Romantik. Gemälde von Künstlern der Romantik
In der europäischen Kultur des späten 18. und der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts etablierte sich die Romantik, die die Aufklärung ablöste und Sentimentalitäten überwand.
Diese ideologische und künstlerische Richtung war dem Klassizismus und der Aufklärung entgegengesetzt. Und der Vorbote der Romantik war Sentimentalität. Der Geburtsort der Romantik ist Deutschland.
Philosophie der Romantik
Die Romantik bekräftigte den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. Aber, könnten Sie einwenden, das behauptet auch der Sentimentalismus. Was ist also der Unterschied zwischen ihnen?
Ja, der Protest gegen mangelnde Spiritualität und Egoismus spiegelt sich bereits in Sentimentalitäten wider. Die Romantik drückt diese Ablehnung am schärfsten aus. Romantik im Allgemeinen ist ein komplexeres und widersprüchlicheres Phänomen als Sentimentalität. Wenn im Sentimentalismus das Ideal die Seele eines einfachen Menschen ist, die Sentimentalisten nicht nur der Seele eines Aristokraten ebenbürtig, sondern manchmal höher und edler ansehen, dann interessiert sich die Romantik nicht nur für die Tugend, sondern auch für das Böse, was sie sogar tut versucht zu veredeln; er interessiert sich auch für die Dialektik von Gut und Böse im Menschen (man erinnere sich an den Protagonisten von M.Yu. Lermontovs Roman Ein Held unserer Zeit).
M. Vrubel. Illustration zu Lermontovs Roman „Ein Held unserer Zeit“. Duell Petschorin mit Grushnitsky
Romantische Dichter begannen, Bilder von Engeln, insbesondere von gefallenen, in ihren Werken zu verwenden. Zum Beispiel Interesse am Bild eines Dämons: mehrere Gedichte und das Gedicht "Demon" von Lermontov; ein dem Dämon gewidmeter Gemäldezyklus von M. Vrubel.
M. Vrubel "Sitzender Dämon"
Romantiker versuchten, das Geheimnis der menschlichen Existenz zu lüften, indem sie sich der Natur zuwandten und ihren religiösen und poetischen Gefühlen vertrauten. Aber gleichzeitig versucht die Romantik sogar, Religion neu zu denken.
Ein romantischer Held ist eine komplexe, leidenschaftliche Person mit einer tiefen, aber widersprüchlichen inneren Welt – das ist ein ganzes Universum. M. Yu. Lermontov sagte dies in seinem Roman: „Die Geschichte der menschlichen Seele, selbst der kleinsten Seele, ist fast merkwürdiger und nützlicher als die Geschichte eines ganzen Volkes.“ Die charakteristischen Merkmale der Romantik waren das Interesse an starken und lebhaften Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Regungen der Seele.
Ein weiteres Merkmal der Romantik ist das Interesse an Folklore, Mythos, Märchen. In der russischen Romantik werden die Ballade und das romantische Drama zu besonders beliebten Genres. Dank Zhukovskys Übersetzungen lernten russische Leser Balladen kennen, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, und danach wenden sich viele Dichter der Balladengattung zu: A.S. Puschkin („Das Lied des prophetischen Oleg“, „Der Ertrunkene“), M.Yu. Lermontov ("Luftschiff", "Meerjungfrau"), A.K. Tolstoi und andere Dank V. Zhukovsky hat sich in Russland ein weiteres Literaturgenre etabliert - die Elegie.
Romantiker interessierten sich für verschiedene historische Epochen, ihre Originalität sowie exotische und mysteriöse Länder und Umstände. Auch die Schaffung der Gattung des historischen Romans ist ein Verdienst der Romantik. Der Gründer des historischen Romans ist V. Scott, aber dieses Genre entwickelt sich in den Werken von F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo und anderen weiter.
Und ein weiteres Merkmal der Romantik (bei weitem nicht das einzige) ist die Schaffung einer eigenen, besonderen Welt, schöner und realer als die Realität. Der romantische Held lebt in dieser Welt, verteidigt leidenschaftlich seine Freiheit und glaubt, dass er nicht den Regeln der Außenwelt unterliegt, sondern nur seinen eigenen Regeln.
In der Ära der Romantik blühte die Literatur auf. Aber anders als die Literatur des Sentimentalismus schottete sich diese Literatur nicht gegen soziale und politische Probleme ab.
ICH K. Aivazovsky, I.E. Repin „Puschkins Abschied vom Meer“ (1877)
Einen bedeutenden Platz in der Arbeit der Romantiker (in allen Arten von Kunst) nimmt die Landschaft ein - vor allem das Meer, die Berge, der Himmel und die stürmischen Elemente, zu denen der Held komplexe Beziehungen hat. Die Natur kann der leidenschaftlichen Natur eines romantischen Helden ähneln, sich ihm aber auch widersetzen, sich als feindliche Kraft erweisen, mit der er kämpfen muss.
I. Aivazovsky "Die neunte Welle" (1850). Staatliches Russisches Museum (Petersburg)
In verschiedenen Ländern hatte das Schicksal der Romantik seine eigenen Merkmale.
Romantik in der Malerei
T. Gericault
Viele Künstler aus verschiedenen Ländern Europas schrieben im Stil der Romantik. Doch die Romantik kämpfte lange Zeit mit dem Klassizismus. Und erst nach dem Erscheinen des als innovativ geltenden Gemäldes „Das Floß der Medusa“ von Theodore Gericault erkannten Anhänger des akademischen Stils die Romantik als neue künstlerische Richtung in der Kunst, obwohl das Gemälde zunächst missbilligend aufgenommen wurde. Aber es war dieses Bild, das den Beginn der französischen Romantik markierte. In Frankreich waren die Traditionen des Klassizismus stark, und die neue Richtung musste Widerstände überwinden.
T. Géricault "Das Floß der Medusa" (1819). Leinwand, Öl. 491 x 716 cm Louvre (Paris)
Die Handlung des Bildes ist die Geschichte der Fregatte „Medusa“, die 1816 aufgrund der Inkompetenz des Kapitäns vor der Küste Senegals abstürzte. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten, durch Landung auf einem Floß zu entkommen. Erst am 12. Tag wurden sie von der Argus Brigg abgeholt, aber nur 15 Menschen überlebten. 1817 werden zwei von ihnen, der Ingenieur Correard und der Chirurg Henri Savigny, ein Buch über diese Tragödie schreiben.
Théodore Géricault war wie viele andere schockiert über das, was Medusa widerfahren ist. Er spricht mit Augenzeugen des Ereignisses, fertigt Skizzen von Hingerichteten und Sterbenden an, schreibt Hunderte von Skizzen der tobenden See. Und obwohl sich das Bild durch eine monochrome Farbe auszeichnet, liegt sein Hauptvorteil in der tiefen Psychologik der auf der Leinwand dargestellten Situation.
Ein weiterer Anführer der romantischen Strömung in der europäischen Malerei war der französische Maler und Grafiker Eugene Delacroix.
Eugène Delacroix „Selbstbildnis“ (1837)
Sein Gemälde Liberty Leading the People (1830) basiert auf der Julirevolution von 1830, die das Restaurationsregime der Bourbonenmonarchie beendete.
Die in der Bildmitte dargestellte Frau symbolisiert die Freiheit. Sie hat eine phrygische Mütze auf dem Kopf (ein Symbol der Freiheit oder Revolution), in der rechten Hand die Flagge des republikanischen Frankreichs, in der linken Hand eine Waffe. Die nackte Brust symbolisiert die Hingabe der damaligen Franzosen, die mit „nackter Brust“ zum Feind gingen. Rund um Freedom, ein Arbeiter, ein Bourgeois, ein Teenager, die die Einheit des französischen Volkes während der Julirevolution symbolisieren. Einige Kunsthistoriker und Kritiker schlagen vor, dass der Künstler sich als Mann mit Zylinder links von der Hauptfigur darstellte.
O. Kiprensky "Selbstbildnis" (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - berühmter russischer Künstler, Grafiker und Maler, Porträtmeister.
O. Kiprensky „Porträt von A.S. Puschkin“ (1827). Leinwand, Öl. 63 x 54 cm Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Dies ist vielleicht das berühmteste Porträt von Puschkin, das von Puschkins Freund Delvig beim Künstler in Auftrag gegeben wurde. Auf der Leinwand ist Puschkin bis zur Taille dargestellt, mit vor der Brust verschränkten Armen. Über die rechte Schulter des Dichters ist ein kariertes Schottenkaro geworfen – mit diesem Detail weist der Künstler auf Puschkins Verbindung mit Byron, dem Idol der Romantik, hin.
K. Brjullow "Selbstbildnis" (1848)
Das Werk des russischen Künstlers K. Bryullov wird als Akademismus eingestuft, aber einige seiner Gemälde sind der Höhepunkt der russischen Spätromantik, mit ihrem Sinn für Tragödien und Konflikte im Leben, Interesse an starken Leidenschaften, außergewöhnlichen Themen und Situationen und in der Schicksal riesiger Menschenmassen.
K. Brjullow „Der letzte Tag von Pompeji“ (1830-1833). Leinwand, Öl. 465,5 x 651 cm Staatliches Russisches Museum (Petersburg)
Bryullov kombinierte im Bild die Dramatik der Handlung, die romantischen Lichteffekte und die skulpturale, klassisch vollendete Plastizität der Figuren.
Das Gemälde zeigt den berühmten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. und die Zerstörung der Stadt Pompeji bei Neapel. „Der letzte Tag von Pompeji“ veranschaulicht die Romantik der russischen Malerei, gemischt mit Idealismus, einem gesteigerten Interesse an der freien Luft und einer Hinwendung zu ähnlichen historischen Themen. Der der Romantik innewohnende tiefe Psychologismus hilft, in jeder Figur eine Persönlichkeit zu sehen: respektabel und selbstlos (eine Gruppe von Menschen in der unteren rechten Ecke des Bildes, die eine ältere Person trägt), gierig (eine Figur in Weiß, die gestohlenes Eigentum von jemandem trägt der Schlaue), Liebende (ein junger Mann auf der rechten Seite, der versucht, seine Geliebte zu retten), ein Devotee (eine Mutter, die ihre Töchter in der unteren linken Ecke des Bildes umarmt) usw.
Das Bild des Künstlers in der linken Bildecke ist ein Selbstporträt des Autors.
Aber der Bruder des Künstlers, Bryullov Alexander Pawlowitsch, war ein Vertreter der Romantik in der Architektur (obwohl er auch Künstler war).
A. Bryullov "Selbstbildnis" (1830)
Er schuf Projekte für Gebäude in St. Petersburg und Umgebung.
Das Gebäude des Michailowski-Theaters wurde ebenfalls nach dem Projekt von A. Bryullov gebaut.
Orthodoxe Kirche der Heiligen Apostel Peter und Paul im Dorf Pargolovo (heute St. Petersburg)
Romantik in der Musik
M. Vodzinskaya "Porträt von F. Chopin" (1835)
In den 1820er Jahren gegründet, eroberte die Romantik in der Musik das gesamte 19. Jahrhundert. und wird von einer ganzen Galaxie der talentiertesten Komponisten repräsentiert, von denen es sogar schwierig ist, jemanden oder einige herauszugreifen, um andere nicht zu beleidigen. Daher werden wir versuchen, so viele Namen wie möglich zu nennen. Die prominentesten Vertreter der Romantik in der Musik sind Franz Schubert, Franz Liszt sowie die Spätromantiker Anton Bruckner und Gustav Mahler (Österreich-Ungarn); Ludwig van Beethoven (auszugsweise), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Deutschland); Frederic Chopin (Polen); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, früher Giuseppe Verdi (Italien); A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, M. P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Tschaikowsky (Russland).
J. Kriehuber "Bildnis R. Schumann" (1849)
Komponisten der Romantik versuchten, die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen mit musikalischen Mitteln auszudrücken. Musik wird geprägter, individueller. Liedgenres entwickeln sich, einschließlich der Ballade.
Das Hauptproblem der romantischen Musik ist das Problem der Persönlichkeit in ihrem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft wird damit die Vorstellung eines kreativen Menschen verbunden: Ein Mensch ist einsam, wenn er gerade ein herausragender, begabter Mensch ist. Der Künstler, Dichter, Musiker sind die Lieblingshelden in den Werken der Romantik (Schumanns Liebe zum Dichter, Berlioz' Phantastische Sinfonie mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben des Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „Tasso“).
PI. Tschaikowsky
Romantische Musik zeichnet sich wie andere Arten romantischer Kunst durch ein tiefes Interesse an der menschlichen Persönlichkeit und die Vorherrschaft eines persönlichen Tons in der Musik aus. Musikalische Werke waren oft mit einem Hauch von Autobiografie versehen, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. So sind viele Klavierwerke Schumanns mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Der autobiografische Charakter seiner Opern wurde von Wagner betont. Chopins Musik kann auch als autobiografisch bezeichnet werden, er drückte seine Sehnsucht nach seiner Heimat (Polen) in seinen Mazurkas, Polonaisen und Balladen aus. Tief verliebt in Russland und die russische Natur, P.I. Tschaikowsky zeichnet in vielen seiner Werke Naturbilder, der Klavierwerkzyklus „Die Jahreszeiten“ widmet sich ganz ihr.
Romantik in der Literatur
Brüder Grimm: Wilhelm und Jacob
Die Romantik entstand zuerst in Deutschland unter den Schriftstellern und Philosophen der Jenaer Schule. Dabei handelt es sich um eine Gruppe von Persönlichkeiten der Romantik, die sich 1796 in der Universitätsstadt Jena versammelten (Brüder August Wilhelm und Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Sie beginnen mit der Herausgabe der Zeitschrift Ateneum, in der sie ihr eigenes ästhetisches Programm der Romantik formulieren. In Zukunft zeichnet sich die deutsche Romantik durch ein Interesse an märchenhaften und mythologischen Motiven (Werk der Brüder Wilhelm und Jacob Grimm, Hoffmann) aus.
R. Westall "Porträt von Byron"
Ein prominenter Vertreter der englischen Romantik ist D.G. Byron, der laut A.S. Puschkin "gekleidet in langweilige Romantik und hoffnungslosen Egoismus". Sein Werk ist durchdrungen vom Pathos des Kampfes und des Protests gegen die moderne Welt, der Verherrlichung der Freiheit und des Individualismus.
Zur englischen Romantik gehören die Arbeiten von Shelley, John Keats und William Blake.
Erfolg Merimee
Die Romantik breitete sich auch in anderen europäischen Ländern aus. In Frankreich sind seine Vertreter Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. In Italien - N.U. Foscolo, A. Manzoni. In Polen - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki und andere, in den USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow und andere.
Adam Miscavige
Romantik in der russischen Literatur
K. Bryullov "Porträt von V. Zhukovsky"
Zu den romantischen Dichtern gehören K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Die frühe Poesie von A. S. Puschkin - im Rahmen der Romantik. Als Höhepunkt der russischen Romantik gilt die Poesie von M. Yu. Lermontov, der als "russischer Byron" bezeichnet wurde.
P. Zabolotsky. „Porträt von M.Yu. Lermontov im Umhang des Life Guards Husarenregiments "(1837)
Persönlichkeit und Seele sind für Lermontov die wichtigsten Realitäten des Seins, das Studium der Persönlichkeit und der menschlichen Seele ist das Hauptthema seiner Werke. Lermontov erforscht die Ursprünge von Gut und Böse und kommt zu dem Schluss, dass sowohl Gut als auch Böse nicht außerhalb einer Person existieren, sondern in ihm selbst. Daher ist es unmöglich zu hoffen, dass sich eine Person infolge einer Veränderung in der Welt zum Besseren verändert. Daher das fast völlige Fehlen des Dichters von Aufrufen zum Kampf für soziale Gerechtigkeit. Lermontovs Hauptaugenmerk gilt der Seele des Menschen und seinem spirituellen Weg.
Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev vervollständigen die Romantik in Russland.
F. I. Tyutchev (1860-1861). Foto von S. Levitsky
F.I. Tyutchev betrachtete sich nicht als Dichter (er diente als Diplomat), aber seine gesamte Poesie ist autobiografisch und voller philosophischer Reflexionen über die Welt und den Menschen darin, über die Widersprüche, die die menschliche Seele quälen, über den Sinn von Leben und Tod .
Schweigen, verstecken und verstecken
Und Gefühle und deine Träume -
Lassen Sie die Tiefen der Seele ein
Sie stehen auf und kommen herein
Leise, wie Sterne in der Nacht,
Bewundere sie – und schweige.
Wie kann sich das Herz ausdrücken?
Wie kann jemand anderes Sie verstehen?
Wird er verstehen, wie du lebst?
Ausgesprochene Gedanken sind eine Lüge.
Explodiert, stört die Tasten, -
Essen Sie sie - und schweigen Sie.
Nur wissen, wie man in sich selbst lebt -
Es gibt eine ganze Welt in deiner Seele
Geheimnisvolle magische Gedanken;
Außengeräusche werden sie taub machen
Tagesstrahlen werden sich zerstreuen, -
Lausche ihrem Gesang - und schweige! ..
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* Schweigen! (lat.)
Wir haben bereits mehr als einmal gesagt, dass ein Künstler, Dichter oder Komponist nicht immer in einem künstlerischen Stil arbeitet. Zudem passt der künstlerische Stil nicht immer in einen bestimmten Zeitraum. So lassen sich jederzeit die Merkmale jeder künstlerischen Stilrichtung finden. Manchmal ist es eine Mode (zum Beispiel wurde der Empire-Stil vor kurzem plötzlich wieder populär), manchmal ist es das Bedürfnis des Künstlers nach einer solchen Art der Selbstdarstellung.
1.1 Hauptmerkmale der Romantik
Romantik - (Französisch Romantisme, aus dem mittelalterlichen Französisch Romant - Roman) - eine Kunstrichtung, die sich um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert innerhalb der allgemeinen literarischen Bewegung herausgebildet hat. in Deutschland. Es ist in allen Ländern Europas und Amerikas weit verbreitet. Der höchste Höhepunkt der Romantik fällt auf das erste Viertel des 19. Jahrhunderts.
Das französische Wort romantisme geht auf die spanische Romanze (im Mittelalter hießen die spanischen Romanzen so und dann die Ritterromanze) zurück, die englische Romantik, die sich bis ins 18. Jahrhundert entwickelte. in romantique und bedeutet dann "seltsam", "fantastisch", "malerisch". Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. die Romantik wird zur Bezeichnung einer neuen Richtung gegenüber dem Klassizismus.
In die Antithese "Klassizismus" - "Romantik" eintretend, ging die Richtung von der Opposition des klassizistischen Regelanspruchs zur romantischen Regelfreiheit aus. Das Zentrum des künstlerischen Systems der Romantik ist das Individuum, und sein Hauptkonflikt besteht zwischen Individuum und Gesellschaft. Die entscheidende Voraussetzung für die Entwicklung der Romantik waren die Ereignisse der Französischen Revolution. Die Entstehung der Romantik ist mit der Anti-Aufklärungsbewegung verbunden, deren Ursachen in der Enttäuschung über die Zivilisation, über den gesellschaftlichen, industriellen, politischen und wissenschaftlichen Fortschritt liegen, die zu neuen Kontrasten und Widersprüchen, Nivellierung und geistiger Verwüstung des Individuums führte.
Die Aufklärung predigte die neue Gesellschaft als die „natürlichste“ und „vernünftigste“. Die besten Köpfe Europas begründeten und prognostizierten diese Gesellschaft der Zukunft, aber die Realität entpuppte sich als außerhalb der Kontrolle der "Vernunft", der Zukunft - unvorhersehbar, irrational, und die moderne Gesellschaftsordnung begann, die Natur des Menschen und seine zu bedrohen persönliche Freiheit. Die Ablehnung dieser Gesellschaft, der Protest gegen Spiritualitätslosigkeit und Egoismus schlägt sich bereits in Sentimentalität und Vorromantik nieder. Die Romantik drückt diese Ablehnung am schärfsten aus. Auch auf verbaler Ebene stellte sich die Romantik gegen die Aufklärung: Die nach Natürlichkeit, "Einfachheit", allen Lesern zugängliche Sprache der romantischen Werke war das Gegenteil der Klassik mit ihren edlen, "erhabenen" Themen, typisch z. für die klassische Tragödie.
Bei den späteren westeuropäischen Romantikern nimmt der Gesellschaftspessimismus kosmische Ausmaße an, wird zur »Jahrhundertkrankheit«. Die Helden vieler romantischer Werke zeichnen sich durch Stimmungen der Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung aus, die einen universellen Charakter annehmen. Die Perfektion ist für immer verloren, die Welt wird vom Bösen regiert, das uralte Chaos lebt wieder auf. Das für alle romantische Literatur charakteristische Thema der "schrecklichen Welt" wurde am deutlichsten im sogenannten "schwarzen Genre" (im vorromantischen "Gothic Novel" - A. Radcliffe, C. Maturin, im " drama of rock" oder "tragedy of rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), sowie in den Werken von Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe und N. Hawthorne.
Gleichzeitig stützt sich die Romantik auf Ideen, die die „schreckliche Welt“ herausfordern – vor allem die Ideen der Freiheit. Die Enttäuschung der Romantik ist eine Enttäuschung in der Realität, aber Fortschritt und Zivilisation sind nur eine Seite davon. Die Ablehnung dieser Seite, der Mangel an Glauben an die Möglichkeiten der Zivilisation bieten einen anderen Weg, den Weg zum Idealen, zum Ewigen, zum Absoluten. Dieser Weg muss alle Widersprüche auflösen, das Leben komplett verändern. Dies ist der Weg zur Vollkommenheit, „zum Ziel, dessen Erklärung jenseits des Sichtbaren gesucht werden muss“ (A. De Vigny). Für einige Romantiker beherrschen unverständliche und mysteriöse Kräfte die Welt, denen gehorcht werden muss und nicht versuchen, das Schicksal zu ändern (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Für andere provozierte das „globale Übel“ Protest, forderte Rache, Kampf (früher A. S. Puschkin). Gemeinsam war ihnen allen, dass sie im Menschen eine Einheit sahen, deren Aufgabe sich keineswegs auf die Lösung gewöhnlicher Probleme beschränkte. Im Gegenteil, ohne den Alltag zu leugnen, versuchten die Romantiker, das Geheimnis der menschlichen Existenz zu lüften, indem sie sich der Natur zuwandten und ihren religiösen und poetischen Gefühlen vertrauten.
Ein romantischer Held ist eine komplexe, leidenschaftliche Person, deren innere Welt ungewöhnlich tief und endlos ist; es ist ein ganzes Universum voller Widersprüche. Romantiker interessierten sich für alle Leidenschaften, hohe und niedrige, die einander entgegengesetzt waren. Hohe Leidenschaft - Liebe in all ihren Erscheinungsformen, niedrige - Gier, Ehrgeiz, Neid. Die niedere materielle Praxis der Romantik stand im Gegensatz zum Leben des Geistes, insbesondere Religion, Kunst und Philosophie. Das Interesse an starken und lebhaften Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele sind charakteristische Merkmale der Romantik.
Sie können über Romantik als eine besondere Art von Persönlichkeit sprechen - eine Person mit starken Leidenschaften und hohen Ambitionen, die mit der Alltagswelt nicht vereinbar ist. Außergewöhnliche Umstände begleiten diese Natur. Fantasy, Volksmusik, Poesie, Legenden werden für Romantiker attraktiv - alles, was anderthalb Jahrhunderte lang als untergeordnete Genres galt, die keine Aufmerksamkeit verdienen. Die Romantik ist geprägt von der Behauptung der Freiheit, der Souveränität des Individuums, der gesteigerten Aufmerksamkeit für das Individuum, dem Einzigartigen im Menschen, dem Kult des Individuums. Das Vertrauen in den Selbstwert eines Menschen wird zum Protest gegen das Schicksal der Geschichte. Oft wird der Held eines romantischen Werks zu einem Künstler, der die Realität kreativ wahrnehmen kann. Der klassischen „Nachahmung der Natur“ steht die gestalterische Energie des Künstlers gegenüber, der die Wirklichkeit transformiert. Es erschafft eine eigene, besondere Welt, schöner und realer als die empirisch wahrgenommene Realität. Kreativität ist der Sinn des Daseins, sie repräsentiert den höchsten Wert des Universums. Romantiker verteidigten leidenschaftlich die kreative Freiheit des Künstlers, seine Vorstellungskraft, und glaubten, dass das Genie des Künstlers den Regeln nicht gehorcht, sondern sie erschafft.
Romantiker wandten sich verschiedenen historischen Epochen zu, sie wurden von ihrer Originalität angezogen, angezogen von exotischen und mysteriösen Ländern und Umständen. Das Interesse an der Geschichte wurde zu einer der dauerhaften Eroberungen des künstlerischen Systems der Romantik. Er äußerte sich in der Schaffung des Genres des historischen Romans, dessen Begründer W. Scott ist, und des Romans im Allgemeinen, der in der betrachteten Epoche eine führende Position einnahm. Romantiker geben historische Details, den Hintergrund, die Farbe einer bestimmten Epoche genau und genau wieder, aber romantische Charaktere werden außerhalb der Geschichte gegeben, sie stehen in der Regel über den Umständen und hängen nicht von ihnen ab. Gleichzeitig sahen Romantiker den Roman als Mittel zum Verständnis der Geschichte und drangen aus der Geschichte in die Geheimnisse der Psychologie und dementsprechend der Moderne ein. Das Interesse an Geschichte spiegelte sich auch in den Werken von Historikern der französischen romantischen Schule wider (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).
In der Ära der Romantik findet die Entdeckung der Kultur des Mittelalters statt, und die für die vergangene Ära charakteristische Bewunderung für die Antike lässt auch am Ende des XVIII - Anfangs nicht nach. 19. Jahrhundert Die Vielfalt nationaler, historischer, individueller Merkmale hatte auch eine philosophische Bedeutung: Der Reichtum eines einzigen Weltganzen besteht aus der Gesamtheit dieser individuellen Merkmale, und das Studium der Geschichte jedes einzelnen Volkes ermöglicht es, in den Worten nachzuzeichnen von Burke, ununterbrochenes Leben durch neue Generationen, die aufeinander folgen.
Die Ära der Romantik war geprägt von der Blüte der Literatur, die sich unter anderem durch die Leidenschaft für soziale und politische Probleme auszeichnete. Bei dem Versuch, die Rolle des Menschen in fortlaufenden historischen Ereignissen zu verstehen, tendierten romantische Schriftsteller zu Genauigkeit, Konkretheit und Zuverlässigkeit. Dabei spielt sich die Wirkung ihrer Werke oft in einem für Europäer ungewohnten Umfeld ab – etwa im Osten und in Amerika, oder für Russen im Kaukasus oder auf der Krim. So sind romantische Dichter überwiegend Lyriker und Dichter der Natur, und daher nimmt in ihrem Werk (aber wie bei vielen Prosaautoren) die Landschaft einen bedeutenden Platz ein - vor allem das Meer, die Berge, der Himmel, die stürmischen Elemente , mit denen der Held komplexe Beziehungen verbindet. Die Natur kann der leidenschaftlichen Natur eines romantischen Helden ähneln, sich ihm aber auch widersetzen, sich als feindliche Kraft erweisen, mit der er kämpfen muss.
Ungewöhnliche und lebendige Bilder von Natur, Leben, Leben und Bräuchen ferner Länder und Völker inspirierten auch Romantiker. Sie suchten nach Merkmalen, die die grundlegende Grundlage des nationalen Geistes bilden. Die nationale Identität manifestiert sich hauptsächlich in der mündlichen Volkskunst. Daher das Interesse an Folklore, die Verarbeitung von Folklorewerken, die Schaffung eigener Werke auf der Grundlage der Volkskunst.
Die Entwicklung der Gattungen historischer Roman, Fantasy-Erzählung, lyrisch-episches Gedicht, Ballade ist das Verdienst der Romantiker. Ihre Innovation manifestierte sich auch in der Lyrik, insbesondere in der Verwendung von Polysemie des Wortes, der Entwicklung von Assoziativität, Metaphern, Entdeckungen auf dem Gebiet der Verse, des Metrums und des Rhythmus.
Die Romantik ist gekennzeichnet durch eine Synthese von Gattungen und Gattungen, ihre Durchdringung. Das romantische Kunstsystem basierte auf einer Synthese von Kunst, Philosophie und Religion. Für einen Denker wie Herder zum Beispiel dienen Sprachforschung, philosophische Lehren und Reiseaufzeichnungen der Suche nach Wegen zur revolutionären Erneuerung der Kultur. Viele Errungenschaften der Romantik wurden vom Realismus des 19. Jahrhunderts übernommen. - ein Hang zur Fantasie, Groteske, eine Mischung aus Hoch und Tief, Tragik und Komik, die Entdeckung des "subjektiven Menschen".
Im Zeitalter der Romantik blüht nicht nur die Literatur auf, sondern auch viele Wissenschaften: Soziologie, Geschichte, Politikwissenschaft, Chemie, Biologie, Evolutionslehre, Philosophie (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, Naturphilosophie, Das Wesen der was darauf hinausläuft, dass die Natur - eines der Gewänder Gottes, "das lebendige Gewand der Gottheit") ist).
Romantik ist ein kulturelles Phänomen in Europa und Amerika. In verschiedenen Ländern hatte sein Schicksal seine eigenen Merkmale.
1.2 Romantik in Russland
Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts nimmt die Romantik einen Schlüsselplatz in der russischen Kunst ein und enthüllt mehr oder weniger vollständig ihre nationale Identität. Es ist äußerst riskant, diese Originalität auf ein Merkmal oder gar die Summe von Merkmalen zu reduzieren; was wir vor uns haben, ist vielmehr die Richtung des Prozesses, sowie sein Tempo, seine Zwanghaftigkeit - wenn wir die russische Romantik mit den älteren "Romantiken" der europäischen Literaturen vergleichen.
Wir haben diese forcierte Entwicklung bereits in der Vorgeschichte der russischen Romantik - im letzten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts - beobachtet. - in den ersten Jahren des 19. Jahrhunderts, als es eine ungewöhnlich enge Verflechtung vorromantischer und sentimentaler Tendenzen mit den Tendenzen des Klassizismus gab.
Die Überschätzung der Vernunft, die Hypertrophie der Sensibilität, der Kult der Natur und des natürlichen Menschen, elegische Melancholie und Epikureismus verbanden sich mit Elementen der Systematik und Rationalität, die sich besonders im Bereich der Poetik zeigten. Stile und Genres wurden gestrafft (hauptsächlich durch die Bemühungen von Karamzin und seinen Anhängern), es gab einen Kampf gegen übermäßige Metaphern und Sprachverzierungen um ihrer "harmonischen Genauigkeit" willen (Puschkins Definition des charakteristischen Merkmals der von Schukowski gegründeten Schule). und Batyushkov).
Die Schnelligkeit der Entwicklung hinterließ Spuren in der reiferen Phase der russischen Romantik. Die Dichte der künstlerischen Entwicklung erklärt auch, dass es schwierig ist, klare chronologische Stationen in der russischen Romantik zu erkennen. Literaturhistoriker teilen die russische Romantik in folgende Perioden ein: die Anfangszeit (1801 - 1815), die Reifezeit (1816 - 1825) und die Zeit ihrer Entwicklung nach Oktober. Dies ist ein beispielhaftes Schema, weil. mindestens zwei dieser Perioden (die erste und die dritte) sind qualitativ heterogen und weisen nicht zumindest die relative prinzipielle Einheitlichkeit auf, die beispielsweise die Perioden der Jenaer und der Heidelberger Romantik in Deutschland auszeichnete.
Die Romantik in Westeuropa – insbesondere in der deutschen Literatur – begann im Zeichen der Vollständigkeit und Ganzheit. Alles Uneinige strebte nach Synthese: in der Naturphilosophie und in der Soziologie und in der Erkenntnistheorie und in der Psychologie - persönlich und sozial und natürlich im künstlerischen Denken, das all diese Impulse vereinte und sozusagen , gab ihnen neues Leben. .
Der Mensch wollte mit der Natur verschmelzen; Persönlichkeit, individuell - mit dem Ganzen, mit den Menschen; intuitives Wissen - mit logischem; unbewusste Elemente des menschlichen Geistes - mit den höchsten Sphären der Reflexion und Vernunft. Obwohl das Verhältnis der gegensätzlichen Momente zuweilen widersprüchlich erschien, ließ die Tendenz zur Vereinigung ein besonderes emotionales Spektrum der Romantik entstehen, bunt und bunt, mit einem Vorherrschen eines hellen Durtons.
Erst allmählich wuchs die Konfliktnatur der Elemente zu ihrer Antinomie heran; die Idee der angestrebten Synthese löste sich in der Idee von Entfremdung und Konfrontation auf, die optimistische Dur-Stimmung wich einem Gefühl von Enttäuschung und Pessimismus.
Die russische Romantik kennt beide Phasen des Prozesses - sowohl die anfängliche als auch die letzte; Damit forcierte er jedoch die allgemeine Bewegung. Die endgültigen Formen erschienen, bevor die ursprünglichen Formen blühten; Zwischenstücke zerknitterten oder fielen ab. Vor dem Hintergrund der westeuropäischen Literaturen wirkte die russische Romantik gleichzeitig weniger und romantischer: Sie war ihnen an Reichtum, Verzweigung, Breite des Gesamtbildes unterlegen, aber an Gewissheit mancher Endergebnisse übertroffen.
Der wichtigste gesellschaftspolitische Faktor, der die Entstehung der Romantik beeinflusst hat, ist der Dekabrismus. Die Brechung der dekabristischen Ideologie in die Ebene des künstlerischen Schaffens ist ein äußerst komplexer und langwieriger Prozess. Lassen Sie uns jedoch nicht aus den Augen verlieren, dass es gerade künstlerischen Ausdruck erlangt hat; dass die dekabristischen Impulse in ganz konkrete literarische Formen gekleidet wurden.
Oft wurde der „literarische Dekabrismus“ mit einem gewissen Imperativ außerhalb des künstlerischen Schaffens identifiziert, wenn alle künstlerischen Mittel einem außerliterarischen Ziel untergeordnet werden, das wiederum aus der dekabristischen Ideologie stammt. Dieses Ziel, diese "Aufgabe" sei durch "Silben- oder Gattungszeichen" eingeebnet oder gar verdrängt worden. In Wirklichkeit war alles viel komplizierter.
Die spezifische Natur der russischen Romantik ist in den Texten dieser Zeit deutlich sichtbar, d.h. im lyrischen Verhältnis zur Welt, im Hauptton und in der Perspektive der Position des Autors, in dem, was gemeinhin das "Bild des Autors" genannt wird. Betrachten wir die russische Poesie unter diesem Gesichtspunkt, um uns zumindest eine oberflächliche Vorstellung von ihrer Vielfalt und Einheit zu machen.
Die russische romantische Poesie hat eine ziemlich breite Palette von "Bildern des Autors" offenbart, die sich manchmal nähern, manchmal im Gegenteil, polemisieren und einander gegenüberstellen. Aber immer ist das „Bild des Autors“ eine solche Verdichtung von Emotionen, Stimmungen, Gedanken oder alltäglichen und biografischen Details (die „Fetzen“ der im Gedicht stärker vertretenen Verfremdungslinie des Autors gelangen in das lyrische Werk) , was aus dem Gegensatz zur Umwelt folgt. Die Verbindung zwischen dem Einzelnen und dem Ganzen ist gebrochen. Der Geist der Konfrontation und Disharmonie weht über das Erscheinungsbild des Autors, auch wenn es an sich unkompliziert und klar erscheint.
Die Vorromantik kannte im Grunde zwei Formen des textlichen Ausdrucks des Konflikts, die man als lyrische Gegensätze bezeichnen kann - die elegische und die epikureische Form. Die romantische Poesie hat sie zu einer Reihe komplexer, tiefer und individuell differenzierter entwickelt.
Aber so wichtig die oben genannten Formen an sich auch sind, sie erschöpfen natürlich nicht den ganzen Reichtum der russischen Romantik.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Meer. Sonniger Tag» Privatsammlung Romantik
John Constable "Herbstbeeren und Blumen in einem braunen Topf" Romantik
Thomas Sully "Porträt von Miss Mary und Emily McEwan", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romantik
William Mo Eagley „So wie der Zweig gebogen ist, ist der Baum geneigt“, 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romantik Das Gemälde ist nach dem Sprichwort „So wie der Zweig gebogen ist, ist der Baum geneigt“ benannt. Analog auf Russisch "Wo sich der Baum lehnte, fiel er dort."
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Blick auf Teflis von Seid-Abad", 1868 Armenische Nationalgalerie, Jerewan Romantik Seid-Abad ist ein Viertel in Tiflis, berühmt für seine Schwefelbäder und unübertroffenen Bademeister. Wenn man über Seid-Abad spricht, kann man nicht umhin, die Geschichte des berühmten Abanotubani - des Badeviertels - zu berühren. Er hatte mehrere Namen. Es gibt eine Legende, dass ein gewisser Flüchtling von der Grenze Pashalik, der sich in ...
Karl Pawlowitsch Brjullow „Bildnis der heitersten Fürstin Elizaveta Pawlowna Saltykowa“, 1841 Russisches Museum, St. Petersburg Romantik Die Fürstin sitzt in einem Sessel auf der Terrasse ihres Anwesens. Auf dieser Leinwand voller lyrischer, seelenvoller Noten schuf Bryullov ein poetisches Bild seiner Heldin. Elizaveta Pavlovna Saltykova (geb. Stroganova), Tochter des Grafen Stroganov, Philanthrop und Großindustrieller. Bryullov wurde immer von Frauen aus Adelsfamilien angezogen ....
Remy-Furcy Descarsin „Porträt des Dr. de S. beim Schachspiel mit dem Tod“, 1793 Museum der Französischen Revolution, Visius, Frankreich Romantik Sympathie für die Konterrevolution) und ist sein letztes Werk. Lange Zeit befand sich das Gemälde in Privatsammlungen und wurde…
Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Nebelmorgen in Italien", 1864 Feodosia Art Gallery, benannt nach I.K. Aivazovsky, Feodosia Romanticism 1840 ging Aivazovsky nach Italien. Dort traf er sich mit den hellen Persönlichkeiten der russischen Literatur, Kunst und Wissenschaft - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Gleichzeitig änderte der Künstler 1841 den Namen Gaivazovsky in Aivazovsky. Die Tätigkeit des Künstlers in ...
Joshua Reynolds „Portrait of the Waldgrave Sisters“, 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romantik Für das Porträt der Waldgrave Sisters wählte Reynolds das für die englische Malerei traditionelle Genre der „conversational painting“. Er stellte sie dar, wie sie um den Tisch herum saßen und Handarbeiten machten. Doch in seiner Performance verliert die Alltagsszene ihre Routine. Er versucht, seine Heldinnen über den Alltag zu erheben. Damen voller jugendlichem Charme sind in Weiß gekleidet ...
Zusammenfassung der Prüfung
Thema:"Romantik als Trend in der Kunst".
Aufgeführt Schüler 11 "B" Klasse Sekundarschule Nr. 3
Boiprav Anna
Weltkunstlehrer
Kultur Butsu T.N.
Brest, 2002
1. Einführung
2. Ursachen der Romantik
3. Die Hauptmerkmale der Romantik
4. romantischer Held
5. Romantik in Russland
a) Literatur
b) Malen
c) Musik
6. Westeuropäische Romantik
ein Gemälde
b) Musik
7. Fazit
8. Referenzen
1. EINLEITUNG
Wenn Sie in das erklärende Wörterbuch der russischen Sprache schauen, finden Sie mehrere Bedeutungen des Wortes "Romantik": 1. Eine Strömung in Literatur und Kunst des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts, gekennzeichnet durch die Idealisierung der Vergangenheit, Isolation von der Realität, dem Personen- und Menschenkult. 2. Eine Richtung in Literatur und Kunst, durchdrungen von Optimismus und dem Wunsch, in lebendigen Bildern die hohe Bestimmung des Menschen zu zeigen. 3. Ein Geisteszustand, der von der Idealisierung der Realität durchdrungen ist, verträumte Kontemplation.
Wie aus der Definition hervorgeht, ist Romantik ein Phänomen, das sich nicht nur in der Kunst, sondern auch im Verhalten, in der Kleidung, im Lebensstil und in der Psychologie von Menschen manifestiert und in kritischen Momenten des Lebens auftritt, sodass das Thema Romantik auch heute noch aktuell ist . Wir leben um die Jahrhundertwende, wir befinden uns in einer Übergangsphase. In dieser Hinsicht gibt es in der Gesellschaft Unglauben an die Zukunft, Misstrauen gegenüber Idealen, es besteht der Wunsch, aus der umgebenden Realität in die Welt der eigenen Erfahrungen zu entkommen und sie gleichzeitig zu verstehen. Es sind diese Merkmale, die für die romantische Kunst charakteristisch sind. Deshalb habe ich für die Recherche das Thema „Romantik als Trend in der Kunst“ gewählt.
Die Romantik ist eine sehr große Schicht verschiedener Kunstarten. Ziel meiner Arbeit ist es, Entstehungsbedingungen und Ursachen der Romantik in verschiedenen Ländern nachzuzeichnen, die Entwicklung der Romantik in Kunstformen wie Literatur, Malerei und Musik zu untersuchen und zu vergleichen. Meine Hauptaufgabe bestand darin, die Hauptmerkmale der Romantik hervorzuheben, die für alle Arten von Kunst charakteristisch sind, um festzustellen, welchen Einfluss die Romantik auf die Entwicklung anderer Kunstrichtungen hatte.
Bei der Entwicklung des Themas habe ich Lehrbücher über Kunst verwendet, darunter Autoren wie Filimonova, Vorotnikov und andere, enzyklopädische Veröffentlichungen, Monographien, die verschiedenen Autoren der Ära der Romantik gewidmet sind, biografische Materialien von Autoren wie Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova und anderen.
2. GRÜNDE FÜR DEN URSPRUNG DER ROMANTIK
Je näher wir der Moderne kommen, desto kürzer werden die Zeitspannen der Dominanz des einen oder anderen Stils. Der Zeitraum vom Ende des 18. bis zum 1. Drittel des 19. Jahrhunderts. gilt als Epoche der Romantik (aus dem französischen Romantique; etwas Geheimnisvolles, Seltsames, Unwirkliches)
Was hat die Entstehung eines neuen Stils beeinflusst?
Dies sind drei Hauptereignisse: die Große Französische Revolution, die Napoleonischen Kriege, der Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa.
Die Donner von Paris hallten durch ganz Europa. Der Slogan „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit!“ übte eine ungeheure Anziehungskraft auf alle europäischen Völker aus. Mit der Bildung bürgerlicher Gesellschaften begann die Arbeiterklasse als eigenständige Kraft gegen das Feudalsystem vorzugehen. Der gegensätzliche Kampf dreier Klassen – des Adels, des Bürgertums und des Proletariats – bildete die Grundlage der historischen Entwicklung des 19. Jahrhunderts.
Das Schicksal Napoleons und seine Rolle in der europäischen Geschichte für zwei Jahrzehnte, 1796-1815, beschäftigten die Köpfe der Zeitgenossen. "Der Herrscher der Gedanken" - A.S. sprach über ihn. Puschkin.
Für Frankreich waren dies Jahre der Größe und des Ruhms, allerdings auf Kosten des Lebens Tausender von Franzosen. Italien sah in Napoleon seinen Befreier. Die Polen setzten große Hoffnungen in ihn.
Napoleon handelte als Eroberer im Interesse der französischen Bourgeoisie. Für die europäischen Monarchen war er nicht nur ein militärischer Gegner, sondern auch ein Repräsentant der fremden Welt des Bürgertums. Sie hassten ihn. Zu Beginn der napoleonischen Kriege gab es in seiner "Großen Armee" viele direkte Teilnehmer an der Revolution.
Auch die Persönlichkeit Napoleons selbst war phänomenal. Der junge Mann Lermontov antwortete auf den 10. Todestag Napoleons:
Er ist ein Weltfremder. Alles an ihm war ein Rätsel.
Der Tag der Erhöhung – und der Fall der Stunde!
Dieses Geheimnis zog besonders die Aufmerksamkeit von Romantikern auf sich.
In Verbindung mit den napoleonischen Kriegen und der Reifung des nationalen Selbstbewusstseins ist diese Zeit durch den Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung gekennzeichnet. Deutschland, Österreich, Spanien kämpften gegen die napoleonische Besatzung, Italien – gegen das österreichische Joch, Griechenland – gegen die Türkei, in Polen kämpften sie gegen den russischen Zarismus, Irland – gegen die Briten.
Erstaunliche Veränderungen vollzogen sich vor den Augen einer Generation.
Am stärksten brodelte Frankreich: der turbulente fünfte Jahrestag der Französischen Revolution, Aufstieg und Fall Robespierres, die Feldzüge Napoleons, Napoleons erste Abdankung, seine Rückkehr von der Insel Elba („Hundert Tage“) und das Finale
Niederlage von Waterloo, der düstere 15. Jahrestag des Restaurationsregimes, die Julirevolution von 1860, die Februarrevolution von 1848 in Paris, die in anderen Ländern eine revolutionäre Welle auslöste.
In England infolge der industriellen Revolution in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Maschinenproduktion und kapitalistische Verhältnisse wurden etabliert. Die Parlamentsreform von 1832 ebnete dem Bürgertum den Weg zur Staatsmacht.
In den Ländern Deutschland und Österreich behielten feudale Herrscher die Macht. Nach dem Sturz Napoleons gingen sie hart mit der Opposition um. Aber auch auf deutschem Boden wurde die 1831 aus England eingeführte Dampflokomotive zu einem Faktor des bürgerlichen Fortschritts.
Industrielle Revolutionen, politische Revolutionen veränderten das Gesicht Europas. „Die Bourgeoisie hat in weniger als hundert Jahren ihrer Klassenherrschaft zahlreichere und grandiosere Produktivkräfte geschaffen als alle früheren Generationen zusammen“, schrieben die deutschen Gelehrten Marx und Engels 1848.
So markierte die Große Französische Revolution (1789-1794) einen besonderen Meilenstein, der die neue Ära vom Zeitalter der Aufklärung trennte. Nicht nur die Staatsformen, die soziale Struktur der Gesellschaft, die Klassenzugehörigkeit veränderten sich. Das ganze jahrhundertelang erleuchtete Ideensystem wurde erschüttert. Die Aufklärer haben die Revolution ideologisch vorbereitet. Aber sie konnten nicht alle Folgen vorhersehen. Das „Reich der Vernunft“ fand nicht statt. Aus der Revolution, die die Freiheit des Individuums proklamierte, erwuchs die bürgerliche Ordnung, der Habgier- und Egoismusgeist. Dies war die historische Grundlage für die Entwicklung der künstlerischen Kultur, die eine neue Richtung vorschlug - die Romantik.
3. HAUPTMERKMALE DER ROMANTIK
Romantik als Methode und Richtung in der künstlerischen Kultur war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen Nationalausdruck. Es ist nicht einfach, Merkmale in Literatur, Musik, Malerei und Theater zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.
Romantiker besetzten verschiedene soziale und politische Positionen in der Gesellschaft. Sie alle rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Doch bei aller Vielseitigkeit und Vielfalt hat die Romantik stabile Züge.
Die Enttäuschung in der Neuzeit führte zu einem Sonderfall Interesse an der Vergangenheit: zu vorbürgerlichen Gesellschaftsformationen, zur patriarchalischen Antike. Viele Romantiker waren geprägt von der Vorstellung, dass die malerische Exotik der Länder des Südens und Ostens – Italien, Spanien, Griechenland, Türkei – einen poetischen Kontrast zum langweiligen bürgerlichen Alltag darstellt. In diesen damals noch wenig zivilisierten Ländern suchten die Romantiker helle, starke Charaktere, eine originelle, bunte Lebensart. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit führte zu einer Vielzahl historischer Werke.
In dem Bestreben, sich irgendwie über die Prosa des Seins zu erheben, die vielfältigen Fähigkeiten des Individuums zu befreien und sich letztendlich in Kreativität zu verwirklichen, widersetzten sich die Romantiker der Formalisierung der Kunst und der für den Klassizismus charakteristischen direkten und vernünftigen Herangehensweise an sie. Sie kamen alle aus Leugnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanone des Klassizismus, was die schöpferische Initiative des Künstlers behinderte, und wenn die Klassik alles geradlinig einteilt, in gut und schlecht, in schwarz und weiß, dann teilt die Romantik nichts geradlinig. Der Klassizismus ist ein System, die Romantik nicht. Die Romantik hat die Weiterentwicklung der Neuzeit vom Klassizismus zum Sentimentalismus vorangetrieben, der das Innenleben eines Menschen im Einklang mit der weiten Welt zeigt. Und die Romantik stellt der inneren Welt die Harmonie entgegen. Mit der Romantik beginnt der echte Psychologismus zu erscheinen.
Die Hauptaufgabe der Romantik war Bild der inneren Welt, spirituelles Leben, und dies könnte auf dem Material von Geschichten, Mystik usw. Es galt, das Paradoxon dieses Innenlebens, seine Irrationalität, aufzuzeigen.
In ihrer Fantasie verwandelten die Romantiker die unattraktive Realität oder begaben sich in die Welt ihrer Erfahrungen. Die Kluft zwischen Traum und Wirklichkeit, der Gegensatz von schöner Fiktion und objektiver Realität, lag im Herzen der gesamten romantischen Bewegung.
Die Romantik stellt zum ersten Mal das Problem der Sprache der Kunst. „Kunst ist eine ganz andere Sprache als die Natur; aber es enthält auch dieselbe Wunderkraft, die ebenso heimlich und unbegreiflich auf die menschliche Seele einwirkt“ (Wackenroder und Tieck). Ein Künstler ist ein Interpret der Sprache der Natur, ein Vermittler zwischen der Welt des Geistes und den Menschen. „Dank der Künstler entsteht die Menschheit als ganze Individualität. Künstler der Moderne vereinen die Welt der Vergangenheit mit der Welt der Zukunft. Sie sind das höchste geistige Organ, in dem die Lebenskräfte ihres äußeren Menschseins aufeinandertreffen und wo sich zuerst das innere Menschsein manifestiert“ (F. Schlegel).
Die Romantik als Richtung in der Malerei bildete sich Ende des 18. Jahrhunderts in Westeuropa heraus. Die Romantik erreichte ihren Höhepunkt in der Kunst der meisten westeuropäischen Länder in den 1920er und 1930er Jahren. 19. Jahrhundert.
Der Begriff "Romantik" selbst stammt vom Wort "Roman" (im 17. Jahrhundert wurden literarische Werke, die nicht in Latein, sondern in davon abgeleiteten Sprachen - Französisch, Englisch usw. - verfasst wurden, Romane genannt. Später wurde alles Unverständliche und Mysteriöse als romantisch bezeichnet.
Als kulturelles Phänomen hat sich die Romantik aus einem besonderen Weltbild herausgebildet, das durch die Folgen der Französischen Revolution entstanden ist. Desillusioniert von den Idealen der Aufklärung schufen die Romantiker im Streben nach Harmonie und Integrität neue ästhetische Ideale und künstlerische Werte. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit standen die herausragenden Charaktere mit all ihren Erfahrungen und ihrem Wunsch nach Freiheit. Der Held der romantischen Werke ist eine herausragende Person, die sich durch den Willen des Schicksals in schwierigen Lebensumständen befand.
Obwohl die Romantik als Protest gegen die Kunst des Klassizismus entstand, stand sie dieser in vielerlei Hinsicht nahe. Romantiker waren teilweise solche Vertreter des Klassizismus wie N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.
Die Romantiker brachten in die Malerei ursprüngliche nationale Züge ein, also etwas, was der Kunst der Klassiker fehlte.
Der größte Vertreter der französischen Romantik war T. Gericault.
Theodor Géricault
Theodore Gericault, der große französische Maler, Bildhauer und Grafiker, wurde 1791 in Rouen in eine wohlhabende Familie geboren. Das Talent des Künstlers zeigte sich schon früh in ihm. Anstatt den Schulunterricht zu besuchen, saß Géricault oft im Stall und zeichnete Pferde. Schon damals versuchte er nicht nur die äußeren Merkmale der Tiere auf Papier zu übertragen, sondern auch ihr Temperament und ihren Charakter zu vermitteln.
Nach seinem Abschluss am Lyceum im Jahr 1808 wurde Géricault Schüler des damals berühmten Malers Carl Vernet, der für seine Fähigkeit berühmt war, Pferde auf Leinwand darzustellen. Der junge Künstler mochte jedoch Vernets Stil nicht. Bald verlässt er die Werkstatt und studiert bei einem anderen, nicht weniger talentierten Maler als Vernet, P. N. Guerin. Während seines Studiums bei zwei berühmten Künstlern führte Gericault ihre Traditionen in der Malerei dennoch nicht fort. J. A. Gros und J. L. David sollten wohl als seine eigentlichen Lehrer gelten.
Gericaults frühe Werke zeichnen sich dadurch aus, dass sie so nah wie möglich am Leben sind. Solche Gemälde sind ungewöhnlich ausdrucksstark und pathetisch. Sie zeigen die enthusiastische Stimmung des Autors bei der Einschätzung der Welt um ihn herum. Ein Beispiel ist ein Gemälde mit dem Titel „Offizier der kaiserlichen Ranger bei einem Angriff“, das 1812 geschaffen wurde. Dieses Gemälde wurde erstmals von Besuchern des Pariser Salons gesehen. Sie nahmen die Arbeit des jungen Künstlers mit Bewunderung an und schätzten das Talent des jungen Meisters.
Das Werk entstand in jener Zeit der französischen Geschichte, als Napoleon auf dem Höhepunkt seines Ruhms stand. Die Zeitgenossen vergötterten ihn, den großen Kaiser, dem es gelang, den größten Teil Europas zu erobern. In einer solchen Stimmung, unter dem Eindruck der Siege von Napoleons Armee, wurde das Bild gemalt. Die Leinwand zeigt einen Soldaten im Galopp auf einem Pferd. Sein Gesicht drückt Entschlossenheit, Mut und Furchtlosigkeit im Angesicht des Todes aus. Ganze Komposition
ungewöhnlich dynamisch und emotional. Der Betrachter bekommt das Gefühl, dass er selbst zum echten Teilnehmer des auf der Leinwand dargestellten Geschehens wird.
Die Figur eines tapferen Soldaten taucht mehr als einmal im Werk von Géricault auf. Unter diesen Bildern sind die Helden der Gemälde „Offizier der Carabinieri“, „Offizier des Kürassiers vor dem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“, „Verwundeter Kürassier“, die zwischen 1812 und 1814 entstanden, von besonderem Interesse. Das letzte Werk ist insofern bemerkenswert, als es auf der nächsten Ausstellung im Salon im selben Jahr präsentiert wurde. Dies ist jedoch nicht der Hauptvorteil der Zusammensetzung. Noch wichtiger war, dass es die Veränderungen zeigte, die im kreativen Stil des Künstlers stattgefunden hatten. Wenn sich in seinen ersten Gemälden aufrichtige patriotische Gefühle widerspiegelten, dann wird in den Werken aus dem Jahr 1814 das Pathos in der Darstellung von Helden durch Drama ersetzt.
Ein ähnlicher Stimmungsumschwung des Künstlers war wiederum mit den damaligen Ereignissen in Frankreich verbunden. 1812 wurde Napoleon in Russland besiegt, wodurch er, der einst ein brillanter Held war, von seinen Zeitgenossen den Ruhm eines erfolglosen Militärführers und eines arroganten stolzen Mannes erwirbt. Géricault verkörpert seine Enttäuschung vom Ideal im Gemälde „Der verwundete Kürassier“. Die Leinwand zeigt einen verwundeten Krieger, der versucht, das Schlachtfeld so schnell wie möglich zu verlassen. Er stützt sich auf einen Säbel – eine Waffe, die er vielleicht noch vor ein paar Minuten in der Hand gehalten hat, hoch erhoben.
Es war Géricaults Unzufriedenheit mit Napoleons Politik, die seinen Eintritt in die Dienste Ludwigs XVIII. diktierte, der 1814 den französischen Thron bestieg. Die Tatsache, dass der junge Künstler nach der zweiten Machtergreifung Napoleons in Frankreich (der Hundert-Tage-Periode) seine verlässt Heimatland zusammen mit Bourbonen. Aber auch hier erwartete ihn eine Enttäuschung. Der junge Mann konnte nicht ruhig zusehen, wie der König alles zerstört, was während der Herrschaft Napoleons erreicht wurde. Hinzu kam unter Ludwig XVIII. eine Verschärfung der feudal-katholischen Reaktion, das Land rollte immer schneller zurück und kehrte zum alten Staatssystem zurück. Das konnte ein junger, fortschrittlich denkender Mensch nicht akzeptieren. Sehr bald verlässt der junge Mann, der den Glauben an seine Ideale verloren hat, die von Ludwig XVIII geführte Armee und greift wieder zu Pinsel und Farbe. Diese Jahre können in der Arbeit des Künstlers nicht als hell und bemerkenswert bezeichnet werden.
1816 unternahm Gericault eine Reise nach Italien. Nachdem er Rom und Florenz besucht und die Meisterwerke berühmter Meister studiert hat, liebt der Künstler die Monumentalmalerei. Michelangelos Fresken, die die Sixtinische Kapelle schmückten, beschäftigen ihn besonders. Zu dieser Zeit entstanden Werke von Géricault, die in ihrer Größe und Majestät in vielerlei Hinsicht an die Leinwände der Maler der Hochrenaissance erinnern. Unter ihnen sind die interessantesten „Die Entführung der Nymphe durch den Zentauren“ und „Der Mann, der den Stier wirft“.
Die gleichen Züge des altmeisterlichen Stils finden sich auch in dem um 1817 entstandenen Gemälde „Lauf freier Pferde in Rom“, das Reiterwettkämpfe bei einem der in Rom stattfindenden Karnevale darstellt. Ein Merkmal dieser Komposition ist, dass sie vom Künstler aus zuvor angefertigten Naturzeichnungen zusammengestellt wurde. Außerdem unterscheidet sich die Art der Skizzen deutlich vom Stil des gesamten Werkes. Handelt es sich bei ersteren um Szenen, die das Leben der Römer – der Zeitgenossen des Künstlers – beschreiben, so finden sich in der Gesamtkomposition Bilder mutiger antiker Helden, als entstammen sie antiken Erzählungen. Darin folgt Gericault dem Weg von J. L. David, der, um das Bild eines heroischen Pathos zu vermitteln, seine Helden in antike Formen kleidete.
Bald nach dem Malen dieses Bildes kehrt Gericault nach Frankreich zurück, wo er Mitglied des Oppositionszirkels um den Maler Horace Vernet wird. Nach seiner Ankunft in Paris interessierte sich der Künstler besonders für Grafiken. 1818 schuf er eine Reihe von Lithografien zu einem militärischen Thema, von denen die bedeutendste „Rückkehr aus Russland“ war. Die Lithographie stellt die besiegten Soldaten der französischen Armee dar, die durch ein schneebedecktes Feld wandern. Lebensecht und wahrheitsgetreu sind die Figuren verkrüppelter und kriegsmüder Menschen dargestellt. Pathos und Heldenpathos sind in der Komposition nicht vorhanden, wie es für Gericaults Frühwerke typisch war. Der Künstler versucht, den wahren Stand der Dinge wiederzugeben, all die Katastrophen, die die von ihrem Kommandanten verlassenen französischen Soldaten in einem fremden Land ertragen mussten.
In der Arbeit "Rückkehr aus Russland" wurde zum ersten Mal das Thema des Kampfes des Menschen mit dem Tod gehört. Allerdings kommt dieses Motiv hier noch nicht so deutlich zum Ausdruck wie in den späteren Werken Géricaults. Ein Beispiel für solche Leinwände kann ein Gemälde mit dem Titel "Das Floß der Medusa" sein. Es wurde 1819 geschrieben und im selben Jahr im Pariser Salon ausgestellt. Die Leinwand zeigt Menschen, die mit dem tobenden Element Wasser kämpfen. Die Künstlerin zeigt nicht nur ihre Leiden und Qualen, sondern auch den Wunsch, um jeden Preis als Sieger aus dem Kampf gegen den Tod hervorzugehen.
Die Handlung der Komposition wird von einem Ereignis bestimmt, das im Sommer 1816 stattfand und ganz Frankreich erregte. Die damals berühmte Fregatte „Medusa“ lief auf Riffe und sank vor der Küste Afrikas. Von den 149 Menschen, die sich auf dem Schiff befanden, konnten nur 15 fliehen, darunter der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correard. Nach ihrer Ankunft in ihrer Heimat veröffentlichten sie ein kleines Buch, das von ihren Abenteuern und ihrer glücklichen Rettung erzählte. Aus diesen Erinnerungen erfuhren die Franzosen, dass das Unglück durch die Schuld des unerfahrenen Kapitäns des Schiffes geschah, der dank der Schirmherrschaft eines edlen Freundes an Bord kam.
Die von Gericault geschaffenen Bilder sind ungewöhnlich dynamisch, plastisch und ausdrucksstark, was der Künstler durch lange und sorgfältige Arbeit erreicht hat. Um schreckliche Ereignisse wirklich auf der Leinwand darzustellen, um die Gefühle von Menschen zu vermitteln, die auf See sterben, trifft sich der Künstler mit Augenzeugen der Tragödie, studiert lange Zeit die Gesichter ausgemergelter Patienten, die in einem der Krankenhäuser in Paris behandelt werden , sowie Matrosen, die Schiffswracks entkommen konnten. In dieser Zeit schuf der Maler eine Vielzahl von Porträtarbeiten.
Das tosende Meer ist auch voller tiefer Bedeutung, als würde es versuchen, ein zerbrechliches Holzfloß mit Menschen zu verschlucken. Dieses Bild ist ungewöhnlich ausdrucksstark und dynamisch. Es wurde wie die Figuren der Menschen aus der Natur gezeichnet: Der Künstler fertigte mehrere Skizzen an, die das Meer während eines Sturms darstellen. Gericault arbeitete an einer monumentalen Komposition und griff immer wieder auf zuvor erstellte Skizzen zurück, um die Natur der Elemente vollständig widerzuspiegeln. Deshalb hinterlässt das Bild beim Betrachter einen großen Eindruck, überzeugt ihn vom Realismus und der Wahrhaftigkeit des Geschehens.
„Das Floß der Medusa“ präsentiert Géricault als einen bemerkenswerten Meister der Komposition. Der Künstler hat lange darüber nachgedacht, wie er die Figuren im Bild anordnen könnte, um die Intention des Autors am besten zum Ausdruck zu bringen. Im Laufe der Arbeiten wurden einige Änderungen vorgenommen. Die dem Gemälde vorangestellten Skizzen deuten darauf hin, dass Gericault zunächst den Kampf der Menschen auf dem Floß miteinander darstellen wollte, später aber von einer solchen Deutung des Geschehens abwich. In der endgültigen Version stellt die Leinwand den Moment dar, in dem bereits verzweifelte Menschen das Argus-Schiff am Horizont sehen und ihre Hände danach ausstrecken. Die letzte Hinzufügung zum Bild war die menschliche Figur, die unten auf der rechten Seite der Leinwand platziert wurde. Sie war es, die der Komposition den letzten Schliff gab, die danach einen zutiefst tragischen Charakter annahm. Es ist bemerkenswert, dass diese Änderung vorgenommen wurde, als das Gemälde bereits im Salon ausgestellt war.
Mit ihrer Monumentalität und gesteigerten Emotionalität erinnert Gericaults Malerei in vielerlei Hinsicht an die Werke der Meister der Hochrenaissance (vor allem Michelangelos Das Jüngste Gericht), die der Künstler auf Reisen in Italien kennenlernte.
Das Gemälde "Das Floß der Medusa", das zu einem Meisterwerk der französischen Malerei wurde, war ein großer Erfolg in oppositionellen Kreisen, die es als Spiegelung revolutionärer Ideale sahen. Aus den gleichen Gründen wurde das Werk vom höchsten Adel und den offiziellen Vertretern der schönen Künste Frankreichs nicht akzeptiert. Deshalb wurde die Leinwand damals nicht vom Staat vom Autor gekauft.
Enttäuscht über den Empfang seiner Schöpfung in der Heimat geht Gericault nach England, wo er sein Lieblingswerk dem britischen Hof vorstellt. In London nahmen Kunstkenner das berühmte Gemälde mit großer Begeisterung auf.
Gericault wendet sich an englische Künstler, die ihn mit ihrer Fähigkeit überzeugen, die Realität aufrichtig und wahrheitsgemäß abzubilden. Gericault widmet dem Leben und Leben der englischen Hauptstadt einen Zyklus von Lithografien, darunter die Werke, die die Titel „The Great English Suite“ (1821) und „The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery“ (1821) erhielten. sind von größtem Interesse. In letzterem stellte der Künstler einen Londoner Landstreicher dar, der die Eindrücke widerspiegelte, die der Maler beim Studium des Lebens der Menschen in den Arbeitervierteln der Stadt erhielt.
Derselbe Zyklus umfasste Lithografien wie „The Flanders Smith“ und „At the Gates of the Adelphin Shipyard“, die dem Betrachter ein Bild des Lebens der einfachen Leute in London präsentierten. Interessant in diesen Arbeiten sind Bilder von Pferden, schwer und übergewichtig. Sie unterscheiden sich merklich von diesen anmutigen und anmutigen Tieren, die von anderen Künstlern gemalt wurden - Zeitgenossen von Géricault.
In der Hauptstadt Englands beschäftigt sich Gericault nicht nur mit der Erstellung von Lithografien, sondern auch von Gemälden. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit war das 1821 entstandene Gemälde "Race at Epsom". Auf dem Bild zeigt der Künstler Pferde, die mit voller Geschwindigkeit rasen und deren Beine den Boden überhaupt nicht berühren. Diese schlaue Technik (das Foto bewies, dass Pferde während des Laufs keine solche Position der Beine haben können, das ist die Fantasie des Künstlers) wird vom Meister verwendet, um der Komposition Dynamik zu verleihen, um dem Betrachter den Eindruck von Blitz- schnelle Bewegung der Pferde. Dieses Gefühl wird durch die genaue Übertragung der Plastizität (Posen, Gesten) menschlicher Figuren sowie durch die Verwendung von hellen und satten Farbkombinationen (rot, braun, weiße Pferde; tiefblau, dunkelrot, weiß-blau und golden) verstärkt. gelbe Jacken von Jockeys).
Das Thema Pferderennen, das mit seinem besonderen Ausdruck seit langem die Aufmerksamkeit des Malers auf sich zieht, wurde in den von Géricault geschaffenen Werken nach Abschluss der Arbeiten über Pferderennen in Epsom mehr als einmal wiederholt.
1822 verließ der Künstler England und kehrte in seine Heimat Frankreich zurück. Hier beschäftigt er sich mit der Schaffung großer Leinwände, ähnlich den Werken der Renaissance-Meister. Darunter sind "Negerhandel", "Öffnen der Türen des Gefängnisses der Inquisition in Spanien". Diese Gemälde blieben unvollendet – der Tod verhinderte, dass Gericault die Arbeit vollendete.
Von besonderem Interesse sind Porträts, deren Entstehung Kunsthistoriker der Zeit von 1822 bis 1823 zuschreiben. Der Entstehungsgeschichte ihres Schaffens gebührt besondere Aufmerksamkeit. Tatsache ist, dass diese Porträts von einem Freund des Künstlers in Auftrag gegeben wurden, der als Psychiater in einer Klinik in Paris arbeitete. Sie sollten zu einer Art Illustration werden, die verschiedene Geisteskrankheiten einer Person demonstriert. So entstanden die Porträts „Verrückte alte Frau“, „Verrückt“, „Verrückt, stellt sich einen Kommandanten vor“ gemalt. Dem Meister der Malerei war es nicht so wichtig, die äußeren Anzeichen und Symptome der Krankheit zu zeigen, sondern den inneren, seelischen Zustand eines Kranken zu vermitteln. Auf den Leinwänden erscheinen tragische Bilder von Menschen vor dem Betrachter, dessen Augen voller Schmerz und Trauer sind.
Unter den Porträts von Géricault nimmt ein Negerporträt einen besonderen Platz ein, das sich derzeit in der Sammlung des Museums von Rouen befindet. Eine entschlossene und willensstarke Person blickt den Betrachter von der Leinwand aus an, bereit, bis zum Ende mit ihm feindlich gesinnten Kräften zu kämpfen. Das Bild ist ungewöhnlich hell, emotional und ausdrucksstark. Der Mann auf diesem Bild ist jenen willensstarken Helden sehr ähnlich, die Gericault zuvor in großen Kompositionen gezeigt hatte (etwa auf dem Gemälde „Das Floß der Medusa“).
Gericault war nicht nur ein Meister der Malerei, sondern auch ein ausgezeichneter Bildhauer. Seine Arbeiten in dieser Kunstform zu Beginn des 19. Jahrhunderts waren die ersten Beispiele romantischer Skulpturen. Unter solchen Werken ist die ungewöhnlich ausdrucksstarke Komposition „Nymphe und Satyr“ von besonderem Interesse. In Bewegung eingefrorene Bilder vermitteln präzise die Plastizität des menschlichen Körpers.
Théodore Gericault starb 1824 in Paris bei einem Sturz von einem Pferd auf tragische Weise. Sein früher Tod überraschte alle Zeitgenossen des berühmten Künstlers.
Die Arbeit von Gericault markierte eine neue Etappe in der Entwicklung der Malerei nicht nur in Frankreich, sondern auch in der Weltkunst - der Zeit der Romantik. In seinen Werken überwindet der Meister den Einfluss klassischer Traditionen. Seine Werke sind ungewöhnlich farbenfroh und spiegeln die Vielfalt der Natur wider. Durch die Einführung menschlicher Figuren in die Komposition strebt der Künstler danach, die inneren Gefühle und Emotionen einer Person so vollständig und lebendig wie möglich zu offenbaren.
Nach Gericaults Tod wurden die Traditionen seiner romantischen Kunst von dem jüngeren Zeitgenossen des Künstlers, E. Delacroix, aufgegriffen.
Eugène Delacroix
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, der berühmte französische Künstler und Grafiker, der Nachfolger der romantischen Traditionen, die sich im Werk von Géricault entwickelt hatten, wurde 1798 geboren. Ohne seine Ausbildung am kaiserlichen Lyzeum abzuschließen, ging Delacroix 1815 zum Studium zu ihm der berühmte Meister Guerin. Die künstlerischen Methoden des jungen Malers entsprachen jedoch nicht den Anforderungen des Lehrers, sodass ihn der junge Mann nach sieben Jahren verlässt.
Delacroix studiert bei Guerin und widmet viel Zeit dem Studium der Arbeit von David und den Meistern der Malerei der Renaissance. Die Kultur der Antike, deren Traditionen auch David folgte, hält er für grundlegend für die Entwicklung der Weltkunst. Daher waren die ästhetischen Ideale für Delacroix die Werke von Dichtern und Denkern des antiken Griechenlands, unter denen der Künstler besonders die Werke von Homer, Horaz und Marcus Aurelius schätzte.
Die ersten Werke von Delacroix waren unvollendete Leinwände, auf denen der junge Maler den Kampf der Griechen mit den Türken widerspiegeln wollte. Dem Künstler fehlten jedoch das Geschick und die Erfahrung, um ein ausdrucksstarkes Bild zu schaffen.
1822 stellte Delacroix seine Arbeiten im Pariser Salon unter dem Titel Dante und Virgil aus. Diese ungewöhnlich emotionale und leuchtende Leinwand ähnelt in vielerlei Hinsicht dem Werk von Géricault „Das Floß der Medusa“.
Zwei Jahre später wurde dem Publikum des Salons ein weiteres Gemälde von Delacroix, Das Massaker von Chios, präsentiert. Darin verkörperte sich der langjährige Plan des Künstlers, den Kampf der Griechen mit den Türken zu zeigen. Die Gesamtkomposition des Bildes besteht aus mehreren Teilen, die getrennt platzierte Personengruppen bilden, von denen jeder seinen eigenen dramatischen Konflikt hat. Überhaupt erweckt das Werk den Eindruck einer tiefen Tragödie. Das Gefühl von Spannung und Dynamik wird durch die Kombination von glatten und scharfen Linien verstärkt, die die Figuren der Figuren bilden, was zu einer Veränderung der Proportionen der vom Künstler dargestellten Person führt. Aber gerade dadurch bekommt das Bild einen realistischen Charakter und Lebensglaubwürdigkeit.
Die kreative Methode von Delacroix, die im "Massaker von Chios" ihren vollen Ausdruck findet, ist weit entfernt von dem klassischen Stil, der damals in den offiziellen Kreisen Frankreichs und unter Vertretern der bildenden Kunst akzeptiert wurde. Deshalb stieß das Bild des jungen Künstlers im Salon auf scharfe Kritik.
Trotz des Scheiterns bleibt der Maler seinem Ideal treu. 1827 erschien ein weiteres Werk, das dem Thema des Unabhängigkeitskampfes des griechischen Volkes gewidmet war - "Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi". Die auf der Leinwand abgebildete Figur einer entschlossenen und stolzen Griechin verkörpert hier das unbesiegte Griechenland.
1827 führte Delacroix zwei Werke auf, die die kreative Suche des Meisters auf dem Gebiet der Mittel und Methoden des künstlerischen Ausdrucks widerspiegelten. Dies sind die Leinwände "Tod des Sardanapalus" und "Marino Faliero". Auf der ersten wird die Tragik der Situation in der Bewegung menschlicher Gestalten vermittelt. Nur das Bild von Sardanapal selbst ist hier statisch und ruhig. In der Komposition von „Marino Faliero“ ist nur die Figur der Hauptfigur dynamisch. Der Rest der Helden schien bei dem Gedanken an das, was passieren würde, vor Entsetzen zu erstarren.
In den 20er Jahren. 19. Jahrhundert Delacroix führte eine Reihe von Werken auf, deren Handlungen berühmten literarischen Werken entnommen waren. 1825 besuchte der Künstler England, die Geburtsstadt von William Shakespeare. Unter dem Eindruck dieser Reise und der Tragödie des berühmten Dramatikers Delacroix entstand im selben Jahr die Lithografie „Macbeth“. In der Zeit von 1827 bis 1828 schuf er eine Lithografie „Faust“, die dem gleichnamigen Werk Goethes gewidmet ist.
Im Zusammenhang mit den Ereignissen in Frankreich im Jahr 1830 führte Delacroix das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ auf. Das revolutionäre Frankreich wird im Bild einer jungen, starken Frau präsentiert, gebieterisch, entschlossen und unabhängig, die kühn die Menge anführt, in der die Gestalten eines Arbeiters, eines Studenten, eines verwundeten Soldaten, eines Pariser Gamen auffallen (ein Bild, das vorwegnahm Gavroche, der später in Les Misérables von V. Hugo auftrat).
Diese Arbeit unterschied sich deutlich von ähnlichen Arbeiten anderer Künstler, die nur an der wahrheitsgetreuen Übermittlung eines Ereignisses interessiert waren. Die von Delacroix geschaffenen Leinwände waren von hohem Heldenpathos geprägt. Die Bilder hier sind verallgemeinerte Symbole der Freiheit und Unabhängigkeit des französischen Volkes.
Mit der Machtübernahme von Louis Philippe – dem von Delacroix gepredigten königlich-bürgerlichen Heldentum und erhabenen Gefühlen – gab es keinen Platz mehr im modernen Leben. 1831 unternahm der Künstler eine Reise in afrikanische Länder. Er reiste nach Tanger, Meknès, Oran und Algier. Zur gleichen Zeit besucht Delacroix Spanien. Das Leben des Ostens fasziniert den Künstler mit seinem schnellen Fluss buchstäblich. Er fertigt Skizzen, Zeichnungen und eine Reihe von Aquarellarbeiten an.
Nach einem Besuch in Marokko malt Delacroix Leinwände, die dem Osten gewidmet sind. Außergewöhnlich dynamisch und ausdrucksstark sind die Gemälde, in denen der Künstler Pferderennen oder die Schlacht der Mauren zeigt. Im Vergleich dazu wirkt die 1834 entstandene Komposition „Algerische Frauen in ihren Gemächern“ ruhig und statisch. Es hat nicht jene ungestüme Dynamik und Spannung, die den früheren Arbeiten des Künstlers eigen ist. Delacroix tritt hier als Meister der Farbe auf. Die Farbgebung des Malers spiegelt in ihrer Gesamtheit die bunte Vielfalt der Palette wider, die der Betrachter mit den Farben des Orients assoziiert.
Von der gleichen Langsamkeit und Gemessenheit ist auch das etwa 1841 entstandene Gemälde „Jüdische Hochzeit in Marokko“ geprägt, das dank der akkuraten Wiedergabe der Originalität des nationalen Interieurs durch den Künstler eine geheimnisvolle orientalische Atmosphäre schafft. Die Komposition wirkt überraschend dynamisch: Der Maler zeigt, wie sich Menschen die Treppe hinaufbewegen und den Raum betreten. Das in den Raum einfallende Licht macht das Bild realistisch und überzeugend.
Orientalische Motive waren noch lange in den Werken von Delacroix präsent. So widmeten sich bei der 1847 im Salon organisierten Ausstellung von sechs von ihm präsentierten Werken fünf dem Leben und Leben des Ostens.
In den 30-40er Jahren. Im 19. Jahrhundert erscheinen neue Themen im Werk von Delacroix. Zu dieser Zeit schafft der Meister Werke zu historischen Themen. Unter ihnen verdienen die Gemälde „Protest von Mirabeau gegen die Auflösung der Generalstaaten“ und „Boissy d'Angles“ besondere Aufmerksamkeit. Die 1831 im Salon gezeigte Skizze des letzteren ist ein anschauliches Beispiel für Kompositionen zum Thema Volksaufstand.
Die Gemälde „Die Schlacht von Poitiers“ (1830) und „Die Schlacht von Taybur“ (1837) widmen sich dem Bild des Volkes. Bei allem Realismus werden hier die Dynamik des Kampfes, die Bewegung der Menschen, ihre Wut, Wut und ihr Leid gezeigt. Der Künstler versucht, die Emotionen und Leidenschaften eines Menschen zu vermitteln, der vom Wunsch gepackt ist, um jeden Preis zu gewinnen. Es sind die Menschenfiguren, die die dramatische Natur des Ereignisses in erster Linie vermitteln.
Sehr oft stehen sich in den Werken von Delacroix Sieger und Besiegte scharf gegenüber. Besonders deutlich wird dies auf dem 1840 entstandenen Gemälde „Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer“. Im Vordergrund ist eine von Trauer überwältigte Menschengruppe zu sehen. Dahinter liegt eine entzückende, bezaubernde Landschaft mit ihrer Schönheit. Auch die Figuren siegreicher Reiter sind hier platziert, deren beeindruckende Silhouetten mit den traurigen Figuren im Vordergrund kontrastieren.
„Die Eroberung von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer“ präsentiert Delacroix als bemerkenswerten Koloristen. Helle und satte Farben verstärken jedoch nicht den tragischen Anfang, der durch traurige Figuren in der Nähe des Betrachters zum Ausdruck kommt. Im Gegenteil, eine reiche Palette schafft das Gefühl eines Urlaubs, der zu Ehren der Gewinner arrangiert wurde.
Nicht weniger farbenfroh ist die im selben Jahr 1840 entstandene Komposition „Die Gerechtigkeit des Trajan“. Die Zeitgenossen des Künstlers erkannten dieses Bild als eines der besten unter allen Gemälden des Malers. Besonders interessant ist die Tatsache, dass der Meister im Laufe der Arbeit auf dem Gebiet der Farbe experimentiert. Sogar die Schatten nehmen eine Vielzahl von Schattierungen von ihm an. Alle Farben der Komposition entsprechen exakt der Natur. Der Ausführung der Arbeiten gingen lange Beobachtungen des Malers auf Farbtonveränderungen in der Natur voraus. Der Künstler hat sie in sein Tagebuch eingetragen. Dann bestätigten die Wissenschaftler den Aufzeichnungen zufolge, dass die Entdeckungen von Delacroix auf dem Gebiet der Tonalität vollständig mit der damals geborenen Farblehre übereinstimmten, deren Gründer E. Chevreul ist. Darüber hinaus vergleicht der Künstler seine Entdeckungen mit der Palette der venezianischen Schule, die für ihn ein Beispiel für malerisches Können war.
Porträts nehmen in Delacroix' Gemälden einen besonderen Platz ein. Der Meister wandte sich selten diesem Genre zu. Er malte nur die Menschen, mit denen er schon lange bekannt war, deren geistige Entwicklung vor dem Künstler stattfand. Daher sind die Bilder in den Porträts sehr ausdrucksstark und tief. Dies sind die Porträts von Chopin und George Sand. Das dem berühmten Schriftsteller gewidmete Gemälde (1834) zeigt eine edle und willensstarke Frau, die ihre Zeitgenossen entzückt. Das Porträt von Chopin, das vier Jahre später, 1838, gemalt wurde, ist ein poetisches und spirituelles Bild des großen Komponisten.
Ein interessantes und ungewöhnlich ausdrucksstarkes Porträt des berühmten Geigers und Komponisten Paganini, gemalt von Delacroix um 1831. Paganinis Musikstil ähnelt in vielerlei Hinsicht der Malweise des Künstlers. Paganinis Werk zeichnet sich durch den gleichen Ausdruck und die intensive Emotionalität aus, die für die Werke des Malers charakteristisch waren.
Landschaften nehmen im Werk von Delacroix einen kleinen Platz ein. Sie erwiesen sich jedoch als sehr bedeutsam für die Entwicklung der französischen Malerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Landschaften von Delacroix sind geprägt von dem Wunsch, das Licht und das schwer fassbare Leben der Natur genau wiederzugeben. Anschauliche Beispiele dafür sind die Gemälde „Himmel“, in denen durch schneeweiße Wolken, die über den Himmel schweben, ein Gefühl von Dynamik entsteht, und „Das Meer, sichtbar von den Ufern von Dieppe“ (1854), in dem der Maler meisterhaft vermittelt das Gleiten leichter Segelboote auf der Meeresoberfläche.
1833 erhielt der Künstler vom französischen König den Auftrag, einen Saal im Bourbon-Palast zu malen. Die Arbeit an der Schaffung eines monumentalen Werkes dauerte vier Jahre. Bei der Ausführung des Auftrages ließ sich der Maler vor allem davon leiten, dass die Bilder äußerst einfach und prägnant und für den Betrachter verständlich waren.
Das letzte Werk von Delacroix war das Gemälde der Kapelle der Heiligen Engel in der Kirche Saint-Sulpice in Paris. Es entstand in der Zeit von 1849 bis 1861. Mit hellen, satten Farben (Rosa, Hellblau, Lila, auf aschblauem und gelbbraunem Hintergrund platziert) erzeugt der Künstler in den Kompositionen eine freudige Stimmung, die den Betrachter hervorruft verzückte Freude zu empfinden. Die Landschaft, die in dem Gemälde „Die Vertreibung des Iliodor aus dem Tempel“ als eine Art Hintergrund enthalten ist, vergrößert optisch den Raum der Komposition und die Räumlichkeiten der Kapelle. Auf der anderen Seite fügt Delacroix, als wolle er die Isolation des Raums betonen, eine Treppe und eine Balustrade in die Komposition ein. Die dahinter platzierten Menschenfiguren wirken fast wie flache Silhouetten.
Eugène Delacroix starb 1863 in Paris.
Delacroix war der gebildetste unter den Malern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Viele Sujets seiner Malerei sind den literarischen Werken berühmter Meister der Feder entnommen. Eine interessante Tatsache ist, dass der Künstler seine Figuren meistens ohne Modell gemalt hat. Das wollte er seinen Anhängern beibringen. Malen ist laut Delacroix etwas Komplexeres als das primitive Kopieren von Linien. Der Künstler glaubte, dass Kunst in erster Linie in der Fähigkeit liegt, die Stimmung und die kreative Absicht des Meisters auszudrücken.
Delacroix ist Autor mehrerer theoretischer Arbeiten zu den Themen Farbe, Methode und Stil des Künstlers. Diese Werke dienten den Malern nachfolgender Generationen als Leuchtturm bei der Suche nach eigenen künstlerischen Mitteln zur Gestaltung von Kompositionen.
