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Die zeitgenössische belgische Künstlerin Deborah Missoorten wurde in Antwerpen, Belgien, geboren und lebt dort, wo sie als freischaffende professionelle Künstlerin arbeitet. Sie absolvierte die Akademie der bildenden Künste mit einem Abschluss in Theaterkostümdesign.

Belgische zeitgenössische Künstler. Jean-Claude Dresse

Jean-Claude ist einer der wenigen zeitgenössischen Künstler, der die großen Vorbilder der Vergangenheit nach seinen persönlichen Vorstellungen überarbeiten und bearbeiten konnte. Er füllt seine Werke so mit Emotionen, dass sie den Betrachter an die Quelle dieser Emotionalität zurückführen, bereichert durch die Bemühungen des Autors, sorgfältig entwickeltes Konzept von Bild, Farbe und Harmonie. Der Künstler tut dies, um uns Freude am Enträtseln der Geheimnisse rund um diese Quelle zu machen.

Ich versuche, das Unsichtbare zu zeigen. Juan Maria Bölle

Juan Maria Bolle ist ein berühmter flämischer (belgischer) Künstler, der im Dezember 1958 in Wilvoorde bei Brüssel, Belgien, geboren wurde. 1976 absolvierte er die Royal Athenaeum High School in seiner Heimatstadt. 1985 schloss er sein Studium am St. Lucas Institute of Arts in Brüssel ab.

Leidenschaft braucht kein Etikett. Peter Semick

Peter Seminck ist ein berühmter belgischer Künstler, der 1958 in Antwerpen geboren wurde. Ausgebildet an der Schoten Art Academy, erhielt er zunächst einen Bachelor- und dann einen Master-Abschluss in Bildender Kunst. Er beschränkt sich nicht auf Themen, er malt verschiedene Gemälde, meist in Öl auf Leinwand. Lebt und arbeitet derzeit in Malle, einem Vorort von Antwerpen, Belgien.

Zeitgenössischer belgischer Künstler. Debora Missoorten

Die zeitgenössische belgische Künstlerin Deborah Missoorten wurde in Antwerpen, Belgien, geboren und lebt dort, wo sie als freischaffende professionelle Künstlerin arbeitet. Sie absolvierte die Akademie der bildenden Künste mit einem Abschluss in Theaterkostümdesign.

Belgische zeitgenössische Künstler. Frédéric Dufoor

zeitgenössischer Künstler Frédéric Dufort wurde 1943 in Tournai, Belgien, geboren und erhielt seine Ausbildung am Institut Saint-Luc in Tournai und später an der Akademie von Mons. Nach einer kurzen Pause wurde er im Atelier von Louis Van Lint am Institut Saint-Luc in Brüssel eingeschrieben. Seit 1967 unterrichtete er nach seinem Abschluss 10 Jahre lang am Institut für grafische Kommunikation und nahm dann eine Lehrtätigkeit am Institut Saint-Luc in Brüssel auf, wo er bis Dezember 1998 tätig war.

Mussin Irjan. zeitgenössische Malerei

Musin Irzhan, modern Künstler, wurde 1977 in Alma-Ata, Kasachstan, geboren. Von 1992 bis 1995 studierte er an der Kunstschule in Alma-Ata. Dann trat er 1999 in die Akademie der Künste von I. E. Repin in St. Petersburg ein und schloss sie erfolgreich ab. Danach studierte er mehrere Jahre Modern Gemälde an der Kunsthochschule „RHoK“ in Brüssel und an der Akademie der Schönen Künste in Antwerpen.
Seit 2002 stellt er immer wieder aus und nimmt an verschiedenen Wettbewerben teil, bei denen er mehrfach Preise gewonnen und Auszeichnungen erhalten hat. Seine Bilder befinden sich in Privatsammlungen in England, Frankreich, Holland, den USA, Kolumbien, Belgien und Russland. Lebt und arbeitet derzeit in Antwerpen, Belgien.

Paul Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Landschaften und Blumen

Das Hauptthema der Gemälde dieses Künstlers ist die Tierwelt, Landschaften und den Jahreszeiten, aber Paul widmete der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers viel Arbeit.

Paul Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Menschen

Paul Legend wurde 1952 in Belgien geboren. Doch zur Malerei kam er nicht sofort, sondern erst 1989. Er begann mit Wasserfarben, stellte aber schnell fest, dass dies nicht das war, was er brauchte, Ölmalerei würde seiner Denkweise eher entsprechen.
Das Hauptthema von Pauls Gemälden ist die Tierwelt, Landschaften und den Jahreszeiten, aber er widmete viele Werke der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers.

Eulen Gürtel Belgischer Künstler. Christiane Vleugels

Stéphane Heurion. Aquarellzeichnungen

Paul Ledent wurde 1952 in Belgien geboren. Für die Malerei entschied er sich nicht sofort, sondern erst nach mehrjähriger Tätigkeit als Ingenieur im Jahr 1989. Paul begann mit Wasserfarben, hatte aber schnell das Gefühl, dass die Ölmalerei seiner Denkweise besser entsprechen würde.

Cedric Leonard jung Designer aus Belgien. Geboren 1985. Er schloss sein Studium an der St. Luc School of the Arts mit einem Bachelor in Bildender Kunst ab. Kurz darauf begann er bei einem kleinen Unternehmen als Webmaster zu arbeiten. Derzeit arbeitet er als freiberuflicher Designer. Cedric strebt bei allem, was er tut, nach Originalität und glaubt an die Anziehungskraft moderner Visuals.

Vielfältiger und bunter als die flämische Architektur und Bildhauerei entfaltet sich die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts in ihrer prachtvollen Blüte. Noch deutlicher als in diesen Künsten tritt hier aus einer Mischung aus nördlichen und südlichen Fundamenten das ewig Flämische als unzerstörbarer nationaler Schatz hervor. Die zeitgenössische Malerei hat in keinem anderen Land ein so reiches und buntes Themenfeld erfasst. In neuen oder restaurierten Tempeln warteten Hunderte von gigantischen Barockaltären auf auf große Leinwände gemalte Heiligenbilder. In Palästen und Häusern sehnten sich riesige Wände nach mythologischen, allegorischen und Genre-Staffeleibildern; Ja, und die Porträtmalerei, die sich im 16. Jahrhundert zum lebensgroßen Porträt entwickelte, blieb eine im wahrsten Sinne des Wortes große Kunst, die faszinierende Natürlichkeit mit der Vornehmheit des Ausdrucks verband.

Neben dieser großen Malerei, die Belgien mit Italien und Frankreich teilte, blühte hier in Fortführung alter Traditionen originale Kabinettmalerei, meist auf kleinen Holz- oder Kupfertafeln, ungewöhnlich reich, alles Dargestellte umfassend, religiöse, mythologische oder allegorische Themen nicht vernachlässigend, bevorzugt das Alltagsleben aller Bevölkerungsschichten, insbesondere der Bauern, Droschkenfahrer, Soldaten, Jäger und Seeleute in all seinen Erscheinungsformen. Die gestalteten Landschafts- oder Raumhintergründe dieser kleinfigurigen Gemälde wurden in den Händen einiger Meister zu eigenständigen Landschafts- und Architekturbildern. Abgerundet wird diese Serie durch Bilder von Blumen, Früchten und Tieren. Zu den Baumschulen und Menagerien der regierenden Erzherzöge in Brüssel brachte der Überseehandel Wunder der Flora und Fauna. Der Reichtum ihrer Formen und Farben konnte von den Künstlern, die alles beherrschten, nicht übersehen werden.

Trotzdem gab es in Belgien keinen Boden mehr für monumentale Wandmalerei. Mit Ausnahme von Rubens' Gemälden in der Antwerpener Jesuitenkirche und einigen kirchlichen Landschaftsserien schufen die großen Meister Belgiens ihre großen Gemälde auf Leinwand, Wand- und Deckengemälde für fremde Herrscher und den Niedergang der Brüsseler Gobelintechnik, zu denen die Teilnahme von Rubens nur einen vorübergehenden Aufschwung gab, machte die Teilnahme überflüssig, andere belgische Meister, wie Jordans und Teniers. Aber die belgischen Meister nahmen eine bekannte, wenn auch nicht so tief wie die niederländische, Beteiligung an der Weiterentwicklung der Gravur und Radierung. Die gebürtigen Holländer waren vor Rubens sogar die besten Stecher, und die Teilnahme der größten belgischen Maler: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers und Teniers an der „Gemäldegravur“ – Radierung, ist teils nur eine Nebensache, teils sogar zweifelhaft.

Antwerpen, die wohlhabende niederdeutsche Handelsstadt an der Schelde, ist heute mehr denn je die Hauptstadt der niederniederländischen Malerei. Die Brüsseler Malerei, vielleicht nur in der Landschaft auf der Suche nach eigenständigen Wegen, wurde zu einem Zweig der Antwerpener Kunst; selbst die Malerei der alten flämischen Kunstzentren Brügge, Gent und Mecheln lebte zunächst nur von ihrer Beziehung zu den Antwerpener Werkstätten. Aber im wallonischen Teil Belgiens, nämlich in Lüttich, kann man eine eigenständige Anziehungskraft auf die Italiener und Franzosen verfolgen.

Zur allgemeinen Geschichte der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts, neben Sammlungen literarischer Quellen von Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool und Weyermann, den Lexika von Immerseel, Kramm und Wurzbach, konsolidierte, nur teilweise veraltete Bücher von Michiels, Waagen, Waters, Rigel und Philippi sind wichtig. Angesichts der herausragenden Bedeutung der Schelde-Kunst kann man auch die Geschichte der Antwerpener Kunst von Van den Branden und Rooses erwähnen, die natürlich Ergänzungen und Änderungen erfordert. Das diesbezügliche Kapitel des Autors dieses Buches in seiner und Woltmanns Geschichte der Malerei ist im Detail bereits überholt.

Die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts erlangte völlige Freiheit der Bildgestaltung und -ausführung, innere Einheit von Zeichnung und Farbe, die fließendste Weite und Kraft in den schöpferischen Händen ihres großen Meisters Peter Paul Rubens, der Antwerpen zum zentralen Ort des Exports machte Gemälde für ganz Europa. An Meistern, die am Übergang zwischen der alten und der neuen Richtung standen, mangelte es jedoch nicht.

In den nationalrealistischen Sektoren mit kleinen Figuren vor dem Hintergrund einer entwickelten Landschaft lebten nur noch Anklänge an die Größe und Unmittelbarkeit von Pieter Brueghel dem Älteren. Die Wiedergabe der Landschaft in der Übergangszeit bleibt innerhalb des von Giliss van Coninxloo geschaffenen "Bühnenstils" mit seinem büscheligen Baumlaub und unter Umgehung der Schwierigkeiten der Luft- und Linearperspektive durch die Entwicklung separater, sich nacheinander abwechselnder, unterschiedlicher Farbtöne. Auch die Begründer der vorliegenden Landschaftsmalerei, die Antwerpener Brüder Matthäus und Paul Bril (1550-1584 und 1554-1626), gingen von diesem bedingten Stil aus, über dessen Entwicklung so gut wie nichts bekannt ist. Matthäus Bril tauchte plötzlich als Maler von Landschaftsfresken im Vatikan in Rom auf. Nach seinem frühen Tod entwickelte Paul Bril, der Freund seines Bruders im Vatikan, den damals neuen niederländischen Landschaftsstil weiter. Nur wenige authentische Gemälde von Matthäus sind erhalten; um so mehr von Paulus, über dessen Kirchen- und Palastlandschaften im Vatikan, im Lateran, im Rospigliosi-Palast in Santa Cäcilia und Santa Maria Maggiore in Rom ich an anderer Stelle berichtet habe. Erst allmählich gehen sie unter dem Einfluss der freieren, mit größerer Einheitlichkeit ausgeführten Landschaften von Annibale Carracci zu dem oben angedeuteten ausgewogenen Übergangsstil über. Die Weiterentwicklung von Bril, die Teil der allgemeinen Geschichte der Landschaftsmalerei ist, spiegelt sich in seinen zahlreichen, zum Teil von Jahren gezeichneten kleinen Landschaften auf Brettern (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in München, 1608 und 1624 in Dresden , 1609, 1620 und 1624 - im Louvre, 1626 - in St. Petersburg), normalerweise reich an Bäumen, versuchen selten, ein bestimmtes Gebiet zu vermitteln. Auf jeden Fall gehört Paul Bril zu den Begründern des Landschaftsstils, aus dem die Kunst von Claude Lorrain hervorgegangen ist.

In den Niederlanden entwickelte der in Dresden am besten vertretene Antwerpener Josse de Momper (1564 - 1644) den Koninxloo-Bühnenstil in elegant gemalten, nicht besonders baumreichen Berglandschaften, in denen "drei Hintergründe", manchmal mit einem vierten hinzugefügt wurden sonnenbeschienen, erscheinen normalerweise in ihrer ganzen braun-grün-grau-blauen Schönheit.

Der Einfluss von Brils älteren Gemälden betrifft den zweiten Sohn von Peter Brueghel d. Ä., Jan Brueghel d. Ä. (1568 - 1625), der vor seiner Rückkehr nach Antwerpen im Jahr 1596 in Rom und Mailand arbeitete. Criveli und Michel haben ihm eigene Werke gewidmet. Er malte meist kleine, manchmal Miniaturbilder, die den Eindruck einer Landschaft erwecken, auch wenn sie biblische, allegorische oder Genrethemen darstellen. Sie halten fest am Coninksloo-Stil mit büscheligem Blattwerk fest, obwohl sie die gegenseitigen Übergänge der drei Hintergründe subtiler vermitteln. Charakteristisch für Jan Brueghels Vielseitigkeit ist, dass er Landschaftshintergründe für Figurenmaler wie Balin, Figuren für Landschaftsmaler wie Momper, Blumenkränze für Meister wie Rubens malte. Bekannt für seinen frisch und subtil ausgeführten "Fall" des Haager Museums, in dem Rubens Adam und Eva und Jan Brueghel Landschaft und Tiere malte. Seine eigenen Landschaften, reichlich ausgestattet mit einem kunterbunten Volksleben, den Himmel mit seinen Wolken noch nicht besonders ausdrucksstark vermittelnd, sind überwiegend von Flüssen bewässerte Hügellandschaften, Ebenen mit Windmühlen, Dorfstraßen mit Wirtshausszenen, Kanäle mit bewaldeten Ufern, belebte Landstraßen auf bewaldeten Höhen und Waldwegen mit Holzfällern und Jägern, lebhaft und treu beobachtet. Frühe Gemälde von ihm sind im Mailänder Ambrosiana zu sehen. Sie ist am besten in Madrid vertreten, gut in München, Dresden, St. Petersburg und Paris. Von besonderer Bedeutung im Sinne der Suche nach neuen Wegen war seine Blumenmalerei, die nicht nur die Schönheit der Formen und die Leuchtkraft der Farben seltener Farben, sondern auch deren Kombinationen auf überzeugende Weise vermittelte. Bilder der Farben seines Pinsels besitzen Madrid, Wien und Berlin.

Unter seinen Mitarbeitern dürfen wir Hendrik van Balen (1575 - 1632) nicht übersehen, dessen Lehrer als zweiter Lehrer von Rubens, Adam van Noort, gilt. Seine Altarbilder (zum Beispiel in der Jakobskirche in Antwerpen) sind unerträglich. Berühmt wurde er durch seine kleinen, glatt geschriebenen, zuckrigen Gemälde auf Tafeln mit Inhalten vor allem aus antiken Fabeln, z. B. „Götterfest“ im Louvre, „Ariadne“ in Dresden, „Die aber auch seinen Gemälden dieser Art fehlt es an künstlerischer Frische und Unmittelbarkeit.

Der oben beschriebene Landschaftsstil des Übergangs setzte sich jedoch unter schwachen Nachahmern bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts fort. Hier können wir nur die stärksten Meister dieser Richtung nennen, die sie nach Holland überführten, David Winkboons aus Mecheln (1578 - 1629), der von Antwerpen nach Amsterdam zog, malte frische Wald- und Dorfszenen, gelegentlich auch biblische Episoden in einer Landschaft Umgebung, aber am liebsten Tempelfeiertage vor Dorftavernen. Seine besten Bilder in Augsburg, Hamburg, Braunschweig, München, St. Petersburg sind ganz direkt beobachtet und mit blumigen Farben gemalt, nicht ohne Wucht. Rellant Savery von Courtrai (1576 - 1639), dem Kurt Erasmus eine liebevoll geschriebene Studie widmete, studierte im Dienst Rudolfs II. die deutschen Waldberge, danach ließ er sich als Maler und Radierer zunächst in Amsterdam, dann in Utrecht nieder. Seine lichterfüllten, in drei Ebenen allmählich ineinander übergehenden, aber in der Ausführung etwas trocken wirkenden Berg-, Fels- und Waldlandschaften, die in Wien und Dresden gut zu sehen sind, stattete er mit lebenden Gruppen wilder und zahmer Tiere in Jagdszenen, in Bildern aus Paradies und Orpheus. Er gehört auch zu den frühesten selbstständigen Blumenmalern. Adam Willaerts aus Antwerpen (1577, gestorben nach 1649), der 1611 nach Utrecht zog, war ein Vertreter der Seestücke dieses Übergangsstils. Seine Küsten- und Meeresansichten (z. B. in Dresden, bei Weber in Hamburg, in der Liechtenstein-Galerie) sind noch trocken im Wellenmuster, noch immer derb in der Darstellung des Schiffslebens, aber bestechend durch die Ehrlichkeit ihres Verhältnisses zur Natur. Schließlich folgt Alexander Kerrinx aus Antwerpen (1600 - 1652), der seine flämische Landschaftskunst nach Amsterdam übertrug, in den Gemälden mit seiner Unterschrift noch Coninxloe, ist aber in den späteren Gemälden von Braunschweig und Dresden offensichtlich von van Goyens bräunlicher niederländischer Tonalität beeinflusst Malerei. . Er gehört also im wahrsten Sinne des Wortes zu den Übergangsmeistern.

Von den zu Hause gebliebenen Antwerpener Meistern dieser Art weist Sebastian Vranks (1573 - 1647) als Landschaftsmaler und Pferdemaler unzweifelhafte Erfolge auf. Er stellt auch Laub in Form von Sträußen dar, meist hängend wie eine Birke, verleiht ihm aber einen natürlicheren Zusammenhang, verleiht dem luftigen Ton eine neue Klarheit und versteht es, den Handlungen der souverän und schlüssig Geschriebenen den vitalen Charakter zu vermitteln Pferde und Reiter seiner Schlacht- und Räuberszenen, die zu sehen sind, z. B. in Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam und bei Weber in Hamburg.

Schließlich entwickelte er in der Architekturmalerei bereits im 16. Jahrhundert auf den Spuren von Steenwick dem Älteren einen Übergangsstil, der darin bestand, den der Natur folgenden Buchstaben allmählich durch künstlerischen Charme zu ersetzen, dessen Sohn Gendrik Steenwick der Jüngere (1580 - 1649 ), der nach London übersiedelte, und neben ihm der wichtigste So Peter Neefs d. Ä. (1578 - 1656), dessen Innenansichten von Kirchen in Dresden, Madrid, Paris und St. Petersburg zu finden sind.

Überhaupt war die flämische Malerei offensichtlich auf dem richtigen Weg, zur kleinen Kunst zurückzukehren, als die große Kunst von Rubens wie die Sonne über ihr aufging und sie mit sich ins Reich des Lichts und der Freiheit trug.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - die Sonne, um die sich die gesamte belgische Kunst des 17. Jahrhunderts dreht, aber gleichzeitig eine der großen Koryphäen der gesamteuropäischen Kunst dieser Zeit. Im Gegensatz zu allen italienischen Barockmalern ist er der Hauptvertreter des Barock in der Malerei. Die Fülle der Formen, die Freiheit der Bewegung, die Beherrschung der Massen, die der barocken Architektur das Pittoreske verleihen, sie verzichten in Rubens’ Gemälden auf die Schwere des Steins und erhalten mit dem berauschenden Luxus der Farben ein Eigenständiges, Neues Recht zu existieren. Mit der Kraft der einzelnen Formen, der Erhabenheit der Komposition, der blühenden Fülle von Licht und Farben, der Leidenschaft des Lebens in der Übertragung plötzlicher Handlungen, der Kraft und dem Feuer in der Erregung des körperlichen und geistigen Lebens seines fleischlichen Mannes und seiner Frau, bekleidete und unbekleidete Gestalten übertrifft er alle anderen Meister. Der luxuriöse Körper seiner blonden Frauen mit vollen Wangen, vollen Lippen und einem fröhlichen Lächeln strahlt vor Weißheit. Die von der Sonne verbrannte Haut seiner männlichen Helden glüht, und ihre konvexe Stirn wird durch einen kräftigen Bogen der Augenbrauen belebt. Seine Porträts sind die frischesten und gesündesten, nicht die individuellsten und intimsten für ihre Zeit. Niemand verstand es, wilde und zahme Tiere so anschaulich wiederzugeben wie er, obwohl er es aus Zeitmangel in den meisten Fällen seinen Assistenten überließ, sie in seinen Gemälden darzustellen. In der Landschaft, deren Ausführung er auch Gehilfen anvertraute, sah er vor allem die Gesamtwirkung durch atmosphärisches Leben, malte aber selbst noch im hohen Alter erstaunliche Landschaften. Seine Kunst umfasste die ganze Welt geistiger und körperlicher Phänomene, die ganze Komplexität der Vergangenheit und Gegenwart. Altarbilder und wieder Altarbilder malte er für die Kirche. Er malte Porträts und Porträts hauptsächlich für sich und seine Freunde. Mythologische, allegorische, historische Bilder und Jagdszenen schuf er für die Großen dieser Welt. Landschafts- und Genremalerei waren gelegentliche Nebenjobs.

Befehle regneten auf Rubens nieder. Mindestens zweitausend Gemälde kamen aus seinem Atelier. Große Nachfrage nach seiner Kunst verursachte die häufige Wiederholung ganzer Gemälde oder einzelner Teile durch die Hände seiner Schüler und Assistenten. Auf dem Höhepunkt seines Lebens überließ er meist handgemalte Gemälde seinen Assistenten. Es gibt alle Übergänge zwischen seinen eigenen handschriftlichen Arbeiten und den Gemälden des Ateliers, für die er nur Skizzen lieferte. Bei aller Ähnlichkeit der Grundformen und Grundstimmungen weisen seine eigenen Gemälde deutliche stilistische Veränderungen auf, ebenso wie die vieler seiner Zeitgenossen, von hartplastischer Modellierung und dicker, schwerer Schrift hin zu einer leichteren, freieren, hellen Ausführung lebendigere Konturen, hin zu weicher, luftiger Modellierung und stimmungsvollem, illuminiert durch die blumigen Farben der Tonmalerei.

An der Spitze der neuesten Rubensliteratur steht das breit angelegte Gesamtwerk von Max Rooses: The Works of Rubens (1887-1892). Die besten und wichtigsten biographischen Werke sind die von Rooses und Michel. Gesammelte Werke wurden nach Waagen auch von Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg und Wilhelm Bode veröffentlicht. Einzelne Fragen zu Rubens wurden von Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns und anderen analysiert. Rubens war als Kupferstecher bei Gimans und Voorthelm-Schnevogt beschäftigt.

Rubens wurde in Siegen bei Köln aus dem angesehenen Antwerpen geboren und erhielt seine erste künstlerische Ausbildung in der Stadt seiner Väter bei Tobias Verhegt (1561 - 1631), einem mittelmäßigen Landschaftsmaler des Übergangsstils, studierte dann vier Jahre bei Adam Van Noort (1562 - 1641), einer der durchschnittlichen Meister des manierierten Italismus, wie heute bekannt ist, und arbeitete dann weitere vier Jahre mit Otto Van Ven, einem reich an Fiktionen, leeren Formen eines falschen Klassikers, an wen zunächst schloss er sich eng an und wurde 1598 Zunftmeister. 1908 widmete Habertzwil den drei Lehrern von Rubens ausführliche Artikel. Es ist unmöglich, ein einziges Bild der frühen Antwerpener Periode von Rubens mit Sicherheit festzustellen. Von 1600 bis 1608 lebte er in Italien; zuerst in Venedig, dann hauptsächlich in den Diensten von Vincenzo Gonzaga in Mantua. Aber schon 1601 schrieb er in Rom für die drei Altäre der Kirche Santa Croce in Gerusalemme „Die Kreuzauffindung“, „Die Dornenkrönung“ und „Die Kreuzerhöhung“. Diese drei Gemälde, die heute zur Kapelle eines Krankenhauses im südfranzösischen Grasse gehören, offenbaren den Stil seiner ersten italienischen Periode, noch auf der Suche nach sich selbst, noch beeinflusst von Kopien von Tintoretto, Tizian und Correggio, aber schon voller eigenständigem Streben für Kraft und Bewegung. 1603 ging der junge Meister im Auftrag seines Fürsten nach Spanien. Von den dort gemalten Gemälden zeigen die Figuren der Philosophen Heraklit, Demokrit und Archimedes im Madrider Museum noch immer pompöse, abhängige Formen, aber auch eine starke Wirkung auf die psychologische Tiefe. Nach seiner Rückkehr nach Mantua malte Rubens ein großes dreiteiliges Altarbild, dessen Mittelbild mit der Huldigung der Familie Gonzaga an den hl. Dreifaltigkeit, wurde in zwei Teilen in der Bibliothek von Mantua aufbewahrt, und von den breiten, üppigen Seitengemälden, die die ständig wachsende Macht der Formen und die Handlungen der Massen zeigen, landete die Taufe Christi im Antwerpener Museum und die Verklärung im Nancy-Museum. 1606 malte der Meister dann in Rom für die Chiesa Nuova erneut ein prächtiges, in seinen lichterfüllten Figuren bereits voll rubensischer Kraft, das Altarbild der Himmelfahrt des hl. Gregory“, heute im Besitz des Musée Grenoble, und bereits 1608 in Rom durch drei andere, keineswegs die besten Gemälde desselben Meisters ersetzt. Deutlicher an Caravaggios Stil erinnert die spektakuläre „Beschneidung Christi“ von 1607 in Sant'Ambrogio in Genua. Forscher wie Rooses und Rosenberg schreiben den Meister jedoch der italienischen Zeit zu, als er die Werke von Tizian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo und Raffael kopierte und eine Reihe von Gemälden mit seinem Pinsel anscheinend jedoch schrieb später. Große Prunk- und Tugendallegorien in Dresden, aus Mantua stammend, form- und farbstark, wenn sie nicht, wie Michel mit uns meint, um 1608 in Mantua geschrieben wurden, dann geben wir eher zusammen mit Bode zu, dass sie gem Rückkehr von Rubens in seine Heimat als mit Roosers, dass sie vor seiner Italienreise nach Antwerpen geschrieben wurden. Auch das souverän gezeichnete und plastisch modellierte Bild des Hieronymus in Dresden offenbart eine eigentümliche, für seine italienische Zeit vielleicht sogar zu ausgeprägte rubensische Manier, der wir dieses Bild nun zuschreiben. Nach der Rückkehr von Rubens 1608 nach Antwerpen wurde er bereits 1609 zum Hofmaler von Albrecht und Isabella ernannt, und sein bereits eigenständiger Stil entwickelte sich schnell zu grandioser Kraft und Erhabenheit.

Überladen in der Komposition, unruhig in den Umrissen, ungleichmäßig in den Lichteffekten ist seine Anbetung der Könige (1609-1610) in Madrid, die jedoch von einer kraftvollen Bewegung geprägt ist. Voller Leben und Leidenschaft, kraftvoll in der muskulösen Modellierung von Körpern, sein berühmtes dreiteiliges Bild „Kreuzerhöhung“ im Antwerpener Dom. Stärkere italienische Erinnerungen sind in gleichzeitigen mythologischen Bildern zu spüren, wie Venus, Amor, Bacchus und Ceres in Kassel und der stämmige, angekettete Prometheus in Oldenburg. Charakteristische Beispiele für ein großformatiges Porträt dieser Epoche sind die Landschaftsporträts von Albrecht und Isabella in Madrid und das prachtvolle Münchner Bild, das den Meister selbst mit seiner jungen Frau Isabella Brant darstellt, die 1609 in seine Heimat gebracht wurde, ein unvergleichliches Bildnis ruhige reine Glücksliebe.

Die Kunst von Rubens entdeckte zwischen 1611 und 1614 einen weiteren Flug. Das riesige Gemälde „Kreuzabnahme“ mit dem majestätischen „Besuch Maria Elisabeth“ und „Einzug in den Tempel“ an den Flügeln im Antwerpener Dom gilt als das erste Werk, in das der Meister seine Typen und seine Schreibweise einbrachte zur vollen Entfaltung. Wunderbar ist die leidenschaftliche Lebendigkeit der einzelnen Bewegungen, noch wunderbarer die Durchschlagskraft der bildnerischen Darbietung. Auch mythologische Gemälde wie „Romulus und Remus“ in der Kapitolinischen Galerie, „Faun und Faun“ in der Schönborngalerie in Wien gehören in diese Jahre.

Gemälde von Rubens von 1613 und 1614, kompositorisch sicher, mit klar definierten Formen und Farben, sind einige Gemälde, die mit seinem Namen und dem Ausführungsjahr als Ausnahme gekennzeichnet sind. So sind das Gemälde „Jupiter und Callisto“ (1613), rein in der Form, schön in den Farben, „Flucht nach Ägypten“ in Kassel, „Gefrorene Venus“ (1614) in Antwerpen, pathetische „Wehklage“ (1614) in Wien und voll von magischem Licht "Susanna" (1614) in Stockholm, dessen Körper zweifellos angenehmer und besser verstanden ist als der allzu luxuriöse Körper seiner früheren Susanna in Madrid; malerisch schließen sich an diese Bilder starke Symbolbilder des einsamen Gekreuzigten vor dem Hintergrund eines verdunkelten Himmels in München und Antwerpen an.

Von da an häuften sich die Aufträge in Rubens' Atelier in einem solchen Ausmaß, dass er seinen Assistenten eine deutlichere Beteiligung an der Ausführung seiner Bilder einräumte. Die ältesten gehören neben Jan Brueghel dem nach Rubens selbst herausragenden Tier- und Früchtemaler Frans Snyders (1579 - 1657), der den Adler im oben erwähnten Oldenburger Gemälde mit Prometheus malte, und dem lebhaften Landschaftsmaler Jan Wildens ( 1586 - 1653), der ab 1618 für Rubens arbeitete. Der bemerkenswerteste Mitarbeiter war Anton van Dyck (1599 - 1641), der später eine unabhängige Persönlichkeit wurde. Jedenfalls war er, 1618 Meister geworden, bis 1620 die rechte Hand von Rubens. Rubens' eigene Gemälde dieser Jahre kontrastieren den bläulichen Halbschatten des Körpers meist mit einem rötlich-gelben Lichtfleck, während sich die Gemälde mit der klar etablierten Mitarbeit Van Dycks durch ein einheitliches warmes Hell-Dunkel und eine nervösere Bildübertragung auszeichnen. Darunter sechs große, enthusiastisch gemalte Bilder aus dem Leben des römischen Konsuls Decius Moussa im Palais Liechtenstein in Wien, deren Kartons Rubens 1618 für gewebte Teppiche herstellte (erhaltene Exemplare befinden sich in Madrid) und große dekorative Plafondmalereien (nur Skizzen in verschiedenen Sammlungen erhalten), und einige der spektakulären Kompositionen mit vielen Figuren der Altarbilder dieser Kirche, „Das Wunder von St. Xavier“ und „Wunder von St. Ignatius“, aufbewahrt vom Wiener Hofmuseum. Van Dycks Mitwirkung ist auch unbestreitbar bei der großen Kreuzigung in Antwerpen, bei der Longinus hoch zu Ross die Seite des Heilands mit einem Speer durchbohrt, bei der Madonna mit reuigen Sündern in Kassel und laut Bode auch beim Münchner Dreifaltigkeitstag und bei der Berlin Lazar, laut Rooses auch bei der dramatischen Löwenjagd und bei der nicht minder dramatischen, leidenschaftlichen und schnellen Entführung der Töchter des Leukippos in München. Alle diese Gemälde glänzen nicht nur mit der kühnen Kraft von Rubens' Komposition, sondern auch mit der durchdringenden Subtilität der Empfindung von Van Dycks Malerei. Unter den handgemalten Gemälden, die zwischen 1615 und 1620 in den Hauptteilen von Rubens selbst gemalt wurden, finden sich auch die besten religiösen Gemälde – voller überschwänglicher, bewegter Massenbewegungen „Das Jüngste Gericht“ in München und voller innerer Bewegtheit „Mariä Himmelfahrt Unserer Lieben Frau“ in Brüssel und in Wien, sowie meisterhafte mythologische Gemälde, üppige „Bacchanalien“ und Bilder von „Thiazos“ in München, Berlin, St. Petersburg und Dresden, in denen die Kraft der überströmenden sinnlichen Lebensfreude, übersetzt vom Römischen ins Flämisch, kommt anscheinend zum ersten Mal voll zum Ausdruck . Hier schließt sich die „Amazonenschlacht“ in München (um 1620) an, eine im Sinne der malerischen Überlieferung heftigster Rauferei und Schlacht unzugängliche, wenn auch klein geschriebene Schöpfung. Dann gibt es lebensgroße nackte Kinder, wie ausgezeichnete Putten mit Fruchtkranz in München, dann heftige Jagdszenen, Löwenjagd, von denen die beste in München ist, und Wildschweinjagd, von denen die beste in Dresden hängt. Es folgen die ersten Landschaftsbilder mit mythologischen Ergänzungen, zum Beispiel die stimmungsvolle Schifffahrt des Aeneas in Berlin, oder mit natürlicher Umgebung, wie die strahlende römische Landschaft mit Ruinen im Louvre (um 1615) und die Landschaften voller Leben „Sommer“ und „Winter (um 1620) in Windsor. Majestätisch vermittelt, breit und wahrheitsgetreu ohne jede Spur alter Manierismen geschrieben, erleuchtet vom Licht aller möglichen Himmelserscheinungen, stehen sie wie Meilensteine ​​in der Geschichte der Landschaftsmalerei.

Klar, majestätisch, kraftvoll erscheinen schließlich die Porträts von Rubens aus dieser fünfjährigen Periode. Eine meisterhafte Arbeit seines Selbstporträts in den Uffizien, seine Porträtgruppe „Vier Philosophen“ im Pitti-Palast ist großartig. In der Blüte ihrer Schönheit steht seine Frau Isabella in den Adelsporträts von Berlin und Den Haag. Um 1620 wurde auch in der Londoner National Gallery ein erstaunliches Porträt von Susanna Fuhrman mit einem Hut mit einer Feder, gefächert mit zartem Hell-Dunkel, gemalt. Die berühmten Männerporträts des Meisters dieser Jahre sind in München und in der Galerie Liechtenstein zu sehen. So leidenschaftlich Rubens Episoden aus der heiligen Weltgeschichte, Jagdszenen und sogar Landschaften darstellte, so ruhig malte er seine Porträtfiguren, verstand es, ihre Körperhülle mit monumentaler Kraft und Wahrheit zu vermitteln, ohne jedoch zu versuchen, innerlich zu vergeistigen, nur im Allgemeinen zu erfassen , Gesichtszüge.

Van Dyck verließ Rubens 1620 und seine Frau Isabella Brant starb 1626. Ein neuer Impuls für seine Kunst war seine Wiederverheiratung mit der schönen jungen Helene Furman im Jahre 1630. Aber auch seine künstlerischen und diplomatischen Reisen nach Paris dienten als Impuls ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) und London (1629, 1630). Von den beiden großen historischen Serien mit Allegorien gehören heute 21 riesige Gemälde aus dem Leben von Marie de Medici (die Geschichte wurde von Grossman geschrieben) zu den besten Dekorationen des Louvre. Von der meisterhaften Hand Rubens' entworfen, von seinen Schülern übermalt, von ihm selbst vollendet, sind diese historischen Gemälde mit vielen modernen Porträts und allegorischen mythologischen Figuren im Geiste des modernen Barock gefüllt und präsentieren eine solche Fülle individueller Schönheiten und eine solche künstlerische Harmonie, dass sie werden für immer die besten Gemälde des 17. Jahrhunderts bleiben. Aus einer Serie von Gemälden über das Leben Heinrichs IV. von Frankreich gelangten zwei halbfertige in die Uffizien; Skizzen für andere werden in verschiedenen Sammlungen aufbewahrt. Die neun James I. von England verherrlichenden Gemälde, mit denen Rubens wenige Jahre später die vom Londoner Ruß geschwärzten Plafondfelder des Hauptsaals im Weißen Saal schmückte, sind nicht wiederzuerkennen, gehören aber selbst nicht zu den gelungensten Werken des Meisters .

Von den religiösen Gemälden, die Rubens in den zwanziger Jahren malte, markiert die große feurige „Anbetung der Könige“ in Antwerpen, vollendet 1625, mit ihrem freieren und breiteren Pinselstrich, ihrer leichteren Formensprache und ihrer goldeneren Farbe erneut einen Wendepunkt in seiner künstlerischen Entwicklung , luftige Farbgebung. . Die luftig-leichte „Maria Himmelfahrt“ des Antwerpener Doms wurde 1626 fertiggestellt. Es folgen die malerische, freie „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ im Louvre und „Die Erziehung der Jungfrau Maria“ in Antwerpen. In Madrid, wo der Meister Tizian erneut studierte, wurde seine Farbgebung reicher und "blumiger". Die "Madonna" mit ihr anbetenden Heiligen in der Augustinerkirche in Antwerpen ist eine barockere Wiederholung von Tizians Frari-Madonna. Auch ein sinnvoll überarbeiteter Teil des „Triumphs Caesars“ von Mantegna, der sich 1629 in London befindet (jetzt in der National Gallery), konnte ihrem Brief nach zu urteilen auch erst nach dieser Zeit erscheinen. Dieses Jahrzehnt ist besonders reich an großen Porträts des Meisters. Älter, aber immer noch voller wärmender Schönheit, ist Isabella Brant in einem wunderschönen Porträt der Hermitage; schon schärfere Züge werden durch das Porträt in den Uffizien dargestellt. Zu den schönsten und farbenprächtigsten gehört das Doppelporträt seiner Söhne in der Galerie Liechtenstein. Berühmt ist das ausdrucksstarke Porträt von Caspar Gevaert an seinem Schreibtisch in Antwerpen. Und der greise Meister selbst erscheint mit einem dünnen diplomatischen Lächeln auf den Lippen in einem wunderschönen Büstenporträt Arembergs in Brüssel vor uns.

Das letzte Jahrzehnt, das Rubens (1631 - 1640) zufiel, stand unter dem Stern seiner geliebten zweiten Frau Elena Furman, die er in allen Formen malte und die ihm als Vorbild für religiöse und mythologische Malerei diente. Ihre besten Porträts von Rubens gehören zu den schönsten Frauenporträts der Welt: halbfigurig, in reichem Kleid, mit Federhut; lebensgroß, sitzend, in einem luxuriösen, an der Brust offenen Kleid; in kleiner Form neben ihrem Mann beim Spaziergang im Garten - sie ist in der Münchner Pinakothek; nackt, nur teilweise mit einem Pelzmantel bedeckt - im Wiener Hofmuseum; in einem Anzug zum Gehen auf dem Feld - in der Eremitage; mit ihrem Erstgeborenen an den Schärpen, Arm in Arm mit ihrem Ehemann und auch auf der Straße, begleitet von einem Pagen - bei Baron Alphonse Rothschild in Paris.

Die bedeutendsten Kirchenwerke dieser blühenden, strahlenden Spätepoche des Meisters sind der majestätisch und ruhig in der Komposition, in allen Farben des Regenbogens leuchtende Altar von St. Ildefons mit mächtigen Stifterfiguren an den Türen des Wiener Hofmuseums und ein prunkvolles Altarbild in Rubens' eigener Grabkapelle in der Jakobskirche in Antwerpen, mit Heiligen der Stadt gemalt von Gesichtern aus der Nähe des Meisters. Einfachere Werke wie: St. Cecilia in Berlin und die prächtige Bathseba in Dresden stehen ihnen in Ton und Farbe nicht nach. Zu den kostbaren mythologischen Bildern dieser Zeit gehören die glitzernden Urteile des Paris in London und Madrid; und welch leidenschaftliche Lebendigkeit atmet Dianas Jagd in Berlin, wie märchenhaft üppig das Fest der Venus in Wien, welch magisches Licht erleuchtet Orpheus und Eurydike in Madrid!

Vorbereitend für diese Art von Gemälden sind einige Genrebilder des Meisters. So fängt der Charakter des mythologischen Genres die lebensgroße "Hour of Date" in München sinnlich und sinnlich ein.

Vorbilder aller weltlichen Szenen Watteaus sind die berühmten „Gärten der Liebe“ genannten Gemälde mit fliegenden Liebesgöttern, mit Gruppen luxuriös gekleideter Liebespaare bei einem Fest im Garten. Eines der besten Werke dieser Art befindet sich im Besitz von Baron Rothschild in Paris, das andere im Madrider Museum. Die wichtigsten Genrebilder mit kleinen Figuren aus dem Volksleben, gemalt von Rubens, sind der majestätische und vitale, rein rubensische Bauerntanz in Madrid, das Halblandschaftsturnier vor dem Burggraben, im Louvre und der Jahrmarkt in derselben Kollektion, deren Motive bereits an Teniers erinnern.

Auch die meisten realen Landschaften von Rubens gehören in seine letzten Lebensjahre: so die strahlende Landschaft mit Odysseus im Palazzo Pitti, so die Landschaften, neu gestaltet, künstlerisch erklärend, mit einem einfachen und weiten Bild der Umgebung , das flache Areal, in dem sich Rubens' Datscha befand, und mit einem majestätischen, stimmungsvollen Himmelswechsel. Am schönsten sind der feurige Sonnenuntergang in London und die Landschaften mit Regenbogen in München und St. Petersburg.

Was auch immer Rubens unternahm, er verwandelte alles in glänzendes Gold; und wer mit seiner kunst in kontakt kam, als mitarbeiter oder nachahmer, konnte aus seinem teufelskreis nicht mehr ausbrechen.

Von den zahlreichen Rubensschülern erreicht nur Anton van Dyck (1599 - 1641) - dessen Licht sich natürlich wie das Mondlicht der Sonne auf das Licht von Rubens bezieht - mit strahlendem Haupt den Himmel der Kunst. Obwohl Balen als sein eigentlicher Lehrer gilt, nannte ihn Rubens selbst seinen Schüler. Jedenfalls stand seine jugendliche Entwicklung, soweit wir wissen, unter dem Einfluss von Rubens, von dem er nie ganz abweicht, sondern seinem eher beeinflussbaren Temperament entsprechend zu einer nervöseren, sanfteren und subtileren Malweise umarbeitet und weniger stark im Zeichnen. . Ein längerer Aufenthalt in Italien machte ihn schließlich zum Maler und Meister der Farben. Es war nicht seine Sache, Live-Action zu erfinden und dramatisch zu verschärfen, aber er verstand es, Figuren in seinen historischen Gemälden in klar durchdachte Beziehungen zueinander zu setzen und seinen Porträts die subtilen Merkmale des sozialen Status zu vermitteln, die der Lieblingsmaler wurde der Adligen seiner Zeit.

Die neuesten zusammenfassenden Arbeiten zu Van Dyck stammen von Michiels, Giffrey, Kust und Schaeffer. Einzelne Seiten seines Lebens und seiner Kunst wurden von Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti und dem Autor dieses Buches erklärt. Noch heute streiten sie über die Unterscheidung verschiedener Lebensabschnitte, die vor allem mit Reisen verbunden waren. Nach neuesten Forschungen arbeitete er bis 1620 in Antwerpen, 1620 - 1621 in London, 1621 - 1627 in Italien, hauptsächlich in Genua, mit einer Unterbrechung von 1622 bis 1623, durchgeführt, wie Rooses zeigt, wahrscheinlich in der Heimat , 1627 - 1628 in Holland, dann wieder in Antwerpen, und ab 1632 als Hofmaler Karls I. in London, wo er 1641 starb, und in dieser Zeit 1634 - 1635 in Brüssel war, 1640 und 1641 in Antwerpen und Paris.

Es gibt kaum ein Frühwerk von Van Dyck, in dem nicht der Einfluss von Rubens spürbar wäre. Auch seine frühen Apostolischen Serien zeigen bereits Spuren der rubensischen Manier. Davon sind einige der Originalköpfe in Dresden, andere in Althorp erhalten. Zu den religiösen Gemälden, die Van Dyck nach eigenem Entwurf auf eigene Gefahr und Gefahr von 1618 bis 1620 in den Diensten von Rubens malte, gehören das „Martyrium des hl. Sebastian“ mit der überladenen alten Komposition „Beweinung Christi“ und „Badende Susanna“ in München. „Thomas in St. Petersburg“, „Die Kupferschlange“ in Madrid. Keines dieser Gemälde kann sich einer perfekten Komposition rühmen, aber sie sind gut gemalt und haben eine blumige Farbe. Der Dresdner „Jerome“ ist malerisch und in der Seele tief empfunden und stellt einen lebhaften Kontrast zum benachbarten, ruhiger und rauer geschriebenen Jerome Rubens dar.

Dann folgt: Die Verspottung Christi in Berlin, das stärkste und ausdrucksstärkste dieser Halb-Rubens-Gemälde und wunderschön in der Komposition, zweifellos von Rubens, St. Martin" in Windsor, auf einem Pferd sitzend, einem Bettler einen Mantel hinhaltend. Die vereinfachte und schwächere Wiederholung dieses Martin in der Kirche von Savenham kommt der späteren Art des Meisters näher.

Van Dyck ist ein großer Künstler in dieser Rubens-Ära, besonders in seinen Porträts. Einige von ihnen, die die wohlbekannten Vorzüge beider Meister vereinen, wurden Rubens im 19. Jahrhundert zugeschrieben, bis Bode sie an Van Dyck zurückgab. Sie sind individueller in einzelnen Zügen, nervöser im Ausdruck, weicher und tiefer in der Schrift als die simultanen Portraits von Rubens. Die ältesten dieser Halb-Rubens-Porträts von Van Dyck sind beides Brustbildnisse eines älteren Ehepaares 1618 in Dresden, die schönsten sind die Halbfiguren zweier Ehepaare in der Galerie Liechtenstein: eine Frau mit Goldschnürung auf der Brust , ein Herr, der Handschuhe anzieht, und vor einem roten Vorhang sitzende Dame mit Kind auf dem Schoß, in Dresden. Ihm gehört die prächtige Isabella Brant aus der Eremitage und aus dem Louvre ein Doppelporträt des angeblichen Jean Grusset Richardeau und seines neben ihm stehenden Sohnes. Von den Doppelporträts sind die nebeneinander stehenden Eheleute bekannt – am malerischsten ist das Porträt von Frans Snyders und seiner Frau in sehr forcierten Posen, Jan de Wael und seine Frau in München. In den jugendlichen Selbstbildnissen des Meisters schließlich mit nachdenklicher, selbstbewusster Miene in St. Petersburg, München und London weist schon sein Alter von etwa zwanzig Jahren auf eine frühe Zeit hin.

Von religiösen Gemälden, die Van Dyck zwischen 1621 - 1627 gemalt hat. In Italien, im Süden, blieb eine schöne, von Tizian inspirierte Szene mit der "Münze des Petrus" und "Maria mit dem Kind" im feurigen Heiligenschein, im Palazzo Bianco, die an Rubens erinnert, die "Kreuzigung". der königliche Palast in Genua, malerisch und spirituell zärtlich empfunden, die Grablegung der Galleria Borghese in Rom, das träge Marienhaupt im Palazzo Pitti, die prächtige, strahlende Familie in der Turiner Pinakothek und die kraftvolle, aber recht manierierte Altarbild der Madonna del Rosario in Palermo mit länglichen Figuren. Von den weltlichen Gemälden erwähnen wir hier nur das schöne, im Geiste Giorgiones, das Gemälde mit den drei Lebensaltern im Stadtmuseum in Vincenza und das schlichte, aber feurige Gemälde „Diana und Endimon“ in Madrid.

Eine souveräne, feste und zugleich sanfte Strichmodellierung in dunklem Hell-Dunkel und eine tiefe, reiche Farbgebung der nach Einheit der Stimmung strebenden italienischen Köpfe manifestieren sich auch in seinen italienischen, insbesondere genuesischen Porträts. Das Reiterporträt von Antonio Giulio Brignole Sale, das in einer kühnen Verkürzung fast zum Betrachter gerichtet ist und seinen Hut in der rechten Hand zum Gruß schwenkt, im Palazzo Rossi in Genua, war ein wahrer Indikator für den neuen Weg. Edel, mit barocken Säulen und Draperien im Hintergrund, stehen die Porträts von Signora Geronimo Brignole Sale mit ihrer Tochter Paola Adorio in einem dunkelblauen Seidenkleid mit Goldstickerei und einem jungen Mann in der Kleidung einer edlen Person, aus derselben Sammlung auf der Höhe der absoluten Porträtkunst. Daran schließen sich Porträts der Marchesa Durazzo in hellgelbem Seidendamastkleid mit Kindern vor rotem Vorhang, ein lebhaftes Gruppenporträt von drei Kindern mit Hund und ein edles Knabenporträt in weißem Kleid mit ein Papagei, gehalten im Palazzo Durazzo Pallavicini. In Rom besitzt die Kapitolinische Galerie ein sehr vitales Doppelporträt von Luca und Cornelis de Wael, in Florenz im Palazzo Pitti ein geistig ausdrucksstarkes Porträt von Kardinal Giulio Bentivoglio. Andere Porträts aus Van Dycks italienischer Zeit fanden ihren Weg ins Ausland. Eine der besten gehört Pierpont Morgan in New York, aber sie sind auch in London, Berlin, Dresden und München zu finden.

Der fünfjährige Aufenthalt (1627 - 1632) des Meisters in seiner Heimat nach der Rückkehr aus Italien erwies sich als äußerst fruchtbar. Große, bewegungsreiche Altarbilder, was die mächtigen Kruzifixe in der Kirche St. Zhen in Dendermonde, in der Kirche von Michael in Gent und in der Kirche von Romuald in Meheln und die angrenzende "Kreuzerhöhung" in der Kirche von St. Gennes in Courtrai repräsentiert ihn ebenso wenig wie die innerlebenvollen Werke, zu denen wir die Kreuzigung mit dem bevorstehenden im Lille Museum, „Ruhe auf der Flucht“ in München und einzelne gefühlvolle Kreuzigungen in Antwerpen, Wien u München. Diese Gemälde übersetzen die Bilder von Rubens aus der heroischen Sprache in die Sprache der Gefühle. Zu den schönsten Gemälden dieser Zeit zählen die Madonna mit einem knienden Stifterpaar und blumenschenkenden Engeln im Louvre, die Madonna mit dem stehenden Christkind in München und die stimmungsvolle „Klage über Christus“ in Antwerpen, München, Berlin u Paris. Madonnen und Klagen im Allgemeinen waren Van Dycks Lieblingsthemen. Er nahm selten Bilder von heidnischen Göttern auf, obwohl sein Hercules at the Crossroads in den Uffizien, die Bilder von Venus, Vulkan, Wien und Paris zeigen, dass er damit einigermaßen umgehen konnte. Er blieb hauptsächlich Porträtmaler. Aus dieser fünfjährigen Periode sind etwa 150 Porträts seines Pinsels erhalten. Ihre Gesichtszüge sind noch schärfer, in den typisch anmutigen, untätigen Händen ist noch weniger Ausdruck als auf gleichartigen italienischen Gemälden von ihm. Ihre Körperhaltung gesellte sich zu einer etwas aristokratischeren Leichtigkeit, und in der kälteren Farbgebung zeigte sich eine subtilere Grundstimmung. Kleidung fällt normalerweise leicht und frei, aber materiell. Die schönsten unter ihnen, in Lebensgröße geschrieben, sind die charakteristischen Porträts der Herrscherin Isabella in Turin, im Louvre und in der Galerie Liechtenstein, Philippe de Roy und seine Frau in der Sammlung Wallace in London, Doppelporträts eines Herrn u eine Dame mit Kind im Arm im Louvre und im Gotischen Museum und noch ein paar Herren- und Damenportraits in München. Zu den ausdrucksstärksten Brust- und Generationenporträts zählen die Porträts von Bischof Mulderus und Martin Pepin in Antwerpen, Adrian Stevens und seiner Frau in St. Petersburg, Graf Van den Berg in Madrid und Canon Antonio de Tassis in der Galerie Liechtenstein. Der Organist Liberty blickt träge, der Bildhauer Colin de Nole, seine Frau und ihre gemeinsame Tochter blicken langweilig auf die Porträtgruppe in München. Die Porträts eines Herrn und einer Dame in Dresden und Marie Louise de Tassis in der Galerie Liechtenstein zeichnen sich durch eine edle, malerische Haltung aus. Van Dycks Einfluss auf alle Porträts seiner Zeit, insbesondere auf Englisch und Französisch, war enorm; doch sind seine Porträts in natürlicher Eigenart und innerer Wahrheit nicht mit denen seiner Zeitgenossen Velasquez und Frans Hals zu vergleichen, um nur andere zu nennen.

Gelegentlich griff Van Dyck aber auch zur Graviernadel. Bekannt für 24 leicht und mit großer Bedeutung ausgeführte Blätter seiner Arbeit. Andererseits beauftragte er andere Stecher, eine große Serie von kleinen, von ihm gemalten Porträts berühmter Zeitgenossen in einem Grauton zu reproduzieren. In der Gesamtsammlung erschien diese „Ikonographie von Van Dyck“ in hundert Blättern erst nach seinem Tod.

Als Hofmaler Karls I. malte Van Dyck in den letzten acht Jahren seines Lebens kleine religiöse und mythologische Gemälde. Dennoch gehören einige der besten Gemälde, die während seines kurzen Aufenthaltes in den Niederlanden entstanden sind, dieser späten Zeit des Meisters an. Es war die letzte und malerischste Darstellung der „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“, mit einem Tanz von Engeln und fliegenden Rebhühnern, jetzt in der Eremitage, der reifsten und schönsten „Beweinung Christi“ im Antwerpener Museum, nicht nur klar, ruhig und berührend in der Komposition, sondern ein Ausdruck wahrer Trauer, aber auch in den Farben, die mit ihren wunderschönen Akkorden aus Blau, Weiß und Dunkelgold ein meisterhaftes, bezauberndes Werk darstellen. Dann folgen die überaus zahlreichen Porträts der englischen Zeit. Freilich, unter dem Einfluß des Londoner Hoftyps werden seine Köpfe immer maskenhafter, seine Hände werden immer ausdrucksloser; dagegen sind die Kleider raffinierter und stofflicher geschrieben, die Farben, deren Silberton erst allmählich zu verblassen begann, gewinnen immer mehr an zartem Charme. Natürlich richtete Van Dyck auch in London eine Werkstatt mit Großserienfertigung ein, an der zahlreiche Studenten beteiligt waren. Das Familienporträt in Windsor, das das sitzende Königspaar mit zwei Kindern und einem Hund zeigt, ist eine eher schwache Darstellung. Das Reiterportrait des Königs an gleicher Stelle vor dem Triumphbogen ist mit viel Geschmack gemalt, noch malerischer ist sein Reiterportrait in der Nationalgalerie, wirklich malerisch ist das entzückende Portrait des Königs im Jagdanzug im Louvre . Von den Porträts der Königin Henrietta Maria von Van Dyck gehört dasjenige, das Lord Northbrook in London besitzt und das die Königin mit ihren Zwergen auf einer Gartenterrasse darstellt, zu den frischesten und frühesten und befindet sich in der Dresdner Galerie, trotz all ihres Adels, darunter das schwächste und neuste. Berühmt sind verschiedene Porträts der Kinder des englischen Königs, die zu den attraktivsten Meisterwerken von Van Dyck gehören. Turin und Windsor haben die schönsten Porträts der drei königlichen Kinder; aber das luxuriöseste und schönste von allen ist das Windsor-Porträt mit den fünf Kindern des Königs, mit einem großen und einem kleinen Hund. Von den anderen zahlreichen Porträts von Van Dyck in Windsor läutet das Porträt von Lady Venice Digby mit seinen allegorischen Ergänzungen in Form von Tauben und Liebesgöttern eine neue Ära ein, und das Doppelporträt von Thomas Killigrew und Thomas Carew schlägt mit dem auf Lebensbeziehungen, die für unseren Meister ungewöhnlich dargestellt wurden. Das Porträt von James Stuart mit einem großen Hund, der sich an ihn klammert, im Metropolitan Museum of Art in New York zeichnet sich durch eine besondere Anmut aus, ein Porträt der Verlobten, der Kinder von Wilhelm II. von Oranien und Henrietta Maria Stuart, im Stadtmuseum in Amsterdam ist herrlich. Etwa hundert Porträts aus der englischen Zeit des Meisters sind erhalten.

Van Dyck starb jung. Als Künstler sprach er offenbar alle. Ihm fehlt die Vielseitigkeit, Fülle und Kraft seines großen Lehrers, aber er übertraf alle seine flämischen Zeitgenossen an der Subtilität einer rein malerischen Stimmung.

Andere wichtige Maler, Mitarbeiter und Schüler von Rubens in Antwerpen vor und nach Van Dyck, leben nur Echos von Rubens' Kunst, sogar Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), der Bruder des großen Bildhauers, und sein Enkel Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) sind nicht so bedeutend, um näher darauf einzugehen. Von eigenständiger Bedeutung sind Vertreter verschiedener realistischer Abteilungen der Rubenswerkstatt. Frans Snyders (1579 - 1657) begann mit einer toten Natur, die er gerne in Lebensgröße, breit, realistisch und dabei dekorativ aufführte; Zeit seines Lebens malte er große, gesunde Beobachtungsbilder von Küchenutensilien und Früchten, wie sie in Brüssel, München und Dresden erhältlich sind. In der Werkstatt von Rubens lernte er auch, lebensgroße Tiere in Jagdszenen lebendig und faszinierend, fast mit der Kraft und Leuchtkraft seines Lehrers, der lebendigen Welt darzustellen. Klassisch sind seine großen Jagdbilder in Dresden, München, Wien, Paris, Kassel und Madrid. Manchmal mit Snyders gleichgesetzt wird sein Schwager Paul de Vos (1590 - 1678), dessen große Tierbilder nicht mit der Frische und Wärme von Snyders' Gemälden mithalten können. Der unter dem Einfluss von Rubens entwickelte neue Landschaftsstil, der auf die alten dreifarbigen Bühnenhintergründe und das traditionelle büschelförmige Baumlaub fast vollständig verzichtete, tritt deutlicher in den Gemälden und Radierungen von Lucas van Oudens (1595 - 1672), Assistent in der Spätzeit des Landschaftsmeisters. Seine zahlreichen, meist kleinformatigen Landschaftsbilder, von denen neun in Dresden, drei in St. Petersburg, zwei in München hängen, sind einfache, natürlich gefasste Bilder der reizvollen lokalen Grenzlandschaften zwischen dem Brabanter Hügelland und der flämischen Ebene. Die Darbietung ist breit und akribisch. Seine Farben streben danach, nicht nur den natürlichen Eindruck von grünen Bäumen und Wiesen, bräunlicher Erde und bläulichen Hügelfernen zu vermitteln, sondern auch einen leicht bewölkten, hellen Himmel. Die Sonnenseiten seiner Wolken und Bäume funkeln normalerweise mit gelben Lichtflecken, und unter dem Einfluss von Rubens erscheinen manchmal auch Regenwolken und Regenbögen.

Die Kunst von Rubens löste eine Revolution im niederländischen Kupferstich aus. Zahlreiche Stecher, deren Arbeiten er sichtete, standen in seinen Diensten. Die Ältesten von ihnen, der Antwerpener Cornelis Galle (1576 – 1656) und die Holländer Jacob Matham (1571 – 1631) und Jan Müller, übersetzten seinen Stil noch in eine ältere Formensprache, aber die Stecher der Rubensschule, eine Reihe von die von Peter Southman aus Harlem (1580 - 1643) eröffnet werden und bis heute mit Namen wie Lukas Forstermann (geb. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius und Schelte glänzen. Bolswerth, Pieter de Jode der Jüngere und vor allem der große Hell-Dunkel-Stecher Jan Wittdöck (geb. 1604) schafften es, ihre Blätter mit rubensischer Kraft und Bewegung zu erfüllen. Die neue Mezzotinto-Technik, die die Oberfläche der Platte mit einer Spitzhacke aufraute, um darauf eine Zeichnung in weichen Massen herauszukratzen, wurde, wenn nicht erfunden, dann erstmals von Vallerand Vaillant aus Lille (1623 - 1677), ein Schüler von Rubens' Schüler Erasmus Quellinus, einem berühmten exzellenten Porträtmaler und Originalmaler toter Natur. Da Vaillant diese Kunst jedoch nicht in Belgien, sondern in Amsterdam, wo er hinzog, studierte, kann die flämische Kunstgeschichte ihn nur erwähnen.

Einige bedeutende Antwerpener Meister dieser Zeit, die keine direkten Beziehungen zu Rubens oder seinen Schülern hatten, die sich Caravaggio in Rom anschlossen, bildeten eine römische Gruppe. Klare Umrisse, plastische Modellierung, schwere Schatten von Caravaggio weichen erst in ihren späteren Gemälden von einer freieren, wärmeren, breiteren Malerei ab, die vom Einfluss von Rubens sprach. An der Spitze dieser Gruppe steht Abraham Janssens Van Nuessen (1576 – 1632), dessen Schüler Gerard Zeghers (1591 – 1651) sich in seinen späteren Gemälden zweifelsohne in das Fahrwasser von Rubens bewegte, und Theodore Rombouts (1597 – 1637) lässt dessen Einfluss erkennen Caravaggio in seinem Genre, in Lebensgröße, mit metallisch glänzenden Farben und schwarzen Schatten, Gemälde in Antwerpen, Gent, St. Petersburg, Madrid und München.

Der älteste der damals flämischen Maler, die nicht in Italien waren, Caspar de Crayer (1582 - 1669), zog nach Brüssel, wo er im Wettbewerb mit Rubens nicht über den Eklektizismus hinausging. An ihrer Spitze steht der Antwerpener Jacob Jordaens (1583 - 1678), ebenfalls ein Schüler und Schwiegersohn von Adam Van Noort, dem Oberhaupt der wahrhaft unabhängigen belgischen Realisten jener Zeit, einem der bedeutendsten flämischen herausragenden Maler der Zeit 17. Jahrhundert, neben Rubens und Van Dyck. Rooses widmete ihm auch ein umfangreiches Werk. Rauer als Rubens, ist er direkter und origineller als er. Seine Körper sind noch massiver und fleischiger als die von Rubens, seine Köpfe sind runder und gewöhnlicher. Seine Kompositionen, meist wiederholt, mit leichten Änderungen für verschiedene Gemälde, sind oft schlichter und oft überarbeitet, sein Pinsel ist bei aller Kunst trockener, glatter, manchmal dichter. Trotzdem ist er ein wunderbarer, origineller Kolorist. Er schreibt zunächst frisch und forsch, schwach modellierend in satten Lokalfarben; nach 1631 geht er, von den Reizen Rubens' hingerissen, zu zarterem Hell-Dunkel, zu schärferen Zwischenfarben und zu einem bräunlichen Malton über, aus dem saftig tiefe Grundtöne wirkungsvoll hervorblitzen. Er hat auch alles Dargestellte porträtiert. Seinen größten Erfolg verdankt er lebensgroßen allegorischen und Genrebildern, meist zum Thema Volkssprüche.

Das früheste bekannte Gemälde von Jordaens „Kreuzigung“ von 1617 in der Kirche St. Paul in Antwerpen zeigt den Einfluss von Rubens. Ganz er selbst ist Jordaens 1618 in der „Anbetung der Hirten“ in Stockholm und in einem ähnlichen Bild in Braunschweig, besonders in den frühen Bildern eines Satyrs, der einen Bauern besucht, dem er eine unglaubliche Geschichte erzählt. Das früheste Gemälde dieser Art befindet sich im Besitz von Herrn Celst in Brüssel; gefolgt von Kopien in Budapest, München und Kassel. Zu den frühen religiösen Gemälden gehören auch die ausdrucksstarken Bilder der Evangelisten im Louvre und der Jünger am Grab des Erlösers in Dresden; von den frühen mythologischen Gemälden verdienen Meleager und Atlanta in Antwerpen Erwähnung. Die früheste seiner lebenden Kompositionen von Familienporträtgruppen (um 1622) gehört dem Madrider Museum.

Auch in den nach 1631 entstandenen Gemälden von Jordaens ist der rubensische Einfluss wieder zu erkennen. In seiner Satire auf einen Bauern in Brüssel ist bereits eine Wendung erkennbar. Seine berühmten Darstellungen des „Bohnenkönigs“, von denen Kassel die frühesten Exemplare besitzt – weitere befinden sich im Louvre und in Brüssel – sowie seine unzähligen Bilder des Sprichworts „Was die Alten singen, quietschen die Kleinen“, ein Antwerpener Abschrift davon 1638 datiert. noch farbfrischer als die 1641 entstandenen Dresdner - andere im Louvre und in Berlin - gehören schon zur sanfteren und weicheren Manier des Meisters.

Vor 1642 entstanden mit den groben mythologischen Gemälden „Bacchuszug“ in Kassel und „Ariadne“ in Dresden auch lebendige vorzügliche Porträts von Jan Wirth und seiner Frau in Köln; dann, bis 1652, belebten Gemälde trotz der ruhigeren Linien äußerlich und innerlich, wie St. Ivo in Brüssel (1645), ein großartiges Familienporträt in Kassel und ein lebendiger „Bohnenkönig“ in Wien.

1652 war der Meister mit einer Einladung nach Den Haag in voller Kraft, an der Dekoration des „Waldschlosses“ teilzunehmen, dem die „Vergötterung des Prinzen Friedrich Heinrich“ und „Der Sieg des Todes über den Neid“ von Jordaens verleihen sein Abdruck und 1661 eine Einladung nach Amsterdam, wo er noch erhaltene, aber heute kaum noch zu unterscheidende Gemälde für das neue Rathaus malte.

Das schönste und religiöseste Gemälde seiner späteren Jahre ist Jesus unter den Schriftgelehrten (1663) in Mainz; farbenprächtig, "Tempeleingang" in Dresden und das lichtdurchflutete "Letzte Abendmahl" in Antwerpen.

Wenn Jordaens auch zu grob und uneben ist, um zu den Größten der Großen gezählt zu werden, so nimmt er doch als Antwerpener Bürgermaler und Maler der Bürger einen Ehrenplatz neben Rubens, Fürst der Maler und Maler der Fürsten, ein. Aber gerade wegen seiner Originalität schuf er keine bemerkenswerten Jünger oder Anhänger.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) war ein Meister, wie Jordans, der sich eigenständig an die vorrubensische Vergangenheit der flämischen Kunst anschloss, besonders herausragend als Porträtmaler, der mit einer ruhigen, eindringlichen Malweise, einer Eigenart, nach schlichter Wahrheit und Aufrichtigkeit strebte Brillanz in den Augen seiner Figuren und voller Lichtfarbe. Die beste Familienporträtgruppe mit entspannter Komposition gehört dem Brüsseler Museum, und das stärkste Einzelporträt des Zunftmeisters Grapheus gehört Antwerpen. Sehr typisch sind auch seine Doppelporträts des Ehepaares und seiner kleinen Töchter in Berlin.

Im Gegensatz zu seinem rein flämischen Stil mit italienischem Einschlag, der mit mehr oder weniger großen Abweichungen von der überwiegenden Mehrheit der belgischen Maler des 17 der Poussin-Trend folgt den Franzosen. An der Spitze dieser Schule steht Gerard Duffet (1594 - 1660), ein erfinderischer, hochglanzpolierter Akademiker, der vor allem in München bekannt ist. Gérard Leresse (1641 - 1711), ein Schüler seines Schülers Bartolet Flemalle oder Flemal (1614 - 1675), ein träger Nachahmer Poussins, der bereits 1667 nach Amsterdam übersiedelte, verpflanzte diesen den Franzosen nachahmenden akademischen Stil von Lüttich nach Holland Er verfolgte nicht nur als Maler und Grafiker mythologische Themen, sondern auch mit der Feder in seinem Buch, das eine bedeutende Wirkung entfaltet. Er war ein extremer Reaktionär und trug vor allem um die Jahrhundertwende dazu bei, dass der gesunde nationale Trend der niederländischen Malerei in das romanische Fahrwasser überging. „Seleukus und Antiochia“ in Amsterdam und Schwerin, „Parnass“ in Dresden, „Aufbruch der Kleopatra“ im Louvre geben eine hinreichende Vorstellung von ihm.

Leres führt uns schließlich von der großen belgischen Malerei zur kleinen zurück; und diese erlebte zweifellos noch in kleinfigurigen Gemälden mit Landschafts- oder Architekturhintergründen die reife nationale Blüte des 17. Jahrhunderts, die direkt aus dem von den Meistern der Übergangszeit bereiteten Boden wuchs, dank dessen aber völlige Bewegungsfreiheit erlangte der allmächtige Rubens, an manchen Stellen auch dank neuer Einflüsse, französisch und italienisch, oder sogar der Einfluss junger holländischer Kunst auf das Flämische.

Ein echtes Genrebild, das nach wie vor in Flandern die erste Rolle spielte. Gleichzeitig ist eine recht scharfe Grenze zwischen den Meistern, die das Leben der Oberschicht in weltlichen Szenen oder kleinen Gruppenporträts darstellten, und den Malern des Volkslebens in Wirtshäusern, Jahrmärkten und Landstraßen erkennbar. Rubens schuf Beispiele für beide Gattungen. Weltliche Maler stellen im Geiste der Liebesgärten von Rubens Damen und Herren in Seide und Samt dar, die Karten spielen, ein Fest feiern, fröhliche Musik spielen oder tanzen. Einer der ersten unter diesen Malern war Christian van der Lamen (1615 - 1661), bekannt für Gemälde in Madrid, Gotha, besonders in Lucca. Sein erfolgreichster Schüler war Jérôme Janssens (1624 - 1693), der „Tänzer“, dessen Tanzszenen in Braunschweig zu sehen sind. Über ihm als Maler steht Gonzales Kokvets (1618 - 1684), ein Meister aristokratischer Kleingruppenporträts, die Familienmitglieder darstellen, die in Kassel, Dresden, London, Budapest und Den Haag zu Hause vereint sind. Die produktivsten flämischen Schilderer des Volkslebens der unteren Klassen waren die Teniers. Aus der großen Familie dieser Künstler ragen David Teniers der Ältere (1582 - 1649) und sein Sohn David Teniers der Jüngere (1610 - 1690) heraus. Der ältere war wahrscheinlich ein Schüler von Rubens, der jüngere Rubens gab wahrscheinlich freundliche Ratschläge. Beide sind in Landschaft und Genre gleich stark. Es war jedoch nicht möglich, alle Werke des Älteren von den jugendlichen Gemälden des Jüngeren zu trennen. Zweifellos besitzt der Ältere die vier mythologischen Landschaften des Wiener Hofmuseums, das immer noch damit beschäftigt ist, die „drei Ebenen“, „Die Versuchung des hl. Anthony“ in Berlin, „Bergschloss“ in Braunschweig und „Bergschlucht“ in München.

Da David Teniers der Jüngere vom großen Adrien Brouwer von Oudenard (1606-1638) beeinflusst wurde, geben wir letzterem den Vorrang. Brouwer ist Schöpfer und Laie neuer Wege. Bode hat seine Kunst und sein Leben gründlich recherchiert. Er ist in vielerlei Hinsicht der größte niederländische Volksmaler und gleichzeitig einer der inspiriertesten belgischen und niederländischen Landschaftsmaler. Bei ihm, einem Schüler von Frans Hals in Haarlem, war bereits vor 1623 der Einfluss der holländischen Malerei auf das Flämische im 17. Jahrhundert zu sehen. Nach seiner Rückkehr aus Holland ließ er sich in Antwerpen nieder.

Gleichzeitig beweist seine Kunst, dass die einfachsten Beinamen aus dem Leben des einfachen Volkes dank ihrer Leistung den höchsten künstlerischen Wert erlangen können. Von den Niederländern übernahm er die Unmittelbarkeit der Naturwahrnehmung, die bildnerische Leistung, an sich künstlerisch. Als Niederländer erklärt er sich durch strenge Isolation, indem er Momente verschiedener Lebenserscheinungen vermittelt, wie ein Niederländer, mit kostbarem Humor, hebt er Szenen von Rauchen, Kämpfen, Kartenspielen und Wirtshaussaufen hervor.

Die frühesten Gemälde, die er in Holland gemalt hat, bäuerliche Saufgelage, Kämpfe, in Amsterdam, offenbaren in ihren rauen, neugierigen Charakteren die Antworten der altflämischen Übergangskunst. Die Meisterwerke dieser Zeit sind bereits seine Antwerpener „Kartenspieler“ und die Wirtshausszenen des Städel Instituts in Frankfurt. Scharf wird die Weiterentwicklung in „Messer“ und „Dorfbad“ der Münchner Pinakothek: Hier ist die Handlung schon ohne überflüssige Nebenfiguren dramatisch stark; Ausführung in allen Einzelheiten malerisch durchdacht; aus dem goldenen helldunkel der farbe leuchten noch rot- und gelbtöne. Es folgt die reife Spätzeit des Meisters (1633 - 1636) mit individuelleren Figuren, einem kälteren Farbton, in dem sich grüne und blaue Farbstellen abheben. Darunter sind 12 seiner 18 Münchener und die besten seiner vier Dresdener Gemälde. Schmidt-Degener hat ihnen eine Reihe von Gemälden aus Pariser Privatsammlungen beigelegt, deren Echtheit jedoch offenbar nicht immer genau festgestellt ist. Aus diesen Jahren stammen auch die besten Landschaften von Brouwer, in denen die einfachsten Motive der Natur aus der Umgebung von Antwerpen mit einer warmen, strahlenden Übertragung von Luft und Lichtphänomenen aufgefächert werden. "Dunes" in Brüssel, ein Gemälde mit dem Namen des Meisters, beweisen die Echtheit anderer. Sie wirken moderner als all seine anderen flämischen Landschaften. Zu den besten gehören die Mondlicht- und Hirtenlandschaft in Berlin, die Dünenlandschaft mit den roten Dünen in der Bridgewater Gallery und die eindrucksvolle Sonnenuntergangslandschaft, die Rubens in London zugeschrieben wird.

Die Genrebilder der letzten beiden Lebensjahre des Meisters der großen Formate bevorzugen helle, schattierte Schrift und eine deutlichere Unterordnung der Lokalfarben unter einen allgemeinen, grauen Ton. Zu singenden Bauern, würfelspielenden Soldaten und dem Wirtspaar im Trinkhaus der Münchner Pinakothek gesellen sich starke Gemälde, die den Betrieb des Städel Instituts und des Louvre „Smoker“ darstellen. Brouwers originelle Kunst ist immer das komplette Gegenteil aller akademischen Konventionen.

David Teniers d. J., der beliebteste Genremaler der adeligen Welt, 1651 vom Hofmaler und Galeriedirektor des Erzherzogs Leopold Wilhelm aus Antwerpen nach Brüssel eingeladen, wo er hochbetagt starb, ist mit Brouwer im Jahr 1651 nicht zu vergleichen Unmittelbarkeit der Übertragung des Lebens, in der emotionalen Erfahrung des Humors, aber gerade deshalb übertrifft er ihn mit äußerer Raffinesse und urbaner Stilisierung des verstandenen Volkslebens. Er stellte gerne aristokratisch gekleidete Städter in ihren Beziehungen zu den Dorfbewohnern dar, malte gelegentlich weltliche Szenen aus dem Leben der Aristokratie und übertrug sogar religiöse Episoden im Stil seiner Genrebilder, in prächtig dekorierten Räumen oder unter wahrheitsgemäß beobachteten, sondern dekorative Landschaften. Versuchung von St. Anthony (in Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brüssel) gehört zu seinen Lieblingsthemen. Mehr als einmal malte er auch einen Kerker mit Petersbild im Hintergrund (Dresden, Berlin). Von den mythologischen Themen im Stil seiner Genrebilder nennen wir "Neptun und Amphitrite" in Berlin, das allegorische Gemälde "Die fünf Sinne" in Brüssel, poetische Werke - zwölf Gemälde aus "Jerusalem befreit" in Madrid. Auch seine Bilder von Alchemisten (Dresden, Berlin, Madrid) sind dem Genre der High Society zuzuordnen. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde, davon 50 in Madrid, 40 in St. Petersburg, 30 in Paris, 28 in München, 24 in Dresden, zeigen die Umgebung von Dorfbewohnern, die sich in ihrer Freizeit vergnügen. Er zeigt sie beim Schlemmen, Trinken, Tanzen, Rauchen, Karten- oder Würfelspielen, auf einer Party, in einem Wirtshaus oder auf der Straße. Seine in ihrer natürlichen Formensprache leichte und freie, schwungvolle und zugleich sanfte Schrift erfährt Veränderungen nur in der Farbe. Der Ton seines „Tempelmahls im Halblicht“ von 1641 in Dresden ist schwer, aber tief und kalt. Dann kehrt er zum Braunton der frühen Jahre zurück, der sich in Gemälden wie dem Kerker von 1642 in St. Petersburg, dem „Zunftbierhaus“ von 1643 in München und „Der verlorene Sohn“ schnell zu einem feurigen Goldton entwickelt 1644 im Louvre, flammt heller auf wie der "Tanz" von 1645 in München und die "Würfelspieler" von 1646 in Dresden, wird dann, wie die "Smokers" von 1650 in München zeigen, allmählich grauer und schließlich 1651, in „Bauernhochzeit“ in München, geht in einen edlen Silberton über und wird begleitet von der zunehmend leichteren und flüssigeren Schrift, die Teniers Gemälde der fünfziger Jahre auszeichnet, wie etwa sein Wachhaus im Buckingham Palace von 1657. Endlich nach 1660 sein Pinsel wird weniger sicher, die Färbung ist wieder brauner, trockener und trüber. München besitzt ein Gemälde, das einen Alchemisten darstellt, mit Merkmalen eines Gemäldes eines alten Meisters von 1680.

Unter den Schülern von Brouwer sticht Joos van Kreesbeek (1606 - 1654) hervor, in dessen Gemälden Kämpfe manchmal tragisch enden; Gillis van Tilborch (ca. 1625 - 1678) ist bekannt aus den Schülern von Teniers dem Jüngeren, der auch Familiengruppenporträts im Stil von Kokves malte. Dazu kommen Mitglieder der Malerfamilie Rikavert, von denen vor allem David Rikaert III. (1612 - 1661) zu einer gewissen Selbständigkeit aufstieg.

Neben der nationalen flämischen Kleinfigurenmalerei gibt es eine gleichzeitige, wenn auch nicht gleichwertige, italienisierende Tendenz, deren Meister zeitweise in Italien wirkten und das italienische Leben in all seinen Erscheinungsformen darstellten. Die größten dieser von Raphael oder Michelangelo mitgerissenen Mitglieder der holländischen „Gemeinde“ in Rom waren jedoch die Holländer, auf die wir weiter unten zurückkommen werden. Pieter Van Laer aus Gaarlem (1582 - 1642) ist der eigentliche Begründer dieses Trends, der sowohl die Italiener des Typs Cherkvozzi als auch die Belgier des Typs Jan Mils (1599 - 1668) gleichermaßen beeinflusste. Weniger unabhängig sind Anton Goubau (1616 - 1698), der die römischen Ruinen mit buntem Leben füllte, und Peter Van Blemen, Spitzname Standardaard (1657 - 1720), der italienische Pferdemärkte, Kavallerieschlachten und Lagerszenen bevorzugte. Das italienische Volksleben ist seit der Zeit dieser Meister ein Gebiet geblieben, das jährlich Scharen von Malern aus dem Norden anzieht.

Im Gegenteil, die Landschaftsmalerei entwickelte sich im nationalen flämischen Geist mit Schlachten- und Räuberthemen, angrenzend an Sebastian Vranks, dessen Schüler Peter Snyers (1592 - 1667) von Antwerpen nach Brüssel zog. Sniers' frühe Gemälde, wie die in Dresden, zeigen ihn auf einer recht malerischen Spur. Später, als Schlachtenmaler des Hauses Habsburg, legte er mehr Wert auf topografische und strategische Treue als auf malerische Treue, wie seine großen Gemälde in Brüssel, Wien und Madrid zeigen. Sein bester Schüler war Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), ein Schlachtenmaler Ludwigs XIV. und Professor an der Pariser Akademie, der den von ihm in Luft- und Lichtperspektive verfeinerten Stil von Snyers nach Paris verpflanzte. Im Schloss von Versailles und im Hôtel des Invalides in Paris malte er große Serien von Wandgemälden, makellos in ihrer selbstbewussten Form und dem Eindruck einer malerischen Landschaft. Auch seine Gemälde in Dresden, Wien, Madrid und Brüssel mit Feldzügen, Stadtbelagerungen, Lagern, siegreichem Einzug des Großkönigs zeichnen sich durch ihre helle malerische Feinheit der Wahrnehmung aus. Dieses neuniederländische Schlachtengemälde wurde von Cornelis de Wael (1592-1662), der sich in Genua niederließ, nach Italien übertragen, und nachdem er hier einen perfekteren Pinsel und eine warme Farbe erworben hatte, wandte er sich bald der Darstellung des italienischen Volkslebens zu.

In der eigentlichen belgischen Landschaftsmalerei, die der Verfasser dieses Buches in Die Geschichte der Malerei (seiner eigenen und Woltmanns) näher beschrieben hat, kann man die ursprüngliche, heimische, nur wenig von südlichen Einflüssen berührte Tendenz recht deutlich von der Pseudoklassik unterscheiden Trend, der an Poussin in Italien angrenzte. Die nationale belgische Landschaftsmalerei behielt im Vergleich mit der niederländischen, abgesehen von Rubens und Brouwer, ein Merkmal von etwas äußerer Zierlichkeit; Mit dieser Eigenschaft tauchte sie in der Dekoration von Palästen und Kirchen mit dekorativen Gemäldeserien in einer solchen Fülle auf wie nirgendwo sonst. Der Antwerpener Paul Bril prägte diese Art der Malerei in Rom ein; die später französisierten Belgier Francois Millet und Philippe de Champagne schmückten die Pariser Kirchen mit Landschaftsmalereien. Der Autor dieses Buches schrieb 1890 einen separaten Artikel über Kirchenlandschaften.

Unter den Antwerpener Meistern ist vor allem Caspar de Witte (1624 - 1681) hervorzuheben, dann Peter Spirincks (1635 - 1711), der irrtümlich Peter Risbrak (1655 - 1719) zugeschriebene Kirchenlandschaften im Kirchenchor besitzt Augustinerkirche in Antwerpen, und besonders auf Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), Spitzname "Horizonte" wegen der Klarheit der blauen Bergstrecken seiner erfolgreichen, stark an Duguet erinnernden, aber harten und kalten Gemälde.

Die nationale belgische Landschaftsmalerei dieser Zeit blühte vor allem in Brüssel auf. Sein Vorfahre war Denis Van Alsloot (um 1570 – 1626), der ausgehend vom Übergangsstil in seinen semi-ländlichen, semi-urbanen Gemälden große Kraft, Festigkeit und Klarheit der Malerei entwickelte. Sein großer Schüler Lucas Achtschellingx (1626 - 1699) beteiligte sich unter dem Einfluss von Jacques d'Artois an der Ausschmückung belgischer Kirchen mit biblischen Landschaften mit üppigen dunkelgrünen Bäumen und blauen Hügelabständen in einer weiten, freien, etwas ausladenden Weise. Auch Jacques d'Artois (1613 - 1683), der beste Brüsseler Landschaftsmaler, ein Schüler des fast unbekannten Jan Mertens, schmückte Kirchen und Klöster mit großen Landschaften, deren biblische Szenen von befreundeten Historienmalern gemalt wurden. Seine Landschaften der Kapelle St. Der Autor dieses Buches hat die Ehefrauen des Brüsseler Doms in der Sakristei dieser Kirche gesehen. Kirchenlandschaften waren jedenfalls auch seine großen Gemälde des Hofmuseums und der Liechtenstein-Galerie in Wien. Mit seinen kleinen Zimmerbildern, die die üppige Waldnatur der Umgebung von Brüssel mit ihren gigantischen grünen Bäumen, gelben Sandstraßen, blauen Hügelstrecken, leuchtenden Flüssen und Teichen darstellen, können Sie Madrid und Brüssel und auch Dresden am besten kennenlernen , München und Darmstadt. Mit einer luxuriösen geschlossenen Komposition, tief, mit hellen Farben gesättigt, mit einer klaren Luft mit Wolken, die sich durch goldgelb beleuchtete Seiten auszeichnen, vermitteln sie perfekt den allgemeinen, aber immer noch nur den allgemeinen Charakter der Gegend. Golden, wärmer, dekorativer, wenn man so will, venezianischer gefärbt als d'Artois, sein bester Schüler Cornelis Huysmans (1648 - 1727), dessen beste Kirchenlandschaft "Christus zu Emmaus" der Frauenkirche in Mecheln ist .

In der Küstenstadt Antwerpen entwickelte sich natürlich auch ein Jachthafen. Der Wunsch nach Freiheit und Natürlichkeit des 17. Jahrhunderts wurde hier in den Gemälden verwirklicht, die die Küsten- und Seeschlachten von Andries Arthvelt oder Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) und Hendrik Mindergout (1632 - 1696) darstellen. die jedoch nicht mit den besten niederländischen Handwerkern der gleichen Branche mithalten können.

Auch in der Architekturmalerei, die gerne das Innere gotischer Kirchen darstellte, fehlte den flämischen Meistern, wie Peter Neefs d. J. (1620 - 1675), der kaum über einen groben Übergangsstil hinausging, der innere, lichtdurchflutete, malerische Charme des Holländischen Bilder von Kirchen.

Je mehr Kühnheit und Helligkeit die Belgier in die Bilder von Tieren, Früchten, toter Natur und Blumen brachten. Aber selbst Jan Fit (1611 - 1661), ein Maler von Küchenutensilien und Früchten, ging nicht weiter als Snyders, der alle Details sorgfältig ausführte und dekorativ zusammenfügte. Auch die Blumenmalerei ging in Antwerpen, zumindest allein, nicht weiter als Jan Brueghel d. Ä. Selbst Brueghels Schüler auf diesem Gebiet, Daniel Seghers (1590 - 1661), übertraf ihn nur in der Breite und dem Luxus der dekorativen Gestaltung, nicht aber im Verständnis für den Reiz der Formen und der schillernden Farben einzelner Farben. Seghers’ Blumenkränze auf den Madonnen großer Figurenmaler und seine seltenen, eigenständigen Blumenbilder wie eine silberne Vase in Dresden offenbaren jedenfalls das klare kalte Licht unvergleichlicher Ausführung. Antwerpen ist im 17. Jahrhundert der Hauptort der niederländischen Blumen- und Obstmalerei, doch verdankt es dies weniger lokalen Meistern als vielmehr dem großen Utrechtianer Jan Davids de Gey (1606 - 1684), der nach Antwerpen zog und seine aufzog Sohn Cornelis, geboren in Leiden de Gay (1631 - 1695), später auch Antwerpener Meister. Aber sie, die größten aller Blumen- und Obstmaler, zeichnen sich durch ihre unendliche Liebe zum Detail und die Kraft der Malerei aus, die in der Lage ist, diese Details innerlich zu verschmelzen, wie Meister des holländischen und nicht des belgischen Typs.

Wir haben gesehen, dass es bedeutende Verbindungen zwischen der flämischen Malerei und der niederländischen, italienischen und französischen Kunst gab. Die Flamen konnten die direkte, intime Wahrnehmung der Holländer, die pathetische Eleganz der Franzosen, den dekorativen Luxus der Formen und Farben der Italiener schätzen, aber sie blieben, abgesehen von Überläufern und Einzelerscheinungen, immer nur ein Viertel davon sich selbst in ihrer Kunst, für die andere Hälfte waren sie innerlich romanisierte und äußerlich germanische Holländer, die Natur und Leben mit starker und ungestümer Begeisterung und im dekorativen Sinne mit Stimmung zu erfassen und wiederzugeben vermochten.

L. Aleshina

Belgien war zu Beginn des 19. Jahrhunderts ein kleines Land, das der Welt in der Vergangenheit eine Reihe der größten Künstler beschert hat – es genügt, die Brüder van Eyck, Brueghel und Rubens zu nennen. erlebte eine lange Stagnation der Kunst. Eine gewisse Rolle spielte dabei die politisch und wirtschaftlich untergeordnete Stellung Belgiens, das bis 1830 keine nationale Unabhängigkeit besaß. Erst als sich ab Beginn des neuen Jahrhunderts die nationale Befreiungsbewegung immer stärker entwickelt, erwacht die Kunst zum Leben, die bald einen sehr wichtigen Platz im kulturellen Leben des Landes einnahm. Es ist zumindest bezeichnend, dass im Vergleich zu anderen europäischen Ländern die Zahl der Künstler im kleinen Belgien im Verhältnis zur Einwohnerzahl sehr groß war.

In der Entstehung der belgischen Kunstkultur des 19. Jahrhunderts. die großen Traditionen der nationalen Malerei spielten eine wichtige Rolle. Die Verbundenheit mit Traditionen drückte sich nicht nur in der direkten Nachahmung vieler Künstler ihrer herausragenden Vorgänger aus, obwohl dies gerade in der Mitte des Jahrhunderts charakteristisch für die belgische Malerei war. Der Einfluss der Traditionen beeinflusste die Besonderheiten der belgischen Kunstschule der Neuzeit. Eine dieser Besonderheiten ist das Engagement belgischer Künstler für die objektive Welt, für das wahre Fleisch der Dinge. Daher der Erfolg der realistischen Kunst in Belgien, aber auch einige Einschränkungen bei der Interpretation des Realismus.

Ein charakteristisches Merkmal des künstlerischen Lebens des Landes war die enge Wechselwirkung der belgischen Kultur mit der Kultur Frankreichs während des ganzen Jahrhunderts. Junge Künstler und Architekten gehen dorthin, um ihr Wissen zu erweitern. Viele französische Meister wiederum besuchen Belgien nicht nur, sondern leben auch viele Jahre dort und nehmen am künstlerischen Leben ihres kleinen Nachbarn teil.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts dominierte der Klassizismus die Malerei, Skulptur und Architektur Belgiens, wie in vielen anderen europäischen Ländern. Der bedeutendste Maler dieser Zeit war François Joseph Navez (1787-1869). Er studierte zunächst in Brüssel, dann ab 1813 in Paris bei David, den er ins Exil nach Brüssel begleitete. In den Jahren seines belgischen Exils genoss der bemerkenswerte französische Meister unter den einheimischen Künstlern größtes Ansehen. Navez war einer von Davids Lieblingsschülern. Seine Arbeit ist unvergleichlich. Mythologische und biblische Kompositionen, in denen er den Kanons des Klassizismus folgte, sind leblos und kalt. Porträts, die den größten Teil seines Erbes ausmachen, sind sehr interessant. In seinen Porträts verband sich die genaue und aufmerksame Beobachtung und das Studium der Natur mit einer erhaben idealen Vorstellung von der menschlichen Persönlichkeit. Die besten Eigenschaften der klassischen Methode – starker kompositorischer Aufbau, plastische Formenfülle – verschmelzen in Navez' Porträts harmonisch mit der Ausdruckskraft und Spezifität des Lebensbildes. Das Porträt der Familie Hemptinne (1816; Brüssel, Museum of Modern Art) scheint in seinen künstlerischen Qualitäten am höchsten zu sein.

Die schwierige Aufgabe eines Porträts mit drei Charakteren wird vom Künstler erfolgreich gelöst. Alle Mitglieder der jungen Familie – ein Ehepaar mit einer kleinen Tochter – sind in lebhaften, entspannten Posen, aber mit einem Gefühl starker innerer Verbundenheit dargestellt. Die Farbgebung des Porträts zeugt von Navez' Wunsch, die klassischen Traditionen der flämischen Malerei, die auf van Eyck zurückgehen, zu verstehen. Reine strahlende Farben verschmelzen zu einem fröhlichen harmonischen Akkord. Ein exzellentes Porträt der Familie Hemptinne steht in seiner plastischen Kraft, dokumentarischen Genauigkeit Davids späten Porträtwerken nahe, und in seinen Texten verbindet sich der Wunsch, das Innenleben der Seele zu vermitteln, mit der bereits aufkommenden Romantik. Noch näher an der Romantik ist Navez' Selbstporträt in jungen Jahren (1810er Jahre; Brüssel, Privatsammlung), in dem sich der Künstler mit einem Bleistift und einem Album in den Händen darstellt und lebhaft und konzentriert auf etwas vor ihm starrt. Navez spielte eine sehr bedeutende Rolle als Lehrer. Viele Künstler studierten bei ihm, der später den Kern der realistischen Richtung in der belgischen Malerei bildete.

Das Anwachsen der revolutionären Stimmung im Land trug zum Triumph der romantischen Kunst bei. Der Kampf um die nationale Unabhängigkeit führte im Sommer 1830 zu einer revolutionären Explosion, in deren Folge sich Belgien von den Niederlanden löste und einen unabhängigen Staat bildete. Kunst spielte eine wichtige Rolle bei den sich entfaltenden Ereignissen. Sie erweckte patriotische Gefühle, entfachte rebellische Stimmungen. Die Aufführung von Auberts Oper Der Stumme aus Portici war bekanntlich der unmittelbare Anlass für den revolutionären Aufstand in Brüssel.

Am Vorabend der Revolution in der belgischen Malerei zeichnet sich eine patriotische Ausrichtung des historischen Genres ab. Anführer dieser Strömung war der junge Künstler Gustave Wappers (1803-1874), der 1830 das Gemälde „Die Selbstaufopferung des Bürgermeisters van der Werf bei der Belagerung von Leiden“ ausstellte (Utrecht, Museum). Die Meister dieser Richtung besingen die Heldentaten ihrer Vorfahren und wenden sich der romantischen Formensprache zu. Die pathetische Überhöhung der Figurenstruktur, der gesteigerte bunte Farbklang wurde von den Zeitgenossen als Wiederbelebung der urnationalen Bildtradition empfunden, die Rubens am lebhaftesten verkörperte.

In den 30er Jahren. Die belgische Malerei gewinnt dank der Gemälde des historischen Genres an Anerkennung in der europäischen Kunst. Sein programmatischer und patriotischer Charakter, der den gemeinsamen Aufgaben der Entwicklung des Landes diente, bestimmte diesen Erfolg. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887) und Louis Galle gehörten zu den beliebtesten Künstlern Europas. Diese Richtung offenbarte jedoch sehr bald ihre begrenzten Seiten. Am erfolgreichsten waren jene Werke, die das Pathos der nationalen Befreiungsbewegung des Volkes widerspiegelten, die vom Heldentum vergangener und gegenwärtiger Freiheitskämpfe inspiriert waren. Es ist kein Zufall, dass Wappers' Septembertage von 1830 (1834-1835; Brüssel, Museum of Modern Art) den größten Erfolg hatten. Der Künstler schuf eine historische Leinwand auf modernem Material und enthüllte die Bedeutung revolutionärer Ereignisse. Eine der Episoden der Revolution wird gezeigt. Die Aktion findet auf dem zentralen Platz von Brüssel statt. Die stürmische Woge der populären Bewegung wird durch eine unausgewogene Diagonalkomposition vermittelt. Die Anordnung der Gruppen und einige der Figuren erinnern an Delacroix' Gemälde „Liberty Leading the People“, das für den Künstler zweifellos ein Vorbild war. Gleichzeitig ist Wappers in dieser Leinwand etwas äußerlich und deklarativ. Seine Bilder zeichnen sich zum Teil durch theatralische Auffälligkeit, Demonstration im Ausdruck von Gefühlen aus.

Kurz nach der Unabhängigkeit Belgiens verlor die Historienmalerei an inhaltlicher Tiefe. Das Thema der nationalen Befreiung verliert seine Aktualität, seine gesellschaftliche Basis. Aus dem historischen Bild wird ein prächtiges Kostümspektakel mit unterhaltsamer Handlung. In der Historienmalerei kristallisieren sich zwei Trends heraus; Auf der einen Seite sind dies monumentale pompöse Leinwände; die andere Richtung ist durch eine Genreinterpretation der Geschichte gekennzeichnet. Die nationalen Traditionen der Malerei werden sehr oberflächlich verstanden – als Summe von Techniken und Mitteln, die nicht durch den Einfluss der Zeit bestimmt sind. Es gibt viele Künstler, die ihre ganze Berufung in malerischen Genres wie „Meister des 17. Jahrhunderts“ oder historischen Szenen „wie Rubens“ sehen.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) bemüht sich prätentiös, aber erfolglos, die Errungenschaften von Michelangelo und Rubens in seinen riesigen historischen und symbolträchtigen Gemälden zu vereinen. Hendrik Leys (1815-1869) malt zunächst kleine genrehistorische Gemälde, die die Farben Rembrandts imitieren. Aus den 60er Jahren. er wechselt zu umfangreichen Mehrfigurenkompositionen mit Alltagsszenen aus der nördlichen Renaissance, in deren Ausführung er der naiven Genauigkeit und Detailtreue der Meister dieser Zeit folgt.

Unter den zahlreichen Historienmalern der Mitte des Jahrhunderts verdient Louis Galle (1810-1887) Erwähnung, dessen Gemälde sich durch Zurückhaltung und lakonische Komposition auszeichnen und dessen Bilder für ihre innere Bedeutung und Erhabenheit bekannt sind. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde „Letzte Ehrerbietung für die Überreste der Grafen Egmont und Horn“ (1851; Tournai, Museum, Wiederholung von 1863 – Puschkin-Museum). Dieselben Qualitäten sind in noch größerem Maße seinen Genrebildern wie The Fisherman's Family (1848) und Slavonets (1854; beide Hermitage) innewohnend.

Allmählich verliert die Historienmalerei Belgiens ihre führende Rolle im Genresystem und rückt etwa ab den 60er Jahren in den Vordergrund. Haushaltsmalerei kommt heraus. Die Genremaler der Mitte des Jahrhunderts ahmten in der Regel die Künstler des 17. Jahrhunderts nach und wandten sich der Gestaltung unterhaltsamer Szenen in Wirtshäusern oder gemütlichen Wohnräumen zu. Das sind die vielen Gemälde von Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) ist in seinen Sujets sehr traditionell und zeigt einsame Gestalten bei stiller Beschäftigung in lichtdurchfluteten Innenräumen. Sein Verdienst liegt darin, das Problem der Beleuchtung und luftigen Atmosphäre durch moderne Malerei zu lösen.

Die kapitalistische Entwicklung des Landes, die nach der Unabhängigkeit bereits in den 60er Jahren in einem sehr rasanten Tempo stattfand. stellte die Kunst vor neue Probleme. Die Moderne beginnt zunehmend, in die künstlerische Kultur Belgiens einzudringen. Die jüngere Generation von Künstlern vertritt den Slogan des Realismus und zeigt die charakteristischen Aspekte des umgebenden Lebens. Bei ihren Bestrebungen stützten sie sich auf das Beispiel von Courbet. 1868 wurde in Brüssel die Freie Gesellschaft der Schönen Künste gegründet. Die bedeutendsten seiner Teilnehmer waren Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Sie alle kamen mit dem Slogan des Realismus, mit dem Aufruf zum Kampf gegen die alte Kunst mit ihren lebensfernen Themen und überholten Kunstsprachen. Die seit 1871 erscheinende Zeitschrift Free Art wurde zum Vorboten der ästhetischen Anschauungen dieser Gesellschaft. wurde durch Gemälde aus dem Leben der unteren Gesellschaftsschichten bekannt. Seine Schreibweise steht Courbet nahe. Die Farbgebung ist in dunklen zurückhaltenden Tönen gehalten, die der schmerzhaften Düsternis der Dargestellten emotional entsprechen. So das Bild "Kaffeeröster" (60er Jahre; Antwerpen, Museum); Hier werden die Armen gezeigt, die sich an einem dunklen, kalten Wintertag draußen an einem Kohlenbecken wärmen, in dem Kaffeebohnen geröstet werden. Tiefes Mitgefühl für Benachteiligte prägt die Arbeit des Künstlers.

Der Realismus gewann in Belgien sehr bald eine starke Stellung in allen Kunstgattungen. Eine ganze Galaxie von Landschaftsmalern taucht auf, wahrhaftig und zugleich vielfältig ihre heimische Natur zeigend – die sogenannte Tervuren-Schule (nach dem Namen eines Ortes in einem Wald bei Brüssel). Der Schulleiter Hippolyte Boulanger (1837-1874) malt subtile, etwas melancholische Waldlandschaften, die farblich dem Barbizon ähneln. Energischer nimmt die Natur von Louis Artan (1837-1890) wahr. Am häufigsten stellte er Ansichten des Meeres und der Küste dar. Sein Abstrich ist dynamisch und belastbar; Der Künstler versucht, die wechselnde Atmosphäre, die Stimmung der Landschaft zu vermitteln.

Felicien Rops (1833-1898) nahm in der belgischen Kunst einen besonderen Platz ein. Obwohl der Meister einen bedeutenden Teil seines kreativen Lebens in Frankreich verbrachte, war er ein aktiver Teilnehmer am belgischen künstlerischen Prozess. Der eher skandalöse Ruhm des Künstlers als Sänger der Pariser Cocottes verdeckt oft seine sehr wichtige Rolle im kulturellen Leben Belgiens. Rops ist einer der Gründer der Literatur- und Kunstzeitschrift Ulenspiegel (gegründet 1856 in Brüssel) und der erste Illustrator des berühmten Romans von Charles de Coster (1867). Die Illustrationen in Radierungstechnik geben scharfe und interessante Inkarnationen der Bilder der Hauptfiguren des Romans. Rops war ein brillanter Meister des Zeichnens und ein aufmerksamer Beobachter des modernen Lebens, wie viele seiner Werke beweisen.

Belgische Architektur bis Ende des 19. Jahrhunderts. nichts Bedeutendes geschaffen. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts wurden mehrere Gebäude im Stil des Klassizismus gebaut, die von einem strengen Geschmack geprägt waren (Palast der Akademie in Brüssel -1823-1826, Architekt Charles van der Straten; Gewächshäuser im Botanischen Garten von Brüssel - 1826 -1829, Architekten F.-T. Seys und P.-F. Ginest). Seit Mitte des Jahrhunderts wächst in der Architektur ein ungezügelter Eklektizismus und der Wunsch, pompöse Prachtbauten zu schaffen. Charakteristisch sind zum Beispiel das Börsengebäude in Brüssel (1873-1876, Architekt L. Seiss), das Gebäude des Museums für Antike Kunst an gleicher Stelle (1875-1885, Architekt A. Bala). Der wohlhabende belgische Kapitalismus versucht, seiner Macht ein Denkmal zu setzen. So entsteht der Bau des Justizpalastes in Brüssel (1866-1883, Architekt J. Poulart) – eines der grandiosesten Bauwerke Europas, gekennzeichnet durch eine prätentiöse und absurde Anhäufung und Vermischung aller möglichen architektonischen Formen. Gleichzeitig spielt die Stilisierung eine wichtige Rolle in der belgischen Architektur: Viele Kirchen, Rathäuser und andere öffentliche Gebäude werden im Stil der Gotik, der flämischen Renaissance und der Romanik gebaut.

Belgische Skulptur bis zum letzten Viertel des 19. Jahrhunderts. hinkte in seiner Entwicklung aus der Malerei hinterher. In den 30er Jahren. Unter dem Einfluss patriotischer Ideen wurden dennoch einige interessante Statuen geschaffen. Zuallererst sind die Werke von Willem Gefs (1805-1883 - sein Grabstein des Grafen Frederic de Merode, der in revolutionären Kämpfen in Brüssel (1837, Brüssel, Kathedrale St. Gudula) gefallen ist) und die Statue des Generals zu erwähnen Belliard, stehend auf einem der Plätze der Hauptstadt (1836.) Die Mitte des Jahrhunderts war in Belgien wie in vielen anderen Ländern vom Niedergang der Bildhauerkunst geprägt.

In diesen für die Monumentalkunst schwierigen Jahren entsteht das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier (1831-4905). Meunier begann sein Studium an der Brüsseler Akademie der Schönen Künste in der Bildhauerklasse. Hier dominierte Mitte des Jahrhunderts ein konservatives akademisches System; Die Lehrer folgten in ihrer Arbeit und ihrem Unterricht dem Muster und der Routine, der anspruchsvollen Verschönerung der Natur im Namen eines abstrakten Ideals. Die ersten plastischen Arbeiten von Meunier standen dieser Richtung noch sehr nahe ("Garland"; wurde 1851 ausgestellt, ist nicht erhalten). Bald jedoch gab er die Bildhauerei auf und wandte sich der Malerei zu und wurde Schüler von Navez. Letzterer, in jenen Jahren zwar ein Symbol des überholten Klassizismus, konnte aber sicheres Beherrschen des Zeichnens, plastische Modellierung der Form in der Malerei und Verständnis für großen Stil lehren. Ein weiterer Einfluss auf den jungen Meister dieser Zeit war mit seiner Freundschaft mit Charles de Groux verbunden, mit seiner Bekanntschaft mit den Werken der französischen Realisten - Courbet und Millet. Meunier sucht nach tiefsinniger Kunst, der Kunst der großen Ideen, wendet sich aber zunächst nicht einem modernen Thema zu, sondern der religiösen und historischen Malerei. Besonders interessant ist das Gemälde „Episode aus dem Bauernkrieg von 1797“ (1875; Brüssel, Museum of Modern Art). Der Künstler wählt eine der letzten Szenen des Aufstands, der mit einer Niederlage endete. Er stellt das Geschehene als nationale Tragödie dar und zeigt gleichzeitig den unbeugsamen Willen der Menschen. Das Bild unterscheidet sich stark von anderen Werken des belgischen historischen Genres jener Jahre. Hier ist ein anderer Ansatz zum Verständnis von Geschichte und Realismus in der Darstellung von Charakteren und die durchdringende Emotionalität des Dargestellten und die Einführung der Landschaft als aktiv klingende Umgebung.

Ende der 70er Jahre. Meunier fällt in das „schwarze Land“ – die Industrieregionen Belgiens. Hier eröffnet er eine völlig neue Welt, die noch niemand in der Kunst widerspiegelt. Lebensphänomene mit ihren ganz anderen Schönheitsaspekten diktierten eine neue künstlerische Sprache, eine ganz eigene Farbe. Meunier malt Bilder, die der Arbeit von Bergleuten gewidmet sind, er malt Typen von Bergleuten und Bergarbeiterinnen, fängt die Landschaften dieses "schwarzen Landes" ein. Die Hauptnote in seinen Bildern ist nicht das Mitgefühl, sondern die Stärke der arbeitenden Menschen. Genau darin liegt die innovative Bedeutung von Meuniers Werk. Das Volk ist nicht als Objekt des Mitleids und der Sympathie, das Volk als Schöpfer großer Lebenswerte und fordert damit bereits eine würdige Haltung zu sich selbst. In dieser Anerkennung der großen Bedeutung der Werktätigen im gesellschaftlichen Leben stand Meunier sachlich auf einer Stufe mit den fortschrittlichsten Denkern der Zeit.

Meunier verwendet in seinen Bildern die Sprache der Verallgemeinerung. Er modelliert die Form mit Hilfe von Farbe. Seine Farbgebung ist streng und zurückhaltend – ein oder zwei leuchtende Farbflecken sind in erdigen Grautönen eingestreut und bringen den gesamten harschen Bereich zum Klingen. Seine Komposition ist einfach und monumental, es verwendet den Rhythmus einfacher, klarer Linien. Charakteristisch ist das Gemälde "Rückkehr aus der Mine" (um 1890; Antwerpen, Museum). Drei Arbeiter zeichnen sich, als würden sie an der Leinwand entlanggehen, als klare Silhouette gegen den rauchigen Himmel ab. Die Bewegung der Figuren wiederholt sich und variiert gleichzeitig das allgemeine Motiv. Der Rhythmus der Gruppe und der Rhythmus des Bildraumes schaffen eine harmonisch ausgewogene Lösung. Die Figuren sind an den linken Bildrand verschoben, zwischen ihnen und dem rechten Seitenrahmen befindet sich ein offenes Freifeld. Die Klarheit und Verallgemeinerung der Silhouette der Gruppe, der Lakonismus des Bildes jeder Figur verleihen der Komposition den Charakter eines fast plastischen Flachreliefs. Als er sich einem neuen Thema zuwandte, das ihn faszinierte, erinnerte sich Meunier sehr bald an seine ursprüngliche Berufung. Verallgemeinerung, Lakonismus der Mittel der plastischen Sprache könnten nicht besser verwendet werden, um die Schönheit menschlicher Arbeit zu besingen. Seit Mitte der 80er. Eine nach der anderen erscheinen Statuen und Reliefs von Meunier, die seinen Namen verherrlichen und eine Ära in der Entwicklung der bildenden Kunst im 19. Jahrhundert darstellen. Das Hauptthema und Bild des Bildhauers ist Arbeit, arbeitende Menschen: Hämmer, Bergleute, Fischer, Bergmannsmädchen, Bauern. Die Skulptur, die zuvor auf einen engen Kreis bedingter Sujets und Figuren fernab der Moderne beschränkt war, betrat das Volk der Arbeiter mit schwerem, selbstbewusstem Schritt. Die plastische Sprache, bis dahin völlig entmannt, gewann wieder gewichtige rohe Gewalt, mächtige Überzeugungskraft. Der menschliche Körper zeigte die in ihm verborgenen neuen Möglichkeiten der Schönheit. Auf dem Relief „Industry“ (1901; Brüssel, Museum Meunier) die Spannung aller Muskeln, die elastische Flexibilität und Kraft der Figuren, das angestrengte Atmen, das die Brust zerreißt, schwere geschwollene Hände – all das entstellt einen Menschen nicht, sondern verleiht ihm besondere Kraft und Schönheit. Meunier wurde zum Begründer einer neuen bemerkenswerten Tradition – der Tradition der Darstellung der Arbeiterklasse, der Poesie des Arbeitsprozesses.

Die von Meunier porträtierten Menschen nehmen keine überaus schönen oder traditionell klassischen Posen ein. Sie werden vom Bildhauer in einer wirklich realen Position gesehen und präsentiert. Ihre Bewegungen sind rüde, wie z. B. in dem kräftigen, großspurigen "The Hauler" (1888; Brüssel, Museum Meunier), manchmal sogar unbeholfen ("The Pudding Man", 1886; Brüssel, Museum of Ancient Art). In der Art und Weise, wie diese Figuren stehen oder sitzen, spürt man den Eindruck, den die Arbeit in ihrem Aussehen und Charakter hinterlassen hat. Und gleichzeitig sind ihre Posen voller fesselnder plastischer Schönheit und Kraft. Dies ist eine Skulptur im wahrsten Sinne des Wortes, die im Raum lebt und ihn um sich herum organisiert. Der menschliche Körper offenbart unter Meuniers Hand all seine elastische Kraft und strenge, intensive Dynamik.

Meuniers plastische Sprache ist verallgemeinert und prägnant. So wurde in der Statue „Der Lader“ (um 1905; Brüssel, Meunier Museum) weniger ein Porträt als ein verallgemeinerter Typus geschaffen, was ihr eine große Überzeugungskraft verleiht. Meunier lehnt herkömmliche akademische Draperien ab, sein Arbeiter trägt sozusagen "Overalls", aber diese Kleider drücken nicht und lassen die Form nicht schrumpfen. Die breiten Flächen des Stoffes scheinen sich um die Muskeln zu legen, einige einzelne Falten betonen die Bewegung des Körpers. Eines der besten Werke Meuniers ist Antwerpen (1900; Brüssel, Meunier Museum). Der Bildhauer wählte keine abstrakten Allegorien, sondern ein sehr spezifisches Bild eines Hafenarbeiters als Personifikation einer fleißigen und aktiven Stadt. Ein strenger und maskuliner Kopf, der mit äußerster Lakonie gestaltet ist, steht fest auf muskulösen Schultern. Meunier singt Wehen und verschließt ihre Schwere nicht. Eines seiner auffälligsten plastischen Werke ist die Grubengasgruppe (1893; Brüssel, Museum of Ancient Art). Dies ist eine wirklich moderne Version des ewigen Trauerthemas der Mutter ihres toten Sohnes. Es fängt die tragischen Nachwirkungen der Katastrophe in der Mine ein. Die traurige Frauengestalt beugte sich in verhaltener, stummer Verzweiflung über den krampfhaft gestreckten nackten Körper.

Nachdem er unzählige Typen und Bilder von arbeitenden Menschen geschaffen hatte, konzipierte Meunier in den 90er Jahren. monumentales Denkmal für die Arbeit. Es sollte mehrere Reliefs enthalten, die verschiedene Arten von Arbeit verherrlichen - "Industrie", "Ernte", "Hafen" usw., sowie eine runde Skulptur - Statuen von "Der Sämann", "Mutterschaft", "Arbeiter", usw. Diese Idee fand durch den Tod des Meisters nie ihre endgültige Verkörperung, wurde aber 1930 in Brüssel nach den Originalen des Bildhauers ausgeführt. Das Denkmal als Ganzes macht keinen monumentalen Eindruck. Überzeugender sind seine einzelnen Fragmente. Ihre Kombination in der vom Architekten Orta vorgeschlagenen architektonischen Version erwies sich als eher äußerlich und bruchstückhaft.

Das Werk von Meunier fasst auf besondere Weise die Entwicklung der belgischen Kunst im 19. Jahrhundert zusammen. Es entpuppte sich im Berichtszeitraum als höchste Errungenschaft des Realismus hierzulande. Gleichzeitig ging die Bedeutung der realistischen Eroberungen von Meunier über die Grenzen der rein nationalen Kunst hinaus. Die bemerkenswerten Werke des Bildhauers hatten einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Weltkunststoffe.

Kultur

Belgische Künstler

Der Höhepunkt der Blüte der Malerei in Belgien fällt in die Zeit der burgundischen Herrschaft im 15. Jahrhundert. Während der Renaissance malten Künstler Porträts mit komplizierten Details. Dies waren lebendige und nicht idealisierte Gemälde, in denen die Künstler versuchten, ein Höchstmaß an Realismus und Klarheit zu erreichen. Dieser Malstil erklärt sich aus dem Einfluss der neuen holländischen Schule.

Für die belgische Malerei war das 20. Jahrhundert das zweite goldene Zeitalter. Aber Künstler haben sich in der Malerei bereits von den Prinzipien des Realismus zurückgezogen und sich dem Surrealismus zugewandt. Einer dieser Künstler war Rene Magritte.

Die belgische Malerei hat eine alte Tradition, auf die die Belgier zu Recht stolz sind. Das Rubenshausmuseum befindet sich in Antwerpen und das Königliche Museum der Schönen Künste in Brüssel. Sie wurden zu einer Manifestation des tiefen Respekts der Belgier für ihre Künstler und alten Traditionen in der Malerei.

Flämische Primitivisten

Auch am Ende des Mittelalters in Europa wurde der Malerei in Flandern und Brüssel Aufmerksamkeit geschenkt. Jan Van Eyck (um 1400-1441) revolutionierte die flämische Kunst. Er war der Erste, der mit Öl haltbare Farben herstellte und Farben auf Leinwand oder Holz mischte. Diese Innovationen ermöglichten es, die Gemälde länger aufzubewahren. Während der Renaissance begann sich die Tafelmalerei zu verbreiten.

Jan Van Eyck wurde der Gründer der flämischen Primitivismus-Schule, die das Leben in leuchtenden Farben und in Bewegung auf Leinwänden darstellte. In der Genter Kathedrale befindet sich ein Altarpolyptychon „Die Anbetung des Lammes“, das von dem berühmten Künstler und seinem Bruder geschaffen wurde.

Der flämische Primitivismus in der Malerei zeichnet sich durch besonders realistische Porträts, klare Beleuchtung und sorgfältige Darstellung von Kleidung und Stofftexturen aus. Einer der besten Künstler, der in dieser Richtung arbeitete, war Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (um 1400-1464). Eines der berühmten Gemälde von Rogirde la Pasture ist Kreuzabnahme. Der Künstler verband die Kraft religiöser Gefühle und Realismus. Die Gemälde von Rogierde la Pasture inspirierten viele belgische Künstler, die die neue Technik erbten.

Die Möglichkeiten der neuen Technik wurden von Dirk Bouts (1415-1475) erweitert.

Hans Memling (ca. 1433-1494) gilt als der letzte flämische Primitivist, dessen Gemälde das Brügge des 15. Jahrhunderts darstellen. Die ersten Gemälde, die europäische Industriestädte darstellen, wurden von Joachim Patinir (ca. 1475-1524) gemalt.

Bruegel-Dynastie

Die belgische Kunst im frühen 16. Jahrhundert wurde stark von Italien beeinflusst. Der Maler Jan Gossaert (ca. 1478-1533) studierte in Rom. Um Bilder für das Herrscherhaus der Herzöge von Brabant zu malen, wählte er mythologische Sujets.

Im 16.-17. Jahrhundert. Den größten Einfluss auf die flämische Kunst hatte die Familie Bruegel. Einer der besten Maler der flämischen Schule war Pieter Brueghel der Ältere (um 1525-1569). Er kam 1563 nach Brüssel. Seine bekanntesten Werke sind Leinwände, die komische Bauernfiguren darstellen. Sie bieten Gelegenheit, in die Welt des Mittelalters einzutauchen. Eines der berühmten Gemälde von Pieter Brueghel dem Jüngeren (1564-1638), der Leinwände zu religiösen Themen malte, ist Die Volkszählung in Bethlehem (1610). Jan Brueghel der Ältere (1568-1625), auch bekannt als Brueghel the Velvet, malte komplizierte Stillleben mit Blumen vor einem Hintergrund aus Samtvorhängen. Jan Brueghel der Jüngere (1601-1678) malte prächtige Landschaften und war Hofmaler.

Künstler von Antwerpen

Das Zentrum der belgischen Malerei verlagerte sich im 17. Jahrhundert von Brüssel nach Antwerpen – dem Zentrum Flanderns. Dies wurde maßgeblich dadurch beeinflusst, dass einer der ersten weltberühmten flämischen Künstler Peter Paul Rubens (1577-1640) in Antwerpen lebte. Rubens malte prächtige Landschaften, Bilder mit mythologischer Handlung und war Hofmaler. Aber am bekanntesten sind seine Leinwände, die aufgedunsene Frauen darstellen. Die Popularität von Rubens war so groß, dass die flämischen Weber eine große Sammlung von Wandteppichen mit seinen großartigen Gemälden anlegten.

Rubens' Schüler, der Hofporträtmaler Anthony van Dyck (1599-1641), erlangte als zweiter Antwerpener Maler Weltruhm.

Jan Brueghel der Ältere ließ sich in Antwerpen nieder, und sein Schwiegersohn David Teniers II (1610-1690) gründete 1665 die Akademie der Schönen Künste in Antwerpen.

Europäischer Einfluss

Im 18. Jahrhundert blieb der Einfluss von Rubens auf die Kunst bestehen, so dass es keine wesentlichen Veränderungen in der Entwicklung der flämischen Kunst gab.

Ab Anfang des 19. Jahrhunderts war ein starker Einfluss anderer europäischer Schulen auf die Kunst Belgiens zu spüren. François Joseph Navez (1787-1869) fügte der flämischen Malerei den Neoklassizismus hinzu. Constantin Meunier (1831-1905) bevorzugte den Realismus. Guillaume Vogels (1836-1896) malte im impressionistischen Stil. Förderer der romantischen Malerei war der Brüsseler Künstler Antoine Wirtz (1806-1865).

Verstörende, verzerrte und verschwommene Gemälde von Antoine Wirtz, wie das um 1830 entstandene Werk „Hasty Cruelty“, stehen am Beginn des Surrealismus in der Kunst. Fernand Khnopff (1858-1921), bekannt für seine erschreckenden Porträts dubioser Frauen, gilt als früher Vertreter der belgischen symbolistischen Schule. Seine Arbeit wurde von Gustav Klimt, einem deutschen Romantiker, beeinflusst.

James Ensor (1860-1949) war ein weiterer Künstler, dessen Werk sich vom Realismus zum Surrealismus bewegte. Auf seinen Leinwänden sind oft mysteriöse und gruselige Skelette abgebildet. Gesellschaft der Künstler "LesVingt" (LesXX) in den Jahren 1884-1894. organisierte eine Ausstellung mit Werken berühmter ausländischer Avantgarde-Künstler in Brüssel und belebte damit das kulturelle Leben in der Stadt.

Surrealismus

Seit Anfang des 20. Jahrhunderts ist Cezannes Einfluss in der belgischen Kunst zu spüren. Während dieser Zeit tauchten die Fauves in Belgien auf und zeigten helle Landschaften, die in die Sonne getaucht waren. Ein prominenter Vertreter des Fauvismus war der Bildhauer und Künstler Rick Wauters (1882-1916).

Der Surrealismus tauchte Mitte der zwanziger Jahre des 20. Jahrhunderts in Brüssel auf. Rene Magritte (1898-1967) wurde zu einem prominenten Vertreter dieser Kunstrichtung. Der Surrealismus begann sich im 16. Jahrhundert zu entwickeln. Phantasmagorische Gemälde von Pieter Brueghel dem Älteren und Bosch wurden in diesem Stil gemalt. Auf Magrittes Gemälden gibt es keine Orientierungspunkte, er definierte seinen surrealistischen Stil als „eine Rückkehr vom Vertrauten zum Fremden“.

Paul Delvaux (1897-1989) war ein schockierender und emotionalerer Künstler, seine Leinwände zeigen bizarre, elegante Innenräume mit nebligen Figuren.

Die CoBrA-Bewegung setzte sich 1948 für abstrakte Kunst ein. Der Abstraktionismus wurde durch Konzeptkunst ersetzt, angeführt von Marcel Brudtaers (1924-1976), einem Installationsmeister. Broodtaers stellten vertraute Gegenstände dar, wie zum Beispiel einen mit Muscheln gefüllten Topf.

Wandteppiche und Spitzen

Belgische Wandteppiche und Spitzen gelten seit über 600 Jahren als Luxus. Im 12. Jahrhundert begann die Herstellung von handgefertigten Wandteppichen in Flandern, später in Brüssel, Tournai, Oudenarde und Mechelen.

Ab Anfang des 16. Jahrhunderts begann sich in Belgien die Klöppelkunst zu entwickeln. Spitze wurde in allen Provinzen gewebt, aber Spitze aus Brüssel und Brügge wurde am meisten geschätzt. Oft wurden die geschicktesten Klöpplerinnen von Aristokraten unterstützt. Für den Adel galten schöne Wandteppiche und erlesene Spitzen als Zeichen ihrer Stellung. In den 15-18 Jahrhunderten. Spitzen und Wandteppiche waren die wichtigsten Exportgüter. Und heute gilt Belgien als Geburtsort der besten Wandteppiche und Spitzen.

Die flämischen Städte Tournai und Arras (heute in Frankreich gelegen) wurden zu Beginn des 13. Jahrhunderts zu berühmten europäischen Zentren der Weberei. Handwerk und Handel entwickelten sich. Die Technik ermöglichte es, filigranere und teurere Arbeiten zu machen; der Wolle wurden Fäden aus echtem Silber und Gold hinzugefügt, was die Produktkosten noch weiter erhöhte.

Die Revolution in der Herstellung von Wandteppichen wurde von Bernard van Orley (1492-1542) gemacht, der flämischen Realismus und italienischen Idealismus in Zeichnungen kombinierte. Später wurden die flämischen Meister nach Europa gelockt, und Ende des 18. Jahrhunderts ging der ganze Ruhm der flämischen Wandteppiche an die Pariser Manufaktur über.

Belgien das ganze Jahr über

Das belgische Klima ist typisch für Nordeuropa. Aus diesem Grund können Feiern sowohl auf der Straße als auch zu Hause durchgeführt werden. Die Wetterbedingungen ermöglichen es den Künstlern der Hauptstadt perfekt, sowohl in Stadien als auch in alten Gebäuden aufzutreten. Die Einwohner Belgiens wissen den Wechsel der Jahreszeiten zu nutzen. Zum Beispiel wird im Sommer ein Blumenfest in der Hauptstadt eröffnet. Der Grand Place ist jeden zweiten August mit Millionen von Blumen bedeckt. Die Eröffnung der Tanz-, Film- und Theatersaison findet im Januar statt. Hier warten Premieren von „Autokinos“ bis hin zu alten Klöstern auf ihre Zuschauer.

In Brüssel können Sie das ganze Jahr über den Durchgang verschiedener Festivals beobachten. Hier können Sie luxuriöse, lebensfrohe historische Prozessionen sehen. Sie finden seit dem Mittelalter jedes Jahr statt. Hier werden die neuesten experimentellen Künste Europas gezeigt.

Ferien

• Neujahr - 1. Januar
• Ostern - schwimmendes Datum
• Sauberer Montag - schwimmendes Datum
• Tag der Arbeit - 1. Mai
• Himmelfahrt - schwebendes Datum
• Tag der Dreifaltigkeit - schwimmendes Datum
• Spirituosen Montag - schwimmendes Datum
• Belgischer Nationalfeiertag – 21. Juli
• Mariä Himmelfahrt - 15. August
• Allerheiligen - 1. November
• Waffenstillstand - 11. November
• Weihnachten - 25. Dezember

Wenn die Frühlingstage in Belgien länger werden, wird das kulturelle Leben wiederbelebt. Touristen fangen an, hierher zu kommen. Musikfestivals finden direkt auf der Straße statt. Wenn die Stadtparks blühen, werden die weltbekannten tropischen Gewächshäuser von Laiken für Besucher geöffnet. Belgische Schokoladenhersteller sind damit beschäftigt, alle Arten von Süßigkeiten für die bedeutenden Osterfeiertage vorzubereiten.

• Internationales Fantasy-Filmfestival (3. und 4. Woche). Fans von Wundern und Kuriositäten warten in den Kinos der Hauptstadt auf neue Filme.
• Ars Music (Mitte März - Mitte April). Dieser Feiertag ist eines der besten europäischen Festivals. Berühmte Künstler kommen dazu. Oft finden Konzerte im Museum Alter Meister statt. Alle Musikkenner sind bei diesem Festival anwesend.
• Euroantique (letzte Woche). Das Heysel-Stadion ist voll von Besuchern und Händlern, die Antiquitäten kaufen oder verkaufen möchten.
• Ostern (Ostersonntag). Man glaubt, dass vor Ostern Kirchenglocken nach Rom fliegen. Bei ihrer Rückkehr hinterlassen sie Ostereier in den Feldern und Wäldern speziell für Kinder. So werden jedes Jahr mehr als 1000 bemalte Eier von Erwachsenen im Königlichen Park versteckt, und die Kinder aus der ganzen Stadt versammeln sich, um sie zu suchen.

April

• Frühlingsbarock auf Sablon (3. Woche). Der berühmte Place de la Grande Sablon versammelt junge belgische Talente. Sie spielen Musik aus dem 17. Jahrhundert.
• Königliche Gewächshäuser in Laiken (12 Tage, Daten variieren). Wenn Kakteen und allerlei exotische Pflanzen zu blühen beginnen, werden die persönlichen Gewächshäuser der belgischen Königsfamilie extra für die Öffentlichkeit geöffnet. Die Zimmer sind aus Glas und mit Eisen veredelt. Eine große Anzahl verschiedener seltener Pflanzen wird hier vor schlechtem Wetter bewahrt.
• Festival in Flandern (Mitte April - Oktober) Dieses Festival ist ein musikalisches Fest, das alle möglichen Stile und Trends mischt. Mehr als 120 berühmte Orchester und Chöre treten hier auf.
• "Bildschirmszenen". (3. Woche - Ende). Speziell für das Publikum werden täglich neue europäische Filme präsentiert.

• Feier des Europatages (7.-9. Mai). Aufgrund der Tatsache, dass Brüssel die europäische Hauptstadt ist, wird dies bei der Feier noch einmal betont. So trägt beispielsweise auch Mannequin Pis einen blauen Anzug, der mit gelben Sternen verziert ist.
• Kunstin-Festival der Künste (9.-31. Mai). An diesem Festival nehmen junge Theaterschauspieler und Tänzer teil.
• Queen Elizabeth Competition (Mai - Mitte Juni). Dieser Musikwettbewerb versammelt Fans der Klassiker. Dieser Wettbewerb läuft seit über vierzig Jahren. Dort treten junge Pianisten, Geiger und Sänger auf. Berühmte Dirigenten und Solisten wählen unter ihnen die würdigsten Interpreten aus.
• 20 km Rennen in Brüssel (letzten Sonntag). Laufen in der Hauptstadt, an der mehr als 20.000 Amateure und Profis aktiv teilnehmen.
• Jazz-Rallye (letzter freier Tag). Kleine Jazz-Ensembles treten in Bistros und Cafés auf.

Im Juli eröffnet in Ommengang die Saison der höfischen Pracht. Das ist ein ziemlich alter Brauch. Eine riesige Prozession zieht über den Grand Place und die umliegenden Straßen. Zu dieser wunderbaren Jahreszeit hört man die Musik verschiedenster Richtungen. Künstler können an verschiedenen Orten Musik spielen, wie dem riesigen König-Baudouin-Stadion in IJsel oder in kleinen Café-Bars. Am Unabhängigkeitstag kommen alle Belgier zur Messe Midi. Es findet auf dem Platz statt, wo die Tabletts aufgestellt und Wege gebaut werden.

• Brussels Summer Festival (Anfang Juni - September). Konzertprogramme finden in berühmten alten Gebäuden statt.
• Festival in der Wallonie (Juni - Oktober). Die Durchführung einer Reihe von Galakonzerten in Brüssel und Flandern ermöglicht es, dem Publikum die begabtesten jungen belgischen Solisten und Orchesterspieler vorzustellen.
• Festivalcafé "Cooler" (letzte Woche). Drei Tage lang findet in der umgebauten Lagerhalle von Tour-e-Taxi ein hochmodisches Programm statt. Das Publikum wird von afrikanischen Trommlern, Salsa, ethnischer Musik und Acid Jazz erwartet.
• Musikfestival (letzter freier Tag). Benefizveranstaltungen und Konzerte finden zwei Wochen hintereinander in Rathäusern und Museen statt, die der Weltmusik gewidmet sind.

• Ommegang (1. Wochenende im Juli). Touristen kommen aus der ganzen Welt, um diese Aktion zu sehen. Dieses Fest findet seit 1549 in Brüssel statt. Diese Prozession (oder, wie es genannt wird, "Umweg") geht um den Grand Place und alle angrenzenden Straßen herum und bewegt sich im Kreis. Mehr als 2000 Teilnehmer nehmen hier teil. Dank der Kostüme verwandeln sie sich in Renaissance-Städter. Die Parade geht an hochrangigen belgischen Beamten vorbei. Tickets müssen im Voraus bestellt werden.
• Jazz-Folkfestival "Brosella" (2. Ruhetag). Das Festival findet im Osseghem Park statt. Es zieht alle berühmten Musiker aus Europa an.
• Sommerfestival in Brüssel (Juli - August). Zu dieser Jahreszeit spielen Musiker in der Unter- und Oberstadt klassische Stücke.
• Messe Midi (Mitte Juli - Mitte August). Durchführung der Messe am berühmten Brüsseler Bahnhof Gardu-Midi. Diese Veranstaltung dauert einen ganzen Monat. Es ist sehr beliebt bei Kindern. Diese Messe gilt als die größte in Europa.

• Belgischer Tag (21. Juli). Durchführung einer Militärparade zu Ehren des Unabhängigkeitstages, der seit 1831 gefeiert wird, und anschließendes Feuerwerk im Brüsseler Park.
• Tage der offenen Tür im Königspalast (letzte Juliwoche - 2. Septemberwoche). Die Türen des Königspalastes werden für Besucher geöffnet. Diese Veranstaltung findet sechs Wochen hintereinander statt.

• Maibaum (Meiboom) (9. August). Dieses Fest entstand im Jahr 1213. Die Teilnehmer dieser Aktion verkleiden sich in riesigen Kostümen - Puppen. Die Prozession führt durch die Unterstadt. Es hält am Grand Place, dann wird dort ein Maibaum aufgestellt.
• Blumenteppich (Mitte August, alle 2 Jahre). Dieser Feiertag findet alle zwei Jahre statt. Dies ist eine Hommage an die Blumenzucht in Brüssel. Der gesamte Grand Place ist mit frischen Blumen bedeckt. Die Gesamtfläche eines solchen Teppichs beträgt ca. 2000 m².

Herbst

Im Herbst zieht die belgische Unterhaltung unters Dach - in Cafés oder Kulturzentren, in denen Sie moderne Musik hören können. An den „Tagen des Denkmals“ hat die Öffentlichkeit die Möglichkeit, sich an der Architektur zu erfreuen, indem sie Privathäuser besucht, die zu anderen Zeiten für die Öffentlichkeit geschlossen sind, und die dort befindlichen Sammlungen besichtigt.

September

• Geburtstags-Mannequin Pis (letzter freier Tag).
• Die berühmte Skulptur eines pissenden Jungen ist in einen anderen Anzug gekleidet, der von einem hochrangigen ausländischen Gast gespendet wurde.

• Festival "Happy City" (erster freier Tag).
• Derzeit finden etwa 60 Konzerte in drei Dutzend der besten Brüsseler Cafés statt.
• Botanische Nächte (letzte Woche).
• Das französische Kulturzentrum „Les Botaniques“, das sich in den ehemaligen Gewächshäusern des Botanischen Gartens befindet, veranstaltet eine Reihe von Konzerten, die alle Kenner der Jazzmusik begeistern werden.
• Tage des Denkmals (2. oder 3. freier Tag).
• Viele denkmalgeschützte Gebäude und Privathäuser sowie geschlossene Kunstsammlungen öffnen für wenige Tage ihre Türen für Besucher.

• Audi Jazz Festival (Mitte Oktober - Mitte November).
• Überall im Land sind die Klänge des Jazz zu hören und verdünnen die herbstliche Langeweile. Lokale Künstler spielen, aber einige europäische Stars treten oft im Palast der Schönen Künste in Brüssel auf.

Im Winter regnet und schneit es in Belgien normalerweise, daher werden fast alle Veranstaltungen in dieser Zeit nach drinnen verlegt. Kunstgalerien veranstalten Weltklasse-Ausstellungen und das Brussels Film Festival beherbergt die Arbeiten sowohl etablierter Meister als auch junger Talente. Vor den Weihnachtsfeiertagen wird die Unterstadt hell erleuchtet und an Weihnachten werden die Tische der Belgier mit traditionellen Gerichten geschmückt.

• "Sablon's Nocturne" (letzter freier Tag). Alle Geschäfte und Museen des Grande Sablon sind erst am späten Abend geschlossen. Kutschen mit angespannten Pferden fahren mit Kunden über den Jahrmarkt und auf dem Hauptplatz kann jeder echten Glühwein probieren.

• Nikolaustag (6. Dezember).
• Der Legende nach kommt an diesem Tag der Schutzpatron von Weihnachten, der Weihnachtsmann, in die Stadt, und alle belgischen Kinder erhalten Süßigkeiten, Schokolade und andere Geschenke.
• Weihnachten (24.-25. Dezember).
• Wie in anderen katholischen Ländern wird Weihnachten in Belgien am Abend des 24. Dezember gefeiert. Die Belgier tauschen Geschenke aus und am nächsten Tag besuchen sie ihre Eltern. Bis zum 6. Januar zieren allerlei Weihnachtsattribute die Straßen der Hauptstadt.

• Königstag (6. Januar).
• An diesem Tag werden spezielle Mandel-"Königskuchen" zubereitet und jeder, der nach der dort versteckten Erbse suchen möchte. Derjenige, der es findet, wird für die ganze festliche Nacht zum König erklärt.
• Brussels Film Festival (Mitte - Ende Januar).
• Premiere neuer Filme unter Beteiligung europäischer Filmstars.

• Antiquitätenmesse (2. und 3. Woche).
• Der Palast der Schönen Künste versammelt Antiquitätenhändler aus der ganzen Welt.
• Internationales Comicfestival (2. und 3. Woche).
• Comicautoren und -künstler kommen in die Stadt, die einen starken Einfluss auf die Kunst des Comiczeichnens hatte, um Erfahrungen auszutauschen und neue Arbeiten zu präsentieren.

Unter ihnen ist auch ein Porträt eines der berühmtesten flämischen Meister dieser Zeit, Adrian Brauer, zu sehen. (1606-1632) , dessen Gemälde von Rubens selbst gesammelt wurden (es gab siebzehn davon in seiner Sammlung). Jedes Werk von Brauer ist eine Perle der Malerei. Der Künstler war mit einem enormen koloristischen Talent ausgestattet. Als Thema seiner Arbeit wählte er das tägliche Leben der flämischen Armen – Bauern, Bettler, Vagabunden – langweilig in seiner Monotonie und Leere, mit seiner miserablen Unterhaltung, manchmal gestört durch einen Ausbruch wilder Tierleidenschaften. Brouwer setzte die Traditionen von Bosch und Brueghel in der Kunst fort mit seiner aktiven Ablehnung des Schmutzes und der Hässlichkeit des Lebens, der Dummheit und tierischen Niedrigkeit der menschlichen Natur und gleichzeitig einem ausgeprägten Interesse am Einzigartigen. Es geht ihm nicht darum, dem Betrachter einen weiten Hintergrund des gesellschaftlichen Lebens aufzuzeigen. Seine Stärke liegt in der Darstellung spezifischer Genresituationen. Er besitzt insbesondere die Fähigkeit, verschiedene Affekte von Gefühlen und Empfindungen, die eine Person erlebt, in Gesichtsausdrücken auszudrücken. Im Gegensatz zu Rubens, van Dyck und sogar Jordans denkt er nicht an Ideale und edle Leidenschaften. Er beobachtet die Person sarkastisch, wie sie ist. Im Museum ist sein Gemälde „Drinking Buddies“ zu sehen, das durch seine zarte Lichtfarbe auffällt und Licht- und Stimmungsverhältnisse eindrucksvoll vermittelt. Das elende Stadtbild in der Nähe der Stadtmauern, zusammen mit den vagabundierenden Spielern, ruft eine herzzerreißende Melancholie hervor. Diese Stimmung des Künstlers selbst, der von der dumpfen Ausweglosigkeit des Daseins spricht, ist sicherlich zutiefst dramatisch.

Franz Hals

Die niederländische Malereiabteilung ist relativ klein, enthält jedoch Gemälde von Rembrandt, Jacob Ruisdael, The Little Dutch, Meister der Landschaft, Stillleben und Genreszenen. Ein kurioses Porträt des Kaufmanns Willem Heithuissen, das Werk des großen holländischen Künstlers Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen war ein wohlhabender, aber engstirniger und äußerst eitler Mann. Von Natur aus rustikal, bemühte er sich dennoch, durch die Eleganz, die sein Reichtum zu erlangen schien, edlen Aristokraten zu ähneln. Hals ist lächerlich und den Ansprüchen dieses Emporkömmlings fremd. Denn so hartnäckig, mit einer gewissen Portion Sarkasmus, macht er das Porträtbild dual. Zuerst fällt Heithuissens entspannte Haltung auf, sein eleganter Anzug, sein Hut mit adretter Krempe, und dann – ein ausdrucksloses, blasses, nicht mehr junges Gesicht mit stumpfem Blick. Die prosaische Essenz dieses Mannes kommt zum Vorschein, trotz aller Tricks, sie zu verbergen. Die innere Widersprüchlichkeit und Instabilität des Bildes offenbart sich vor allem in der ursprünglich gelösten Bildkomposition. Heithuissen sitzt mit einer Peitsche in der Hand wie nach einem Ritt auf einem Stuhl, den er zu schwingen scheint. Diese Pose deutet auf die schnelle Fixierung des Zustands des Modells durch den Künstler in kurzer Zeit hin. Und dieselbe Haltung verleiht dem Bild einen Hauch von innerer Entspannung und Lethargie. Es ist etwas Erbärmliches an diesem Mann, der versucht, das unvermeidliche Verwelken, die Eitelkeit der Begierden und die innere Leere vor sich selbst zu verbergen.

Lukas Cranach

In der Abteilung für deutsche Malerei des Brüsseler Museums zieht das brillante Werk von Lucas Cranach dem Älteren die Aufmerksamkeit auf sich. (1472-1553) . Dies ist ein Porträt von Dr. Johann Schering aus dem Jahr 1529. Das Bild eines willensstarken, starken Mannes ist typisch für die Kunst der deutschen Renaissance. Aber Cranach fängt jedes Mal die individuellen Qualitäten des Geistes und des Charakters ein und offenbart sie in der physischen Erscheinung des Modells, die durch seine Einzigartigkeit scharf erfasst wird. Im strengen Blick von Shering, in seinem Gesicht kann man eine Art kalte Besessenheit, Starrheit und Unnachgiebigkeit spüren. Sein Bild wäre einfach unangenehm, wenn nicht die enorme innere Stärke Respekt vor dem eigentümlichen Charakter dieses Mannes hervorrufen würde. Die Virtuosität der grafischen Fähigkeiten des Künstlers ist auffällig, die die hässlichen großen Züge des Gesichts und viele kleine Details des Porträts so scharf vermitteln.

Italienische und französische Sammlungen

Die Sammlung von Gemälden italienischer Künstler kann das Interesse der Museumsbesucher wecken, da sie Werke von Tintoretto, dem großen Maler, dem letzten Titanen der italienischen Renaissance, enthält. „Hinrichtung des hl. Markus“ ist eine Leinwand eines Zyklus, der dem Leben eines Heiligen gewidmet ist. Das Bild ist durchdrungen von stürmischer Dramatik, leidenschaftlichem Pathos. Nicht nur Menschen, sondern auch der Himmel in zerrissenen Wolken und das tosende Meer schienen den Tod eines Menschen zu betrauern.

Die Meisterwerke der französischen Sammlung sind das Porträt eines jungen Mannes von Mathieu Lenin und die Landschaft von Claude Lorrain.

In seiner Abteilung für Alte Kunst gibt es derzeit mehr als 1000 Kunstwerke, von denen viele dem Betrachter ein tiefes ästhetisches Vergnügen bereiten können.

Jaques Louis David

Der zweite Teil des Königlichen Museums der Schönen Künste - Kunstsammlungen aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Sie enthalten hauptsächlich Werke belgischer Meister. Das herausragendste Werk der französischen Schule, das im Museum aufbewahrt wird, ist der „Tod des Marat“ von Jacques Louis David (1748-1825) .

David ist ein berühmter Künstler Frankreichs, das Oberhaupt des revolutionären Klassizismus, dessen historische Gemälde eine große Rolle dabei spielten, das bürgerliche Bewusstsein seiner Zeitgenossen in den Jahren vor der französischen bürgerlichen Revolution zu wecken. Die meisten der vorrevolutionären Gemälde des Künstlers wurden zu Themen aus der Geschichte des antiken Griechenlands und Roms gemalt, aber die revolutionäre Realität zwang David, sich der Gegenwart zuzuwenden und darin einen Helden zu finden, der es wert war, ein Ideal zu sein.

„Maratu – David. Zweites Jahr“ – so die lakonische Inschrift auf dem Bild. Es wird als Epitaph wahrgenommen. Marat – einer der Anführer der Französischen Revolution – wurde 1793 getötet (nach revolutionärem Kalkül im zweiten Jahr) Royalistin Charlotte Corday. "Volksfreund" wird im Moment des Todes unmittelbar nach dem Schlag dargestellt. Ein blutiges Messer wird in die Nähe des Heilbades geworfen, in dem er trotz körperlicher Leiden arbeitete. Eine raue Stille erfüllt das Bild, das wie ein Requiem für einen gefallenen Helden klingt. Seine Figur ist kraftvoll mit Hell-Dunkel modelliert und mit einer Statue verglichen. Der geworfene Kopf und die gefallene Hand schienen in ewigem, feierlichem Frieden erstarrt zu sein. Die Komposition beeindruckt durch die Strenge der Objektauswahl und die Klarheit linearer Rhythmen. Der Tod von Marat wird von David als heroisches Drama über das Schicksal eines großen Bürgers wahrgenommen.

Der Belgier Francois Joseph Navez wurde Schüler von David, der seine letzten Lebensjahre im Exil und in Brüssel verbrachte. (1787-1863) . Bis zu seinem Lebensende blieb Navez der von seinem Lehrer geschaffenen Tradition insbesondere in der Porträtmalerei treu, obwohl er dieser Gattung einen Hauch romantischer Bildinterpretation einbrachte. Eines der berühmten Werke des Künstlers „Porträt der Familie Emptinn“ wurde 1816 geschrieben. Unwillkürlich vermittelt der Zuschauer, dass das junge und schöne Paar durch Gefühle der Liebe und des Glücks verbunden sind. Wenn das Bild einer Frau voller ruhiger Freude ist, dann ist das männliche mit einem romantischen Geheimnis und einem leichten Hauch von Traurigkeit behaftet.

Belgische Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts

In den Sälen des Museums können Sie die Werke der größten belgischen Maler des 19. Jahrhunderts sehen: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts wird eines seiner besten Gemälde präsentiert, Farm in Kreiningen, das die bäuerliche Arbeit in Belgien wirklich darstellt. Obwohl der Künstler Autodidakt war, ist das Gemälde hervorragend konstruiert und von hoher Qualität in der Malerei. Das Thema könnte von Rubens' Die Rückkehr des verlorenen Sohnes inspiriert worden sein. Stobbarts war einer der ersten Maler des 19. Jahrhunderts, der die Prinzipien des Realismus verkündete.

Der Beginn seiner künstlerischen Laufbahn war schwierig. An den romantischen Begriff des künstlerischen Bildes gewöhnt, lehnte das Antwerpener Publikum seine wahrheitsgetreuen Bilder empört ab. Dieser Antagonismus erwies sich als so stark, dass Stobbarts schließlich gezwungen war, nach Brüssel zu ziehen.

Das Museum besitzt siebenundzwanzig Gemälde des berühmten belgischen Künstlers Henri de Brakeleur. (1840-1888) , Neffe und Schüler von A. Leys, einem herausragenden Historienmaler. Gesteigertes Interesse an der belgischen Nationalgeschichte, ihren Traditionen, ihrer Lebensweise, Kultur verband sich bei de Brakeler mit einem seltsamen Gefühl der Liebe, voller leichter Reue und Sehnsucht nach der Vergangenheit. Seine Genreszenen sind von Erinnerungen an die Vergangenheit durchdrungen, seine Figuren gleichen Menschen vergangener Jahrhunderte, umgeben von Antiquitäten und Gegenständen. Im Werk von de Brakelera gibt es zweifellos ein Element der Stilisierung. Insbesondere sein Gemälde "Geographer" ähnelt dem Werk der niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts G. Metsu und N. Mas. Auf dem Bild sehen wir einen alten Mann, der auf einem Samthocker aus dem 17. Jahrhundert sitzt und in die Betrachtung eines alten bemalten Satins versunken ist.

Gemälde von James Ensor (1860-1949) "Dame in Blau" (1881) trägt Spuren des starken Einflusses des französischen Impressionismus. Die malerische Skala besteht aus Blau-, Blaugrau- und Grüntönen. Ein lebhafter und freier Hub vermittelt Vibrationen und Luftbewegungen.

Die malerische Interpretation des Bildes macht aus dem alltäglichen Motiv eine poetische Szene. Die gesteigerte Bildwahrnehmung des Künstlers, ein Hang zur Fantasie und der ständige Wunsch, das Gesehene in etwas Ungewöhnliches zu verwandeln, spiegeln sich auch in seinen brillanten Stillleben wider, deren erfolgreichstes Beispiel der Brüsseler Skat ist. Seefisch ist mit seiner scharfen rosa Farbe und Form abstoßend schön, als würde er vor den Augen verschwimmen, und sein betörend durchdringender Blick, der direkt auf den Betrachter gerichtet ist, hat etwas Unangenehmes und Verstörendes.

Ensor lebte ein langes Leben, aber die Tätigkeit seiner Arbeit fällt auf die Zeit von 1879 bis 1893. Die Ironie von Ensor, die Ablehnung der hässlichen Züge der menschlichen Natur mit gnadenlosem Sarkasmus, manifestiert sich in zahlreichen Gemälden mit Darstellungen von Karnevalsmasken, die auch im Brüsseler Museum zu sehen sind. Zweifellos Ensors sukzessive Verbindung mit der Kunst von Bosch und Brueghel.

Der beste Kolorist und begabteste Bildhauer, der im Ersten Weltkrieg starb, Rick Wauters (1882-1916) als Gemälde und Skulpturen im Museum vertreten. Der Künstler erlebte den stärksten Einfluss Cézannes, schloss sich der Strömung des sogenannten „Brabant Fauvism“ an, wurde aber dennoch zu einem zutiefst originellen Meister. Seine temperamentvolle Kunst ist von einer leidenschaftlichen Lebenslust durchdrungen. In Die Dame mit der gelben Halskette erkennen wir seine Frau Nel, die in einem Sessel sitzt. Der festliche Klang der gelben Farbe der Vorhänge, des rot karierten Plaids, der grünen Girlanden auf der Tapete, des Blaus des Kleides weckt ein Gefühl der Lebensfreude und fesselt die ganze Seele.

Das Museum beherbergt mehrere Werke des herausragenden belgischen Malers Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke gilt weithin als das Oberhaupt des belgischen Expressionismus. Belgien war nach Deutschland das zweite Land, in dem dieser Trend einen großen Einfluss auf das künstlerische Umfeld erlangte. Die Helden von Permeke, meist Menschen aus dem Volk, werden mit bewusster Grobheit dargestellt, was, so der Autor, ihre natürliche Stärke und Kraft offenbaren soll. Permeke greift auf Deformation zurück, ein vereinfachtes Farbschema. Dennoch spürt man in seiner „Verlobten“ eine Art Monumentalisierung, wenn auch primitive Bilder, den Wunsch, den Charakter und die Beziehung eines Seemanns und seiner Freundin zu enthüllen.

Unter den Meistern des realistischen Trends des 20. Jahrhunderts stechen Isidore Opsomer und Pierre Polus hervor. Der erste ist als wunderbarer Porträtmaler bekannt ("Porträt von Jules Destre"), der zweite - als ein Künstler, der wie C. Meunier sein Werk der Darstellung des schwierigen Lebens der belgischen Bergleute widmete. In den Sälen des Museums sind auch Werke belgischer Künstler ausgestellt, die anderen Strömungen der zeitgenössischen Kunst angehören, hauptsächlich dem Surrealismus und dem Abstraktionismus.