vau de Vire – so der Name des Tals in der Normandie, in dem diese Gattung der Theaterkunst zu Beginn des 15. Jahrhunderts auftauchte) – ein Spiel mit alltäglichem Inhalt und unterhaltsamer Entwicklung der Handlung, in der sich witzige Dialoge mit Tänzen und Gesängen abwechseln - senks-couplets.

In Frankreich wurde Varieté von E. Labiche, O. Scribe geschrieben. In Russland erschien das Varieté zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Er erbte von der komischen Oper des 18. Jahrhunderts. Interesse an nationalen Themen. Vaudeville schrieb an A.S. Griboedov ("Vorgetäuschte Untreue"), D.T. Lensky ("Lev Gurych Sinichkin"), V.A. Sollogub („Kutscher oder der Streich eines Husarenoffiziers“), P.A. Karatygin („Geliehene Frauen“, „Der exzentrische Tote“), N.A. Nekrasov ("Petersburger Wucherer"), A.P. Tschechow ("Bär", "Antrag", "Hochzeit", "Über die Gefahren des Tabaks"). In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Varieté wurde von der Operette abgelöst. Das Interesse daran kehrte Ende des 20. Jahrhunderts zurück.

In der Theaterkunst des XIX-XX Jahrhunderts. Komödien-Varietés mit leichtem Inhalt und externen Comic-Geräten wurden Farce genannt Farce (französische Farce, aus dem Lateinischen farcio - ich beginne: Mysterien der Mitte des Jahrhunderts „begann“ mit Comedy-Einlagen) - eine Art Volkstheater und Literatur Westeuropas Ländern des XIV-16. Jahrhunderts, insbesondere in Frankreich. Ihn zeichnete eine komische, oft satirische Ausrichtung, realistische Konkretheit, Freidenker aus; voller Possenreißer. Seine Helden waren die Städter. Farce-Maskenbilder hatten keinen individuellen Anfang (Farce steht in der Nähe der Komödie der Masken), obwohl sie der erste Versuch waren, soziale Typen zu schaffen268.

Die Mittel, um einen komischen (satirischen) Effekt zu erzeugen, sind Sprachcomics - Alogismus, Inkongruenz von Situationen, Parodie, Spiel mit Paradoxien, Ironie, in der neuesten Komödie - Humor, Ironie, Sarkasmus, Groteske, Witz, Witz, Wortspiel.

Witz basiert auf einem Sinn für Humor (eigentlich ist er ein und derselbe) – eine besondere assoziative Fähigkeit, die Fähigkeit, sich dem Thema kritisch zu nähern, die Absurdität zu bemerken, schnell darauf zu reagieren269. Das Paradoxon „drückt eine Idee aus, die auf den ersten Blick absurd, aber, wie sich später herausstellt, bis zu einem gewissen Grad fair ist“1. Zum Beispiel in Gogols "Ehe" nach der beschämenden Flucht tadelt Podkolesina Arina Panteleymonovna Kochkarev: Ja, ich lebe in meinem sechsten Jahrzehnt, aber ich habe noch keine solche Angst gemacht. Ja, dafür bin ich, Vater, ich werde dir ins Gesicht spucken, wenn du ein ehrlicher Mensch bist. Ja, danach bist du ein Schurke, wenn du ein ehrlicher Mensch bist. Beschämt das Mädchen vor der ganzen Welt!

Merkmale des grotesken Stils sind charakteristisch für viele Komödien, die in der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts entstanden sind. („Suicide“ von N. Erdman, „Soyka’s apartment“ von M. Bulgakov, „The house that Swift built“ von G. Gorin). E. Schwartz („Drache“, „Schatten“) verwendete in seinen Märchenstücken komische Allegorien und ein satirisches Symbol.

Drama als Genre erschien später als Tragödie und Komödie. Wie die Tragödie neigt sie dazu, scharfe Widersprüche zu erzeugen. Als eine Art dramatisches Genre wurde es während der Aufklärung in Europa verbreitet und gleichzeitig als Gattung verstanden. Drama wurde in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Gattung. unter den Aufklärern (kleinbürgerliches Drama erschien in Frankreich und Deutschland). Es zeigte ein Interesse an der sozialen Lebensweise, an den moralischen Idealen eines demokratischen Umfelds, an der Psychologie des „Durchschnittsmenschen“.

In dieser Zeit befindet sich das tragische Denken in einer Krise und wird durch eine andere Sicht auf die Welt ersetzt, die die soziale Aktivität des Individuums bekräftigt. Im Prozess der Dramaentwicklung verdichtet sich ihr inneres Drama, ein erfolgreicher Ausgang ist immer seltener, der Held steht im Widerspruch zur Gesellschaft und zu sich selbst (z. B. die Stücke von G. Ibsen, B. Shaw, M. Gorky, A. Tschechow).

Das Drama ist ein Stück mit einem scharfen Konflikt, der im Gegensatz zum Tragischen nicht so erhaben, banaler, gewöhnlicher und irgendwie gelöst ist. Die Besonderheit des Dramas liegt erstens darin, dass es auf modernem und nicht auf antikem Material aufbaut, und zweitens etabliert das Drama einen neuen Helden, der sich gegen sein Schicksal und seine Umstände auflehnt. Der Unterschied zwischen Drama und Tragödie liegt im Wesen des Konflikts: Tragische Konflikte sind unlösbar, weil ihre Lösung nicht vom persönlichen Willen der Person abhängt. Der tragische Held gerät unfreiwillig in eine tragische Situation und nicht aufgrund eines Fehlers, den er begangen hat. Dramatische Konflikte sind im Gegensatz zu tragischen nicht unüberwindbar. Sie basieren auf dem Zusammenprall von Charakteren mit solchen Kräften, Prinzipien und Traditionen, die ihnen von außen entgegenstehen. Wenn der Held eines Dramas stirbt, dann ist sein Tod in vielerlei Hinsicht ein Akt einer freiwilligen Entscheidung und nicht das Ergebnis einer tragisch aussichtslosen Situation. So eilt Katerina in A. Ostrovskys "Thunderstorm", akut besorgt, dass sie gegen religiöse und moralische Normen verstoßen hat und nicht in der bedrückenden Atmosphäre des Hauses der Kabanovs leben kann, in die Wolga. Eine solche Entkopplung war nicht zwingend; Die Hindernisse für die Annäherung zwischen Katerina und Boris können nicht als unüberwindbar angesehen werden: Die Rebellion der Heldin hätte anders enden können.

Drama blühte im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. In der Ära der Romantik regierte die Tragödie im Drama. Die Geburt des Dramas ist mit dem Appell der Schriftsteller an zeitgenössische soziale Themen verbunden. Die Tragödie wurde in der Regel auf historischem Material geschaffen. Die Rolle des Protagonisten wurde von einer bedeutenden historischen Persönlichkeit gespielt, die den Kampf unter äußerst ungünstigen Umständen für sich selbst führte. Die Entstehung des dramatischen Genres kennzeichnete das gesteigerte Interesse an der Erkenntnis des modernen gesellschaftlichen Lebens, des dramatischen Schicksals einer „privaten“ Person.

Die Bandbreite des Dramas ist außerordentlich groß. Der Dramatiker schildert den privaten Alltag der Menschen, ihre Beziehungen, Auseinandersetzungen durch Stand, Eigentum, Klassenunterschiede. Im realistischen Drama des 19. Jahrhunderts. Es entwickelte sich überwiegend ein psychologisches Drama (Dramen von A. N. Ostrovsky, G. Ibsen und anderen). Um die Jahrhundertwende veränderte sich das Drama im Werk von A.P. Tschechow ("Iwanow", "Drei Schwestern") mit seiner traurig-ironischen Lyrik, mit Subtext. Ähnliche Tendenzen sind im Werk von M. Maeterlinck mit seiner verborgenen „Tragödie des Alltags“ („Der Blinde“, „Monna Witta“) zu beobachten.

In der Literatur des 20. Jahrhunderts. die Horizonte des Dramas haben sich erheblich erweitert, seine Konflikte sind komplexer geworden. In der Dramaturgie von M. Gorki (Kleinbürger, Feinde, Kinder der Sonne, Barbaren) wird das Problem der Verantwortung der Intelligenz für das Schicksal der Menschen gestellt, aber es wird hauptsächlich auf der Grundlage von Familien- und Alltagsmaterial betrachtet .

Im Westen wurden Dramen von R. Rolland, J. Priestley, Y. O "Neill, A. Miller, F. Durrenmatt, E. Albee, T. Williams geschaffen.

Das "Element" des Dramas ist die Moderne, das Privatleben der Menschen, Situationen, die auf lösbaren Konflikten um das Schicksal einzelner Personen beruhen, die Probleme von öffentlicher Bedeutung nicht berühren.

Es gab solche Arten von Dramen wie das lyrische Drama von M. Maeterlinck und A. Blok (Der Pavillon, Die Rose und das Kreuz), das intellektuelle Drama von J.-P. Sartre, J. Anouilh, das Drama des Absurden von E. Ionesco („The Bald Singer“, „Chairs“), S. Beckett („Waiting for Godot“, „The End of the Game“), oratorisches, Rallye-Theater - das politische Theater von B. Brecht mit seinen "epischen" Stücken ("Was ist das Soldat, was ist das").

In der Geschichte des sowjetischen Theaters hat das politische Theater, dessen Traditionen von V. Mayakovsky, V. Kirshon, A. Afinogenov, B. Lavrenev, K. Simonov niedergelegt wurden, das sich durch eine ausgeprägte Position als Autor auszeichnet einen wichtigen Platz eingenommen. In den 60er - 90er Jahren des 20. Jahrhunderts. Es erschienen journalistische Dramen („Man from outside“ von I. Dvoretsky, „Protokoll eines Treffens“ von A. Gelman, „Interview in Buenos Aires“ von G. Borovik, „Weiter ... weiter ... weiter“ von M. Shatrov) und dokumentarische Dramen („Leaders“ von G. Sokolovsky, „Joseph and Hope“ von O. Kuchkina, „The Black Man, or Me, Poor Soso Dzhugashvili“ von V. Korkiya, „Sixth of July“ und „Blue Horses on Red Grass“ von M. Shatrov, „Anna Ivanovna“ von V. Shalamov, „The Republic of Labour“ von A. Solzhenitsyn usw.). Im Genre des Dramas erschienen solche Spielarten wie Debattenspiele, Dialogspiele, Chronikspiele, Parabelspiele, Märchenspiele und "Neue Dramen".

Separate Spielarten des Dramas verschmelzen mit verwandten Genres, indem sie ihre Ausdrucksmittel verwenden: mit Tragikomödie, Farce, Maskentheater.

Es gibt auch ein Genre wie Melodrama. Melodrama (aus dem Griechischen m?los - Lied, Melodie und Drama - Handlung, Drama) - 1) das Genre des Dramas, ein Stück mit scharfer Intrige, übertriebener Emotionalität, einem scharfen Gegensatz von Gut und Böse, einer moralischen und moralischen Tendenz; 2) ein musikalisch-dramatisches Werk, in dem die Monologe und Dialoge der Figuren von Musik begleitet werden. JJ Rousseau entwickelte die Prinzipien dieses Genres und schuf sein Modell - "Pygmalion"; Ein Beispiel für ein russisches Melodram ist „Orpheus“ von E. Fomin.

Das Melodram entstand im 18. Jahrhundert. in Frankreich (Stücke von J.-M. Monvel und G. de Pixerécourt), erreichte in den 30er und 40er Jahren des 19. Jahrhunderts seinen Höhepunkt, später begann sich darin die externe Unterhaltung durchzusetzen. Melodrama erschien in Russland in den 1920er Jahren. (Stücke von N. V. Kukolnik, N. A. Polevoy usw.), das Interesse daran wurde in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts wiederbelebt. In der Arbeit von A. Arbuzov („Altmodische Komödie“, „Geschichten vom alten Arbat“) finden sich Elemente des Melodrams270. Dramatische Genres erwiesen sich als sehr mobil.

Zusammenfassend zu den Gattungen, Typen und Genres der Literatur ist festzuhalten, dass es intergenerische und extragenerische Formen gibt. Laut B.O. Korman kann man Werke unterscheiden, in denen die Eigenschaften zweier generischer Formen kombiniert werden – „zwei generische Formationen“271.

Zum Beispiel liegt der epische Anfang laut V. Khalizev in den Stücken von A.N. Ostrovsky und B. Brecht, M. Maeterlinck und A. Blok schufen "lyrische Dramen", das lyrisch-epische Prinzip in den Gedichten wurde zu einer bekannten Tatsache. Zu den nicht generischen Formen der Literaturkritik gehören Essays, Literatur des „Bewusstseinsstroms“, Essayismus, zum Beispiel „Experimente“ von M. Montaigne, „Fallen Leaves“ und „Solitary“ von V. Rozanov (es neigt zum Synkretismus: die Anfänge des eigentlichen Künstlerischen darin verbinden sich mit journalistischen und philosophischen, wie in den Werken von A. Remizov "Salting" und M. Prishvin "Eyes of the Earth").

Also, V.E. Khalizev: „... es gibt unterscheidbare generische Formen, die eigentliche, traditionelle und ungeteilte Formen des literarischen Schaffens seit vielen Jahrhunderten dominieren, und „nicht-generische“, nicht-traditionelle Formen, die in der „postromantischen“ Kunst verwurzelt sind. Die ersten interagieren sehr aktiv mit den zweiten und ergänzen sich gegenseitig. Heute ist die platonisch-aristotelisch-hegelianische Trias (Epos, Lyrik, Drama) offensichtlich weitgehend erschüttert und muss korrigiert werden. Gleichzeitig gibt es keinen Grund, die drei üblicherweise unterschiedenen Literaturgattungen für obsolet zu erklären, wie es manchmal mit der leichten Hand des italienischen Philosophen und Kunsttheoretikers B. Croce geschieht. Unter den russischen Literaturkritikern ist A.I. Beletsky: „Für die antiken Literaturen waren die Begriffe Epik, Lyrik, Drama noch nicht abstrakt. Sie bezeichneten besondere, äußere Wege der Übermittlung eines Werkes an ein hörendes Publikum. Zu Beginn des Buches verließ die Poesie diese Übertragungswege, und zwar allmählich<...>Typen (also die Typen der Literatur. - V.Kh.) wurden immer mehr zur Fiktion. Ist es notwendig, die wissenschaftliche Existenz dieser Fiktionen fortzusetzen? 20. Jh. „Bewusstseinsstrom“, Aufsatz). Die Gattungszugehörigkeit (oder im Gegenteil die Einbeziehung einer der „außergenerischen“ Formen) bestimmt weitgehend die Organisation des Werkes, seine formalen, strukturellen Merkmale.Daher der Begriff der „Literaturart“ in der theoretischen Komposition Poetik ist integral und wesentlich "2. ? Kontrollfragen und Aufgaben I 1.

Was als Grundlage für die Zuordnung von drei Literaturarten diente. Was sind die Anzeichen für eine epische, lyrische, dramatische Art der Wirklichkeitswiedergabe? 2.

Nennen Sie die Gattungen der künstlerischen Literatur, geben Sie ihre Merkmale an. Erzählen Sie uns von der Beziehung zwischen Gattungen, Arten und Genres literarischer Werke. 3.

Wie unterscheidet sich eine Geschichte von einem Roman und einer Kurzgeschichte? Nenne Beispiele. vier.

Was sind die Kennzeichen des Romans? Nenne Beispiele. 1 Beletsky A.I. Ausgewählte Arbeiten zur Literaturtheorie. G. 342. 2

Khalizev V.E. Theorie der Literatur. S. 318 - 319.

Kontrollfragen und Aufgaben 5.

Warum sind Ihrer Meinung nach Roman und Kurzgeschichte zu den führenden Gattungen der realistischen Literatur geworden? Ihre Unterschiede. 6.

Skizzieren Sie den Artikel von M.M. Bachtin "Epos und der Roman: Zur Methodik der Romanforschung" (Anhang 1, S. 667). Erledigen Sie die Aufgaben und beantworten Sie die nach dem Artikel vorgeschlagenen Fragen. 7.

Gogol nannte "Dead Souls" zunächst einen "Roman", dann - ein "kleines Epos". Warum blieb er bei der Definition des Genres seines Werkes als „Gedicht“ stehen? acht.

Bestimmen Sie die Merkmale des epischen Romans in den Werken "Krieg und Frieden" von L. Tolstoi und "Quiet Flows the Don" von M. Sholokhov. 9.

Geben Sie dem Werk von N. Shmelev "The Summer of the Lord" eine Genredefinition und begründen Sie es (Roman-Märchen, Roman-Mythos, Roman-Legende, wahre Fiktion, Mythos-Erinnerung, kostenloses Epos, spiritueller Roman). zehn.

Lesen Sie O. Mandelstams Artikel „Das Ende des Romans“. SMandelstam O. Werke: In 2 Bänden M., 1990. S. 201-205). Erklären Sie am Beispiel von B. Pasternaks Roman „Doktor Schiwago“, was die innovative Herangehensweise der Schriftsteller des 20. Jahrhunderts ist. Zum Problem des modernen Romans. Kann man behaupten, dass "... das kompositorische Maß des Romans eine menschliche Biographie ist"? I. Wie würden Sie das Genre von Bulgakows Der Meister und Margarita definieren, in dem Geschichte und Feuilleton, Lyrik und Mythos, Alltag und Fantasie (Roman, Comic-Epos, satirische Utopie) frei kombiniert werden?

Was zeichnet die Lyrik als eine Art Literatur aus? 2.

Skizzieren Sie den Artikel von V.E. Khalizeva "Lyrik" (Anhang 1, S. 682). Bereiten Sie Antworten auf die gestellten Fragen vor. 3.

Basierend auf dem Artikel von L.Ya. Ginzburg „Über die Liedtexte“ (Anhang 1, S. 693) bereitet eine Meldung „Stilmerkmale der Liedtexte“ vor. Nennen Sie die wichtigsten lyrischen und lyrischen Genres und geben Sie ihre Unterschiede an. Wie ist die Einordnung von Liedtexten nach dem thematischen Prinzip? vier.

Erklären Sie, was die Begriffe „suggestive Texte“ und „meditative Texte“ bedeuten. Nenne Beispiele. 5.

Lesen Sie den Artikel von A.N. Pashkurova „Poetik der vorromantischen Elegie: „Time“ von M.N. Muravyov“ (Anhang 1, S. 704). Bereiten Sie die Botschaft „Welchen Weg nahm die russische Elegie in ihrer Entwicklung von der Vorromantik zur Romantik?“ vor. 6.

Erzählen Sie uns von der Entwicklungsgeschichte der Sonettgattung. 7.

Lesen Sie den Artikel von G.N. Esipenko "Das Sonett als Genre studieren" (Literatur in der Schule. 2005. Nr. 8. S. 29-33) und die darin vorgeschlagenen Aufgaben im Zusammenhang mit der Analyse von Sonetten von N. Gumilyov, I. Severyanin, I. Bunin (optional) und auch ein Gedicht in Form eines Sonetts schreiben (vielleicht in Anlehnung an einen Dichter). acht.

Welche Arten der Darstellung des Lebens verwendet A. Puschkin im Gedicht "Zigeuner"? 9.

Welche Werke werden lyroepisch genannt? Analysieren Sie am Beispiel eines der Gedichte von V. Mayakovsky („Man“, „Good!“), S. Yesenin („Anna Onegin“) oder A. Tvardovsky („By the Right of Memory“), wie lyrisch und In ihnen vereinen sich epische Elemente. zehn.

Was ist das Bild der lyrischen Heldin des "Denisiev-Zyklus" F.I. Tjutschew? 13.

Bestimmen Sie die Merkmale der lyrischen Heldin in der Poesie von M. Tsvetaeva und A. Akhmatova. vierzehn.

Kann man von der eigentümlichen „Passivität“ des lyrischen Helden B. Pasternak sprechen, wie R. Yakobson glaubte? fünfzehn.

Wie hängt die Biografie von A. Blok mit seiner Arbeit zusammen? Welche Entwicklung hat das Bild des lyrischen Helden durchgemacht? 16.

Warum hat die moderne Poesie die meisten ihrer traditionellen Gattungen verloren?

Beschreiben Sie die Einteilung in Genres auf dramatische Weise. 2.

Skizzieren Sie den Artikel von V.E. Khalizeva "Drama" (Anhang 1, S. 713). Bereiten Sie Antworten auf die gestellten Fragen vor. 3.

Erzählen Sie uns von den Hauptetappen in der Entwicklung des Tragödiengenres. vier.

Was ist der Unterschied zwischen Drama und Tragödie? 5.

Nennen Sie die Arten der Komödie. Nenne Beispiele. 6.

Beschreiben Sie die "kleinen" dramatischen Genres. Nenne Beispiele. 7.

Wie verstehen Sie die Genredefinition der Stücke von A. Ostrovsky? Können die Dramen "Thunderstorm", "Dowry" als klassische Tragödien bezeichnet werden? acht.

Definieren Sie das Genre von „The Cherry Orchard“ von A.P. Tschechow (Komödie, Tragödie, Farce, Melodram). 9.

Analysieren Sie am Beispiel eines der Stücke Tschechows neue Herangehensweisen an die Organisation dramatischer Handlungen (Dezentralisierung von Handlungssträngen, Weigerung, Charaktere in Haupt- und Nebenfiguren zu unterteilen) und Methoden zur Schaffung individueller Charaktere (Selbstcharakteristika, Monologe-Cues, Aufbau eines sprachlichen Teils eines Bildes auf einer Änderung der stilistischen Tonart; „zufällige“ Bemerkungen in Dialogen, die die Instabilität des psychologischen Zustands der Charaktere betonen usw.). zehn.

Lesen und analysieren Sie eines der Stücke eines zeitgenössischen Dramatikers (optional). elf.

Definieren Sie den Begriff „Subtext“ (siehe: Literary Encyclopedia of Terms and Concepts. M., 2001. S. 755; Literary Encyclopedic Dictionary. M., 1987. S. 284). Nennen Sie Beispiele für lyrische und psychologische Subtexte in A.P. Tschechow (optional), in den Romanen von E. Hemingway, in den Gedichten von M. Tsvetaeva („Sehnsucht nach dem Mutterland! Für eine lange Zeit ...“) und O. Mandelstam („Schieferode“).

Was ist Dramaturgie? Die Antwort auf diese Frage hängt vom Kontext ab, in dem das Wort verwendet wurde. Zuallererst handelt es sich um eine Art Literatur, die für Bühnenproduktionen bestimmt ist und die Interaktion von Charakteren mit der Außenwelt impliziert, die von einer Erklärung des Autors begleitet wird.

Dramaturgie ist auch ein Werk, das nach einem einzigen Prinzip und Gesetz aufgebaut ist.

Merkmale der Dramaturgie

• Die Handlung sollte im Präsens stattfinden und sich schnell an derselben Stelle entwickeln. Der Betrachter wird zum Zeugen und muss gespannt sein und sich in das Geschehen einfühlen.
• Die Produktion kann einen Zeitraum von mehreren Stunden bis hin zu Jahren umfassen. Allerdings sollte die Aktion nicht länger als einen Tag auf der Bühne dauern, da sie durch die Zuschauermöglichkeiten begrenzt ist.
• Je nach Chronologie des Werkes kann ein Drama aus einem oder mehreren Akten bestehen. So wird die Literatur des französischen Klassizismus normalerweise durch 5 Akte repräsentiert, und 2 Akte sind charakteristisch für die spanische Dramaturgie.
• Alle Schauspieler des Dramas sind in zwei Gruppen eingeteilt – Antagonisten und Protagonisten (außerhalb der Bühne können auch Charaktere anwesend sein), und jeder Akt ist ein Duell. Aber der Autor sollte niemandes Seite unterstützen – der Betrachter kann anhand der Hinweise aus dem Kontext der Arbeit nur raten.

Dramatische Konstruktion

Drama hat eine Handlung, einen Plot, ein Thema und eine Intrige.

• Die Handlung ist ein Konflikt, die Beziehung von Charakteren zu Ereignissen, die wiederum mehrere Elemente umfassen: Exposition, Handlung, Handlungsverlauf, Höhepunkt, Handlungsabfall, Auflösung und Finale.
• Die Handlung sind die miteinander verbundenen realen oder fiktiven Ereignisse in zeitlicher Abfolge. Sowohl die Handlung als auch die Handlung sind eine Erzählung von Ereignissen, aber die Handlung ist nur eine Tatsache dessen, was passiert ist, und die Handlung ist eine kausale Beziehung.
• Ein Thema ist eine Reihe von Ereignissen, die die Grundlage eines dramatischen Werks bilden und die durch ein Problem vereint sind, nämlich das, worüber der Autor den Betrachter oder Leser nachdenken lassen wollte.
• Dramatische Intrige ist die Interaktion von Charakteren, die den erwarteten Ablauf der Ereignisse in einem Werk beeinflusst.

Elemente des Dramas

• Ausstellung - eine Aussage über den aktuellen Stand der Dinge, die den Konflikt hervorruft.
• Die Bindung ist die Einrichtung eines Konflikts oder eine Voraussetzung für seine Entwicklung.
• Der Höhepunkt ist der Höhepunkt des Konflikts.
• Die Auflösung ist der Putsch oder Zusammenbruch der Hauptfigur.
• Das Finale ist die Lösung des Konflikts, die auf drei Arten enden kann: Der Konflikt wird gelöst und hat ein Happy End, der Konflikt wird nicht gelöst oder der Konflikt wird tragisch gelöst - der Tod des Protagonisten oder ein anderer Rückzug des Held aus der Arbeit im Finale.

Die Frage „Was ist Dramaturgie“ kann nun mit einer anderen Definition beantwortet werden – es ist die Theorie und Kunst, ein dramatisches Werk zu konstruieren. Es sollte sich auf die Regeln für den Bau eines Grundstücks stützen, einen Plan und eine Grundidee haben. Doch im Laufe der historischen Entwicklung veränderten sich Dramaturgie, Genres (Tragödie, Komödie, Drama), ihre Elemente und Ausdrucksmittel, was die Geschichte der Dramaturgie in mehrere Zyklen unterteilte.

Die Geburt der Dramaturgie

Erstmals wurde der Ursprung der Dramaturgie durch Wandinschriften und Papyri in der Ära des Alten Ägypten belegt, in der es auch eine Handlung, einen Höhepunkt und eine Auflösung gab. Gerade durch die Mythen beeinflussten die Priester, die die Gottheiten kannten, das Bewusstsein des ägyptischen Volkes.

Der Mythos von Isis, Osiris und Horus war für die Ägypter eine Art Bibel. Die Dramaturgie wurde im antiken Griechenland im 5.-6. Jahrhundert v. Chr. weiterentwickelt. e. Das Genre der Tragödie wurde in der antiken griechischen Dramaturgie geboren. Die Handlung der Tragödie drückte sich in der Opposition eines guten und gerechten Helden gegen das Böse aus. Das Finale endete mit dem tragischen Tod des Protagonisten und sollte beim Zuschauer starke Gefühle für eine tiefe Läuterung seiner Seele hervorrufen. Dieses Phänomen hat eine Definition - Katharsis.

Die Mythen wurden von militärischen und politischen Themen dominiert, da die damaligen Tragiker selbst mehr als einmal an Kriegen teilnahmen. Die Dramaturgie des antiken Griechenlands wird durch folgende berühmte Schriftsteller repräsentiert: Aischylos, Sophokles, Euripides. Neben der Tragödie wurde auch das Genre der Komödie wiederbelebt, in der Aristophanes das Hauptthema der Welt machte. Die Menschen sind der Kriege und der Gesetzlosigkeit der Behörden überdrüssig, deshalb fordern sie ein friedliches und ruhiges Leben. Comedy entstand aus komischen Liedern, die manchmal sogar frivol waren. Humanismus und Demokratie waren die Hauptideen in der Arbeit der Komiker. Die berühmtesten Tragödien dieser Zeit sind die Dramen „Perser“ und „Der angekettete Prometheus“ von Aischylos, „König Ödipus“ von Sophokles und „Medea“ von Euripides.

Zur Entwicklung der Dramaturgie im 2.-3. Jahrhundert v. e. beeinflusst von antiken römischen Dramatikern: Plautus, Terence und Seneca. Plautus sympathisierte mit den unteren Schichten der Sklavenhaltergesellschaft, verspottete gierige Wucherer und Kaufleute und ergänzte sie daher auf der Grundlage altgriechischer Geschichten mit Geschichten über das schwierige Leben einfacher Bürger. In seinen Werken gab es viele Lieder und Witze, der Autor war bei seinen Zeitgenossen beliebt und beeinflusste in der Folge das europäische Drama. So nahm Moliere seine berühmte Komödie „Der Schatz“ als Grundlage für sein Werk „Der Geizhals“.

Terence ist ein Vertreter einer späteren Generation. Er konzentriert sich nicht auf Ausdrucksmittel, sondern geht tiefer in die Beschreibung der psychologischen Komponente des Charakters der Figuren ein, und häusliche und familiäre Konflikte zwischen Vätern und Kindern werden zu Themen für Komödien. Sein berühmtes Theaterstück „Brüder“ spiegelt dieses Problem am deutlichsten wider.

Ein weiterer Dramatiker, der einen großen Beitrag zur Entwicklung des Dramas geleistet hat, ist Seneca. Er war der Erzieher von Nero, Kaiser von Rom, und hatte unter ihm eine hohe Position inne. Die Tragödien des Dramatikers haben sich immer um die Rache des Protagonisten entwickelt, die ihn zu schrecklichen Verbrechen getrieben hat. Historiker erklären dies mit den blutigen Gräueltaten, die damals in der Kaiserpfalz stattfanden. Senecas Werk "Medea" beeinflusste später das westeuropäische Theater, doch im Gegensatz zu Euripides' "Medea" wird die Königin als negative Figur dargestellt, die nach Rache dürstet und keine Gefühle empfindet.

Tragödien in der Kaiserzeit wurden durch ein anderes Genre ersetzt - Pantomime. Dies ist ein von Musik und Gesang begleiteter Tanz, der normalerweise von einem Schauspieler mit versiegeltem Mund aufgeführt wurde. Aber noch beliebter waren Zirkusaufführungen in den Amphitheatern - Gladiatorenkämpfe und Streitwagenwettbewerbe, die zum Verfall der Moral und zum Zusammenbruch des Römischen Reiches führten. Die Dramaturgen haben dem Publikum zum ersten Mal am ehesten gezeigt, was Dramaturgie ist, aber das Theater wurde zerstört, und das Drama wurde erst nach einer halbtausendjährigen Entwicklungspause wiederbelebt.

Liturgisches Drama

Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches lebt die Dramaturgie erst im 9. Jahrhundert in kirchlichen Riten und Gebeten wieder auf. Um so viele Menschen wie möglich zur Anbetung zu bewegen und die Massen durch die Anbetung Gottes zu kontrollieren, führt die Kirche kleine spektakuläre Aufführungen ein, wie die Auferstehung Jesu Christi oder andere biblische Geschichten. So entwickelte sich das liturgische Drama.

Die Menschen versammelten sich jedoch zu den Aufführungen und wurden vom Gottesdienst selbst abgelenkt, wodurch ein halbliturgisches Drama entstand - die Aufführungen wurden auf die Veranden verlegt und Lebensgeschichten auf der Grundlage biblischer Geschichten, die für das Publikum verständlicher waren, begannen zu beginnen als Grundlage genommen werden.

Wiederbelebung der Dramaturgie in Europa

Die Dramaturgie entwickelte sich während der Renaissance im 14.-16. Jahrhundert weiter und kehrte zu den Werten der antiken Kultur zurück. Plots aus antiken griechischen und römischen Mythen inspirieren Autoren der Renaissance

In Italien begann sich das Theater wiederzubeleben, es entstand eine professionelle Herangehensweise an Bühnenproduktionen, es entstand eine musikalische Art von Werk wie Oper, Komödie, Tragödie und Pastoral wurden wiederbelebt - ein Genre der Dramaturgie, dessen Hauptthema das Ländliche war Leben. Die Komödie gab in ihrer Entwicklung zwei Richtungen:

• wissenschaftliche Komödie, konzipiert für einen Kreis gebildeter Menschen;
• Straßenkomödie - Improvisationstheater der Masken.

Die prominentesten Vertreter der italienischen Dramaturgie sind Angelo Beolco („Kokette“, „Komödie ohne Titel“), Giangiorgio Trissino („Sofonisba“) und Lodovico Ariosto („Komödie um die Brust“, „Furious Orlando“).

Das englische Drama stärkt die Position des Theaters des Realismus. Mythen und Mysterien werden durch ein gesellschaftsphilosophisches Verständnis des Lebens ersetzt. Als Begründer des Renaissance-Dramas gilt der englische Dramatiker Christopher Marlo ("Tamerlane", "The Tragic History of Doctor Faust"). Das Theater des Realismus wurde unter William Shakespeare entwickelt, der in seinen Werken auch humanistische Ideen unterstützte - Romeo und Julia, König Lear, Othello, Hamlet. Die Autoren dieser Zeit hörten auf die Wünsche des einfachen Volkes, und die Lieblingshelden der Stücke waren Einfaltspinsel, Wucherer, Krieger und Kurtisanen sowie bescheidene Selbstaufopferungsheldinnen. Die Charaktere passen sich der Handlung an, die die damaligen Realitäten vermittelt.

Die Epoche des 17.-18. Jahrhunderts wird durch die Dramaturgie des Barock und des Klassizismus repräsentiert. Humanismus als Richtung tritt in den Hintergrund, und der Held fühlt sich verloren. Barocke Ideen trennen Gott und Mensch, das heißt, jetzt wird der Mensch selbst seinem eigenen Schicksal überlassen. Die Hauptrichtung der barocken Dramaturgie ist der Manierismus (die Vergänglichkeit der Welt und die prekäre Position des Menschen), der den Dramen „Fuente Ovehuna“ und „Der Stern von Sevilla“ von Lope de Vega und den Werken von Tirso de Molina innewohnt - "Sevilla Verführer", "Fromme Martha".

Klassizismus ist das Gegenteil von Barock, hauptsächlich weil er auf Realismus basiert. Die Tragödie wird zum Hauptgenre. Ein beliebtes Thema in den Werken von Pierre Corneille, Jean Racine und Jean-Baptiste Molière ist der Konflikt zwischen persönlichen und bürgerlichen Interessen, Gefühlen und Pflichten. Der Dienst am Staat ist das höchste edle Ziel für eine Person. Die Tragödie „Der Cid“ brachte Pierre Corneille großen Erfolg, und zwei Theaterstücke von Jean Racine „Alexander der Große“, „Thebais oder Brüder-Feinde“ wurden auf Anraten von Molière geschrieben und inszeniert.

Moliere war der populärste Dramatiker dieser Zeit und stand unter der Schirmherrschaft des Regierenden und hinterließ 32 Theaterstücke in verschiedenen Genres. Die wichtigsten davon sind „Madcap“, „Doctor in Love“ und „Imaginary Sick“.

Während der Aufklärung entwickelten sich drei Strömungen: Klassizismus, Sentimentalismus und Rokoko, die im 18. Jahrhundert die Dramaturgie Englands, Frankreichs, Deutschlands und Italiens beeinflussten. Die Ungerechtigkeit der Welt gegenüber gewöhnlichen Menschen ist zu einem Hauptthema für Dramatiker geworden. Die Oberschicht teilt sich die Plätze mit dem einfachen Volk. Das Aufklärungstheater befreit die Menschen von etablierten Vorurteilen und wird für sie nicht nur zur Unterhaltung, sondern auch zur Moralschule. Philisterdramen gewinnen an Popularität (George Lilo „The London Merchant“ und Edward Moore „The Gambler“), die die Probleme der Bourgeoisie hervorheben und sie für genauso wichtig halten wie die Probleme des Königshauses.

Gotische Dramaturgie wurde zum ersten Mal von John Gom in den Tragödien „Douglas“ und „Fatal Discovery“ präsentiert, deren Themen familiärer und alltäglicher Natur waren. Das französische Drama wurde in größerem Umfang durch den Dichter, Historiker und Publizisten Francois Voltaire (Ödipus, Der Tod des Kaisers, Der verlorene Sohn) vertreten. John Gay ("Die Bettleroper") und Bertolt Brecht ("Die Dreigroschenoper") eröffneten der Komödie neue Wege - moralisierend und realistisch. Und Henry Fielding kritisierte fast immer das englische politische System durch satirische Komödien (Love in Various Disguises, The Coffeehouse Politician), theatralische Parodien (Pasquin), Farces und Balladenopern (The Lottery, The Schememing Maid) , danach das Gesetz zur Theaterzensur wurde vorgestellt.

Da Deutschland der Urahn der Romantik ist, war die deutsche Dramaturgie im 18. und 19. Jahrhundert am weitesten entwickelt. Der Protagonist der Arbeiten ist ein idealisierter kreativ begabter Mensch, der sich der realen Welt entgegenstellt. F. Schelling hatte großen Einfluss auf das Weltbild der Romantiker. Später veröffentlichte Gotthald Lessing sein Werk „Hamburger Dramaturgie“, in dem er Klassizismus kritisierte und die Ideen von Shakespeares aufklärerischem Realismus förderte. Johann Goethe und Friedrich Schiller gründen das Weimarer Theater und verbessern die Schauspielschule. Heinrich von Kleist („Die Familie Schroffenstein“, „Prinz Friedrich von Homburg“) und Johann Ludwig Tieck („Der gestiefelte Kater“, „Umgekehrte Welt“) gelten als die schillerndsten Vertreter der deutschen Dramaturgie.

Die Blütezeit der Dramaturgie in Russland

Das russische Drama begann sich im 18. Jahrhundert aktiv unter dem Vertreter des Klassizismus zu entwickeln - A.P. Sumarokov, genannt "Vater des russischen Theaters", dessen Tragödien ("Monster", "Narzisse", "Wächter", "Cuckold by fantasy") konzentrierten sich auf das Werk von Molière. Aber erst im 19. Jahrhundert spielte diese Richtung eine herausragende Rolle in der Kulturgeschichte.

In russischen Dramen entwickelten sich mehrere Genres. Dies sind die Tragödien von V. A. Ozerov („Jaropolk und Oleg“, „Ödipus in Athen“, „Dimitri Donskoy“), die die während der Napoleonischen Kriege relevanten gesellschaftspolitischen Probleme widerspiegelten, satirische Komödien von I. Krylov („Mad Family“, „Coffee House“) und Lehrdramen von A. Griboedov („Woe from Wit“), N. Gogol („The Government Inspector“) und A. Pushkin („Boris Godunov“, „A Feast in the Time of Pest").

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts etablierte sich der Realismus fest in russischen Dramen, und A. Ostrovsky wurde zum auffälligsten Dramatiker in dieser Richtung. Sein Werk bestand aus historischen Theaterstücken („Voevoda“), Dramen („Gewitter“), satirischen Komödien („Wölfe und Schafe“) und Märchen. Die Hauptfigur der Werke war ein findiger Abenteurer, Kaufmann und provinzieller Schauspieler.

Merkmale der neuen Richtung

Die Zeit vom 19. bis zum 20. Jahrhundert führt uns in ein neues Drama ein, das die naturalistische Dramaturgie ist. Die Schriftsteller dieser Zeit versuchten, das "wirkliche" Leben zu vermitteln und zeigten die unschönsten Aspekte des Lebens der Menschen dieser Zeit. Die Handlungen einer Person wurden nicht nur von ihren inneren Überzeugungen bestimmt, sondern auch von den sie beeinflussenden Umständen, sodass die Hauptfigur der Arbeit nicht eine Person, sondern sogar eine ganze Familie oder ein separates Problem oder Ereignis sein konnte.

Das neue Drama repräsentiert mehrere literarische Strömungen. Sie alle eint die Aufmerksamkeit der Dramatiker für die Befindlichkeit der Figur, die plausible Übermittlung der Realität und die Erklärung aller menschlichen Handlungen aus naturwissenschaftlicher Sicht. Henrik Ibsen war der Begründer des neuen Dramas, und der Einfluss des Naturalismus zeigte sich am deutlichsten in seinem Stück Gespenster.

In der Theaterkultur des 20. Jahrhunderts beginnen sich 4 Hauptrichtungen zu entwickeln - Symbolismus, Expressionismus, Dadaismus und Surrealismus. Alle Begründer dieser Strömungen in der Dramaturgie einte die Abkehr von der traditionellen Kultur und die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln. Maeterlinck („Der Blinde“, „Jeanne d’Arc“) und Hofmannsthal („Der Narr und der Tod“) als Vertreter der Symbolik thematisieren in ihren Stücken den Tod und die Rolle des Menschen in der Gesellschaft, und Hugo Ball, ein Vertreter der dadaistischen Dramaturgie, betonte die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz und die völlige Verleugnung aller Überzeugungen. Surrealismus ist mit dem Namen Andre Breton („Bitte“) verbunden, dessen Helden von unzusammenhängenden Dialogen und Selbstzerstörung geprägt sind. Das expressionistische Drama erbt die Romantik, in der die Hauptfigur der ganzen Welt gegenübersteht. Vertreter dieser dramaturgischen Richtung waren Gan Jost ("Junger Mann", "Der Einsiedler"), Arnolt Bronnen ("Aufruhr gegen Gott") und Frank Wedekind ("Die Büchse der Pandora").

zeitgenössisches Drama

An der Wende vom 20. zum 21. Jahrhundert verlor die moderne Dramaturgie ihre Positionen und begab sich auf die Suche nach neuen Gattungen und Ausdrucksmitteln. In Russland bildete sich die Richtung des Existentialismus und entwickelte sich danach in Deutschland und Frankreich.

Jean-Paul Sartre wählt in seinen Dramen („Hinter verschlossenen Türen“, „Fliegen“) und andere Dramatiker einen Menschen, der ständig über das gedankenlose Leben nachdenkt, zum Helden ihrer Werke. Diese Angst lässt ihn über die Unvollkommenheit der Welt um ihn herum nachdenken und sie verändern.

Unter dem Einfluss von Franz Kafka entsteht das Theater des Absurden, das realistische Charaktere leugnet, und die Werke von Dramatikern werden in Form von sich wiederholenden Dialogen, Inkonsistenzen von Handlungen und dem Fehlen kausaler Beziehungen geschrieben. Die russische Dramaturgie wählt universelle menschliche Werte als Hauptthema. Sie verteidigt die Ideale des Menschen und strebt nach Schönheit.

Die Entwicklung des Dramas in der Literatur steht in direktem Zusammenhang mit dem Verlauf historischer Ereignisse in der Welt. Dramatiker aus verschiedenen Ländern, ständig unter dem Eindruck gesellschaftspolitischer Probleme, gaben oft selbst die Richtung in der Kunst vor und beeinflussten damit die Massen. Die Blütezeit der Dramaturgie fiel auf die Ära des Römischen Reiches, des alten Ägypten und Griechenlands, in deren Entwicklung sich die Formen und Elemente des Dramas änderten und das Thema für die Werke entweder neue Probleme in die Handlung einführte oder zu ihr zurückkehrte Alte Probleme der Antike. Und wenn die Dramatiker der ersten Jahrtausende auf die Ausdruckskraft der Sprache und den Charakter des Helden geachtet haben, der sich am deutlichsten in der Arbeit des damaligen Dramatikers - Shakespeare - ausdrückt, dann haben die Vertreter der modernen Richtung die Rolle von gestärkt Atmosphäre und Subtext in ihren Werken. Auf der Grundlage des Vorstehenden können wir eine dritte Antwort auf die Frage geben: Was ist Dramaturgie? Dies sind dramatische Werke, die von einer Epoche, einem Land oder einem Autor vereint werden.

griechisch Drama - Aktion) - eine Art Literatur, in der ein Bild des Lebens durch Ereignisse, Aktionen, Zusammenstöße von Helden gegeben wird, d.h. durch die Phänomene, die die Außenwelt ausmachen.

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THEATER

griechisch Drama - Action).- 1. Einer der wichtigsten. Geburt des Künstlers Literatur (zusammen mit Lyrik und Epos), die Werke abdeckt, die normalerweise für die Aufführung auf der Bühne bestimmt sind; unterteilt in Gattungsvarianten: Tragödie, Komödie, Drama im engeren Sinne, Melodram, Farce. Dramatischer Text. besteht aus Dialogen und Monologen von Charakteren, die bestimmte menschliche Charaktere verkörpern und sich in Handlungen und Reden manifestieren. Das Wesen des Dramas ist die Offenlegung der Widersprüche der Realität, die in den Konflikten verkörpert sind, die die Entwicklung der Handlung des Werks bestimmen, und in den inneren Widersprüchen, die der Persönlichkeit der Charaktere innewohnen. Plots, Formen und Stile des Dramas haben sich im Laufe der Kulturgeschichte verändert. Als Gegenstand des Bildes dienten zunächst Mythen, in denen die spirituelle Erfahrung der Menschheit verallgemeinert wurde (D. Orient, antikes Griechenland, religiöses D. europäisches Mittelalter). Ein Wendepunkt in der Dramatisierung kam mit einer Berufung auf die reale Geschichte und staatliche und innerstaatliche Konflikte (Vozrozhdeniya, die Dramaturgie von Shakespeare, Lope de Vega, Corneille, Racine und anderen); Plots D. begann, die Ereignisse und Charaktere des Majestätischen und Heldenhaften zu reflektieren. Im 18. Jahrhundert. unter dem Einfluss der Ästhetik der Aufklärung, D.

die Förderer des aufstrebenden Bürgertums (Didero, Lessing). Der Realismus der Aufklärungsromantik der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. kontrastieren legendäre und historische Handlungen, außergewöhnliche Helden, Intensität der Leidenschaften. An der Wende des XIX-XX Jahrhunderts. Der Symbolismus belebt mythologische Themen in D., während der Naturalismus die dunkelsten Aspekte des täglichen Lebens anspricht. D. in der sozialistischen Kunst, die sich um eine umfassende Abdeckung der Realität bemüht, folgt den Traditionen des Realismus der Vorperiode und ergänzt den Realismus oft mit revolutionärer Romantik. 2. Eine Vielzahl von Stücken, in denen der Konflikt keine tragische, tödliche Auflösung erhält, aber die Handlung auch keinen rein komischen Charakter erhält. Diese zwischen Tragödie und Komödie angesiedelte Gattung des Dramas war vor allem in der zweiten Hälfte des 19. und 20. Jahrhunderts weit verbreitet. Ein markantes Beispiel für eine solche Vielfalt an Stücken ist die Dramaturgie von A.P. Tschechow.

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