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Barnett Newman, auch Newman (Eng. Barnett Newman; 29. ​​Januar 1905, New York - 4. Juli 1970, New York) - amerikanischer Künstler, ein prominenter Vertreter des abstrakten Expressionismus.

BIOGRAPHIE DES KÜNSTLERS

Newman wurde in eine Familie jüdischer Einwanderer aus Polen hineingeboren. Nach einem Studium der Malerei an der Art Students League (Art Students League) bei Duncan Smith gelang es ihm erst ab 1937, sich ganz der Kunst zu widmen.

Zunächst arbeitete er im Sinne des Automatismus, schuf 1944-1945 eine Serie kalligraphisch-surrealistischer Zeichnungen und gründete 3 Jahre später zusammen mit William Baziotis und Robert Motherwell eine Kunstschule. In dieser Zeit schreibt der Künstler seine abstrakt-expressionistischen Leinwände.

Erst 1950 organisierte Barnett Newman seine erste Einzelausstellung, die auf vernichtende Kritik stieß. Danach macht der Künstler eine 8-jährige Pause, die er der Entwicklung seiner Fähigkeiten widmet. Das Ergebnis war eine Retrospektive seines Schaffens von 1958, die er der Öffentlichkeit präsentierte. Seine Gemälde sind meist monochromatische Oberflächen, als ob sie mit Farblinien „genäht“ wären, die sich vom Hauptton abheben.

1966 organisierte Lawrence Alloway im Solomon Guggenheim Museum in New York eine Ausstellung mit dem Titel The Way of the Cross. Sie zerstreute die letzten Zweifel auch bei jenen Künstlern, die Newmans technische Qualitäten (Farbbrillanz, Großformat) schätzten und nicht die wahre, metaphysische Bedeutung seines Werks.

„Die Werkstatt ist ein Zufluchtsort“, erklärte der Künstler.

Newmans neueste Arbeiten sind Kompositionen in Form eines gleichschenkligen Dreiecks. Retrospektive Ausstellungen von Newmans Werken fanden 1972 in New York und dann in London, Amsterdam und Paris statt. Seine Gemälde sind in vielen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, u. a. in New York (Museum of Modern Art), Los Angeles („Onement VI“, 1953, Sammlung Weismann), Basel („Day before One“, 1951), London („Adam“ , 1951-1952, Gal. Tate), Stockholm („Tertia“, 1964, Nationalmuseum) und Houston (Sammlung Menil). Im National Museum für moderne Kunst. Das Centre Pompidou in Paris beherbergt das Gemälde „Shining Forth“ (1961) und eine Sammlung von Stichen.

SCHAFFUNG

Clement Greenberg schrieb: „Die Ränder von Newmans großen Leinwänden spielen die gleiche Rolle wie die inneren Formenlinien. Sie teilen, aber sie trennen, schließen oder isolieren nichts. Sie setzen Grenzen, schränken aber nichts ein.“

Newman wurde als Modell der Hochmoderne bezeichnet, als Vorläufer des Minimalismus, als existentialistischer und spiritueller Künstler, der sich von der jüdischen Mystik inspirieren lässt. Newman selbst erklärte 1947, als er zu einem ausgereiften Stil kam, dass jede Kunst, die ihren Namen verdient, sich mit „Leben“, „Mensch“, „Natur“, „Tod“ und „Tragödie“ befassen müsse. Newman bestand immer auf dem reichen emotionalen Inhalt seiner Arbeit, obwohl seine Arbeit zu Lebzeiten für Missverständnisse und Vorwürfe der „Leere“ sorgte.

Newman ist einer der führenden Vertreter der amerikanischen Nachkriegskunst. Zusammen mit Rothko und Still vertritt er den dem Action Painting feindlich gesinnten Teil der New York School. Bis 1960 spielte er eine eher bescheidene Rolle. Auf und vor allem aber wirkten Newmans strenge Formen und weite Flächen besonders auffällig, für die das Hauptproblem die vertikalen Farbfelder und ihre Verortung im Raum waren.

Dann begann der Künstler großformatig und in leuchtenden Farben zu arbeiten, so dass die vertikalen Farbfelder ein Relief erhielten und ihre Ausdehnung im Raum die Aufmerksamkeit des Publikums vollständig in Anspruch nahm („Abraham“, 1949, New York, Museum of Modern Art) . So wurde das primitive Rechteck des Bildes gebrochen. Die in das Rechteck eingeschriebene vertikale Teilung wurde der nächste Faktor zwischen den Teilen; es bestätigt das ursprüngliche Schema innerhalb der Ebene: Jeder Bildteil steht in formaler Analogie im anderen, so wie das ganze Bild auf die Wand bezogen ist („Wer hat Angst vor Rot, Gelb, Blau?“, 1966- 1967, Amsterdam, Stadtmuseum).

Aber es ist unmöglich, diese Richtung rein formal zu betrachten. Der Künstler selbst hält seine Werke für fast symbolisch. Wie bei anderen Meistern dieser Generation sind die Titel seiner Bilder oft metaphorisch und zweideutig, gleichzeitig intellektuell und poetisch.

ONEMENT-SERIE

„Onement“ (sechs Gemälde tragen diesen Namen) spiegelt Harmonie, Totalität, Vollständigkeit wider. Der Biograf des Künstlers, Thomas Hess, stellt fest, dass das Wort „onement“ im Englischen nicht existiert, es kommt von „atonement“, was „Erlösung“ bedeutet.

Die Onement-Serie ist eines von Newmans Gründungsprojekten. Die Leinwände dieser Serie zeigen, ohne in Feinheiten zu gehen, die charakteristische kreative Arbeitsweise des Künstlers: ein mehrfarbiger oder einheitlich strukturierter Hintergrund mit vertikalen Streifen. Der Künstler selbst nannte sie Lightning (zip). Er sagte, dass dieser Begriff angemessener ist - verbunden mit Bewegung und Unvollständigkeit. Den Ausdruck „fertiges Werk“ betrachtet Newman als Scharlatan. „Onement1“ (1948) ist die erste Bildarbeit, in der die Richtung der Suche klar zum Ausdruck kommt: Ein großes orangefarbenes Band, das nicht in der Bildmitte verläuft, erzeugt den Effekt ständiger Dynamik.

Darüber hinaus arbeitete der Künstler auch an Skulpturen, hauptsächlich in Stahl („Here 1“, 1962; „Here II“, 1965; „Here III“, ebd.; „Broken Obelisk“, 1963-1967; „ZimZum“, 1962 ), über den Grundriss der Synagoge (1963) und Lithografien („Kantos“, 1963-1964, Paris, Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou). Das Werk dieses originellen Künstlers, der manchmal wahre Tiefe erreichte und selten in Oberflächlichkeit und Wichtigtuerei verfiel, wird lange in Erinnerung bleiben.

US-amerikanischer Maler, Bildhauer, Philosoph und Essayist Barnett Newman (1905-1970) Ich dachte, dass „Kreativität ist nicht nur der höchste, sondern auch der primäre Zustand des menschlichen Bewusstseins“.

Aber um dies der Welt zu beweisen, musste der Vertreter des abstrakten Expressionismus eine Flut von Unzufriedenheit und Missverständnissen von Kritikern ertragen, seine in 40 Jahren entstandenen Werke zerstören, eine achtjährige Pause einlegen und erst nach allem Erlebten zu einem werden Modell der Hochmoderne.

Und jetzt über alles in Ordnung.

New York, USA. 29. Januar 1905 Der spätere Künstler Barnett Newman wurde in eine Familie jüdischer Emigranten aus Polen hineingeboren. Interesse an der Malerei zeigte sich bei dem Jungen in der Schule. Allmählich wuchs es zu einer Lebensaufgabe heran, und der erhaltene philosophische Abschluss verstärkte nur den Wunsch, dies der Welt zu beweisen "Der erste Mensch war ein Künstler!", weil „Adam, der vom Baum der Erkenntnis gekostet hatte, suchte nach einem schöpferischen Leben, um wie Gott zu sein – der „Schöpfer der Welten“.

Die frühen Werke des Malers sind freie Assoziationen, Träume oder anders gesagt eine Art Automatismus. In Anlehnung an Jackson Pollock schafft Newman 1944-1945 eine Serie kalligrafisch-surrealistischer Zeichnungen Untitled („Untitled“), The Blessing („Blessing“).

Die auf einer Einzelausstellung 1950 präsentierten Leinwände zeichnen sich durch Anspielungen und paradoxe Formenkombinationen aus. Viel bedeuten oder nichts bedeuten ist das Prinzip des Surrealismus, daher versteht jeder den frühen Newman auf seine Weise. Der Künstler selbst erklärte, dass seine Werke reich an emotionalen Inhalten seien. Er setzte sich ein hohes Ziel - sich epochalen Begriffen zuzuwenden: Mensch, Natur, Leben, Tod.

Die Titel von Newmans Gemälden sollen jene Gefühle und Emotionen hervorrufen, die der Autor mit nur einer Farbe in einer nicht-gegenständlichen Welt vermittelt. Leider haben Kritiker seiner Arbeit vorgeworfen, leer zu sein. Wenig schmeichelhafte Kritiken wiederum zwangen Newman, die Arena der Kunst für einige Zeit zu verlassen, aber wie sich herausstellte, ging er nicht, sondern hielt sich bedeckt. Eine achtjährige Pause führte den Künstler zum abstrakten Expressionismus.

Ausgangspunkt einer neuen Schaffensrunde des Expressionisten war eine Retrospektive seines Schaffens. Die Werke von Barnett Newman, die 1858 der Öffentlichkeit präsentiert wurden, wurden auf völlig neue Weise aufgeführt. Seine Leinwände wurden größer und wurden in leuchtenden Farben hergestellt. Auf ihnen erschien der sogenannte "Reißverschluss" oder vertikale Streifen - Newmans Visitenkarte.

Die aus sechs Gemälden bestehende Onement-Serie („Atonement“) spiegelt die Harmonie und Fülle des Lebens wider. Der Künstler ließ sich von philosophischen Werten inspirieren, sodass alle Werke als symbolisch angesehen werden können und ihre Titel metaphorisch sind. Die Grenzen der Töne auf ihnen teilen nicht wirklich etwas, sondern verkünden eines der wichtigsten amerikanischen Prinzipien - Freiheit. Der amerikanische Kunstkritiker Clement Greenberg schrieb:

„Die Ränder von Newmans großen Leinwänden spielen die gleiche Rolle wie die inneren Formenlinien. Sie teilen, aber sie trennen, schließen oder isolieren nichts. Sie setzen Grenzen, schränken aber nichts ein.“

Neben der Malerei arbeitete Newman auch an der Bildhauerei. Broken Obelisk („Broken Obelisk“) beeindruckt durch seine Monumentalität. Es ist ein umgekehrter Obelisk, der in der Luft zu schweben scheint. Pyramiden und Obelisken galten lange Zeit als Symbol des Todes, aber der Künstler denkt dieses Konzept neu und verwandelt den Tod in endloses Leben.

Barnett Newman schuf abstrakte Leinwände und erfand seine eigenen Anweisungen zum Verständnis seiner Arbeit. Er bestand darauf, dass seine Leinwände entgegen dem gängigen Prinzip nicht aus einer Entfernung betrachtet werden sollten, die der Höhe der Leinwand entspricht, sondern ausschließlich in deren Nähe. Dadurch entsteht der Effekt des Eintauchens in die Welt der bunten Felder.

Wenig später begann der große Vertreter des abstrakten Expressionismus, Hinweistafeln direkt auf Ausstellungen zu platzieren, weil er glaubte, dass sie in der Nähe seines Werks das Selbstbewusstsein eines Menschen ansprechen könnten.

1. Pablo Picasso. Schlafen – 155 Millionen Dollar

Der Meister schrieb dieses Werk 1932 in seinem Schloss Bouagelou, 63 km von Paris entfernt. Marie-Therese Walter stand ihm Modell, die damals sein einziges Modell, Heldin und Muse war. Der Traum entstand während der sogenannten „Periode des Surrealismus“, einer der schwierigsten und ungleichmäßigsten Perioden im Werk Picassos. Die mittelgroße Leinwand (130 x 97 cm) wurde erstmals am 11. September 1997 bei Christie's versteigert und kam für 48,4 Mio. $ unter den Hammer. Nach 9 Jahren tauchte das Gemälde wieder auf dem Kunstmarkt auf, kostete jedoch 139 $ Allerdings ereignete sich kurz vor dem Verkauf ein unvorhergesehener Zwischenfall.Der Besitzer des Gemäldes, Steve Wynn, stand am Tag vor dem Tausch für den bereits vereinbarten Betrag mit dem Rücken zum Gemälde und erzählte seinen Gästen aus dem Leben des Gemäldes Künstler. Er war so leidenschaftlich bei seiner Geschichte und so emotional aufgeladen, dass er die ganze Zeit gestikulierte. Hier, in einem anderen Impuls, schlug Steve Wynn unerwartet mit seinem rechten Ellbogen auf das Gemälde und zerriss es. Natürlich wurde der Deal storniert, und das Gemälde war zur Restaurierung geschickt. Ende März 2013 wurde bekannt, dass der ehemalige Bewerber um das Gemälde, Stephen Cohen, „die Leinwand sich weigerte, es zu kaufen, seinen Wunsch bekräftigte, ein restauriertes Meisterwerk zu kaufen "Dream" wurde für dieses Gemälde für einen Rekord verkauft 155 Millionen Dollar (Stephen Cohen äußerte die Meinung, dass das Bild nach der Restaurierung besser geworden sei, und warf 16 Millionen Dollar oben drauf). Niemand hat jemals mehr gekauft als Picasso.

2. Francis Bacon. Drei Studien für ein Porträt von Lucian Freud – 142,4 Millionen Dollar

Dieses Werk wurde 1969 vom Künstler am Royal College of Art in London gemalt. Es zeigt einen anderen britischen Maler und damals engen Freund von Bacon, Lucian Freud. Jeder Teil des Triptychons hat die gleiche Größe von 198 x 147,5 cm und wurde erstmals auf einer Ausstellung in Turin in der Galleria d'Arte Galatea gezeigt. Mitte der 70er Jahre des letzten Jahrhunderts gingen nach der Ausstellung im Grand Palais drei Teile des Triptychons in unterschiedliche Richtungen - Rom, Paris und Japan, und erst Ende der 80er Jahre durch die Bemühungen des italienischen Sammlers aus Rom, Francesco de Simon Nikes, wurden wieder vereint und 1999 im American Yale Center for British Art gezeigt. Am 12. November 2013 wurde das Triptychon innerhalb von 6 Minuten bei Christie's für einen Rekordpreis von 142,4 Millionen US-Dollar in einer offenen Auktion verkauft.Der Name des Käufers wurde zunächst nicht genannt, wurde aber nach einiger Zeit bekannt Angebliche Gerüchte, wonach das Werk des englischen Künstlers von der Schwester des Emirs von Katar, Al-Mayassa-bint-Hamad-bin-Khalifa-al-Tan, und tatsächlich dem glücklichen Besitzer von Francis Bacon's, gekauft wurde Triptychon „Drei Studien eines Porträts von Lucian Freud“ war die 70-jährige Elaine Wynn, die Ex-Frau eines amerikanischen Magnaten Steve Wynn, die Picasso mit seinem Ellbogen erstochen hatte.

3. Barnett Newmann. Annas Licht – 106 Millionen Dollar

Barnett Newman hat nur neun öffentliche Verkäufe (im Gegensatz zu demselben Picasso, der bereits 359 hatte), was diesen Amerikaner nicht daran hindert, in der Eliteklasse der teuersten Künstler zu sein. Eigentlich hat Barnett Newman gar nicht so viele Werke im Angebot – nur 120, da er alle seine frühen Arbeiten 1940 höchstpersönlich vernichtete. Das 1968 von Newman geschriebene und in Erinnerung an seine 1965 verstorbene Mutter benannte Gemälde „The Light of Anna“ ist das größte des gesamten Schaffens des Künstlers. Seine Abmessungen sind wirklich beeindruckend - 610,5 x 275 cm.Für Newman war dies sehr wichtig, er legte besonderen Wert auf die Größe als Hauptkomponente des visuellen Erlebnisses. Nicht zu vergessen ist natürlich die rote Farbpalette, die der Künstler in mehreren Schichten aufrollte, um die gewünschte Sättigung zu erreichen und sie für den Betrachter körperlich erfahrbar zu machen, ihn zu dominieren. Der Künstler stieß auf eine Welle unteilbarer Farbe, die seiner Meinung nach ein konstruktiver Beginn einer neuen Welt hätte werden sollen, denn, so Newman selbst, „ist der Mensch ein tragisches Wesen, und die Essenz dieser Tragödie liegt im Metaphysischen Problem des Teils und des Ganzen.“

4. Andy Warhol. Silver Crash (Double Crash) – 105,4 Millionen US-Dollar

Dieses Werk des Königs der Pop-Art aus dem Jahr 1963 ist eine 250 x 400 cm große Leinwand, auf die ein aus einer Zeitung stammendes Foto eines Autos, das gegen einen Baum prallt, übertragen und durch Siebdruck (Warhols bevorzugte Technik) reproduziert wurde. Für diese Arbeit verwendete Warhol silberne reflektierende Farbe. Dies ist eine von Warhols vier zweiteiligen Autounfallszenen aus dem Jahr 1963, wobei die eine Hälfte einen Verkehrsunfall und die andere eine monochrome silberne Oberfläche darstellt. Die restlichen drei Werke der Serie unter dem Gesamttitel „Death and Catastrophes“ befinden sich in Museumssammlungen in den USA, der Schweiz und Österreich. Meiner Meinung nach hat Warhol eine ausgezeichnete Metapher für Leben und Tod gefunden, wenn die Tragödie an eine allumfassende Leere grenzt. Das Gemälde hat bereits die Sammlungen von Gunther Sachs, Charles Saatchi und Thomas Ammann durchlaufen, was den Sammlungswert nur erhöht und den Preis erhöht.

5. Jeff Koons. Ballonhund – 58,4 Millionen Dollar

Als Erbe Duchamps und prominenter Vertreter des Simulationismus in der modernen Kunst schuf Jeff Koons in den 1990er Jahren eine ganze Reihe von Skulpturen, die Spielzeuge aus länglichen Luftballons imitierten. Hunde wurden fünf Exemplare gegossen. Alle sind aus glänzendem, auf Hochglanz poliertem Stahl und unterscheiden sich nur in der Farbe voneinander. Neben dem orangefarbenen „Balloon Dog“, der für 58,4 Millionen Dollar verkauft wurde, gibt es auch lila, rot, gelb und blau. Die Größe der riesigen Hunde erreicht drei Meter und jeder wiegt eine Tonne. Skulpturen aus dieser Serie befinden sich in den Sammlungen der renommierten Sammler Stephen Cohen, Eli Broad und François Pinault. Nach dem Verkauf im Jahr 2013 erwarb Jeff Koons den Status des teuersten lebenden Künstlers.

6. Jackson Pollock. Nummer 19 – 58,4 Millionen Dollar

Jackson Pollock, der in der von ihm erfundenen Technik des Drippings (Sprenkelns) arbeitete, schuf „Number 19“ bereits 1948, als der abstrakte Expressionismus in Amerika gerade aufkam. Gleichzeitig muss man verstehen, dass der abstrakte Expressionismus keine einzelne Richtung mit eigenen Stilmerkmalen war, sondern eine allgemeine Sichtweise auf das Wesen der Kunst selbst - ein spontaner Ausdruck der inneren Welt, subjektiver Assoziationen der Unterbewusstsein in abstrakten Formen, die nicht durch logisches Denken organisiert sind. Und in diesem Sinne ist Pollock der einflussreichste Prediger dieser Bewegung und ein absoluter Klassiker. Sein „Action Painting“ gab der aufkommenden neuen Kunst einen starken Impuls. Das kleinformatige (78,4 x 57,4 cm) Gemälde „Number 19“ von Jackson Pollock entstand in der produktivsten Zeit im Leben des Meisters, kurz vor seiner ersten Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery, die zu einer Sensation und einem finanziellen Erfolg wurde . Wie sich jetzt zeigt, begleitet dieser Erfolg Pollocks Arbeit bis heute.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3) – 57,3 Millionen Dollar

Und wieder auf der Liste steht der Mann, der die Disco-Spiegelkugel erfunden hat – Andy Warhol. Diesmal mit dem originalen Schwarz-Weiß-Bild einer lebensgroßen Coca-Cola-Flasche (176,2 x 137,2 cm), entstanden 1962. Es wird angenommen, dass mit dieser Arbeit der Marsch der Pop-Art um den Planeten begann. Viele sagen, dass Warhol ein „Porträt einer Generation“ geschaffen hat, indem er ein universelles Symbol für sein Bild auf Leinwand gewählt hat. Der Meister selbst begründet seine Wahl so: „Was Amerika großartig macht, ist, dass die reichsten Menschen genau die gleichen Waren kaufen wie die ärmsten. Sie wissen, dass der Präsident Coca-Cola trinkt, Liz Taylor ist süchtig nach Coca-Cola und Sie, stellen Sie sich vor, Sie können auch Coca-Cola trinken! Coca-Cola ist immer dasselbe Coca-Cola, egal wie viel Geld man bezahlt." Um fair zu sein, war Andy Warhol nicht der erste Künstler, der sich von einer Cola-Flasche inspirieren ließ. Es ist bekannt, dass auch Salvador Dali und Marisol Escobar zärtliche Gefühle für sie hegten, aber es war Warhol, der es schaffte, aus ihr das ultimative Meisterwerk zu schaffen.

8. Roy Lichtenstein. Frau mit geblümtem Hut – 56,1 Millionen Dollar

Dieses bekannte kleine Pop Art Werk (127x101,6 cm) basiert auf dem gleichnamigen Gemälde von Pablo Picasso aus dem Jahr 1940. Laut Liechtenstein wurde der spanische Meister zu Lebzeiten zum Objekt der Popkultur und sollte daher nun allen gehören. Picasso war übrigens nicht der einzige Künstler, den Lichtenstein auf diese Weise in die vereinfachte Sprache der Popkultur „übersetzte“. Es gab auch Monet, Matisse, Léger, Mondrian. Aber wenn die Hauptidee der Pop-Art die Umwandlung von Waren in Kunst war, dann war hier die ganze Ironie in der umgekehrten Bewegung. Roy Lichtenstein, der eine klassische Ausbildung im Bereich der bildenden Kunst erhielt, „entledigte“ sich auf diese Weise des Einflusses ehrwürdiger Vorgänger, unter die er in seiner Jugend geriet, und überführte deren Werk ironischerweise in das Register des stereotypen Massenbewusstseins mithilfe auffälliger Farben, der Nachahmung des industriellen typografischen Drucks und der Comic-Ästhetik. Aber wie sich herausstellte, kehren die von Liechtensteins Hand in eine "Fälschung" verwandelten Meisterwerke nun mit neuen Meisterwerken zu uns zurück.

9. Alberto Giacometti. Big Thin Head (Big Head Diego) – 50 Millionen Dollar

Die 1955 entstandene Skulptur von Alberto Giacometti ist eine 65 cm hohe Büste, die den jüngeren Bruder des Bildhauers darstellt, der sein lebenslanger Lieblingssitter war. In Bronze gegossen, sollte es auf einem Straßenplatz in New York aufgestellt werden, hat es dort aber nie geschafft. Neben seinem legendären „Walking Man“ gilt auch diese Skulptur als Meilenstein für Giacomettis Schaffen. Diego's Big Head ist eines der radikalsten und emotionalsten Werke des Autors. Seine eigentümliche Technik erweckt den Eindruck der Unvollständigkeit und symbolisiert die Unvollkommenheit der Welt, und die Verwundbarkeit, Zerbrechlichkeit und Wehrlosigkeit einer Person in den Bildern des Meisters verkörpern die Ideen des Existentialismus - die Umwelt korrodiert und verformt wie Säure die Oberfläche von den Körper, der einen Menschen zwingt, sein Leben in ständiger Bewegung und der ewigen Suche nach einem besseren Schicksal mutig zu leben. Leider wurde Diego's Big Head aufgrund des Todes des Autors auf Eis gelegt. Tatsächlich ist dies also eines der letzten Werke von Giacometti.

10. Jean-Michel Basquiat. Bewölkte Köpfe – 48,8 Millionen US-Dollar

Was man auch sagen mag, aber der Neo-Expressionist Jean-Michel Basquiat, der New Yorker Underground-Sänger der ersten Hälfte der 80er, der uns die Welt der Graffiti eröffnete und im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin starb, ist hellauf begeistert und Kurzgeschichtenwerke. Der Künstler ist endlich „gekostet“ und wird nun mit Warhol und Pollock, zwei Giganten der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts, gleichgesetzt. Dies wird durch Auktionsverkäufe eloquent bestätigt. Das bisherige Maximum für den Verkauf von Gemälden dieses Künstlers lag bei rund 28,97 Millionen Dollar. Jetzt ist es passiert und nach Schätzungen von Experten ist dies nicht die Grenze - der Preis wird nur steigen. Das Gemälde Clouded Heads (182,8x213,3 cm) ist ein Frühwerk des Künstlers, geschrieben von ihm 1982, genau zu der Zeit, als ihn rituelle Masken, Skelette und haitianische Szenen faszinierten, und als die Bekanntschaft mit Andy Warhol, mit dem er übrigens später mehrere gemeinsame Werke schuf.

Barnett Newman ist der prominenteste Vertreter der amerikanischen Sparte der abstrakten Kunst. Er wurde 1905 in New York geboren. Eine andere Schreibweise seines Nachnamens ist ebenfalls üblich: Newman. In englischsprachigen Quellen ist er als Barnett Newman bekannt.

Wie viele Gemälde sind noch übrig

Der Künstler Barnett Newman hat übrigens absolut alle seine frühen Leinwände zerstört, rund vierzig Jahre Arbeit wurden durchgestrichen und leider überhaupt nicht mit einem Pinselstrich. Daher analysieren die Forscher heute, wenn sie über Newmans Werk sprechen, ausschließlich die "überlieferten" Leinwände der Spätzeit in einer Menge von 120 Stück, die in den Zeitrahmen von fast fünfundzwanzig Jahren passen.

Stadien der Bildung

Seine Eltern waren Einwanderer aus Polen, Juden nach Herkunft. Der junge Barnett Newman studierte Malerei an der Art Students League, auch bekannt als Art Students League. Diese Schaffensperiode ist geprägt von Experimenten im Stil des Automatismus von Jackson Pollock, dann lässt sich Barnett Newman von der Grafik mitreißen und stürzt sich mit surrealen Tendenzen kopfüber in die Ebene der Zeichnung. Es ist bemerkenswert, dass er zur gleichen Zeit zusammen mit Persönlichkeiten der amerikanischen Malerei des zwanzigsten Jahrhunderts wie Rothko, Motherwell und Baziotis eine Kunstschule gründete.

Es ist Zeit, sich zu öffnen

Die erste Einzelausstellung, die ausschließlich Gemälde von Barnett Newman präsentierte, wurde von Kunstkritikern in Rezensionsartikeln förmlich niedergeschlagen. Die Folge war eine anhaltende Depression und Zurückhaltung, seine Werke der Öffentlichkeit zu zeigen, die der Künstler erst acht Jahre später verkraften konnte, als er beschloss, eine Retrospektive bestehender Werke auszustellen. Darüber hinaus zerstörte Newman in dieser Zeit alle seine frühen Werke, sodass man mit Sicherheit sagen kann, dass er nicht nur ein anspruchsvoller Meister des Pinsels, sondern auch verletzlich war.

Die berühmtesten Werke von Barnett Newman sind Gemälde, die zwischen 1947 und 1970 gemalt wurden. Das sind Software-Leinwände, pathetisch benannt, die ausschließlich mit der Bewegung des Pinsels von der nicht-gegenständlichen Welt erzählen. „The Commandment“, „Unity“, „The Abyss of Euclid“, „Midnight Blue“ und weitere Werke des abstrakten Künstlers bilden heute Privatsammlungen, darunter die Sammlung der Familie des Künstlers, und werden auch in etlichen US-Museen ausgestellt . Das Museum of Modern Art in New York verfügt über die vielleicht vollständigste Sammlung, die verschiedene Lebensabschnitte des Künstlers abdeckt.

Newman-Manier

Kritiker zählen ihn zu den Vertretern des Amerikaners.Ein so prominenter Theoretiker wie Clement Greenberg gab diesem Gemälde eine buchstäblich daran festhaltende Definition der Feldmalerei, die den Unterschied zwischen den linear angelegten Großflächen von Rothko und Newman deutlich macht Automatismus und funkelnd in leuchtenden Farben. „Painting of the field“ spielt keineswegs auf pastorale Landschaften an, sondern charakterisiert die Liebe der beiden Meister zu monochromen großen horizontalen Flächen in ihren Werken. Die Forscher waren der Ansicht, dass dieser Stil eine ausgeprägte philosophische Konnotation hat und die Grenzen der auf der Leinwand präsentierten Töne nichts wirklich trennen, was bedeutet, dass dies ein Gemälde ist, das eines der wichtigsten amerikanischen Prinzipien verkündet - Freiheit.

Inspiration

Inspiration Barnett Newman (Künstler) schöpfte aus philosophischen Werten. Bereits 1947 proklamierte er das hohe Ziel jeder Kunst – nicht vergänglich zu sein, sich epochalen Begriffen zuzuwenden: Leben, Tod, Mensch und Natur. Die komplexen Namen, die den Leinwänden gegeben wurden, betonten die Palette von Gefühlen und Emotionen, die der Künstler versuchte, mit nur einer Farbe in einer nicht-objektiven Welt zu vermitteln. Leider konnte die Kunstkritik diesen Ansatz erst viel später würdigen.

Wie man Newmans Gemälde betrachtet

Unter Künstlern und Kunstliebhabern gibt es eine unausgesprochene Regel: Um einen allgemeinen Eindruck von der Leinwand zu bekommen, muss man sich in einem Abstand von ihr entfernen, der ihrer Höhe entspricht. Ein ähnliches Prinzip funktionierte vom Mittelalter bis zur Renaissance und noch lange danach, aber Barnett Newman bestand darauf, dass seine Gemälde nur aus nächster Nähe betrachtet werden sollten. Was gibt einen solchen Ansatz? Der Effekt, den Betrachter in die Welt der bunten Felder einzutauchen. Später begann der New Yorker Meister sogar damit, direkt in den Ausstellungen Anweisungen zur Betrachtung seiner Leinwände zu posten.

Teure Anschaffung

Was von den Zeitgenossen bis in die Spätzeit seines Schaffens nicht akzeptiert wurde, wurde später und besonders in unserer Zeit gewürdigt. Die Leinwände des amerikanischen Meisters der abstrakten Kunst tauchen regelmäßig auf den bekanntesten Auktionen auf, darunter die berühmte Sotheby's-Auktion. Einer von ihnen, der kürzlich unter den Hammer kam, wurde mit 30 Millionen Dollar bewertet.

Gleichzeitig löst die Arbeit des Künstlers nicht bei allen ausschließlich positive Emotionen aus. Onement VI von Barnett Newman wurde von einigen als eines der wertlosesten und ekelhaftesten Kunstobjekte bezeichnet, die jemals versteigert wurden. Der Preis für das Gemälde betrug beim letzten Verkauf im Jahr 2013 bei Sotheby's mehr als 43 Millionen Dollar, das Werk war eine großformatige, mit blauer Farbe gefüllte Leinwand mit einem vertikalen, ziemlich gleichmäßigen Streifen.

Die Schöpfung wird im Gegensatz zu horizontalen "Feldern" als sogenannte Blitze bezeichnet. Die Gesamtmaße der Arbeit betragen 2,6 x 3 m.

Barnett Newman widmete „Anna’s Light“ seiner verstorbenen Mutter. Genau genommen handelt es sich bei diesem Ding um eine horizontale Leinwand von beeindruckenden Ausmaßen, gefüllt mit karminroter Farbe. 2013 wurde das „Meisterwerk“ ebenfalls versteigert und für 106 (!) Millionen Dollar verkauft.

Auf technischer Seite ist die Leinwand insofern bemerkenswert, als Newman mit der Leuchtkraft der roten Farbe zu kämpfen hatte, die der durchscheinend weiß grundierten Leinwand zusätzliche Leuchtkraft entzieht. Mehrere Schichten roter Farbe nahmen der Farbe diese Qualität und machten sie "taub" und "traurig", wie es laut dem Künstler in dieser Situation sein sollte.