„Der Kirschgarten“

Die Komödie von „The Cherry Orchard“ liegt in der Struktur des Stücks. „Jeder Charakter ist in seiner eigenen Wahrheit versunken“, vertieft sich in seine Erlebnisse und nimmt die Menschen um ihn herum nicht wahr: ihren Schmerz, ihre Melancholie, ihre Freuden und Hoffnungen. Jeder der Charaktere spielt sozusagen seine eigene One-Man-Show Diese Ein-Mann-Shows machen die klanglich so komplexe Handlung aus. Dies ist gleichzeitig Polyphonie (Polyphonie, ein speziell organisierter Chor unabhängiger Stimmen) und Dissonanz, ein inkonsistenter, dissonanter Klang, bei dem jede Stimme auftritt strebt danach, einzigartig zu sein.

Woher kommt diese Selbstbezogenheit der Helden von „The Cherry Orchard“? Was hindert sie daran, einander zu hören: Schließlich sind sie alle enge Menschen, die versuchen, sich gegenseitig zu helfen, zu unterstützen und Unterstützung zu erhalten? Seien wir aufmerksam: Jeder der Charaktere gesteht, aber am Ende sind alle diese Geständnisse an das Publikum gerichtet und nicht an ihre Partner auf der Bühne. Irgendwann wird dem Beichtvater klar, dass er das Wichtigste nicht erklären kann. Daher wird Anya das Drama ihrer Mutter nie verstehen, und Ljubow Andrejewna selbst wird ihre Leidenschaft für Petjas Ideen nie verstehen. Was „erlaubt“ den Figuren im Stück nicht, einander zu sehen? Tatsache ist, dass nach dem Plan des Autors jeder von ihnen nicht nur eine Person ist, sondern auch ein Darsteller einer bestimmten sozio-historischen Rolle: etwas, das man als „Geisel der Geschichte“ bezeichnen kann. Ein Mensch kann seine Persönlichkeit und seine Beziehungen zu anderen bis zu einem gewissen Grad anpassen. Aber er kann seine Rolle nicht ändern, so fremd sie ihm auch sein mag. Die Diskrepanz zwischen dem inneren Wesen des Helden und der sozialhistorischen Rolle, die er spielen muss, ist das dramatische Wesen von „The Cherry Orchard“.

„Eine alte Frau, nichts in der Gegenwart, alles in der Vergangenheit“, so charakterisierte Tschechow Ranewskaja in seinen Briefen an Stanislawski, der das Stück inszenierte. Was ist in ihrer Vergangenheit? Ihre Jugend, ihr Familienleben, ihr blühender und fruchtbringender Kirschgarten – all das endete vor einigen Jahren, endete tragisch. Der Ehemann starb, das Anwesen verfiel und eine neue quälende Leidenschaft entstand. Und dann geschah das Unwiederbringliche: Grischa starb – ertrank im Fluss. Der Tod eines Sohnes ist die schlimmste Tragödie. Für Ranevskaya war der Schrecken über den Verlust mit einem Schuldgefühl verbunden: Die Verliebtheit in ihren Geliebten, die Verliebtheit, so scheint es, entfremdete sie von ihrem Sohn. Vielleicht hätte der absurde Tod verhindert werden können? Vielleicht ist Grischas Tod eine Strafe für sie, ihre Mutter, für ihre unzulässige Leidenschaft? Und Ranevskaya rennt von zu Hause weg – vom Kirschgarten, von ihren Töchtern, von ihrem Bruder, von dem Fluss, in dem ihr Sohn ertrunken ist – von ihrem gesamten früheren Leben, von ihrer Vergangenheit, die sich in eine irreparable Katastrophe verwandelte. Er rennt, um nie wieder zurückzukehren, er rennt, um irgendwo sein sündiges und absurdes Leben zu beenden – nach dem Tod des Jungen.

Ranevskaya landet in Paris. Der akute Schmerz ließ nach, die erste Welle der Verzweiflung ließ nach. Ranevskaya wurde durch Liebe gerettet. Gefühle für eine Person, die ihrer unwürdig ist, für einen Schurken ... Aber ist es uns wirklich gegeben, zu entscheiden, wen wir lieben möchten? Ja, er ist ein Schurke, ihr letzter Liebhaber, er hat sie ausgeraubt und verlassen und ist dann wieder zurückgekehrt – wieder ein Bettler. Und Lyubov Andreevna weiß alles über ihn, versteht alles – und will es nicht wissen oder sich daran erinnern. Denn das Gefühl selbst ist wertvoll, denn für sie gibt es im Leben nichts Höheres als die Liebe.

Dies ist die einzige Heldin von „The Cherry Orchard“, die in einer Aura der Liebe lebt: Es ist kein Zufall, dass sie Love heißt. In ihrer Seele sind vergangene und gegenwärtige Lieben miteinander verflochten, die Fähigkeit, selbstlos und rücksichtslos zu lieben und sich völlig dem Gefühl hinzugeben – das ist der „Schlüssel“ zum Bild von Ranevskaya. „Das ist ein Stein um meinen Hals, ich gehe damit auf den Grund, aber ich liebe diesen Stein und kann nicht ohne ihn leben.“ Welche andere russische Heldin war so offenherzig?!

Ihre derzeitige seltsame Pariser Existenz besteht im Wesentlichen aus einem Leben nach dem anderen. Nichts von der Vergangenheit ist vergessen. Die schreckliche Wunde ist nicht verheilt und wird niemals heilen. Die Verbindung zum eigenen Zuhause und zu seinen Lieben wird immer flüchtiger. Es wird zunehmend unmöglich, in Paris „einer von uns“ zu werden oder in den Kirschgarten zurückzukehren ... Die illusorische Natur, die Absurdität der Existenz, die Sehnsucht nach der Heimat, das Schuldgefühl vor meiner Tochter und meiner Stieftochter – wegen des Weggangs sie, weil sie ihr Vermögen verschwendet haben - Lyubov Andreevna wird gequält. Und nun geschieht vor unseren Augen der entscheidende Schritt: Ranevskaya kehrt nach Hause zurück. Sie zerreißt Telegramme ihres Geliebten, zerreißt sie, ohne sie zu lesen: Sie ist fertig mit Paris! Sie ist glücklich: „Ich möchte springen, mit den Armen wedeln ... Gott weiß, ich liebe meine Heimat, ich liebe sie sehr, ich konnte nicht aus der Kutsche zusehen, ich weinte ständig.“ „Wenn ich nur den schweren Stein von meiner Brust und meinen Schultern nehmen könnte, wenn ich nur meine Vergangenheit vergessen könnte!“

Ranevskaya kehrt in das Haus zurück, in dem alle sie lieben, wo sie auf sie warten – und seit fünf „Pariser“ Jahren treu auf sie warten. Und wo jeder sie wegen etwas verurteilt: wegen „Bösartigkeit“, wegen Frivolität … Niemand will sie so akzeptieren, wie sie ist; Sie lieben sie, verurteilen und lachen. Und Ranevskaya selbst spürt dies sehr deutlich, akzeptiert die Berechtigung der Vorwürfe und fühlt sich ständig schuldig. Doch mit dem Schuldgefühl wächst auch die Entfremdung in ihr: Warum verlangen alle etwas von ihr, was sie nicht geben kann, warum erwarten sie von ihr, dass sie sich verändert, dass sie zu dem wird, was andere von ihr wollen, dass sie aufhört, sie selbst zu sein?! Je weiter wir gehen, desto klarer wird: Sie ist hier eine Fremde.

In der Liste der Charaktere wird Ranevskaya mit einem Wort bezeichnet: „Grundbesitzer“. Aber dies ist eine Grundbesitzerin, die nie wusste, wie sie ihr Anwesen verwalten sollte, die es leidenschaftlich liebte – und nicht in der Lage war, es zu retten. Ihre Flucht aus dem Anwesen nach Grischas Tod, die Verpfändung und Umschuldung dieses Anwesens ... Nominell ist sie eine Grundbesitzerin. Tatsächlich ist er ein Kind dieses Kirschgartens und kann ihn nicht vor dem Untergang und dem Tod retten.

Die Rolle des Grundbesitzers für Ranevskaya ist seit langem „ausgespielt“. Die Rolle der Mutter ist auch: Anya geht in ein neues Leben, in dem es keinen Platz für Lyubov Andreevna gibt; Warja arrangiert sich auf ihre eigene Weise ... Nachdem sie zurückgekehrt ist, um für immer zu bleiben, vollendet Ranevskaya nur ihr bisheriges Leben und ist überzeugt, dass es unmöglich ist, zweimal denselben Fluss zu betreten. Alle Hoffnungen verwandeln sich in einen Gedenkgottesdienst für das alte Leben: Die Vergangenheit ist gestorben, für immer verschwunden. Sie hat alle in Russland möglichen „Verschwörungen“ durchlebt. Die Heimat akzeptierte die verlorene Tochter nicht: Die Rückkehr fand nicht statt. Und das gespenstische Pariser „Leben nach dem Leben“ erweist sich als die einzige Realität. Ranevskaya kehrt nach Paris zurück – und in Russland, in ihrem Kirschgarten, klopft bereits die Axt.

Das Element der Liebe, der schmerzhaften Leidenschaften, der Sünde und der Reue, in dem Ranevskaya lebt, ist den anderen Helden der Komödie fremd. Hier ist ihr gleichaltriger Bruder Gaev. Leonid Andrejewitsch, ein Mann mittleren Alters, der bereits den größten Teil seines Lebens gelebt hat, denkt und handelt wie ein alter Junge. Aber Gaevs unerschöpfliche Jugend ist nicht wie die Leichtgläubigkeit und Leichtigkeit seiner Schwester. Er ist einfach infantil. Es war nicht die Jugend mit ihren rebellischen Leidenschaften, die in ihm blieb – Gaev, so scheint es, ist nie dazu herangewachsen, hat nie die Schwelle des Kinderzimmers überschritten. Hilflos, gesprächig, oberflächlich, liebt nichts und niemanden wirklich. „Croise... Gelb in der Mitte...“ Der Klang der Billardkugeln heilt sein Leid nach dem Verlust des Kirschgartens völlig... Aber selbst in ihm, einem dummen, geistig unentwickelten Mann, sieht Tschechow etwas Süßes: er ist einer der exzentrischen Kreisgrundbesitzer, die auf ihre Weise die Provinz in alten Zeiten schmückten und den russischen Adelsnestern einen besonderen Charme verliehen. Gaev ist eine seiner Zeit geborene Figur; komisch, lächerlich und erbärmlich in der neuen Ära.

Die Komödie verknüpft mehrere Handlungsstränge. Die Linie der gescheiterten Romanze zwischen Lopachin und Warja endet vor allen anderen. Es basiert auf Tschechows Lieblingstechnik: Sie reden am meisten und am liebsten über das, was nicht existiert, besprechen Details, streiten über Kleinigkeiten – nichtexistente Dinge, ohne zu bemerken oder absichtlich zu vertuschen, was existiert und wesentlich ist. Übrigens, aufgepasst: Auch Gogol liebt diese Technik sehr. Erinnern wir uns daran, wie die ganze Stadt in „Dead Souls“ geschmackvoll über Chichikovs Bauern diskutierte, die nicht mehr auf der Welt waren, wie sie darüber stritten, wie „Chichikovs Bauer“ sei und ob der frischgebackene Chersoner Gutsbesitzer damit zurechtkommen würde dieser Bauer. Und wie Tschitschikow selbst mit Vergnügen, fast im Glauben an die Realität seiner eigenen Erfindung, die Probleme seines Cherson-Anwesens bespricht. Für Gogol ist diese Technik jedoch darauf ausgelegt, das Zusammenspiel der realen und irrealen Schichten seiner künstlerischen Welt, die Verschmelzung von Phantasmagorie und Realität, erheblich zu verbessern. Tschechow umgibt in endlosen Gesprächen das Nichtexistente, das Scheinbare, um die sehr illusorische Natur nüchterner Berechnungen und logischer Pläne hervorzuheben, die seine Helden in einer instabilen und unzuverlässigen Welt entwickeln. Überzeugt, als ob es längst entschieden wäre, erzählt Ranevskaya von ihrem Bruch mit „diesem Mann“ – und geht zu ihm … Projekte zur Rettung des Gartens werden selbstbewusst diskutiert … Sie sprechen über die Romanze zwischen Lopachin und Warja. Aber warum kam es zu dieser Romanze nicht? Warum haben sich die Schicksale des fleißigen Arbeiters Warja und des Geschäftsmanns Lopakhin nicht geeint? Und hier darf man fragen: Gab es eine Affäre? War es Wunschdenken?

Schauen wir uns das Bild von Lopakhin genauer an. Tschechow selbst betrachtete seine Rolle als „zentrale“ Rolle in der Komödie und schrieb an Stanislawski: „Wenn es scheitert, wird das ganze Stück scheitern.“ Tschechow bat Stanislawski, die Rolle des Lopakhin selbst zu spielen; er glaubte, dass kein anderer Schauspieler das schaffen könnte: „Er würde sie entweder sehr blass spielen oder aus Lopachin einen Clown machen … Schließlich ist dies kein Kaufmann in.“ Im vulgären Sinn des Wortes muss man das verstehen.“ Das Team des Moskauer Kunsttheaters ging jedoch nicht auf die Wünsche des Autors ein und inszenierte „The Cherry Orchard“ auf seine eigene Art und Weise. Und obwohl das Stück ein großer Erfolg war, war Tschechow äußerst unzufrieden mit der Inszenierung, reagierte scharf negativ und behauptete, das Theater habe das Stück nicht verstanden und sei in allem gescheitert. Das Theater hatte das Recht auf seine eigene Interpretation, aber was hat der Dramatiker selbst in die Komödie gesteckt, warum nicht Ranevskaya und Gaeva, wie Stanislavsky spielte, sondern er stellte Lopakhin in den Mittelpunkt des figurativen Systems.

Die Figur des Kaufmanns zieht seit einem halben Jahrhundert die russische Literatur an. Zusammen mit dunklen Tyrannen und absurden Neureichen suchten sie nach den Eigenschaften eines neuen, intelligenten Kaufmanns, eines weisen und ehrlichen Unternehmers. Es ist diese Kombination aus selbstloser Liebe zur Schönheit – und Kaufmannsgeist, bäuerlicher Einfachheit – und einer subtilen künstlerischen Seele, die Tschechow einzufangen und im Bild von Lopachin zu verkörpern versucht.

Lopakhin ist der Einzige, der einen echten Plan zur Rettung des Kirschgartens vorschlägt. Und dieser Plan ist vor allem deshalb realistisch, weil Lopakhin versteht: Der Garten kann nicht in seiner vorherigen Form erhalten bleiben, seine Zeit ist abgelaufen, und jetzt kann der Garten nur noch gerettet werden, indem man ihn neu organisiert und den Anforderungen entsprechend neu gestaltet der neuen Ära.

Tatsächlich war der Garten einst ein wichtiger Teil der Wirtschaft des Grundbesitzers: „Früher, vor etwa vierzig bis fünfzig Jahren, wurden Kirschen getrocknet, eingeweicht, eingelegt, Marmelade hergestellt, und früher waren es ... getrocknete Kirschen.“ per Wagenladung nach Moskau und Charkow geschickt. Es gab Geld Und dann waren die getrockneten Kirschen weich, saftig, süß, duftend ... Damals kannten sie die Methode ...“, erinnert sich Firs. Jetzt ist diese Methode vergessen. Es herrscht ein katastrophaler Geldmangel, aber sie sparen beim Essen für die Bediensteten, während die Kirschen nirgendwo hingestellt werden können, fallen sie ab und verschwinden. Der Garten wurde zu einem Symbol und hörte auf, Realität zu sein: Für alle außer Lopakhin ist er der Aufenthaltsort der Geister der Vergangenheit. Hier sieht Ranevskaya ihre verstorbene Mutter durch den Garten gehen. Hier erklärt Petja Anya: „...sehen dich die Menschen nicht von jedem Kirschbaum im Garten, von jedem Blatt, von jedem Stamm aus an, hörst du nicht wirklich Stimmen...“

Lopakhin ist bestrebt, dem Garten wieder Leben einzuhauchen – auch wenn er ihm neues Leben einhaucht und das alte fast zunichte macht. „Die Aufteilung des Gartens in Sommerhäuser – die Idee, mit der Lopachin herumschwirrt – ist nicht nur die Zerstörung des Kirschgartens, sondern dessen Wiederaufbau, sozusagen die Schaffung eines öffentlich zugänglichen Kirschgartens. Mit diesem ersteren luxuriös.“ Garten, der nur wenigen diente, dieser neue, ausgedünnte und für jedermann zu einem vernünftigen Preis zugängliche Lopakhinsky-Garten korreliert wie die demokratische Stadtkultur der Tschechow-Ära mit der wunderbaren Gutskultur der Vergangenheit. (Kataev V.B. Literarische Verbindungen Tschechows. - M.: Verlag der Moskauer Staatlichen Universität, 1989). V. B. Kataev kommentiert sehr geschickt und subtil die Essenz von Lopakhins Idee. Für ihn, einen Bauernsohn, einen Bauern, ist Ranevskayas Garten Teil einer elitären aristokratischen Kultur, ihre Quintessenz. Was vor zwanzig Jahren noch unzugänglich war, liegt heute fast „auf der Straße“: und dieses Gefühl berauscht Lopakhin. Andererseits stirbt der Garten – und nur er, Lopakhin, kann diesen Schatz retten. Alle seine Versuche, den Garten zu retten, führen für Ranevskaya zu nichts: Sie hört Lopakhin nicht, versteht seine einfachen und klaren Argumente nicht. Schließlich existiert der Kirschgarten für Lyubov Andreevna nur in seiner ursprünglichen Form, in seiner Integrität. Der in Parzellen aufgeteilte und den Datschen überlassene Garten ist immer noch verloren und zerstört: „...verkaufe mich samt Garten...“

Lopakhin überzeugt Ranevskaya und Gaev, erklärt, beweist, bietet Geld an: Er versucht aufrichtig, den Garten für den Besitzer zu erhalten. Und am Ende erweist er sich selbst als Besitzer des Gartens – unerwartet, unerwartet für sich und seine Umgebung. Er ist gleichzeitig glücklich – und niedergeschlagen, entmutigt von dem, was passiert ist: „Hey, Musiker, spielt, ich möchte euch zuhören! Kommt alle, um zuzusehen, wie Ermolai Lopakhin mit einer Axt auf den Kirschgarten einschlägt, wie die Bäume zu Boden fallen! Wir werden Datschen errichten, und unsere Enkel und Urenkel werden hier ein neues Leben sehen... Musik, Spiel!... Warum, warum hast du mir nicht zugehört? Mein armer, guter , du kannst mich jetzt nicht zurückbringen. (Unter Tränen.) Oh, ich wünschte, das alles würde bald verschwinden, ich würde lieber irgendwie unser unangenehmes, unglückliches Leben ändern.

Denken wir über Lopakhins letzte verzweifelte Worte nach. Ihm – dem einzigen im Stück – wird die Möglichkeit gegeben, der wahren Wahrheit näher zu kommen, einem tiefen Verständnis für das Wesen der Zeit. Lopakhin sieht nicht nur die individuellen Sünden und Fehler eines Menschen, sondern die tiefen Nöte des gesamten modernen Lebens: „Wir müssen ehrlich sagen, unser Leben ist dumm ... Wir machen uns gegenseitig zum Narren, aber das Leben vergeht, wie Sie wissen. ..“ Es ist dieses Verständnis der globalen Absurdität des modernen Lebens, seiner Unlogik, der Unmöglichkeit, so zu leben, wie man es möchte, im Einklang mit sich selbst und der Welt, und drängt Lopakhin an den zentralen Platz in der Komödie.

Denken wir nun darüber nach: Könnte sich Lopakhin zu Warja hingezogen fühlen – grau, engstirnig, in kleinliche wirtschaftliche Berechnungen verstrickt? Liebt Warja Lopakhina? Wie versteht sie Liebe? Denken Sie daran, Petja ist immer noch wütend darüber, dass Warja ihn und Anya ausspioniert, er hat Angst, dass es zu einer Affäre zwischen ihnen kommen könnte, dass etwas Illegales passieren könnte. Und der Punkt ist nicht, dass Petja und Anya weit von der Liebe entfernt sind, sondern in Warjas Prinzipien und Ansichten, in ihrer kleinlichen, rationalen, kleinbürgerlichen Wahrnehmung jeder menschlichen Beziehung – einschließlich ihrer Beziehung zu Lopakhin. Warja fragt sich nicht, ob sie Ermolai Alekseevich liebt und ob er sie liebt. Sie sieht ein passendes Gegenstück (zumal es keine anderen Anwärter auf ihre Hand gibt, selbst die Menschen um sie herum haben niemanden, über den sie klatschen kann). Sie will heiraten. Und sie wartet auf eine Liebeserklärung und einen Heiratsantrag von Lopachin – und dass Lopachin die lang ersehnten Worte nicht ausspricht, führt Warja auf seine sachliche Natur zurück: „Er hat viel zu tun, dafür hat er keine Zeit.“ ich“ und „er wird reich, er ist mit Geschäften beschäftigt...“ Warja erwartet einen einfachen und logischen Lebenslauf: Da Lopakhin oft ein Haus besucht, in dem es unverheiratete Mädchen gibt, von denen nur sie, Warja, ist für ihn „geeignet“, das heißt, er muss heiraten. Und nur die Beschäftigung hindert ihn daran, ihre Vorzüge zu bemerken. Bei Warja kommt nicht einmal der Gedanke auf, die Situation anders zu betrachten, darüber nachzudenken, ob Lopakhin sie liebt, ob sie interessiert ist in ihm? Alle Erwartungen von Varina basieren auf den Gesprächen anderer, dass diese Ehe erfolgreich sein würde, auf leerem Klatsch!

Es ist nicht Schüchternheit oder Geschäftigkeit, die Lopakhin davon abhält, Warja die Dinge zu erklären. Ermolai Alekseevich versteht, was alle von ihm erwarten und weiß, dass Warja „gut zu ihm passt“. Er zögert noch und macht am Ende kein Angebot. Nun, er liebt Warja nicht, er ist gelangweilt von ihr! Parallel zur angeblichen Affäre mit Warja, über die alle so viel reden, zieht sich ein weiterer roter Faden durch Lopakhin: Er „mag sein eigenes, mehr als sein eigenes“, liebt Ranevskaya. Diese Linie wird von V.B. perfekt offenbart. Kataev: „Das erscheint Ranevskaya und allen um ihn herum undenkbar, absurd, und er selbst ist sich seiner Gefühle offenbar nicht ganz bewusst. Aber es genügt zu beobachten, wie sich Lopakhin beispielsweise im zweiten Akt verhält, nachdem Ranevskaya erzählt hat.“ ihn, so dass er Warja einen Heiratsantrag macht. Danach spricht er verärgert darüber, wie gut es vorher war, als Männer geschlagen werden konnten, und beginnt, Petja taktlos zu necken. All dies ist das Ergebnis einer Verschlechterung seiner Stimmung, nachdem er klar geworden ist sieht, dass Ranevskoy und es uns nicht einmal in den Sinn kommt, seine Gefühle ernst zu nehmen. Und später im Stück wird diese unerwiderte Zärtlichkeit von Lopakhin noch mehrmals durchbrechen.

Ein sterbender Garten und eine gescheiterte, sogar unbemerkte Liebe sind zwei übergreifende, intern verbundene Themen des Stücks“ (Kataev V.B. Tschechows literarische Verbindungen. – M.: Verlag der Moskauer Staatlichen Universität, 1989).

Als Mann, ein Bauernsohn, der seinen Erfolg im Leben nur sich selbst, seinen Fähigkeiten und seiner harten Arbeit verdankt, wird Lopakhin Besitzer eines Kirschgartens. Ihm gebührt die wärmste Anerkennung: „... ein Anwesen, dessen schönstes nichts auf der Welt ist.“ Keine der Figuren im Stück sprach gefühlvoller und enthusiastischer über den Garten! Als Mann des Volkes nimmt er in die eigenen Hände, was bisher nur der Aristokratie gehörte und was die Aristokratie nicht behalten konnte. Verlässt sich Tschechow auf Lopakhin? Ja natürlich. Aber der Autor macht sich keine Illusionen über die neuen Männer, die sich wie Lopakhin aus ihrem Kreis gelöst haben. Neben Ermolai Alekseevich gibt es eine sehr „wichtige Figur – den Lakaien Yasha. Er ist derselbe Bauernsohn, er spürt auch die Kluft zwischen seiner aktuellen Position (lebte in Paris! sah die Zivilisation! verbunden!) und seiner Vergangenheit. Und dieser arrogante.“ , ekelhafter Flegel bringt Lopakhin deutlich in Aufruhr, mit seinem ganzen Wesen widersetzt er sich ihm. Nicht nur Ranevskayas Russland und Petja Trofimovs Russland schauen sich gegenseitig an, sondern auch Lopachins Russland und das Russland des Lakaien Jascha.

„... Lopachin wird am Ende des Stücks, nachdem er Erfolg hatte, von Tschechow keineswegs als Sieger dargestellt. Der gesamte Inhalt von „Der Kirschgarten“ untermauert die Worte dieses Helden über „ein unangenehmes, unglückliches Leben, „Sie wissen, dass es vorbei ist.“ Tatsächlich ist ein Mann, der allein in der Lage ist, wirklich zu schätzen, was ein Kirschgarten ist, gezwungen (schließlich gibt es keinen anderen Ausweg aus dieser Situation), ihn mit seinen eigenen Händen zu zerstören . Mit gnadenloser Nüchternheit zeigt Tschechow in „Der Kirschgarten“ die fatale Diskrepanz zwischen den persönlichen guten Eigenschaften eines Menschen, dem subjektiv guten „seinen Absichten – und den Ergebnissen seiner gesellschaftlichen Aktivitäten“ (Kataev V.B. Tschechows literarische Verbindungen. - M.: Moskau State University Publishing House, 1989). Und auch hier kommt man nicht umhin, sich an Gogols „Dead Souls“ zu erinnern. Die Intrige von „The Cherry Orchard“ spiegelt Gogols Fata Morgana-Intrige wider. Tschitschikow, der seine ganze Kraft anstrengte, um Reichtum anzuhäufen und der Herr zu werden Das Leben bricht absurderweise und unerwartet am „höchsten Punkt“ jeder seiner Betrügereien zusammen, als das Glück scheinbar nur einen Steinwurf entfernt ist. Ebenso unerwartet und unweigerlich erhält er einen Kirschgarten – „ein Anwesen“, das „Das Schönste, von dem es nichts auf der Welt gibt“, sagte Lopakhin, der verzweifelt versuchte, es für Ranevskaya aufzubewahren.

Die Unerwartetheit einer solchen Wendung bestärkt seine Umgebung in der Meinung, dass er ein Kaufmann ist, ein Geldgier, der nur an Profit denkt. Und der Abgrund, der Lopakhin von den übrigen Charakteren des Stücks trennt, wird immer tiefer. Das Stück vereint drei ideologische und kompositorische Zentren: Ranevskaya, Gaev und Warja – Lopakhin – Petja und Anya. Bitte beachten Sie: Unter ihnen ist nur Lopakhin absolut allein. Der Rest bildet stabile Gruppen. Wir haben die ersten beiden „Zentren“ bereits verstanden, denken wir nun über das dritte Zentrum nach – über Pete Trofimov und Anya.

Petya spielt sicherlich die Hauptrolle. Diese Figur ist widersprüchlich, und die Haltung des Autors der Komödie und der Bewohner des Anwesens ihm gegenüber ist widersprüchlich. Eine stabile Theatertradition zwang uns, Petja als fortschrittlichen Denker und Aktivisten zu sehen: Dies begann mit Stanislawskis erster Inszenierung, in der V. Kachalov Petja als Gorkis „Sturmvogel“ spielte. Diese Interpretation wurde auch in den meisten literarischen Werken unterstützt, in denen sich die Forscher auf Petjas Monologe stützten und sie nicht mit den Handlungen des Helden, mit der gesamten Struktur seiner Rolle, in Zusammenhang brachten. Bedenken wir jedoch, dass Tschechows Theater ein Theater der Intonation und nicht des Textes ist, weshalb die traditionelle Interpretation von Trofimovs Bild grundsätzlich falsch ist.

Erstens sind im Bild von Petja literarische Wurzeln deutlich zu spüren. Er wird mit dem Helden von Turgenjews „Novi“ Neschdanow und dem Helden von Ostrowskis Stück „Talente und Bewunderer“ Pjotr ​​Melusow in Verbindung gebracht. Und Tschechow selbst hat lange Zeit damit verbracht, diesen historischen und sozialen Typus zu erforschen – den Typus des protestantischen Aufklärers. Dies sind Solomon in „Die Steppe“, Pavel Ivanovich in „Gusev“, Yartsev in der Geschichte „Drei Jahre“, Doktor Blagovo in „Mein Leben“. Das Bild von Petja ist besonders eng mit dem Helden von „Die Braut“ Sascha verbunden – Forscher haben immer wieder festgestellt, dass diese Bilder sehr nahe beieinander liegen, dass die Rollen von Petja und Sascha in der Handlung ähnlich sind: Beide werden benötigt, um die zu fesseln junge Heldinnen in ein neues Leben. Aber das ständige, intensive Interesse, mit dem Tschechow diesen Typus betrachtete, der im Zeitalter der Zeitlosigkeit auftauchte und in verschiedenen Werken auf ihn zurückkam, führte dazu, dass er im letzten Stück von sekundären und episodischen Helden zu einem zentralen Helden wurde – einem der zentralen.

Einsam und unruhig wandert Petja durch Russland. Obdachlos, erschöpft, praktisch ein Bettler ... Und doch ist er auf seine Art glücklich: Er ist der freieste und optimistischste der Helden aus „The Cherry Orchard“. Wenn wir dieses Bild betrachten, verstehen wir: Petja lebt in einer anderen Welt als die anderen Charaktere der Komödie – er lebt in einer Welt der Ideen, die parallel zur Welt der realen Dinge und Beziehungen existiert. Ideen, grandiose Pläne, soziale und philosophische Systeme – das ist Petjas Welt, sein Element. Solch ein glückliches Leben in einer anderen Dimension interessierte Tschechow und veranlasste ihn, sich immer genauer mit dieser Art von Helden auseinanderzusetzen.

Petyas Beziehung zur realen Welt ist sehr angespannt. Er weiß nicht, wie er darin leben soll, für seine Umgebung ist er absurd und seltsam, lächerlich und erbärmlich: „ein schäbiger Herr“, „ein ewiger Student“. Er kann sein Studium an keiner Universität abschließen – er wird von überall verwiesen, weil er an Studentenunruhen teilgenommen hat. Er ist nicht im Einklang mit den Dingen – immer geht alles kaputt, geht verloren, fällt. Selbst der Bart der armen Petja wächst nicht! Aber in der Welt der Ideen schwebt er! Dort verläuft alles geschickt und reibungslos, dort erfasst er auf subtile Weise alle Muster, versteht das verborgene Wesen der Phänomene zutiefst und ist bereit und in der Lage, alles zu erklären. Und alle Argumente von Petja über das Leben im modernen Russland sind sehr richtig! Er spricht wahrhaftig und leidenschaftlich über die schreckliche Vergangenheit, die die Gegenwart noch immer lebendig beeinflusst und ihre krampfhafte Umarmung nicht loslässt. Erinnern wir uns an seinen Monolog im zweiten Akt, in dem er Anya dazu überredet, einen neuen Blick auf den Kirschgarten und ihr Leben zu werfen: „Lebende Seelen zu besitzen – schließlich hat dies euch alle wiedergeboren, die ihr vorher gelebt habt und es jetzt seid.“ leben...“ Petja hat recht! Etwas Ähnliches wurde von A.I. leidenschaftlich und überzeugend argumentiert. Herzen: In dem Artikel „Das Fleisch der Befreiung“ schrieb er, dass die Leibeigenschaft die Seelen der Menschen vergiftet, dass keine Erlasse das Schrecklichste abschaffen können – die Angewohnheit, seinesgleichen zu verkaufen... Petja spricht von der Notwendigkeit und Unvermeidlichkeit der Erlösung: „Um in der Gegenwart zu leben, ist es so klar, dass wir zuerst unsere Vergangenheit erlösen und ihr ein Ende setzen müssen, und sie kann nur durch Leiden, nur durch außergewöhnliche, kontinuierliche Arbeit erlöst werden.“ Und das ist absolut wahr: Die Idee der Reue und Sühne ist eine der reinsten und menschlichsten, die Grundlage höchster Moral.

Doch dann fängt Petja an, nicht über Ideen, sondern über deren wahre Verkörperung zu sprechen, und seine Reden beginnen sofort pompös und absurd zu klingen, das gesamte Glaubenssystem verwandelt sich in einfache Phrasendrescherei: „Ganz Russland ist unser Garten“, „die Menschheit“. bewegt sich zur höchsten Wahrheit, zum höchsten Glück.“ , was nur auf Erden möglich ist, und ich stehe an vorderster Front!“

Ebenso oberflächlich spricht Petja über menschliche Beziehungen, über das, was keiner Logik unterliegt, was dem harmonischen System der Ideenwelt widerspricht. Denken Sie daran, wie taktlos seine Gespräche mit Ranevskaya über ihren Liebhaber sind, über ihren Kirschgarten, nach dem sich Lyubov Andreevna sehnt und den er nicht retten kann, wie lustig und vulgär Petjas berühmte Worte klingen: „Wir stehen über der Liebe! …“ Für ihn ist Liebe für die Vergangenheit, für einen Menschen, für ein Zuhause, für die Liebe im Allgemeinen, dieses Gefühl selbst, seine Irrationalität, ist unzugänglich. Und deshalb ist Petjas spirituelle Welt für Tschechow fehlerhaft und unvollständig. Und Petja, egal wie richtig er über den Schrecken der Leibeigenschaft und die Notwendigkeit, die Vergangenheit durch Arbeit und Leiden zu sühnen, argumentierte, ist von einem wahren Verständnis des Lebens genauso weit entfernt wie Gaev oder Warja. Es ist kein Zufall, dass Anya neben Petya steht – ein junges Mädchen, das noch zu nichts eine eigene Meinung hat, das noch an der Schwelle zum wirklichen Leben steht.

Von allen Bewohnern und Gästen des Anwesens gelang es nur Anya, Petja Trofimow mit seinen Ideen zu fesseln; sie ist die Einzige, die ihn absolut ernst nimmt. „Anja ist vor allem ein Kind, fröhlich bis zum Ende, kennt das Leben nicht und weint nie ...“, erklärte Tschechow den Schauspielern bei den Proben. Also gehen sie zu zweit: Petya, feindselig gegenüber der Welt der Dinge, und die junge Anya, die „das Leben nicht kennt“. Und Petja hat ein klares und klares Ziel: „Vorwärts – zum Stern.“

Tschechows Ironie ist brillant. Seine Komödie fing auf erstaunliche Weise die ganze Absurdität des russischen Lebens am Ende des Jahrhunderts ein, als das Alte vorbei war und das Neue noch nicht begonnen hatte. Einige Helden treten selbstbewusst an der Spitze der gesamten Menschheit vor – dem Stern entgegen und verlassen den Kirschgarten ohne Reue. Was soll ich bereuen? Schließlich ist ganz Russland unser Garten! Andere Helden erleben den Verlust des Gartens schmerzlich. Für sie ist dies der Verlust einer lebendigen Verbindung mit Russland und ihrer eigenen Vergangenheit, mit ihren Wurzeln, ohne die sie die ihnen zugeteilten Jahre nur irgendwie ausleben können, ohnehin schon für immer fruchtlos und hoffnungslos... Die Rettung des Gartens liegt in ihm radikaler Wiederaufbau, aber neues Leben bedeutet in erster Linie den Tod der Vergangenheit, und der Henker erweist sich als derjenige, der die Schönheit der sterbenden Welt am deutlichsten sieht.

Für einen Snack…….. über das Bild des Kirschgartens.

Der Kirschgarten ist ein komplexes und mehrdeutiges Bild. Dabei handelt es sich nicht nur um einen bestimmten Garten, der Teil des Nachlasses von Gaev und Ranevskaya ist, sondern auch um ein symbolisches Bild. Es symbolisiert nicht nur die Schönheit der russischen Natur, sondern vor allem die Schönheit des Lebens der Menschen, die diesen Garten gepflegt und bewundert haben, dieses Leben, das mit dem Tod des Gartens zugrunde geht.

Das Bild des Kirschgartens vereint alle Charaktere des Stücks. Auf den ersten Blick scheint es, dass es sich nur um Verwandte und alte Bekannte handelt, die sich zufällig auf dem Anwesen versammelt haben, um ihre alltäglichen Probleme zu lösen. Aber das ist nicht so. Der Autor bringt Charaktere unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher sozialer Gruppen zusammen, und sie müssen auf die eine oder andere Weise über das Schicksal des Gartens und damit über ihr eigenes Schicksal entscheiden.

Eigentümer des Anwesens sind die russischen Grundbesitzer Gaev und Ranevskaya. Sowohl Bruder als auch Schwester sind gebildete, kluge und sensible Menschen. Sie wissen die Schönheit zu schätzen, sie spüren sie auf subtile Weise, aber aufgrund ihrer Trägheit können sie nichts tun, um sie zu retten. Trotz all ihrer Entwicklung und ihres spirituellen Reichtums fehlt Gaev und Ranevskaya der Sinn für Realität, Praktikabilität und Verantwortung und sie sind daher nicht in der Lage, für sich selbst oder ihre Lieben zu sorgen. Sie können Lopakhins Rat nicht folgen und das Land verpachten, obwohl ihnen das ein beträchtliches Einkommen bringen würde: „Datschen und Sommerbewohner – das ist so vulgär, tut mir leid.“ An dieser Maßnahme hindern sie besondere Gefühle, die sie mit dem Nachlass verbinden. Sie betrachten den Garten als eine lebendige Person, mit der sie viel gemeinsam haben. Für sie ist der Kirschgarten die Verkörperung eines vergangenen Lebens, einer vergangenen Jugend. Ranevskaya schaut aus dem Fenster in den Garten und ruft aus: „Oh meine Kindheit, meine Reinheit! Ich habe in diesem Kinderzimmer geschlafen, von hier aus auf den Garten geschaut, das Glück ist jeden Morgen mit mir aufgewacht, und dann war er genau derselbe, nichts hat sich verändert.“ Und weiter: „Oh mein Garten! Nach einem dunklen, stürmischen Herbst und einem kalten Winter bist du wieder jung, voller Glück, die himmlischen Engel haben dich nicht verlassen ...“ Ranevskaya spricht nicht nur über den Garten, sondern auch über sich selbst. Sie vergleicht ihr Leben buchstäblich mit einem „dunklen, stürmischen Herbst“ und einem „kalten Winter“. Als sie in ihr Heimatland zurückkehrte, fühlte sie sich wieder jung und glücklich.

Lopakhin teilt nicht die Gefühle von Gaev und Ranevskaya. Ihr Verhalten erscheint ihm seltsam und unlogisch. Er fragt sich, warum sie sich nicht von den für ihn so offensichtlichen Argumenten für einen besonnenen Ausweg aus einer schwierigen Situation beeinflussen lassen. Lopa-khin weiß Schönheit zu schätzen: Er wird vom Garten bewundert, „es gibt nichts Schöneres auf der Welt.“ Aber er ist ein aktiver und praktischer Mensch. Er kann den Garten nicht einfach bewundern und Mitleid mit ihm haben, ohne zu versuchen, etwas zu tun, um ihn zu retten. Er versucht aufrichtig, Gaev und Ranevskaya zu helfen und überzeugt sie ständig: „Sowohl der Kirschgarten als auch das Land müssen für Datschen vermietet werden, tun Sie es jetzt, so schnell wie möglich – die Auktion steht vor der Tür!“ Verstehen! Aber sie wollen nicht auf ihn hören. Gaev ist nur zu leeren Schwüren fähig: „Bei meiner Ehre, was auch immer Sie wollen, ich schwöre, das Anwesen wird nicht verkauft!... Ich schwöre bei meinem Glück!... dann nennen Sie mich einen billigen, unehrlichen Menschen, wenn ich es zulasse.“ es soll versteigert werden! Ich schwöre mit ganzem Herzen!“

Die Auktion fand jedoch statt und Lopakhin kaufte das Anwesen. Für ihn hat dieses Ereignis eine besondere Bedeutung: „Ich habe ein Anwesen gekauft, auf dem mein Großvater und mein Vater Sklaven waren, wo sie nicht einmal die Küche betreten durften. Ich träume, ich bilde mir das nur ein, es scheint nur ...“ So wird für Lopakhin der Kauf eines Anwesens zu einer Art Symbol seines Erfolgs, zu einer Belohnung für langjährige Arbeit. Er möchte, dass sein Vater und sein Großvater aus dem Grab auferstehen und sich darüber freuen, wie erfolgreich ihr Sohn und ihr Enkel im Leben waren. Für Lopakhin ist ein Kirschgarten nur Land, das verkauft, verpfändet oder gekauft werden kann. In seiner Freude hält er es nicht einmal für nötig, den ehemaligen Gutsbesitzern gegenüber ein gewisses Maß an Fingerspitzengefühl an den Tag zu legen. Er beginnt, den Garten abzuholzen, ohne überhaupt darauf zu warten, dass sie gehen. In gewisser Weise ähnelt er dem seelenlosen Lakaien Yasha, dem Gefühle wie Freundlichkeit, Liebe zu seiner Mutter und Verbundenheit mit dem Ort, an dem er geboren und aufgewachsen ist, völlig fehlen. Darin ist er das direkte Gegenteil von Firs, bei dem diese Eigenschaften ungewöhnlich ausgeprägt sind. Firs ist die älteste Person im Haus. Er hat seinen Herren viele Jahre lang treu gedient, liebt sie aufrichtig und ist wie ein Vater bereit, sie vor allen Schwierigkeiten zu schützen. Vielleicht ist Firs die einzige Figur im Stück, die mit dieser Eigenschaft ausgestattet ist – Hingabe. Firs ist ein sehr ganzheitlicher Mensch, und diese Integrität kommt in seiner Einstellung zum Garten voll zum Ausdruck. Für einen alten Diener ist der Garten ein Familiennest, das er ebenso wie seine Herren beschützen möchte.

Petya Trofimov ist ein Vertreter der neuen Generation. Das Schicksal des Kirschgartens interessiert ihn überhaupt nicht. „Wir stehen über der Liebe“, erklärt er und gibt damit zu, dass er nicht in der Lage ist, ernsthafte Gefühle zu empfinden. Petya betrachtet alles zu oberflächlich: Da er das wirkliche Leben nicht kennt, versucht er, es auf der Grundlage weit hergeholter Ideen neu aufzubauen. Äußerlich sind Petya und Anya glücklich. Sie wollen ein neues Leben beginnen und einen entscheidenden Bruch mit der Vergangenheit vollziehen. Für sie ist der Garten „ganz Russland“ und nicht nur dieser Kirschgarten. Aber ist es möglich, die ganze Welt zu lieben, ohne sein Zuhause zu lieben? Beide Helden stürmen zu neuen Horizonten, verlieren aber ihre Wurzeln. Ein gegenseitiges Verständnis zwischen Ranevskaya und Trofimov ist unmöglich. Wenn es für Petya keine Vergangenheit und keine Erinnerungen gibt, dann trauert Ranevskaya zutiefst: „Schließlich wurde ich hier geboren, mein Vater und meine Mutter, mein Großvater lebten hier, ich liebe dieses Haus, ohne den Kirschgarten verstehe ich mein Leben nicht.“ ...“

Der Kirschgarten ist ein Symbol der Schönheit. Aber wer wird die Schönheit retten, wenn Menschen, die sie zu schätzen wissen, nicht in der Lage sind, dafür zu kämpfen, und energische und aktive Menschen sie nur als Gewinn- und Profitquelle betrachten?

Der Kirschgarten ist ein Symbol einer Vergangenheit und Heimat, die uns am Herzen liegt. Aber ist es möglich, vorwärts zu kommen, wenn hinter einem das Geräusch einer Axt zu hören ist, die alles zerstört, was bisher heilig war? Der Kirschgarten ist ein Symbol des Guten, und daher klingen Ausdrücke wie „die Wurzeln abschneiden“, „die Blume zertrampeln“ oder „mit der Axt auf den Baum schlagen“ blasphemisch und unmenschlich.

Wenn wir über die Charaktere und Handlungen der Helden des Stücks nachdenken, denken wir über das Schicksal Russlands nach, das für uns der „Kirschgarten“ schlechthin ist.

Die neue lyrisch-epische Struktur eines dramatischen Werks, die er in „Die Möwe“ entdeckt hatte, wandte Tschechow bald in seinem anderen Stück „Onkel Wanja“ an, das er schlicht als „Szenen aus dem Dorfleben“ bezeichnete und damit über Genregrenzen hinausging . Hier begann er, noch entschiedener als zuvor, das Drama nicht auf Ereignissen, nicht auf dem Kampf gegensätzlicher „geladener“ Willen, nicht auf der Bewegung hin zu einem sichtbaren Ziel, sondern auf dem einfachen, gemessenen Fluss des Alltags aufzubauen.
Wenn sich in „Die Möwe“ die abseits der Bühne stattfindenden Ereignisse dennoch irgendwie ins Menschliche hineinzwängen

Das Leben verändert die Persönlichkeit, dann passieren in „Onkel Van“ nicht einmal Ereignisse hinter den Kulissen. Der bemerkenswerteste Vorfall ist die Ankunft und Abreise des Professorenehepaars der Hauptstadt, der Serebryakovs, auf dem alten, heruntergekommenen Anwesen, in dem Onkel Wanja und seine Nichte Sonya gewöhnlich müde leben und arbeiten. Auf dem Rasen spazieren gehen und über den Verlust des Sinns des Lebens reden, gehen Hand in Hand mit Sorgen über das Mähen, Erinnerungen an die Vergangenheit werden durchsetzt mit einem Glas Wodka und dem Klimpern einer Gitarre.
Die Eröffnung ist abgeschlossen. Was offenbart wird, ist „nicht das Drama des Lebens, sondern das Drama des Lebens selbst“. Leben und Ereignisse verändern Orte. Tschechow lehnt das alte, auf einem Ereignis aufbauende Drama ab und entfaltet die Handlung des Stücks „außerhalb und abseits der Ereignisse“. Ereignisse sind lediglich Vorfälle im Leben eines Menschen. „Ereignisse kommen und gehen, aber der Alltag bleibt und stellt einen Menschen bis zu seinem Tod auf die Probe.“ Es ist diese Prüfung des Alltags, die am schwersten zu ertragen ist und die die Grundlage für eine neue Art von Drama bildet.
Im langsamen Rhythmus des sommerlichen Dorflebens braut sich spontan von innen heraus ein Drama zusammen. Ein Drama, das man bei oberflächlicher Betrachtung nur für einen Sturm im Wasserglas halten kann. Aber für diejenigen, die sich die Mühe machen, die wahre Bedeutung des Geschehens genau zu betrachten, wird sich hier ein Konflikt mit breitem epischem Inhalt eröffnen. Es baut sich in einer stickigen, stürmischen Nacht inmitten von Schlaflosigkeit auf, als Voinitsky plötzlich klar versteht, wie dumm er sein Leben „verschwendet“ hat.
„Das Leben ist verloren! – Onkel Wanja wird dann verzweifelt schreien. – Ich bin talentiert, klug, mutig. Wenn ich anders gelebt hätte, hätten Schopenhauer und Dostojewski aus mir hervorgehen können.“ Dieser Schrei, der im alten Herrenhaus zu hören ist, enthüllt im Wesentlichen den schmerzhaften Punkt der Geschichte. Der Punkt ist nicht nur, dass das Leben eines unglücklichen Ivan Petrovich Voinitsky „verschwendet“ wurde, einem aufgeblasenen Idol, einem gelehrten Cracker, diesem erbärmlichen Gicht Serebryakov, den er 25 Jahre lang als Genie verehrte, vor die Füße geworfen wurde, für den er arbeitete demütig mit Sonya zusammen und quetschte die letzten Säfte aus dem Anwesen heraus. Die Rebellion von Onkel Wanja bedeutet gleichzeitig den schmerzhaften Prozess des Zusammenbruchs der alten Autoritäten in der russischen Realität zu einer Zeit, in der eine große historische Ära zu Ende ging und die Dogmen, die die Menschen noch vor Kurzem in Bewegung gesetzt hatten, neu bewertet wurden. Das von Tschechow erstmals in „Iwanow“ aufgeworfene Thema als Vorgeschichte des Helden rückt nun ins Zentrum des Werkes.
Der Serebryakov-Kult, der viele Jahre lang fleißig und effizient mit vollem Eifer und Verständnis betrieben worden war, fiel. Und Onkel Wanja, der Held des daraus resultierenden Unglaubens, durchlebt schmerzlich die Krise des Verfalls alter Werte: „Du hast mein Leben ruiniert! Ich habe nicht gelebt, ich habe nicht gelebt! Durch deine Gnade habe ich die besten Jahre meines Lebens zerstört! Du bist mein schlimmster Feind!“ Nachdem Voinitsky mit dieser Tirade herausgeplatzt ist, schießt er unbeholfen auf Serebryakov – bam! - natürlich vermisst er es und fragt sich verwirrt und verwirrt: „Oh, was mache ich!“ Was mache ich?"
Das Drama von Onkel Wanja endet nicht mit diesem misslungenen Schuss. Er wird nicht einmal in der Lage sein, Selbstmord zu begehen. Das Drama wird komplizierter. „Der Schuss ist kein Drama, sondern ein Unfall. das Drama kommt später.“ - Tschechow erklärte. Tatsächlich begann das Drama, als wieder eine Reihe grauer, karger Tage begann, die nur mit unzähligen Pfunden Buchweizen und Pflanzenöl gefüllt waren. Das Ehepaar Serebryakov geht. Onkel Wanja versöhnt sich mit dem Professor und verabschiedet sich für immer von der faulen Schönheit Elena. Alles wird wieder wie zuvor sein. Wir sind gegangen. Schweigen. Die Grille knistert. Waffles Gitarre klimpert leicht. Der Abakus klickt. Alles normalisiert sich wieder. Aber wie lebt man den Rest des Lebens, wie übersteht man jetzt die „Prüfung des Alltags“, jetzt, wo einem der Sinn und Zweck des Lebens, die „allgemeine Idee“ entzogen ist? Wie beginnt man ein „neues Leben“? Das ist das wahre „Extra-Event“-Drama von Voinitsky. Es handelt sich um ein Drama „unpersönlicher“ Natur, denn am Ende geht es nicht nur um Serebrjakow. Tatsache ist, dass die ganze alte Welt zusammenbricht und zusammenbricht und ihre Risse durch die menschliche Seele gehen. Voinitsky versteht das immer noch nicht wirklich, er versucht immer noch, die klaffenden Löcher mit etwas zu stopfen, um „ein neues Leben zu beginnen“. Aber Doktor Astrov hält ihn verärgert auf: „Eh, komm schon! Was für ein neues Leben gibt es! Unsere Situation, Ihre und meine, ist hoffnungslos.“ Der Prozess der tragischen Ernüchterung, den Onkel Wanja gerade schmerzlich erlebt hat, liegt weit hinter Astrov zurück. Er täuscht sich nicht mit rettenden Fata Morgana. Er gibt ehrlich zu, dass er kein „Licht in der Ferne“ hat. Doktor Astrov glaubt seit langem an nichts, er spürt, wie „verabscheuungswürdiges Spießertum“ anständige, intelligente Menschen mit seinen „faulen Dämpfen“ vergiftet, wie er selbst allmählich zum Zyniker, zum Vulgär wird und deshalb Wodka trinkt. Aber er ist frei von Illusionen, von Bewunderung für falsche Idole. Wenn sich Voinitsky auf dem Niveau des „Massenbewusstseins“ der durchschnittlichen russischen Intelligenz befindet, dann ist Astrov eine Stufe höher. In diesem Sinne ist er nicht durch seine Umgebung, Umwelt, Zeit verschlossen. Er arbeitet wie kein anderer im Bezirk, kann Wälder pflanzen und darüber nachdenken, wie sie seinen entfernten Nachkommen Lärm machen. In seinem Bild stecken Poesie, ein Sinn für Schönheit und eine „Luftperspektive“.
Das zukünftige halbkörperliche Leben schimmert immer noch nur im Unterstrom der gegenwärtigen Existenz. Tschechow macht es möglich, ihre Annäherung zu hören, ihre Andeutungen zu erraten. Er tut dies nicht direkt, sondern mithilfe einer speziellen Subtexttechnik. Als Astrov im letzten Akt geht und einen zufälligen Satz über „die Hitze in Afrika“ sagt, scheint darunter eine große Bedeutung zu schwanken, die sich kaum in Worten ausdrücken lässt und die Hülle der Worte nicht durchbrechen kann. Deshalb brauchte Tschechow in „Onkel Wanja“ ein „offenes Ende“: Unser Leben ist nicht vorbei, es geht weiter. „Was tun“, sagt Sonya, die sich gerade vom Traum vom Glück verabschiedet hat, „wir müssen leben.“ Wir, Onkel Wanja, werden überleben.“ Der Abakus klickt wie gewohnt. Draußen vor dem Fenster klopft der Wächter mit einem Holzhammer. Das Geschehen verklingt leise. Und wieder taucht das Tschechowsche Motiv des geduldigen Wartens auf – nicht so sehr die Unterwerfung unter das Schicksal, sondern selbstlose Beharrlichkeit, Erwartung zukünftiger Gnade, Appell an die Ewigkeit: „Wir werden ruhen.“ wir werden den ganzen Himmel in Diamanten sehen.“

1. Tschechow schrieb über viele und unterschiedliche Dinge, er schrieb viel über „düstere“ Menschen, aber es sind nicht ihre Bilder, die seinen weltweiten Ruhm bestätigen, sondern diese Werke, die vom Glauben seiner Helden sprechen ...
2. In der russischen Literatur berührten Autoren häufig Themen, die für jede Epoche relevant waren. Von den Klassikern aufgeworfene Themen wie das Konzept von Gut und Böse, die Suche nach dem Sinn des Lebens, der Einfluss der Umwelt ...
3. Der ideologische und thematische Inhalt des Stücks wird durch den Wendepunkt im Leben seiner Helden bestimmt. Sie alle erweisen sich nicht als Opfer privater Umstände und ihrer persönlichen Qualitäten, sondern der globalen Gesetze der Geschichte: aktiv und energisch...
4. Tschechow ist Autor sozialpsychologischer Stücke, in denen Gefühle und Erfahrungen verstärkt berücksichtigt werden. Tschechows Dramen sind von einer Atmosphäre allgemeiner Unruhe durchdrungen; Es gibt keine glücklichen Menschen darin. Die Helden sind von ihren eigenen Problemen zu deprimiert und ...
5. ARKADINA ist die Heldin von A. P. Tschechows Komödie „Die Möwe“ (1896). „Ein charmantes, vulgäres Mädchen“, „ein charmanter Bootsfahrer“, „eine selbstgefällige und selbstbewusste Provinzberühmtheit“ – so beurteilt A. die Theaterkritik. Die Grundlage von A.s Charakter ist „der Wille,...“
6. A. Bloks Gedicht „Die Zwölf“ wurde 1918 geschrieben. Es war eine schreckliche Zeit: Vier Jahre Krieg lagen hinter uns, das Gefühl der Freiheit in den Tagen der Februarrevolution, der Oktoberrevolution und der Machtübernahme der Bolschewiki, ...
7. Das Stück „Die Möwe“ berührt viele Lebensthemen. Gleichzeitig verbirgt sich hinter alltäglichen Details eine außergewöhnliche Lyrik. „The Seagull“ basiert nicht auf actiongeladener dramatischer Action, sondern auf einer tiefgreifenden psychologischen Analyse der Charaktere. Tschechow...
8. Die Prosa von Anton Pawlowitsch Tschechow zeichnet sich durch Lakonizität, Präzision in der Wahl des Wortschatzes und der Metaphern sowie subtilen Humor aus. Der Autor ist ein unübertroffener Meister der Kurzgeschichte. Auf den Seiten seiner Werke singt und tanzt, weint und lacht das Echte...
9. Wie sich die von den Klassikern geerbte Technik verändert hat, lässt sich in Tschechows erstaunlicher Erzählung „Der Name des Pferdes“ sehen. Ein „Frontalangriff“ mit endlosen und völlig traditionellen Uzedechkin, Zherebtsov und Korenny, wie wir wissen,...
10. Der Tod eines Beamten ist eine der lustigsten Geschichten von Anton Pawlowitsch Tschechow. Selbst sein tragischer Ausgang überschattet nicht den komischen Charakter des Werkes. Im Aufeinandertreffen von Lachen und Tod triumphiert das Lachen. Es bestimmt den Gesamtton...
11. In den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts schrieb Anton Pawlowitsch Tschechow eine der bedeutendsten Geschichten – „Ward No. 6“ – ein Werk, das mit dem Spätwerk des Schriftstellers verwandt ist. Da ist keine Ironie mehr drin...
12. Wir haben Aufführungen gesehen, bei denen Zuschauer, die „The Cherry Orchard“ nicht gelesen hatten (es gibt einige, die die Sekundarschule abgeschlossen haben), sich darauf vorbereiteten, den Zuschauerraum zu verlassen, nachdem Anyas Stimmen hinter der Bühne gehört wurden ...
13. Die Welt von Tschechows Prosa ist unerschöpflich vielfältig. Tschechows Geschichten sind lakonisch und prägnant, aber wie viele lebende Charaktere werden darin nachgezeichnet, wie viele Schicksale! In den unbedeutendsten, alltäglichen Ereignissen sieht der Autor innere Tiefe und psychologische...
14. Das Bild der Möwe geht grundsätzlich mit dem Bild des Wassers einher: Bei Tschechow handelt es sich um einen See. Wie in der Enzyklopädie „Mythen der Völker der Welt“ erwähnt, ist Wasser eines der Grundelemente des Universums. In einer Vielzahl heidnischer Glaubensrichtungen ist Wasser...
15. Nach Tschechows Tod sagte L. N. Tolstoi: „Die Würde seines Werks besteht darin, dass es nicht nur für jeden Russen, sondern für jeden Menschen im Allgemeinen verständlich und verwandt ist.“ Und das ist die Hauptsache.“ Thema...In zahlreichen Geschichten dieser Zeit wendet sich Tschechow dem Studium der Seele des modernen Menschen zu, beeinflusst von verschiedenen sozialen, wissenschaftlichen und philosophischen Ideen: Pessimismus („Lichter“, 1888), Sozialdarwinismus („Duell“, 1891). ), radikaler Populismus („ Story...
16. Ich hatte die Gelegenheit, die Werke von Anton Pawlowitsch Tschechow kennenzulernen. Dies ist ein großer Meister und Künstler der Worte. Er ist in der Lage, das ganze Leben eines Menschen in einer kleinen Geschichte darzustellen und dabei seinen Regeln und Aphorismen zu folgen: „Mit Talent schreiben...“
17. Lopakhin ist zwar ein Kaufmann, aber in jeder Hinsicht ein anständiger Mann. A. Tschechow. Aus Briefen Das Stück „Der Kirschgarten“ wurde 1903 von Tschechow geschrieben, als sich in Russland große gesellschaftliche Veränderungen zusammenbrauten. Adel...

Das Symbol basiert auf einer Allegorie, aber ein Symbol ist keine eindeutige Allegorie. Und genau das ist das Hauptsymbol des Stücks – das Bild einer Möwe. Dieses Bild ist mit dem Schatten von Treplev verbunden, der vorhersagt, dass er sich wie diese Möwe umbringen wird, und mit dem Schicksal von Nina und Trigorin, der in der Möwe eine Handlung für eine Geschichte über das Schicksal des Mädchens sah, und das Das Bild der Möwe verwandelt sich in ein polysemantisches Symbol für etwas Vergebliches und seelenlos Vergessenes. Dieses Symbol wird dominant bei der Beurteilung des gesamten im Stück dargestellten Lebens. Der See erhält auch einen symbolischen Charakter – eine Art Aktivcharakter

Gesicht in Treplews Stück und sogar Tschechow selbst: „Oh, der Hexensee!“ und eine Theaterbühne, die für Treplews Auftritt gebaut wurde. Darauf wird ein Monolog über die Weltseele gelesen, hier sind Worte über die Liebe zu hören, und dann hört Medwedenko von hier aus jemanden weinen. Es war Nina, die um verlorene Hoffnungen weinte.

Somit ist (das Symbol des Lebens) zu Ende, und sein Ende ist traurig. Dialoge finden auf einem hohen emotionalen Spannungsniveau statt. In der letzten Szene von Treplevs Gespräch mit Nina spricht er mehrmals über Pferde: „Meine Pferde stehen in der Nähe des Tors“; „Meine Pferde sind in der Nähe.“ Und obwohl wir verstehen, dass es sich um alltägliche Details handelt (es ist nicht nötig, Nina zu verabschieden), bekommt das Bild von Pferden eine andere Bedeutung: Pferde sind ein Symbol für den Weg, den nicht eingeschlagenen Weg. „Die Möwe“ gibt nicht die Antwort, die am Ende des Weges wartet, da das Stück selbst das Leben als einen Prozess betrachtet, der im Stück kein Ende hat. Er ist irgendwo außerhalb davon.

Ein interessantes Symbol ist der bewusst literarische Charakter des Stücks, der insbesondere in Dialogen zum Ausdruck kommt, die auf zahlreichen Reminiszenzen aufbauen, beispielsweise an das Werk Shakespeares. Deshalb liest Arkady wiederholt die kindlichen Monologe der Königin aus Hamlet vor und antwortet ihr, wie zum Spaß, mit Hamlets Zeilen. Ninas Rede, poetisch und abrupt, scheint die Vergesslichkeit weniger ihrer selbst als vielmehr ihrer Helden zu veranschaulichen. Dies ist ein Symbol für die intensivste Suche nach dem Sinn des Lebens, wie auch für die Heldin, an die man sich in der Szene ihres letzten Gesprächs mit Treplev erinnern muss.

Aus den wirren, abrupten Sätzen entsteht ein Symbol – das Kreuz und die Verantwortung, die jeder tragen muss. Aber Nina hört hier nicht auf. Sie ist, wie alle Helden des Stücks „Die Möwe“, auf der Suche nach einem Symbol für Hoffnung, Willen und Flucht.

Manchmal wird es beängstigend, wenn man an das Leben, seinen Fluss und seinen Aufbau denkt. Wenn man den zu Ende gehenden Tag analysiert, kommt man plötzlich zu dem Schluss, dass das Leben leer ist. Was haben Sie in diesen einzigartigen Stunden Ihres Lebens wirklich getan? Ich bin aufgewacht, habe meine Morgenroutine erledigt, gefrühstückt, zu Mittag und zu Abend gegessen, habe einige Zeit damit verbracht, mich vor dem Spiegel zu putzen, habe eine Weile mit Freunden geplaudert, habe etwas unternommen. Nichts entdeckt, nichts erfunden. Der Tag verging in kleinen Dingen, das Gleiche wie gestern und das Gleiche, das morgen passieren wird. Der Mann ist an jedes Detail gefesselt.

Es ist dieser tragische Aspekt des Lebens, der für Tschechow sozusagen zur Hauptfigur seiner Geschichten wird.

Lassen Sie uns seine Sammlung nach dem Zufallsprinzip öffnen. Hier ist „Die Dame mit dem Hund“, ein „prosaischer“ Fall von doppeltem Ehebruch, bei dem intime Beziehungen neben dem Essen von Wassermelonen stehen, während die Frau aus Gewohnheit weint. Und dann eine lange und gewöhnliche Verbindung mit der bereits alltäglichen und sogar rituellen Suche nach einem Ausweg aus der Situation, die sich in Worten entwickelt hat. Herr, sind das Tristan und Isolde?!

„Der neunjährige Junge Vanka Schukow, der zum Lernen beim Schuhmacher Alyakin geschickt wurde, ging in der Nacht vor Weihnachten nicht zu Bett.“ Der Junge schreibt Briefe an seinen Großvater in Selo, und in diesem Brief findet sich wiederum eine Liste mit vielen kleinen Dingen, die das menschliche Leben und die Hoffnung auf eine bessere Zukunft verschlingen. Das Schlimmste ist, dass Vankas Mentoren einst die gleiche Wissenschaft erlebten und, so scheint es, zu bestimmten Schlussfolgerungen hätten gelangen und ihre Schmerzen erwähnen sollen ...

Obwohl! Belikovs schreckliche Kleinlichkeit wiederholt sich von Tag zu Tag. Warum wurde er zum „Mann im Koffer“? Was hat seine Persönlichkeit verzerrt? Schließlich wurde er nicht so geboren, sondern wurde es im Laufe der Jahre. Ich sehe keine Gründe dafür, dass die Angst dieses Mannes vor dem Staat nachgelassen hat. Mir kommt es oft so vor, als sei dies ein Versuch gewesen, einem widerlichen Leben zu entfliehen, das mich mit Freudenversprechen lockte und dann alles in eine Kette von Plattitüden und Lügen verwandelte. Und in der antiken griechischen Literatur gab es Helden, die gegen das Schicksal selbst rebellierten, dem die unsterblichen Götter gehorchten.

Und Belikov starb, und auf seinem Gesicht war ein Ausdruck der Freude. Nun, am Ende war er frei vom Alltag, und Gott ist am Ende frei ...

Tatsächlich bestehen neunundneunzig Prozent des Lebens eines jeden Menschen aus diesen kleinen Dingen. Von alltäglichen und gewöhnlichen Handlungen. Dies kann eine Quelle der Tragödie sein, es kann eine Garantie für Glück sein. Lassen Sie mich diese Idee anhand eines alten Gleichnisses erklären.

„Der Reisende traf unterwegs einen Mann, der fluchend seine mit Steinen gefüllte Schubkarre schob.

- Siehst du nicht? Ich trage diese verdammten Steine ​​– das Unglück meines Lebens.

- Was machst du, guter Mann?

- Siehst du nicht? Ich habe unglaubliches Glück: Ich baue den Kölner Dom, der in keinem Land prächtiger sein wird.“

Tschechows Figuren wussten nicht, warum und wohin sie ihre Last schleppten – und jeder Tag wurde zur Verschwendung von Leben und Kraft. Wissen wir, wohin wir unseren Einkaufswagen ziehen?

2.2 „Die Wehen der Kreativität“ von Trigorin

Tschechows Dramaturgie spielt die Möwe

Trigorin ist viel älter als Treplev, gehört einer anderen Generation an und fungiert in seinen Ansichten über die Kunst als Antipode zu Treplev. Er scheint der Gegenpol zu ihm zu sein.

Als Schriftsteller ist Trigorin zweifellos bedeutender und interessanter als als Person. Er ist ein bekannter Schriftsteller, halb im Scherz oder halb im Ernst sagt man über ihn, dass er nicht nur mit Tolstoi und Zola verglichen werden könne, und viele halten ihn für einen Gleichgesinnten nach Turgenjew. Natürlich sollte es nicht ernsthaft mit den Klassikern verglichen werden. Anhand der wenigen Beweise, die über die Seiten des Stücks verstreut sind, kann man schließen, dass Trigorin tatsächlich talentiert ist. Für ihn ist Kreativität jedoch nicht nur Brot, Spaß und Fans, für Arkadina ist sie für ihn sowohl eine schmerzhafte Krankheit als auch eine Obsession, sondern auch ein Synonym für das Leben. Trigorin ist einer der wenigen, der sich der Unzulänglichkeit seines Rollendaseins bewusst ist: „Ich mag mich als Schriftsteller nicht. Das Schlimmste ist, dass ich irgendwie benommen bin und oft nicht verstehe, was ich schreibe.“ Aber dieses Bewusstsein wird nicht zu einem echten dramatischen Übermaß seines „Ichs“.

Wie sind Trigorins Gespräche zu Beginn seiner Bekanntschaft mit Nina über sein Schreibhandwerk zu interpretieren? Sie werden ganz einfach, seriös und vertraulich durchgeführt. Man hat das Gefühl, dass der Autor des Stücks sowohl Trigorin, Treplev als auch Nina Zarechnaya seine Lieblingsgedanken über Kunst mitteilt. Aber irgendwie, am Rande der unfreiwilligen Ironie des Autors, bleiben Trigorins Geständnisse über seine „Quälen der Kreativität“ bestehen: Nach Angriffen göttlicher Inspiration, die ihn Gott weiß wann und wo heimsuchen, liebt er es, mit Angelruten zu sitzen und den Blick nicht abzuwenden schweben.

Und doch stellt er, offenbar immer noch ein Durchschnittsmensch in der Kunst, fest, dass er ein Feind von Schablonen sei: Er verstehe es, „Allgemeinheiten“ bissig ins Lächerliche zu ziehen. Sein Schaffensstil ist nicht innovativ, aber er sucht auch nach neuen Formen, er macht beispielsweise darauf aufmerksam, dass eine Wolke wie ein „Flügel“ aussieht, und selbst Turgenjew hätte einen solchen Vergleich nicht gewagt. Der Sucher nach neuen Formen, Treplev, bemerkt neidisch in einigen von Trigorins Geschichten die lakonische Beschreibung einer Mondnacht, in der es heißt, dass der Hals einer Flasche auf dem Damm einer Mühle glitzerte – das ist die ganze Nacht für Sie.

Trigorin ist blind und taub für alles außer seinen Notizbüchern, er sieht nur Bilder. Er ist Salieri, der nicht erkennen kann, dass er die Musik wie eine Leiche in Stücke reißt. Er verwandelt Landschaften in talentierte, ja sogar geniale Miniaturen und verwandelt sie in Stillleben, natur mort – tote Natur. Auch wenn er die bürgerschaftlichen Aufgaben seiner Arbeit, die Verantwortung für das Wort gegenüber dem Leser, die „pädagogische Funktion der Kunst“ versteht, spürt er in sich nicht die Fähigkeit, auf diesem Gebiet etwas zu tun – das ist nicht das richtige Talent. Aber ein Dichter in Russland ist mehr als ein Dichter.

Trigorins Leiden ist bedeutender, tiefer und bedeutungsvoller als Treplews Leiden. Als erfahrener Meister spürt Trigorin schmerzlich die Last des Talents, das nicht von einem großen Ziel inspiriert ist. Er empfindet sein Talent als einen eisernen Kern, an den er gebunden ist, wie ein Sträfling, und nicht als „göttliche Gabe“.

Tschechow verband viele seiner persönlichen Gedanken mit Trigorins Schriften. Dies ist besonders deutlich in den tragischen Worten zu spüren, mit denen Trigorin auf Ninas Kindheitsfreuden, auf ihre Bewunderung für seinen Erfolg und Ruhm antwortet.

„Welcher Erfolg? - Trigorin ist aufrichtig überrascht. - Ich mochte mich nie. Ich mag mich selbst nicht als Schriftstellerin ... Ich liebe dieses Wasser, diese Bäume, diesen Himmel, ich spüre die Natur, sie weckt in mir eine Leidenschaft, einen unwiderstehlichen Wunsch zu schreiben. Aber ich bin nicht nur Landschaftsmaler, ich bin immer noch Bürger, ich liebe meine Heimat, die Menschen, ich habe das Gefühl, wenn ich Schriftsteller bin, dann muss ich über die Menschen sprechen, über ihr Leid, über ihre Zukunft, rede über Wissenschaft, über Menschenrechte usw. und so weiter, und ich rede über alles, ich habe es eilig, sie drängen mich von allen Seiten, sie sind wütend, ich renne davon hin und her, wie ein Fuchs, der von Hunden gejagt wird, sehe ich, dass Leben und Wissenschaft immer weiter voranschreiten, und ich falle immer noch zurück und falle zurück, wie ein Mann, der den Zug verpasst hat, und am Ende fühle ich mich dass ich nur eine Landschaft malen kann, und in allem anderen bin ich falsch, und zwar bis ins Mark.“ Als Schriftsteller fühlt sich Trigorin seiner Heimat gegenüber verpflichtet; er verspürt das Bedürfnis, den Menschen hohe bürgerliche Gefühle zu vermitteln. In der russischen Literatur wird das Thema „Dichter und Bürger“ am lautesten von N. A. Nekrasov angesprochen. Aber das Bedürfnis danach hallte in der Seele jedes Schöpfers wider.

Trigorin läuft Gefahr, kreative Inspiration, Leidenschaft und Pathos zu verlieren, eine Gefahr, die aus dem Fehlen einer gemeinsamen Idee resultiert. Die Schwierigkeiten des Künstlers erscheinen im Bild von Trigorin in einer viel ernsteren Version als in Treplevs Version. Treplev quälte nicht die Suche nach einer Weltanschauung, das Bewusstsein der Pflicht und Verantwortung des Schriftstellers gegenüber seiner Heimat und seinem Volk.

Aus der Tatsache, dass Trigorin Gefahr läuft, sein kreatives Feuer zu verlieren, wäre es natürlich falsch, zu schließen, dass Trigorin der kalte Handwerker, der gleichgültige Routinist ist, als den Treplev ihn darstellt. Würde ein gleichgültiger Routinist genauso sehr unter der Erkenntnis der Schwächen und Unzulänglichkeiten seiner Kunst leiden wie Trigorin?

Ein weiteres großes Thema, das viele Künstler beschäftigt, ist das Bild von Trigorin. Die Kunst absorbiert und frisst Trigorin so sehr, dass er für das normale menschliche Leben weder den Willen noch die Fähigkeit zu großen und ganzheitlichen Gefühlen hat. Dies ist das allgemeine Problem des Künstlers in der bürgerlichen Gesellschaft, in der, wie Marx betonte, die Siege der Kunst auf Kosten einer gewissen moralischen Minderwertigkeit des Künstlers errungen werden. Trigorin beschwert sich bei Nina: „...Ich habe das Gefühl, dass ich mein eigenes Leben aufesse, dass ich für den Honig, den ich jemandem im Weltraum gebe, Staub von meinen besten Blumen aufpicke, die Blumen selbst zerreiße und auf ihren Wurzeln herumtrampele.“ Bin ich nicht verrückt?

Aber wie dem auch sei, Trigorin verdient auch nicht die tiefe, „ewige“ Liebe zur Kunst. Er selbst verlässt diese Liebe. Trotz all seiner Vorzüge hat er zu viel von Treplev gegessen, hat aber immer noch keine große, starke Seele oder die Fähigkeit zu ganzheitlichen Gefühlen. Und seine kreativen Möglichkeiten sind begrenzt. Er empfindet sein Talent nicht als Freiheit, sondern als Sklaverei, indem er seine Persönlichkeit an der Leine hält.

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Besonderheiten der westeuropäischen und russischen Symbolik in den Werken von Blok und Verlaine

Das Werk von Alexander Blok, einem der prominentesten Vertreter des Silbernen Zeitalters, zeigt die Komplexität der religiösen und philosophischen Suche seiner Zeit: In meinem abergläubischen Gebet / suche ich Schutz vor Christus ...

Das Erfolgsgeheimnis der Werke von Paulo Coelho am Beispiel der Erzählung „Der Alchemist“

Bereits Paulo Coelhos erste Bücher „Das Tagebuch eines Magiers“ (1987) und „Der Alchemist“ (1988) machten ihn zu einem der berühmtesten Schriftsteller unserer Zeit. Dann gab es „The Bridle“ (1990), „Walküren“ (1992), „Am Ufer des Rio Pedra setzte ich mich hin und weinte“ (1996) ...

Semantik von Texten von V.V. Mayakovsky in der individuellen Wahrnehmung (am Beispiel des Gedichts „Lilichka! Statt eines Briefes“)

In der Kunst des 20. Jahrhunderts ist V. Mayakovsky ein Phänomen von enormem Ausmaß. In seinem kreativen Erbe finden wir Texte und Satire, Gedichte und Theaterstücke, Essays und kritische Artikel, Werbegedichte und Zeichnungen. Aber wahre Größe...

Kreative Individualität von A.P. Tschechow

1860, 17. Januar(29). Anton Pawlowitsch Tschechow wurde in Taganrog geboren. 1869-1879. Studieren am Gymnasium. 1877. Erster Besuch in Moskau. 1877 - 1878. „Ein Stück ohne Titel“ („Vaterlosigkeit“) 1879. Eintritt in die medizinische Fakultät der Moskauer Universität. 1880, 9. März...

Das kreative Schicksal von Joseph Brodsky

Hier ist die Biographie von Joseph Alexandrovich Brodsky, präsentiert in der American Encyclopedia. Brodsky, Joseph (1940-1996), ist ein Dichter und Essayist, der 1987 den Nobelpreis für Literatur erhielt. Er wurde in Leningrad in der Sowjetunion (heute St. Petersburg, Russland) geboren und kam 1972 in die USA. 1991...

Komposition

Der herausragende russische Schriftsteller Anton Pawlowitsch Tschechow leistete einen unschätzbaren Beitrag zur Entwicklung nicht nur des heimischen, sondern auch des Weltdramas und fügte dem Drama neue Prinzipien hinzu. Seit der Antike tendiert diese Art von Kreativität zur Einheit von Zeit, Ort und Handlung; Drama baut immer auf Reden und Handlungen auf. Die Hauptaufgabe jedes dramatischen Werks ist der Konflikt. Das Verstehen des Konflikts bestimmt das Verständnis des Dramas als Ganzes. In Dramen charakterisieren sich die Charaktere oft selbst durch ihre Taten und Worte. Jeder bedeutende Charakter sollte ein bestimmtes Hauptmerkmal haben. Allerdings gilt in „Die Möwe“ ein anderes Prinzip; in diesem Stück gibt es keine klare Einteilung in Schurken oder Helden, gut oder böse.

In „Die Möwe“ gibt es wie in allen anderen dramatischen Werken Tschechows sogenannte dominante Wörter, die die Hauptbedeutungen des Werkes definieren. Das sind Wörter wie „Leben“, „Liebe“, „Kunst“. Diese Wörter existieren auf verschiedenen Ebenen. Der Begriff „Leben“ ist für Tschechow sowohl ein Problem als auch eine Erfahrung seiner Werte. Tschechow war sich als Schöpfer und Mensch der Vergänglichkeit des Lebens besonders bewusst (der Schriftsteller litt an Tuberkulose). Die Liebe ist in „Die Möwe“ wie in fast allen dramatischen Werken einer der wichtigsten Treiber der Handlung.
Kunst (für die Charaktere in „Die Möwe“ sind das vor allem Literatur und Theater) bildet einen großen Teil der Ideale der Helden, sie ist ihr Beruf und Hobby.
Alle Charaktere im analysierten Stück eint eine gemeinsame Eigenschaft: Jeder erlebt sein Schicksal alleine und niemand kann einem Freund helfen. Alle Charaktere sind mehr oder weniger unzufrieden mit dem Leben und konzentrieren sich auf sich selbst, auf ihre persönlichen Erfahrungen und Wünsche.
Die beiden Hauptfiguren des Stücks – Arkadina und Zarechnaya – sind Schauspielerinnen, Trigorin und Treplev sind Schriftstellerinnen, auch Sorim träumte davon, sein Leben einst mit der Literatur zu verbinden, hatte aber als Schriftstellerin keinen Erfolg. Obwohl Shamraev kein direkter Kunstmensch ist, steht er ihr dennoch nahe und interessiert sich für sie, insbesondere für literarisches Schaffen. Dorn kann auch als „nahezu literarischer Charakter“ bezeichnet werden.
Ein Merkmal eines dramatischen Werkes ist das Fehlen von Abschweifungen des Autors. Und da der Schöpfer des Dramas nicht die Möglichkeit hat, die Charaktere und Handlungen seiner Helden textlich zu bewerten, tut er dies anhand ihrer Sprache und Nachnamen. Die Namen der Charaktere in „Die Möwe“ sagen viel.
Der Nachname Arkadina hat mehrere Quellen. „Arkady“ – im Theaterjargon bedeutete ein kleiner Name für einen Schauspieler. Darüber hinaus ist Arkadien ein Land der idealen Träume, in dem die Kunst den Menschen anstrebt und führt. Arkadina ist wirklich in die Kunst und die Bühne versunken, sie kann sich ein Leben ohne diesen Lebensbereich nicht vorstellen. Doch je mehr wir sie kennenlernen, desto mehr beginnen wir zu verstehen, dass das Wichtigste für diese Frau nicht die Kunst selbst ist, sondern nur die Art und Weise, wie „sie aufgenommen wurde“. Auch der Nachname ihres Sohnes hat mehrere Bedeutungen. Erstens „plappern“ – also herumspielen, reißen, stören usw. Die zweite Bedeutung ist „plappern“ – viel reden und nicht auf den Punkt kommen. Die dritte Bedeutung dieses Wortes ist „Wachtel“ – der alte Name des Wachtelvogels. Forscher bemerken eine andere, verlorene Bedeutung: Tripol ist ein kieselsäurehaltiger Stein, der zum Schneiden verwendet wird; Tripol bedeutet „polieren“, etwas polieren. Die Namen Sorin und Medvedenko sind beredt und bedürfen keines Kommentars. Der erste verkörpert Nutzlosigkeit, Unsinn, der zweite ist ein unhöflicher, engstirniger Lümmel. Der Nachname der zweiten Hauptfigur von „Die Möwe“ Zarechnaya bedeutet etwas Unerreichbares und erzeugt eine Aura von Romantik und Träumen. Das Mädchen, in das Treplev schon lange und tief verliebt war, blieb für ihn immer unerreichbar.
Der Nachname Shamraev hat seinen Ursprung im Wort „Chamra“, dessen wörtliche Übersetzung Dunkelheit, Dunkelheit, Finsternis bedeutet. Der Schriftsteller Trigorin ist sicherlich eine versierte Persönlichkeit. Sein Nachname symbolisiert Erfolg. Der Schriftsteller eroberte drei der wichtigsten Gipfel des Lebens, drei Berge: Liebe, Kunst, Leben. „Dorn“ bedeutet aus dem Deutschen übersetzt Dorn, Dorn.
Wenn Sie sich fragen, was die treibende Kraft in dem Stück ist, wird die Antwort nicht eindeutig sein. Tschechow blieb seinem künstlerischen Grundsatz treu: Es gibt keine Heiligen und Schurken. Die Charaktere der Charaktere entwickeln sich im Laufe des Stücks nicht weiter und bleiben auch über längere Zeit unverändert. Nina Zarechnaya beispielsweise, die so viele unterschiedliche, meist traurige Ereignisse erlebt hat, bleibt immer noch dieselbe wie zu Beginn des Werkes. Diese Unveränderlichkeit kann jedoch nicht als statisch bezeichnet werden, es handelt sich um eine andere besondere Qualität. Somit wird die Handlung nicht von Metamorphosen im Weltbild der Charaktere bestimmt.
Turgenev schrieb: „Wenn es widersprüchliche Charaktere gibt, werden sie definitiv eine Handlung bilden.“ Was das Stück „Die Möwe“ betrifft, gibt es natürlich Widersprüche zwischen den Charakteren. Zum Beispiel die Diskrepanz zwischen menschlichen Zuneigungen, unerwiderte Liebe: Mascha liebt Treplew, Medwedenko liebt sie, Maschas Mutter ist ebenso wie ihre Tochter unerwidert in Doktor Dorn verliebt. Treplev liebt Nina Zarechnaya, aber Nina hegt tiefe Gefühle für Trigorin. Treilev leidet auch unter der Kälte seiner Mutter ihm gegenüber. Arkadina liebt ihren Sohn nicht – das wird im ganzen Stück immer wieder betont. Liebe und kreative Linien kreuzen sich und es entstehen immer neue Kollisionen. All diese Widersprüche führen jedoch nicht zu einem Konflikt der Persönlichkeiten oder zu einem antagonistischen Kampf zwischen den Charakteren. Die Helden des Stücks sind im Großen und Ganzen willensschwache, faule und initiativlose Menschen.
Und doch entwickelt sich die Handlung recht schnell. Was motiviert sie? Höchstwahrscheinlich - das Leben selbst.
Treplev ist vielleicht die vollständigste Persönlichkeit unter den Hauptfiguren des Stücks. Für ihn stehen die Kunst und Nina Zarechnaya an erster Stelle. Der junge Mann ist ständig bestrebt, neue Formen zu schaffen; die gleichgültige Vernachlässigung dieser Versuche durch seine Mutter verletzt ihn schwer. Und selbst als Treplev ein publizierter Schriftsteller wurde, lasen weder Arkadina noch Trigorin seine Werke grundsätzlich. Dies zeigt ihre negative Einstellung gegenüber allem Neuen.
Ein weiteres Merkmal des Stücks „Die Möwe“ ist die Rede der Charaktere. Es ist gewöhnlich, die Zeilen werden oft falsch vorgetragen, die Dialoge sind unterbrochen. Hin und wieder sind die Charaktere abgelenkt, wodurch oft der Eindruck entsteht, dass die gesprochenen Sätze zufällig seien. Das Stück enthält Sprachdominanten. Arkadina – „wie ich gespielt habe...“; für Nina – „Ich bin eine Möwe, glaube ich …“; für Sorina – ich bin gefährlich krank …“; von Shamraev – „Ich kann keine Pferde geben …“; Dorn – „Ich war, ich wollte sein...“; Medwedenkos Leben ist schwierig ...“
Tschechow gelang es meisterhaft, den subtilsten Subtext zu entwickeln. Die Worte im Stück sind oft nicht mit der Handlung verknüpft. Der Verlauf des Stücks wird fast nicht in Worten und Taten ausgedrückt. Der Autor betont die Alltäglichkeit des Geschehens.
Das Stück enthält drei ikonische Symbole: See, Möwe, Weltseele. Der See symbolisiert die Schönheit der zentralrussischen Landschaft – ein wichtiges Element von Tschechows Stücken. Eine Beschreibung der städtischen Umgebung sehen wir nicht. Die Landschaft wird zum Teilnehmer dramatischer Ereignisse. Sonnenuntergang, Mond, See – all das sind Projektionen des spirituellen Lebens der Helden.
Die Möwe – dieses Bildsymbol – zieht sich durch jedes Zeichen. Flügellose Menschen wollen unbedingt fliegen, aus dem Alltag ausbrechen. Die Tatsache, dass eine Möwe ausgestopft ist, ist beängstigend; der Tod einer Möwe bedeutet den Tod der Seele, der Kunst und der Liebe.
Tschechow verwendet eine solche Technik als Stück im Stück. Zu Beginn des Dramas inszeniert Treplev ein Stück über die Weltseele. Dieses Bild offenbart die komplexe Beziehung zwischen dem Natürlichen und dem Menschen. Treplev sucht nach einer allgemeinen Idee, die die Unvollkommenheiten des Lebens erklären könnte. In jeder Figur des Stücks gibt es einen Kampf zwischen materiellen und spirituellen Prinzipien.
Und zum Schluss noch ein Feature des Stücks „Die Möwe“. Wer dieses Werk gelesen hat, stellt sich unwillkürlich die Frage: Was ist daran komisch? Es scheint, dass der Autor uns nur die Tragödien zeigt, die mit jedem Helden verbunden sind. Komisches und Tragisches sind in „Die Möwe“ auf komplexe Weise miteinander verwoben. Jeder Charakter strebt während der gesamten Handlung ständig danach, ein ideales Glück zu erreichen. Natürlich vertritt jeder auf seine Weise das Ideal. Doch die Helden eint diese geradezu manische Beharrlichkeit. Jeder sehnt sich danach, glücklich zu sein, sich in der Kunst zu verkörpern und die ideale Liebe zu finden. Irgendwann macht der Autor dem Leser und Zuschauer die einfache Wahrheit klar, dass Versuche, sein Ideal ohne Humor zu finden, ohne die Fähigkeit, die Situation aus einer komischen Perspektive zu betrachten, zum Scheitern verurteilt sind.
Der Schuss setzt diesem Leben ein Ende, das zum Theaterstück wird.