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Jazz (englischer Jazz) ist eine musikalische Kunstform, die zu Beginn des 20.

Jazz ist erstaunliche Musik, live, sich ständig weiterentwickelnd, das rhythmische Genie Afrikas, die Schätze der tausendjährigen Trommelkunst, Rituale und rituelle Gesänge aufsaugend. Fügen Sie Chor- und Sologesang von baptistischen, protestantischen Kirchen hinzu - die gegensätzlichen Dinge verschmolzen und gaben der Welt eine erstaunliche Kunst! Die Geschichte des Jazz ist ungewöhnlich, dynamisch und voller erstaunlicher Ereignisse, die den weltweiten Musikprozess beeinflusst haben.

Was ist Jazz?

Spezifische Eigenschaften:

• Polyrhythmie basierend auf synkopierten Rhythmen,
• Bit - regelmäßige Welligkeit,
• Swing - eine Abweichung vom Beat, eine Reihe von Techniken zum Ausführen einer rhythmischen Textur,
• Improvisation,
• bunter harmonischer und klanglicher Bereich.

Diese Musikrichtung entstand Anfang des 20. Jahrhunderts als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kultur als eine auf Improvisation basierende Kunst in Kombination mit einer vorher durchdachten, aber nicht unbedingt aufgezeichneten Kompositionsform. Mehrere Interpreten können gleichzeitig improvisieren, auch wenn die Hauptstimme im Ensemble deutlich zu hören ist. Das fertige künstlerische Bild des Werkes hängt von der Interaktion der Ensemblemitglieder untereinander und mit dem Publikum ab.

Die Weiterentwicklung der neuen Musikrichtung erfolgte durch die Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Komponisten.

Neben der besonderen Ausdrucksrolle des Rhythmus wurden weitere Merkmale der afrikanischen Musik geerbt - die Interpretation aller Instrumente als Schlagzeug, rhythmisch; das Vorherrschen umgangssprachlicher Intonationen beim Singen, Nachahmung der umgangssprachlichen Sprache beim Spielen von Gitarre, Klavier, Schlaginstrumenten.

Die Geschichte des Jazz

Die Ursprünge des Jazz liegen in den Traditionen der afrikanischen Musik. Seine Gründer können als die Völker des afrikanischen Kontinents angesehen werden. Die aus Afrika in die Neue Welt gebrachten Sklaven stammten nicht aus demselben Clan, sie verstanden sich oft nicht. Das Bedürfnis nach Interaktion und Kommunikation führte zur Vereinigung, zur Schaffung einer einzigen Kultur, einschließlich der Musik. Es zeichnet sich durch komplexe Rhythmen aus, Tänze mit Trampling, Slapping. Zusammen mit Blues-Motiven gaben sie eine neue musikalische Richtung vor.

Die Vermischung von afrikanischer und europäischer Musikkultur, die sich stark verändert hat, findet seit dem 18. Jahrhundert statt und führte im 19. Jahrhundert zur Entstehung einer neuen musikalischen Richtung. Daher ist die Weltgeschichte des Jazz untrennbar mit der Geschichte des amerikanischen Jazz verbunden.

Die Geschichte der Entwicklung des Jazz

Die Geschichte des Jazz hat ihren Ursprung in New Orleans, im Süden der USA. Diese Bühne ist gekennzeichnet durch die gemeinsame Improvisation mehrerer Versionen derselben Melodie durch Trompeter (Hauptstimme), Klarinettist und Posaunist vor dem Hintergrund der Marschbegleitung von Bläserbass und Schlagzeug. Ein bedeutender Tag - 26. Februar 1917 - dann nahmen fünf weiße Musiker aus New Orleans im New Yorker Studio der Victor Company die erste Schallplatte auf. Vor der Veröffentlichung dieser Scheibe blieb Jazz ein Randphänomen, musikalische Folklore, und danach - in wenigen Wochen verblüffte und erschütterte er ganz Amerika. Die Aufnahme gehörte der legendären Original Dixieland Jazz Band. So begann der amerikanische Jazz seinen stolzen Marsch um die Welt.

In den 1920er Jahren wurden die Hauptmerkmale zukünftiger Stile gefunden: gleichmäßiges Pulsieren von Kontrabass und Schlagzeug, das zum Swing beiträgt, virtuoses Solospiel, eine wortlose Gesangsimprovisation mit getrennten Silben ("Scat"). Blues nahm einen bedeutenden Platz ein. Später werden beide Etappen – New Orleans, Chicago – unter dem Begriff „Dixieland“ zusammengefasst.

Im amerikanischen Jazz der 1920er Jahre entstand ein harmonisches System, das „Swing“ genannt wurde. Swing zeichnet sich durch das Aufkommen eines neuen Orchestertyps aus - der Big Band. Mit der Zunahme des Orchesters war es notwendig, die kollektive Improvisation aufzugeben, um auf die Aufführung der auf den Noten aufgezeichneten Arrangements umzusteigen. Die Bearbeitung wurde zu einer der ersten Manifestationen der Anfänge des Komponisten.

Die Bigband besteht aus drei Instrumentengruppen - Sektionen, die jeweils wie ein polyphones Instrument klingen können: Saxophon-Sektionen (später mit Klarinetten), "Kupfer"-Sektion (Trompeten und Posaunen), rhythmische Sektion (Klavier, Gitarre, Kontrabass, Schlagzeug) .

Eine Solo-Improvisation basierend auf "Square" ("Chorus") erschien. "Square" ist eine Variation von gleicher Dauer (Anzahl von Takten) wie das Thema, vor dem Hintergrund derselben Akkordbegleitung wie das Hauptthema gespielt, an die der Improvisator neue melodische Wendungen anpasst.

In den 1930er Jahren wurde der amerikanische Blues populär, die Liedform von 32 Takten verbreitete sich. Im Swing ist der Anfang ein weit verbreitetes "Riff" - eine zwei-viertaktige rhythmisch flexible Nachbildung. Es wird vom Orchester aufgeführt, während der Solist improvisiert.

Unter den ersten Big Bands - Orchester unter der Leitung berühmter Jazzmusiker - Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington. Letztere wandten sich bereits in den 40er Jahren großen zyklischen Formen zu, die auf der negerischen, lateinamerikanischen Folklore basierten.

Amerikanischer Jazz in den 1930er Jahren wurde kommerzialisiert. So entstand unter Amateuren und Kennern der Entstehungsgeschichte des Jazz eine Bewegung zur Wiederbelebung früherer, authentischer Stile. Die entscheidende Rolle spielten die kleinen Neger-Ensembles der 40er Jahre, die alles verworfen haben, was auf eine Außenwirkung ausgelegt war: Pop, Tanz, Gesang. Das Thema wurde unisono gespielt und erklang kaum in seiner ursprünglichen Form, die Begleitung erforderte keine tänzerische Regelmäßigkeit mehr.

Dieser Stil, der die Moderne eröffnet, wird „Bop“ oder „Bebop“ genannt. Die Experimente talentierter amerikanischer Musiker und Jazzmusiker - Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk und andere - legten tatsächlich den Grundstein für die Entwicklung einer eigenständigen Kunstform, die nur oberflächlich mit dem Pop- und Dance-Genre in Verbindung gebracht wird.

Von Ende der 40er bis Mitte der 60er Jahre erfolgte die Entwicklung in zwei Richtungen. Die erste umfasste coole und Westküstenstile. Sie zeichnen sich durch die umfassende Nutzung der Erfahrungen der klassischen und modernen ernsten Musik aus - entwickelte Konzertformen, Polyphonie. Die zweite Richtung umfasste die Stile "Hardbop" - "heiß", "energetisch" und ihm nahe "Soul-Jazz" (übersetzt aus dem Englischen "Soul" - "Soul"), die die Prinzipien des alten Bebop mit den Traditionen der Neger-Folklore verbanden , temperamentvolle Rhythmen und Intonationen Spiritualisten.

Beide Richtungen haben viel gemeinsam in dem Wunsch, die Aufteilung der Improvisation in einzelne Quadrate sowie des Swing-Walzers und des komplexeren Metrums aufzuheben.

Es wurden Versuche unternommen, Werke von großer Form zu schaffen - symphonischer Jazz. Zum Beispiel "Rhapsody in bluestones" von J. Gershwin, eine Reihe von Werken von I.F. Strawinsky. Seit Mitte der 50er Jahre. Experimente zur Verbindung der Prinzipien von Jazz und moderner Musik verbreiteten sich wieder, bereits unter dem Namen "dritter Satz", auch unter russischen Interpreten ("Konzert für Orchester" von A.Ya. Eshpai, Werke von M.M. Kazhlaev, 2. Klavierkonzert mit dem Orchester von RKSchedrin, 1. Sinfonie von AG Schnittke). Überhaupt ist die Entstehungsgeschichte des Jazz reich an Experimenten, eng verflochten mit der Entwicklung der klassischen Musik, ihren innovativen Richtungen.

Seit Anfang der 60er Jahre. aktive Experimente beginnen mit spontaner Improvisation, nicht einmal beschränkt auf ein bestimmtes musikalisches Thema - Freejazz. Noch wichtiger ist jedoch das Modalprinzip: Jedes Mal werden eine Reihe von Sounds neu ausgewählt - die Mod, und nicht klar unterscheidbare Quadrate. Auf der Suche nach solchen Modi wenden sich Musiker den Kulturen Asiens, Afrikas, Europas usw. zu. In den 70er Jahren. kommen die Powertools und Rhythmen der Jugendrockmusik, basierend auf einer feineren Zerkleinerung des Beats als zuvor. Dieser Stil wird zuerst "Fusion" genannt, d.h. "Legierung".

Kurz gesagt, die Geschichte des Jazz ist eine Geschichte der Suche, der Einheit, der gewagten Experimente und der leidenschaftlichen Liebe zur Musik.

Russische Musiker und Musikliebhaber sind sicherlich neugierig auf die Entstehungsgeschichte des Jazz in der Sowjetunion.

In der Vorkriegszeit entwickelte sich der Jazz in unserem Land innerhalb von Poporchestern. 1929 organisierte Leonid Utyosov ein Poporchester und nannte sein Kollektiv "Tea-Jazz". Die Stilrichtungen Dixieland und Swing wurden in den Orchestern von A.V. Varlamova, N. G. Minha, A. N. Tsfasman und andere. Seit Mitte der 50er Jahre. kleine Amateurgruppen beginnen sich zu entwickeln ("Eight Central House of Arts", "Leningrad Dixieland"). Viele prominente Darsteller haben in ihnen einen Start ins Leben bekommen.

In den 70er Jahren begann die Ausbildung an den Popabteilungen der Musikschulen, es wurden Lehrbücher, Noten und Schallplatten herausgegeben.

Seit 1973 Pianist L.A. Chizhik begann seine Auftritte mit "Abenden der Jazzimprovisation". Ensembles unter der Leitung von I. Bril, "Arsenal", "Allegro", "Kadans" (Moskau), D.S. Goloshchekina (Leningrad), Gruppen von V. Ganelin und V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( Ufa), Orchester O.L. Lundstrem, die Kollektive von K.A. Orbelyan, A. A. Kroll ("Zeitgenössisch").

Jazz in der modernen Welt

Die Musikwelt von heute ist vielfältig, entwickelt sich dynamisch, neue Stilrichtungen entstehen. Um darin frei zu navigieren, die laufenden Prozesse zu verstehen, muss man zumindest eine kurze Jazzgeschichte kennen! Heute erleben wir die Vermischung einer zunehmenden Zahl von Weltkulturen, die uns immer näher an das heranbringen, was im Wesentlichen bereits "Weltmusik" wird. Der Jazz von heute vereint Klänge und Traditionen aus fast allen Teilen der Welt. Inklusive Umdenken und afrikanischer Kultur, mit der alles begann. Europäischer Experimentalismus mit klassischen Obertönen beeinflusst weiterhin die Musik junger Pioniere wie Ken Vandermark, einem Avantgarde-Saxophonisten, der vor allem für seine Arbeit mit Zeitgenossen wie den Saxophonisten Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann bekannt ist. Andere junge, traditionellere Musiker, die weiterhin auf der Suche nach ihrer eigenen Identität sind, sind die Pianisten Jackie Terrasson, Benny Green und Braid Meldoa, die Saxophonisten Joshua Redman und David Sanchez sowie die Schlagzeuger Jeff Watts und Billy Stewart. Die alte Klangtradition wird fortgeführt und aktiv unterstützt von Künstlern wie dem Trompeter Winton Marsalis, der mit einem ganzen Team von Assistenten arbeitet, in eigenen kleinen Bands spielt und das Lincoln Center Orchestra leitet. Unter seiner Schirmherrschaft wuchsen die Pianisten Marcus Roberts und Eric Reed, der Saxophonist Wes „Warmdaddy“ Anderson, der Trompeter Markus Printup und der Vibraphonist Stephen Harris zu großen Meistern heran.

Bassist Dave Holland ist auch ein großer Entdecker junger Talente. Zu seinen zahlreichen Entdeckungen zählen die Saxophonisten Steve Coleman, Steve Wilson, der Vibraphonist Steve Nelson und der Schlagzeuger Billy Kilson.

Andere großartige Mentoren für junge Talente sind der legendäre Pianist Chick Corea, der verstorbene Schlagzeuger Alvin Jones und die Sängerin Betty Carter. Das Potenzial für die Weiterentwicklung dieser Musik ist derzeit groß und vielfältig. Saxophonist Chris Potter zum Beispiel veröffentlicht eine Mainstream-Veröffentlichung unter seinem eigenen Namen und nimmt gleichzeitig mit einem anderen großen Avantgarde-Schlagzeuger, Paul Motian, auf.

Wir haben noch Hunderte von wunderbaren Konzerten und gewagten Experimenten erlebt, um Zeuge des Aufkommens neuer Richtungen und Stile zu sein - diese Geschichte ist noch nicht abgeschlossen!

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Der Begriff „Jazz“ wurde erstmals Mitte der 1910er Jahre verwendet. Damals bezeichnete man mit diesem Wort kleine Orchester und die Musik, die sie spielten.

Die Hauptmerkmale des Jazz sind unkonventionelle Methoden der Klangerzeugung und Intonation, der improvisatorische Charakter der Melodieübertragung sowie deren Entwicklung, konstantes rhythmisches Pulsieren, intensive Emotionalität.

Jazz hat mehrere Stile, von denen der erste zwischen 1900 und 1920 entstand. Dieser New Orleans genannte Stil zeichnet sich durch die kollektive Improvisation der melodischen Gruppe des Orchesters (Kornett, Klarinette, Posaune) vor dem Hintergrund der viertaktigen Begleitung der Rhythmusgruppe (Schlagzeug, Blechbläser oder Streicher, Bass, Banjo) aus , in manchen Fällen Klavier).

Der New Orleans-Stil wird als klassisch oder traditionell bezeichnet. Das ist auch Dixieland - eine Stilvielfalt, die auf der Grundlage der Nachahmung der schwarzen New Orleans-Musik entstand, die heißer und energischer ist. Allmählich ging diese Unterscheidung zwischen Dixieland- und New Orleans-Stil praktisch verloren.

Der New-Orleans-Stil ist geprägt von kollektiver Improvisation mit klarer Betonung der Leitstimme. Für improvisierte Chöre wurde eine melodisch-harmonische Blues-Struktur verwendet.

Von den vielen Orchestern, die sich diesem Stil zugewandt haben, kann die Creole Jazz Band von J. King Oliver unterschieden werden. Neben Oliver (dem Kornettisten) waren der talentierte Klarinettist Johnny Dodds und der unvergleichliche Louis Armstrong, der später der Gründer seiner eigenen Orchester wurde – Hot Five und Hot Seven, wo er statt der Klarinette die Trompete übernahm, dabei.

Der New Orleans-Stil hat der Welt eine Reihe echter Stars enthüllt, die einen großen Einfluss auf die Musiker der nächsten Generationen hatten. Erwähnenswert sind der Pianist J. Roll Morton und der Klarinettist Jimmy Noon. Aber der Jazz ging vor allem dank Louis Armstrong und dem Klarinettisten Sidney Bechet über die Grenzen von New Orleans hinaus. Sie waren es, die der Welt beweisen konnten, dass Jazz in erster Linie die Kunst der Solisten ist.

Louis Armstrong Orchester

In den 1920er Jahren entwickelte sich der Chicago-Stil mit seinen charakteristischen Merkmalen der Aufführung von Tanzstücken. Im Vordergrund stand hier die Solo-Improvisation nach der gemeinsamen Präsentation des Hauptthemas. Maßgeblichen Anteil an der Entwicklung dieses Stils hatten weiße Musiker, von denen viele über eine professionelle musikalische Ausbildung verfügten. Dank ihnen wurde die Jazzmusik mit Elementen europäischer Harmonie und Spieltechnik bereichert. Im Gegensatz zum heißen New Orleans-Stil, der sich im amerikanischen Süden bildete, ist der nördlichere Chicago-Stil viel cooler geworden.

Unter den herausragenden weißen Interpreten sind die Musiker hervorzuheben, die in den späten 1920er Jahren ihren schwarzen Kollegen in ihren Fähigkeiten nicht nachstanden. Dies sind die Klarinettisten Pee Wee Russell, Frank Teschemacher und Benny Goodman, der Posaunist Jack Teegarden und natürlich der hellste Star des amerikanischen Jazz - der Kornettist Bix Beiderback.

Jazz ist eine musikalische Bewegung, die Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten begann. Seine Entstehung ist das Ergebnis der Verflechtung zweier Kulturen: der afrikanischen und der europäischen. Dieser Satz wird die Spirituals (Kirchengesänge) amerikanischer Schwarzer, afrikanische Volksrhythmen und europäische harmonische Melodien kombinieren. Seine charakteristischen Merkmale: flexibler Rhythmus, der auf dem Prinzip der Synkope basiert, der Einsatz von Schlaginstrumenten, Improvisation, eine ausdrucksstarke Spielweise, geprägt von Klang und dynamischer Spannung bis hin zur Ekstase. Ursprünglich war Jazz eine Kombination aus Ragtime mit Blueselementen. Tatsächlich kam es aus diesen beiden Richtungen heraus. Die Besonderheit des Jazzstils ist vor allem das individuelle und unnachahmliche Spiel des virtuosen Jazzers, und die Improvisation verleiht dieser Bewegung eine ständige Aktualität.

Nach der Entstehung des Jazz selbst begann ein kontinuierlicher Prozess seiner Entwicklung und Modifikation, der zur Entstehung verschiedener Richtungen führte. Derzeit sind es etwa dreißig.

New Orleans (traditioneller) Jazz.

Unter diesem Stil versteht man normalerweise genau den Jazz, der zwischen 1900 und 1917 aufgeführt wurde. Man kann sagen, dass seine Ursprünge mit der Entdeckung von Storyville (Rotlichtviertel von New Orleans) zusammenfielen, das seine Popularität durch Bars und ähnliche Einrichtungen erlangte, in denen Musiker, die synkopierte Musik spielten, immer Arbeit finden konnten. Die bisher weit verbreiteten Streetbands wurden von den sogenannten „Storyville-Bands“ abgelöst, deren Spiel im Vergleich zu ihren Vorgängern immer mehr an Individualität gewann. Diese Ensembles wurden später die Begründer des klassischen New Orleans Jazz. Prominente Beispiele für Interpreten dieses Stils sind: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers“), Buddy Bolden („Funky Butt“), Kid Ori. Sie waren es, die den Übergang der afrikanischen Volksmusik in die ersten Jazzformen schafften.

Chicago-Jazz.

1917 begann mit der Ankunft von Einwanderern aus New Orleans nach Chicago die nächste wichtige Etappe in der Entwicklung der Jazzmusik. Es entstehen neue Jazzorchester, deren Spiel neue Elemente in den frühen traditionellen Jazz einbringt. So entsteht ein eigenständiger Stil der Chicago School of Performance, der sich in zwei Richtungen gliedert: Hot Jazz der schwarzen Musiker und Dixieland der Weißen. Die Hauptmerkmale dieses Stils: individualisierte Soloparts, ein Wechsel der heißen Inspiration (die anfängliche freie ekstatische Performance wurde nervöser, voller Spannung), Synthetik (die Musik enthielt nicht nur traditionelle Elemente, sondern auch Ragtime sowie berühmte amerikanische Hits) und Veränderungen im Instrumentalspiel (die Rolle der Instrumente und Aufführungstechniken haben sich geändert). Grundfiguren dieses Trends („What Wonderful World“, „Moon Rivers“) und („Someday Sweetheart“, „Ded Man Blues“).

Swing ist ein Orchesterstil des Jazz aus den 1920er und 1930er Jahren, der direkt aus der Chicagoer Schule hervorgegangen ist und von Bigbands (, The Original Dixieland Jazz Band) aufgeführt wurde. Es zeichnet sich durch die Dominanz westlicher Musik aus. In den Orchestern traten separate Sektionen von Saxophonen, Trompeten und Posaunen auf; Banjo ersetzt Gitarre, Tuba und Sazophon - Kontrabass. Die Musik entfernt sich von der kollektiven Improvisation, die Musiker spielen streng nach vorgegebenen Partituren. Das Zusammenspiel der Rhythmusgruppe mit Melodieinstrumenten wurde zu einer charakteristischen Technik. Vertreter dieses Trends:, („Creole Love Call“, „The Mooche“), Fletcher Henderson („When Buddha Smiles“), Benny Goodman And His Orchestra.

Bebop ist ein moderner Jazz, der in den 40er Jahren entstand und eine experimentelle, antikommerzielle Richtung war. Im Gegensatz zum Swing ist es ein intelligenterer Stil mit einer starken Betonung auf komplexer Improvisation und Betonung auf Harmonie statt Melodie. Die Musik dieses Stils zeichnet sich auch durch ein sehr schnelles Tempo aus. Die klügsten Vertreter sind: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Nacht in Tunesien“, „Manteca“) und Bud Powell.

Mainstream. Enthält drei Streams: Stride (nordöstlicher Jazz), Kansas City-Stil und West Coast Jazz. In Chicago regierte Hot Stride, angeführt von Meistern wie Louis Armstrong, Andy Condon und Jimmy Mac Partland. Kansas City ist geprägt von lyrischen Stücken im Blues-Stil. Der West Coast Jazz entwickelte sich unter der Leitung von Los Angeles und entwickelte sich später zum Cool Jazz.

Cool Jazz (Cool Jazz) entstand in den 50er Jahren in Los Angeles als das Gegenteil von dynamischem und treibendem Swing und Bebop. Lester Young gilt als Begründer dieses Stils. Er war es, der die für den Jazz ungewöhnliche Art der Klangerzeugung einführte. Dieser Stil zeichnet sich durch den Einsatz symphonischer Instrumente und emotionale Zurückhaltung aus. Meister wie Miles Davis („Blue In Green“), Gerry Mulligan („Walking Shoes“), Dave Brubeck („Pick Up Sticks“), Paul Desmond haben in diesem Sinne ihre Spuren hinterlassen.

Avante-Garde begann sich in den 60er Jahren zu entwickeln. Dieser avantgardistische Stil basiert auf einem Bruch mit den ursprünglichen traditionellen Elementen und zeichnet sich durch den Einsatz neuer Techniken und Ausdrucksmittel aus. Für Musiker dieser Bewegung stand der Selbstausdruck, den sie durch die Musik verwirklichten, an erster Stelle. Darsteller dieser Bewegung sind: Sun Ra ("Kosmos in Blue", "Moon Dance"), Alice Coltrane ("Ptah The El Daoud"), Archie Shepp.

Der Progressive Jazz entstand in den 40er Jahren parallel zum Bebop, zeichnete sich jedoch durch seine Saxophon-Stakkato-Technik aus, eine komplexe Verflechtung von Polytonalität mit rhythmischer Pulsation und Elementen des symphonischen Jazz. Stan Kenton kann als Begründer dieses Trends bezeichnet werden. Bemerkenswerte Vertreter: Gil Evans und Boyd Ryburn.

Hard Bop ist eine Form des Jazz mit Wurzeln im Bebop. Detroit, New York, Philadelphia – dieser Stil wurde in diesen Städten geboren. In seiner Aggressivität ist es dem Bebop sehr ähnlich, dennoch überwiegen in ihm Blues-Elemente. Zu den Darstellern zählen Zachary Breaux („Uptown Groove“), Art Blakey und The Jass Messengers.

Soul-Jazz. Dieser Begriff wird verwendet, um sich auf alle schwarze Musik zu beziehen. Es basiert auf traditionellem Blues und afroamerikanischer Folklore. Diese Musik zeichnet sich durch Ostinata-Bassfiguren und sich rhythmisch wiederholende Samples aus, wodurch sie bei verschiedenen Massen der Bevölkerung große Popularität erlangt hat. Zu den Hits dieser Richtung zählen Kompositionen von Ramsey Lewis „The In Crowd“ und Harris-McCain „Compared To What“.

Groove (alias Funk) ist ein Ableger des Soul, der sich nur durch seine rhythmische Konzentration auszeichnet. Grundsätzlich hat die Musik dieser Richtung eine große Farbe, und in Bezug auf die Struktur sind sie klar definierte Teile jedes Instruments. Solo-Auftritte fügen sich harmonisch in den Gesamtklang ein und sind nicht übermäßig individualisiert. Darsteller dieses Stils sind Shirley Scott, Richard "Grove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz begann in den späten 1950er Jahren dank der Bemühungen so innovativer Meister wie Ornette Coleman und Cecil Taylor. Seine charakteristischen Merkmale sind Atonalität, Verletzung der Akkordfolge. Dieser Stil wird oft als "Free Jazz" bezeichnet und seine Derivate sind Loft-Jazz, Modern Creative und Free Funk. Musiker dieses Stils sind: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech“), AMM („Sedimantari“).

Kreatives entstand aus der weit verbreiteten Avantgarde und dem Experimentalismus der Jazzformen. Es ist schwierig, solche Musik mit eindeutigen Begriffen zu beschreiben, weil sie zu facettenreich ist und viele Elemente früherer Strömungen vereint. Zu den frühen Anwendern dieses Stils gehören Lenny Tristano („Line Up“), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyrilla („The Big Time Stuff“).

Fusion kombinierte Elemente fast aller damals existierenden Musikrichtungen. Seine aktivste Entwicklung begann in den 70er Jahren. Fusion ist ein systematischer Instrumentalstil, der sich durch komplexe Taktarten, Rhythmus, langgezogene Kompositionen und das Fehlen von Gesang auszeichnet. Dieser Stil ist für weniger breite Massen als Soul konzipiert und ist sein komplettes Gegenteil. Angeführt wird dieser Trend von Larry Corall und der Eleventh-Gruppe, Tony Williams und Lifetime („Bobby Truck Tricks“).

Acid Jazz (Groove Jazz oder "Club Jazz") entstand in den späten 1980er Jahren (Blütezeit 1990-1995) in Großbritannien und verband den Funk der 70er, Hip-Hop und Tanzmusik der 90er Jahre. Die Entstehung dieses Stils wurde durch die weit verbreitete Verwendung von Jazz-Funk-Samples diktiert. Als Gründer gilt DJ Giles Peterson. Darsteller in diesem Stil sind Melvin Sparks ("Dig Dis"), RAD, Smoke City ("Flying Away"), Incognito und Brand New Heavies.

Postbop begann sich in den 50er und 60er Jahren zu entwickeln und ähnelt in seiner Struktur dem Hard Bop. Es zeichnet sich durch die Präsenz von Elementen aus Soul, Funk und Groove aus. Oftmals charakterisieren sie diese Richtung und ziehen eine Parallele zum Bluesrock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Like Someone In Love“) und Lee Morgan („Yesterday“), Wayne Shorter arbeiteten in diesem Stil.

Smooth Jazz ist ein moderner Jazzstil, der aus der Fusionsbewegung hervorgegangen ist, sich aber von dieser durch den bewusst polierten Sound unterscheidet. Ein Merkmal dieses Bereichs ist der weit verbreitete Einsatz von Elektrowerkzeugen. Bemerkenswerte Künstler: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater ("All Of Me", "God Bless The Child"), Larry Carlton ("Dont Give It Up").

Jazz-manush (Zigeunerjazz) ist eine Jazzrichtung, die sich auf Gitarrenspiel spezialisiert hat. Es kombiniert die Gitarrentechnik der Gypsy-Stämme der Manush- und Swing-Gruppen. Die Begründer dieses Trends sind die Brüder Ferre und. Die bekanntesten Interpreten: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight“, „Fiso Place“, „Autumn Leaves“).

Jazz- ein einzigartiges Phänomen in der Weltmusikkultur. Diese facettenreiche Kunstform wurde um die Jahrhundertwende (XIX und XX) in den Vereinigten Staaten geboren. Jazzmusik ist das geistige Kind der Kulturen Europas und Afrikas, eine Art Verschmelzung von Strömungen und Formen aus zwei Weltregionen. In der Folge ging Jazz über die Vereinigten Staaten hinaus und wurde fast überall populär. Diese Musik basiert auf afrikanischen Volksliedern, Rhythmen und Stilen. In der Geschichte der Entwicklung dieser Richtung des Jazz sind viele Formen und Typen bekannt, die auftauchten, als sie neue Rhythmen und Harmoniken beherrschten.

Eigenschaften des Jazz

Die Synthese zweier Musikkulturen machte den Jazz zu einem radikal neuen Phänomen in der Weltkunst. Die Besonderheiten dieser neuen Musik sind:

• Synkopierte Rhythmen, die Polyrhythmie erzeugen.
• Das rhythmische Pulsieren der Musik ist ein Beat.
• Der Beat-Deviation-Komplex ist ein Swing.
• Ständige Improvisation in Kompositionen.
• Eine Fülle von Obertönen, Rhythmen und Klangfarben.

Die Grundlage des Jazz, insbesondere in den frühen Entwicklungsstadien, war Improvisation verbunden mit einer durchdachten Form (und die Form der Komposition war nicht unbedingt irgendwo festgelegt). Und aus der afrikanischen Musik hat dieser neue Stil die folgenden charakteristischen Merkmale übernommen:

• Jedes Instrument als Trommel verstehen.
• Beliebte umgangssprachliche Intonationen bei der Aufführung von Kompositionen.
• Eine ähnliche Gesprächsimitation beim Spielen der Instrumente.

Generell unterscheiden sich alle Richtungen des Jazz in ihren eigenen lokalen Besonderheiten, daher ist es logisch, sie im Kontext der historischen Entwicklung zu betrachten.

Die Entstehung des Jazz, Ragtime (1880-1910er Jahre)

Es wird angenommen, dass der Jazz im 18. Jahrhundert unter schwarzen Sklaven entstand, die aus Afrika in die Vereinigten Staaten von Amerika gebracht wurden. Da die gefangenen Afrikaner nicht durch einen einzigen Stamm vertreten waren, mussten sie mit ihren Verwandten in der Neuen Welt eine gemeinsame Sprache finden. Diese Konsolidierung führte zur Entstehung einer einheitlichen afrikanischen Kultur in Amerika, zu der auch die Musikkultur gehörte. Erst in den 1880er und 1890er Jahren entstand in der Folge die erste Jazzmusik. Dieser Stil wurde durch die weltweite Nachfrage nach populärer Tanzmusik getrieben. Da die afrikanische Musikkunst an solchen rhythmischen Tänzen im Überfluss vorhanden war, wurde auf dieser Grundlage eine neue Richtung geboren. Tausende Amerikaner aus der Mittelschicht, die aristokratische klassische Tänze nicht beherrschen konnten, begannen im Ragtime-Stil zum Klavier zu tanzen. Ragtime brachte einige der zukünftigen Grundlagen des Jazz in die Musik ein. Der Hauptvertreter dieses Stils, Scott Joplin, ist also der Autor des „3 versus 4“-Elements (Kreuzklang rhythmischer Schemata mit 3 bzw. 4 Einheiten).

New Orleans (1910-1920er Jahre)

Klassischer Jazz erschien zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Südstaaten Amerikas, insbesondere in New Orleans (was logisch ist, denn im Süden war der Sklavenhandel weit verbreitet).

Hier haben afrikanische und kreolische Orchester gespielt, deren Musik von Ragtime, Blues und schwarzen Arbeiterliedern beeinflusst wurde. Nach dem Erscheinen vieler Musikinstrumente von Militärkapellen in der Stadt traten Amateurgruppen auf. Der legendäre New Orleans-Musiker, Schöpfer seines eigenen Orchesters, King Oliver, war ebenfalls Autodidakt. Ein wichtiges Datum in der Geschichte des Jazz war der 26. Februar 1917, als die Original Dixieland Jazz Band ihre erste Schallplatte veröffentlichte. Auch in New Orleans wurden die Hauptmerkmale des Stils festgelegt: der Beat der Percussion-Instrumente, ein meisterhaftes Solo, Vokalimprovisation mit Silben – Scat.

Chicago (1910-1920er Jahre)

In den 1920er Jahren, von den Klassikern als „Roaring Twenties“ bezeichnet, gelangte die Jazzmusik nach und nach in die Populärkultur und verlor ihre Titel „schamhaft“ und „unanständig“. Orchester treten in Restaurants auf und ziehen von den Südstaaten in andere Teile der Vereinigten Staaten. Chicago entwickelt sich zum Zentrum des Jazz im Norden des Landes, wo kostenlose nächtliche Auftritte von Musikern immer beliebter werden (während solcher Shows gab es häufig Improvisationen und Solisten von Drittanbietern). Komplexere Arrangements erscheinen im Musikstil. Die Jazz-Ikone dieser Zeit war Louis Armstrong, der von New Orleans nach Chicago zog. Anschließend wurden die Stile der beiden Städte zu einem Genre der Jazzmusik kombiniert - Dixieland. Das Hauptmerkmal dieses Stils war die kollektive Massenimprovisation, die die Grundidee des Jazz zum Absoluten erhob.

Swing und Bigbands (1930-1940er Jahre)

Die weiter steigende Popularität des Jazz führte zu einer Nachfrage nach großen Orchestern, die Tanzmelodien spielten. So entstand der Swing, der charakteristische Abweichungen vom Rhythmus in beide Richtungen darstellt. Swing wurde die wichtigste Stilrichtung dieser Zeit und manifestierte sich in der Arbeit von Orchestern. Die Ausführung harmonischer Tanzkompositionen erforderte ein harmonischeres Spiel des Orchesters. Jazzmusiker mussten gleichmäßig, ohne viel Improvisation (außer dem Solisten) teilnehmen, so dass die kollektive Improvisation von Dixieland der Vergangenheit angehört. In den 1930er Jahren florierten solche Gruppen, die Big Bands genannt wurden. Ein charakteristisches Merkmal der Orchester dieser Zeit war der Wettbewerb von Instrumentengruppen, Sektionen. Traditionell waren es drei: Saxophone, Trompeten, Schlagzeug. Die bekanntesten Jazzmusiker und ihre Orchester: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Letzterer Musiker ist berühmt für seine Hingabe an die Negerfolklore.

Bebop (1940er)

Die Abkehr des Swing von den Traditionen des frühen Jazz und insbesondere von klassischen afrikanischen Melodien und Stilen hat unter Geschichtskennern für Unmut gesorgt. Bigbands und Swing-Performer, die zunehmend für das Publikum arbeiteten, begannen, sich der Jazzmusik kleiner Ensembles schwarzer Musiker zu widersetzen. Die Experimentatoren führten ultraschnelle Melodien ein, brachten lange Improvisationen, komplexe Rhythmen und die meisterhafte Beherrschung eines Soloinstruments zurück. Der neue Stil, der sich als exklusiv positionierte, wurde Bebop genannt. Die unverschämten Jazzmusiker Charlie Parker und Dizzy Gillespie wurden zu den Ikonen dieser Zeit. Die Revolte schwarzer Amerikaner gegen die Kommerzialisierung des Jazz, der Wunsch, dieser Musik ihre Intimität und Einzigartigkeit zurückzugeben, wurde zu einem zentralen Punkt. Ab diesem Moment und ab diesem Stil beginnt der Countdown der Geschichte des Modern Jazz. Gleichzeitig kommen Bigband-Leader zu kleinen Orchestern, die eine Pause von den großen Hallen machen wollen. In Ensembles, die Combos genannt wurden, hielten solche Musiker an einem Swing-Stil fest, bekamen aber die Freiheit, zu improvisieren.

Cool Jazz, Hard Bop, Soul Jazz und Jazz-Funk (1940-1960er Jahre)

In den 1950er Jahren begann sich eine Musikrichtung wie der Jazz in zwei gegensätzliche Richtungen zu entwickeln. Die Anhänger der klassischen Musik "kühlten" Bebop und brachten akademische Musik, Polyphonie und Arrangement wieder in Mode. Cool Jazz wurde bekannt für seine Zurückhaltung, Trockenheit und Melancholie. Die wichtigsten Vertreter dieser Jazzrichtung waren: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Aber die zweite Richtung begann im Gegenteil, die Ideen des Bebop zu entwickeln. Der Hardbop-Stil predigte die Idee, zu den Ursprüngen der schwarzen Musik zurückzukehren. Traditionelle Volksmelodien, helle und aggressive Rhythmen, explosive Soli und Improvisation sind wieder in Mode gekommen. Im Hard-Bop-Stil bekannt: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Dieser Stil entwickelte sich organisch zusammen mit Soul Jazz und Jazz-Funk. Diese Stile näherten sich dem Blues und machten den Rhythmus zu einem Schlüsselaspekt der Performance. Vor allem Funkjazz wurde von Richard Holmes und Shirley Scott eingeführt.

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2. Ausgleichsfunktion (Kunst als Trost)

Der französische Kosmetiker M. Dufresne sieht in der Kunst eine tröstende und kompensierende Funktion und ist aufgerufen, die in der Wirklichkeit verlorene Sphäre des Geistes illusorisch wieder in Einklang zu bringen. Und der französische Soziologe E. Morin glaubt, dass der Mensch durch die Wahrnehmung eines Kunstwerks die innere Spannung des wirklichen Lebens entlädt und die Monotonie des Alltags ausgleicht.

Ausgleichsfunktion

Die kompensatorische Funktion der Kunst hat drei Hauptaspekte: 1) ablenkend (hedonistisch-verspielt und unterhaltsam); 2) trösten; 3) tatsächlich kompensatorisch (trägt zur spirituellen Harmonie einer Person bei). Das Leben eines modernen Menschen ist voller Konfliktsituationen, Anspannung, Überlastung, unerfüllter Hoffnungen, Trauer. Kunst tröstet, entführt in die Welt der Träume und beeinflusst mit ihrer Harmonie die innere Harmonie des Einzelnen und trägt zur Erhaltung und Wiederherstellung des seelischen Gleichgewichts bei. Indem sie eine innere Harmonie für einen Menschen in einer „verrückten, verrückten, verrückten, verrückten Welt“ herstellt, hilft die Kunst ihm, am Abgrund des Lebens zu bleiben und ermöglicht es, weiterzuleben. Mit seiner Schönheit gleicht es den Verlust von Menschenleben aus, hellt den grauen Alltag oder ein unglückliches Leben auf. Die Funktionen der Kunst sind historisch flexibel: Wenn in der Antike das Tragische einen Menschen "läutert" (Verwandlungsfunktion), dann reinigt es im Mittelalter nicht mehr, sondern tröstet einen Menschen (Kompensationsfunktion: Menschen, die deiner würdiger sind, ertragen härter Schwierigkeiten als die, die Ihrem Anteil widerfahren sind).