Die berühmtesten zeitgenössischen Künstler der Welt. Gemälde zeitgenössischer Künstler der Welt
Die russische Malerei unterscheidet sich zu Recht von der Welt der Kunst. Tatsache ist, dass die russische Malerei bis zum 17. Jahrhundert ausschließlich mit einem religiösen Thema verbunden war. Die Situation änderte sich mit der Machtübernahme des Zarenreformers Peter des Großen. Dank seiner Reformen begannen russische Meister, sich mit weltlicher Malerei zu beschäftigen, es gab eine Trennung von der Ikonenmalerei als separate Richtung. Das 17. Jahrhundert ist die Zeit von Künstlern wie Simon Ushakov und Joseph Vladimirov. Dann wurde in der russischen Kunstwelt das Porträt geboren und wurde schnell populär. Im 18. Jahrhundert traten die ersten Maler auf, die von der Porträtmalerei zur Landschaftsmalerei wechselten. Eine ausgeprägte Sympathie der Meister für Winterpanoramen ist spürbar. Das 18. Jahrhundert wurde auch als Geburtsstunde der Alltagsmalerei in Erinnerung gerufen. Im 19. Jahrhundert gewannen in Russland bis zu drei Trends an Popularität: Romantik, Realismus und Klassizismus. Nach wie vor wandten sich russische Künstler dem Porträtgenre zu. Damals erschienen weltberühmte Porträts und Selbstporträts von O. Kiprensky und V. Tropinin. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stellen Künstler immer häufiger das einfache russische Volk in seinem unterdrückten Zustand dar. Der Realismus wurde der zentrale Trend in der Malerei dieser Zeit. Zu diesem Zeitpunkt erschienen die Wanderers und zeigten nur das wirkliche, wirkliche Leben. Nun, das zwanzigste Jahrhundert ist natürlich die Avantgarde. Die Künstler dieser Zeit haben sowohl ihre Anhänger in Russland als auch auf der ganzen Welt stark beeinflusst. Ihre Bilder wurden zu den Vorläufern der abstrakten Kunst. Die russische Malerei ist eine riesige, erstaunliche Welt talentierter Künstler, die Russland mit ihren Kreationen verherrlicht haben
Wenn Sie denken, dass alle großen Künstler der Vergangenheit angehören, haben Sie keine Ahnung, wie falsch Sie liegen. In diesem Artikel erfahren Sie mehr über die berühmtesten und talentiertesten Künstler unserer Zeit. Und glauben Sie mir, ihre Werke werden Ihnen nicht weniger in Erinnerung bleiben als die Werke des Maestro aus vergangenen Epochen.
Wojciech babski
Wojciech Babski ist ein zeitgenössischer polnischer Künstler. Er absolvierte das Schlesische Polytechnische Institut, verband sich aber mit. In letzter Zeit zeichnet er hauptsächlich Frauen. Konzentriert sich auf den Ausdruck von Emotionen, strebt mit einfachen Mitteln die größtmögliche Wirkung an.
Liebt Farbe, verwendet aber oft Schattierungen von Schwarz und Grau für das beste Erlebnis. Keine Angst, mit verschiedenen neuen Techniken zu experimentieren. In letzter Zeit erfreut es sich immer größerer Beliebtheit im Ausland, vor allem in Großbritannien, wo es erfolgreich seine Werke vertreibt, die bereits in vielen Privatsammlungen zu finden sind. Neben der Kunst interessiert er sich für Kosmologie und Philosophie. Hört Jazz. Derzeit lebt und arbeitet er in Kattowitz.
Warren ändern
Warren Chang ist ein zeitgenössischer amerikanischer Künstler. Geboren 1957 und aufgewachsen in Monterey, Kalifornien, schloss er 1981 am Pasadena Art Center College of Design cum laude mit einem Bachelor of Fine Arts in diesem Bereich ab. Die nächsten zwei Jahrzehnte arbeitete er als Illustrator für verschiedene Unternehmen in Kalifornien und New York, bevor er 2009 seine Karriere als professioneller Künstler begann.
Seine realistischen Gemälde lassen sich in zwei Hauptkategorien einteilen: biografische Innengemälde und Gemälde, die arbeitende Menschen darstellen. Sein Interesse an dieser Malweise wurzelt im Werk des Künstlers Jan Vermeer aus dem 16. Sein Ziel ist es, in seinen realistischen Gemälden durch die Manipulation von Licht und den Einsatz gedeckter Farben Stimmung und Emotionen zu erzeugen.
Chang wurde berühmt, nachdem er zur traditionellen bildenden Kunst übergegangen war. In den letzten 12 Jahren hat er viele Auszeichnungen und Ehrungen erhalten, von denen die renommierteste die Master Signature der Oil Painters Association of America, der größten Gemeinschaft von Ölmalern in den Vereinigten Staaten, ist. Nur eine von 50 Personen erhält die Möglichkeit, diese Auszeichnung zu erhalten. Warren lebt derzeit in Monterey und arbeitet in seinem Studio. Außerdem unterrichtet er (bekannt als talentierter Pädagoge) an der San Francisco Academy of Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni ist ein italienischer Künstler. Geboren in Blair, 15. Oktober 1955. Abschluss in Bühnenbild am Institut für Kunst in Spoleto. Als Künstler ist er Autodidakt, da er auf dem in der Schule gelegten Fundament selbstständig „ein Haus des Wissens errichtet“ hat. Mit 19 Jahren begann er in Öl zu malen. Derzeit lebt und arbeitet er in Umbrien.
Brunis frühe Malerei ist im Surrealismus verwurzelt, aber im Laufe der Zeit beginnt er sich auf die Nähe von lyrischer Romantik und Symbolik zu konzentrieren und diese Kombination mit der raffinierten Raffinesse und Reinheit seiner Charaktere zu verstärken. Belebte und unbelebte Objekte erhalten die gleiche Würde und wirken fast hyperrealistisch, verstecken sich aber gleichzeitig nicht hinter einem Vorhang, sondern lassen Sie die Essenz Ihrer Seele sehen. Vielseitigkeit und Raffinesse, Sinnlichkeit und Einsamkeit, Nachdenklichkeit und Fruchtbarkeit sind der Geist von Aurelio Bruni, genährt von der Pracht der Kunst und der Harmonie der Musik.
Alekasander Balos
Alkasandr Balos ist ein zeitgenössischer polnischer Künstler, der sich auf Ölmalerei spezialisiert hat. Geboren 1970 in Gliwice, Polen, lebt und arbeitet aber seit 1989 in den USA, in Shasta, Kalifornien.
Als Kind studierte er Kunst unter der Anleitung seines Vaters Jan, einem autodidaktischen Künstler und Bildhauer, daher erhielt seine künstlerische Tätigkeit von klein auf die volle Unterstützung beider Elternteile. 1989, im Alter von achtzehn Jahren, verließ Balos Polen in die Vereinigten Staaten, wo seine Lehrerin und Teilzeitkünstlerin Katie Gaggliardi Alkasandra ermutigte, eine Kunstschule zu besuchen. Anschließend erhielt Balos ein Vollstipendium der University of Milwaukee Wisconsin, wo er bei dem Philosophieprofessor Harry Rosin Malerei studierte.
Nach Abschluss seines Studiums 1995 und dem Erlangen seines Bachelor-Abschlusses zog Balos nach Chicago, um an der School of Fine Arts zu studieren, deren Methoden auf dem Werk von Jacques-Louis David basieren. Der figurative Realismus und die Porträtmalerei machten in den 90er und frühen 2000er Jahren den Großteil von Balos' Werk aus. Heute verwendet Balos die menschliche Figur, um die Besonderheiten und Schwächen des Menschen aufzuzeigen, ohne Lösungen anzubieten.
Die Handlungskompositionen seiner Bilder sollen vom Betrachter eigenständig interpretiert werden, erst dann erhalten die Leinwände ihre wahre zeitliche und subjektive Bedeutung. Im Jahr 2005 zog der Künstler nach Nordkalifornien, seitdem hat sich der Umfang seiner Arbeit deutlich erweitert und umfasst nun freiere Malmethoden, darunter Abstraktion und verschiedene Multimedia-Stile, die helfen, Ideen und Ideale des Seins durch Malerei auszudrücken.
Alyssa-Mönche
Alyssa Monks ist eine zeitgenössische amerikanische Künstlerin. Sie wurde 1977 in Ridgewood, New Jersey, geboren. Schon als Kind begann sie sich für die Malerei zu interessieren. Sie besuchte die New School in New York und die Montclair State University und schloss 1999 das Boston College mit einem BA ab. Gleichzeitig studierte sie Malerei an der Lorenzo Medici Academy in Florenz.
Anschließend setzte sie ihr Studium im Masterstudiengang an der New York Academy of Art am Department of Figurative Art fort, den sie 2001 abschloss. 2006 schloss sie ihr Studium am Fullerton College ab. Eine Zeitlang hielt sie Vorlesungen an Universitäten und Bildungseinrichtungen im ganzen Land, unterrichtete Malerei an der New York Academy of Art sowie an der Montclair State University und dem Lyme Academy of Arts College.
„Durch die Verwendung von Filtern wie Glas, Vinyl, Wasser und Dampf verzerre ich den menschlichen Körper. Mit diesen Filtern können Sie große Bereiche mit abstraktem Design erstellen, durch die Farbinseln hindurchscheinen - Teile des menschlichen Körpers.
Meine Bilder verändern den modernen Blick auf die bereits etablierten, traditionellen Posen und Gesten badender Frauen. Sie könnten einem aufmerksamen Betrachter viel erzählen über scheinbar selbstverständliche Dinge wie die Vorteile des Schwimmens, Tanzens und so weiter. Meine Figuren werden gegen das Glas des Duschkabinenfensters gedrückt, verzerren ihren eigenen Körper und erkennen, dass sie damit den berüchtigten männlichen Blick einer nackten Frau beeinflussen. Dicke Farbschichten werden vermischt, um Glas, Dampf, Wasser und Fleisch aus der Ferne nachzuahmen. Aus der Nähe werden jedoch die erstaunlichen physikalischen Eigenschaften der Ölfarbe deutlich. Durch das Experimentieren mit Farb- und Farbschichten finde ich einen Moment, in dem abstrakte Striche zu etwas anderem werden.
Als ich anfing, den menschlichen Körper zu malen, war ich sofort fasziniert und sogar besessen davon und glaubte, meine Bilder so realistisch wie möglich gestalten zu müssen. Ich habe mich zum Realismus „bekannt“, bis er anfing, sich aufzulösen und Widersprüche in sich aufzudecken. Jetzt erkunde ich die Möglichkeiten und das Potenzial der Malweise, wo gegenständliche Malerei und Abstraktion aufeinandertreffen – wenn beide Stile gleichzeitig nebeneinander existieren können, werde ich das tun.“
Antonio Finelli
Italienischer Künstler - “ Zeitbeobachter”- Antonio Finelli wurde am 23. Februar 1985 geboren. Derzeit lebt und arbeitet er in Italien zwischen Rom und Campobasso. Seine Werke wurden in mehreren italienischen und ausländischen Galerien ausgestellt: Rom, Florenz, Novara, Genua, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, und sie befinden sich auch in privaten und öffentlichen Sammlungen.
Bleistiftzeichnungen" Zeitbeobachter„Antonio Finelli schickt uns auf eine ewige Reise durch die innere Welt der menschlichen Zeitlichkeit und die damit verbundene akribische Analyse dieser Welt, deren Hauptelement der Gang durch die Zeit und ihre Spuren auf der Haut sind.
Finelli malt Porträts von Menschen jeden Alters, Geschlechts und jeder Nationalität, deren Mimik vom Lauf der Zeit zeugt, auch auf den Körpern seiner Figuren hofft der Künstler, Beweise für die Gnadenlosigkeit der Zeit zu finden. Antonio definiert seine Arbeiten durch einen allgemeinen Titel: „Selbstporträt“, denn in seinen Bleistiftzeichnungen stellt er nicht nur eine Person dar, sondern lässt den Betrachter die realen Ergebnisse des Laufs der Zeit im Inneren einer Person betrachten.
Flaminia carloni
Flaminia Carloni ist eine 37-jährige italienische Künstlerin, die Tochter eines Diplomaten. Sie hat drei Kinder. Sie lebte zwölf Jahre in Rom, drei Jahre in England und Frankreich. Abschluss in Kunstgeschichte an der BD School of Art. Anschließend erhielt sie ein Diplom als Restauratorin von Kunstwerken. Bevor sie ihre Berufung fand und sich ganz der Malerei widmete, arbeitete sie als Journalistin, Koloristin, Designerin und Schauspielerin.
Flaminia entwickelte schon als Kind eine Leidenschaft für das Malen. Ihr Hauptmedium ist Öl, weil sie „coiffer la pate“ liebt und auch mit dem Material spielt. Eine ähnliche Technik erlernte sie in den Werken des Künstlers Pascal Torua. Flaminia ist inspiriert von großen Malern wie Balthus, Hopper und François Legrand sowie verschiedenen künstlerischen Bewegungen: Street Art, chinesischer Realismus, Surrealismus und Renaissance-Realismus. Ihr Lieblingskünstler ist Caravaggio. Ihr Traum ist es, die therapeutische Kraft der Kunst zu entdecken.
Denis Chernov
Denis Chernov ist ein talentierter ukrainischer Künstler, geboren 1978 in Sambir, Region Lviv, Ukraine. Nach seinem Abschluss an der Kharkov Art School im Jahr 1998 blieb er in Kharkov, wo er derzeit lebt und arbeitet. Er studierte auch an der Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphics, die er 2004 abschloss.
Er nimmt regelmäßig an Kunstausstellungen teil, derzeit sind es über sechzig, sowohl in der Ukraine als auch im Ausland. Die meisten Werke von Denis Chernov befinden sich in Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Italien, England, Spanien, Griechenland, Frankreich, USA, Kanada und Japan. Einige der Werke wurden an Christie's verkauft.
Denis arbeitet in einem breiten Spektrum grafischer und malerischer Techniken. Bleistiftzeichnungen gehören zu seinen bevorzugten Malmethoden, auch die Themenpalette seiner Bleistiftzeichnungen ist sehr vielfältig, er schreibt Landschaften, Porträts, Akte, Genrekompositionen, Buchillustrationen, literarische und historische Rekonstruktionen und Fantasien.
Heute hat die moderne Malerei eine unglaubliche Popularität erlangt, so dass sie nicht nur für ihre Tendenz bekannt wurde, Grenzen zu erweitern und neue Ausdrucksmittel zu erkunden, sondern in den letzten Jahren auch für Rekordverkäufe auf dem Markt für zeitgenössische Kunst bekannt wurde. Darüber hinaus sind Künstler aus fast der ganzen Welt, von Amerika bis Asien, erfolgreich. Als nächstes erfahren Sie, wessen Namen das beste zeitgenössische Gemälde der Welt repräsentieren, wer er ist, der teuerste zeitgenössische Künstler und wer diesen Titel knapp verfehlt hat.
Die teuersten zeitgenössischen Künstler
Unter den unzähligen Namen, die die moderne Malerei hat, genießen nur die Gemälde bestimmter Künstler außergewöhnlichen Erfolg. Unter ihnen befanden sich die teuersten Gemälde im Besitz des berühmten Neo-Expressionisten und Graffiti-Künstlers Jean-Michel Basquiat, der jedoch im Alter von 27 Jahren starb. In unserer Liste sehen Sie nur die ersten sieben dieser wohlhabenden Künstler, die heute noch leben.
Bryce Marden
Die Werke des amerikanischen Autors sind eher schwer einzuordnen und einer einzigen Kunstrichtung zuzuordnen, obwohl er oft als Vertreter des Minimalismus oder des Abstraktionismus bezeichnet wird. Aber im Gegensatz zu Künstlern dieser Stilrichtungen, deren Gemälde angeblich nie berührt wurden, behält die moderne Malerei von Marden Spachtelstriche und andere Spuren seiner Arbeit. Einer von denen, die seine Arbeit beeinflusst haben, ist ein anderer zeitgenössischer Künstler Jasper Johns, dessen Namen Sie später sehen werden.
Zeng Fanzhi
Dieser zeitgenössische Künstler ist heute eine der Hauptfiguren der chinesischen Kunstszene. Es war sein Werk mit dem Titel "Das letzte Abendmahl", das auf dem berühmten Werk von Leonardo da Vinci basiert, das für 23,3 Millionen US-Dollar verkauft wurde und zum teuersten Gemälde wurde, das die zeitgenössische asiatische Malerei vorweisen kann. Berühmt sind auch die Werke des Künstlers "Selbstporträt", das Triptychon "Krankenhaus" und Gemälde aus der Serie "Masken".
In den 90er Jahren änderte sich der Stil seiner Malerei oft und verließ schließlich den Expressionismus zugunsten des Symbolismus.
Peter Doig
Peter Doig ist ein international renommierter schottischer zeitgenössischer Künstler, dessen Werk das Thema des magischen Realismus durchdringt. Viele seiner Werke neigen dazu, den Betrachter zu desorientieren, auch wenn sie erkennbare Bilder wie Figuren, Bäume und Gebäude darstellen.
Im Jahr 2015 gelang es seinem Gemälde "Swamped", den Rekord zu brechen und den Titel des teuersten Gemäldes zeitgenössischer Künstler aus Schottland zu erhalten, das für 25,9 Millionen versteigert wurde. Beliebte und Doigs Leinwände "Haus eines Architekten in der Mulde", "Weißes Kanu", "Reflektion", "Roadside Diner" und andere.
Christopher Wolle
Der zeitgenössische Künstler Christopher Wool erforscht in seiner Arbeit verschiedene postkonzeptuelle Ideen. Die bekanntesten zeitgenössischen Gemälde des Künstlers sind Blockinschriften in Schwarz auf weißer Leinwand.
Solche Gemälde zeitgenössischer Künstler verursachen viel Kontroverse und Unzufriedenheit unter Anhängern der traditionellen Malerei, aber auf die eine oder andere Weise brachte ihm eines von Wools Werken - "Apocalypse" - 26 Millionen Dollar ein. Wool denkt lange nicht über die Titel der Bilder nach, sondern nennt sie entsprechend der Inschriften: "Blauer Narr", "Trouble" etc.
Jasper Johns
Der zeitgenössische Künstler Jasper Johns ist bekannt für seine rebellische Haltung gegenüber dem Abstrakten Expressionismus, der zu Beginn seiner Karriere die Malerei dominierte. Darüber hinaus erstellt er teure Leinwände mit Flaggen, Nummernschildern, Nummern und anderen bekannten Symbolen, die bereits eine klare Bedeutung haben und nicht gelöst werden müssen.
Zu den teuersten Gemälden zeitgenössischer Künstler gehört übrigens das Werk der amerikanischen "Flag", das 2010 für 28 Millionen US-Dollar versteigert wurde. Sie können sich auch die Werke "Drei Fahnen", "Fehlstart", "Von 0 bis 9", "Ziel mit vier Gesichtern" und viele andere anschauen.
Gerhard Richter
Dieser zeitgenössische Künstler aus Deutschland studierte wie viele Maler zu Beginn seiner Reise realistische akademische Malerei, interessierte sich jedoch später für progressivere Kunst.
Im Werk des Autors sieht man den Einfluss vieler Kunstströmungen des 20 dass moderne Malerei Dynamik und Suche ist. Zu den Werken des Künstlers gehören "Land of Meadows", "Reading", "1024 Colours", "Wall" etc.
Jeff Koons
Und endlich ist er da - der teuerste zeitgenössische Künstler der Welt. Der Amerikaner Jeff Koons arbeitet im Neo-Pop-Stil und ist bekannt für seine eingängige, kitschige und trotzige Kreativität.
Er ist vor allem als Autor einer Vielzahl moderner Skulpturen bekannt, von denen einige in Versailles selbst ausgestellt wurden. Aber auch unter den Werken des Künstlers gibt es Gemälde, für die besondere Kenner bereit sind, Millionen von Dollar zu geben: "Liberty Bell", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" und andere.
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"Kartenspieler"
Autor
Paul Cézanne
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1839–1906
Stil Post-Impressionismus
Der Künstler wurde in Südfrankreich in der Kleinstadt Aix-en-Provence geboren, begann aber in Paris zu malen. Ein richtiger Erfolg gelang ihm nach einer vom Sammler Ambroise Vollard organisierten persönlichen Ausstellung. 1886, 20 Jahre vor seiner Abreise, zog er an den Rand seiner Heimatstadt. Die jungen Künstler nannten ihre Reisen zu ihm "eine Pilgerfahrt nach Aix".
130x97 cm
1895 Jahr
Preis
250 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2012
bei einer privaten Auktion
Cezannes Arbeit ist leicht zu verstehen. Die einzige Regel des Künstlers war die direkte Übertragung des Motivs oder der Handlung auf die Leinwand, damit seine Bilder den Betrachter nicht verunsichern. Cezanne kombinierte in seiner Kunst zwei französische Haupttraditionen: Klassizismus und Romantik. Mit Hilfe farbiger Texturen verlieh er der Form von Objekten eine erstaunliche Plastizität.
Eine Serie von fünf Gemälden "Die Kartenspieler" entstand in den Jahren 1890-1895. Ihre Handlung ist dieselbe - mehrere Leute spielen leidenschaftlich gerne Poker. Die Werke unterscheiden sich lediglich in der Anzahl der Spieler und der Größe der Leinwand.
Vier Gemälde werden in Museen in Europa und Amerika aufbewahrt (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation und Courtauld Institute of Art), und das fünfte war bis vor kurzem eine Zierde der Privatsammlung des griechischen Milliardärs-Reeders Georg Embirikos. Kurz vor seinem Tod, im Winter 2011, entschloss er sich, es zum Verkauf anzubieten. Der Kunsthändler William Aquavella und der weltbekannte Galerist Larry Gagosian wurden potenzielle Käufer von Cezannes "kostenloser" Arbeit und boten dafür etwa 220 Millionen US-Dollar an. In der Folge ging das Gemälde für 250 Millionen an die Königsfamilie des arabischen Staates Katar. Der größte Kunstdeal in der Geschichte der Malerei wurde im Februar 2012 abgeschlossen. Dies wurde in Vanity Fair von der Journalistin Alexandra Pearce berichtet. Sie fand die Kosten des Gemäldes und den Namen des neuen Besitzers heraus, und dann drangen die Informationen in die Medien auf der ganzen Welt ein.
2010 wurden in Katar das Arab Museum of Contemporary Art und das Qatar National Museum eröffnet. Jetzt werden ihre Sammlungen aufgefüllt. Vielleicht hat der Scheich zu diesem Zweck die fünfte Version von The Card Players erworben.
Am meistenteure Malereiin der Welt
Eigentümer
Scheich Hamad
bin Khalifa al-Thani
Die al-Thani-Dynastie regiert Katar seit über 130 Jahren. Vor etwa einem halben Jahrhundert wurden hier riesige Öl- und Gasvorkommen entdeckt, die Katar auf Anhieb zu einer der reichsten Regionen der Welt machten. Dank des Exports von Kohlenwasserstoffen hat dieses kleine Land das größte Pro-Kopf-BIP. Scheich Hamad bin Khalifa al-Thani ergriff 1995, während sein Vater in der Schweiz war, mit Unterstützung von Familienmitgliedern die Macht. Das Verdienst des jetzigen Herrschers liegt nach Ansicht von Experten in einer klaren Strategie für die Entwicklung des Landes, in der Schaffung eines erfolgreichen Staatsbildes. Katar hat jetzt eine Verfassung und einen Premierminister, und Frauen haben das Wahlrecht bei Parlamentswahlen errungen. Übrigens war es der Emir von Katar, der den Nachrichtensender Al-Jazeera gegründet hat. Die Behörden des arabischen Staates schenken der Kultur große Aufmerksamkeit.
2
"Nummer 5"
Autor
Jackson Pollock
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1912–1956
Stil Abstrakter Expressionismus
Jack Sprinkler - ein solcher Spitzname wurde Pollock von der amerikanischen Öffentlichkeit für eine spezielle Maltechnik gegeben. Der Künstler verzichtete auf Pinsel und Staffelei und goss Farbe über die Oberfläche der Leinwand oder Faserplatte, während er sich ständig um und in ihnen bewegte. Schon in jungen Jahren mochte er die Philosophie von Jiddu Krishnamurti, deren Hauptaussage ist, dass die Wahrheit während des freien „Ausgießens“ offenbart wird.
122x244 cm
1948 Jahr
Preis
140 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's
Der Wert von Pollocks Arbeit liegt nicht im Ergebnis, sondern im Prozess. Nicht umsonst nannte der Autor seine Kunst „Malerei der Aktion“. Mit seiner leichten Hand wurde es zu Amerikas wichtigstem Schatz. Jackson Pollock mischte Farbe mit Sand, Glasscherben und schrieb mit einem Stück Pappe, einem Spachtel, einem Messer und einer Schaufel. Der Künstler war so beliebt, dass in den 1950er Jahren sogar in der UdSSR Nachahmer gefunden wurden. Das Gemälde "Nummer 5" gilt als eines der seltsamsten und teuersten der Welt. Einer der Gründer der Firma DreamWorks, David Geffen, erwarb es für eine Privatsammlung und verkaufte es 2006 bei Sotheby`s für 140 Millionen Dollar an den mexikanischen Sammler David Martinez. Die Anwaltskanzlei veröffentlichte jedoch bald im Namen ihres Mandanten eine Pressemitteilung, in der es hieß, dass David Martinez nicht der Eigentümer des Gemäldes sei. Sicher ist nur eines: Der mexikanische Finanzier sammelt in der Tat seit kurzem Werke zeitgenössischer Kunst. Es ist unwahrscheinlich, dass er einen so "großen Fisch" wie "Nummer 5" Pollock verpasst hätte.
3
"Frau III"
Autor
Willem de Kooning
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1904–1997
Stil Abstrakter Expressionismus
Der gebürtige Niederländer wanderte 1926 in die USA aus. 1948 fand eine persönliche Ausstellung des Künstlers statt. Kunstkritiker schätzen die komplexen, nervösen Schwarz-Weiß-Kompositionen und erkennen den großen Künstler der Moderne in ihrem Autor. Die meiste Zeit seines Lebens litt er unter Alkoholismus, aber die Freude, neue Kunst zu schaffen, ist in jedem Werk zu spüren. De Kooning zeichnet sich durch die Impulsivität der Malerei aus, breite Striche, weshalb das Bild manchmal nicht in die Grenzen der Leinwand passt.
121x171 cm
1953 Jahr
Preis
137 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2006
bei einer privaten Auktion
In den 1950er Jahren zeigten de Koonings Gemälde Frauen mit leeren Augen, massiven Brüsten und hässlichen Gesichtszügen. Woman III ist der letzte Eintrag in der Serie, der versteigert wird.
Seit den 1970er Jahren wird das Gemälde im Teheraner Museum für Moderne Kunst aufbewahrt, aber nach der Einführung strenger moralischer Regeln im Land versuchte man, es loszuwerden. 1994 wurde das Werk aus dem Iran exportiert und 12 Jahre später schenkte sein Besitzer David Geffen (derselbe Produzent, der Jackson Pollocks Gemälde "Nummer 5" verkaufte) das Bild für 137,5 Millionen Dollar an den Millionär Stephen Cohen. Es ist interessant, dass Geffen in einem Jahr begann, seine Gemäldesammlung zu verkaufen. Dies führte zu vielen Gerüchten, zum Beispiel, dass sich der Produzent entschieden habe, die Zeitung Los Angeles Times zu kaufen.
In einem der Kunstforen wurde über die Ähnlichkeit von "Frau III" mit Leonardo da Vincis Gemälde "Dame mit Hermelin" geäußert. Hinter dem zähnefletschenden Lächeln und der unförmigen Gestalt der Heldin erkannte der Kenner der Malerei die Anmut einer Person von königlichem Blut. Davon zeugt auch die schlecht gezeichnete Krone, die den Kopf der Frau krönt.
4
"Porträt von AdeleBloch-Bauer I.
Autor
Gustav Klimt
Das Land Österreich
Lebensjahre 1862–1918
Stil modern
Gustav Klimt wurde in die Familie eines Kupferstechers hineingeboren und war das zweite von sieben Kindern. Die drei Söhne von Ernest Klimt wurden Künstler, und nur Gustav wurde weltberühmt. Die meiste Zeit seiner Kindheit verbrachte er in Armut. Nach dem Tod seines Vaters war er für die ganze Familie verantwortlich. In dieser Zeit entwickelt Klimt seinen Stil. Jeder Betrachter erstarrt vor seinen Gemälden: Unter dem dünnen Hauch von Gold ist offene Erotik deutlich zu erkennen.
138x136 cm
1907 Jahr
Preis
135 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's
Das Schicksal des Gemäldes, das als "Österreichische Mona Lisa" bezeichnet wird, könnte leicht die Grundlage für einen Bestseller werden. Die Arbeit des Künstlers wurde zum Konflikt zwischen dem ganzen Staat und einer älteren Dame.
So zeigt "Portrait of Adele Bloch-Bauer I" eine Aristokratin, die Frau von Ferdinand Bloch. Ihr letzter Wille war die Übergabe des Gemäldes an die Österreichische Staatsgalerie. Doch Bloch hat die Schenkung in seinem Testament abgesagt, und die Leinwand wurde von den Nazis enteignet. Später kaufte die Galerie kaum noch die Goldene Adele, doch dann tauchte die Erbin auf - Maria Altman, die Nichte von Ferdinand Bloch.
2005 begann der hochkarätige Prozess „Maria Altman gegen die Republik Österreich“, in dessen Folge das Bild mit ihr nach Los Angeles „abreist“. Österreich hat beispiellose Maßnahmen ergriffen: Verhandlungen über Kredite liefen, die Bevölkerung spendete Geld, um das Porträt einzulösen. Das Gute hat das Böse nie besiegt: Altman hat den Preis auf 300 Millionen Dollar angehoben. Sie war zum Zeitpunkt des Prozesses 79 Jahre alt und ging als die Person in die Geschichte ein, die den Willen Bloch-Bauers zugunsten persönlicher Interessen geändert hat. Das Gemälde wurde von Ronald Lauder, Besitzer der New Gallery in New York, erworben, wo es bis heute aufbewahrt wird. Nicht für Österreich, Altman senkte den Preis für ihn auf 135 Millionen Dollar.
5
"Schrei"
Autor
Edward Munch
Das Land Norwegen
Lebensjahre 1863–1944
Stil Expressionismus
Das erste weltberühmt gewordene Gemälde Munchs - "Das kranke Mädchen" (liegt in fünf Exemplaren vor) - ist der Schwester des Künstlers gewidmet, die im Alter von 15 Jahren an Tuberkulose starb. Munch hat sich schon immer für das Thema Tod und Einsamkeit interessiert. In Deutschland löste seine schwere, manische Malerei sogar einen Skandal aus. Trotz der deprimierenden Handlung haben seine Bilder jedoch eine besondere Anziehungskraft. Nehmen Sie zum Beispiel "Schrei".
73,5x91 cm
1895 Jahr
Preis
119,992 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012 Jahr
auf der Auktion Sotheby's
Der vollständige Name des Gemäldes lautet Der Schrei der Natur. Das Gesicht einer Person oder eines Außerirdischen drückt Verzweiflung und Panik aus – die gleichen Emotionen erlebt der Betrachter beim Betrachten eines Bildes. Eines der Schlüsselwerke des Expressionismus warnt vor Themen, die in der Kunst des 20. Jahrhunderts akut geworden sind. Nach einer Version hat der Künstler es unter dem Einfluss einer psychischen Störung geschaffen, an der er sein ganzes Leben lang litt.
Das Gemälde wurde zweimal aus verschiedenen Museen gestohlen, aber zurückgegeben. Das durch den Diebstahl leicht beschädigte Scream wurde restauriert und war 2008 wieder im Munch Museum ausgestellt. Für Vertreter der Popkultur wurde die Arbeit zur Inspirationsquelle: Andy Warhol schuf eine Reihe seiner Print-Kopien, und die Maske aus dem Film "Scream" ist nach dem Bild und Konterfei des Helden des Bildes gestaltet.
Zu einem Thema schrieb Munch vier Versionen des Werks: die in einer Privatsammlung, in Pastellfarben. Der norwegische Milliardär Petter Olsen hat es am 2. Mai 2012 versteigert. Käufer war Leon Black, der die Rekordsumme für den "Scream" nicht bereut hat. Gründer von Apollo Advisors, L.P. und Lions-Berater, L.P. bekannt für seine Liebe zur Kunst. Black ist der Schirmherr des Dartmouth College, des Museum of Modern Art, des Lincoln Art Center und des Metropolitan Museum of Art. Es besitzt die größte Sammlung von Gemälden zeitgenössischer Künstler und klassischer Meister der vergangenen Jahrhunderte.
6
"Akt vor dem Hintergrund einer Büste und grünen Blättern"
Autor
Pablo Picasso
Das Land Spanien, Frankreich
Lebensjahre 1881–1973
Stil Kubismus
Von Geburt an ist er Spanier, aber von Geist und Wohnort her ein echter Franzose. Picasso eröffnete im Alter von 16 Jahren sein eigenes Kunstatelier in Barcelona. Dann ging er nach Paris und verbrachte dort die meiste Zeit seines Lebens. Deshalb gibt es in seinem Nachnamen eine doppelte Betonung. Der von Picasso erfundene Stil basiert auf der Verleugnung der Meinung, dass ein auf Leinwand abgebildetes Objekt nur aus einem Blickwinkel betrachtet werden kann.
130x162 cm
1932 Jahr
Preis
106,482 Millionen US-Dollar
ausverkauft im Jahr 2010
auf der Auktion Christies
Während seiner Arbeit in Rom lernte der Künstler die Tänzerin Olga Khokhlova kennen, die bald seine Frau wurde. Er beendete die Landstreicherei, zog mit ihr in eine luxuriöse Wohnung. Zu diesem Zeitpunkt hatte die Anerkennung einen Helden gefunden, aber die Ehe war zerstört. Eines der teuersten Gemälde der Welt entstand fast zufällig – aus großer Liebe, die wie immer bei Picasso nur von kurzer Dauer war. 1927 interessierte er sich für die junge Marie-Thérèse Walther (sie war 17 Jahre alt, er war 45). Ohne Wissen seiner Frau verließ er mit seiner Geliebten eine Stadt in der Nähe von Paris, wo er ein Porträt malte, das Marie-Therese nach dem Bild der Daphne darstellte. Die Leinwand wurde vom New Yorker Händler Paul Rosenberg erworben und 1951 an Sidney F. Brody verkauft. Die Ehepartner Brody zeigten der Welt das Bild nur einmal und nur, weil der Künstler 80 Jahre alt wurde. Nach dem Tod ihres Mannes versteigerte Mrs. Brody im März 2010 das Stück bei Christie’s House. In sechs Jahrzehnten ist der Preis mehr als 5.000 Mal gestiegen! Ein unbekannter Sammler kaufte es für 106,5 Millionen Dollar. 2011 fand in Großbritannien eine „One-Painting Exhibition“ statt, die zum zweiten Mal veröffentlicht wurde, der Name des Besitzers ist jedoch noch unbekannt.
7
"Acht Elvis"
Autor
Andy Warhole
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1928-1987
Stil
Pop-Art
„Sex und Partys sind die einzigen Orte, an denen man persönlich erscheinen muss“, sagte Andy Warhol, der legendäre Pop-Art-Künstler, Filmemacher und Mitbegründer des Interview-Magazins. Er arbeitete mit Vogue und Harper's Bazaar zusammen, entwarf Albumcover und entwarf Schuhe für I. Miller. In den 1960er Jahren tauchten Gemälde auf, die die Symbole Amerikas zeigten: Campbells Suppe und Coca-Cola, Presley und Monroe – was ihn zu einer Legende machte.
358x208 cm
1963 Jahr
Preis
100 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
bei einer privaten Auktion
Warhol's 60s - so hieß die Ära der Pop-Art in Amerika. 1962 arbeitete er in Manhattan im Fabrika-Studio, wo sich alle Bohemiens von New York versammelten. Seine prominenten Vertreter: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote und andere berühmte Persönlichkeiten der Welt. Gleichzeitig probierte Warhol die Siebdrucktechnik aus – die mehrfache Wiederholung eines Bildes. Diese Methode hat er bei der Kreation von "Eight Elvis" verwendet: Der Zuschauer scheint Bilder aus einem Film zu sehen, in dem der Star zum Leben erwacht. Es gibt alles, was die Künstlerin so liebte: ein Win-Win-Image in der Öffentlichkeit, silberne Farbe und eine Vorahnung des Todes als Hauptbotschaft.
Heute gibt es zwei Kunsthändler, die Warhols Werk auf dem Weltmarkt promoten: Larry Gagosian und Alberto Mughrabi. Der erste gab 2008 200 Millionen US-Dollar aus, um mehr als 15 von Warhols Werken zu erwerben. Der zweite kauft und verkauft seine Bilder wie Weihnachtskarten, nur teurer. Aber nicht sie, sondern ein bescheidener französischer Kunstberater Philippe Segalo half dem römischen Kunstkenner Annibale Berlingieri, Acht Elvis an einen unbekannten Käufer für einen Rekordbetrag für Warhol zu verkaufen - 100 Millionen Dollar.
8
"Orange,Rot Gelb"
Autor
Mark Rothko
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1903–1970
Stil Abstrakter Expressionismus
Einer der Schöpfer der Farbfeldmalerei wurde in Dvinsk, Russland (heute - Daugavpils, Lettland) in eine große Familie eines jüdischen Apothekers geboren. 1911 wanderten sie in die USA aus. Rothko studierte an der Kunstabteilung der Yale University, gewann ein Stipendium, aber antisemitische Gefühle zwangen ihn, das Studium abzubrechen. Trotz allem vergötterten Kunstkritiker den Künstler, und Museen verfolgten ihn sein ganzes Leben lang.
206x236 cm
1961 Jahr
Preis
86.882 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2012
auf der Auktion Christies
Rothkos erste künstlerische Experimente waren surrealistisch orientiert, doch im Laufe der Zeit vereinfachte er die Handlung zu Farbflecken und beraubte sie jeder Objektivität. Zuerst hatten sie helle Farbtöne, und in den 1960er Jahren wurden sie braun, lila und wurden bis zum Tod des Künstlers schwarz. Mark Rothko warnte davor, in seinen Bildern nach einer Bedeutung zu suchen. Der Autor wollte genau sagen, was er sagte: nur eine Farbe, die sich in der Luft auflöst, und sonst nichts. Er empfahl, die Werke aus einer Entfernung von 45 cm zu betrachten, damit der Betrachter wie ein Trichter farbig „gezeichnet“ wurde. Achtung: Zuschauen nach allen Regeln kann zur Wirkung von Meditation führen, dh allmählich das Bewusstsein der Unendlichkeit, vollständiges Eintauchen in sich selbst, Entspannung, Reinigung. Die Farbe in seinen Bildern lebt, atmet und hat eine starke emotionale Wirkung (man sagt, manchmal - heilend). Der Künstler erklärte: „Der Betrachter muss weinen, wenn er sie ansieht“, und solche Fälle gab es wirklich. Nach Rothkos Theorie erleben die Menschen in diesem Moment die gleiche spirituelle Erfahrung, die er bei der Arbeit an einem Gemälde gemacht hat. Wenn Sie es auf einer so subtilen Ebene verstanden haben, sollten Sie sich nicht wundern, dass Kritiker diese abstrakten Kunstwerke oft mit Ikonen vergleichen.
Die Arbeit "Orange, Red, Yellow" drückt die ganze Essenz von Mark Rothkos Malerei aus. Die Anschaffungskosten bei Christie's Auktion in New York betragen 35-45 Millionen Dollar. Ein unbekannter Käufer bot einen doppelt so hohen Preis an. Der Name des glücklichen Besitzers des Gemäldes wurde, wie so oft, nicht bekannt gegeben.
9
"Triptychon"
Autor
Francis Bacon
Das Land
Großbritannien
Lebensjahre 1909–1992
Stil Expressionismus
Die Abenteuer von Francis Bacon, einem vollen Namensvetter und zudem entfernter Nachkomme des großen Philosophen, begannen, als sein Vater ihn verleugnete, da er die homosexuellen Neigungen seines Sohnes nicht akzeptieren konnte. Bacon ging erst nach Berlin, dann nach Paris, und dann sind seine Spuren in ganz Europa verworren. Zu seinen Lebzeiten wurden seine Werke in führenden Kulturzentren der Welt ausgestellt, darunter das Guggenheim Museum und die Tretjakow-Galerie.
147,5x198 cm (jeweils)
1976 Jahr
Preis
86,2 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
Renommierte Museen versuchten, Bacons Gemälde zu besitzen, aber das englische Publikum hatte es nicht eilig, nach solchen Kunstwerken Ausschau zu halten. Die legendäre britische Premierministerin Margaret Thatcher sagte über ihn: "Die Person, die diese schrecklichen Bilder malt."
Der Künstler selbst betrachtete die Nachkriegszeit als Ausgangspunkt seines Schaffens. Nach seiner Rückkehr aus dem Dienst nahm er wieder die Malerei auf und schuf die wichtigsten Meisterwerke. Vor der Teilnahme von "Triptychon, 1976" an der Auktion war die teuerste Arbeit von Bacon "Studie für ein Porträt von Papst Innozenz X" (52,7 Millionen Dollar). In "Triptychon, 1976" hat der Künstler die mythische Handlung der Verfolgung von Orest durch die Furien dargestellt. Natürlich ist Orestes Bacon selbst, und die Furien sind seine Qualen. Das Gemälde befand sich über 30 Jahre in einer Privatsammlung und nahm nicht an Ausstellungen teil. Dieser Umstand verleiht ihm einen besonderen Wert und steigert dementsprechend seinen Wert. Aber was sind ein paar Millionen für einen Kunstkenner, und auf Russisch sogar großzügig? Roman Abramovich begann seine Sammlung in den 1990er Jahren aufzubauen, dabei wurde er maßgeblich von seinem Freund Dasha Zhukova beeinflusst, der im modernen Russland zu einem modischen Galeristen wurde. Inoffiziellen Angaben zufolge besitzt der Geschäftsmann Werke von Alberto Giacometti und Pablo Picasso, die für Beträge von über 100 Millionen Dollar gekauft wurden. 2008 gewann er das Triptychon. 2011 wurde übrigens ein weiteres wertvolles Werk von Bacon erworben - "Drei Skizzen für ein Porträt von Lucian Freud". Versteckte Quellen sagen, dass Roman Arkadievich erneut der Käufer wurde.
10
"Teich mit Seerosen"
Autor
Claude Monet
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1840–1926
Stil Impressionismus
Der Künstler gilt als Vorfahr des Impressionismus, der diese Methode in seinen Leinwänden "patentiert" hat. Das erste bedeutende Werk war das Gemälde "Frühstück im Gras" (Originalversion des Werkes von Edouard Manet). In seiner Jugend zeichnete er Cartoons und nahm auf seinen Reisen entlang der Küste und im Freien echte Malerei auf. In Paris führte er einen böhmischen Lebensstil und gab ihn auch nach seinem Militärdienst nicht auf.
210x100 cm
1919 Jahr
Preis
80,5 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Christies
Abgesehen davon, dass Monet ein großartiger Künstler war, beschäftigte er sich auch mit Begeisterung mit der Gartenarbeit, liebte Wildtiere und Blumen. In seinen Landschaften ist der Zustand der Natur augenblicklich, Objekte scheinen durch Luftbewegungen verwischt. Der Eindruck wird durch große Striche verstärkt, ab einer gewissen Entfernung werden sie unsichtbar und verschmelzen zu einem strukturierten, dreidimensionalen Bild. In der Malerei des späten Monet nimmt das Thema Wasser und das Leben darin einen besonderen Platz ein. In Giverny hatte der Künstler einen eigenen Teich, in dem er Seerosen aus eigens von ihm aus Japan mitgebrachten Samen züchtete. Als ihre Blumen blühten, begann er zu malen. Die Serie "Seerosen" besteht aus 60 Werken, die der Künstler fast 30 Jahre lang bis zu seinem Tod gemalt hat. Sein Sehvermögen verschlechterte sich mit zunehmendem Alter, aber er hörte nicht auf. Je nach Wind, Jahreszeit und Wetter veränderte sich der Blick auf den Teich ständig und Monet wollte diese Veränderungen festhalten. Durch sorgfältige Arbeit kam ihm ein Verständnis für das Wesen der Natur. Einige der Gemälde der Serie werden in führenden Galerien der Welt aufbewahrt: National Museum of Western Art (Tokio), Orangerie (Paris). Die Version des nächsten "Teichs mit Seerosen" ging für eine Rekordsumme in die Hände eines unbekannten Käufers.
11
Falscher Stern T
Autor
Jasper Johns
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Geburtsjahr 1930
Stil Pop-Art
1949 trat Jones in eine Designschule in New York ein. Zusammen mit Jackson Pollock, Willem de Kooning und anderen gilt er als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts. 2012 erhielt er die Presidential Medal of Freedom, die höchste zivile Auszeichnung der USA.
137,2x170,8 cm
1959 Jahr
Preis
80 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2006
bei einer privaten Auktion
Wie Marcel Duchamp arbeitete Jones mit realen Objekten, stellte sie auf Leinwand und in Skulptur dar, ganz nach dem Original. Für seine Arbeit verwendete er einfache und für jeden verständliche Gegenstände: eine Bierflasche, eine Flagge oder Landkarten. Es gibt keine klare Komposition in dem Falscher Start-Gemälde. Der Künstler scheint mit dem Betrachter zu spielen, oft "falsch" Farben im Bild zu signieren, den Farbbegriff selbst umzukehren: "Ich wollte einen Weg finden, Farbe darzustellen, damit sie auf andere Weise bestimmt werden kann." Sein explosivstes und "unsicherstes", laut Kritikern, wurde das Gemälde von einem unbekannten Käufer erworben.
12
"Sitzendnacktauf dem Sofa"
Autor
Amedeo Modigliani
Das Land Italien, Frankreich
Lebensjahre 1884–1920
Stil Expressionismus
Modigliani war seit seiner Kindheit oft krank, während eines fieberhaften Deliriums erkannte er sein Schicksal als Künstler. Er studierte Zeichnen in Livorno, Florenz, Venedig und ging 1906 nach Paris, wo seine Kunst aufblühte.
65x100 cm
1917 Jahr
Preis
68,962 Millionen US-Dollar
ausverkauft im Jahr 2010
auf der Auktion Sotheby's
1917 lernt Modigliani die 19-jährige Jeanne Hébuterne kennen, die sein Modell und später seine Frau wird. 2004 wurde eines ihrer Porträts für 31,3 Millionen US-Dollar verkauft, der jüngste Rekord für Sitting Nude on the Sofa im Jahr 2010. Das Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer zum momentanen Höchstpreis für Modigliani erworben. Der aktive Verkauf von Werken begann erst nach dem Tod des Künstlers. Er starb in Armut, erkrankt an Tuberkulose, und am nächsten Tag beging auch Jeanne Hébuterne, die im neunten Monat schwanger war, Selbstmord.
13
"Adler auf einer Kiefer"
Autor
Qi Baishi
Das Land China
Lebensjahre 1864–1957
Stil gohua
Ein Interesse an Kalligraphie führte Qi Baishi zur Malerei. Im Alter von 28 Jahren wurde er Schüler des Künstlers Hu Qingyuan. Er wurde vom chinesischen Kulturministerium mit dem Titel "Großer Künstler des chinesischen Volkes" ausgezeichnet und erhielt 1956 den Internationalen Friedenspreis.
10x26 cm
1946 Jahr
Preis
65,4 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2011
auf der Auktion China-Wächter
Qi Baishi interessierte sich für diese Manifestationen der Welt, denen viele keine Bedeutung beimessen, und das ist seine Größe. Ein Mensch ohne Bildung wurde ein Professor und ein herausragender Schöpfer der Geschichte. Pablo Picasso sagte über ihn: "Ich habe Angst, in Ihr Land zu gehen, weil es in China Qi Baishi gibt." Die Komposition "Eagle on a Pine" gilt als größtes Werk des Künstlers. Neben der Leinwand enthält es zwei hieroglyphische Schriftrollen. Für China stellt der Betrag, für den das Stück gekauft wurde, einen Rekord dar - 425,5 Millionen Yuan. Allein die Schriftrolle des antiken Kalligraphen Huang Tingjian wurde für 436,8 Millionen Dollar verkauft.
14
"1949-A-№1"
Autor
Clifford Still
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1904–1980
Stil Abstrakter Expressionismus
Im Alter von 20 Jahren besuchte er das Metropolitan Museum of Art in New York und wurde enttäuscht. Später schrieb ich mich in einen Kurs der studentischen Kunstliga ein, verließ ihn aber 45 Minuten nach Unterrichtsbeginn - es stellte sich heraus, "nicht für ihn". Die erste Einzelausstellung sorgte für Resonanz, der Künstler fand sich selbst und damit Anerkennung
79x93 cm
1949 Jahr
Preis
61,7 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
Alle seine Werke, die mehr als 800 Leinwände und 1600 Arbeiten auf Papier umfassen, werden nach wie vor der amerikanischen Stadt vermacht, wo ein nach ihm benanntes Museum eröffnet wird. Denver wurde zu einer solchen Stadt, aber nur der Bau kostete die Behörden viel Geld, und für seine Fertigstellung wurden vier Werke versteigert. Es ist unwahrscheinlich, dass Stills Werke jemals wieder versteigert werden, was ihren Preis im Voraus in die Höhe trieb. Das Gemälde "1949-A-No.1" wurde für den Künstler für einen Rekordwert verkauft, obwohl Experten den Verkauf für maximal 25-35 Millionen Dollar vorhersagten.
15
"Suprematistische Komposition"
Autor
Kasimir Malewitsch
Das Land Russland
Lebensjahre 1878–1935
Stil Suprematismus
Malewitsch studierte Malerei an der Kiewer Kunstschule, dann an der Moskauer Akademie der Künste. 1913 begann er abstrakte geometrische Gemälde in einem Stil zu malen, den er Suprematismus (von lateinisch "Herrschaft") nannte.
71x 88,5 cm
1916 Jahr
Preis
60 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
Im Stadtmuseum von Amsterdam wurde das Gemälde etwa 50 Jahre lang aufbewahrt, aber nach einem 17-jährigen Streit mit Malewitschs Verwandten verschenkte das Museum es. Der Künstler schrieb dieses Werk in einem Jahr mit dem „Manifesto of Suprematism“, so dass Sotheby`s schon vor der Auktion bekannt gab, dass es nicht für weniger als 60 Millionen Dollar in eine Privatsammlung gehen werde. Und so geschah es. Es ist besser, es von oben zu betrachten: Die Figuren auf der Leinwand gleichen einem Blick auf die Erde aus der Luft. Einige Jahre zuvor enteigneten dieselben Verwandten übrigens eine weitere "Suprematist Composition" aus dem MoMA-Museum, um sie bei der Phillips-Auktion für 17 Millionen Dollar zu verkaufen.
16
"Badegäste"
Autor
Paul Gauguin
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1848–1903
Stil Post-Impressionismus
Bis zu seinem siebenten Lebensjahr lebte der Künstler in Peru, kehrte dann mit seiner Familie nach Frankreich zurück, aber Kindheitserinnerungen trieben ihn ständig zu Reisen. In Frankreich begann er mit Farben zu malen, war mit Van Gogh befreundet. Er verbrachte sogar mehrere Monate mit ihm in Arles, bis Van Gogh ihm während eines Streits das Ohr abschlug.
93,4x60,4 cm
1902 Jahr
Preis
55 Millionen US-Dollar
ausverkauft im Jahr 2005
auf der Auktion Sotheby's
1891 arrangierte Gauguin einen Verkauf seiner Gemälde, um mit dem Erlös ins Landesinnere der Insel Tahiti zu gelangen. Dort schuf er Werke, in denen eine subtile Verbindung zwischen Natur und Mensch spürbar wird. Gauguin lebte in einer strohgedeckten Hütte, und auf seinen Leinwänden erblühte ein tropisches Paradies. Seine Frau war die 13-jährige Tahitierin Tehura, was den Künstler nicht daran hinderte, promiskuitive Beziehungen einzugehen. An Syphilis erkrankt, reiste er nach Frankreich ab. Gauguin war dort jedoch beengt und kehrte nach Tahiti zurück. Diese Zeit wird "der zweite Tahitier" genannt - damals wurde das Gemälde "Badegäste" gemalt, eines der luxuriösesten in seinem Werk.
17
"Narzissen und eine Tischdecke in Blau- und Rosatönen"
Autor
Henri Matisse
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1869–1954
Stil Fauvismus
1889 erlitt Henri Matisse eine Blinddarmentzündung. Als er sich von der Operation erholte, kaufte ihm seine Mutter Farben. Zuerst kopierte Matisse aus Langeweile Farbpostkarten, dann - die Werke großer Maler, die er im Louvre sah, und zu Beginn des 20. Jahrhunderts erfand er einen Stil - den Fauvismus.
65,2x81 cm
1911 Jahr
Preis
46,4 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2009
auf der Auktion Christies
Das Gemälde "Narzissen und eine Tischdecke in Blau und Rosa" gehörte lange Zeit Yves Saint Laurent. Nach dem Tod des Couturiers ging seine gesamte Kunstsammlung in die Hände seines Freundes und Liebhabers Pierre Berger über, der sich entschloss, sie bei Christie’s zu versteigern. Die Perle der verkauften Kollektion war das Gemälde "Narzissen und eine Tischdecke in Blau- und Rosatönen", gemalt auf einer gewöhnlichen Tischdecke statt auf Leinwand. Als Beispiel für den Fauvismus ist es von der Energie der Farbe erfüllt, die Farben scheinen zu explodieren und zu schreien. Aus der berühmten Serie von auf Tischdecken gemalten Gemälden befindet sich dieses Werk heute als einziges in einer Privatsammlung.
18
"Schlafendes Mädchen"
Autor
RoyLee
htenstein
Das Land Vereinigte Staaten von Amerika
Lebensjahre 1923–1997
Stil Pop-Art
Der Künstler wurde in New York geboren und ging nach dem Abitur nach Ohio, wo er Kunstkurse belegte. Liechtenstein erhielt 1949 seinen Master of Fine Arts. Sein Interesse an Comics und seine Fähigkeit zur Ironie machten ihn zu einem Kultkünstler des letzten Jahrhunderts.
91x91 cm
1964 Jahr
Preis
44.882 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's
Eines Tages fiel Liechtenstein Kaugummi in die Hände. Er zeichnete das Bild vom Einleger auf die Leinwand und wurde berühmt. Diese Geschichte aus seiner Biografie enthält die ganze Botschaft der Pop-Art: Konsum ist ein neuer Gott, und in der Kaugummihülle steckt nicht weniger Schönheit als in der Mona Lisa. Seine Bilder ähneln Comics und Cartoons: Liechtenstein vergrößerte einfach das fertige Bild, malte Raster, verwendete Siebdruck und Siebdruck. Das Gemälde "Das schlafende Mädchen" gehörte fast 50 Jahre lang den Sammlern Beatrice und Philippe Gersh, deren Erben es versteigerten.
19
"Sieg. Boogie Woogie"
Autor
Pete Mondrian
Das Land Niederlande
Lebensjahre 1872–1944
Stil Neoplastizität
Der Künstler änderte seinen richtigen Namen - Cornelis - in Mondrian, als er 1912 nach Paris zog. Zusammen mit dem Künstler Theo van Doosburg begründete er die Bewegung "Neoplastik". Die Programmiersprache Piet ist nach Mondrian benannt.
27x127 cm
1944 Jahr
Preis
40 Millionen US-Dollar
ausverkauft In 1998
auf der Auktion Sotheby's
Der "musikalischste" Künstler des 20. Jahrhunderts verdiente seinen Lebensunterhalt mit Aquarellstillleben, obwohl er als neoplastischer Künstler berühmt wurde. In den 1940er Jahren zog er in die USA und verbrachte dort den Rest seines Lebens. Jazz und New York haben ihn am meisten inspiriert! Gemälde „Sieg. Boogie Woogie ist das beste Beispiel dafür. Die "signaturen" sauberen Quadrate wurden durch die Verwendung von Klebeband, Mondrians Lieblingsmaterial, erhalten. In Amerika wurde er "der berühmteste Einwanderer" genannt. In den sechziger Jahren brachte Yves Saint Laurent die weltberühmten Mondrian-Kleider mit einem Print in einem großen farbigen Käfig heraus.
20
"Komposition Nr. 5"
Autor
BasilikumKandinsky
Das Land Russland
Lebensjahre 1866–1944
Stil Avantgarde
Der Künstler wurde in Moskau geboren, sein Vater stammte aus Sibirien. Nach der Revolution versuchte er, mit der Sowjetregierung zusammenzuarbeiten, merkte aber bald, dass die Gesetze des Proletariats nicht für ihn geschaffen waren und wanderte nicht ohne Schwierigkeiten nach Deutschland aus.
275x190 cm
1911 Jahr
Preis
40 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2007
auf der Auktion Sotheby's
Kandinsky war einer der ersten, der die Objektmalerei vollständig aufgab, für die er den Titel eines Genies erhielt. Während des Nationalsozialismus in Deutschland wurden seine Gemälde als "entartete Kunst" eingestuft und nirgendwo ausgestellt. 1939 nahm Kandinsky die französische Staatsbürgerschaft an, in Paris nahm er frei am künstlerischen Prozess teil. Seine Gemälde "klingen" wie Fugen, so viele wurden "Kompositionen" genannt (das erste wurde 1910 geschrieben, das letzte 1939). „Komposition Nr. 5“ ist eines der Schlüsselwerke dieses Genres: „Das Wort „Komposition“ klang für mich wie ein Gebet“, so die Künstlerin. Anders als viele Anhänger plante er, was er auf einer riesigen Leinwand darstellen würde, als würde er Noten schreiben.
21
"Studie einer Frau in Blau"
Autor
Fernand Leger
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1881–1955
Stil Kubismus-Post-Impressionismus
Leger erhielt eine Architekturausbildung und besuchte anschließend die École des Beaux-Arts in Paris. Der Künstler versteht sich als Anhänger Cezannes, gilt als Apologet des Kubismus und ist im 20. Jahrhundert auch als Bildhauer erfolgreich.
96,5x129,5 cm
1912-1913 Jahr
Preis
39,2 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
David Normann, Präsident des International Department of Impressionism and Modernism bei Sotheby's, hält die hohe Summe, die für "The Lady in Blue" gezahlt wurde, für völlig gerechtfertigt. Das Gemälde gehört zur berühmten Sammlung von Leger (der Künstler malte drei Gemälde zu einem Thema, das letzte davon befindet sich heute in Privatbesitz. - Hrsg.), und die Oberfläche der Leinwand ist in ihrer ursprünglichen Form erhalten. Der Autor selbst schenkte dieses Werk der Galerie Der Sturm, dann gelangte es in die Sammlung von Hermann Lang, einem deutschen Sammler der Moderne, und gehört heute einem unbekannten Käufer.
22
„Straßenszene. Berlin"
Autor
Ernst LudwigKirchner
Das Land Deutschland
Lebensjahre 1880–1938
Stil Expressionismus
Für den deutschen Expressionismus ist Kirchner zu einer Ikone geworden. Die örtlichen Behörden warfen ihm jedoch das Festhalten an der "entarteten Kunst" vor, was das Schicksal seiner Gemälde und das Leben des Künstlers, der 1938 Selbstmord beging, tragisch beeinflusste.
95x121 cm
1913 Jahr
Preis
38.096 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2006
auf der Auktion Christies
Nach seinem Umzug nach Berlin fertigte Kirchner 11 Skizzen von Straßenszenen an. Inspiriert wurde er von der Hektik und Nervosität der Großstadt. 2006 in New York verkauft, ist die Angst der Künstlerin besonders akut: Menschen auf einer Berliner Straße gleichen Vögeln – anmutig und gefährlich. Es war das letzte versteigerte Werk aus der berühmten Serie, der Rest wird in Museen aufbewahrt. 1937 wurde Kirchner von den Nazis brutal behandelt: 639 seiner Werke wurden aus deutschen Galerien entfernt, vernichtet oder ins Ausland verkauft. Das konnte der Künstler nicht überleben.
23
"AusruhenTänzer"
Autor
Edgar Degas
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1834–1917
Stil Impressionismus
Degas' Künstlergeschichte begann mit seiner Tätigkeit als Kopist im Louvre. Er träumte davon, "berühmt und unbekannt" zu werden, und es gelang ihm schließlich. Am Ende seines Lebens, taub und blind, besuchte der 80-jährige Degas weiterhin Ausstellungen und Auktionen.
64x59 cm
1879 Jahr
Preis
37.043 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
„Ballerinas waren für mich immer nur eine Ausrede, um Stoffe darzustellen und Bewegungen einzufangen“, sagt Degas. Die Szenen aus dem Leben der Tänzer wirken wie ausspioniert: Die Mädchen posieren nicht für die Künstlerin, sondern werden einfach Teil der Atmosphäre, die von Degas Blick gefangen wird. Der Resting Dancer wurde 1999 für 28 Millionen US-Dollar verkauft, weniger als 10 Jahre später für 37 Millionen US-Dollar gekauft – heute ist es das teuerste Werk eines Künstlers, das jemals versteigert wurde. Degas schenkte Rahmen viel Aufmerksamkeit, entwarf sie selbst und verbot sie zu ändern. Ich frage mich, welcher Rahmen auf dem verkauften Gemälde installiert ist?
24
"Gemälde"
Autor
Juan Miro
Das Land Spanien
Lebensjahre 1893–1983
Stil abstrakte Kunst
Während des Spanischen Bürgerkriegs stand der Künstler auf der Seite der Republikaner. 1937 floh er vor dem faschistischen Regime nach Paris, wo er mit seiner Familie in Armut lebte. In dieser Zeit malt Miro das Bild "Hilfe Spanien!" und macht die ganze Welt auf die Dominanz des Faschismus aufmerksam.
89x115 cm
1927 Jahr
Preis
36.824 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's
Der zweite Name des Gemäldes ist "Blue Star". Der Künstler schrieb es im selben Jahr, als er verkündete: "Ich will die Malerei töten" und die Leinwände gnadenlos verspotteten, die Farbe mit Nägeln zerkratzten, Federn auf die Leinwand klebten und das Werk mit Müll bedeckten. Sein Ziel war es, die Mythen über das Geheimnis der Malerei zu entlarven, aber nachdem er damit fertig geworden war, schuf Miro seinen eigenen Mythos - eine surreale Abstraktion. Seine "Malerei" gehört zum Zyklus der "Traumbilder". Bei der Auktion kämpften vier Käufer darum, doch ein Inkognito-Anruf löste den Streit und "Malerei" wurde zum teuersten Gemälde des Künstlers.
25
"Blaue Rose"
Autor
Yves Klein
Das Land Frankreich
Lebensjahre 1928–1962
Stil monochrome Malerei
Der Künstler wurde in eine Malerfamilie hineingeboren, studierte aber orientalische Sprachen, Segeln, das Handwerk des Rahmenvergolders, Zen-Buddhismus und vieles mehr. Seine Persönlichkeit und seine frechen Possen waren um ein Vielfaches interessanter als monochrome Gemälde.
153x199x16 cm
1960 Jahr
Preis
36.779 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2012
bei Christie's Auktion
Die erste Ausstellung von einfarbigen Werken in Gelb, Orange und Pink erregte kein öffentliches Interesse. Klein nahm Anstoß und präsentierte beim nächsten Mal 11 identische Leinwände, gefärbt mit Ultramarin gemischt mit einem speziellen Kunstharz. Er hat sich diese Methode sogar patentieren lassen. Die Farbe ging als „Kleins internationales Blau“ in die Geschichte ein. Der Künstler verkaufte auch Leere, schuf Gemälde, ersetzte Papier im Regen, steckte Karton in Brand, druckte einen menschlichen Körper auf Leinwand. Mit einem Wort, er experimentierte so gut er konnte. Für die "Blaue Rose" habe ich Trockenpigmente, Harze, Kieselsteine und Naturschwamm verwendet.
26
„Auf der Suche nach Mose“
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Das Land Großbritannien
Lebensjahre 1836–1912
Stil Neoklassizismus
Sir Lawrence fügte seinem Nachnamen selbst das Präfix "alma" hinzu, um in Kunstkatalogen zuerst zu erscheinen. Im viktorianischen England waren seine Gemälde so gefragt, dass dem Künstler der Ritterschlag verliehen wurde.
213,4x136,7 cm
1902 Jahr
Preis
35.922 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
Das Hauptthema von Alma-Tademas Werk war die Antike. In den Gemälden versuchte er, die Epoche des Römischen Reiches bis ins kleinste Detail darzustellen, dafür war er sogar an archäologischen Ausgrabungen auf der Apenninenhalbinsel beteiligt und reproduzierte in seinem Londoner Haus die historische Innenausstattung dieser Jahre. Mythologische Verschwörungen wurden für ihn zu einer weiteren Inspirationsquelle. Der Künstler war zu Lebzeiten sehr gefragt, doch nach seinem Tod geriet er schnell in Vergessenheit. Jetzt erwacht das Interesse wieder, wie der Preis für das Gemälde "Auf der Suche nach Moses" zeigt, der siebenmal höher ist als der Vorverkaufspreis.
27
"Porträt eines schlafenden nackten Beamten"
Autor
Lucian Freud
Das Land Deutschland,
Großbritannien
Lebensjahre 1922–2011
Stil figurative Malerei
Der Künstler ist der Enkel von Sigmund Freud, dem Vater der Psychoanalyse. Nach der Etablierung des Faschismus in Deutschland wanderte seine Familie nach Großbritannien aus. Freuds Werke befinden sich in der Wallace Collection in London, wo bisher noch kein zeitgenössischer Künstler ausgestellt hat.
219,1x151,4 cm
1995 Jahr
Preis
33,6 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2008
auf der Auktion Christies
Während modische Künstler des 20. Jahrhunderts positive „Farbflecken an der Wand“ schufen und millionenfach verkauften, malte Freud extrem naturalistische Gemälde und verkaufte sie noch teurer. „Ich fange die Schreie der Seele und das Leiden des verblassenden Fleisches ein“, sagte er. Kritiker glauben, dass dies alles das "Erbe" von Sigmund Freud ist. Die Bilder wurden so aktiv ausgestellt und erfolgreich verkauft, dass die Experten Zweifel hatten: Haben sie hypnotische Eigenschaften? Auf einer Auktion verkauft "Portrait of a Sleeping Naked Official", laut der Veröffentlichung Sun, wurde von dem Schönheitskenner und Milliardär Roman Abramovich erworben.
28
"Violine und Gitarre"
Autor
xeiner grimmt
Das Land Spanien
Lebensjahre 1887–1927
Stil Kubismus
Geboren in Madrid, wo er die Kunstgewerbeschule absolvierte. 1906 zog er nach Paris und trat in den Kreis der einflussreichsten Künstler der Epoche ein: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, arbeiteten auch mit Sergej Diaghilew und seiner Truppe zusammen.
5x100 cm
1913 Jahr
Preis
28,642 Millionen US-Dollar
ausverkauft im Jahr 2010
auf der Auktion Christies
Gris beschäftigte sich nach seinen eigenen Worten mit "flacher, farbiger Architektur". Seine Bilder sind genau durchdacht: Er hat keinen einzigen zufälligen Pinselstrich hinterlassen, was die Kreativität der Geometrie ähnelt. Der Künstler schuf seine eigene Version des Kubismus, obwohl er Pablo Picasso, den Gründervater der Richtung, sehr schätzte. Der Nachfolger widmete ihm sogar sein erstes Werk im Stil des Kubismus "Tribute to Picasso". Das Gemälde "Violine und Gitarre" wird als herausragendes Werk des Künstlers anerkannt. Gris war zu Lebzeiten berühmt und wurde von Kritikern und Kunstkritikern freundlich behandelt. Seine Werke werden in den größten Museen der Welt ausgestellt und befinden sich in Privatsammlungen.
29
"PorträtFelder Eluard "
Autor
Salvador Dali
Das Land Spanien
Lebensjahre 1904–1989
Stil Surrealismus
„Surrealismus bin ich“, sagte Dali, als er aus der surrealistischen Gruppe ausgeschlossen wurde. Im Laufe der Zeit wurde er der berühmteste surrealistische Maler. Dalis Arbeiten sind überall, nicht nur in Galerien. Er war es beispielsweise, der die Verpackung für Chupa-Chups erfunden hat.
25x33 cm
1929 Jahr
Preis
20,6 Millionen US-Dollar
ausverkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
1929 besuchten der Dichter Paul Eluard und seine russische Frau Gala den großen Provokateur und Schläger Dali. Das Treffen war der Beginn einer Liebesgeschichte, die mehr als ein halbes Jahrhundert dauerte. Das Gemälde "Portrait of Paul Eluard" wurde gerade während dieses historischen Besuchs gemalt. „Ich fühlte mich verpflichtet, das Gesicht des Dichters einzufangen, aus dessen Olymp ich eine der Musen entführt hatte“, sagt der Künstler. Bevor er Gala kennenlernte, war er noch Jungfrau und ekelte sich bei dem Gedanken, mit einer Frau Sex zu haben. Das Liebesdreieck existierte bis zum Tod von Eluard, danach wurde es ein Dali-Gala-Duett.
30
"Jubiläum"
Autor
Mark Shagal
Das Land Russland, Frankreich
Lebensjahre 1887–1985
Stil Avantgarde
Moishe Segal wurde in Witebsk geboren, emigrierte aber 1910 nach Paris, änderte seinen Namen, schloss sich den führenden Avantgarde-Künstlern seiner Zeit an. In den 1930er Jahren, als die Nazis die Macht übernahmen, ging er mit Hilfe des amerikanischen Konsuls in die Vereinigten Staaten. Erst 1948 kehrte er nach Frankreich zurück.
80x103 cm
1923 Jahr
Preis
14,85 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 1990
bei Sotheby's Auktion
Das Gemälde "Jubiläum" gilt als eines der besten Werke des Künstlers. Es enthält alle Merkmale seines Werkes: Die physikalischen Gesetze der Welt werden ausgelöscht, das Gefühl eines Märchens in der Szenerie eines spießigen Lebens wird bewahrt und die Liebe steht im Mittelpunkt der Handlung. Chagall zeichnete die Menschen nicht aus dem Leben, sondern nur aus der Erinnerung oder Phantasie. Das Gemälde "Jubiläum" zeigt den Künstler selbst mit seiner Frau Bela. Das Gemälde wurde 1990 verkauft und seitdem nicht mehr versteigert. Interessanterweise speichert das MoMA Museum of Modern Art in New York genau das gleiche, nur unter dem Namen "Birthday". Übrigens wurde es früher geschrieben - im Jahr 1915.
Entwurf vorbereitet
Tatiana Palasova
Bewertung zusammengestellt
laut Liste www.art-spb.ru
tmn Magazin Nr. 13
(Mai-Juni 2013)
Große internationale Auktionen beziehen zunehmend zeitgenössische russische Künstler in ihre Gebote für Nachkriegs- und Gegenwartskunst mit ein. Im Februar 2007 veranstaltete Sotheby’s die erste und geradezu sensationelle Spezialauktion für russische Gegenwartskunst, die 22 Auktionsrekorde einbrachte. "Artguide" hat sich entschieden, herauszufinden, welcher unserer zeitgenössischen Künstler die größten Summen auf internationalen Auktionen gesammelt hat, und entdeckte, nachdem er die Top 10 der teuersten lebenden russischen Künstler basierend auf den Ergebnissen der Auktionsverkäufe zusammengestellt hatte, einige kuriose Muster. Alle Verkaufspreise werden von Auktionshäusern angegeben und verstehen sich inklusive Aufgeld.
Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky. Nachtfitness. Fragment. Mit freundlicher Genehmigung der Autoren (www.dubossarskyvinogradov.com)
Natürlich konnte kein Zweifel bestehen, wer genau der Anführer des Auktionsrennens wurde: Der grandiose Käfer von Ilya Kabakov, der im Februar 2008 bei Phillips de Pury für knapp 3 Millionen Pfund verkauft wurde, ist wahrscheinlich jedem in Erinnerung geblieben, der sich für zeitgenössische Kunst interessiert . Ein lustiger Kinderreim, dessen Text mit einem Käfer auf eine Holztafel geschrieben ist, erlangte in der kunsthistorisch-marktlichen Interpretation sogar eine tiefe Intonation: „Mein Käfer bricht aus, springt, zwitschert, er will nicht rein meine Sammlung“ - das bedeutet metaphorisch die Aufregung eines zeitgenössischen Kunstsammlers für eben diesen Käferhandel. (Der von Kabakov zitierte Vers, geschrieben vom Architekten A. Maslennikova, einem Amateurdichter aus Woronesch, wurde in der Kindergedichtesammlung mit Reimen und Rätseln "Zwischen Sommer und Winter" veröffentlicht, die 1976 vom Verlag "Children's Literatur" - und Kabakov illustrierte dieses Buch Dieser Käfer war jedoch nicht in seinen Schwarz-Weiß-Illustrationen).
Es sollte hinzugefügt werden, dass, wenn wir nicht die Top 10 der teuersten lebenden Künstler, sondern die Top 10 ihrer teuersten Werke wären, Kabakovs Gemälde die ersten drei Plätze dieser Liste belegen würden. Das heißt, ihm gehören die drei teuersten Werke des derzeit lebenden russischen Künstlers – neben „Käfer“ sind dies 1981 „Suite“ (Phillips de Pury, London, 21.06.2007, 2.036 Mio. £) und „ Vacation No. 10" 1987 (Phillips de Pury London, 14. April 2011, £ 1.497 Mio.). Obendrein "schenkte" der großzügige Kabakov der Wiener Dorotheum-Auktion einen weiteren Rekord - vor einem Jahr, am 24. November 2011, ging dort das Gemälde "An der Universität" für 754,8 Tsd Kunst, die jemals auf dieser Auktion verkauft wurde.
Der Silbermedaillengewinner wird wahrscheinlich auch von vielen leicht genannt werden - es ist Erik Bulatov, dessen Leinwand "Ehre sei dem KPSS" für einen Rekordbetrag für den Künstler auf derselben Phillips de Pury-Auktion wie Kabakovs "Käfer" verkauft wurde.
Doch der dritte Platz des Nonkonformisten Evgeny Chubarov, dessen Spätwerk "Untitled" im Juni 2007 für 720.000 Pfund an Phillips de Pury ging, hätte man als Überraschung bezeichnen können, wäre da nicht einige Monate zuvor, im Februar dieses Jahres Im selben Jahr sorgte Chubarov bereits bei Sotheby's in London für Furore, bei einer spezialisierten Auktion russischer zeitgenössischer Kunst, wo sein gleichnamiges Werk (oder besser gesagt ohne) für 288 000 Pfund (mit der Obergrenze der Schätzung) verkauft wurde von 60.000 Pfund), schlug nicht nur das angebliche Spitzenlos dieser Auktion, Bulatovs Gemälde "Revolution - Perestroika" (Verkaufspreis 198.000 Pfund), sondern wurde auch zum teuersten Werk eines lebenden russischen Künstlers zu dieser Zeit. Übrigens, hier ist die Ironie der Währungsschwankungen: Im November 2000 wurde Grisha Bruskins Polyptychon in New York für 424 Tausend Dollar verkauft, dann in Pfund Sterling für 296,7 Tausend Pfund und im Februar 2007, als er installierte sein erster Rekord Chubarov - bereits nur 216,6 Tausend Pfund.
Die Werke der Besitzer des vierten Platzes, Vitaly Komar und Alexander Melamid, sind häufige und ziemlich erfolgreiche Lose westlicher Auktionen, obwohl ihre Schätzungen selten £ 100.000 überschreiten.Das zweitteuerste Werk des Duos ist „Yalta Conference. Das Urteil von Paris "- wurde 2007 bei Macdougall für 184,4 Tausend Pfund verkauft. Es sollte jedoch beachtet werden, dass das Gemälde, das ihnen den vierten Platz einbrachte, zu ziemlich frühen gehört und selten auf Auktionen erscheint und in ausgestellt wurde 1976 bei der ersten (und sehr lauten) Auslandsausstellung von Komar und Melamid in der Ronald Feldman Gallery in New York.
Nach Komar und Melamid legen Oleg Vasiliev und Semyon Faibisovich die Latte bei Auktionen durchweg hoch. Vasiliev wurde Dritter bei dieser außerordentlich erfolgreichen Phillips de Pury-Auktion 2008, die Ilya Kabakov und Erik Bulatov Rekorde bescherte, und Faibisovich wurde Vierter. Dann wurde Vasilievs Gemälde "Variation zum Thema des Titelblatts der Zeitschrift "Ogonyok"" im Jahr 1980 für 356 000 mit einer Schätzung von 120 000 verkauft, und Faibisovichs "Ein anderer Blick auf das Schwarze Meer" im Jahr 1986 - für 300,5 £ Tausend mit Schätzung £ 60-80 Tausend. Die Werke beider Künstler bringen oft sechsstellige Summen auf Auktionen.
Den Auktionsruhm für Faibisovich brachte zwar keineswegs der Rekord "Soldiers", sondern das Gemälde "Beauty", das am 12. März 2008 bei Sotheby's verkauft wurde - dies war die zweite Auktion des Auktionshauses für zeitgenössische russische Kunst. mit Ausnahme der Moskauer Auktion 1988. Das Gemälde (sein anderer Name - "May Day") kostete damals 264 Tausend Pfund mit einer Schätzung von 60-80 Tausend Pfund, ein echter Kampf zwischen den Käufern entfaltete sich dafür. Ein weiteres Gemälde von Faibisovich "On Moscow Street" bei dieser Auktion übertraf die Schätzung zweimal und wurde für 126.000 £ versteigert. 2011-2012.
Ähnliches gilt für Oleg Tselkov, der in den Top 10 auf Platz acht liegt. Nachdem er bereits vor einem halben Jahrhundert seinen eigenen Stil und sein eigenes Thema gefunden hat, ein erkennbarer und maßgeblicher Künstler, liefert er regelmäßig Auktionen mit seinen fluoreszierenden Rundbechern, die immer erfolgreich sind. Das zweitteuerste Gemälde von Tselkov "Five Faces" wurde im Juni 2007 bei MacDougall für 223,1 Tausend Pfund versteigert, das dritte, "Two with Beetles" - im November desselben Jahres auf derselben Auktion (MacDougalls versteigern immer mehrere andere Tselkovs-Preisklasse) für 202,4 000 £.
Grisha Bruskin nimmt seit 1988 eine besondere Rolle in der Auktionsgeschichte russischer zeitgenössischer Kunst ein, von der Moskauer Sotheby's-Auktion namens Russian Avant-Garde and Sowjet Contemporary Art, wo sein "Fundamental Lexicon" für sensationelle 220.000 £ verkauft wurde, 12-mal höhere Schätzung . Ungefähr das Gleiche und vielleicht noch sensationellere geschah mit dem Polyptychon Logia. Teil I" im Jahr 2000 bei Christie's in New York: Das Polyptychon ging für 424 Tausend US-Dollar und übertraf damit die Obergrenze der Schätzung 21 (!) Mal - allein dies kann als eine Art Rekord angesehen werden. Vermutlich ist dieser außergewöhnliche Ankauf nicht zuletzt auf die Bedeutung von Bruskins Namen als Held der legendären Moskauer Sotheby's-Auktion zurückzuführen, denn kein anderer Bruskin-Auktionsverkauf kommt auch nur annähernd an diese Summen heran.
Der Preis von Oscar Rabin schwankt nicht, sondern steigt stetig und sehr deutlich, insbesondere für Werke der Sowjetzeit - alle teuersten auf Auktionen verkauften Werke dieses Meisters wurden Ende der 1950er - Anfang der 1970er Jahre gemalt. Diese (neben seiner Platte "Socialist City") "Baths (Sniff the cologne" Moskau", 1966, Sotheby's, New York, 17. London, 27. November 2006, £ 168,46.
Die zehn stärksten werden von Vertretern der jüngeren Generation geschlossen - Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky, deren teuerste Gemälde bei Phillips de Pury verkauft wurden (die zweitteuersten - "The Last Butterfly", 1997, Phillips de Pury, New York, $ 181.000). Diese Künstler setzen im Allgemeinen einen Trend fort, der in der Rangliste der teuersten Gemälde lebender Künstler deutlich sichtbar ist. Wir werden etwas tiefer über sie sprechen, aber hier ist jetzt endlich eine Liste der teuersten Werke lebender russischer Künstler.
Top 10 Werke lebender russischer Künstler
1. Ilja Kabakow (geb. 1933). Insekt. 1982. Holz, Emaille. 226,5 x 148,5. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzung £ 1,2-1,8 Millionen. Verkaufspreis £ 2,93 Millionen.
2. Eric Bulatov (geb. 1933). Ehre sei der KPSS. 1975. Öl auf Leinwand. 229,5 x 229. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 28. Februar 2008. Schätzung £ 500-700 Tausend. Verkaufspreis £ 1.084 Millionen.
3. Evgeny Chubarov (geb. 1934). Untitled. 1994. Öl auf Leinwand. 300 х 200. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzung £ 100-150 Tausend. Verkaufspreis £ 720 Tausend.
4. Vitaly Komar (geb. 1943) und Alexander Melamid (geb. 1945). Treffen von Solschenizyn und Belle in der Datscha von Rostropowitsch. 1972. Öl auf Leinwand, Collage, Goldfolie. 175 x 120. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 23. April 2010. Schätzung £ 100-150 Tausend. Verkaufspreis £ 657,25 Tausend.
5. Oleg Wassiljew (geb. 1931). Vor dem Sonnenuntergang. 1990. Öl auf Leinwand. 210 x 165. Auktion Sotheby's, London, 12. März 2008. Schätzung £ 200-300 Tausend. Verkaufspreis £ 468,5 Tausend.
6. Semyon Faibisovich (geb. 1949). Soldaten. Aus der Serie "Stationen". 1989. Öl auf Leinwand. 285,4 x 190,5. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 13. Oktober 2007. Schätzung £ 40-60 Tausend. Verkaufspreis £ 311,2 Tausend.
8. Oleg Tselkov (geb. 1934). Junge mit Ballons. Leinwand, Öl. 103,5 x 68,5. MacDougall's Auktion, London, 28. November 2008. Schätzung £ 200-300 000. Verkaufspreis £ 238,4 000.
9. Oscar Rabin (geb. 1928). Stadt und Mond (sozialistische Stadt). 1959. Öl auf Leinwand. 90 x 109. Auktion Sotheby's, New York, 15. April 2008. Schätzungsweise $ 120-160.000. Verkaufspreis $ 337.000 (£ 171,4 zum Dollar-Pfund-Wechselkurs im April 2008).
10. Alexander Vinogradov (geb. 1963) und Vladimir Dubossarsky (geb. 1964). Nachttraining. 2004. Öl auf Leinwand. 194,9 x 294,3. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 22. Juni 2007. Schätzung £ 15-20.000. Verkaufspreis £ 132.000.
Es ist bekannt, dass Auktionspreise eine irrationale Sache sind und nicht verwendet werden können, um die wahre Rolle und Bedeutung des Künstlers im künstlerischen Prozess zu beurteilen. Aber an ihnen und an den Top-Lots kann man die Vorlieben des Sammlers grob einschätzen. Was sind Sie? Sie müssen kein Experte sein, um diese Frage zu beantworten. Sie sind offensichtlich. Erstens sind alle Künstler (außer vielleicht Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky) seit Jahren "lebende Klassiker" und sehr respektable. Zweitens wurden für fast alle nicht die Werke der letzten Jahre, sondern viel frühere Rekorde aufgestellt, d. h. auch hier ist das Muster „je älter, desto besser“ relevant. Drittens sind ausnahmslos alle Werke der Top 10 Staffeleienbilder. Viertens sind dies alles große und sehr große Gemälde. Mehr oder weniger als "Standard" können in dieser Hinsicht nur "The City and the Moon" von Oscar Rabin und "Boy with Balloons" von Oleg Tselkov angesehen werden, alle anderen sind von großer Höhe (nicht einmal von Breite) menschlicher Größe. Schließlich ist für alle diese Künstler auf die eine oder andere Weise das Thema der sowjetischen (insbesondere nonkonformistischen) Vergangenheit relevant, in vielen Fällen in ihren Werken akzentuiert. Es scheint, dass unsere Sammler eine akute Sehnsucht nach dieser sowjetischen Vergangenheit empfinden (es ist bekannt, dass russische Kunst im Westen von russischen Sammlern gekauft wird).
Jünger als der Rest der Auktionsleiter versuchen Alexander Vinogradov und Vladimir Dubossarsky etwas hartnäckig, aus Dutzenden von harten Nonkonformisten auszubrechen, aber das ist nur auf den ersten Blick der Fall. In der Tat, wenn Sie sich vorstellen, welche der nächsten Generation nach Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkov die oben genannten Kaufkriterien am besten erfüllen kann (Staffelbilder in großen Formaten, Aufarbeitung sowjetischer Genres, Motive und Stilistiken), dann wahrscheinlich, dies werden sich als Vinogradov und Dubossarsky erweisen, würdige Erben der Meister der vergangenen Jahrzehnte. Zumindest nach den Auktionsverkäufen zu urteilen.
